Paysages à l'aquarelle pour les débutants : comment peindre ce que l'on voit

1. Les paysages à l'aquarelle pour débutants: [MUSIQUE] Il y a cette chose étonnante qui arrive quand on commence à se voir comme un peintre. C'est comme si le monde était devenu une grande œuvre d'art. Une compilation de couleurs, de formes, de mouvements et même de sites de tous les jours regorge d'émerveillement et d'opportunités. C'est parce que vous n'êtes plus qu'un observateur ici, mon ami, vous êtes un créateur, un artiste, et le monde est à vous pour la création. [MUSIQUE] Bonjour, m'appelle Kolbie Blume et je suis aquarelle autodidacte, auteure et éducatrice en ligne. J'ai grandi dans l'Utah, entouré d'arbres, de montagnes nature sauvage de tous côtés. Mais quand je me suis plongé dans le monde captivant de l'aquarelle, mes lieux d'enfance préférés sont soudainement devenus encore plus magiques. Au lieu de simplement voir des montagnes ou des arbres, j'ai vu des coups de pinceau sauvages, des dégradés doux, des couches de couleur et je voulais tous les peindre. Au fil des ans, j'ai appris à des milliers d'artistes du monde entier à aimer les paysages aquarelles autant que moi. vous ouvrir au pouvoir et à la vulnérabilité de l'art, il faut apprendre à voir le monde différemment. L'astuce, c'est qu'il n'est pas toujours si facile de traduire ce que l'on voit sur papier. Dans ce cours, vous apprendrez à adopter pleinement vue de votre artiste intérieur et transformer de beaux paysages en aquarelles uniques et uniques. Bien que vous puissiez utiliser ce processus lorsque vous êtes dans la nature, nous nous concentrons spécifiquement sur l'utilisation photos de référence pittoresques afin que vous puissiez peindre de belles aquarelles même lorsque vous êtes coincé à la maison. Nous commencerons par passer en revue techniques et les pratiques de base de l'aquarelle au cas où vous auriez besoin d'un peu de rafraîchissement. Mais nous allons l'aborder de manière plus intentionnelle et unique, afin que vous puissiez utiliser ces techniques de base pour diviser vos photos de référence en éléments et en calques réalisables. Grâce à une série d'exercices, vous apprendrez à établir liens entre ce que vous voyez sur la photo, comme une montagne escarpée et ce que vous savez de l'aquarelle. Comme si vous superposez plusieurs valeurs de couleurs allez imiter les ombres et les roches, ce qui vous permet de savoir instantanément ce qu'il faut saisir de votre boîte à outils artistique pour créer de la profondeur, mouvement et de l'émotion dans vos peintures de paysages. Voir le monde à travers les yeux d' un artiste peut tout changer pour vous, mon ami, je sais expérience et je veux vous aider à voir ce monde aussi. Êtes-vous prêt pour une aventure aquarelle ? Commençons. [MUSIQUE] 2. Votre projet de cours: [MUSIQUE] Qu'est-ce qui se passe exactement dans ce processus ? Que signifie exactement transformer une photo de référence en un magnifique tableau ? Eh bien, évidemment, c'est ce que cette classe va explorer. Pour votre projet final, sur lequel nous travaillerons essentiellement tout au long de la classe, nous allons peindre une photo de paysage du début à la fin. Nous allons commencer par la photo en déterminant ce qui fait une bonne photo de paysage, déterminant ce qu'il faut rechercher et ce qu'il ne faut pas chercher lors du choix de la photo de référence. Nous allons ensuite prendre un peu pour décomposer la photo de référence, la transformer en pièces réalisables de la taille d'une bouchée que vous pouvez réaliser et qui vous aideront à réussir. Nous allons ensuite peindre. Une fois que nous avons élaboré un plan, nous avons choisi une photo de référence, pris le temps de nous hyper, nous allons prendre cette photo de référence en trois couches : le calque d'arrière-plan, le milieu du sol et la couche de premier plan. travers chaque couche, je vais vous guider à travers mon processus de réflexion sur le moment où je m'en tiens au plan, ce qui est la plupart du temps, et quand je m'écarterai peut-être du plan en fonction de choses inattendues qui se produisent. À la fin de ce cours, vous aurez peint avec moi une magnifique peinture de paysage que j'ai basée sur une photo de référence. J'aimerais que vous utilisiez la même photo de référence ou vous pouvez choisir parmi les photos de référence que j'ai sélectionnées pour vous. Ils sont téléchargeables partout où vous trouvez vos téléchargements dans cette classe. Quoi qu'il en soit, j'aimerais voir ce que vous avez créé. [MUSIQUE] 3. Contrôle de l'eau : techniques pour donner de la profondeur: Vous êtes ici. Je suis tellement excité que vous ayez décidé de vous joindre à moi pour ce cours et pour commencer, nous allons passer les techniques d'aquarelle les plus élémentaires. La technique mouillée sur mouillé et la technique « mouillé sur sec », mais nous ne nous contentons pas de le revoir dans un style simple de vidéos YouTube au quotidien. Je vais vous montrer non seulement quelles sont ces techniques, mais aussi comment les utiliser et les reconnaître lorsque vous créez de la profondeur dans vos scènes de paysage. Allons-y directement. Plongeons directement dedans. En commençant par la technique humide sur sec. La technique humide sur sec, comme vous le savez peut-être, si vous avez déjà peint à l'aquarelle, est que lorsque vous peignez avec de la peinture humide, aquarelle est toujours humide car elle est activée par l'eau sur du papier sec. La technique mouillée sur sec se caractérise par des lignes très nettes et définies, et il est très utile pour nous rappeler que lorsque nous décomposons notre photo de référence, car la technique mouillée sur sec est ce que nous allons utiliser pour peindre des sujets vraiment clairs. Si nous voulons peindre un sujet qui n'est pas floue, c'est probablement au premier plan de notre pièce, alors nous voulons utiliser la technique mouillée sur sec afin avoir ces lignes vraiment nettes, claires et définies. Chaque fois que vous regardez une photo de référence et que vous voyez un sujet qui a une définition claire. Il va probablement être peint avec la technique mouillée sur sec. Ensuite, une autre chose à réfléchir alors que nous nous entraînons à remarquer la technique humide sur sec dans nos photos de référence. La technique humide sur sec est le plus souvent utilisée lorsque les sujets sont rapprochés. Je pense que j'ai déjà mentionné que cela, utilisant cette technique, se produira probablement au premier plan, mais c'est l'une des troisième choses dont je veux que vous vous souviez. Alors que nous décomposons les photos de référence, si vous voyez un sujet clair, il a des lignes très définies et qu'il semble être de près au premier plan, alors c'est probablement la technique que vous voudra utiliser. Parlons ensuite de la technique mouillée sur humide, qui est la deuxième technique d'aquarelle la plus basique que nous utilisons dans chaque aquarelle. En contraste avec la technique humide sur sec, la technique mouillée sur mouillé est lorsque vous peignez sur du papier humide. Avec la technique humide sur sec, vous utilisez une peinture humide car l'aquarelle, encore une fois, est toujours mouillée sur papier sec, mais avec la technique mouillée sur mouillé, vous peignez sur du papier humide et parce que la peinture est sur une surface mouillée, il a un peu plus de liberté pour se déplacer. Remarquez que la peinture n'est pas claire. Une fois que j'ai posé la peinture sur la surface mouillée, elle peut faire tout ce qu'elle veut. Il a la liberté de se déplacer et c'est parce que l' aquarelle est activée avec de l'eau. Lorsque vous ajoutez de l'eau sur la surface, il aide l'aquarelle à bouger et à créer des textures moins définies et plus lumineuses. Pour ce qui est ce cours et d'apprendre à décomposer une photo de référence, chaque fois que nous voyons une partie d'une photo de référence ou d'un calque sujets vraiment flous ou des textures vraiment lumineuses, ce qui signifie qu'il y a de la lumière qui passe. Si vous peignez un ciel ou des nuages, ou si vous peignez un sujet qui se trouve peut-être en arrière-plan, il est fort probable qu'il utilise la technique mouillé sur mouillé, car la technique mouillée sur mouillé aide créons des textures vraiment lumineuses où, parce que la peinture se mélange à l'eau, plus grande partie du papier passe, ce qui donne impression que la lumière traverse le papier. C'est ce qu'est la texture lumineuse. S'il a une texture lumineuse ou s'il s' agit d'un sujet flou. Si vous voyez peut-être un arbre dans le fond brumeux, et que vous ne pouvez pas vraiment comprendre la définition, c'est quelque chose que pour obtenir cet effet flou, nous devrions utiliser la technique mouillée sur mouillé. Il s'agit généralement d'une technique que nous utilisons pour capturer des sujets ou des calques plus loin en arrière-plan. Enfin, parlons du contrôle de l'eau. règle la plus importante à retenir concernant le contrôle de l'eau est que plus vous utilisez d'eau, moins vous avez de contrôle sur la peinture. Comme démonstration de cela, lorsque vous utilisez la technique mouillée sur mouillé, vous utilisez plus d'eau. Avec la technique mouillée sur sec, il n'y a pas d'eau sur votre papier. Lorsque vous avez plus d'eau, la peinture a plus de contrôle que vous, ou au moins plus de contrôle que si vous utilisez la technique humide sur sec où la peinture n'est autorisée qu'à partir du pinceau. c'est parce qu'il y a moins d'eau sur du papier sec que sur du papier humide. Vous n'avez pas autant de contrôle lorsque vous utilisez plus d'eau. Vous pouvez aller encore plus loin que cela, car la technique mouillée sur mouillé ne se limite pas à elle, le papier est mouillé ou non. Vous pouvez contrôler à quel point votre papier est mouillé et à quel point votre peinture est humide, et la quantité d'eau qu'il y a sur votre pinceau, et ce faisant, vous pouvez créer encore plus de subtilité. Supposons, par exemple, que vous souhaitiez peindre un arbre en arrière-plan. Nous l'avons fait plus tôt dans la leçon, mais je vais vous montrer comment faire un peu plus prudemment. Supposons que vous vouliez peindre un arbre mystique en arrière-plan. Si vous avez peint cet arbre mystique, nous allons faire deux lavages d'eau ici. Le premier lavage d'eau ici est assez aqueux. Il y a beaucoup d'eau. C'est pudly et puis cette eau ici, je vais en faire un peu plus. Ce lavage ici est plus fin. C'est plutôt comme une fine couche, une couche d'eau légèrement enduite sur mon papier. Si j'essaie de peindre un arbre comme un arbre très léger et flou ici, il va partout. Cela ressemble à un arbre, mais c'est vraiment difficile si je voulais obtenir des détails plus précis qui étaient flous mais toujours définis, c'est délicat mais si j'attendais, donc ici j'ai peint un mince lavage d'eau Et puis j'ai attendu quelques secondes pendant que je peignais ici pour que le papier soit humide. Si j'attends qu'il soit ici, la peinture ne va pas aussi loin. Vous voyez ? Je peux manœuvrer à ma façon. Je peux guider la peinture pour qu'elle soit une forme spécifique qui floue et avoir un peu plus de détails avec la technique mouillée sur mouillé par rapport à cette version de la technique mouillée sur humide et c'est parce que cette flaque d'eau ici, il y a beaucoup plus d'eau et la peinture a donc beaucoup plus de liberté à se déplacer que ce lavage ici. La peinture s'arrête. Il s'arrête au bout d'un moment. C'est toujours floue. Il saigne toujours sur le papier mais il ne peut pas aller aussi loin car le papier n'est pas aussi mouillé. Pour résumer cela, pour le contrôle de l'eau, plus vous avez d'eau, moins vous avez de contrôle sur la peinture. Une autre façon de voir cela est que moins vous avez d'eau, plus il y a de contrôle sur la technique humide sur mouillé et sur la peinture que vous avez. Il est de votre devoir de déterminer le contrôle que vous souhaitez avoir. Si vous voulez créer des textures de ciel lumineuses où vous ne vous souciez pas vraiment. Si vous avez beaucoup de contrôle sur l'endroit où va la peinture, vous voudrez probablement utiliser un peu plus d'eau, mais si vous voulez créer des sujets légèrement plus définis, mais avoir un effet brumeux flou, alors vous voulez utiliser moins d'eau. Cela résume cela pour ces règles, car nous allons décomposer une photo de référence plus tard dans la classe. Gardez-les à l'esprit et avançons. [MUSIQUE] 4. Valeur de couleur : techniques pour donner une impression de distance: Une autre compétence qui est si importante lorsque vous essayez de peindre des peintures de paysages est la façon manipuler la couleur pour créer encore plus d'humeur et cette ambiance mystérieuse que vous obtiendrez de nombreuses forêts de montagnes sauvages vraiment fraîches. scènes. Quelque chose que vous ne savez peut-être pas ou peut-être que vous le faites déjà est un trait très important pour maîtriser cette humeur, un trait très important pour maîtriser c'est la valeur des couleurs. C'est de cela que se résume cette leçon. Pour commencer notre discussion sur la couleur et façon dont elle se rapporte à la distance et à la profondeur de nos peintures à l'aquarelle alors que nous décomposons les photos de référence, parlons d'abord de la superposition et de la façon de réfléchir. placer vos calques et placer en particulier l'ordre