Peindre des fruits et des motifs floraux à l’aquarelle avec le bon tour de main

1. C'est parti !: Bienvenue aux fruits et fleurs à l'aquarelle. Dans ce cours, vous allez apprendre à peindre vos propres fleurs fruitées avec une touche moderne. C' est un cours pratique. Donc tu vas apprendre mes techniques d'aquarelle préférées au fur et à mesure que nous allons. Vous allez trouver des conseils pour la floraison des couleurs, et vous commencerez à infuser des styles modernes comme les espaces blancs. Cette classe est pour tous les niveaux. Donc, que vous soyez un artiste expérimenté ou tout nouveau à l'aquarelle, vous serez en mesure de suivre et de développer vos compétences en peinture. Et puisque nous plongons dans une approche moderne avec l'aquarelle, vous allez apprendre à simplifier le processus de l'aquarelle pour créer des illustrations dynamiques sur les tendances. Je m'appelle Cat Coquillette, et voici ma 21e classe de Skillshare. En plus d'enseigner ici sur Skillshare, je dirige également une entreprise de conception de surface et de licences d'art appelée CatCoQ. En fait, j'ai commencé ma marque avec des aquarelles en 2014. Et aujourd'hui, vous pouvez trouver mes œuvres dans des magasins comme Target, Urban Outfitters, HomeGoods et plus encore. Je voyage aussi à plein temps dans le monde en tant qu'artiste nomade numérique, et je peins les choses qui m'inspirent dans mes voyages. Mon portefeuille de licences d'art est essentiellement un journal de l'endroit où j'ai été dans le monde entier. Un de mes aspects préférés de l'aquarelle sont les surprises amusantes. Vous pouvez utiliser des techniques telles que la floraison des couleurs et le mélange des couleurs sur le papier pour créer des résultats vraiment uniques. Aucun autre milieu n'est tout à fait comme l'aquarelle. J' aime peindre avec des espaces blancs, ce qui donne une ambiance moderne et minimale à mon œuvre. Et comme toutes mes autres classes, dans cette classe, je vais tout décomposer en morceaux. Donc ça va être facile de suivre et de peindre à côté de moi. Et à la fin de ce cours, vous aurez une pile de quatre illustrations aquarelles que vous avez peintes vous-même. Et dans le processus, vous allez apprendre quelques techniques plutôt cool et mes meilleurs conseils pour les aquarelles peintres. Très bien, Last but not least, s'il vous plaît n'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut. Je surprends souvent mes adeptes avec des cadeaux, et donne une poignée d'abonnements Skillshare Premium chaque année, Juste mes followers, ce qui signifie une année entière de Skillshare gratuitement. De plus, quand vous me suivez, cela signifie que vous serez le premier à le savoir dès que je lancerai mon prochain cours ou que j'aurai une quelconque annonce à partager avec mes élèves. Et vous pouvez entrer dans la boucle en appuyant sur le suivi en haut. Très bien, prêt à plonger et à créer vos propres originaux d'aquarelle ? Commençons. 2. Fournitures: Avant de plonger dans toutes les fournitures que nous allons utiliser aujourd'hui, j'ai l'impression que certains d'entre vous pourraient sauter parce que vous venez de mon autre cours d'aquarelle botanique. Donc, avant de sauter ceci et de plonger directement dans le premier tableau, je veux vous faire savoir que j'ai inclus une pile de photos de référence que vous pouvez utiliser aujourd'hui aussi. Vous pouvez les trouver sous l' onglet Projets et ressources à droite sous la colonne Ressources. J' utilise des photos de référence tout le temps quand je peins. Ils m'aident à comprendre comment je veux prendre ce motif complexe et le simplifier dans sa forme stylisée la plus basique. Vous êtes donc les bienvenus pour télécharger les photos de référence que j'ai incluses dans cette classe. Et j'ai tiré toutes ces images sur Unsplash.com. Unsplash est un site de photographie de stock, que j'utilise personnellement tout le temps parce que vous pouvez utiliser leurs images gratuitement même sur des projets commerciaux. Et comme tous mes autres cours, vous avez deux options ici. Vous pouvez suivre étape par étape avec chaque coup de pinceau que je fais. Ou vous pouvez créer votre propre composition. Alors pendant que je peins des kiwis et des fougères, vous pourriez faire des papayes et des feuilles tropicales. Alors n'hésitez pas à établir votre propre composition ou à suivre celle que je vais esquisser. D' accord, puis aux fournitures physiques. Commençons donc par le plus basique : les peintures à l'aquarelle. Donc, par ici, j'ai mes casseroles. J' utilise un mélange de casseroles et de tubes, même si l'un est sec et l'autre humide, ils font tous les deux exactement la même chose et vous pouvez les mélanger et les assortir ensemble. Alors souvent que je peins, je vais mélanger de la peinture à pan avec de la peinture pour créer une très belle couleur complexe. Et une fois que la peinture à tube sèche, elle devient en fait de la peinture à pan. Donc, ces globs sur ma palette ici sont en fait juste des zones de tubes séchées qui sont maintenant essentiellement des casseroles. Et en ce qui concerne les marques que j'utilise pour les aquarelles, je préfère utiliser Winsor & Newton. Donc celui-ci ici est la série Professional. En fait, je viens juste de commencer à l'utiliser il y a quelques mois. Donc, toute ma carrière avant que j'utilisais la série Cotman et sur un caprice j'ai décidé de passer à celui-ci. La série Cotman est donc un peu moins chère. C' est la note d'étudiant et la note d'artiste est la note professionnelle. Et c'est un peu plus cher. Mais pour être honnête avec toi, j'ai utilisé les notes Cotman depuis que j'ai 16 ans et que j'ai 33 ans maintenant. Je passe donc à la série Artist il y a quelques mois. Il ne s'agit pas tant de la marque de la peinture que vous utilisez. C' est comme ça que tu utilises cette peinture. Et vous savez ce que, par exemple, beaucoup de mes peintures à tubes sont ces tubes vraiment bon marché que j'ai ramassé au fil des ans en voyage. Certains d'entre eux, j'ai acheté en Indonésie, d'autres j'ai acheté en Thaïlande, et au plus un payé quelques dollars pour chaque tube. J' ai aussi quelques tubes plus fantaisistes comme la série Winsor & Newton Cotman. Donc, j'utilise juste un mélange de peinture vraiment bon marché et puis beaucoup plus belles peintures. Donc, si vous êtes en train d'acheter de nouvelles peintures à l'aquarelle et que vous essayez de décider sur quoi économiser de l'argent et quoi faire folie. Voici ma recommandation. Quand il s'agit des couleurs primaires, qui sont le bleu, le rouge et le jaune, ce sont les peintures sur lesquelles nous allons dépenser un peu plus d'argent. Ce sont tous Winsor et Newton. Et ces couleurs primaires sont les plus importantes parce que vous mélangez ces trois couleurs ensemble pour créer à peu près toutes les couleurs sur l'arc-en-ciel. Donc, je vais folie sur ces et puis je trouve des couleurs bon marché amusantes comme le vert menthe que je ne dépense que quelques dollars sur. Donc, si vous êtes en train de décider, généralement les couleurs primaires sont un peu plus chères, puis toutes les autres couleurs secondaires sont un peu moins chères. Je veux juste souligner une fois de plus. Il ne s'agit pas de la marque de peinture, Il s'agit de la façon dont vous l'utilisez. Donc si vous n'avez pas la série professionnelle la plus récente, Winsor Newton Cotman, quoi que ce soit, c'est bon. Vous pouvez toujours suivre avec cette classe très bien. Même si vous utilisez une palette de cinq dollars. Ce cours consiste à s'amuser, à embrasser notre créativité et à peindre de belles choses. D' accord, ensuite, discutons des palettes. J' utilise beaucoup de biens immobiliers quand je peins. Donc, ce que j'ai trouvé qui fonctionne vraiment bien pour moi, c'est d'avoir des palettes séparées. J' utilise donc les palettes qui sont intégrées avec mon ensemble de peinture comme ça. Mais alors j'ai aussi ces autres boîtes métalliques ouvertes et fermées comme ça pour que je puisse stocker ma peinture et la prendre avec moi. Quand l'aquarelle sèche, elle n'est pas ruinée. Vous pouvez simplement tremper votre pinceau dans l'eau, réhumidifier ces zones et recommencer à utiliser cette peinture. Donc, pour cette raison, j'aime utiliser des boîtes comme ça. Donc, je peux stocker mes peintures, les emballer, enlever, puis l'ouvrir à nouveau plus tard pour les réutiliser lorsque je serai prêt à commencer ma prochaine peinture. Donc, ces boîtes ici sont en fait des emballages de cigares. Je suis allé dans un magasin de cigares à Tbilissi, en Géorgie, et j'ai demandé s'ils avaient des boîtes de conserve supplémentaires et ils ont dit oui et m'en ont donné. Ce qui est génial parce qu'ils font de très bonnes palettes de fortune. Si vous n'avez pas de magasin de cigares géorgiens local, vous pouvez également utiliser des conteneurs Altoid ou n'importe quelle sorte de boîte métallique qui va ouvrir et fermer. Pour moi, cela a fonctionné parfaitement et je suis capable de segmenter mes palettes. J' ai donc mes rouges et roses, mes oranges, jaunes, verts, bleus et ainsi de suite. Ça m'aide juste à rester un peu plus organisé. Ensuite, les pinceaux. Donc quand il s'agit de mes pinceaux aquarelle, je ne suis pas vraiment fidèle à la marque. Au lieu de cela, je cherche juste quelques attributs qui composent un bon pinceau. Donc, pour l'aquarelle, les choses à rechercher sont des brosses à poils doux qui peuvent contenir beaucoup d'eau. Les pinceaux de peinture à l'huile et les pinceaux acryliques sont un peu plus rigides avec leurs poils et ils ne fonctionnent pas très bien pour l'aquarelle. Au lieu de cela, vous voulez chercher des pinceaux qui sont spécifiquement étiquetés comme des pinceaux aquarelle parce que cela signifie qu'ils sont poils vont être très doux et contenir beaucoup d'eau. Et quand il s'agit de la forme de la brosse, Il y a beaucoup de tailles différentes là-bas, mais une chose que je préfère sont les pinceaux ronds avec une pointe conique. Et de cette façon, avec une pointe conique, je peux peindre de très beaux détails quand j'en ai besoin. Donc, ce style de ces brosses sont des brosses rondes. L' autre style que j'utilise, ce sont ces petits gars juste ici. Ce sont des pinceaux détaillés. Donc, ceux-ci viennent dans des tailles comme triple 0, 1. Ils sont très, très petits. Et je les utilise quand je suis allé pour obtenir des lignes vraiment, vraiment fines ou des zones vraiment détaillées dans mes illustrations. Donc, pour ce cours, je ne vais pas utiliser plus que ces cinq styles de pinceaux. Et les tailles ici vont de 12, ce qui est à peu près le plus grand que je vais utiliser, jusqu'à triple 0, qui est mon pinceau de détail. Et encore une fois, en termes de marques, je viens d'acheter ces sur Amazon. Ils sont assez bon marché. Il y a environ un dollar par pinceau. Donc si je finis par l'utiliser à mort, je dois le jeter à la fin de la semaine ou du mois. Pas la fin du monde parce que c'était un faible investissement pour commencer. Et si vous vous demandez ce qu'est ce méchant garçon, c' est le plus gros pinceau que je possède et je ne l'utilise même pas pour peindre. Je l'utilise pour supprimer les marques de crayon de ma page après avoir terminé l'effacement. Et si vous pensez que ça sonne complètement sur le dessus et en plus, c'est en quelque sorte. Mais la raison pour laquelle je fais cela, c'est parce que si je devais brosser mes marques de crayon avec mes mains nues, parfois ce graphite va se frotter quand il se mélange avec les huiles de mes doigts. Donc, plutôt que d'avoir des marques de crayon sur ma page, j'utilise juste ce pinceau pour enlever ces marques de crayon. Je pense que dans une autre vie, je creusais probablement des os de dinosaures. D' accord. C' est l'heure du papier. En ce qui concerne le papier, j'utilise principalement du papier aquarelle Strathmore. Maintenant, il y a un million de marques de papier aquarelle là-bas. Donc, plutôt que de jeter ce nom de marque et de m'arrêter, je vais parler de certains des attributs que je recherche dans un très bon papier aquarelle. La première chose que je cherche est le poids, et cela est généralement indiqué par une série. Donc, avec Strathmore, ils vont de 100 à 500 séries, 100 étant les plus minces et 500 étant les plus épais. Donc 500 est considéré comme leur papier aquarelle le plus professionnel. Mais je suis un artiste professionnel de l'aquarelle et je n'utilise que la série 300 parce que j'ai trouvé que, cette masse, ce poids fonctionne vraiment bien pour moi. Donc, il n'est pas vraiment nécessaire de mettre à niveau vers le papier plus épais. Cependant, si vous peignez et que vous trouvez que votre papier commence à boucler et à plier un peu et se sent vraiment lourd avec cette eau, alors cela pourrait être une indication qu'il est temps de passer à une série supérieure. Donc, si vous êtes le type d'aquarelle qui couvre toute votre page avec beaucoup d'eau, beaucoup de pigment, alors peut-être que la série 500 sera mieux pour vous. Mais pour moi, je ne couvre pas toute la page. D' habitude, je couvre juste une partie de ça. Donc, le 300 fonctionne très bien. D' autres choses à chercher dans un bon papier aquarelle. Je préfère la presse froide au lieu de la presse chaude. Autrement dit, la presse à froid signifie que ce papier va être cahoteux et texturé. Et la presse chaude signifie que ça va être un peu plus lisse. J' aime avoir cette texture dans mes tableaux. Donc, je vais toujours pour la presse froide. Quelques autres choses à chercher. Sans acide est vraiment important. Donc, ce que cela signifie, c'est au fil du temps, parce que c'est du papier sans acide, il ne va pas devenir vraiment fragile ou jaune, surtout s'il est sous la lumière du soleil indirecte. Donc, sans acide signifie essentiellement que votre papier restera conservé et restera croustillant et blanc beaucoup plus longtemps qu'il ne le serait autrement s'il n'avait pas cette étiquette. Je veux également m'assurer qu'il dit poids lourd quelque part sur l'emballage. Encore une fois, la série 300 indique qu'il s'agit d' un papier lourd que vous voudrez également chercher. Et rappelez-vous, vous pouvez trouver tous ces attributs avec beaucoup de différentes marques d'aquarelle. Mon favori personnel se trouve être Strathmore, mais vous pouvez y arriver avec beaucoup d'autres marques aussi bien. Bon, maintenant que nous avons les agrafes hors du chemin, plongons dans certains des extras, commençant par tes crayons à croquis. Donc, quand il s'agit de l'aquarelle et de l'esquisse, il est préférable de croquis avec un crayon de plomb très dur. Ainsi, les deux différents types de plomb de crayon sont le plomb dur et le plomb souple. Et avec du plomb dur, quand vous dessinez sur la page, il fait à peine une marque parce que ce plomb est si dur qu'il ne se relâche pas très facilement sur le papier. Avec du plomb doux, il s'effrite beaucoup plus facilement, et il fera des marques très sombres sur la page. Donc, avec l'aquarelle, parce que c'est un médium transparent, si vous peignez sur vos marques de crayon, ces marques de crayon resteront définitivement là sur cette page. Ainsi, plus vous pouvez améliorer vos marques. Et si vous voulez faire des marques vraiment légères, utilisez un crayon de plomb très dur. Et vous pouvez dire que c'est un dur conduit par la désignation de H. Donc celui-ci ici est un 3H, qui est ce que j'utilise habituellement pour esquisser. Tout ce qui dit B signifie que ce sera un crayon de plomb doux. Donc, parce que le plomb mou est plus sombre, j'évite généralement B quand je peux et je préfère H à la place. Mais en fait pour la classe d'aujourd'hui, je vais utiliser un crayon de plomb doux. Parce que je veux que tu sois capable de voir à la caméra les marques que je fais sur la page. Donc je vais dessiner assez sombre dans la classe d'aujourd'hui pour que vous puissiez réellement voir à la caméra. Mais au fur et à mesure que vous suivez, n'oubliez pas d'esquisser très, très légèrement. Et si vous n'avez pas ces crayons spécifiques, vous pouvez également utiliser un crayon mécanique ou n'importe quel crayon que vous avez sous la main. Il suffit de dessiner très légèrement comme vous allez. Et quand il s'agit de gommes à effacer, je suis assez obsédé par ces gommes à clic parce que c'est comme dessiner quand vous effacez. Et parce que pendant que je dessine, je fais des ajustements vraiment affinés à mes croquis en effaçant. Donc, j'aime utiliser ceci pour avoir plus de précision. J' utilise aussi des gommes pétries comme ça pour soulever mon croquis du papier et le rendre un peu plus léger. Donc, si vous avez une gomme pétrie à portée de main, c'est vraiment bon pour éclaircir votre croquis avant de commencer à peindre. Une autre chose que tout bon peintre a sous la main est un rouleau de serviettes en papier. Je les utilise tout le temps parce qu'ils sont vraiment faciles pour lever les erreurs de votre page que vous les faites. Donc, même si vous égouttez de l'eau de peinture sur votre page, vous pouvez simplement utiliser ces essuie-tout pour la soulever et c'est comme si rien ne s'était passé. Donc, plus vite vous arrivez à vos erreurs, ils seront nettoyés lorsque vous le retirez de la page. Donc, c'est bon d'avoir toujours ça sous la main. Et enfin, votre plat d'eau. Nous sommes après tout, aquarelle, il est donc bon d'avoir un plat à l'aquarelle sur les mains. Maintenant, je jette ça fréquemment. Donc, d'habitude, si je peins avec beaucoup de vert, puis je vais passer à un rouge. Je vais jeter mon plat pour commencer avec de l'eau propre. Donc je me lève toujours, je change l'eau, reviens avec de l'eau propre quand je vais et cela empêche mes couleurs de devenir boueuses. Ainsi, chaque fois que vous pouvez travailler avec de l'eau propre, vous aurez des couleurs plus croustillantes. Et si votre eau devient boueuse, vos couleurs vont devenir un peu plus désaturées. Si tu te demandes pourquoi j'ai ce morceau de ruban adhésif sur mon plat. La seule raison est que c'est ici pour me rappeler de ne pas boire accidentellement mon eau de peinture. Donc, d'habitude, quand je peins, je bois du thé ou du café et c'est vraiment facile d'être dans la zone que vous peignez et de prendre la mauvaise tasse pour boire. C' est vraiment dégueulasse. Personne ne veut boire de l'eau de peinture. Donc en mettant un petit morceau de ruban adhésif sur le dessus, ça me rappelle, ne buvez pas cette eau. C' est pour la peinture seulement. D' accord, je pense que c'est en termes de fournitures que nous allons utiliser aujourd'hui. Donc, sans plus tarder, allons de l'avant et sautons droit. 