dans lequel vous placez et peignez vos couleurs. Lorsque vous réfléchissez à l'endroit et à la façon de placer les couleurs, la règle la plus importante avec l'aquarelle est de peindre du clair au foncé. Je vais juste mettre de la peinture sombre ici. Comme l'aquarelle est transparente, il est beaucoup plus facile d'ajouter une couleur plus foncée si nécessaire, plutôt que si vous avez besoin d'éclaircir une couleur, si vous avez besoin d'éclaircir une zone, c'est beaucoup plus difficile. Par exemple, si je veux mélanger ces deux couches ensemble, cela ressemble à des blancs humides du papier, puis à cette couleur moyenne foncée du gris de la peinture, si je veux créer un peu plus subtil dégradé entre les deux, si je commence par la couleur foncée et que je passe dans la couleur claire, tout le blanc a disparu maintenant. Si cela se produit, je peux prendre un pinceau propre et déplacer la couleur hors de la zone de lumière, mais elle sera presque toujours légèrement teintée avec la couleur foncée que j'ai apportée dans cette zone. J'aurais pu éviter cela si je peignais du clair au noir. Si j'essaie encore ça, je vais peindre comme un lavage d' eau et mettre de la peinture ici au fond. Si je veux créer un dégradé qui maintient la légèreté de cette couleur claire ici, disons que je le veux un peu plus ici, alors je commencerais dans la zone claire et je peignerais du clair au noir. De cette façon, je peux mélanger les couleurs ensemble sans diluer ou simplement ajouter de la couleur à cette zone de lumière. Peindre du clair au noir est la façon dont vous pouvez utiliser la transparence de l'aquarelle pour garder les blancs, garder les parties claires de votre papier, de votre scène, ce qui sera important, surtout lorsque nous pensons au contraste, car souvent, lorsque vous peignez un paysage vu, certaines des parties émotionnelles les plus évocatrices viennent lorsque vous avez du contraste. Le contraste entre la lumière et obscurité est un acteur très important. La façon dont vous conservez le contraste avec l'aquarelle consiste à assurer que les blancs de votre papier restent blancs. La façon de le faire, encore une fois, en me répétant parce que cela vaut la peine de le répéter, c'est de peindre du clair au noir. Cette règle s'applique également lorsque vous parlez de calques. Maintenant, il existe quelques exceptions, mais dans la plupart des cas, si vous superposez votre pièce de l'arrière-plan au milieu du sol, en passant par le premier plan, les calques d'arrière-plan auront généralement valeur plus légère. que les couches de premier plan. Les calques d'arrière-plan seront presque toujours les plus clairs, puis le milieu du sol sera un peu plus sombre, puis le premier plan est généralement la valeur la plus sombre. De même que la façon dont vous peignez en un seul dégradé ou lorsque vous essayez de créer des mélanges ou des contrastes, vous peignez du clair au noir, alors que vous découvrez comment peindre vos scènes, comment calquer vos scènes, généralement, cette règle s'applique également. S'il y a un sujet très léger en valeur, vous allez probablement le peindre abord ou trouver comment peindre cela en premier. Valeurs de lumière en arrière-plan et valeurs sombres au premier plan. Nous avons parlé de la superposition et de la façon créer différents calques en termes de valeur et de valeur de couleur. Maintenant, je veux juste aller un peu plus loin pour obtenir d'autres directives ou suggestions, car nous allons décomposer ces photos de référence. Commençons par l'arrière-plan et la couleur. Nous avons déjà parlé du fait que l'arrière-plan aura probablement les valeurs les plus légères. Tout comme un rafraîchissement, la valeur est la clarté ou l'obscurité d'une couleur. La façon dont vous modifiez la valeur de l' aquarelle consiste à ajouter de l'eau. Comme l'aquarelle est transparente, plus vous ajoutez d'eau au pigment, les particules pigmentaires sont lâches dans la peinture et cela permet plus grande partie du papier de passer. Le blanc du papier est ensuite mélangé à la qualité transparente de l'aquarelle pour rendre la couleur plus claire. Plus d'eau équivaut à une valeur plus légère. Cela est utile en arrière-plan car une valeur plus légère signifie généralement plus loin. Si je veux peindre un arbre, je peins beaucoup d'arbres, c'est mon choix, donc vous verrez probablement beaucoup d' arbres tout au long de cette classe, mais si je veux peindre un arbre plus éloigné, Je vais presque toujours peindre ce briquet. Je vais commencer juste à vous montrer le contraste de cela. J'ai peint cet arbre de valeur lumineuse, ce qui signifie qu'il y avait beaucoup d'eau dans la peinture, et je vais peindre un arbre de valeur plus sombre. Avec une peinture plus foncée, ce qui signifie qu'il y a moins d'eau et plus de pigment dans la peinture. Vous verrez comment, surtout en contraste avec l'arbre sombre, l'arbre clair semble certainement plus éloigné. Il est utile de se rappeler parce que l'arrière-plan est généralement plus éloigné que tout autre élément au premier plan, et donc si vous voulez peindre quelque chose en arrière-plan ou si vous voulez peindre quelque chose qui est censé être plus éloigné de la scène, utilise une valeur plus légère. Une autre chose à propos de l'arrière-plan et de la couleur est non seulement que les sujets en arrière-plan sont une valeur plus claire, mais ils sont généralement un peu plus sourds. Cela signifie qu'ils ne sont pas toujours de la couleur pure pigmentée. Une façon d'obtenir une couleur discrète consiste à y ajouter de l'eau pour en faire une valeur lumineuse, mais vous pouvez également y ajouter des neutres. Si je devais ajouter, disons, noir à cette couleur bleue que j'ai et que ce soit une valeur de lumière, ce serait plutôt comme un ton sourd de cette couleur bleue. Avoir des couleurs en sourdine arrière-plan ajoute vraiment une sensation d'ombre, une sensation de brume, un sentiment de distance et de profondeur à eux. Ce sont les deux choses dont je veux que vous vous souviez au sujet la couleur. L'arrière-plan ou la couleur et la distance sont, si vous voulez peindre des sujets plus éloignés, peignez-les généralement une valeur plus claire et assurez-vous que leur couleur est plus discrète, plutôt que plus claire. Nous allons en parler dans le prochain petit moment. Enfin, nous avons parlé de l'arrière-plan, parlons du premier plan, est-à-dire lorsque vous vous rapprochez, lorsque les sujets sont plus proches de vous. Lorsque les sujets qui se trouvent en arrière-plan valeur plus claire et plus sourdine, sujets qui se trouvent au premier plan ont une valeur plus foncée. J'ai déjà peint un arbre sombre, mais juste pour vous montrer. Encore une fois, ils ont une valeur plus sombre et ils sont généralement plus dynamiques. C'est parce que les couleurs au premier plan sont plus proches de nous. Vos yeux peuvent les faire ressortir beaucoup plus clairement. Cela ne s'applique pas seulement à la forme et à la définition des formes, c'est ce dont nous avons parlé dans la leçon précédente, mais aussi à la couleur et à quel point les couleurs sont vives, quel point vous pouvez voir clairement les couleurs ? Disons que si je devais peindre un arbre aux feuilles rouges, si cet arbre était au premier plan , je voudrais probablement utiliser un rouge très vif. Mais si cet arbre était en arrière-plan, je voudrais utiliser une valeur plus légère, donc je vais ajouter de l'eau. Alors peut-être que je veux aussi qu'il soit plus sourd, alors je vais ajouter un petit peu de noir à ma valeur lumineuse, rouge, ce qui en fait une couleur plus discrète. C'est au loin plutôt qu'au premier plan. Maintenant, normalement, la distance implique aussi la taille, donc je le réduirais aussi si c'était au loin. Mais juste pour vous montrer la différence entre un rouge sourd, où j'y ai ajouté un peu de noir, et un rouge plus vif. Au premier plan, des couleurs vives et des valeurs plus sombres. Comme je viens de le mentionner, les sujets de premier plan sont également plus proches, donc ils sont plus grands. L'utilisation de cette taille est un autre moyen de maintenir la profondeur de votre peinture. C'est à propos de ça qui l'achète. Prenons ces règles, ces directives, que nous avons apprises grâce aux techniques de base de l'aquarelle et les appliquons à la décomposition de notre photo de référence. voit dans la prochaine leçon. 5. Choisir une bonne photo de référence: [MUSIQUE] Ne sautez pas cette vidéo mon ami. Parce que, aussi ennuyeuse ou sans importance que cela puisse paraître, photo de référence que vous choisissez la photo de référence que vous choisissez vous permettra de réussir ou de frustration alors que vous essayez de peindre votre peinture de paysage. Lorsque je choisis une photo de référence, j'aime garder trois choses à l'esprit. Tout d'abord, j'aime penser aux couches. J'aime réfléchir au nombre de calques que je peux voir, savoir si les calques sont conformes ou non à nos règles d'aquarelle dont nous avons parlé plus tôt. J'aime réfléchir à la question de savoir si les couches sont quelque chose que je peux facilement réaliser. La prochaine chose à laquelle j'aime réfléchir, c'est le sujet. Y a-t-il des sujets sur cette photo de référence que je peux peindre ? Est-ce que je sais comment comprendre, comment peindre ce sujet ? Est-ce quelque chose que je peux simplifier ? La dernière chose à laquelle j'aime penser, c'est la composition. Nous allons parler de la règle des tiers, et nous allons parler de la façon dont vous pouvez modifier votre photo de référence si ce n'est pas exactement ce que vous espériez, mais que vous souhaitez toujours l'utiliser pour de l'inspiration dans votre peinture. Sans plus tarder, plongeons dedans. Mon préféré libre de droits, ce qui signifie, pas besoin de vous soucier des problèmes de copyright, site de nos photos de référence est Unsplash. Voici ma page Unsplash. J'ai beaucoup de dossiers car je parcourt souvent Unsplash. Vous pouvez accéder à Unsplash depuis un ordinateur de bureau ou il s'agit de mon iPad. Ils ne me paient pas [RIRES] pour dire cela, j'aime vraiment ça. Voici quelques photos que j'ai compilées pour ce cours. Il y a trois choses importantes à prendre lorsque vous recherchez une bonne photo de référence. Bon sens quelque chose qui se traduira assez facilement en une peinture que vous pouvez peindre. La première chose à laquelle il faut penser, ce sont les couches. Pouvez-vous identifier des calques faciles dans la photo ? Par exemple, cette photo de montagne, je peux voir qu'il y a le ciel, puis il y a des couches individuelles de flancs de montagne. C'est assez facile. Comme si je pouvais analyser cela avec mon esprit. Je peux le décomposer et voir exactement où les couches sont censées aller. Ce serait une très bonne photo de référence. Un autre exemple où les calques ne sont peut-être pas la même chose. Ici, les calques sont également facilement distinguables. Le ciel, puis les couches de montagne, puis cette couche d'arbres. Ces couches suivent les règles dont nous avons parlé, où il va de la lumière à l'obscurité. Le ciel est essentiellement la partie la plus légère, puis les couches de montagne à l'arrière, éloignées de notre perspective, sont plus claires, et elles deviennent progressivement sombres jusqu'à cette couche sombre d'arbres. Ce serait une très bonne photo de référence à utiliser. J'aime aussi beaucoup celui-là. C'est beaucoup plus simple. Il s'agit essentiellement du ciel avec un peu de rose dedans. Nous utiliserions probablement la technique « mouillé sur mouillé pour ajouter un peu de rose dans le bleu. Puis, enfin, cette couche sombre de montagne, puis on pourrait ajouter cette lune au-dessus de celle-ci en badigeon. Il est important de penser aux calques, et simplement de vous montrer où les couches deviennent difficiles, ce qui signifie difficile. Je pense que chaque fois que vous peignez n'importe quel type de photo de référence, les calques sont la chose la plus importante à laquelle il faut penser. Si vous êtes débutant, les couches sont parfois très difficiles à voir. Par exemple, si vous vouliez peindre cette scène fluviale animée, c'est une belle photo. Je pense que cela ferait un beau tableau, mais surtout si vous êtes débutant, il peut être difficile de traduire les calques, en partie à cause de l'ordre dans lequel la lumière s'affiche sur le tableau. Par exemple, lorsque nous ne faisons que des paysages de base, nous essayons de garder la lumière en arrière-plan et les choses sombres au premier plan, mais ici, les arbres de fond sont projetés dans l'ombre, et de l'autre côté, les arbres de premier plan et cet espace de premier plan est plus léger. Ce n'est évidemment pas impossible, il est très possible de peindre cela à l'aquarelle, mais au stade débutant, c'est un peu plus délicat. Si vous cherchez des photos de référence pour pratiquer ce processus, pour pratiquer la peinture en tant que débutant, c'est probablement une photo que j'essaierais un peu plus tard, car ce ne sera pas tout à fait aussi simple comme d'autres types de photos. Voyons si nous pouvons en trouver un autre. voici un autre où, il s'agit clairement d'une montagne, et souvent les montagnes se décomposent facilement en couches, mais cette montagne a tellement d'ombres différentes, et tant de lieux contrastés différents