3. Ébaucher la première scène: Pour notre première illustration aujourd'hui, nous allons peindre cette combinaison de feuilles de banane de pastèque hibiscus tropicale. Fondamentalement, ce que je cherchais, c'est toutes ces essences tropicales auxquelles je pouvais penser, puis les combiner ensemble en une seule composition. Alors allons de l'avant et commençons avec notre croquis. Donc, le matériel dont vous aurez besoin pour cette leçon est votre gomme à clic, un crayon à esquisser. Et rappelez-vous, je recommande d'utiliser des crayons de plomb durs. Donc c'est tout ce qui a un H dessus. Et plus le nombre est élevé, la tête est difficile. Mais pour moi, je vais passer à ce crayon de plomb doux. Et la raison pour laquelle je fais ça c'est que je veux que tu sois en mesure de voir ce que je dessine à l'écran. Donc, dans tous les autres cas avec l'aquarelle, j'utiliserais toujours une piste très dure pour esquisser parce que de cette façon mon croquis est très léger sur papier. Mais dans cette situation, nous allons utiliser un crayon de plomb souple pour que, lorsque je dessine, vous puissiez voir à l'écran exactement ce que je fais. Ça ne va pas être trop faible pour être capable de s'en sortir. Donc, si vous suivez avec moi pendant que nous faisons ce croquis, souvenez-vous, utilisez une pression beaucoup plus légère que je l'utilise sur papier. La chose avec l'aquarelle est, une fois que la peinture est sèche, elle est sèche. Tout ce qui se trouve en dessous, y compris les marques de crayon, sera permanent. Ainsi, plus vous pouvez faire ces marques de crayon, plus votre peinture sera belle. D' autres choses à avoir à portée de main pour cette leçon, nous avons trois photos de référence, pastèque, la feuille de banane et l'hibiscus. J' aime donc avoir mon iPad sur le côté juste pour l'utiliser comme référence. Mais si vous voulez tirer ça sur votre téléphone ou votre écran juste pour jeter un coup d'oeil, c'est absolument bien aussi. Mais je vais commencer par la pastèque. Et la dernière chose dont vous avez vraiment besoin est un morceau de papier vierge. Donc, avec ces quatre choses à l'esprit, crayon, gomme, papier et photos de référence, Allons-y et plongons directement dans. Donc la première chose que je vais faire est de faire cette courbe supérieure de la pastèque. Assez simple. C' est juste une très légère courbe, au centre de mon journal. Et puis je vais le ramener à un point comme celui-ci. Alors que j'ai ma belle forme de pastèque abstraite. On dirait que la barrière pour la croûte est à peu près ici. Donc nous avons notre forme de pastèque vers le bas. Passons à la photo de référence suivante, qui est la feuille de banane. Donc, pour créer ce verrouillage, je pense que ce que je vais faire est empiler ces images. Donc, pour la feuille de banane, c'est vraiment vert foncé, c'est très dominant. Je pense que je veux avoir ça en arrière-plan. Donc la pastèque va être devant cette feuille de banane. Alors allons de l'avant et esquissons à quoi ça ressemble. Je vais commencer juste par faire cette ligne directe. Et ça représentera la veine centrale de cette feuille de banane. Donc assez facile, juste en commençant par la ligne. Et ensuite, je vais regarder les bords extérieurs de cette feuille. Donc, les feuilles de banane sont assez étroites. Ils ne sont pas très larges comme une monstère, mais ils ont cette forme allongée. Donc c'est une photo recadrée donc on ne peut pas en voir l'intégralité, mais c' est bien parce qu'en fait le fond de cette feuille sera caché ici derrière la pastèque. Donc je vais aller de l'avant et dessiner à quoi je pense que ce fond pourrait ressembler. Et enfin, je vais dessiner un peu de veine pour correspondre à ce qui se passe ici. Donc très rapide, pour les croquis, en particulier avec l'aquarelle, ce n'est pas important. C' est vraiment préjudiciable de dessiner tous les petits détails avant d'y aller. Il est beaucoup mieux d'obtenir les formes de base vers le bas et ensuite vous commencez à remplir avec de l'eau. Et la raison pour laquelle je dis ça, c'est parce que si j'allais esquisser chaque petit détail avec un crayon d'abord, alors ce graphite va juste montrer à travers ce que j'ai ma peinture finale dessus. Parce que rappelez-vous, l'aquarelle est un médium transparent. Donc, si vous peignez sur quelque chose, cette couche inférieure va probablement apparaître à travers. Donc ce n'est pas comme l'acrylique, pas comme la gouache, pas même comme l'huile. aquarelle est très, très transparente. Et c'est l'une des raisons pour lesquelles je l'aime vraiment, parce que vous avez beaucoup de lumière à travers et beaucoup d'occasions de mélanger les couleurs ensemble. Mais dans ce cas, nous voulons garder cela à l'esprit pour esquisser. Aussi légers que nous pouvons faire nos croquis et aussi moins détaillés que nous pouvons faire nos croquis que possible seront en votre faveur. Bon, donc je vais juste tracer quelques lignes avoir une idée de la direction de cette veinerie. Je ne dessine pas tous les petits que vous voyez ici sur cette photo de référence. Au lieu de cela, je vais juste en dessiner quelques uns. Et une chose que j'aime dans cette feuille de banane sont ces divots qui se produisent, c'est là que ces feuilles ne se touchent pas complètement ensemble. Au lieu de cela, ils commencent à s'étaler et vous avez cet espace négatif agréable. Donc, dans mon croquis, je vais créer quelques zones comme ça aussi. Donc peut-être que nous allons en avoir un ici, peut-être un autre plus grand divot ici, puis quelques de ce côté-ci aussi. Et parce que j'aime l'asymétrie, je vais en ajouter une de plus. Donc c'est trois divot à cette fin et une à cette fin. Et en esquissant, j'aime effacer les parties qui ne sont plus nécessaires au fur et à mesure que je vais. Et dans ce cas, je n'ai plus besoin d'avoir ici ces lignes qui représentent les divots. Je ne veux pas être confus plus tard quand je peins et que je peins ça accidentellement. Donc je vais aller de l'avant et l'effacer. Et si vous vous souvenez dans la vidéo des fournitures, j'ai une brosse massive que j'utilise. Pas exactement pour peindre, mais pour effacer les marques de crayon comme ça. Je n'aime pas utiliser mes mains grossières pour étaler tout ce papier parce que je vais finir par barbouiller marques de crayon et le rendre tout gris et grossier. Au lieu de cela, j'utilise une belle brosse douce et propre pour enlever ces marques de crayon. Maintenant, ce n'est pas absolument nécessaire et je suis le seul peintre que je connais qui fait réellement cela. Mais croyez-moi, ça a fait une grande différence pour moi. Donc, si jamais vous avez envie d'investir dans un pinceau que vous n'avez jamais utilisé pour peindre, mais seulement pour l'archéologie, alors c'est le moment d'y aller. Très bien, et enfin, pour peaufiner cette composition, j'aimerais ajouter un grand hibiscus qui fleurit ici. Donc, il se sent déjà assez tropical. Nous avons de la pastèque, nous avons une feuille de banane. Allons-y et amenons-le au maximum et ajoutez-y une fleur tropicale. Donc ici sur mes photos de référence, j'ai cette grande et belle fleur d'hibiscus. Donc, je vais aller de l'avant et dessiner ça. Maintenant, si vous regardez cette photo et que vous pensez que cela semble beaucoup trop complexe pour dessiner et peindre. Je vais vous montrer comment vous pouvez le simplifier pour le rendre beaucoup plus facile à comprendre. Donc la première chose que je vais regarder avec cet hibiscus est cette grande forme globale. Imaginez donc un cercle dessiné autour cet hibiscus et où je veux que ce cercle apparaisse sur mon papier. Donc dans ce cas, je pense que je veux avoir mon hibiscus gentil et grand ici. Donc je vais avoir que ça chevauche ma pastèque pour pousser vraiment ce concept de profondeur ici. Ainsi, l'hibiscus sera le plus avant et central au premier plan, la pastèque sera au milieu du terrain, puis cette feuille de banane sera en arrière-plan. Allons-y et finissons de vider le reste de cet hibiscus. Donc, après avoir cet espace général, j'aime définir le milieu. Donc je vais juste faire un petit cercle juste ici au milieu pour représenter où se trouve le milieu de l'hibiscus. Et ensuite, je vais regarder ce pistil, le long bar qui sort du milieu. Et donc nous avons notre feuille de banane tirant par là. Je pense que j'aimerais que ce pistil tire de cette façon dans une direction opposée. Donc pour ça, je vais juste tracer une ligne. Alors ensuite, abordons certaines de ces fleurs qui sortent du centre de l'hibiscus. J' aime généralement commencer par la forme la plus simple, qui ressemble à celle-ci ici au premier plan. Donc je vais imiter cette forme en dessinant un demi-cercle pour représenter cette zone ici. Et puis je vais juste dessiner une fleur qui ressemble à ça. Encore une fois, c'est vraiment difficile, nous pourrons entrer dans ces détails plus tard. Mais pour l'instant, il s'agit d'établir la forme. Donc nous avons notre première floraison ici déjà sur papier. Et maintenant regardons la deuxième floraison. Et c'est ce truc sauvage ici qui tire vers la droite. Et rappelez-vous que j'ai déjà dessiné ce cercle pour établir la zone. On dirait que je vais le filmer un peu avec ces fleurs. Donc ils pourraient finir par être un peu plus gros que prévu, mais ce n'est pas un problème. Alors allons-y et regardons ce type. Et on dirait qu'il s'enfuit de cette façon et qu'il tourne en arrière. Donc assez simple, c'est juste une fois couler vers la droite, puis le relier au centre. Ensuite, allons-y avec celui-là. On dirait qu'il tire et qu'il redescend. Et maintenant, nous allons avec celui sur la gauche. Ça imite ce qui se passe à droite, là où il tire. Puis revient. Et le dernier mais non le moindre, ce gars ici au premier plan. Parfait. Formes très, très simples. Nous avons commencé par un cercle. Nous avons défini le point central, puis nous avons tracé une ligne pour représenter le pistil. Et puis nous avons fait des formes très gestuelles de blobby pour représenter ces pétales. Donc, à ce stade, je vais aller de l'avant et effacer les zones inutiles. Donc, parce que cet hibiscus dépasse la pastèque, parce qu'il est devant cette pastèque, je peux aller de l'avant et effacer ces lignes de pastèque parce qu'elles ne seront plus nécessaires. Je peux aussi aller de l'avant et effacer cette ligne de cercle que j'ai utilisée pour obtenir le positionnement de mon hibiscus correct. D' accord. Retournez à mon pinceau archéologique pour me débarrasser de ces gommes. Bon, donc si on regarde notre hibiscus et ensuite on regarde notre croquis. Vous pouvez voir que notre croquis est une version beaucoup plus simple de toutes les complexités qui se produisent ici. Et c'est tout à fait bien. Donc, quand il s'agit de certains de ces détails comme le fait que les bords des pétales ne sont pas lisses. Ils ont en quelque sorte ces divots qui vont et viennent. Nous pouvons en fait aborder cette question pendant que nous peignons. Alors rappelez-vous avec cette technique d'espace blanc, l'idée est que nous n'allons pas passer en revue les marques de crayon. Alors que nous commençons à peindre cela, ce que nous pouvons faire est juste de rattraper comment ces divots se produisent sur notre papier au fur et à mesure que nous avançons. Donc, nous n'avons pas nécessairement besoin d'esquisser dans chaque petite bosse et de plongeon sur le bord de ces pétales. Nous pouvons régler ça pendant que nous peignons. Et ça va être très utile parce que nous aurons la photo de référence juste ici sur le côté. La même chose ici avec toutes ces petites zones polliniques, ce genre de tir de ce pistil sur le dessus. Nous n'avons pas besoin de dessiner tous ceux, alors nous pouvons simplement peindre ça en regardant notre photo de référence et en voyant à quoi ils ressemblent. Encore une fois, avec l'aquarelle, plus vous pouvez garder votre croquis, mieux votre peinture sera. Donc, à ce stade, nous avons terminé notre croquis. Allons de l'avant et passons à la peinture de la première couche de notre nouvelle composition. 4. Peindre un hibiscus: Alors maintenant que notre croquis est complètement terminé, il est temps pour la partie amusante, qui est en fait peindre. Jetons un coup d'oeil à ce que nous travaillons ici. Je vais commencer par l'image qui est le plus au premier plan, qui est cet hibiscus. Donc ça va être mon point de départ et je vais en fait utiliser ma palette chaleureuse très chaotique. Donc j'ai beaucoup d'oranges et de jaunes et ce segment, et puis beaucoup de fuchsias et de rouges et de roses ici en bas. Donc, ce que j'aimerais faire est d'abord considérer la palette de couleurs globale de la composition. Je sais que la pastèque va être rouge vif. Je sais que je veux que ma feuille de banane soit quelque part dans la catégorie verte. Et donc je dois commencer à considérer maintenant ce qui serait une bonne couleur pour cet hibiscus. Donc, plutôt que d'ajouter une toute nouvelle couleur comme le jaune ou l'orange, ce qui pourrait la rendre un peu trop chaotique d'une composition, je pense que ce que je vais faire est de m'en tenir cette idée rouge sauf aller un peu plus loin et la rendre rose. Et de cette façon, nous avons deux couleurs, rouge et rose. Ils vont assez bien avec la couleur contrastante du vert dans ces feuilles derrière elle. Donc juste en parlant à travers cela, j'ai une bien meilleure idée de ce que je veux que cette histoire de couleur soit pour la composition globale. Donc, je veux attirer l'attention sur quelques couleurs que j'ai retirées. J' ai donc mon tube d'aquarelle Cotman. C' est la couleur mauve. Donc je vais utiliser ça. J' ai la même chose et un rouge cadmium. Ils ont déjà été jetés sur ma palette ici. Et ce que je vais faire maintenant, c'est mouiller mon pinceau et commencer à mouiller ma palette et à préparer ces couleurs à partir. Et comme vous pouvez le voir, je ne suis pas trop préoccupé par les pigments qui se regroupent. C' est agréable d'avoir tout dans sa propre zone désignée pour que je puisse juste mélanger de légères quantités ensemble si je le veux. Mais l'aquarelle n'est pas une science parfaite. Il s'agit d'explorer et d'expérimenter et de voir ce qui se passe lorsque les différentes tonalités commencent à se mélanger. Et puis encore plus excitant, voir ce qui se passe quand cette peinture commence à sécher parce que vous ne pouvez jamais vraiment prédire ce que pourrait être ce résultat final. D' accord, donc j'ai beaucoup de trucs cool qui se passent ici. Ce très beau mélange d'art abstrait. Allons de l'avant et commençons à remplir, en commençant par ce pistil central qui sort avec tous ces petits morceaux de pollen sur le dessus. C' est ce que je vais commencer par là. Et je pense que pour celui-ci, je vais utiliser un beau magenta vibrant, même si ici c'est presque blanc. Je pense que j'aimerais quelque chose avec un peu plus de contraste, autant plus que je vais peindre sur cette ligne que j'ai dessinée. Donc, dans beaucoup de cas, quand nous faisons l'espace négatif, nous finissons par effacer les marques de crayon quand nous avons fini, en supposant que nous n'avons pas peint sur eux. Mais pour ça, parce que je vais littéralement peindre au-dessus des marques de crayon. Je vais aller avec un peu plus d'une couleur vibrante pour que ça cache les marques de crayon du bas montrant à travers. Donc je pense que je peux le faire en un seul mouvement. Parfait. Et juste pour ajouter du plaisir et de la complexité, je pense que ce que je vais faire est de mettre ma brosse bien et mouiller. Tirez un peu de ce jaune et plongez-le dans quelques endroits aléatoires. Et ce sera un moment assez amusant pour voir comment cela commence à se fondre et à sécher. Maintenant que je suis sur mon pinceau détaillé, c'est mon numéro un. Je vais m'adresser à ces petits morceaux de pollen qui poussent vers l'extérieur depuis le haut. Donc, comme le dessus de ce pistil est encore mouillé avec de la peinture, ce que je peux faire c'est juste le tirer vers l'extérieur comme ça. Je n'ai même pas autant de peinture sur mon pinceau. Pour que je travaille avec la peinture existante qui est déjà dans ce domaine. Et enfin, je pense que je vais ajouter quelques petites boules jaunes brillantes au bout de ces zones polliniques. Et encore une fois, j'utilise mon pinceau de détail très minuscule pour les ajouter. Si vous avez l'impression que votre brosse devient trop sèche. Allez-y et trempez-le dans l'eau, prenez un peu plus de pigment, puis allez-y et continuez. Et très vite, je vois que j'ai laissé tomber un peu d'eau de peinture sur mon papier. Pas de problème parce que j'ai mes serviettes en papier. Donc, ce sera juste un coup rapide et il est supprimé. Alors merci, Serviettes en papier encore une fois. Bon, maintenant que nous avons le pistil central de la fleur déjà établi, allons-y et commençons à travailler sur les pétales. Je vais passer à une de mes brosses rondes. C'est un numéro 4. Et je vais mélanger une couleur ensemble qui, je pense, serait un très beau compliment à une pastèque rouge très brillant. Donc je pense vraiment souligner que le fuchsia va être la voie à suivre ici. J' ai donc quelques belles couleurs qui se passent ici, et mon pinceau est entièrement chargé d'eau, avec de la peinture et il est assez uniformément enduit. Donc ce que je vais faire, c'est commencer tirer vers l'extérieur. Et comme je l'ai déjà mentionné, toujours plus d'eau sur votre papier si vous en avez besoin. Je vais juste définir à quoi ressemblent ces bords quand je commence à peindre. Et rappelez-vous, plus vous avez d'eau sur votre papier, plus ce sera facile pour vous en termes de contrôle des pinceaux. Alors allons de l'avant et approchons ça. Ces beaux bords flottants. Et j'aime comment il y a beaucoup d'eau qui traverse ce centre. Donc, il se sent beaucoup plus blanc. Et puis nous l'avons beaucoup plus dense ici. Mais j'aime toujours ajouter beaucoup de contraste et de profondeur quand je peux. Donc ce que je vais faire, c'est mettre un peu de ce magenta sombre très profond ici. Et faites juste quelques petits plongeons vers le centre de cette fleur pour suggérer une certaine profondeur. Et comme on a ajouté un peu de jaune dans ce pistil, je vais faire la même chose ici. Et il suffit de déposer quelques petits morceaux de jaune sur ce pétale pour voir ce qu'il crée, pour voir comment cela commence à se fondre ensemble. C' est l'heure du prochain pétale. Donc même chose. Sauf que cette fois, je vais tirer plus de ce rose pastel. Et même chose. Prenons un peu de ce magenta très profond, sombre, très succulent. Il suffit de faire quelques robinets juste ici au milieu pour voir comment il se fond. Une chose que vous pourriez remarquer est que c'est beaucoup plus opaque que ce pétale. Ce que cela signifie, c'est qu'il est moins transparent. Ce pétale est plus transparent car vous pouvez voir que la texture du papier apparaît à travers. Mais sur celui-ci, c'est plus opaque, qui signifie que vous ne pouvez pas vraiment voir cette texture qui sort du papier. Il couvre vraiment cette surface. Et la raison pour laquelle ça se passe, c'est parce que j'utilise ce rose pastel. Et donc à chaque fois que vous travaillez avec un pastel à l'aquarelle, il y aura beaucoup plus de blanc intégré. Et ce qui se passe lorsque vous mélangez du blanc à de l'aquarelle, c'est que vous perdez cette transparence. Il devient beaucoup plus opaque comme ça. Donc, ce n'est pas nécessairement mauvais, ce n'est pas nécessairement bon. Cela dépend de l'apparence que vous essayez d'obtenir. Donc, sachez juste que lorsque vous travaillez avec le pastel, vous aurez une apparence plus opaque que de travailler avec une véritable aquarelle. Vous allez avoir ces transparents à travers. Mais pour moi, j'aime le mélange d'avoir cette zone opaque, cette zone transparente. Je pense que c'est assez intéressant. D' accord, même chose. Et si j'ajoute quelques petites gouttes jaunes ici ? Vous seriez même un peu de cette orange jaune. Pour voir ce qui se passe. Sortons de cette très belle zone rouge fuchsia et voyons à quoi ressemblera ce prochain pétale. Toi, je peux déjà dire que ça va être très dynamique. Donc même chose. Je vais utiliser ma brosse de détail, prendre un peu de ce jaune, le déposer dans, voir ce qui se passe. Finissez inévitablement en utilisant mon essuie-tout pour nettoyer mes dégâts et continuer. Bon, maintenant pour celui-là, il fait déjà assez sombre. En fait, c'est plus saturé que les autres pétales. Donc si j'allais ajouter à ce même magenta au centre, tu ne pourrais vraiment pas en dire autant. Donc ce que je vais faire à la place, c'est briser quelques règles, apporter mon bleu ici et obtenir un beau bleu saturé. Peut-être un peu de turquoise là-dedans aussi. Et faites juste quelques petites gouttes. Peut-être que j'en ajouterai aussi. De turquoise en plein centre. Parfait. Donc, ce sont des petits détails comme ça qui font vraiment une grande différence avec l'aquarelle, surtout lorsque vous explorez la couleur et mélangez des pigments ensemble et que vous voyez jusqu'où vous pouvez aller avec la profondeur suggérée de cette peinture. D' accord, deux pétales de plus. Pour celle-là. Faisons un autre mélange opaque. Il faut donc faire attention à ce pistil et ne pas vouloir peindre dessus. Je veux juste maintenir cet espace blanc que nous avons fait tout au long de cette composition. Et la même chose qu'avant. Ajoutons quelques touches amusantes de jaune et ajoutons une partie de ce beau bleu plus foncé juste ici aux pointes pour vraiment établir cette profondeur. Très bien, dernier pétale. Oui, et j'ajouterai un peu de jaune — woof ! Celle-là a vraiment fleuri, et un peu de cette turquoise sombre vraiment profonde. Parfait. Et voilà, nous avons notre hibiscus terminé. Il ne ressemble pas à un hibiscus photoréaliste comme vous voyez ici sur l'écran de mon iPad. Au lieu de cela, c'est notre propre interprétation de prendre un motif complexe et de le simplifier dans ses formes les plus basiques. Donc, dans cet hibiscus, je ne vois pas vraiment de jaune venir à part peut-être ici sur les zones polliniques. Mais ça ne veut pas dire que je ne peux pas infuser peu de jaune dans ces pétales juste pour lui donner une touche plus artistique. Voyez ce qui se passe avec le mélange de couleurs et insufflez un peu de ma propre voix artistique dans ce tableau. Alors ensuite, allons de l'avant en arrière. Donc, la prochaine étape va être de remplir cette pastèque. 5. Ajouter la pastèque: Donc, à ce stade, mon hibiscus est complètement fini. Je dois juste attendre qu'il sèche et il est temps de travailler sur la deuxième couche, qui va être cette pastèque jetant un coup d'œil derrière l'hibiscus. Jetons donc un coup d'oeil à notre inspiration pastèque. très vif. Et puis on a un petit pic de ce vert sur la croûte juste ici. Mais il semble aussi qu'il y ait des espaces vraiment amusants qui se produisent aussi, que nous pouvons incorporer dans notre peinture aussi. D' accord, donc les premières choses ont d'abord eu mon plat d'eau. Ma palette chaude et chaotique avec le magenta est ici et les oranges ici. Et je pense que ce que je vais faire c'est tirer de mon rouge le plus brillant, qui est juste ici. C' est ma poêle rouge. En fait, ça me laisse vérifier. Oui, c'est rouge Windsor, donc ça va être très vibrant, très dans ton visage. Pense comme un rouge à lèvres très audacieux. Donc je vais avoir beaucoup de ce rouge Winsor sur ma palette et le mélanger ici dans n'importe quel espace que je peux trouver à ce stade. Ajouter beaucoup d'eau, attention de ne pas toucher cette zone rose parce qu'ils ne veulent pas qu'elle devienne trop opaque. Je veux vraiment faire passer cette transparence. D' accord, il y a beaucoup d'eau dessus. Et maintenant, je vais passer à une de mes plus grandes brosses. C' est encore la taille 4. Donc, je l'ai bien mouillé. Et je vais juste commencer à le remplir. Et je vais commencer par ces espaces plus serrés juste pour m'assurer que je reçois ces lignes d'espace belles et nettes le long de l'hibiscus. Et rappelez-vous, l'aquarelle sèche très rapidement. Donc, tout ce que vous travaillez avec comme ça et qui a beaucoup de surface, temps est en train de cocher. Bon, donc je pense que je vais aller à l'endroit où cette marque de crayon est pour représenter cette ligne d'espaces. Et si tu peins ça et que tu penses, Oh mec, c'est tellement ennuyeux qu'on ne fait qu'une seule couleur. Ce n'est jamais qu'une seule couleur. On va aussi se mélanger dans quelques couleurs. Une fois que nous aurons cette première couche, je vais passer à un pinceau de détail un peu plus minuscule pour obtenir certains de ces beaux bords le long de l'endroit où ces pétales rencontrent la pastèque. Comme toujours, je vais effacer mes erreurs au fur et à mesure que j'y suis allé. Et maintenant que la peinture est encore très, très humide, je vais tirer un peu de ce même jaune et chercher des zones opportunistes pour la déposer pour qu'elle se mêle à cette pastèque. Et je veux faire la même chose avec ce fuchsia vraiment profond et vibrant. Et cherchez des zones, peut-être ici, dans les coins où il est ombragé derrière cette feuille d'hibiscus. Et juste du poivre dans certaines de ces couleurs plus sombres. Cool. Et comme vous pouvez le voir, j'ai accidentellement rapproché cette zone blanche et mélangé cet hibiscus avec la pastèque. Donc ce n'est pas parfait, mais qui l'est ? Donc je ne suis pas trop inquiet à ce sujet. C' est une de ces choses à propos de l'aquarelle. Ça ne sera jamais parfait. Et si vous avez accidentellement saigné deux zones ensemble, il suffit de rouler avec. Cela peut faire partie de la chose amusante à propos de l'aquarelle. Ce sont ces surprises inattendues. La pastèque a été assez simple. La seule autre chose que nous devons faire, c'est la croûte, qui semble être vraiment sympa, on y va. Vraiment sympa, vert vif. Une chose que je pourrais faire pour cela est vraiment exagérer le jaune. Et de cette façon, il peut s'attacher avec ces petits blobs jaunes que j'ai trempés partout pour les fleurs et pour le fruit. Très bien, donc je vais utiliser une petite brosse de détails et il y a déjà du rouge dessus parce que je ne l'ai pas nettoyé super bien. Mais c'est bon parce que je cherche un peu un vert désaturé de toute façon. Et puis attrape ça juste en haut de la pastèque. Et comme vous pouvez le voir, ma brosse a commencé avec beaucoup d'eau, mais elle a fini assez sèche. Mais je peux juste passer en revue quelques fois pour l'obtenir exactement comme je l'aime. Et maintenant, je vais revenir à un peu de cette turquoise que j'ai un sentiment que je vais utiliser dans cette feuille de banane. Et je vais juste plonger un peu de cette turquoise dans les bords de cette croûte. Pour rien d'autre que de le rendre un peu plus attrayant visuellement. Et enfin, je veux aborder cette zone blanche de la croûte. Donc, je sais que sur notre photo de référence, il a l'air vraiment blanc pur. Mais je pense que ce que je veux faire, c'est au lieu d'avoir ce contraste très fort entre les peintures et ensuite le blanc. Je veux dire, on le fait assez avec notre espace blanc. Je pense que je vais remplir cette zone avec une teinte crème verdâtre vraiment, vraiment subtile. Donc je vais retourner à ma palette jaune. Commencez juste à mélanger des choses autour. C' est bon si ça devient un peu boueux. Et très soigneusement, je vais apporter plus d'eau sur mon papier pour qu'il ne soit pas trop brillant. Je vais juste peindre dans cette bande intermédiaire pour refléter que ça fait aussi partie de la croûte. Et si vous avez l'impression que votre peinture devient un peu trop vibrante, comme dans ce domaine, nous voulons qu'elle soit un peu plus subtile. Allez-y et ajoutez plus d'eau à votre brosse et trempez-la soigneusement comme ça dans ce segment. Et ça va commencer à s'égaliser un peu. Et nous verrons en fait des choses assez fantastiques avec la couleur de l'eau qui fleurit au fur et à mesure qu'elle sèche. D' accord, donc on a notre hibiscus, on a notre pastèque. Et la dernière étape sera de peindre cette feuille de banane qui regarde derrière la pastèque. Alors allons-y et commençons avec ça. 6. Feuille de banane: Bon, maintenant que nous avons notre fleur, nos fruits, il est temps pour le coup de grâce, qui va être à cette feuille de banane derrière elle. D' accord, la première chose que je vais faire est d'apporter ma belle et désordonnée palette de combinaisons jaunes et vertes. Et je vais voir ce qui se passe si je commence à mélanger certaines de ces couleurs ensemble. Oh, et très vite : je suis allé de l'avant et j'ai nettoyé mon eau de peinture. Donc, à chaque fois que vous passez d'une couleur dominante à une couleur dominante complètement opposée, dans ce cas, rouge et vert. Une bonne idée de jeter cette vieille eau, commencer avec de l'eau douce et de cette façon vos pigments ne seront pas boueux juste parce que l'eau était rouge vif lorsque vous essayez de travailler avec sa couleur complémentaire, qui est verte. Alors commençons à mélanger certains d'entre eux ensemble et voyons ce que nous en venons. Je vais prendre cette palette bleue ici. C' est cette turquoise. Voyez ce qui se passe si je me mêle ici. Donc ce vert est vraiment sympa, Il est vibrant. On dirait une très belle Kelly. Je veux que ça se sente un peu plus désaturé et tonifié. Et une façon d'y arriver est de mélanger deux couleurs complémentaires ensemble. En fait, c'est comme ça que je fais du noir, habituellement quand je peins. Donc je mélange l'orange et le bleu ensemble parce qu'ils sont opposés sur la roue de couleur, ou jaune et violet, ou mon rouge et vert préféré. J' ai ce rouge ici. Donc je pense que ce que je pourrais faire est juste de prendre un peu de ça, de le mélanger et vous pouvez déjà voir que ça commence à aspirer beaucoup de cette vibrance de ce vert et le rendre un peu plus neutre. Il se sent un peu plus profond et plus sombre et beaucoup moins saturé. Donc, c'est un bon endroit pour commencer. Allons de l'avant et voyons ce qui se passe. Donc, je vais passer temporairement à un de mes pinceaux de détail. C' est mon numéro un. Prenez un peu de cette palette et commencez avec ce petit triangle ici le plus proche de cette croûte de la pastèque. Magnifique. Et comme je l'ai mentionné, j'adore le mélange de couleurs. Donc ce que je vais faire, c'est prendre un peu de ce rouge dans ma palette. Trempez-le juste ici dans le coin. Vraiment subtil, mais il va commencer à se fondre avec le reste de ce vert. Et peut-être que des choses intéressantes pourraient arriver. D' accord, donc pour ma prochaine feuille, je vais apporter un peu plus de ce jaune, toujours en utilisant ce vert désaturé que j'ai créé, mais juste en ajoutant un peu d'une teinte différente pour un peu plus d'intérêt visuel. Et je fais la majeure partie de ça avec ma brosse plus grande. Et puis je vais passer à ma brosse de détail pour aller de l'avant et finaliser ces beaux bords. Et pour celui-là, je vais tremper un peu de ce jaune juste pour voir ce qui se passe quand il sèche. Et puis apportez un peu plus de rouge désaturé à tomber ici sur ces bords. D' accord, ensuite, voyez ce qui se passe si je joue avec ma palette, mélangeant ces différentes zones ensemble et en voyant ce qui en sort. Le mélange de couleurs est l'une des choses les plus thérapeutiques et méditatives que vous pouvez faire. C' est juste tourbillonner différents pigments ensemble et trouver des combinaisons vraiment créatives. Donc, quand je fais des détails comme ça, c'est un peu cet équilibre constant entre les brosses. J' utilise mon pinceau légèrement plus grand pour obtenir les plus grands espaces. Et puis je passe à mon pinceau de détail pour finir et obtenir ces bords. Et comme ça, c'est vraiment, vraiment sympa et croustillant. D' accord, la même chose ici. Je vais ajouter des petits morceaux de rouge. Peut-être tirer un peu de ce jaune aussi. Impressionnant. Et montons ici sur ma palette. Il y a ce genre de vert boueux. Ça a l'air un peu calcaire. Voyez ce qui se passe si j'ajoute ceci à certains de ce vert désaturé que nous avons créé plus tôt. Oui, tu peux dire tout de suite que c'est beaucoup plus pastel. Juste un peu gentil. Mélanger ce pastel avec la transparence de l'aquarelle. En fait, j'utilisais la gouache assez souvent. Pour cette même raison, Gouache est vraiment similaire à la peinture à l'aquarelle. Sauf que la principale différence est qu'il sèche avec beaucoup d'opacité derrière elle. Donc ça ne va pas être transparent comme l'aquarelle l'est. Ça va être très plat sur la page. Et si vous êtes à la recherche d'un très bon cours de Gouache pour prendre Skillshare. Je dois recommander celle d'Ann Shen. C' est incroyable. Elle enseigne, eh bien, elle était la maîtresse de la gouache, mais elle a des cours de gouache vraiment amusants sur Skillshare. Ce sont des portraits, des fleurs. Beaucoup de trucs vraiment cool. D' accord, donc on a terminé le côté gauche de cette feuille de banane. Allons de l'avant et faisons la même chose à droite. Et avec ces verts foncés, je suis beaucoup moins préoccupé de sortir des lignes et de frapper mes marques de crayon. Et la raison est assez simple. C' est que j'utilise des couleurs beaucoup plus sombres. Donc, si ces marques de crayon finissent par apparaître à travers, ça va être assez subtil. Donc, ce n'est pas comme ici où si vous voyez les marques de crayon qui arrivent sur ce violet très clair, ça va être assez évident. Mais si vous voyez les marques de crayon passer sur un vert très foncé, vous ne serez pas en mesure d'en dire autant. Ça va être masqué par la profondeur de cette couleur. D' accord, donc c'est tout. Nous avons enfin fini avec notre toute première maquette de fruits et de fleurs. Il y a donc une étape de plus, et c'est d'ajouter des graines dans notre pastèque. Mais je vous le dirai par expérience personnelle, n'essayez pas cela aujourd'hui. N' essayez même pas ça ce soir ou même si vous êtes certain que c'est sec parce que je ne peux pas vous dire combien fois j'ai pensé que ma peinture était complètement sèche. Je l'ai senti et il me sentait sec au toucher. Mais quand j'ai essayé d'ajouter ce détail supplémentaire, surtout dans ce cas, puisqu'il ajoute du noir sur le rouge, ça va commencer à s'infiltrer un peu. Donc, quand j'ai vraiment des détails dominants comme ça à ajouter, surtout noir sur le dessus du rouge. Ce que je fais habituellement, c'est que j'attends le lendemain. Donc, je laisse littéralement mes aquarelles dormir pendant la nuit, et le lendemain je vais aller de l'avant et ajouter ces détails. Alors que vous dessinez ces graines noires, vous pouvez soit utiliser du noir directement sorti de la casserole, soit vous pouvez mélanger votre propre noir, ce qui est mon truc préféré à faire. Ainsi, vous pouvez y arriver en mélangeant l'aquarelle rouge et verte ensemble pour créer un noir vraiment agréable, complexe et audacieux. Donc, en combinant le rouge et le vert ensemble, vous combinez deux couleurs complémentaires. Et en prime, sont aussi les deux couleurs que nous utilisons sur cette illustration. Donc rouge et vert ensemble faire votre propre noir. Ajoutez des graines, pas aujourd'hui. Fais-le certainement demain, fais-le dans une semaine. Juste entrer demain, ça ira. Et ça va aller de l'avant et finir la première prison de fruits botaniques. Alors allons de l'avant et passons à notre prochaine illustration. 