où ils devraient tous être en une seule couche ressemble. Je ne peux pas vraiment dire comment décomposer cela en couches de manière agréable et systématique. Encore une fois, cela ne veut pas dire qu' il est impossible de peindre cela, cela ferait un très beau tableau, ça va être délicat pour vous en ce moment. Une autre chose à laquelle il faut réfléchir en ce qui concerne la façon de choisir une bonne photo de référence, ce sont les sujets. Vous voulez essayer de peindre des sujets que vous savez déjà peindre. Si vous savez peindre des arbres et que vous savez peindre des montagnes , ces zones de montagne seront géniales pour vous. Une chose à noter à ce sujet. Parfois, si vous savez peindre un type d'arbre, par exemple, vous savez peindre des pins, et que vous tombez peut-être sur des feuillus sur notre photo de référence, cela peut devenir effrayant. Mais si vous ne savez pas comment peindre un sujet exactement, ne signifie pas que vous ne pouvez pas le peindre, cela signifie simplement que vous devez peut-être le simplifier. Peut-être devriez-vous simplifier la composition ou simplifier le sujet. Dans ce tableau, il y a un pin après le côté juste ici, mais en dessous se trouvent des arbres à feuilles caduques. Si vous pensez, eh bien, je sais comment faire cette forme de pin, mais comment puis-je traduire cela en ces arbres feuillus, pleins , robustes et feuillus là-bas ? Ma réponse à vous serait de ne pas vous mettre autant dans la tête, et de le simplifier. Au lieu de penser à vous-même, je vais peindre des arbres à feuilles caduques, penser à vous-même, il y a du vert ici. Voici un peu de vert clair et de vert foncé, et je vais simplifier. Au lieu de penser, je vais peindre des arbres, penser, je vais juste peindre une texture blobby avec des valeurs différentes. C'est quelque chose à penser. Si évidemment, vous voulez chercher photos de référence où vous savez déjà peindre, surtout ce qu'il y a là, mais s'il y a quelque chose qui est délicat ou que vous n'êtes pas sûr de savoir comment pour peindre dessus, puis le simplifier ou simplement l'enlever. Autre exemple, si vous voyez cette maison ici, elle est placée dans un endroit vraiment cool. J'aime ce que la maison est cette photo de référence, mais si vous n'êtes pas à l'aise de peindre des maisons, vous pouvez simplement l'enlever. Vous n'avez pas besoin de peindre la scène avec la maison, et c'est une bonne chose dans le choix des photos de référence, est que vous décidez de ce que vous voulez peindre. Ensuite, la troisième chose à laquelle il faut penser s'aligne très bien avec ce tableau parce que nous voulons parler de composition. pensant à la composition, je veux garder à l'esprit la règle des tiers, ce qui signifie simplement que si vous divisez une scène en tiers, verticalement et horizontalement, où que ces lignes se rencontrent, ces quatre coins comme au milieu ici, c'est là qu'il sera très agréable à l'œil de placer un sujet. Cette maison est juste dans le coin inférieur gauche, et elle a vraiment fière allure dans cette scène. Il est également bon de garder ces coins à l'esprit lorsque vous placez plusieurs sujets pour créer un flux. Vous remarquerez que ce lot d'arbres se termine ici même où ces lignes se rencontreraient, puis il descend directement jusqu'à la maison, puis le sommet de la montagne se trouve près de ce sommet. C'est en train de créer ce flux triangulaire. Ensuite, lorsque vous gardez à l'esprit les nuages, ils n'ont pas l'air plat. Cette pièce n'a pas l'air plate ou statique, elle semble avoir un certain mouvement. C'est une autre chose importante à garder à l'esprit lorsque vous choisissez une photo de référence. Je pense que la composition est également quelque chose que l'on peut changer. Si vous trouvez une photo de référence comme par exemple, les maisons et celle-ci sont au milieu. Si vous décidez de peindre ceci, mais que vous vouliez garder à l'esprit la règle des tiers, vous pourriez simplement déplacer les maisons un peu dans votre tableau, ce qui est tout à fait acceptable. Connaissant toutes ces choses alors, nous voulons un ensemble clair de couches, nous voulons des sujets que nous savons peindre et nous voulons avoir des techniques de composition à l'esprit. Alors je pense que je suis avec vous, je vais peindre. J'aime beaucoup cette scène montagnarde, et voici pourquoi. Cela a l'air très compliqué. [RIRES] Il y a beaucoup de falaises, beaucoup d'ombres, beaucoup de petits arbres et de détails. Bien que je puisse passer beaucoup de temps peindre tous ces détails complexes, je veux peindre cette scène avec vous car je veux vous montrer comment choisir ce que vous voulez peindre. Mais pour parler des autres choses, il y a des couches claires. Il y a cette couche de ciel, il y a cette couche de montagne, comme au loin la montagne avec la neige, puis il y a cette couche d'une colline herbeuse avec différentes zones de route et d'arbres. C'est juste un très joli paysage où tous les calques sont également de couleurs différentes. La seule chose qui diffère légèrement de nos règles en termes de lumière à sombre, c'est vous pourriez peut-être dire que ce vert clair est plus clair que ce bleu, mais nous devons également garder à l'esprit la vibrance. Ce vert clair est peut-être plus léger, mais il est certainement beaucoup plus vif. La couleur est beaucoup plus pure que le dos bleu ici est plus sourd. Il est conforme à nos règles générales. Je pense que c'est un tableau que nous pouvons simplifier, peindre et transformer en une belle peinture. Nous allons continuer à utiliser cela comme référence. [MUSIQUE] 6. Comment analyser votre photo de référence: [MUSIQUE] Nous avons notre photo de référence, je pense que ça va être une bonne photo. Parlons maintenant de la façon d'analyser cette photo de référence. C'est là que les compétences que nous avons apprises dans les leçons d'aquarelle, quelques vidéos auparavant utiles car nous allons regarder cette photo de référence et déterminer exactement quelles techniques et quelles compétences nous avons besoin pour le peindre. Jetons un coup d'œil à cette photo de référence. Je l'ai téléchargé sur mon iPad , ce qui est très facile à faire avec unsplash. Ils ont un bouton de téléchargement et je l'ai ouvert dans mon application photos. Si vous avez un Android ou que vous n'utilisez pas tablette, je ne sais pas trop comment le faire , mais c' est comme ça que je fais avec un iPad. C'est dans l'application photos, je vais appuyer sur « Modifier » ici et je vais juste m' assurer que vous pouvez voir. Laissez-moi refaire ça. Je vais appuyer sur « Modifier » ici , puis il y a ces trois points tout en haut et je vais appuyer sur « Marquage » après avoir ouvert cet onglet Options. Maintenant, je peux utiliser un crayon pour dessiner directement sur la photo. C'est exactement ce que je vais faire pour analyser cette photo et simplement voir ce qu'elle contient. Dans cette leçon, nous allons déterminer ce à quoi nous avons affaire , puis, dans la leçon suivante, nous allons créer un plan pour notre peinture. Numéro 1, nous avons ces calques, nous avons trois couches assez distinctes. Nous avons un ciel nuageux qui, si je veux peindre un ciel nuageux je vais utiliser beaucoup d'espace blanc. En effet, avec l'aquarelle parce qu' elle est transparente, vous utilisez généralement espaces blancs lorsque vous faites des sujets blancs comme les nuages. Il y a aussi un peu de bleu comme le bleu ciel, donc peut-être comme une lumière bleue de Prusse ici. Cela me semble plutôt faisable. Ce sera le premier. C'est la couche de ciel et la couche de montagne, nous avons beaucoup de choses en cours, donc nous avons de la neige blanche. Cela signifie que nous allons probablement essayer d'utiliser un peu d'espace blanc ou du moins un espace négatif lorsque nous peignons cela. Ensuite, nous avons également quelques valeurs de couleur différentes. Nous en avons certains comme le vert foncé et le vert clair , et ils ont l'air gris ou presque bleu ici. Comme je l'ai mentionné dans la leçon précédente, je n'essaierai probablement pas de peindre tous les détails très beaux et spécifiques de cette montagne. Mais je veux vraiment capturer une partie de la texture. Comme par exemple, je vois ici, la montagne a comme une texture en treillis où l'on peut voir les couches de roches, ce qui pourrait être quelque chose à quoi je pense. Je veux vraiment garder une partie de l'espace blanc enneigé. Au fur et à mesure que je fais le point culminant ici et peut-être sur le côté, je garderai une partie de cet espace blanc à l'esprit. Je veux vraiment avoir un certain contraste. On dirait même qu'il y a deux couches de montagne ici. C'est l'arrière-plan, voire trois. Comme il s'agit de la couche de montagne la plus éloignée, il s'agit de la couche de montagne moyenne, puis c'est la couche de montagne la plus proche. Je peux penser à peindre maintenant. Je vais garder cela à l'esprit lorsque je passerai à mon plan. Mais généralement parce qu'il s'agit également de la couche médiane de la peinture, je veux que les couleurs soient assez discrètes, je veux que la valeur soit comme une valeur moyenne, ce qui signifie qu'elle est aqueuse, mais pas ainsi aqueuse que c'est transparent. Je veux qu'il soit visible, mais aussi très évidemment discrète pour indiquer la distance par rapport à nos yeux. Les choses que je vais probablement simplifier, c'est que je doute d'essayer de capturer ce sont tous des arbres, comme de très petits points, je ne sais même pas si vous pouvez les voir très bien. [RIRES] Mais il y a tout comme petites crêtes et de minuscules petites taches d'arbres. Je ne pense pas que je vais entrer dans les détails. Je vais probablement essayer de capturer une couche très lumineuse avec peut-être un peu de texture à certains endroits. Nous y parviendrons au fur et à mesure que nous y arriverons. Parlons maintenant de cette couche de premier plan. fur et à mesure que nous décomposons ces calques, nous examinons les calques, puis, à l'intérieur de chaque calque, nous examinons les sujets, les couleurs et la façon dont nous allons les peindre. Dans cette couche de premier plan, il y a des arbres, il y a cette route, parfois il y a des arbres en grappes, parfois il y a des arbres individuellement. Une autre chose à noter est que tous ces arbres sont loin. On dirait qu'il s'agit probablement d'un tir de drone ou que quelqu'un est debout sur un très grand pont ou quelque chose qui regarde dans cette vallée. Quoi qu'il en soit, nous n'allons pas peindre des sujets trop détaillés parce qu'ils sont si éloignés. Lorsque les sujets sont loin, c'est plus facile pour vous en tant que peintre aquarelle car cela signifie que même si vous y étiez dans la vraie vie, vous ne seriez pas vraiment en mesure de distinguer tous ces détails. Cela vous simplifie suffisamment pour que vous n'ayez pas à peindre tout de suite. Ensuite, cette route est blanche. Parce qu'il s'agit d'une grande route blanche au milieu de cette couleur, je pourrais utiliser du badigeon dessus au lieu d'essayer de garder cet espace blanc blanc. C'est quelque chose à penser, car même pour les nuages et la neige sur la montagne, vous n'avez pas besoin d'utiliser les espaces blancs. Vous pourriez utiliser de la gouache blanche si vous voulez, ce que je fais assez fréquemment. Je pourrais le faire pour une partie de la neige, il faudra juste attendre et voir [RIRES] au fur et à mesure. Autre chose, il y a cette petite tache grise ici, probablement avec des pierres ou de la saleté, quelque chose de ce genre. Je ne vais pas peindre cela simplement parce que je préférerais que mes couches soient individuelles. Bien que le contraste et le fait d'avoir des sujets variés améliorent souvent les peintures, comme cela les rend plus intéressantes, cela semble tout simplement intrusif. C'est quelque chose que je vais retirer et éliminer. Autre chose à laquelle il faut penser en ce qui concerne la façon dont nous allons peindre chaque couche individuelle dont nous parlerons plus longuement dans la vidéo suivante c'est que cette couche de premier plan a un vert vif. Je veux dire, pas assez, mais c'est vert vif, assez vif, mais comme une zone herbeuse verte vibrante avec beaucoup de petites poches d'arbres. Je vais probablement peindre cette couche de premier plan en plusieurs couches, comme en commençant par ce vert vif puis peut-être que je ferai comme un vert vif humide avec quelques taches sombres, puis je peindrai dans d'autres détails comme resserrer certains détails dans les calques suivants. Nous décomposons cela en calques d'arrière-plan , de milieu de sol et de premier plan [RIRES] , de milieu de sol , mais vous pouvez également diviser chaque calque individuel en plusieurs couches. Je sais que c'est beaucoup de couches [RIRES], mais c'est exactement comme ça que vous accomplissez cela. C'est exactement comme ça que vous prenez une photo de référence apparemment compliquée comme celle-ci et que vous la transformez en quelque chose de totalement réalisable, particulier avec les outils et les compétences que vous possédez en tant qu'aquarelle. connaissant toutes les règles que vous faites sur l'aquarelle. Une chose dont nous avons parlé et qui n'est pas vraiment dans ce tableau est souvent que le ciel ou les montagnes ont un dégradé. Ce n'est pas vraiment présent