7. Ébaucher le citrique: Allons de l'avant et plongons dans la composition des fleurs d'oranger. Voici donc un petit aperçu de ce à quoi ressemblera le tableau final. Mais avant d'y arriver, on va commencer par le croquis. Donc les choses que j'ai devant moi, j'ai mes photos de référence, commençant par les branches orange. J' ai mon crayon à croquis. Rappelez-vous qu'une piste dure sera meilleure pour vous. Donc tout ce qui est dans la gamme H, mais je vais être en train de dessiner très dur pour que vous puissiez réellement voir sur la caméra. Et j'ai aussi ma gomme et un morceau de papier vierge. Et la première chose que je vais réellement utiliser est mon plat d'eau parce que je veux commencer cette composition en obtenant la partie principale de la composition vers le bas, qui va être ces oranges. Donc, plutôt que de me soucier d'essayer de dessiner un cercle parfait, je vais utiliser ce petit raccourci qui traque autour de mon plat d'eau pour créer ce cercle. Si votre plat d'eau est trop grand ou trop petit, vous pouvez chercher des assiettes ou des bols, vraiment tout ce que vous avez sous la main qui vous permettra d' obtenir un cercle de la taille que vous recherchez. Mais pour moi, ce mug va être parfait. Donc la première chose que je vais faire est juste de le placer dans ce coin en bas à gauche du journal. Et je vais commencer comme ça. Encore une fois, mes marques de crayon sont vraiment sombres sur le papier. Et si vous suivez, essayez de faire le vôtre un peu plus léger que le mien. D' accord. Pour la deuxième orange, je pense que je veux qu'elle soit un peu d'une diagonale supérieure de la première. Donc même chose. Je vais juste dessiner autour de ma tasse. Parfait. Et pour cette composition, je pense que je veux faire deux oranges normales si vous voyez la croûte mais avec les agrumes, cette magie se produit quand vous l'ouvrez, comme ici sur notre photo de référence. Donc je pense que je veux avoir une de mes oranges soit une demi-tranche. Donc je vais mettre cette demi-tranche ici au coin inférieur. Et au lieu de tracer un cercle complet, je vais juste tracer un demi-cercle. Comme ça. Parfait. Ok, on en a fini avec notre plat d'eau jusqu'à ce qu'on commence à peindre. Je vais mettre ça sur le côté et commencer à penser au reste de mon croquis. Donc la première chose que je vais faire est assez facile. C' est juste de terminer ce demi-cercle. Alors maintenant j'ai mes deux oranges et une petite demi-tranche sur le côté. Retournons ici et voyons à quoi ressemble cette branche orange. Donc je pense que pour moi je veux commencer à penser la tige ou à la branche où ces oranges se détachent. Alors faisons comme une courbe comme celle-ci, peut-être les relie les deux. Donc ils se sentent comme une paire de cerises en ce moment. Et ensuite, je veux réfléchir à l'endroit où vont aller ces fleurs d'oranger. Donc j'aime faire des choses en séries de trois, comme vous pouvez le dire, j'ai mes deux oranges et ensuite la tranche. Alors continuons et imitons ça, puis faisons trois pétales de fleurs ici en haut à gauche. Donc, la façon dont j'aime commencer les fleurs est assez simple. C' est juste dessiner un cercle. Et dans ce cas, j'ai fait trois fleurs. Alors je vais dessiner trois cercles. Et la raison pour laquelle je ne traque pas un cercle absolument parfait ici, c'est parce que ce cercle ne sera pas la forme finale. Cela va juste être une sorte de guide pour moi quand je remplis à quoi ressemblent ces pétales. Laisse-moi te montrer comment. Donc, tout d'abord, nous allons commencer ici et regarder ces photos de référence pour voir à quoi ressemblent les fleurs d'oranger. Et on dirait qu'ils ont tous cette partie centrale qui sort comme une trompette. Et donc je vais commencer par ça. Donc, on dirait deux ou un peu pointant vers le haut à gauche. Et on va en quelque sorte dans la direction de la droite. Et dessinez le pétale 1, le pétale 2, le pétale 3, le pétale 4 et le pétale 5. Et puis répétez ça pour le reste. Donc je suis juste de le faire sortir de la zone centrale de la trompette pour qu'il se sent un peu plus dimensionnel. Donc 1, 2, 3, 4, 5. Cool. Donc, à ce stade, vous pouvez toujours voir ces cercles que j'ai dessinés à l'origine pour obtenir la forme de ces fleurs vers le bas. Donc maintenant je peux aller de l'avant et mettre de côté mon crayon, sortir ma gomme. Et je vais juste effacer ces lignes inutiles parce que je n'ai plus besoin de cette référence. J' ai déjà dessiné les fleurs et je les ai positionnées comme je le voudrais. Bon, maintenant je peux sortir mon gros pinceau et juste brosser ces marques de crayon. D' accord, parfait. Allons de l'avant et finissons cette composition en ajoutant quelques feuilles pour ces branches. J' ai une photo de référence. Utilisons celui-ci ici. Et je vais juste chercher des endroits où je peux rentrer des feuilles qui me sentent agréables et naturelles. Peut-être qu'il y a une sorte d'obscurcissement sur le dessus de l'orange. Peut-être qu'il y en a un ici qui remplit l'espace. Peut-être un autre flottant. Et puis un connecté à la branche. Et je vais faire quelques petits détails. Donc, cela ressemble à un très bon point de départ. Je vais juste utiliser ma gomme pour effacer quelques marques inutiles, commençant par le côté de mon orange, puisque nous avons les feuilles qui se chevauchent juste ici. Et même chose. L' archéologue brosse pour brosser ces marques inutiles au crayon. Très bien, donc à ce stade, votre croquis devrait avoir l'air plutôt finalisé. Vous n'avez pas de marques ou de lignes inutiles. Nous avons effacé tout ce qui n'est plus nécessaire. Et avant de passer à la peinture, je vous encourage soit à retirer votre gomme pétrie pour soulever votre croquis pour le rendre un peu plus léger. Ou si vous n'avez pas la gomme pétrie, vous pouvez utiliser n'importe quelle gomme et effacer légèrement comme ça directement sur vos marques de crayon afin que votre croquis devienne encore plus léger. De toute façon, vous avez le croquis le plus léger possible sur votre papier. Ne fais pas ce que je fais et fais vraiment sombre. Et toutes ces lignes inutiles sont effacées et nous sommes prêts à commencer à peindre. 8. Fleurs d’agrumes: Maintenant que l'esquisse est terminée, il est temps de commencer notre première couche de peinture. Nous allons commencer par ici avec ces fleurs bleues orangées. Allons-y, jetons un coup d'œil à notre photo de référence, ici à gauche. On dirait des fleurs d'oranger ou pétales blancs avec des centres jaunes. blanc peut être difficile à peindre avec aquarelle, mais je vais vous montrer comment je travaille pour contourner ça. Tout d'abord, nous allons travailler avec deux de mes pinceaux de détail pour cela, j'ai un numéro 0 et un numéro 1. Je vais commencer par ces deux-là parce que les fleurs ici sont assez petites et détaillées. Tout d'abord, je vais apporter ma palette de crème barre jaune ici et je vais aussi trouver mon stylo aquarelle blanche et poser ici pour que tout soit dans la même zone. La façon dont je vais les remplir est de mélanger le blanc et le jaune peut-être avec un peu de bleu pour obtenir une couleur crème. La première chose que je vais faire, c'est de bien mouiller mon pinceau et de l'amener ici dans la palette pour le mélanger, vous pouvez prendre un peu de ce blanc et le mélanger aussi. Je ne veux pas qu'il soit super vibrant, alors je le mélange avec certains de ces tons désaturés qui sont déjà dans ma palette, ressemble à un peu de brun, qui ressemble à un peu de brun, peut-être une touche de bleu ici pour le faire. plus désaturé , et maintenant, je vais commencer par la floraison centrale ici. Maintenant que je l'ai mélangé avec ce pinceau de détail moyen, je vais passer à mon pinceau plus fin, mélanger avec ce jaune vif , puis commencer à peindre dans certains de ces pistons qui sortent de au centre, puis je vais faire des petits points sur chacun d'eux. Comme vous pouvez le voir, je ne peins pas sur mes marques de crayon au lieu de cela, j'utilise l'espace négatif créé par ces marques de crayon et je dessine dans espace de sorte qu'une fois cette peinture complètement sèche, comme sèche comme dans Demain sec, je pourrai aller de l'avant et effacer cette forme autour de ces pistons et ce sera comme si elle n'avait jamais existé. C'est ainsi que j'utilise l'espace blanc lorsque je peins à l'aquarelle, c'est pour créer ces barrières que je peux ensuite effacer une fois la peinture sèche et avoir ces belles limites blanches entre les segments de peintures. Allons de l'avant et faisons de même pour les autres. Lorsque j'aquarelle, j'utilise rarement une seule couleur, j'aime mélanger différentes couleurs donc je vais faire la même chose ici avec ces petits segments qui sortent du centre de la fleur. Le reste de ma composition va contenir beaucoup de verts, de bleus et oranges, donc je pense que ce que je vais faire, c' est tirer un peu de vert ici de ma palette, obtenir un peu de vert sur mon pinceau et ensuite juste ce vert dans le point central où tous ces petits segments se connectent. Je vais le laisser pénétrer naturellement vers le haut dans ces segments pour haut dans ces segments qu'il ajoute un peu plus de profondeur et je laisserai simplement cette teinte plus foncée commencer à remonter le jaune. À ce stade, c'est aux peintures de voir comment elle se mélange lorsqu'elle sèche, mais maintenant que nous sommes allés de l'avant et que nous avons fini ces zones centrales à l'intérieur de la fleur, continuons et faisons les pétales. Pour ces pétales, je vais compter assez fortement sur mon stylo blanc, alors je mélange les blancs avec le jaune existant et il se fond avec d'autres couleurs de ma palette pour devenir un peu plus boueux, ce qui est En fait ce que je veux ici. Ensuite, je vais revenir à mon pinceau de détail moyen et commencer par ce premier pétale. En peignant, il semble un peu trop sombre à mon goût, alors je vais juste mélanger beaucoup plus d'eau pour amener cette hyperpigmentation dans un espace plus neutre pour qu'elle devienne beaucoup plus légère. Je peux passer à mon pinceau de détail encore plus pour me rapprocher des bords des marques de crayon, mais ne pas passer par-dessus le crayon si je peux l'aider. Même chose pour certaines de mes autres fleurs, je vais juste peindre dans cette zone marquée au crayon et modifier la quantité de pigment je charge sur mon pinceau. Si jamais vous sentez qu'il devient vraiment lumineux, suffit de mélanger plus d'eau sur votre pinceau et d'essayer de l'étaler un peu. Comme vous pouvez le constater, nous ne faisons pas fleurs blanches pures, mais nous y ajoutons un peu de teinte jaune et ce n'est qu'un des compromis que vous faites parfois avec l'aquarelle. Même chose, je veux ajouter un peu plus de profondeur à certains de ces pétales, alors je pense que je vais tirer peu du même vert que nous venons d'utiliser et ai essayé de le plonger ici dans les coins. Peu de petits conseils comme ça, puis il commencera naturellement à s'étaler à mesure que la peinture sèche. Deux autres, si jamais vous entendez le bruit de votre pinceau se gratter sur le papier, cela signifie qu'il est probablement trop sec, allez-y et chargez-le avec un peu plus d'eau. Même chose, je vais tirer un peu de ce vert et le plonger au centre de ces pétales pour qu'il ajoute de la profondeur lorsqu'il commence à fleurir vers l'extérieur. Allons de l'avant et faisons la même chose et remplissons les pétales des deux autres fleurs. En chargeant mon pinceau avec beaucoup de blanc et de jaune, je vais passer à mon pinceau un peu plus grand pour obtenir la majeure partie de cette zone. Parfois, ce que je ferai si j'ai beaucoup d'eau dans chaque segment, c'est que j'obtiendrai d'abord les zones principales de ces segments, puis je passerai à mon pinceau de détail pour obtenir les bords et me rappeler que je veux l'aligner près de ces marques de crayon sans passer. ce moment, ces sections sont vraiment mouillées, donc au lieu d'ajouter ce vert en ce moment, je vais donner un peu de temps pour devenir un peu plus sèche avant de faire la même chose que moi Ici, je plonge dans ce vert aux coins. Peut-être qu'au moment où j'aurai fini ces deux autres pétales, il sera légèrement plus sec et je commencerai à plonger dans ce vert pour ajouter de la profondeur. Même chose, les essuie-tout, ils sont tout le temps utiles. J'ai laissé tomber un peu d'eau ici, tout ce que j'ai à faire est de prendre mon essuie-tout, appuyer sur le papier, tirer vers le haut, et il est complètement fixé. Quiconque dit que l'aquarelle est impitoyable, n'utilise pas ce truc d'essuie-tout. Même chose, je vais remplir la partie principale de ces pétales avec beaucoup d'eau sur mon pinceau, puis passer à mon pinceau plus détaillé obtenir ces bords fins et l'approcher aussi près de ces marques de crayon que possible sans se chevaucher si je peux l'aider. Cool, maintenant je vais revenir à mon vert désaturé pour ajouter un peu plus de profondeur à ces pétales. Sur les derniers sets. Même chose, je vais passer à mon pinceau moyen détaillé et faire descendre l'essentiel de ces pétales en quelques coups, puis je passerai à mon pinceau plus fin pour polir ces bords. Enfin, je vais tirer une partie de ce vert foncé, plonger dans le coin de ces pétales et le laisser saigner dans le reste, juste pour ajouter une certaine variation de profondeur. Nous avons terminé la première étape qui consiste ajouter ces pétales dans le coin supérieur gauche. Passons à l'étape suivante qui va peindre dans ces tiges et ces feuilles. 9. Feuilles et tige: Pour la prochaine étape, maintenant que nous avons terminé notre croquis et nos trois fleurs, il est temps de passer à l'étape suivante, qui va être ces très belles feuilles. Alors allons-y et commençons. Les fournitures que j'utiliserai pour ça sont des pinceaux. J' ai deux pinceaux ronds et deux pinceaux de détail. Donc, les détails sont de taille 1 et triple 0. Et les brosses rondes sont de taille 0 et 4. Et la façon dont j'aime commencer est de considérer la couleur. Donc nous savons que nous allons avoir de l'orange vif, peut-être un peu de rouge dans ces zones d'agrumes. Donc, je veux penser à une couleur qui va très bien fonctionner avec ces oranges vives, jaunes et coraux. Et une chose que j'aime vraiment combiner la largeur orange est le bleu. Et c'est parce que le bleu est une couleur complémentaire à l'orange. Et chaque fois que vous combinez des couleurs complémentaires ensemble, il crée une palette de couleurs vraiment dynamique. Alors allons-y et commençons par là. J' ai donc ma très belle palette bleue par ici. Comme vous pouvez le voir, c'est un mélange de peintures que j'ai littéralement sorti ici juste de mes casseroles. J' ai même sorti ces casseroles séparées et je l'ai mis sur ma palette. Et puis j'ai aussi quelques zones où j'ai pressé de la peinture à tube aussi. Et la peinture à tube que j'utilise est à la fois la série Winsor et Newton Cotman. L' un est bleu intense et l'autre est bleu cobalt. Et encore une fois, j'ai acheté ces deux jours, donc ils sont neufs. Donc je suis allé de l'avant et je les ai pressés sur ma palette ici et ici. Et puis j'ai aussi eu un peu de turquoise résiduelle d' un de mes tubes qui reste juste une sorte de reste sur cette palette. Donc je pourrais m'en tirer aussi. D' accord, donc d'abord, je vais mettre mon pinceau bien mouillé et commencer ajouter de l'eau dans cette palette parce qu'elle est assez sèche à ce stade. J' aime bien cette casserole ici parce que c'est une très belle turquoise. Voyons voir quel est son nom. Windsor vert bleu. Donc ça me donne une très belle turquoise. Et je pense que c'est un bel équilibre entre avoir toutes les feuilles bleues en utilisant quelque chose comme une turquoise, vous pouvez apporter un peu plus vert là-dedans pour se sentir un peu plus naturel. Et comme vous pouvez le voir, j'ai déjà mis ma peinture sur mon papier. Donc je vais faire la même chose. Mets mon essuie-tout un peu mouillé. C' est de l'eau toute neuve en passant. Donc, entre chaque couche, je jette toujours mon vieux plat d'eau et je mets de l'eau fraîche dans. Donc, c'est de l'eau propre. Donc je vais juste appuyer et tenir, puis soulever certains de ces endroits. Fondamentalement magique. D'accord, alors allons de l'avant et commençons avec certaines de ces feuilles. Donc je vais commencer avec cette très belle turquoise brillante. Peut-être jeter un peu de ce bleu foncé là-dedans, juste pour le rendre plus intéressant. Je vais commencer par segmenter cette feuille en deux et en remplir la moitié. Et la raison pour laquelle je fais ça, c'est juste pour rendre ma composition un peu plus dynamique. Je pense que ça va être intéressant d'avoir ces feuilles divisées au milieu. Ensuite, je vais tirer un de mes pinceaux de détail. C' est la taille 1. Et je vais chercher une sorte de brun orangé à tremper là-dedans. Et la raison pour laquelle je regarde l'orange, c'est parce que nous savons que nous allons avoir beaucoup d'oranges répétées dans ces écorces. Donc, si je choisis un peu d'orange maintenant, trempez-le dans ces coins. Cela pourrait créer des effets vraiment cool. Bon, maintenant pour l'autre moitié de cette feuille, je ne veux pas juste répéter exactement la même turquoise et essayer quelque chose d'un peu différent. Voyons ce qui se passe si je mélange certains de ces bleus ensemble et que je donne une chance à ça. Vraiment prudent avec cette ligne. Et reliant le reste de la feuille. Et je vais voir mes marques de crayon ici. Ce n'est pas la fin du monde, ça va certainement arriver à un moment donné. Retour à un pinceau de détail. Et pour ça, je pense que je vais plonger dans ce bleu intense dans mes coins. Et puis juste voir comment il commence à se bousculer et tirer vers l'extérieur et mélanger avec le reste de ce pigment pendant qu'il sèche. Et tu sais quoi ? Juste pour le plaisir, allons de l'avant et prendre un peu de ce jaune ici et voir ce qui se passe si je plonge dans quelques petits points de jaune très vif. D'accord, donc j'ai terminé cette première feuille, et maintenant j'ai juste un peu plus à faire. Donc je vais utiliser ces mêmes techniques pour remplir les autres feuilles. En commençant par utiliser mon plus grand pinceau, en quelque sorte créer cette couleur personnalisée. Peut-être le mélanger un peu plus vert. Trancher la feuille au milieu et en remplir la moitié. Et puis la même chose pour l'autre côté. Puisque celui-ci est assez lourd sur le bleu, je peux ajouter un peu plus de turquoise pour le deuxième côté. Pour celle-là. Je vais passer à l'un de mes plus petits pinceaux de détail pour rapprocher de l'autre côté le plus possible sans mélanger les deux couleurs ensemble. Mais si vous chevauchez des segments ensemble, encore une fois, ce n'est pas la fin du monde. C' est une des choses amusantes avec l'aquarelle. Ces petites erreurs peuvent avoir des conséquences vraiment intéressantes. D' accord, donc je vais plonger et obtenir un peu plus de bleu sur celui-là, juste ici dans ces coins. Et puis pour ce bleu foncé, je vais en fait tirer un peu d'orange. C' est une sorte d'orange de Sienne vraiment, vraiment désaturée, brûlée. Et je vais plonger ça dans les coins de ce bleu très vif. Juste pour que ce ne soit pas toutes les couleurs vibrantes. C' est plutôt agréable d'avoir un mélange de couleurs vives vraiment pavot et ensuite tonifié avec des neutres là-dedans aussi. Bon, passons à la