ici, mais c'est bon. En fait, ce que nous allons utiliser, c'est de nombreuses combinaisons différentes de combinaisons humides sur mouillées et humides à sec. Je peux utiliser un peu de texture lumineuse probablement pour le ciel et pour les premières couches du milieu du sol et du premier plan. Parce que le sens lumineux, en utilisant la technique mouillé sur mouillé pour créer de la lumière et un effet lueur, cela aidera chaque couche à être infiniment plus intéressante. C'est juste un peu plus profond à tous ces premiers regards, je continue de penser à une chose de plus, mais c'est comme ça que mon esprit fonctionne [RIRES] lorsque je décompose les photos de référence. Je vois aussi de petites maisons ici. Je peux ou non les ajouter. Je n'ai pas encore décidé. Ils sont intéressants, comme un sujet intéressant à avoir, mais ils sont si petits, je ne sais pas s'ils feraient une différence. Je vais mettre ça dans mon esprit, le remplir pendant que je peins. C'est quelque chose que je fais souvent. Je commence par une idée générale après avoir décomposé une photo de référence, puis je décide un peu plus tard de la façon dont je veux tout placer. Ensuite, la dernière chose est la composition. Nous avons parlé de la règle des tiers. Nous divisons une scène en tiers, horizontalement et verticalement. Il semble que ce sommet se trouve déjà à l'intersection entre ces deux lignes, donc c'est un endroit formidable que je veux y garder. Les calques s'alignent également car si vous avez des calques individuels qui vont horizontalement ou verticalement, il est bon de les placer le long de ces lignes parallèles. On dirait que ce calque vert et ce calque bleu sont tous alignés comme ça. Mais comme nous gardons cela à l'esprit, nous ne voulons pas que le ciel, la montagne et le vert soient tous de la même taille. Nous voulons garder le contraste. Peut-être que j'aurai comme un peu le ciel, je ne sais pas. En gros, je veux que le ciel occupe la majorité de la scène, soit je veux que les couches de montagne occupent la majorité de la scène et fournissent un contraste avec ces deux-là . sujets opposés. Je pense que je le déciderai dans la prochaine leçon alors que nous décrirons ce tableau. Mais je pense que c'est la dernière chose que je veux garder à l'esprit lors de l'analyse de cette photo de référence. Pour résumer, au fur et à mesure que nous avons décomposé cette photo, nous allons décrire ou élaborer un plan pour la peindre dans la prochaine leçon. Mais en décomposant cette photo, je veux garder à l'esprit toutes les règles de l'aquarelle dont nous avons parlé pour les calques les sujets et les techniques d'aquarelle. J'ai commencé par décomposer la photo en couches individuelles, donc l'arrière-plan, le milieu, le premier plan, puis j'ai regardé chaque calque individuel et identifié des techniques. J'utiliserai la technique mouillée sur mouillé pour peindre le ciel et je peux probablement le faire en une seule couche. Pour la couche médiane de la montagne, il y aura probablement plusieurs couches. ne sais pas combien de couches de montagnes je vais faire, mais pour peindre tous les détails contrastés de chaque montagne, je vais devoir peindre chaque montagne en couches individuelles comme bien en utilisant la technique mouillée sur humide, puis en la laissant sécher et peignant dessus ce qui est du vitrage. Ensuite, pour la couche de premier plan, je peux voir qu' il y a aussi beaucoup de sujets différents. Je vais certainement décomposer cela en plusieurs couches aussi. J'espère que ce récapitulatif vous a été utile et allons maintenant élaborer un plan dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 7. Planifier la peinture: [MUSIQUE] Il est maintenant temps de faire un plan. Nous avons choisi une photo de référence que nous aimons vraiment. Nous l'avons décomposé pour déterminer quelles pièces se trouvent à l'intérieur et ce que nous pouvons en faire. Construisons maintenant un contour solide pour que lorsque nous commencerons à peindre, nous ne soyons pas confondus et devoir réfléchir sur place. Faisons ça, mon ami. Dans la leçon précédente, nous avons analysé la photo de référence avoir une idée claire de ce que nous travaillons. Maintenant que nous avons toutes ces techniques et ces couches en tête, faisons un plan. Pour établir un plan pour une peinture, vous identifiez essentiellement les calques, puis vous identifiez l'ordre dans lequel vous allez peindre les objets à l'intérieur des calques. C'est assez simple. Nous avons le calque 1, qui est le calque d'arrière-plan, couche 2, qui est la couche médiane du sol, et la couche 3, qui est la couche de premier plan. Nous commençons par le fond, puis nous peignons le milieu du sol, puis nous peignons le premier plan. Par ce système, nous allons commencer par le ciel. La première chose que nous allons peindre, c'est le ciel. Nous en avons parlé un peu dans la leçon précédente, mais revenons à nouveau. Pour peindre ce ciel bleu nuageux, nous allons utiliser la technique humide sur mouillé où je vais aller, donc je vais juste mettre ça mouillé sur mouillé avec du bleu, et pour obtenir le blanc des nuages, on y va pour utiliser Whites-Pace. peut que je finisse par utiliser une serviette pour soulever certains nuages afin d'obtenir cet effet plus trouble, et nous en parlerons quand nous commencerons à peindre. Le ciel peut se produire en une seule couche, ce qui sera assez facile. Afin de nous préparer au reste du tableau sous le ciel, nous voulons aussi garder le ciel assez près, comme si nous voulions garder les couleurs du ciel dans la zone du ciel, ce qui signifie que nous ne voulons pas le bleu pour prendre toute la page. Nous voulons seulement que le bleu soit principalement là où se trouve le ciel et nous en reparlerons une fois que nous commencerons à peindre. chose que nous avons discuté de la dernière leçon que nous devrions résoudre maintenant est de vouloir que le ciel ne prenne qu'un peu de la peinture ou voulons-nous que le ciel prenne une grande partie de la peinture ? Si nous voulons maintenir un contraste de forme et maintenir un contraste afin que nous n'ayons pas seulement des parties égales. Parce que, comme nous l'avons dit, lorsque vous avez des parties égales, comme si toutes les couches ont exactement la même apparence ou ont la même taille, ce n'est pas très intéressant pour vos yeux. Vous voulez toujours avoir un certain contraste. Ce tableau se prête bien. Je pense qu'avant je pensais qu'ils étaient assez égaux, mais maintenant je vois que oui, dirait qu'ils sont divisés en tiers, mais aussi la pente de la montagne coupe la ligne. Lorsque vous ne pouvez pas avoir de contraste dans l'espace pour déterminer l'espace que chaque couche va prendre, il est également bon d'avoir un contraste entre les lignes et les courbes. La courbe de la montagne de cette couche est légèrement différente de la courbe de cette couche et coupe les lignes que l'on peut voir également. En pensant à toutes ces choses, pour ce cours, je ne voulais pas vous donner une coupe très sèche comme ça, c'est exactement ce que vous faites parce que ce n'est pas toujours le processus que je traverse lorsque je décompose un photo de référence. En fait, le plus souvent, lorsque je décompose une photo de référence et que je trouve un plan, je réfléchis à beaucoup de choses différentes même temps et je prends des décisions de dernière minute, et c'est exactement ce que je veux enseigner. Tu vas bien. Ce n'est pas grave si vous commencez à peindre en ayant une idée générale, mais en prenant des décisions de dernière minute et en réfléchissant à beaucoup de choses différentes, même si vous ne finissez pas par changer quoi que ce soit. Retournez dans le ciel. Je pense que je vais surtout garder la même chose que le ciel n'est pas le troisième haut de la page, mais seulement une partie de ce haut de page. La montagne et le flanc de colline vont occuper la majeure partie du reste de la page. Cool. C'est la couche 1. Ensuite, après le séchage, nous allons aller au milieu du sol, qui est la couche 2, qui est la couche 2, et avant de parler de la façon dont on dirait qu'il y a trois montagnes. Il y en a peut-être même quatre, mais je pense que nous allons juste appeler ça trois. On dirait qu'il y a une couche de montagne juste ici et une autre à l'arrière. Quand je réfléchis à la façon dont je veux peindre et si je veux conserver les trois couches, j'aime considérer la pièce dans son ensemble. Nous avons parlé de la règle des tiers. J'aime aussi me souvenir de la règle des cotes, ce qui signifie généralement que si vous avez un nombre impair de choses, c'est plus agréable à l'œil. Gardons à l'esprit cette règle des cotes. Si nous avons un grand flanc de colline et un grand ciel, alors si nous ajoutons le reste de ces couches de montagne, je veux que ce soit un nombre impair. Soit alors je voudrais une grande couche de montagne, soit je voudrais les trois couches. Je ne veux pas vraiment deux, juste deux couches de montagne avec le ciel et le flanc de la colline parce que cela fait quatre, ce qui fait quatre couches vraiment apparentes, et je préfère avoir un nombre impair. Je pense que la chose la plus facile à faire serait de faire une grande couche de montagne. Mais je vais vous défier un peu, et peignons cette montagne en trois couches, et je dis défi, et je dis défi, mais c'est en fait un peu plus facile que vous ne le pensez. C'est mon plan pour le milieu du terrain, c'est trois couches de montagne. Pour réaliser les trois couches de montagne, nous voulons garder à l'esprit que la distance signifie que les couleurs seront plus claires. La couche de montagne la plus éloignée sera la plus petite et la plus légère, puis les couches de montagne deviendront progressivement plus sombres, ce tableau montre assez clairement. Nous avons un plan pour le ciel, qui utilise principalement la technique humide sur mouillé. Pour la couche 2, nous allons réduire cela en trois couches de montagne individuelles, et chaque couche de montagne sera assez similaire. Eh bien, la première couche de montagne va probablement simplement utiliser une petite couche assez lumineuse et légère pour obtenir ce petit blip juste là. Ensuite, pour les autres couches de montagne, il y aura assez similaire où nous allons poser une couche de la technique mouillée sur humide afin d'obtenir une texture lumineuse, puis nous utiliserons la technique humide sur sec pour la texture au-dessus de celle-ci et laisser derrière lui le rythme des blancs. Nous allons faire une combinaison de mouillages sur mouillés et humides sur sec afin d'obtenir la texture que nous voulons. Gardez à l'esprit que je n'obtiendrai tous ces petits détails ici. Je pourrais avoir une partie de cette texture de grille en treillis ici et une partie de la neige. Mais à part cela, je veux rester simple parce que je veux qu'il soit assez facile à peindre. Je ne veux pas me submerger, et la simplification est donc la voie à suivre dans ce cas. Voici notre plan, le ciel, les trois couches de montagne, puis enfin, bien sûr, le flanc de colline et le flanc de colline, nous allons commencer par une couche claire pour ce vert clair ici, puis nous allons faire un autre calque de détails sombres. Certains détails peuvent ressembler cette route légère ici et nous pourrions y mettre certaines maisons. J'en ai parlé, je ne sais toujours pas si je vais garder les maisons ou non, mais c'est généralement le plan. Numéro 1, le ciel, numéro 2, les trois couches de montagne, numéro 3, le flanc de colline commençant par cette couche vert clair, puis je garde peut-être certaines zones sombres dans cette première couche de lumière, puis le deuxième calque au premier plan sera couleurs plus foncées et ajoutera un peu plus de détails. Cela me semble être un plan solide. Je pense que ça va vraiment bien se passer. Avant de passer à la peinture, juste une vidéo de planification supplémentaire, regardons les couleurs et voyons si nous pouvons les mélanger ensemble à l'aide de peintures assez simples. voit alors. [MUSIQUE] 8. Mélanger votre palette de couleurs: [MUSIQUE] Dernière vidéo avant commencer à peindre. Dans cette leçon, nous allons parler du mélange des couleurs, en particulier façon de mélanger les couleurs dont nous avons besoin pour peindre notre photo de paysage. Je vais utiliser une palette limitée dans cette vidéo, qui signifie que je n'utilise que les couleurs primaires plus le gris de Payne et je vais parler de mes choix de couleurs, pourquoi j'utilise les couleurs de peinture que je suis spécifiquement, et pourquoi c'est une idée intelligente pour vous pratiquer la peinture avec une palette limitée. Allons-y tout de suite. Juste pour référence, les quatre couleurs que je vais utiliser pour mélanger les couleurs de cette pièce de paysage, qu'il n'y a pas beaucoup de couleurs, mais de toute façon, j'utilise le gris Payne de Winsor & Newton. J'ai acheté un gros tube parce que c' est probablement ma couleur la plus utilisée, Winsor & Newton, jaune citron profond, Daniel Smith, bleu de Prusse et Daniel Smith carmin pour le rouge. Utilisons ces couleurs pour mélanger ce dont nous avons besoin pour notre peinture. J'ai ce papier de ferraille, j'ai ma palette de céramique. Vous n'avez pas besoin d'une palette en céramique, vous pourriez utiliser simplement une palette en