feuille suivante. Et rappelez-vous : en cas de doute, ajoutez toujours plus d'eau à votre brosse. Encore une fois, la même chose ici, et je vais passer à l'un de mes pinceaux de détail tirer dans un jaune très vif, juste un peu tremper dans et voir ce qui se passe comme ça commence à se fondre contre cette turquoise. Et sur les coins de ce bleu, je vais plonger dans une turquoise vraiment, vraiment profonde. Cool. Essayons celui-là. Quand il s'agit de couleur dans l'aquarelle, Il n'y a vraiment pas de mauvaises réponses. Il s'agit juste d'expérimenter avec les pigments et voir quelles combinaisons de couleurs fonctionnent vraiment bien ensemble. Et il y a beaucoup d'accidents heureux qui ont toujours tendance à se produire. Très bien, on va monter cette feuille ici. Et turquoise à ces coins. Et puis peut-être faire une turquoise très brillante dans cette deuxième zone. Et comme vous pouvez le voir quand je peins avec mon pinceau, j'utilise un trait vraiment, vraiment léger quand j'arrive à ces points effilés. Mais quand j'arrive au corps principal de cette feuille et vraiment pousser mon pinceau vers le bas sur la page pour obtenir une belle variété de coups, vraiment marteler dans ces pousses et minces. D' accord, ajoutons un peu de jaune ici. Peut-être qu'un de ces coins a ce brun vif. Bon, un peu plus à y aller. Ramenons cette turquoise brillante dans le mélange. C' était donc un exemple aussi. Quand j'ai fait ce premier coup, c'était très léger. Mais quand j'ai rempli la majeure partie de la feuille, j'ai vraiment poussé mon pinceau vers le bas sur ce papier pour couvrir encore plus de surface. Alors que vous peignez, pensez à la lumière de votre brosse sur le papier par rapport à la charge que vous poussez vers le bas. Et c'est une très bonne façon de vraiment maîtriser et d'avoir une conscience du contrôle de votre brosse. Et même chose. Je vais essayer d'apporter un peu d'orange dans celui-ci. Tu nous as donné des conseils bleus très foncés. Très bien, parfait. Alors maintenant que nous avons nos feuilles entièrement finies, Allons-y et ajoutons ces tiges car ils vont utiliser la même palette de couleurs. Donc, pour cela, je vais utiliser ma brosse ronde numéro 4 de taille moyenne. Donc je vais juste mélanger un peu de cette turquoise, peu de ce bleu, prendre beaucoup d'eau ici. Vraiment charger ma brosse pour qu'elle soit agréable et uniformément enrobée d'eau. Et puis je vais trouver le début de cette tige. Tirez-le vers le haut et arrêtez-vous là où commence cette fleur. Et je continuerai sur le même chemin. Et puis finis ici, dans le coin. Maintenant, si vous voulez ajouter un peu plus d'intérêt visuel, je recommande de ramener un peu de ce brun ou orange et juste une sorte de poivrer le long de la ligne que vous venez de dessiner. Et il y a un horodatage là-dessus parce que lorsque nous faisons des lignes comme celle-ci, elles ont tendance à sécher beaucoup plus rapidement. Donc, lorsque vous commencez à ajouter de la couleur, lorsque vous faites un long trait, votre fenêtre est vraiment courte. Donc aussi rapidement que vous pouvez ajouter ces autres couleurs dans le mieux, sinon il va sécher très rapidement. Ok, faisons la tige de l'autre côté, que je pense que je veux que la mienne soit un peu plus bleue. Comme ça. Maintenant, je vais tamponner un peu de vert ici, travailler très vite parce que l'aquarelle sèche très rapidement. Ajouter un peu de jaune à cette partie de la tige. Peut-être un peu de haut marron. Parfait. Donc, comme vous pouvez le voir, au lieu d'une seule tige plate, ce sont en fait deux tiges qui ont beaucoup de variation de couleur avec elles. Donc, je serai vraiment intéressé de voir comment ça commence à sécher. Bon, donc à ce stade, nous n'avons qu'une autre pièce du puzzle à remplir, et je garde le meilleur pour la fin, et ça va être ces tranches d'agrumes. Alors allons-y et commençons. 10. Peindre le citron: À ce stade, nous sommes prêts pour la dernière étape de notre illustration botanique d'agrumes orange. Et cela va remplir ces zones d'agrumes. Avant de commencer avec nous, je veux signaler quelque chose. Il y a évidemment beaucoup de différents types d'agrumes. Il y a des oranges, des citrons, des pamplemousses. Et ce que je vous encourage à faire n'est pas nécessairement suivre pour chaque couleur que je fais. Mais si quelque chose d'autre vous parle à la place, si vous voulez les transformer en pamplemousses ou oranges sanguines ou simplement en oranges standard. N' hésitez pas à suivre votre propre direction et à illustrer quelque chose qui vous parle vraiment. Mais pour moi, je vais en faire des oranges. Et, vous savez, en regardant ce croquis, une chose que je me rends compte que j'aimerais faire, c'est, vous savez comment nous avons cette orange divisée ici avec cette photo de référence à regarder en arrière. J' aime vraiment comment cela ressemble ici, surtout juxtaposé contre la croûte orange. Donc je pense que ce que je vais faire est de transformer une de ces oranges en une orange tranchée. Et pour ça, j'ai mon crayon à croquis très vite. Je vais juste faire un petit point juste au centre de cette orange et puis très légèrement ou dur dans mon cas. Donc, vous pouvez voir dessiner des lignes segmentées comme celle-ci afin que je puisse décider où ces triangles individuels devraient être. Tellement parfait. C' est ça. Je peux maintenant mettre mon crayon à croquis et nous pouvons commencer notre aquarelle. D' accord, donc j'ai une palette ici, et c'est ma palette chaotique et chaleureuse. J' ai beaucoup de magentas et de rouges, d'oranges, de jaunes. Vraiment tout ce que j'ai sur cette palette que je vais utiliser sur cette illustration pour compléter l'ensemble orange. Donc, si vous êtes curieux de savoir ce que ces couleurs réelles sont, Il y a beaucoup de Winsor et Newton Cotman série des tubes, j'ai rouge cadmium, jaune cadmium, mauve, magenta permanent. Ooh, ça vient de la série professionnelle, donc celle-ci est un peu plus fantaisie. Et j'ai ce rouge cerise que je ne sais pas quel est le nom de la marque parce que je l'ai acheté en Thaïlande ou peut-être en Indonésie. Quoi qu'il en soit, ce n'est pas en anglais. Encore une fois, je ne suis pas très pointilleux sur les tubes et les peintures que j'utilise. Il s'agit plus de ce que vous faites avec cette peinture que de ce qu'est le nom de la marque. Ok, donc c'est un peu ce avec quoi je travaille ici. C' est une combinaison de ces casseroles, certaines pressées dans de la peinture, autres à peindre que j'ai pressé il y a probablement des années et je ne sais même plus quelle est cette couleur. Mais encore une fois, en mélangeant la bonne couleur, ce n'est pas cette science professionnelle. Il s'agit plutôt d'être intuitif et de voir quels types de mélanges vous vous penchez le plus. D' accord, alors allons-y et commençons ça. Donc j'ai ma petite palette de poche ici. Je vais ajouter de l'eau et commencer obtenir ma palette un peu plus saturée. Certaines de ces zones sont désossées depuis assez longtemps. Donc je vais juste ajouter un peu plus d'eau pour commencer. Donc la première chose avec laquelle je vais commencer, c'est les écorces des oranges. Donc les épluchent ici, ou dans ce cas, ce petit morceau de pelage. Et pour cela, je vais faire tourner ma palette avec soin pour qu'elle ne se vide pas sur tout mon papier. Et commencez à obtenir un peu de cette orange mélangée avec ce jaune ici et obtenir une belle consistance moyenne. Donc ce pinceau a beaucoup d'eau dessus, mais il est également très uniformément recouvert de cette peinture. Et maintenant, je vais peindre en dehors de la ligne. Voyez si je peux le faire en moins de coups que possible. Peut-être qu'à mesure que nous approchons du bord, nous obtenons plus d'un jaune à cette croûte, pour se fondre dans cette orange. Et maintenant, je vais passer à une de mes brosses de détails plus fins pour rapprocher de cette tige, mais pas se chevaucher. Et puis remplissez juste un peu de l'espace négatif par ici. Et j'aime ajouter un peu de texture aux écorces. Donc je vais le faire en tirant un peu de ce très beau rose marron. Et je vais juste avoir quelques petits segments où je le trempe dans la peau comme ça. Juste pour ajouter un joli contraste. D' accord, donc on a fini une croûte. Allons de l'avant et faisons toute la croûte juste ici. Et pour cela, je vais passer à un de mes plus gros pinceaux ronds. Donc celui-ci est en fait une taille 12. C' est un pinceau aquarelle, donc ça va contenir beaucoup d'eau et de pigments, ce qui est génial parce que j'ai beaucoup de surface à remplir ici. Très bien, alors remontons notre palais, mettons-la cette brosse bien mouillée et enrobée de ce genre d'orange jaunâtre. En fait, je vais tremper un peu plus d'orange dans ça. D' accord, donc je vais commencer par suivre le long de la tige, ce qui crée ce bel espace blanc. Maintenant, continuant à retirer ce pigment de ma palette, pas plus d'eau au besoin. Je vais aller de l'avant et remplir le reste de cette orange suivante. Allons de l'avant et rompons un peu la monotonie de cela et ajoutons quelques teintes plus complexes. Donc je pense que ce que je veux faire, c'est commencer avec cette orange. Peut-être le mélanger un peu avec ce rouge qui est par ici. Et trouver quelques endroits où je peux juste le déposer. Je pense que le jaune pourrait être assez intéressant. Voyons ce qui se passe si je tombe dans un peu de jaune. Et si nous mélangeons ces types de rouges et d'oranges ensemble pour créer un peu plus de profondeur. Donc, on dirait presque que ce côté de l'orange est un peu dans l' ombre et qu'il s'efface sur ces points de sorte qu'ils sont très lourds sur le côté droit. Et puis ils s'estompent en une sorte d'orange pure sur la gauche. Parfait. Très bien, Last but not least, allons-y et faisons cette demi-croûte pour cette tranche ici. Donc même chose. Je vais mélanger beaucoup de ce jaune. Laisse-moi tirer un peu plus d'orange. Veillez à ne pas toucher cette ligne de crayon, passez au jaune. Maintenant, tirez tout le chemin à travers. Maintenant, nous pouvons faire ces choses amusantes où nous lissons ces bords et peut-être ajouter quelques couleurs inattendues dans certaines zones, comme peut-être un rouge vif ici à la pointe. D' accord, donc on a établi les pelures ou les écorces des agrumes. Allons de l'avant et remplissons cette partie vraiment juteuse du centre juste ici. Nous avons donc notre demi-segment et notre segment entier. Je pense que je vais faire une variété de couleurs ce genre de gamme dans cette série chaude. Donc fondamentalement tout ce que vous voyez ici sur ma palette, je veux que cela soit représenté dans ces tranches ici à gauche et à droite. Donc je vais commencer par ici avec cette très belle teinte magenta brillante. Et voyons ce qui se passe. Donc encore une fois, je suis assez prudent d'éviter ces marques de crayon et de les utiliser comme limites d'espace pour qu'une fois que la peinture est sèche, je puisse les effacer et ce sera comme si elles n'avaient jamais existé. Premier triangle accompli. Allons de l'avant et je vais passer à l'un de mes pinceaux de détail et trouver l' occasion d'ajouter un contraste inattendu à cela. Alors peut-être que je fais une goutte juste au milieu comme ça et que ça commence à s'inonder vers l'extérieur. Pour cela, je pense que j'aimerais voir un peu de jaune ici aussi. Donc je vais faire la même chose. Encore une fois, obtenir un revêtement agréable et uniforme sur ma brosse. Et puis juste faire quelques gouttes ici et là de ce jaune. D' accord, ensuite, peut-être quelque chose qui a un peu plus jaune. Donc, ce prochain segment, encore une fois, je suis vraiment prudent d'éviter ces autres sections et les marques de crayon. Mais encore une fois, si tu pars, ce n'est pas la fin du monde. Alors maintenant, je vais utiliser ce pinceau de détail pour égaliser ces espaces. Et j'en ai un peu deux pour un ici : je vais ajouter des tonalités différentes parce que c'est un pinceau de détail. Et je suis aussi en mesure de clarifier ce travail de ligne un peu plus. D' accord. Ensuite, il devient un peu trop sombre. Donc je pense que je vais passer à un jaune vif. Et celui-là, je vais en fait tirer de ma palette. Il est appelé jaune citron, ce qui est parfait parce que nous faisons des illustrations d'agrumes. Même chose qu'avant. Très beaux coups de pinceau délicats remplissant cette section principale. Avant de commencer à mettre en commun d'autres tons dans ce petit morceau, je veux lui donner une minute pour sécher parce qu'en ce moment c'est vraiment, vraiment saturé. Et pour la section suivante, faisons la même chose et utilisons à nouveau ce jaune et tirez directement du centre vers l'extérieur, puis remplissez-le. Maintenant, nous allons le changer et essayer quelque chose d' un peu plus d'une teinte orange comme celle-ci ici est assez agréable. Et retirez les quelques coups de pinceau soignés et remplissez ensuite cette zone centrale. Et maintenant, je veux en quelque sorte considérer quelles autres couleurs je peux laisser tomber dans ces segments. Donc, je vais passer à un de mes pinceaux de détail plus minuscule et voir ce qui se passe si j'apporte cette très belle couleur de baie et le déposer juste au centre de ce jaune. Maintenant, c'est assez amusant. Et s'ils me ressemblaient plus à un magenta et le laissaient tomber au centre de cette orange. Ooh, c'est vraiment sympa. Je vais utiliser le même magenta. Juste ici pour cette section jaune citron. Et vous n'avez pas à laisser tomber ces zones dans les pourboires. Vous pouvez également jouer avec l'ajout de petites taches de couleur et d'autres zones à l'intérieur de ces segments. Que se passe-t-il si j'amène du rose vif ici ? Woo, ça devient assez intéressant. D' accord, je vais aller de l'avant et remplir les trois autres sections. Bon, maintenant comme vous pouvez le voir ici, nous avons ce très beau mélange de tonalités. Ce n'est pas seulement une orange, c'est de l'orange. Il y a des jaunes, du magenta, des roses jolies. Et ces couleurs se mélangent vraiment. Et comme cette peinture commence à sécher, nous allons voir des choses vraiment cool se passer avec la couleur fleurir et ce genre d'effets de squiggle qui se produit lorsque les pigments se mélangent et ensuite sèchent en place. Des surprises amusantes surgissent alors que cette peinture commence à sécher. Mais enfin, allons-y et finissons notre toute dernière section. Très vite, j'ai réalisé que j'avais oublié de tracer quelques lignes ici. Et tu n'as pas à les attirer. Mais pour moi, j'apprécie toujours un peu de conseils supplémentaires. Donc je vais aller de l'avant, utiliser mon crayon et ensuite faire la même chose que j'ai faite avant, où je segmente les formes en ce que chaque triangle va représenter. Donc, si vous êtes à l'aise juste peinture libre et ne pas le dessiner à l'avance, allez-y. Mais si vous voulez ajouter des lignes directrices, c'est tout aussi bien. D' accord, donc j'ai mes lignes en place. Allons de l'avant et commençons avec la peinture. Très bien, donc à ce stade, vous devriez être entièrement fini avec votre composition des oranges et des fleurs et des feuilles et des branches. J' espère que tu es vraiment content de la façon dont ça s'est passé. Allons de l'avant et passons à la prochaine composition. 11. Ébaucher les fleurs de cerisier: Pour notre prochaine composition, nous allons peindre ces branches de fleurs de cerisier. Maintenant, j'ai cherché sur Google et je ne peux pas trouver d' exemples de cerises juteuses qui pendent à des branches en fleurs de cerisier. Donc, ça va être un peu une composition imaginaire. Mais nous sommes des artistes, des peintres et nous pouvons faire du monde ce que nous voulons qu'il soit sur notre papier. Donc, dans cette illustration, je vais combiner fleurs de cerisier entièrement fleuries avec des cerises entièrement dodues et juteuses. Alors allons de l'avant et commençons avec notre croquis. Nous avons donc quelques fournitures ici, à commencer par nos photos de référence. Donc nous avons une photo de branche avec une fleur de cerisier, un gros plan pour que nous puissions vraiment voir ces beaux pétales et les parties intérieures de ces fleurs. Et puis cette belle bande de cerises sur fond blanc. Et en plus des photos de référence, j'ai mon crayon à croquis, ma gomme, mon pinceau archéologue, puis un morceau de papier vierge. Donc, pour cette première étape, qui est juste esquisser, c'est tout ce dont nous aurons besoin. Alors allons-y et commençons. Donc la première chose que je vais faire est d'établir à quoi ressemble cette branche. Peut-être que c'est un peu à gauche. Alors peut-être qu'il y a cette branche primaire qui descend un peu plus loin. Vous pouvez juste inventer à quoi ces branches pourraient ressembler. Mais pour moi, je pense que je veux garder ça assez simple et juste avoir quelques tiges comme ça. Donc, en substance, ce n'est qu'une série de lignes courbes. Et encore une fois, je sais que je le dis à chaque fois, mais s'il vous plaît n'oubliez pas de dessiner très légèrement sur votre papier. Il ne devrait pas être si sombre, mais je veux que vous voyez ce que je fais, en gardant assez sombre pour que les branches soient vraiment simples. C' est juste 12345, c'est seulement cinq points et ça va être la base de départ de l'illustration. Considérez cela comme le squelette. Et rappelez-vous, le tien n'a pas à ressembler exactement à la mienne. Ce sont des branches, elles peuvent pousser dans n'importe quelle direction possible. Donc, n'avez pas l'impression que ça doit ressembler exactement à ça. Ça peut juste ressembler. Très bien, donc une fois que j'aurai les branches en bas, je veux trouver les endroits où mettre les fleurs. Donc je pense que ce que je veux faire pour cette illustration, c'est avoir trois zones séparées où nous avons ces fleurs de cerisier et de gros pétales éclatants. Donc je vais commencer par en mettre un ici. Et encore une fois, je vais juste dessiner le cercle pour l'instant pour me donner un point de référence sur la façon dont cette fleur va s'adapter à la composition. Plus tard, nous allons affiner ceci et ajouter des pétales. Mais pour l'instant, ce cercle indique l'espace que la fleur va prendre. On dirait un autre bon endroit ici. Et peut-être qu'on en fera un ici aussi. Donc trois fleurs séparées. Et ensuite, je veux trouver les