plastique, mais je préfère utiliser des palettes en céramique car je pense qu'elles mélangent un peu mieux les couleurs. J'ai ce pinceau rond numéro 10. Je vais en fait prendre un pinceau rond numéro 6 parce je pense que les 6s fonctionnent un peu mieux. Les plus petites tailles de pinceaux sont meilleures pour tester différentes couleurs. Tout d'abord, je vais prendre certaines de ces couleurs primaires de ma palette principale sur le côté et les mettre sur cette palette pour vous montrer à quoi elles ressemblent. C'est le carmin, qui est notre couleur rouge, et c'est le bleu de Prusse, qui est notre bleu, et le jaune citron profond, qui va être notre jaune. Je vais utiliser le gris de Payne aussi parce que je pense que le gris de Payne est super pratique. Parfois, le gris de Payne peut remplacer le noir lorsque vous voulez avoir une couleur vraiment plus foncée ou que vous souhaitez rendre une couleur plus sourde. Il peut remplacer le noir sans avoir à utiliser le noir. Vous y allez. Commençons par chaque calque individuel. La première couche, le ciel, je peux voir une jolie valeur de lumière, c'est-à-dire du bleu aqueux, et je vais donc tester pour voir si le gris de Payne fonctionnera. Gardez à l'esprit que je n'essaie pas mélanger les couleurs pour qu'elles soient exactes, j'essaie juste de mélanger les couleurs pour qu' elles soient adéquates qu'elles soient bien ensemble et qu'elles obtiennent l'essentiel de ce que je suis J'essaie de le faire. Ce bleu de Prusse a l'air d' être assez bien assorti. En général, lorsque vous peignez le ciel, bleu de Prusse est une bonne voie à suivre. Parfois, le ciel n'a qu'un tout petit peu de rouge dedans. Cela en fait un peu plus un bleu-violet. Celui-ci pourrait être un peu plus bleu ciel avec du bleu de Prusse avec juste une très, très petite touche de rouge qui en fait une couleur bleu-violet très, très subtile. Je vais vous laisser la responsabilité si vous voulez simplement faire bleu de Prusse ou ajouter cette couleur aussi, et c'était assez facile. Passons à la deuxième couche. Je vais surtout utiliser une valeur de lumière grise de Payne. J'ajoute de l'eau au gris de Payne ici. Le gris de Payne est comme un bleu marine au cas où vous n'auriez jamais vraiment peint avec. Cela correspond plutôt bien au rocher. Si j'utilise la technique mouillée sur mouillé avec gris de Payne pour obtenir de nombreuses valeurs différentes, cela fonctionnera plutôt bien. Il y a un peu de verts subtils ici et nous devons mélanger le vert pour la couche suivante. Prenons un coup de couteau pour mélanger un peu de vert. Pour mélanger le vert, tout d'abord, vous avez besoin de bleu de Prusse et de jaune citron. Tout comme un conseil, si vous allez mélanger le bleu avec quoi que ce soit, bleu sera presque toujours plus fort que n'importe quelle autre couleur que vous allez utiliser, sorte que vous n'avez pas besoin d'autant de bleu que tout. Sinon, juste pour info. J'utilise beaucoup plus de jaune citron que bleu pour obtenir ce vert, et ce vert est assez lumineux. Je ne pense pas qu'aucun des verts ma peinture soit aussi lumineux, alors je veux le tonifier un peu. Je veux le rendre un peu plus sourd. Pour ce faire, afin d'ajouter un peu de brun ou simplement plus de ce sous-ton gris délavé, je vais mélanger la couleur complémentaire du vert avec elle. C'est généralement ce que vous utilisez pour faire du brun, lorsque vous mélangez des couleurs complémentaires ensemble, en utilisant la roue chromatique comme guide, et que la couleur complémentaire du vert est le rouge. Si j'ajoute un peu de carmin à ce vert, remarquez comment il est devenu gris, ce gris-vert, et c'est en fait une couleur plutôt cool et presque proche ce que je veux être à flanc de montagne. Je veux juste un peu plus de vert et je vais donc ajouter un peu plus de bleu et aussi peu plus de jaune pour obtenir un peu plus d' un vert en sourdine qui semble encore relativement vert par opposition à celle qui a l'air vert-brun. Ça a l'air plutôt bien. Je vais dire que c' est plutôt bon pour le flanc de la montagne et cela m'amène à créer le vert pour le flanc de colline. Je veux un vert clair, qui dans ce cas, n'est pas tellement une valeur verte claire, signifie que ce n'est pas tellement que la couleur est délavée ou contient plus de blanc qui la rend très légère, délicate, couleur subtile. Il a l'air vert clair, ce qui signifie qu'il contient beaucoup de jaune, et donc comme ce vert contient déjà ce rouge, n' est pas un vert citron vif, n' est pas un jaune-vert vif. Je vais juste continuer à ajouter à ce mélange qui avait du rouge dedans et j'ai ajouté un bouquet de jaune. C'est assez proche. C'est peut-être un peu plus jaune-vert que je ne le voulais. Il y a un peu plus de bleu, c'est un peu plus lumineux que je ne le voulais, donc peut-être un peu plus rouge pour le tonifier un peu. C'est pourquoi les papiers de ferraille comme celui-ci sont très utiles et en fait, ça a l'air plutôt bien. Je pense que c'est la combinaison que je préfère en ajoutant du bleu et du jaune avec juste un peu de rouge, qui avec plus de jaune que de bleu pour le rendre jaune-vert, c' était juste un peu de rouge pour le rendre si sourd. jaune-vert. Maintenant la dernière couleur vert foncé, je vais utiliser le gris de Payne avec ce vert que j'ai déjà mélangé. Le gris de Payne, comme je l'ai déjà mentionné, est un excellent moyen de foncer dans n'importe quelle couleur sans le rendre terne. Lorsque vous ajoutez du pigment noir pur à la couleur, ils peuvent parfois les bouer ou simplement atténuer l'éclat et ce n'est pas vraiment ce que nous voulons. J'ai ajouté le gris de Payne à ce vert, mais il reste assez bleu, donc je vais y ajouter du jaune et voir ce que cela fait. C'est assez proche en fait, donc peut-être un peu plus jaune pour voir à quel point c'est sombre. C'est plutôt bien. Il n'est pas aussi sombre que les arbres ici, mais je peux continuer à ajouter plus de gris Payne et plus de jaune et de bleu. Le problème avec le mélange de couleurs comme celui-ci, en particulier avec les aquarelles, est de mélanger les couleurs, vous devez ajouter beaucoup d'eau, et lorsque vous ajoutez beaucoup d'eau, cela éclaircit automatiquement la valeur. Afin de rendre ce mélange un peu plus pigmenté, afin d'obtenir ce vert foncé plus foncé, pigmenté, alors ce que je vais faire est de le mélanger autant que possible avec la couleur. Lorsque je prends l'aquarelle, je veux utiliser le moins d'eau possible. Je vais essayer de le faire maintenant. Je mélange ce vert et j'essaie ne pas y avoir des tonnes d'eau. Maintenant, je vais prendre un peu gris de Payne et le mélanger ici, ce qui l'a rendu un peu plus sombre. Je pense que cela s'est plutôt bien passé. Il est assez lumineux, donc je vais aussi ajouter juste un peu de rouge pour, encore une fois, contrecarrer ce vert, pour y ajouter un peu de brun. J'ai l'impression que ça a l'air plutôt bien. Cela résume le jeu de couleurs que je vais utiliser pour cette pièce, et j'espère que ce petit tutoriel de mixage vous a été utile. Ce cours n'est pas tellement axé sur le mélange de couleurs, mais il est important de savoir que les artistes professionnels utilisent souvent une palette limitée comme celle-ci. Ils utilisent les couleurs primaires ou seulement quelques couleurs, puis mélange intelligent des couleurs pour obtenir les résultats souhaités. Parce que lorsque vous utilisez toutes les mêmes couleurs pour obtenir les teintes désirées, votre palette est souvent un peu plus cohérente. Par conséquent, au lieu d'essayer de assembler des pigments provenant de tubes entièrement différents, avoir la même base et utiliser les mêmes mélanges de couleurs permet simplement de le resserrer et de s'adapter d'une manière vraiment belle. Cette pièce s'est vraiment bien attelée à cela car il n'y a que quelques couleurs qui sont très faciles à mélanger ensemble. J'espère que vous l'avez pensé aussi, et j'espère que cela vous sera utile. Maintenant que nous avons certaines de ces couleurs , commençons à peindre. Je vous verrai dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 9. Projet : la couche d'arrière-plan: [MUSIQUE] [BRUIT] Nous avons fini de planifier, il temps de commencer à peindre. Il s'agit de la couche 1, où nous allons surtout peindre le ciel en couches transparentes très délicates qui constitueront une couche contrastée lorsque nous ferons enfin ressortir les autres éléments. Les matériaux que j'utilise pour cette peinture sont un pinceau rond numéro 10, il s'agit d'un Princeton Neptune, d'un numéro 6, série Utrecht Synthetic Sablette et d'un numéro 0 rond. Ces trois pinceaux sont ce que je vais utiliser pour peindre ce tableau. J'utilise également ces quatre couleurs, celles que nous avons mélangées dans la leçon précédente : le gris Payne, le bleu de Prusse, le Carmin et le jaune citron profond. J'utilise du papier aquarelle 100 % coton Arches. Je l'ai scotché, comme vous pouvez le voir, sur mon bureau. Il est juste préférable de garder le papier tendu car le papier aquarelle est toujours du papier, et l'eau l'endommagera toujours. Le scotcher aidera simplement à minimiser le gauchissement de votre peinture. Ensuite, j'ai une palette de mixage pour mélanger mes couleurs. Je vais également utiliser le blanc anti-saignement du Dr. Ph. Martin pour ma gouache blanche car je n'ajoute que quelques petits points forts dans le tableau. Je pense que c'est tout ce dont nous avons besoin pour commencer. Passons à la couche 1. Je vais utiliser ma brosse ronde numéro 10 pour déposer un lavage d'eau propre. Si vous vous en souvenez, la couche 1 aborde le ciel de la pièce, et nous voulons que le ciel reste surtout dans ce coin. Mais nous allons toujours mouiller la majeure partie de la page. Vous n'avez pas besoin de mouiller toute la page, mais au moins deux tiers du chemin vers le bas. C'est juste parce que nous ne voulons pas de lignes de peinture séchées. Si vous ne mouillez pas assez la page et qu'une partie de la peinture rencontre le bord de la zone humide, vous aurez une ligne de peinture bleue séchée ou quelle que soit la couleur que nous utilisons. Nous essayons d'éviter cela, et nous avons donc plus de papier mouillé que nécessaire. Ce n'est pas grave si une partie du bleu du ciel chevauche dans l'endroit où nous allons peindre la région de la montagne. Parce que nous utilisons des couches et valeur légèrement plus foncée pour les montagnes, cela aura l'air parfait, ce qui ne sera pas grave. Je ne cesse de trébucher sur mes mots. Merci de m'avoir écouté. Allons de l'avant et commençons par la couleur du ciel. Si je me souviens, nous voulions une valeur très légère, bleu de Prusse, donc j'ai un peu de bleu de Prusse ici et je le rends assez aqueux. Ensuite, pour en faire un très léger violet bleu, j'ajoute un petit peu de carmin, très petite quantité, en très petite quantité, afin d'obtenir ce look bleu ciel vraiment subtil. Je veux me rappeler que ce ciel est censé être nuageux, donc je vais peindre des espaces blancs. Je n'ai pas besoin de le peindre donc il ressemble exactement à la photo de référence. C'est quelque chose à garder à l'esprit tout au long de ce processus, car vous peignez, la photo de référence à ce stade est vraiment un guide. Nous avons déjà un plan, nous savons fondamentalement ce que nous avons en tête, et si vous passez tout votre temps à regarder frénétiquement d' avant en arrière entre la photo de référence et votre peinture, vous allez manquez le processus magique qu'est l'aquarelle. L'objectif de la planification était de faire en sorte que nous puissions avoir tous les éléments en tête, puis avoir la liberté et la souplesse nécessaires pour faire ce que nous voulons, sachant que nous avons le pièces de base déjà en place. Je vais certainement partir, parce que j'utilise la technique mouillée sur mouillé, vois comment les couleurs s'estompent ensemble, et je laisse intentionnellement espaces blancs parce que je veux que ces nuages soient là. Maintenant, parfois j'utilise cette valeur de lumière très aqueuse, bleu de Prusse, et parfois je lave ma brosse et utilise de l'eau pour répandre ça. En encourageant la peinture à mélanger à l'eau et à se fondre avec le papier, c'est ce qui va créer une texture lumineuse vraiment fraîche. Une autre chose que nous pourrions faire, nous pourrions nous arrêter ici honnêtement et laisser ces nuages comme ils sont, mais une autre chose que nous pouvons faire est de pouvoir utiliser une serviette. Je me suis converti à utiliser des serviettes lavables plutôt que des essuie-tout. Nous pouvons utiliser une serviette pour nettoyer légèrement une partie du blanc pour que le nuage soit un peu plus visible. Dans ce cas, je ne veux pas que le nuage soit d'un blanc très clair. Je pense que c'est sur la photo de référence, mais je veux quand même qu'elle soit subtilement là avec des poches de ciel. Je pense que ça aura fière allure. Je pense que c'est là que je vais atterrir avec le ciel. Le ciel n'est pas l'événement principal de ce tableau, donc je veux vraiment cet effet subtil. Peut-être qu'après avoir nettoyé une partie de ce blanc, je vais juste ajouter un peu plus bleu dans certaines zones, puis mélanger un peu plus pour que le nuage soit légèrement plus défini. Honnêtement à ce stade, je ne fais que déconner, ce qui est le plaisir de peindre. Déconner