espaces pour les cerises. Peut-être que je vais en mettre deux ici. Peut-être que j'en aurai deux plutôt bas en bas. Et peut-être deux de plus ici. C' est une belle stupéfiante entre les cerises plus petites et les plus grandes zones pour les fleurs. Bon, maintenant que nous avons le squelette de base établi pour ce à quoi ressemblera cette composition. Allons de l'avant et finissons-le un peu plus de détails, en commençant par les trois fleurs. Donc, la première chose que j'aime toujours faire est de faire une petite marque pour définir les points centraux de chaque pétale. Et si nous regardons ici sur notre photo de référence, il semble que les fleurs de cerisier ont cinq pétales séparés. Et puis cette belle sorte de zone intérieure en forme d'étoile. Donc je vais commencer par la zone centrale, qui est, c'est une sorte de répétition des pétales. C' est une étoile à cinq pointes. Alors allons-y et commençons par là. 1, 2, 3, 4, 5. Et encore une fois, il n'a pas besoin d'être parfait. Alors 12345. Rappelez-vous, les marques de crayon très, très légères et douces. D' accord, donc on a fait les points centraux. Allons de l'avant et faisons ces pétales. Donc je vais faire 12345 12345. Et comme vous pouvez le voir, je suis assez lâche avec ça. Ça n'a pas besoin d'être absolument parfait. D' accord, donc nous avons nos trois cerisiers en fleurs et prêts à partir. Allons de l'avant et affinons un peu ces cerises, commençant par réfléchir à l'endroit où ces tiges se connectent. Donc la première chose que je veux faire est d'effacer cette ligne juste ici. Parce que je veux le déplacer un peu vers le bas pour qu'il puisse relier ces deux cerises ensemble. Maintenant, nous avons les deux cerises reliées à la branche. Et la même chose ici. Je vais les connecter à la branche et les connecter à cette branche. Et enfin, en ce qui concerne la fabrication de marques de crayon sur ce papier. Je vais ajouter dans quelques domaines comme celui-ci où nous avons ces bourgeons à venir qui ne sont pas encore pleins de fleurs, mais ils le seront bientôt. Donc, je vais juste chercher des endroits comme celui-ci où je peux ajouter quelques petites zones de tir que je vais transformer en bourgeons de cerisier. Parfait. Donc il n'a pas besoin d'être trop nombreux. Et si nous voulons ajouter plus que nous peignons, c'est tout aussi bien à faire. Maintenant que j'ai mon croquis terminé, je vais passer à ma gomme de clic et effacer certaines de ces lignes inutiles, commençant par les fleurs de cerisier ici. Alors rappelez-vous que nous avons commencé par dessiner un cercle pour établir l'espace. Allons de l'avant et effacons ce cercle parce que ce n'est plus nécessaire. Et je peux aussi effacer les branches qui se chevauchent par ces pétales de fleurs de cerisier parce qu' il va y avoir un peu de superposition qui se passe ici. Les fleurs de cerisier sont au premier plan et les pétales sont en arrière-plan. Très bien, et comme touche finale, je vais utiliser ma brosse de fantaisie et enlever toutes ces petites plumes de gomme. Bon, donc à ce stade, nous devrions avoir un croquis poli, qui est prêt à partir. Et comme une dernière étape, la voici, vous pouvez aller de l'avant et utiliser votre gomme pétrie pour enlever les marques de crayon un peu plus de la page juste pour rendre votre croquis encore plus léger. Si vous n'avez pas de gomme pétrie, vous pouvez utiliser une gomme standard et ensuite effacer très, très légèrement le long de ces marques afin que vous puissiez toujours le voir, mais juste à peine. Alors. Encore une fois, l'aquarelle est un milieu très transparent. Donc, chaque fois que vous peignez sur les marques de crayon, une fois que la peinture sèche, ces marques de crayon seront permanentes. Mais la bonne nouvelle, c'est que pour ces branches, je veux les garder assez sombres. Donc, puisque je vais peindre des branches sombres, les marques de crayon ne seront pas tellement un problème. Cependant, ces fleurs vont être rose clair. Je veux donc m'assurer que ces fleurs en particulier sont aussi légères qu'elles peuvent l'être en théorie. Mais en pratique, je vais le garder assez sombre ici pour que vous puissiez voir ce que je fais. Bon, allons-y et passons à l'étape suivante. 12. Détail des pétales: OK. La première étape sera de peindre ces fleurs. Nous avons donc trois très belles fleurs de cerisier, et je vais les peindre avec beaucoup de rose très clair et peut-être aussi un peu de jaune au centre Les matériaux dont je dispose pour cela sont mes photos de référence, feuille de papier avec mon croquis dessus, une variété de pinceaux ronds et détaillés, une variété de pinceaux ronds et détaillés, et j'ai également mes palettes ici. Je pense donc que je vais commencer par le centre de ces fleurs en utilisant mon pinceau de détail numéro un. J'ai donc de l'eau de peinture fraîche et propre. Je vais juste les mélanger sur ma palette pour obtenir un beau jaune, peut-être aussi ajouter un peu de cette orange parce que j'aime ce qui se passe ici avec cette palette. Encore une fois, comme vous pouvez le constater, ce mélange de couleurs n'est pas une science précise. La plupart des couleurs avec lesquelles je travaille ne sont que des taches qui existaient déjà sur ma palette ici et que je suis en train de mélanger, voir ce qui se passe lorsque je fais ces combinaisons Il n'est donc pas nécessaire qu' elle soit parfaitement parfaite, comme une couleur spécifique. Vous pouvez simplement jouer et voir ce qui se passe lorsque vous commencez naturellement à les mélanger. C'est bon. J'aime bien cette sorte d'orange jaune désaturé qui se produit ici Je vais juste passer en revue et remplir les étoiles centrales pour ces cerisiers en fleurs. Et j'essaie de ne pas superposer les marques de crayon, mais je le fais quand même, donc ce n'est pas si grave. Si vous voulez passer un peu en revue vos marques de crayon , cela arrivera toujours. Cool. Et juste pour ajouter un peu plus d'intérêt visuel. Je pense que je vais ajouter un peu de ce rouge. Peut-être plutôt tirer sur ce marron. Ensuite, ajoutez peut-être quelques gouttes vers le centre dans une couleur totalement différente pour voir ce qui se passe lorsque la peinture et le pigment commencent à se mélanger. C'est donc ce marron qui se fond dans le jaune. Nous allons juste voir où cela va nous mener. C'est bon. Nous avons donc terminé le centre des fleurs. Allons-y et fabriquons ces grandes fleurs magnifiques. Donc, dans ma palette chaotique et chaleureuse d'ici, j'ai beaucoup de teintes différentes. J'ai des jaunes et des rouges. J'ai ce très beau rose pastel qui est également très cool. En fait, cela correspond vraiment bien. Mais n'oubliez pas qu'en ce qui concerne les pastels, souvenez-vous que chaque fois que vous mélangez du blanc avec une peinture à l' aquarelle, cela devient plus opaque, ce qui signifie que vous ne verrez pas la texture du papier passer ce qui signifie que vous ne verrez pas à Le contraire de l'opaque est transparent et transparent, ce qui signifie que vous pouvez créer des couches après couches, et la couche la plus profonde apparaîtra toujours jusqu'en haut. Mais avec de la peinture opaque, vous en aurez beaucoup moins. Encore une fois, ce n'est pas mal, ce n'est pas bon. C'est juste quelque chose à garder à l'esprit lorsque vous peignez. Donc, si vous voulez avoir plus de cette transparence très légère et aérienne, ne mélangez pas le blanc. Mais si vous voulez obtenir une sensation plus opaque, comme un guash ou un acrylique, vous obtiendrez cet effet en mélangeant du blanc ou en utilisant une aquarelle pastel Donc, pour moi, je pense que je vais utiliser un peu de ce rose clair, mais surtout me fier d'autres nuances de magenta que je vais juste mélanger avec beaucoup d'eau. Très bien, je suis donc passé à mon pinceau rond. C'est mon numéro quatre, et je vais juste désigner cette zone de ma palette pour ma nouvelle couleur. Comme vous pouvez le constater, je m'inspire d'autres zones de ma palette, y compris un peu de jaune, pour créer cette nouvelle couleur personnalisée que je souhaite utiliser pour ces cerisiers en fleurs. Je vais aussi ajouter un peu de ce rose opaque. Waouh, ça fait vraiment une différence, comme tu peux le constater. Ce rose à cause du blanc qu'il contient va être très puissant. Mais en fait, tu sais quoi, dans ce cas, j'aime bien. Je vais donc m'en servir comme base, peut-être y ajouter un peu plus de jaune et un peu plus de magenta. Parfait. J'ai donc mon pinceau bien et uniformément recouvert de ce pigment. Je vais ajouter encore plus d'eau et commencer avec le premier pétale. Je peux déjà dire que ce pinceau sera bien trop gros pour ce que je dois obtenir. Je vais revenir à mon petit pinceau de détail et commencer à colmater soigneusement ces marques de crayon. Je veux que le deuxième pétale soit un peu plus clair. Je vais juste ajouter encore plus d'eau à mon pinceau pour faire passer la texture du papier blanc en arrière-plan. Il n'est pas aussi dominant que mon premier pétale. Oh, c'est vraiment magnifique. Maintenant, je peux même prendre un peu de ce marron foncé et en faire quelques petites gouttes ici, au centre Je vais faire la même chose sur celui-ci. Cool. En gardant cela à l'esprit que je veux avoir beaucoup plus d'eau et moins de pigments sur mon pinceau. Je vais juste examiner et détailler soigneusement le reste de ces pétales avec mon pinceau . Et attention ici à éviter les traces de crayon, car ce sera la zone la plus claire de notre composition. Les cerises vont être d'un rouge foncé. Les tiges vont être assez foncées. Ce sont vraiment ces pétales qui vont être la partie la plus légère et délicate de la composition. Même chose, je suis en train de tremper un peu de ce marron et de faire quelques petites gouttes pour donner une idée de profondeur à Et pour le dernier pétale, je peins principalement avec de l'eau à ce stade Il y a beaucoup d'eau chargée sur mon pinceau avec juste un tout petit peu de pigment dedans. Et j'ai toujours constaté que lorsque vous travaillez sur des zones aussi détaillées, plus vous avez d'eau sur votre brosse, plus vous aurez de contrôle. Donc, si vous avez l'impression que cela ne donne pas vraiment le résultat escompté ou que cela devient vraiment difficile à peindre, ajoutez simplement de l'eau à votre pinceau et cela résoudra le problème neuf à dix fois. Très bien, j'ai terminé ma première fleur, et je trouve qu'elle est plutôt belle Le premier pétale que j'ai fait était un peu trop foncé, mais j'ai pu corriger cela dans les autres pétales et les rendre un peu plus clairs Donc, vous savez, la façon dont je regarde beaucoup de mes aquarelles, c'est qu'il s'agit d'une courbe d'apprentissage constante Donc, quel que soit l'endroit où j'ai commencé à peindre par rapport à l'endroit où j'ai terminé cette peinture, il y aura beaucoup de changements parce que j'ai évolué, adapté et changé ma technique pour l'optimiser au fur et à mesure. Vous trouverez donc la même chose en peignant à l'aquarelle C'est normal d'avoir ces imperfections. Oui, ce pétale est un peu plus foncé que les autres. Mais l'aquarelle ne consiste pas à être absolument parfaite. Il s'agit d'explorer le médium, s' amuser et d'accepter les imperfections qui font partie de l'aquarelle Très bien, allons-y et peignons ces deux autres fleurs En cas de doute, ajoutez toujours plus d'eau à votre pinceau et placez-le directement sur le papier. Et vous pouvez remixer selon vos besoins. Et je vais faire de même et simplement l'intégrer dans les zones centrales pour rendre un peu plus complexe et amusant. Parfait. C'est bon. J'ai donc terminé les trois fleurs que je suis en train de faire pour mes branches de cerisier Et j'ai déjà hâte que ça sèche car je veux vraiment effacer toutes ces marques de crayon qui se trouvent entre les lignes de mes segments. Mais encore une fois, je vais être patient. J'attendrai jusqu'à demain. Et oui, il paraîtra beaucoup moins foncé une fois que vous serez capable de supprimer ces lignes tracées au crayon. Mais ce n'est pas pour le moment. Pour le moment, nous allons passer à l'étape suivante, qui consiste à peindre ces grosses cerises éclatantes 13. Ajouter des cerises: Maintenant que nous avons terminé nos fleurs, allons de l'avant et faisons l'étape suivante, qui est de remplir ces cerises. J' ai donc ma photo de référence cerise quelque part. On y va. C'est si simple. Mais la seule chose que je veux vraiment garder à l'esprit avec ces cerises est de laisser de la place à cette lumière pour briller. Après tout, quand vous pensez à la surface d'une cerise, c'est très lisse, c'est très réfléchissant. Et j'ai fait passer ces qualités dans mon aquarelle. Alors allons-y et commençons. Donc, je suis de retour à ma palette chaleureuse. Donc je vais aller de l'avant et le charger avec l'eau et commencer à mélanger des couleurs qui, je pense, pourraient être une couleur cerise vraiment, vraiment sympa, juteuse. Donc beaucoup de rouges et peut-être une partie de ce magenta qui arrive. Encore une fois, ce n'est pas une science parfaite. Je suis juste en train de regarder ça et de voir ce que je pense être bon ensemble. Je pense que je vais apporter une partie de ce bleu de ma palette aussi pour juste ajouter une touche de afin qu'il devienne un peu plus profond et plus riche et plus violet. Ooh, ça a l'air vraiment sympa. D' accord, donc j'ai ma couleur de base établie juste en jouant avec des couleurs différentes. Je veux dire, j'ai littéralement mélangé les couleurs existantes qui sont sur ma palette avec quelques-unes de ces casseroles et quelques tubes à pression qui étaient déjà là. Bon, alors allons-y et commençons à remplir un homme et très vite. Donc, sur notre croquis, nous avons dessiné ces cerises parfaites. Mais comme vous pouvez le voir, ils ont en quelque sorte ce cœur en forme de cœur vraiment rond et lisse, où ils plongent ici au milieu, où la tige se connecte, ils vont bulbeux et vers l'extérieur, et puis ils descendent à ce point plus conique que leurs bords supérieurs. Donc ce genre de forme est ce que je veux garder à l'esprit lorsque je peins ceci. Encore une fois, c'est l'importance d'avoir un croquis vraiment léger pour que si vous finissiez par peindre sur ces marques de crayon, tant qu'elles sont vraiment légères, ce ne sera pas si perceptible. D' accord, alors on y va. Je vais faire un petit plongeon. Ça arrive comme ça. Et puis je laisserai un petit espace supplémentaire au milieu ici qui représente l'éclat de cette cerise. Et je vais vraiment mettre en commun ce pigment ici. Et peut-être pour une petite touche inattendue, nous avons ce très beau jaune au centre de nos fleurs. Voyons ce qui se passe si je prends un peu de ce jaune et en fais quelques petits morceaux ici. Ah ! avoir une bulle d'air. Donc, quand vous obtenez des bulles d'air dans vos peintures, cela signifie que vous n'avez pas rincé complètement le savon. C' est donc le fléau de mon existence à l'aquarelle. Parfois, ils sont vraiment difficiles à pop. Ok, j'ai compris. Donc, si vous voyez des bulles d'air pendant que vous peignez, cela signifie juste qu'il y a encore du savon résiduel sur les poils de votre brosse et que vous devez faire un meilleur travail pour le rincer. Donc vous réprimander, parce que je fais ça tout le temps, mais juste quelque chose à garder au courant. Bon, donc je vais ajouter un peu de ces couleurs plus sombres ici, à ce bord inférieur. Et peut-être redéfinir un peu ce à quoi ressemble cette zone supérieure. Parfait. Donc il y a beaucoup de teintes complexes qui se passent ici. Nous avons ce rouge profond. Nous avons un peu de bleu en bas pour l'ombrage. Et puis j'ai sauté un peu de jaune pour quelques touches inattendues. Bon, allons-y et faisons notre deuxième cerise. Donc cette fois, je vais faire tout le truc avec ma brosse de détail, puisque je veux être très proche du bord de cette autre cerise. Et je pense aussi à l'endroit où je veux que les faits saillants soient frappés. Et même chose. Je vais ajouter un peu de jaune ici dans cette cerise à mélanger. Et puis prends un peu de ce bleu et pose-le ici en bas. Parfait. Donc, ils ont déjà l'air vraiment juteux. Et pour obtenir ces faits saillants, il ne s'agit que de laisser de l'espace dans la peinture et laisser le papier apparaître pour suggérer les faits saillants. Bon, donc je vais revenir à mon pinceau numéro 0, le charger bien et uniformément avec ce ton personnalisé. Et faites la même chose. Passez à mon pinceau de détail pour vraiment avoir la belle forme de cette cerise. Et puis ajoutez quelques belles petites suggestions de jaune en haut et peut-être un peu de bleu en bas pour un peu de profondeur. Parfait. Et maintenant, pour son jumeau, je vais commencer par définir cette ligne à côté de lui. Et puis commencez à remplir cette forme. Peut-être que pour celui-ci, je vais lui donner deux éclats séparés juste pour le briser un peu et lui donner plus d'intérêt. D'accord, même chose. Je vais ajouter une touche de jaune là-dedans. Et puis un peu de bleu marine en bas pour une belle profondeur. Ok, notre dernière bande. Donc je vais commencer par abaisser ce formulaire de base, le remplir et garder de la place là pour l'éclat. Ajout d'un peu de jaune. Et une partie de cette belle marine en bas. Et enfin, je vais commencer par ce bord de connexion. Et en s'assurant de laisser un espace pour que la lumière vienne à travers. On va juste commencer à le remplir. Même chose. Une petite touche de jaune là-dedans. Et une petite suggestion de bleu en bas pour un peu de profondeur. Très bien, génial. Donc, nous sommes presque là. Nous avons nos cerisiers en fleurs, nous avons nos cerises. La dernière étape sera de créer les tiges et les branches et quelques petits embellissements. Alors allons-y et commençons avec ça. 14. Peindre des branches et des détails: Il est maintenant temps de faire la dernière étape de notre peinture en fleurs de cerisier. Cela va être de remplir les branches avec quelques petits bourgeons et détails amusants. Pour cela, je vais encore travailler à partir de cette palette chaude ici, mais ce que je veux faire, c'est la même astuce pour obtenir de jolis tons vraiment désaturés, presque noirs, mais pas tout à fait. N'oubliez pas que la façon dont j'y arrive est de mélanger deux couleurs complémentaires ensemble. Parce que j'ai beaucoup de rouges et de roses ici, je veux que le rouge soit l'une