et expérimenter est ce que je trouve être un des aspects les plus satisfaisants et amusants peinture de paysages. N'ayez pas peur d' essayer quelque chose et d'essayer autre chose parce que le but de la peinture n'est pas de bien faire ce tableau, c'est de vivre une expérience incroyable pour vous. Comme vous pouvez le constater, ce résultat final est très subtil. C'est juste un peu bleu, un peu blanc. Je pense que ça va être vraiment génial. Laissons cette couche sécher et passer à la couche médiane. [MUSIQUE] 10. Projet : la couche intermédiaire: Le ciel est terminé. C'est sec. Maintenant, c'est l'heure de la partie la plus difficile. Nous allons maintenant peindre la couche médiane qui est cette couche de montagnes vraiment fraîche qui se trouve au milieu de cette photo de référence. Ce calque va vraiment se concentrer beaucoup sur la valeur des couleurs. Nous allons également parler des vitrages et des textures et quand simplifier, par rapport au moment où il ne faut pas simplifier, beaucoup de choses comme ça. Plongeons directement dedans. Mon ami, nous avons terminé la première couche, le ciel. C'est tellement subtil. Nous pouvons à peine le voir. Mais honnêtement, je pense que c'est très bien pour cette pièce, surtout parce que, comme je l'ai déjà mentionné les montagnes et le flanc sont vraiment la vedette de ce tableau. Nous allons laisser ce ciel bleu très subtil être ce qu'il est et passer à la couche 2, qui est la couche de montagnes. Nous allons faire une montagne, très petite montagne lointaine à l'arrière, juste ici. La valeur la plus légère que nous voulons qu'elle soit ici car c'est l'intersection utilisant la règle des tiers. L'intersection de ces deux points ici. Ce sera le point de départ de la chaîne de montagnes pente vers le haut alors que nous superposons 1, 2, 3 couches de cette couche médiane du sol. C'était beaucoup de couches en peu de temps. De toute façon. Commençons par cette couche et nous allons bientôt passer aux autres montagnes. Toutes les couches de montagne, la base de chaque montagne sera juste cette valeur très légère, le gris de Payne. Nous allons commencer. Car cette première couche va être assez facile. La plupart d'entre eux seront honnêtement couverts par les couches suivantes. Je vais juste commencer ici et je veux que ce sommet de la montagne soit juste là. Je vais donc m'assurer que cette partie de la montagne est visible et que le reste sera probablement couvert par les couches suivantes. C'était assez facile. Nous allons garder cette couche très légère, pas beaucoup de texture, car ce sera la montagne la plus éloignée. Nous avons cette couche de fond de montagne. Nous allons maintenant peindre la couche médiane de la montagne sur cette couche. Pour obtenir cette couleur, je veux qu' elle soit légèrement plus foncée que le premier calque, donc je vais juste ajouter un peu plus de gris de Payne, c'est sur cette palette sur le côté. C'était beaucoup. Je veux toujours qu'il soit assez aqueux. Parfois, quand je mélange des couleurs, c'est ce qui arrive. J'ajoute un peu plus de pigment , puis j'ajoute un peu plus d'eau. C'est exactement pourquoi j'ai toujours ce papier à gratter ici, pour que je puisse le tester. Je dirais que c'est plus sombre que ce calque d'arrière-plan. J'en ajouterai peut-être un tout petit peu plus. Je pense que c'est plutôt bien. Je vais commencer par peindre les grandes lignes de l' endroit où je veux que cette montagne aille. La montagne qui va se glisser dans la scène comme celle-ci est la montagne de premier plan, ce signifie que dans cette couche médiane que nous peignons dans cette leçon, c'est la montagne que nous allons peindre en dernier. La montagne que nous faisons maintenant est la couche intermédiaire du sol et son sommet sera juste ici. Il a un bord plat, rectangulaire. Je ne sais pas. C'est différent. Nous n'avons pas à le peindre exactement comme il se passe sur la photo de référence, ce que j'ai dit plusieurs fois tout au long de ce cours. Mais la raison pour laquelle j'en ai parlé, c'est parce que nous voulons nous assurer d'avoir une certaine variation au milieu ici. Ensuite, nous savons que n'importe quelle partie de la montagne qui traîne de ce côté-ci sera probablement couverte par la montagne de premier plan. Nous n'avons pas besoin de prêter beaucoup d' attention à chaque partie de cette montagne. Notez cependant que même la montagne de fond et le milieu du sol et le premier plan, ils ont tous des crêtes assez claires. Cela signifie que lorsque nous avons clairement défini quelque chose, cela signifie que nous utilisons la technique humide sur sec. C'est pourquoi cette première couche de montagne est sèche. Maintenant, je peins sur un papier sec pour que l'autre couche de montagne ait également cette crête clairement définie. Chaque fois que je peins des montagnes, je me souviens que je veux qu'il y ait bords et que je ne veux pas de lignes très droites. Je veux qu'il y ait ces bords amusants. Mais je n'essaie pas de le rendre parfait. Les peintures naturelles sont plus réalistes lorsqu'elles sont imparfaites. C'est pourquoi lorsque je peins des montagnes, je déplace ma main de haut en bas, d'avant en arrière. Je veux que ma main soit un peu tremblante alors que je peins ça. Voici cette couche de montagne honnêtement, elle est un peu plus sombre que ce que je pensais. Je vais prendre ma serviette ici et je vais juste nettoyer un peu le pigment, de sorte que j'ai un peu plus d'espace blanc dessous parce que je ne veux pas que ce soit trop sombre. Maintenant que j'ai nettoyé une partie de ce pigment, je vais juste prendre de l'eau, j'ai attrapé les six pinceaux au lieu de mes 10, ce qui est très bien. Mais je vais juste prendre un peu d'eau, mélanger ce qui reste de ce pigment ensemble. C'est plutôt bien. Je veux que cela soit partiellement mouillé parce que dans cette couche, je ne veux pas finir par le gris de Payne. Je veux aussi ajouter un peu de vert. Mais je veux un vert plus discret comme nous l'avons pratiqué dans une leçon précédente. Je vais prendre un peu de ce vert , y ajouter beaucoup d'eau, y ajouter un peu de jaune, puis ajouter un peu de rouge pour le rendre plus sourd. C'est plus brun. Le mélange de couleurs est toujours une aventure. C'est plutôt bien. Bien qu'il soit encore humide, je vais juste ajouter un peu de ce vert juste ici. Il est si subtil on le voit à peine. C'est tout à fait correct car avec cette couche, il est techniquement encore l'un des calques d'arrière-plan. Nous n'avons pas besoin de ce vert que nous ajoutons ici pour être très important. Nous voulons simplement ajouter un effet subtil pour montrer qu'il existe une certaine variation au sein de ce calque. Je voulais mettre le vert alors que cette couche est encore mouillée juste pour poser cette couche de base lorsque nous finissons de peindre le reste. Maintenant que cette couche de base est sèche, je remarque que je l'ai rendue un peu trop sombre. Idéalement, il aurait été plus léger, sorte que j'ai pu utiliser l'espace blanc du papier pour créer de la neige. Je pense que la couche de montagne de fond est assez légère, mais cette couche de moyenne montagne, j'aurais aimé être un peu plus légère, mais parce que ce n'est pas le cas, je vais plutôt utiliser de la gouache blanche pour la neige de l'espace blanc du papier ce qui est honnêtement très bien aussi. Je pense que ça va bien se passer. Afin de créer les falaises et les ombres sur cette montagne, je la prends en plusieurs couches avec essentiellement tout reste de cette pièce. Nous allons lentement créer un contraste. Pour les ombres et les falaises, je vais utiliser différentes valeurs du gris de Payne. J'ai ajouté un petit peu de carmin pour rendre ce gris légèrement violet de Payne , ce qui le rendra un peu plus gris. Mais honnêtement, avec des valeurs de cette lumière, le gris de Payne n'a pas vraiment d'importance pour la partie la plus importante. Je vais mélanger une valeur claire du gris de Payne et commencer peindre des lignes glacées tout au long de la montagne. Honnêtement, je n'ai pas vraiment de rime ou de raison ici. Je veux qu'ils aient l'air plutôt naturels. Pour les rendre un peu plus naturels comme des ombres sur une montagne, je peins latéralement. Je peins vraiment tordu sur des traits égaux. Je garde le zigzag à l'esprit. zigzag et les diamants sont les deux formes que j' ai en tête lorsque je peins des ombres sur une montagne. Mais à part ça, je n'essaie pas vraiment de créer un modèle spécifique. Je laisse juste ma main se déchaîner. J'utilise cette valeur lumineuse, Payne est grise et je traverse lentement la montagne. Notez que je modifie également la pression de mon pinceau, sorte que parfois les lignes sont très fines, parfois les lignes sont très épaisses. Nous voulons créer l'illusion qu'il y a peut-être des fissures dans la montagne et peut-être aussi des grottes. Je pense que des ombres plus grandes indiquent peut-être qu' il y a des retraits ou des parties inégales de la montagne. C'est vraiment ce que nous cherchons. À un moment donné, j'ai décidé que j'avais fini. Je vais maintenant créer une valeur légèrement plus foncée, gris de Payne, juste en ajoutant un tout petit peu plus. Je vais continuer à faire exactement ce que je faisais. Vous pouvez attendre que la couche précédente sèche ou continuer pendant qu'elle est encore humide. Je parie qu'à ce stade, je peux voir que certaines lignes sont sèches et que certaines d'entre elles sont encore humides. Si je peins plus foncés sur les lignes encore humides, elles vont évidemment s'épanouir dans l'ombre et ce serait bon aussi. Parce que nous cherchons simplement des textures et des couleurs contrastées. J'ai ajouté quelques petits points forts, je suppose que les lumières basses sont peut-être un meilleur terme du gris de Payne plus sombre. Maintenant, je vais essayer de capturer la texture de quelques arbres, juste au pied de cette montagne avec un vert très, très clair. C'est le même type de vert que nous avons mélangé dans la leçon de mélange de couleurs pour la colline, où c'est un vert avec un peu de carmin ajouté, donc il est légèrement sourd. J'ajoute quelques traits de vert juste, encore une fois, pour créer l'illusion qu'il y a petites poches d'arbres le long de la base et sur le flanc de cette montagne. Maintenant que j'ai créé la plupart des falaises et des ombres, je prends mon badigeon, y ajoutant un peu d'eau parce que le badigeon, même le blanc anti-saignement du Dr Ph Martin, c'est ce que j'utilise sous forme de pâte, et il faut donc ajouter un petit peu d'eau pour la rendre un peu plus malléable, pas trop, sinon elle deviendra translucide, mais juste un peu pour qu'elle soit légèrement légèrement liquide. Ensuite, en utilisant les mêmes coups, ce qui signifie, latéralement, en diagonale, cricket, vraiment rugueux, divers degrés de pression, je ne fais que peindre des taches de neige, gros, ne sachant pas vraiment où je Je veux les peindre , sauf que je sais que le côté gauche de la montagne est jeté dans l'ombre, parce que j'y ai mis beaucoup d'ombres. Donc, juste pour respecter les règles de la lumière, qui n'est pas quelque chose dont nous avons beaucoup parlé dans cette classe, mais juste comme un fait amusant, si vous pouvez voir la neige briller d'un côté de la montagne, parfois l'autre côté est plus ombragé, parfois. Je garde cela à l'esprit, mais je n'en fais pas vraiment une règle très spécifique. Pour cette raison, je voulais simplement mettre plus de taches de neige sur le côté droit de ce sommet. Remarquez que je ne peins pas le côté droit de la montagne comme la pente de cette montagne. C'est parce que la troisième couche de montagne va en haut. Je n'ai pas besoin de peindre quoi que ce soit, sinon il va juste briller. Pour la dernière partie de cette couche moyenne de montagne, j'ajoute un peu plus de gris Payne au vert, et j'utilise mon petit pinceau de détail pour ajouter essentiellement des empreintes de pas de mon pinceau pour imiter les arbres, pour imiter les arbres. la texture de ce à quoi ressemblent les arbres au loin, je pense qu'ils sont mouchetés de l'autre côté de la montagne. Je n'essaie pas de peindre des arbres individuels. J'essaie juste de peindre des petites taches au loin. Cela va dans le sens où vous peignez ce que vous voyez, vous ne peignez pas ce que vous savez. Vous ne peignez pas ce que vous savez, vous peignez ce que vous voyez. Je ne pense pas à peindre des arbres, je pense à peindre la texture de ce à quoi ressemblent les arbres. Nous allons en parler également dans les couches suivantes. Lorsque vous peignez ce que vous voyez, vous ne peignez pas ce que vous savez. Vous vous concentrez simplement sur la couleur, la texture, la forme et essayez d'imiter cela sans en laisser la connaissance, je peins un arbre se mettre en travers. Maintenant, nous avons laissé sécher cette couche intermédiaire, et je vais donc répéter le processus avec cette couche de montagne plus proche. Je ne vais pas appeler ça un premier plan parce qu'il est toujours dans cette couche médiane. C'est celui que nous peignons en ce moment. J'ai commencé la couche de montagne en peignant avec une valeur très, très légère, le gris de Payne, puis j'ai ajouté une valeur plus foncée du gris de Payne alors que cette couche de montagne était encore humide. J'essaie de rendre