des couleurs complémentaires que j'utilise et bien sûr, son opposé sur la roue chromatique est vert. Ici, j'ai un très beau vert. Ce que je vais faire, c'est mélanger ces deux palettes ensemble pour créer un très joli rouge foncé et marron profond. Laissez-moi vous montrer comment je les mélange. Je vais désigner ce coin inférieur de ma palette pour les tons désaturés. La première chose que je vais faire est de prendre beaucoup de vert sur mon pinceau et beaucoup de rouge, puis de commencer à les mélanger ensemble. L'une des raisons pour lesquelles j'aime créer mon propre ton noir en mélangeant deux couleurs complémentaires c'est parce que je vais avoir beaucoup plus de contrôle sur la tonalité de ce noir. Cela peut être beaucoup plus intéressant s'il peut fausser le vert ou s'il s'incline au chaud. Vous pouvez contrôler cela en mélangeant ces deux couleurs ensemble et en décidant laquelle sera un peu plus dominante. Dans ce cas, j'aime vraiment comment cela se passe. On dirait un violet foncé très profond. Je vais ajouter un peu de bleu, juste pour m'amuser pour voir ce qui se passe. Donnez-lui un peu plus de fraîcheur. J'aime vraiment où ça va aller, je pense que ça va être très intéressant. Tout d'abord, je vais passer à mon pinceau de détail numéro 1 pour obtenir un peu plus fin pour les tiges de cerisier. Je vais commencer par ces deux-là et simplement tirer cette tige haut jusqu'à ce qu'elle atteigne ce pétale de fleur, puis faire la même chose avec l'autre tige. J'aime beaucoup cette couleur que nous avons faite. On dirait un très joli marron profond et désaturé, ce qui est agréable parce qu'il joue du blues et des couleurs fuchsia de ces cerises. Peut-être que la tige se ramifie de cette façon, et pendant que je fais ces tiges, j'utilise un coup beaucoup plus léger pour le début, puis, au fur et à mesure que je la tire, j'ajoute un peu plus de pression que nous obtenir une variation de taille. Le tout début de ce coup de pinceau, cette pointe, va être très fin, et quand j'aurai fini, il est devenu un peu plus épais. En faisant varier la pression que j'utilise avec ma brosse, j'ai un joli bord effilé. Je ferai la même chose ici. Coup léger pour commencer, puis pousser un peu plus lourd pour qu'il devienne un peu plus gros vers les extrémités. N'oubliez pas que ce sera toujours plus facile pour vous si vous avez plus d'eau sur votre brosse, plus d'eau équivaut à plus de contrôle. Ce que nous faisons aussi, c'est que cette tige descend, qui est interrompue par le pétale ici, et une autre tire de cette direction. Parfois, vous devez tourner votre corps ou tourner votre papier pour tenir compte de ces instructions. Si votre brosse commence à se dessécher au fur et à mesure, il suffit d' ajouter plus d'eau et de pigments. Vous pouvez le faire en plusieurs couches différentes. Je vais ajouter un peu plus d'eau ici à ma palette et faire la même chose avec ces cerises. Il s'agit vraiment à ce stade de la pêche et de la pression de la brosse que vous utilisez. Pour celle-ci, la tige moyenne, je vais passer à une brosse légèrement plus grande pour aller de l'avant et finir ça. Je voulais que le début de cette tige soit très léger et que la fin soit plus épaisse, que vous puissiez également changer vos pinceaux. Il suffit d'ajouter quelques branches plus détaillées ici. Même chose ici, je vais passer à un pinceau légèrement plus grand. Dernier point mais non le moindre, l'angle final. On dirait que je peux le connecter un peu comme ça. Parfait. Ces branches ne sont vraiment qu'une série de pressions légères, fortes pressions lorsque vous vous penchez à cet angle et commencez à peindre. Ce ne sera pas toujours parfait. Si vous regardez ici, ça devient un peu blobby, mes épaisses et mes choses ne sont pas parfaites, et c'est bon. Il s'agit d'une aquarelle, ce n'est pas une illustration numérique. Nous peignons à la main, donc il devrait y avoir une marge d'erreur. Je vais ajouter quelques détails supplémentaires maintenant que j'ai créé ces succursales. Une chose que j'ai vraiment aimé dans ces photos de référence était ces bourgeons qui viennent vers l'extérieur, donc ce ne sont pas encore des fleurs complètement formées, mais elles ont le potentiel de l'être. Je vais peindre certains d'entre eux en utilisant la même couleur que celle que j'ai établie pour les cerises. Je vais mélanger cela et ajouter ces petites formes de larmes aux extrémités de certaines de mes branches. Peut-être que je vais le mélanger un peu et faire quelques formes de larmes dans le même rose clair que pour les fleurs, juste pour nous donner plus de variété, c'est cool. Je vais faire un peu de rose clair, puis de rose foncé . Vous savez quoi ? Je vais ajouter des jaunes ici aussi pour correspondre au centre de ces fleurs que nous avons faites. C'est l'une de mes choses préférées sur l'aquarelle, vous pouvez vraiment improviser au fur et à mesure. En fait, j'aime beaucoup cette variation des bourgeons, ils ne sont pas tous roses ou tout simplement jaunes. C'est une belle combinaison et l'occasion de saisir couleurs qui sont utilisées dans d'autres parties de la peinture et de les réutiliser ailleurs, donc tout à fait, cette histoire de couleur se lie très bien. J'allais appeler ça un jour, mais je pense que je vais ajouter encore un petit détail et c'est quelque chose que je fais de temps en temps dans mes illustrations. J'ajoute de petits cercles de détails. Il fonctionne très bien avec les fleurs car il ressemble presque à du pollen qui sort des fleurs. Je vais arrêter d'en parler et juste vous montrer à quoi il ressemble réellement. Je vais faire quelques roses ici, et je vais juste trouver des occasions d' ajouter quelques petits cercles. Même chose ici, je vais varier la couleur. Nous avons un peu de rose pâle, rose foncé, allons même en tirer une partie du jaune et de l'orange. Comme vous pouvez le constater, la façon dont j'aime le faire est de les regrouper ensemble, de sorte qu'il s'agit de quelques petites zones de grappes. Je ne vais pas en faire trop et faire toute la composition de cette façon, mais je vais juste ajouter quelques petits grappes de choix pour ajouter un peu plus d'intérêt visuel. Comme vous pouvez le constater, chaque aquarelle s' occupera à un moment donné. J'ai un peu de peinture sur la main et elle a été enduite sur le papier, donc je vais vous montrer comment m'en occuper. J'ai l'essuie-tout sur le côté et il y a de l'eau propre dessus, donc pas d'eau de peinture sale, mais de l'eau propre flambant neuve. Je garde ça en cas d'urgence. Ce que je peux faire pour cette zone c' est de le pousser contre le papier et d' essuyer doucement ces zones où ma main tachée contre le papier avec de la peinture sur les mains. Tant que cette peinture aquarelle est encore relativement humide, vous pourrez éliminer la plupart des erreurs. Enfin, n' oubliez pas de nettoyer votre main là où vous avez la peinture enduite, sinon cela va continuer à se produire. Finissons quelques autres points détaillés et appelons ça un jour. Parfait. Je vais aller de l'avant et appeler cela une illustration terminée. Parmi toutes les compositions que nous colorons à l'eau aujourd'hui, celle-ci était certainement la plus complexe en termes de détails. Nous avons fait beaucoup de brosses très fines, nous avons travaillé sur le contrôle des pinceaux lorsque nous avons peint ces tiges surtout en travaillant sur ces bords coniques allant de fins à épaisses, puis nous avons ajouté vraiment minuscules de minuscules détails comme ces bourgeons qui sortent des branches, même ces petits cercles de points comme embellissements. En termes de technicalité, il s'agit de l'illustration la plus technique et la plus complexe que vous ayez faite aujourd'hui. après les commentaires des étudiants que j'ai entendus auparavant, vous avez adoré faire tous ces petits détails et illustrations techniques dans le cadre de ce projet, soit faire tous ces petits détails et illustrations techniques dans le cadre de ce projet cela a été un grand défi pour vous. Quoi qu'il en soit, j'espère que cela vous a aidé à apprendre quels types de styles d'illustration vous aimez quand il s'agit de peinture à l'aquarelle. Mais la dernière que nous faisons aujourd'hui, la prochaine illustration, ne sera pas aussi technique et détaillée, elle va être un peu plus fluide et amusante. Allons de l'avant et commençons celui-là. 15. Ébaucher la composition d’un kiwi: Très bien, pour notre composition finale de la classe d'aujourd'hui, nous allons peindre cette composition de kiwi, fougère, florale. Donc, comme tous les autres, nous allons diviser cela en un processus étape par étape, commençant par le croquis. Donc, à ce stade, les choses dont vous aurez besoin sont vos photos de référence. Nous avons les kiwis, la fougère, puis un très joli floral juteux. J' ai aussi un morceau de papier aquarelle vierge, mon crayon à croquis, gomme, un pinceau archéologue et ma gomme pétrie. Donc, avec ces choses à portée de main, Allons de l'avant et commençons notre croquis. Donc, pour cette composition, je veux avoir ces kiwis au premier plan et avoir cette fougère derrière les kiwis peut-être tisser à travers en arrière-plan. Et puis je veux que cette belle fleur soit devant et au centre. Alors allons de l'avant et esquissons avec ces composants à l'esprit. En pensant au placement des kiwis. Et je vais commencer ça en utilisant ce kiwi juste ici. Donc, quand on le décompose à sa forme la plus basique, c'est juste un ovale. Donc je vais commencer par dessiner un ovale. En bas, vers le bas de ma page. Comme ça. Et ça va être mon kiwi ouvert, celui qui est tranché en deux. Et puis je veux utiliser un kiwi complet derrière ça. Donc ce type ici, donc peut-être que ça traîne juste ici. Et de cette façon, j'ai deux formes qui se chevauchent. J' ai le tranché en demi-kiwi. Et puis je vais avoir la section brune floue du kiwi aussi. Et ensuite, je veux décider où cette fougère va traverser. Donc je pense que ce que je vais faire, c'est qu'il se détache en diagonale de ce bord, puisque nous avons une traction diagonale ici avec cet ovale, Allons-y et faisons une diagonale opposée à l'entreprise. Et puis je vais juste dessiner ces bords comme un guide visuel pour que je sache à quel point ces feuilles devraient aller. Si semblable à la façon dont je commence toujours les fleurs avec un cercle, je fais la même chose avec les fougères et le feuillage en général. Je dessine d'abord la forme de base, puis je commence à remplir certains de ces détails et ensuite je peux effacer les lignes directrices que j'ai dessinées. Donc, dans ce cas, je sais que le bord de la forme est aussi loin que je veux que ces feuilles sortent. D' accord, faisons la deuxième feuille, peut-être jusqu'à ici. Troisièmement, rappelez-vous dessiner très, très léger sur votre papier. Ne fais pas ce que je fais. Et puis peut-être que la deuxième feuille se cache derrière ce kiwi au premier plan, comme ça. Et maintenant, nous pouvons aller de l'avant et effacer ces lignes directrices puisque nous n'en avons plus besoin. Ils ont fait ce qu'ils étaient là pour faire, qui est de me dire jusqu'à quel point chaque tige devrait aller. Donc je vais aller de l'avant et utiliser ma gomme à clic. Et utilise ma brosse méga numéro 30 pour enlever toutes ces petites plumes. Bon, maintenant, et pour la dernière partie du croquis, je suis allé mettre une grande fleur en fleurs juste ici au centre. Donc ma photo de référence est juste ici. Vraiment belle fleur succulente. Donc la même chose qu'avant. Je vais commencer par dessiner un cercle et définir ce point central du cercle. Avant de commencer à dessiner dans les pétales, je vais retourner à ma gomme et effacer ces lignes inutiles. Puisque cette fleur est au premier plan, ces kiwis ne vont pas se montrer à travers. Donc, je peux aller de l'avant et les faire supprimer. Très bien, alors il est temps d'ajouter les pétales. Donc je jette un coup d'oeil sur cette photo de référence. Il semble que le centre de la fleur soit assez substantiel. Donc je vais dessiner ça en premier. Et il y a beaucoup de ces très beaux pétales, l'un se chevauchant l'autre. Donc je vais faire la même chose et dessiner sur ces pétales comme ça comme s'ils se chevauchaient. Donc je commence à partir du point médian d'un pétale qui frappe le bord de mon cercle et puis le ramène au centre. Donc point médian, bord du cercle, retour au centre. Comme ça. Et encore une fois, il n'a pas à s'aligner parfaitement. D' accord, même chose, j'ai ma gomme. Je vais effacer le cercle que j'ai dessiné. Je n'ai plus besoin de cette référence puisque les pétales sont maintenant en place. Et j'ai failli oublier. N' oubliez pas d'effacer ce petit point central de votre fleur. Parfait. Bon, donc à ce stade, nous avons établi notre croquis. Encore une fois, c'est très minime, mais c'est parfait pour l'aquarelle. Donc maintenant on peut aller avec les trucs amusants, qui est la peinture réelle. 16. Peindre la fleur: Bon, maintenant comme toutes les autres peintures que nous avons faites aujourd'hui, nous allons travailler du premier plan à l'arrière-plan. Donc, la chose dans cette composition qui est le plus en avant est cette fleur juste ici. Donc c'est exactement là que je vais commencer. J' ai donc une photo de référence de cette belle fleur. J' ai ma nuance orange par ici. J' ai un jaune. En fait, je vais prendre un autre rouge jaune de ma palette. Et ce que je vais faire, c'est juste de les mélanger ensemble dans ma palette jusqu'à ce que je trouve un ton que j'aime utiliser pour le centre de cette fleur. J' ai donc mon plat d'eau très propre. Si vous ne l'avez pas déjà fait, allez-y et vivez votre vieille eau de peinture afin que nous puissions commencer avec une toute nouvelle palette fraîche qui ne sera pas boueuse en ayant de l'eau sale de peinture. D' accord, donc je vais mettre ma palette agréable et mouiller, toutes ces casseroles individuelles. Et peut-être le mélanger ici aussi. Donc, je veux trouver comme une belle orange jaune vif à utiliser pour le centre de cette fleur. Et je pense que ça a l'air plutôt bien. D' accord, donc j'ai ce joli ton. Et déjà renversé mon eau de peinture, donc j'ai eu mes serviettes en papier juste pour soulever directement du papier comme ça. D' accord, donc j'ai cette belle tonalité jaune orangé un peu désaturée. Et je vais juste le remplir ici à la partie centrale de cette fleur, essayant d'éviter les marques de crayon si je peux. Mais encore une fois, si je les revois un peu, ce n'est pas grave. J' ai une belle palette jaune ici aussi. Donc je pourrais tirer un peu d'ici et juste faire quelques petites gouttes et des drabs. Et juste pour le rendre un peu plus intéressant, je vais voir ce qui se passe si je tire un peu de ce melon rose pêche et trempe un peu dans ces coins juste pour voir ce qui se passe quand il commence à sécher. Bon, et maintenant pour la couleur de ces pétales, je vais passer à mon autre palette. Amenez ces jaunes avec moi. Et je veux que ces pétales soient très brillants et jaunes. Et puis bien sûr, nous allons les mélanger des tons amusants aussi. Mais je veux que ce jaune vif soit la base. Donc, si vous suivez et que vous êtes vraiment attirés par le magenta brillant. Ces fleurs, allez-y et allez avec le magenta vif. Vous pouvez aussi aller avec du bleu vif. N' importe quelle couleur que vous voulez vraiment, mais pour moi, je vais rester avec le jaune simplement parce que je n'ai pas encore fait de fleur jaune pour cette classe. Bon, donc je vais me mêler, trouver une tonalité qui fonctionne assez bien et m'assurer que ma palette devient belle et mouillée et que ma brosse est uniformément enrobée de pigment. D' accord, je vais y aller et plonger. Donc encore une fois, en faisant attention à essayer d'éviter ces marques de crayon si je peux. Je vais juste passer et commencer à remplir ces pétales avec les pigments. Alors maintenant que j'ai environ trois pétales fait, la peinture a commencé à sécher au fur et à mesure que je vais. Donc je vais passer à autre chose avec un de mes pinceaux de détail et ajouter une sorte de couleur contrastante ici au centre des pétales pour suggérer une certaine profondeur. Donc, en gardant à l'esprit que ma fougère va probablement être un vert vif. Le centre du kiwi sera cette chaux, verdâtre, jaune, puis la croûte ici sera brune. Je ne veux pas introduire trop de couleurs parce que ça pourrait devenir un peu chaotique. Donc, à la place, je vais penser aux couleurs que j'utiliserai pour le kiwi, puis les utiliser comme points centraux. Donc une couleur que je sais que je vais utiliser est marron pour la croûte du kiwi. Donc je pense que c'est un que je vais commencer à poivrer ici. J' ai donc un beau brun chaud dans ma casserole. Donc je pense que je vais être gentil et saturé et juste commencer lentement à le tremper dans. Juste ici au centre de mes feuilles. Je pourrais essayer ce brun légèrement plus foncé aussi, juste pour ajouter un peu plus de contraste. Et puis je vais juste laisser la peinture sécher et voir comment ces couleurs commencent à se mélanger ensemble. En avant avec d'autres pétales. Donc la même chose ici. Je vais passer à mon pinceau de détail, prendre certains de ces tons bruns, puis juste les tremper ici au centre de ces pétales pour suggérer un peu de profondeur. Et quelques pétales de plus. Même chose, et prenez un peu de ce brun et trempez-le dans et voyez comment ça commence à sécher. Très bien, donc à ce stade, nous avons terminé notre fleur et nous avons juste deux étapes supplémentaires : les kiwis et ensuite la fougère elle-même. Alors allons de l'avant et passons à autre chose. 17. Kiwis !: Bon, maintenant que nous avons fini avec le floral, Allons-y et plongons dans le kiwi. Souviens-toi qu'on travaille d'avant en arrière et que le kiwi est un peu dab au milieu. Donc c'est ce que nous allons frapper ensuite. Donc je vais passer en revue mes photos de référence et sortir ce gars ici. Et j'ai une palette exactement mélangée avec des verts et des jaunes. Et ce que je veux faire, c'est mélanger une palette vraiment agréable et parfaite qui pourrait correspondre à ce à quoi ressemble un kiwi. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup de chaos qui se passe sur ma palette juste ici. Mais ce n'est pas un problème. À ce stade, je suis juste un peu l'aile comme je vais mélanger dans des couleurs qui se trouvent déjà sur ma palette, chercher des occasions d'apporter certaines de ces casseroles. Et ce n'est pas une science parfaite. Il s'agit de mélanger les couleurs. C' est un peu thérapeutique et de trouver quelque chose qui résonne vraiment avec vous. Mais j'aime vraiment ce vert ici. Comme vous pouvez le voir, ce n'est pas une correspondance directe avec ce vert néon sur le kiwi, mais je pense que c'est une très jolie nuance. Alors je vais aller avec ça. Bon, maintenant je vais commencer sur ces bords extérieurs et le nom du jeu ici, car il est tellement immobilier de garder votre pinceau aussi humide que possible. Je vais donc constamment basculer entre charger ma brosse avec du pigment et ensuite prendre de l'eau en même temps. Donc je garde juste ce papier et cette zone bien mouillée pendant que je pars. Et une chose que je veux garder à l'esprit ici est cette zone centrale : je veux faire quelque chose de similaire avec les espaces. Donc je vais laisser un trou au centre ici pour être cette zone blanche que nous voyons sur la photo de référence. Donc beaucoup d'eau, beaucoup de pigment. Et voyons ce qui commence à se passer ici. Il devient un peu plus serré quand on se rapproche de ces feuilles de fleurs. Parce que je ne veux pas accidentellement mélanger ma peinture verte avec cette peinture jaune existante. Ce sera un peu plus doux et prudent dans ces domaines. Parfait. Donc j'ai rempli la majeure partie du kiwi. Et maintenant, il est temps de la partie amusante, qui consiste à mélanger un peu d'une couleur plus foncée et à poivrer cela pour créer l'illusion d'une certaine ombre et de la profondeur dans ce domaine. Après tout, cette fleur au premier plan et le kiwi est derrière elle. Donc, nous pouvons ajouter un peu de profondeur là juste en utilisant un vert légèrement plus foncé. Parce que j'aime garder ça intéressant. Je vais juste plonger des zones jaunes au hasard aussi. Parfait. Et comme vous pouvez le voir, j'ai éclaboussé un peu, mais tout ce que j'ai à faire est de faire attention avec cette serviette en papier et de la soulever. D' accord, gentil. Je vais donc lisser un peu ce bord. Et je pense que la première zone verte est assez bonne à partir. Ce que je vais faire, c'est passer à mon jaune plus léger. Et je vais remplir cette zone avec beaucoup d'eau et juste un petit peu de pigment. Donc, c'est presque comme une suggestion d'aquarelle. Et je garde toujours à l'esprit qu'il y a cet espace autour. Et si je touche ces deux zones ensemble, je sais qu'elles vont saigner ensemble. Donc je veux être vraiment, vraiment prudent avec cet espace blanc. Donc, c'est très bien. Vous pouvez probablement à peine le voir sur mon journal. Mais ce que j'ai fait est rempli d'un ovale aquarelle vraiment, vraiment léger au centre de ce kiwi pour représenter cette forme ici. D' accord, allons-y et attaquons cette croûte de kiwi pendant qu'on y est. Donc, je vais trouver une belle zone sur ma palette verte. S' il y en a un. Et mélangez certains de ces bruns. Puisque je travaille sur une palette verte, il y a beaucoup de verts qui se mélangent ici. Ce que je vais faire, c'est prendre du rouge, parce que le rouge est la couleur complémentaire du vert. Ajoutez du rouge là-dedans, et ça va aller de l'avant et le désaturer pour moi. D' accord. Je pense que c'est un très beau brun désaturé qui a encore une belle chaleur dedans. Et je vais commencer à le remplir. Même chose. Je veux garder ma brosse bien mouillée pendant que j'y vais. Et une bonne chose ici est, il y a beaucoup de différentes tonalités en jeu. Nous avons des zones marron foncé qui commencent à se mélanger avec certains de ces bronzages ici en haut. Et je peux juste aller de l'avant et plonger dans quelques couleurs supplémentaires juste pour le rendre plus intéressant et vibrant. Et à ce stade, j'ai fini ma fleur. J' ai mon kiwi ouvert, mon kiwi fermé. Et la prochaine étape sera de peindre dans la fougère. 18. Feuille de fougère tropicale: Il est temps de passer à la dernière étape, qui va peindre dans cette fougère géante. J' ai donc ma photo de référence de fougère ici. Ça ne va pas ressembler exactement à ça, mais c'est la beauté des photos de référence. Vous pouvez les interpréter comme vous le souhaitez. Donc la première chose que je vais faire est de prendre ma palette verte ici. Et j'ai en fait deux tubes que j'ai achetés récemment que je vais aller de l'avant et presser sur ma palette. Donc ce premier s'appelle une teinte viridienne. Il suffit de presser un peu juste là. Et le second est vert sève. Alors voyons à quoi ça ressemble. Magnifique. Mais soyons honnêtes, ce qui va vraiment se passer, c'est que je vais mélanger un tas de couleurs ensemble. Et ce ne sera pas nécessairement correspondre exactement à ce que j'avais eu dans le tube en premier lieu. Bon, donc je vais juste commencer à mélanger des trucs ensemble et voir ce que je pense être sympa. J' aime vraiment l'intensité de ce vert. Ça pourrait être sympa de jumeler ici. J' ai donc une version saturée, puis une version plus désaturée. D' accord, je vais aller de l'avant et commencer par le haut de la fougère. Et c'est une brosse détaillée de taille 0. On dirait qu'on va faire tomber cette feuille vers l'intérieur comme ça. Et une chose que j'aime faire en peignant de la verdure est d'introduire des tons contrastés. Donc dans ce cas, je vais tirer un peu de rouge, lisser un peu sur ma palette. Peut-être le mélanger avec un peu de bleu. Et puis mettez ça juste ici sur le bord pour que ce ton plus sombre commence à se fondre vers l'extérieur contre ce vert. Et si vous voulez aller plus loin, pourquoi pas ? Vous pouvez aussi ajouter un peu de jaune, juste quelques trempettes. Et puis voyez comment cela commence à sécher au fur et à mesure que nous allons. D' accord, puisque cette feuille était assez saturée de vert ici, je vais aller chercher quelque chose d'un peu plus désaturé pour la feuille en dessous. Et pour cela, je ne suis pas mon croquis dans son intégralité. Je l'utilise plus comme une suggestion pour la façon dont je fais le placement de ces feuilles. Je vais plonger dans un peu de jaune et ensuite ramener ce bleu à l'intérieur. Juste là. Cool. Donc j'alterne de gauche à droite pendant que j'y vais. Et la raison pour laquelle je fais ça c'est que je ne veux tout simplement pas endurer la peinture. Donc, si je travaillais sur le côté droit de la page et que je passe à gauche parce que je suis droitier, je pourrais finir par barbouiller un peu cette peinture. Mais si je travaille de gauche à droite, il y a moins de chances que cela se produise. Donc, comme vous pouvez le voir, c'est cet acte d'équilibrage entre les brosses que j'utilise, j'utilise mon numéro rond 0 pour obtenir la majeure partie de cette feuille vers le bas. Et puis je passerai à mes brosses de détails pour poivrer dans d'autres teintes et couleurs. Donc c'est mon pinceau de détail que j'ai utilisé pour le jaune. Alors je vais faire quelques plongeon dedans. Et puis j'ai un pinceau détaillé séparé que j' ai utilisé pour ce combo bleu et rouge, que je vais frapper séparément aussi. Bon, essayons quelque chose d'un peu différent. Voyons ce qui se passe ici avec l'écran. Mélangez-le avec un peu plus de jaune. Et voyons à quoi il ressemble sur la page. C' est un autre cas où je fais varier la pression de ma brosse et de garder une pression vraiment légère si je veux que les pointes soient plus fines. Et puis je fais une pression plus lourde quand je veux que plus de surface soit couverte. Rappelez-vous, en cas de doute, toujours ajouter plus d'eau. C' est sympa de jouer avec des tonalités différentes au fur et à mesure que je vais. Ce n'est pas juste le même vert pour chaque feuille. Au lieu de cela, il y a un peu de variance. Certains sont plus sombres, d'autres plus légers, d'autres sont plus désaturés et d'autres sont un peu plus vibrants. Je veux aussi essayer une feuille jaune verte, pour compléter ce qui se passe ici avec le centre du kiwi. Donc, en plus d'utiliser ces pinceaux de détails pour poivrer les jaunes et les rouges, vous pouvez également les utiliser pour lisser un peu vos pointes et lui donner des détails plus précis et des lignes. Donc ici, le fond de ça devient un peu trop blobby. Donc, je peux juste l'effacer bien avec ma brosse de détail comme une bonne solution. Essayons d'ajouter un peu plus de bleu ici pour obtenir plus d' un bleu-vert. Ah ! Serviette en papier à la rescousse. Deux endroits. Et bien sûr, pour des domaines comme celui-ci où vous avez beaucoup de biens immobiliers à couvrir, ajoutez toujours plus d'eau et je vais vous rendre beaucoup plus facile. Et c'est une autre situation où je peux utiliser mon pinceau détaillé pour finaliser un peu ce point et le rendre moins bâclé, et un peu plus lisse et gracieuse. Bon, mettons-nous un peu de jaune ici. Peut-être un rouge vif. Essayons une autre feuille jaune. Et maintenant c'est une autre situation où je dois être assez prudent parce que le bord de cette feuille se rapproche vraiment de ce kiwi. Ainsi, vous pouvez être plus lâche et gestuelle avec les feuilles vers le haut. Mais quand ça arrive à des endroits comme celui-ci, où je ne veux pas que la peinture se mélange. Il faut un coup beaucoup plus prudent. Très bien, belle. Donc, la touche finale que nous devons apporter à cette composition est d'ajouter à ces graines. Donc, comme avec la pastèque, je ne vais pas ajouter les graines en ce moment. Je vais probablement lui donner une nuit et ensuite le faire le matin parce que je veux cette zone sèche et son intégralité avant d'ajouter ceux. Alors allez-y et mettez-le dans un endroit sûr où votre chat ne peut pas marcher dessus parce que cela m' est arrivé avant et attendez qu'il sèche. Et puis le matin, vous pouvez ajouter ces graines. Donc, ça va être très similaire à la façon dont nous avons ajouté les graines de pastèque. Vous pouvez utiliser la photo de référence si vous souhaitez établir votre positionnement. Pour moi, je préfère mélanger le rouge et le vert ensemble pour créer un très beau noir. Et puis j'utilise mon pinceau de détail le plus fin pour peindre très délicatement ces graines. Et je suivrai la même orientation et la même direction que ma photo de référence. Donc, ils commencent tous à sortir du centre du kiwi. Mais rappelez-vous, attendez jusqu'à demain. Et de cette façon, tu n'auras aucune chance que ce noir saigne accidentellement dans ce vert clair. Bon, maintenant que nous avons terminé nos quatre illustrations d'aquarelle de fruits botaniques, j'ai quelques derniers conseils à partager avec vous dans la prochaine vidéo. 19. Votre projet: Félicitations pour avoir parcouru nos quatre compositions aujourd'hui. À ce stade, une fois que la peinture est complètement sèche, c'est le moment idéal pour effacer toutes ces marques de crayon. Ma préférence personnelle est de laisser reposer mes tableaux. Ils ont besoin de leur sommeil de beauté et de cette façon le lendemain matin, ils seront complètement secs, et la raison pour laquelle je le fais de cette façon, c'est que j'ai eu un trop de frottis accidentels parce que je me suis impatiente et j'ai commencé effaçable avant que cette peinture ne soit complètement sèche. Si vous voulez être sûr à 100 %, donnez-lui une nuit et le lendemain matin, vous pouvez effacer toutes ces marques. L'un des aspects les plus importants d'être artiste est que vous voulez obtenir le mérite de votre travail, alors n'oubliez pas d'aller de l'avant et de signer toutes vos belles créations. Je signe généralement au crayon dans le coin droit, et je signe avec le nom de ma marque, qui est CatCoq au lieu de mon nom complet, qui est Cat Coquillette. Mais différents artistes ont différentes façons d'ajouter leurs signatures, alors n'hésitez pas à faire ce qui vous convient le mieux. J'aimerais bien voir ce que vous avez fait dans la classe d'aujourd'hui. Une fois que vous avez terminé vos peintures, prenez des photos et partagez-les dans la galerie des projets étudiants. Vous trouverez la galerie sous le même onglet Projets et ressources en bas. Ensuite, sur la droite, vous verrez un bouton vert indiquant Créer un projet. Cliquez dessus, et une fois sur place, vous aurez la possibilité de télécharger une photo de couverture, d' ajouter un titre et d'écrire une petite description si vous le souhaitez. Vous pouvez inclure du texte et des images dans ce formulaire. Si vous avez envie de partager, j'aimerais entendre un peu parler votre processus et de la peinture qui vous a le plus plu aujourd'hui. Une fois que votre projet est téléchargé, il apparaîtra dans la galerie des projets étudiants. Vous pouvez parcourir cette galerie et voir également les œuvres d'autres étudiants, et je vous encourage également à aimer et commenter d'autres projets. Maintenant que vous savez comment partager votre projet dans la galerie des projets étudiants, j'ai quelques derniers mots de sagesse à partager avec vous aujourd'hui. 20. Réflexions finales: Félicitations pour avoir atteint la fin de la classe. Maintenant que quatre magnifiques illustrations botaniques et fruitières sont terminées, le véritable plaisir commence. Puisque je gagne ma vie en accordant une licence à mes œuvres d'art, il est essentiel pour moi ces illustrations peintes à la main sur mon ordinateur. Je le fais avec mon scanner et je numérise à une résolution assez élevée, environ 1 200 ppp. La raison pour laquelle je scanne dans mon travail à une résolution si grande, c'est que je peux prendre des peintures comme celle-ci que j'ai faites à cette taille et agrandir pour qu'elles s'adaptent à produits beaucoup plus grands comme les tapisseries ou la literie. En numérisant à grande résolution, je peux rendre cela beaucoup plus grand sans qu'il devienne floue. Cependant, si vous n' avez pas de scanner et que vous souhaitez vous entraîner à numériser simplement pour vous amuser, vous pouvez également prendre une photo avec votre téléphone. Vous pouvez ensuite introduire cette image dans Photoshop et faire les éléments essentiels. La première chose que je fais toujours est supprimer ce fond de texture de papier. De cette façon, mon dessin peut être imprimé sur des objets avec un fond transparent, sur des autocollants parallèles ou découpés en bisou. Une autre chose que j'aime faire avec mes illustrations dans Photoshop est d'améliorer la couleur et la saturation. D'habitude, je le bosse un peu pour devenir encore plus vif que dans la vraie vie. J'aime aussi créer de nouvelles palettes à partir de la même œuvre d'art. Personnellement, j'adore transformer des motifs simples motifs répétés afin de pouvoir étendre encore plus les possibilités. Les motifs fonctionnent très bien sur des produits comme la décoration intérieure, un parallèle, des étuis de téléphone , du papier peint, des tissus et bien plus encore. Si vous voulez savoir exactement comment je fais cela, consultez mon autre cours Skillshare, Digitize Your Art to Sell Online : Préparez vos peintures pour l'impression à la demande. Si vous n'avez pas Photoshop, aucun problème. Je fais un lien vers un essai gratuit ci-dessous dans la description de la classe. Si vous n'avez jamais utilisé Photoshop auparavant, aucun problème. Il s'agit d'un cours de niveau débutant, que vous pourrez suivre. Ensuite, si vous avez apprécié ce cours aujourd'hui et que vous voulez plonger encore plus profondément dans l'aquarelle, je vous recommande de consulter mon cours précédent. Apprenez à peindre des plantes aquarelles avec une touche moderne. Il complète cette classe, mais au lieu de fruits, vous peignez quatre plantes uniques. Une feuille de monstera, une rosette, des succulentes, un tournesol en fleurs et un hibiscus. Si vous voulez en savoir plus sur la conception de motifs, y compris apprendre à prendre des illustrations comme celle-ci et à les transformer en motifs sur l'ordinateur, je recommande mon cours Modern Patterns : From Sketch to Screen. Dans ce cours, vous prenez votre œuvre d'art existante et la transformez en un tas de motifs amusants et créez nouvelles illustrations à modeler. Enfin, je reçois beaucoup de questions de la part d' autres artistes qui me demandent comment ils peuvent réussir à se commercialiser sur les réseaux sociaux, en particulier Instagram. Si vous voulez mon scoop intérieur, jetez un coup d'œil à ma classe, Développer votre activité créative via Instagram. En un peu moins d'une heure et demie, j'intègre toutes mes meilleures stratégies pour développer une présence Instagram réussie en tant que personne créative. Vous pouvez trouver toutes ces classes en cliquant sur mon nom en haut et en faisant défiler mon profil vers le bas. Pendant que vous y êtes, n'oubliez pas de cliquer sur « Suivre » juste au-dessus de cette vidéo. Cela signifie que vous recevrez une notification par e-mail dès que je lancerai mon prochain cours. De plus, j'envoie parfois des messages directement à mes abonnés avec des annonces comme donner un abonnement gratuit à Skillshare ou annoncer des goodies gratuits que j'ai disponibles sur mon site Web ou tout simplement d'autres cours de Skillshare que j'ai regardés, que j'adore et que je recommande. Vous pouvez accéder à tout cela en me suivant sur Skillshare, en cliquant sur le bouton Suivre en haut. Si vous avez apprécié mon cours aujourd'hui, veuillez laisser un avis. J'ai lu chacun d'entre eux et j' apprécie vraiment tous les mots aimables que vous laissez, alors merci. De plus, je mets fréquemment en évidence les projets étudiants sur mon compte Instagram, dans mes e-mails et dans mes annonces Skillshare. Lorsque vous téléchargez vos projets de cours, n' oubliez pas d'inclure votre pseudo Instagram que je puisse vous marquer si je partage votre travail sur mes réseaux sociaux. Après tout, nous, les artistes, devons rester les uns les autres et nous soutenir mutuellement. Si vous souhaitez partager votre projet sur Instagram, n'hésitez pas à me taguer @catcoq et Skillshare, @skillshare. De cette façon, nous pouvons également aimer et commenter les médias sociaux. Si vous partagez votre travail dans vos histoires Instagram et que vous me taguez @catcoq, je peux également repartager votre histoire avec mon propre public , ce qui signifie encore plus de regard sur vos œuvres d'art. Merci beaucoup de vous être joint à moi aujourd'hui et j'ai hâte de voir l'œuvre que vous avez créée. Jusqu'à la prochaine fois, prenez soin de vous.