cette couche lumineuse. Ce qui signifie qu'il y a des poches d'espaces blancs. Si vous constatez que vous avez peut-être ajouté trop de peinture dans cette couche, vous pouvez utiliser ce qu'on appelle un pinceau assoiffé, qui est un pinceau propre que vous avez chargé sur votre serviette pour éliminer tout l'excès d'eau, Il est donc plus humide. Vous pouvez utiliser un pinceau assoiffé pour soulever une partie de la peinture de cette couche et aider à révéler une partie des espaces blancs afin qu' il puisse vraiment s'agir de cette texture lumineuse. C'est juste la couche de base de la montagne. Je l'ai laissé sécher et maintenant je le remouille et j'ajoute encore plus de peinture, répétant simplement ce processus. Maintenant, alors que c'est humide, rappelez-vous ce treillis que nous avons noté lorsque nous avons commencé à décrire et à décomposer cette photo de référence. Treillis, ce qui signifie qu'il y avait des textures sur la montagne qui ressemblaient à des croisements. C'est juste la couche de base, pas très important si ce treillis se manifeste, mais c'était une expérience pour moi, où j'ai attendu un peu pendant que la montagne était encore mouillée, mais pas tellement humide que ma peinture fleurit partout, ce dont nous avons parlé dans la partie contrôle de l'eau de la leçon sur les techniques d'aquarelle. Si je laisse le papier sécher légèrement pour qu'il soit humide, mais encore humide, je peux espérer ajouter une partie de ce treillis dans la couche de base, et je ne suis pas sûr qu'il apparaîtra parce que parfois, peinture sèche beaucoup plus légère que lorsque vous commencez à peindre avec elle. Ce n'est pas grave s'il n'apparaît pas réellement après que cette couche soit sèche. Je vais juste m' amuser et expérimenter la peinture de ces croisements ici en sachant que dans la couche suivante, quand je commencerai à peindre mouillé sur sec, je vais m'assurer de l'inclure. La couche est sèche, je ne peux plus vraiment voir le treillis, ce qui est correct. Maintenant, je vais commencer par la couche humide sur sèche. Comme le précédent, nous avons commencé avec le calque de base, et maintenant nous allons ajouter les falaises et les ombres avec un gris de Payne légèrement plus foncé, la valeur la plus foncée de Payne gris. Bien qu'il soit encore assez aqueux, nous ne voulons pas qu'il soit si sombre qu'il soit opaque. Le gris de Payne peut assez facilement, si vous utilisez des coups de pinceau très pigmentés du gris de Payne peuvent commencer à paraître opaques. Nous ne voulons pas cela, donc nous voulons toujours être assez aqueux. Nous allons juste peindre des falaises et des ombres aléatoires. Cette fois, je garde des lignes droites, je suppose. Au lieu de descendre, côté ou en diagonale toujours, j'essaie toujours de faire cette forme de diamant en zigzag, mais je veux en faire une sorte de texture en treillis, donc j'ai fait quelques rayures horizontales, puis j'en ai fait quelques verticales. Mais remarquez que je n'utilise jamais de lignes droites. Je les rends toujours tordus. Je veux essayer d'imiter autant que possible cette texture croisée tout en la gardant juste, « réaliste », ce qui signifie pour notre montagne utiliser des traits vraiment rugueux, zigzags, ce genre de texture. Maintenant, je vais ajouter de la neige similaire à la couche précédente et je vais simplement sur le côté en utilisant des degrés de pression variables. Je tiens à vous rappeler encore une fois que je n'ai pas vraiment de rime ou de raison ici. En fait, lorsque je peins ceci, je ne regarde pas la photo de référence. Je laisse juste mes mains errer, et si vous essayez cela et que vous trouvez difficile de laisser vos mains errer, vous n'êtes pas seul. Il est difficile de laisser vos mains errer, car votre esprit est essentiellement relié à la recherche de motifs. Il faut de la pratique pour pouvoir peindre de façon aléatoire comme ça. J'ai peint juste un peu de neige à la base. C'est comme un début de printemps, j'imagine, donc il n'y a pas beaucoup de neige sur la montagne, et maintenant je vais ajouter un peu de vert foncé, plus sombre que la couche de montagne précédente que nous avons faite parce que cette couche est plus proche. Juste quelques taches de vert et maintenant j'ai fini. En regardant cela, je pense que j'ai rendu les couches de montagne un peu trop sombres. Je pense que si je devais le refaire, je les aurais un peu allégées pour les rendre un peu plus au milieu du terrain plutôt qu' elles paraissent très claires. Mais dans l'ensemble, je me sens plutôt bien à ce sujet. Merci de peindre cette couche médiane avec moi et passons au premier plan où nous allons peindre le flanc de la colline. 11. Projet : la couche d'avant-plan: fin de compte, nous arrivons au dernier calque où nous allons utiliser nos couleurs les plus vives et les plus vives, ainsi que nos couleurs les plus sombres, et essayer de tout lier ensemble, même si cela signifie inclure des éléments qui n'existait pas sur la photo originale. Je suis vraiment enthousiaste à l'idée de commencer sur celui-ci. Très bien, mon ami, c'est le dernier calque que nous allons peindre sur ce tableau, basé sur la photo de référence, et je pense que ça va être très amusant. Plongeons directement dans le premier lavage. Si vous vous en souvenez, notre plan général était de peindre un léger lavage de vert avec des zones sombres là où les arbres vont se trouver, puis de laisser sécher et de peindre détails humides sur sec afin de rassemblez tout cela. Une chose qui m'inquiétait un peu plus tôt, est que j'avais l'intention de faire descendre cette couche de montagne jusqu'au bout, mais je pense que ça va fonctionner juste pour peindre le vert jusqu'à elle. C'est une ligne plus dure que ce que je voulais vraiment, mais nous allons y aller, surtout parce que les arbres vert foncé vont probablement juste le long de la ligne de crête de montagne juste là. Je pense que ça va s'arranger. La première chose est que nous voulons une couche jaune-vert. Je vais juste mélanger un peu de jaune-vert en sourdine, et j'ai déjà eu ce mélange ici. Si jamais vous mélangez ce jaune-vert, vous voulez qu'il soit un peu plus brun. Assurez-vous simplement d'y ajouter un peu de rouge et cela le rendra légèrement plus brun. J'ai ce jaune-vert et je vais juste peindre avec mon gros pinceau, ce jaune-vert aqueux partout dans mon tableau ici. Je vais laisser des endroits ouverts où je vais probablement mettre des arbres. Je pense que je vais mettre des arbres ici et ici, comme le bas ici, ici, et probablement le long du sommet. Une chose à garder à l'esprit est notre règle des cotes. S'il y a de gros amas d'arbres, je veux qu'il y en ait un nombre impair. Je vais probablement avoir des arbres ici, puis ici, juste en regardant les yeux actuellement. Bien que ce jaune-vert soit encore relativement humide, je veux ajouter un peu de vert légèrement plus foncé dans ces zones, juste pour servir de couche de base pour les arbres que je prévois peindre. Je veux aussi garder à l'esprit que je ne veux pas que ce soit un lavage plat, je veux être assez lumineux, donc je veux qu'une partie du blanc donc je veux qu'une partie du blanc du papier brille à travers. Comme il s'agit de la couche de base, il n'est pas nécessaire d'être parfait. C'est assez désordonné, et ça va très bien se passer. J'ai fait un autre calque pour ajouter un peu plus de jaune-vert et d' ajouter un peu plus de vert foncé et le vert foncé a dépassé le jaune-vert, qui n'est pas comme ça sur cette photo de référence, mais je le creuse. Je pense que tout va bien se passer. C'est un autre cas où je suis entré dans ce tableau en pensant ça allait aller dans un sens et que ça allait se passer d'une autre façon et ça va aller, je vais courir avec ça. Le plus important, c'est le contraste. Au lieu d'avoir des poches de vert foncé pour les arbres, je vais faire en sorte que les arbres vert foncé soient l'événement principal, et qu'il y ait plutôt des poches de cette herbe vert clair qui va dans la scène. Une autre chose qui est différente, c'est dans la scène photo de référence, le flanc de la colline monte dans la montagne comme ça et nous l'avons fait plus à plat. Je ne l'ai pas vraiment fait intentionnellement, c'est quelque chose que je pense que je viens de peindre, puis je n'ai pas réalisé que c'était différent avant , mais c'est bon. C'était un moyen de simplifier les choses et de rendre cette scène amusante à peindre. Si cela vous est arrivé, si vous réalisez que vous avez fait les choses un peu différemment, sachez que c'est normal, c'est bon. Cela ne veut pas dire que vous avez ruiné ce tableau et continuons. Je vais maintenant ajouter quelques détails. Voici mon vert foncé, je veux que ce soit le plus sombre. Parce que je veux que ce soit plutôt sombre, je veux une utilisation assez diluée du gris de Payne. Voici mon papier à gratter. On dirait que Payne est gris. Je vais y ajouter un peu plus jaune pour le rendre plus vert. Ça a l'air un peu plus vert. Peut-être un peu rouge pour le rendre un peu plus brun. Ça a l'air plutôt bien. Je vais utiliser ce vert foncé pour faire essentiellement la même chose que sur la montagne. Juste les arbres vont être un peu plus gros, et par les arbres, je veux juste dire que j'utilise l'empreinte du pinceau, signifie que lorsque je pose les poils, ce qui signifie que lorsque je pose les poils, c'est le résultat. J'ai parsemé beaucoup d'empreintes de ce pinceau de petite taille zéro afin d'obtenir juste l'ambiance. J'essaie juste d'avoir l'humeur ou le sentiment derrière avoir plein d' arbres regroupés ici. Je ne veux pas qu'ils soient tous en ligne. Je veux qu'il y ait de petites poches de vert clair en dessous, mais je veux quand même qu'elles aient l'air assez groupées. Honnêtement, c'est ce que je vais faire pendant un moment. Je viens de poivrer ces arbres dans cette étendue verdoyante. Si je peux rendre ce vert un peu plus sombre en ajoutant des peintures grises et en ajoutant des arbres contrastés même sur ces couches. Honnêtement, j'en ai presque fini avec les arbres. Je remarque qu'il y a trois tons différents d'arbres ici. Il y en a un peu plus jaune-vert, certains de ce vert foncé basique que nous avons utilisé. Ensuite, quelques-uns qui sont un peu plus peints en gris, et avoir tous ces calques construits les uns sur les autres apporte de la profondeur dans cette scène. Même si nous n'avons même pas vraiment peint d'arbres, nous avons juste peint de petites empreintes de pas de cette taille, d'un pinceau zéro et de petits points partout, on dirait toujours que c'est un vaste arbre qui coule dans cette herbe. zone. Une chose qui va vraiment rassembler parce qu'elle pourrait aussi ressembler si vous la regardez du point de vue comme si vous ne regardez pas la photo de référence et que vous la regardez simplement, ça pourrait ressembler à une herbe très proche. Une façon de resserrer cette perspective consiste ajouter cette route sur la photo de référence. Je vais utiliser un peu de chaux et mélanger avec un peu de ce qu'il y a sur ma palette pour faire cette route hors du blanc. Je mélange de la gouache. J'ai mangé un peu d'orange ici. C'était très léger, juste quelques couleurs. J'ai mélangé la gouache était juste un peu jaune et un tout petit peu de rouge, ce qui a fait que la gouache ressemblait presque à un bronzage. J'ai utilisé cette gouache bronzée pour peindre cette route. De toute évidence, je n'ai pas vraiment la colline et les calques qui se trouvent sur la photo de référence. J'essaie de le reproduire autant que possible. J'ai remarqué cette fourche dans la route, je pense que sur la photo de référence c'est un peu plus au milieu. J'ai essayé de me rapprocher au moins cette règle de l'intersection des tiers ici. C'était donc un point d' intérêt où cette fourche sur la route s'est produite. Une fois de plus, je n'ai pas aimé copier la route exactement. Je remarquais juste qu'une partie de ça se passe de cette façon, partie de ça va de cette façon, puis il se fourche et ces torsions. Je viens de créer intuitivement la route de cette façon. J'ai également ajouté un petit tronçon de la route ici juste pour quelques variations dans la scène. En général, faire entrer et sortir des sujets peut être très intéressant selon la façon dont vous l'utilisez, c' est quelque chose que j'ai fait. Je pense qu'une dernière chose je vais faire pour cette pièce, n'est pas du tout sur la photo de référence, mais j'aime les ajouter à de grands paysages comme celui-ci, c'est que je vais ajouter quelques oiseaux en utilisant un très petit, mon pinceau dip size zéro et j'utilise la règle des cotes et la règle des tiers comme guide. Je suis en train de peindre quelques-uns. En général, lorsque je peins des oiseaux, je fais un V avec une petite tête et une queue, ou je fais un V à l'envers avec la tête baissée comme ça et une queue comme ça. Ensuite, je vais faire en sorte que certains d'entre eux soient comme au loin , donc ils ressemblent davantage à des points ici. C'est 1, 2, 3, 4, 5, 6. Maintenant, si je veux un numéro impair, je vais avoir un B ici. Je change d'avis. Maintenant, ils ressemblent trois grappes et je veux ils aient un peu plus de flux vers eux. J'ajoute d'autres oiseaux et peut-être qu' on va juste les faire ressembler cette lignée d'oiseaux ensemble. Comptons maintenant 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13. Peut-être juste deux autres ici. Encore une fois, je ne veux pas qu'ils soient séparés uniformément. Je veux qu'ils aient une certaine asymétrie de variation, mais ils ont encore un peu de flux vers eux. Il y a maintenant 15 oiseaux de tailles différentes, de formes différentes, et c'est un excellent moyen terminer ce tableau. Je vais faire la partie la plus satisfaisante maintenant, enlever la cassette. Pendant ce temps, je vais parler de ce qui reste pour ce cours. De toute évidence, les choses ne se sont pas déroulées exactement comme prévu. Cette photo de référence, nous ne correspondons pas exactement à la photo de référence, mais c'est exactement à quoi sert la leçon suivante. Dans la leçon suivante, je vais essentiellement comparer, analyser ce qui s'est passé, déterminer s'il y a quelque chose qui s'est passé de façon inattendue que j'ai aimé. S'il y avait des choses inattendues qui se produisent que je n'ai pas aimé. Parce qu'en fin de compte, c'est une pratique. Nous étudions simplement comment peindre des paysages. C'est une grande partie de mes photos de référence qui sont utiles. Au lieu d'être sur moi-même pour la façon dont cela ne s'est pas déroulé exactement comme je le voulais, je vais juste y arriver avec un objectif, moralement neutre. C'est ce qui s'est passé. C'est ce que j'ai aimé. C'est ce que je n'ai pas aimé et voici comment je vais aller de l'avant. Nous allons en parler dans la prochaine leçon. Avant cela, je vais juste le signer ici. Vous devez toujours signer votre travail. Ça vous donne l'impression d'être un vrai artiste et j'en ai fini. Je vous verrai dans la prochaine leçon, mon ami. 12. Autoévaluation et indulgence: [MUSIQUE] Mon ami, c'est fini. Vous avez fini le tableau. Vous avez effectué toutes les couches et exécuté toute votre planification, et devinez quoi ? Cela ne s'est probablement pas déroulé exactement comme vous le pensiez. Vous ressentez peut-être beaucoup de choses différentes en ce moment. Je sais que je ressens généralement toute une pléthore d'émotions, surtout après avoir fini un tableau qui me tient vraiment à cœur. La première chose que je veux que vous fassiez c'est de vous inviter à vous asseoir avec vos sentiments et à vous laisser les sentir. Même si vos sentiments le sont, vous détestez vraiment ce que vous avez fait, ou que vous êtes vraiment frustré par votre manque d' habileté ou tout autre sentiment négatif, il est normal de vous laisser les ressentir. Ce qui n'est pas correct, c'est de transformer ces sentiments négatifs en honte, c'est de transformer ces sentiments négatifs en histoires sur vous et sur votre valeur en tant qu'artiste. Parce que je suis ici pour vous dire, mon ami, votre valeur en tant qu'artiste est infinie et cela n'a rien à voir avec la façon dont cette peinture s'est déroulée ou la façon dont une peinture se déroule. C'est parce que la créativité n'est même pas une question de peinture. Il ne s'agit même pas du résultat final. La créativité est une question de processus. Il s'agit de la façon dont la création vous fait ressentir, de ce que vous ressentez d'être vivant et comment elle peut ralentir votre esprit et vous aider à vous souvenir, oui, c'est ce que c'est que d'être dans le flux. C'est ce que c'est d'être un artiste et de créer quelque chose qui n'existait pas auparavant. Ce sentiment peut arriver même si vous avez peint le pire tableau de l'histoire de l'humanité. Vous pouvez toujours capturer ce sentiment magique qui se produit lorsque vous créez quelque chose qui n'existait pas auparavant. Peu importe ce que vous ressentez, félicitations, j'espère que vous êtes fier de vous parce que vous l'avez fait. Vous avez créé quelque chose qui n'existait pas auparavant, et c'est plutôt incroyable. Maintenant que ce petit discours est hors de portée, vous pouvez, si vous le souhaitez, regarder votre tableau et essayer déterminer où vous voulez aller ensuite. Parce que s'il est important de savoir que vous avez permission de profiter du temps que vous avez peint indépendamment de façon dont votre peinture s'est déroulée, c'est ce qu'on appelle la compassion personnelle, au fait, lorsque vous donnez-vous la permission d'être humain et de trouver le pouvoir d'être humain et de toujours grandir, il est normal de se pencher sur la curiosité. C'est là que nous commençons à regarder notre peinture avec un œil critique, non pas un œil critique négatif, mais avec un œil critique constructif, afin que nous puissions comprendre ce que nous voulons faire ensuite. Je vais le faire avec mon tableau et je vous invite à vous joindre à moi. Prenons cette analyse objective couche par couche. Pour rappel, cette analyse nous allons d'abord examiner les différences réelles moralement neutres, il n'y a ni bien ni mal. Nous essayons simplement de voir où ma peinture est différente de la photo de référence. En termes de couche par couche, on dirait, évidemment, que j'ai ajouté des oiseaux. Il s'agit d'un élément qui n'existe pas sur la photo de référence. Je l'ai fait parce que j'aime ajouter des oiseaux aux tableaux. Je pense qu'une autre grande différence avec le ciel est que les nuages sont assez définis dans la photo de référence, et dans ma peinture, les nuages et le ciel sont très subtils, très légers. On voit à peine la différence entre le bleu et le blanc ici. Si je voulais rendre les nuages un peu plus clairs, j'aurais pu ajouter les nuages en gouache blanche au lieu de faire ce que j'ai fait, ce qui a été laissé derrière les espaces blancs, ou j'aurais pu faire légèrement le ciel. plus foncée, puis, plus intentionnellement, soulevez-la avec ma serviette pour créer des bords plus nets ou soulever plus de pigment. Ce sont des choses que j'aurais pu faire si je voulais atteindre cette différence flagrante entre les nuages et le ciel. C'est une chose à laquelle il faut penser. Passons à la prochaine couche de montagnes. Je pense que la plus grande différence entre la photo de référence et la montagne est la valeur des couleurs. Les valeurs de couleur ici sont plus claires que les valeurs de couleur ici. C'est quelque chose que j'ai noté pendant que je peignais. Je me souviens que j'ai dit : « J'ai rendu cette montagne un peu trop sombre pour la couche de base. » C'est pourquoi il s'est avéré un peu plus sombre que prévu. La façon dont je le ferais différemment si je voulais le rendre plus léger est simplement d'ajouter plus d'eau au pigment, peut-être d'avoir moins peur de faire de cette couche la même valeur de couleur que cette couche à d'abord. Parce que, n'oubliez pas lorsque vous peignez de la lumière à l'obscurité, alors lorsque vous peignez la première couche puis que vous montez, c'est normal si la première couche est trop légère, si elle est plus légère que prévu parce vous pouvez peignez toujours plus foncé si vous en avez besoin. Je pense que c'est quelque chose que je viens d'oublier ou de ne pas penser. Je pense que c'est la principale différence, est dans quelle mesure la valeur de couleur de ma peinture est sombre par rapport la valeur de couleur de cette peinture. De plus, il y a évidemment un peu plus de détails sur la montagne. Les miens ne sont pas aussi précis, ils sont un peu lâches. Mais je pense en fait que je suis allé plus de détails que je ne l' avais prévu avec certains de ces arbres ici. C'est intéressant de penser à ça. Je suppose que cela va dans la couche suivante, donc nous allons simplement aller de l'avant et le faire. Dans la dernière couche de premier plan, le flanc de la colline monte dans la montagne car cette montagne est très éloignée. Sur la photo, au premier plan de l'avant de la colline par rapport à l'arrière de la colline, il y a beaucoup de différence. En termes de valeur de couleur également, vous pouvez voir que la colline est beaucoup plus lumineuse ici, alors qu'ici elle est plus discrète et cela indique la distance. Ce n'est pas quelque chose que j'ai pris en compte. J'ai accidentellement traversé la montagne. C'est une de ces choses quand vous peignez qui arrive, puis vous réalisez et vous allez avec le flux. C'est l'une des différences. Une autre différence est que je pense que ces arbres sont regroupés un peu plus concis et que le vert clair prend plus d' espace oculaire sur la photo que dans la peinture. C'est quelque chose dont nous avons parlé pendant que je peignais. Je l'ai fait involontairement, mais j'ai ensuite couru avec ça comme je l'ai fait avec la plupart des choses. Je pense que ce sont là les plus grandes différences objectives entre la photo de référence et mon tableau. Certains d'entre eux sont des différences que j'ai planifiées, d' autres sont des différences que je n'avais pas planifiées. Revenons maintenant pour que vous puissiez voir mon visage et nous parlerons plonger plus loin dans cette auto-évaluation et d'aller plus loin dans esprit pour que vous vouliez pratiquer cela encore plus. sans se sentir coincé. J'ai une dernière chose à partager avec vous lors cette leçon d'auto-évaluation avant de partir. Avant de passer à autre chose, avant de mettre de côté le tableau et de tourner votre regard vers autre chose, je veux que vous réfléchissiez à deux choses importantes. Tout d'abord, je veux que vous réfléchissiez à ce que vous avez aimé dans ce tableau. N'oubliez pas que la créativité est liée à l'expérience. La créativité est une question de processus. Un facteur très important déterminer si vous allez continuer ou non ce processus est vous souvenir de tous les sentiments merveilleux, heureux et magiques que vous avez éprouvés. Lorsque vous pensez à ce que vous avez aimé, vous pouvez certainement penser aux résultats. Vous pouvez penser à quelque chose dans votre tableau qui s'est avéré magnifique, peut-être quelque chose que vous espériez arriver, produit ou peut-être même quelque chose que vous ne saviez pas qu'il allait se produire, et c'était vraiment génial. Il est important de penser aux résultats. Je veux que vous vous souviez des résultats dont vous étiez vraiment satisfait, car je suis sûr que vous pouvez trouver au moins une chose. Mais je ne veux pas que vous vous concentrez uniquement sur les résultats. Je veux aussi que vous réfléchissiez à votre expérience, quels moments pendant que vous peignez allez-vous chérir ? Quels ont été vos points forts pendant le processus créatif que vous pouvez conserver pendant que vous continuez votre parcours créatif ? Ce sont les choses dont je veux que vous vous souviez. Pensez à ce que vous avez aimé, puis réfléchissez à ce que vous avez appris. Je pense que la critique constructive est une expression qui est utilisée tout le temps de manière à vous aider à recevoir des commentaires négatifs d'une manière un peu plus agréable. Honnêtement, je veux simplement supprimer toute l'idée de la critique en général et en faire une expérience d'apprentissage. Au lieu de regarder tous les défauts de votre peinture, dans le clip précédent, nous avons examiné toutes les différences que j'ai pu trouver dans ma peinture, mais vous verrez que je n'ai jamais vraiment nommé aucune de ces erreurs. Je pense que chaque fois que vous faites quelque chose qui ne se passe pas prévu, c'est l'occasion d' apprendre quelque chose et d'explorer encore plus. Je veux que vous réfléchissiez à toutes les choses que vous avez apprises au cours de ce processus. C'est peut-être quelque chose que vous avez appris qui était excitant, et c'est peut-être quelque chose que vous avez appris qui était un peu décourageant. Peut-être avez-vous appris que vous n'allez pas prendre une pièce particulière dans le prochain projet avec vous, et c'est bon. Quoi qu'il en soit, cet exercice vise simplement à recadrer l'idée de critique en une opportunité d'apprentissage. J'espère que trouver quelque chose que vous avez aimé et trouver quelque chose que vous avez appris est une pratique que vous pouvez intégrer et cela aidera votre processus créatif. J'apprécie vraiment que tu sois ici avec moi. [MUSIQUE] 13. Réflexions finales: [MUSIQUE] Eh bien, merci beaucoup d'avoir regardé ce cours avec moi. Merci beaucoup de peindre avec moi et d'avoir fait ce voyage avec moi. Honnêtement, créativité et paysages aquarelles et aquarelles, ce monde entier n'est pas quelque chose que je m' attendais à remettre pour ma carrière. Mais je suis très reconnaissant de l'avoir fait, non seulement à cause de l'impact créativité dans ma vie, mais aussi parce qu'elle me connecte à des gens comme vous. Merci beaucoup d'être ici. Si vous voulez partager votre travail avec moi, j'aimerais le voir. N'hésitez pas à le poster dans la galerie du projet, et je vais certainement partager mes commentaires et commentaires avec vous. N'hésitez pas à poster sur Instagram et à me taguer. Ma poignée est ce bureau. J'ai vraiment adoré passer par les gens qui ont suivi mon cours et leur donner un travail bien mérité bien fait, un million d'emojis de cœur, vous avez peint quelque chose de beau. Si vous avez l'impression que vous avez juste besoin d'un peu de validation que ce que vous avez fait est réellement arrivé, je suis là pour vous, mon ami. Quoi qu'il en soit, du fond du cœur, je suis tellement content que tu sois là. J'espère que vous continuez à peindre. J'aimerais vous voir dans d'autres classes. ici là, on se voit la prochaine fois. [MUSIQUE]