Mouvements de l'art moderne du 20e siècle : De l'impressionnisme au cubisme

1. Introduction: Bonjour, les gars. Et avant de plonger dans le contenu du cours, s'il vous plaît dites-moi, avez-vous déjà été dans une situation où vous voyez un tableau célèbre sur Internet ou dans une galerie ? Et ça semble très familier. Mais vous savez, ni le nom de la peinture maintenant le peintre ou probablement votre à un événement intéressant, et les gens autour de vous parlent de l'art moderne. Ils ont mentionné les noms des artistes dont tout le monde a entendu parler. Mais vous ne pouvez pas maintenir la conversation parce que vous confondez juste entre l'impressionnisme et post-impressionnisme. Vous pouvez difficilement comprendre la différence entre l'Art Nouveau et l'art qu'ils appelaient obstructionnisme et le terrorisme, sans parler de tous les autres ISM ou du XXe siècle. En effet, la société d'aujourd'hui oblige à suivre les technologies de la mode moderne, cinéma et, bien sûr, l'art moderne. C' est pourquoi nous avons créé ce cours dans lequel nous allons couvrir tous les grands mouvements et styles de l'art moderne, à partir de l'impressionnisme et aller pour le prix Art pour le Cubisme visible, Dada, Expressionnisme abstrait et l'art de la performance optique. Dans chaque conférence, nous allons vous montrer les peintures les plus importantes et parfois même les projets architecturaux , qui sont devenus les points de repère dans le développement de l'art au XXe siècle, vous apprendrez les différences entre les différents nous-mêmes et les mouvements, et il fera également connaissance avec les principales personnalités qui ont créé ces chefs-d'œuvre , dont Manet, Gauguin, Bongo, Gowdy, Suzanne Cleaned et beaucoup d'autres ont passé une heure de congé pour suivre ce cours et devenir plus confiant que vous êtes dans une petite discussion sur l'art moderne. Le cours sera régulièrement mis à jour avec les conférences, alors assurez-vous de vous inscrire maintenant et de voir à l'intérieur du cours. 2. Impressionisme. Arrière-plan historique.: l' un des principaux mouvements artistiques qui ont eu un impact énorme sur le développement de l'art moderne . Et cette question vieille de siècles la perception classique du fort était l'impressionnisme. Pour comprendre les origines de l'impressionnisme, nous devons examiner rapidement le contexte historique. À cette époque, la France était la capitale culturelle de l'Europe et le jour de l'Académie Bouza dominait l'art français. Ils m'ont gardé à préserver les standards traditionnels de la peinture en termes de contenu et de style. Ce qui était important et apprécié au cours de la période classique était la représentation réaliste d' événements ayant une signification historique ou religieuse. Les peintures d'art classiques montreraient des scènes de bataille de l'histoire ou des histoires d'Asie, Grèce et de Rome. représentations ou des personnalités célèbres de l'histoire étaient également courantes. Les peintures dans ce style classique semblaient réalistes. Les coups de pinceau ont été soigneusement atterris hauteur des orteils, la main de l'artiste dans les couleurs de peinture ont été tonifiées, et parfois un vernis doré a été appliqué. Cependant, si la scène culturelle de l'époque reposait principalement sur des fondements classiques, l'environnement politique, social et économique en Europe évoluait de façon spectaculaire. Le milieu du XIXe siècle fut une époque de changement dans le contexte politique. Il y a eu un certain nombre de guerres et de révolutions européennes, qui ont conduit à l'institution d'une sorte de proximité démocratique précoce dans les monarchies européennes du point de vue social et économique, ce n'était pas dans le monde hors industrialisation et urbanisation avec la montée de la classe moyenne dans les villes. Il était donc évident que le monde changeait, et les artistes et les intellectuels qui se sont rassemblés dans configurable à Paris voulaient capturer les transitoires de ce monde qui les entoure. Ils ont été déçus par l'école classique au large de la continuelle Boza, qui reposait sur des événements historiques importants et la mythologie. Et ils ne voulaient pas non plus suivre des rassemblements qui étaient plus soucieux de représenter les millions politiques et sociaux de l'époque. Au lieu de cela, l'impression est d'essayer de représenter une impression visuelle de ces moments changeants et éphémères , en adoptant une approche complètement différente pour capturer la réalité. Ces nouvelles autorités ont été impressionnistes au début, commencé à violer les règles de la peinture académique et ont été considérées comme des radicaux par beaucoup de gens. Au début, 3. Edouard Manet: probablement le premier artiste qui a joué un rôle important dans le développement de l'impressionnisme fut Edouard Manet. Ses peintures présentaient des sentiments anti-académiques et semblaient trop provocateurs pour le public. Jetons un coup d'oeil à sa peinture, au déjeuner sur l'herbe. Pourquoi cela semble-t-il si provocateur ? Et pourquoi a-t-il irrité le public ? Parce qu'avant mon nom, il n'était possible de peindre la nouvelle femme que si elle était une sorte de mythologie. J' ai ça. Mais dans ce tableau, l'argent représentait évidemment une femme ordinaire qui était Newt et qui passait juste du temps avec d'autres hommes ordinaires. Ainsi, tout le monde pouvait voir non pas un mythe, mais la scène d'une vie ordinaire que tout le monde voulait cacher. Mais l'argent l'a révélé. Une autre chose qui a été provocatrice est que cette femme nue regardait droit dans les yeux du public. Avant mes très peu de personnages dans les peintures regardaient directement le public. Ils regardaient généralement de côté ou quelque part dans l'espace, donc c'était une sorte de choc pour les téléspectateurs. L' argent a continué à remettre en question et a rompu la perception traditionnelle de quatre ans après trois ans. En 18 65, il a présenté un autre tableau, Olympia qui a encore montré une femme ordinaire couchée nue sur le lit. La peinture a certains symboles. Nous montrons que cette femme n'est certainement pas une déesse. C' est un noir obtenir sur la droite, une fleur d'orchidée près de la femme ici, qui est un symbole du désir et vu, et le cou plié sur le cou, comme si je disais que je suis un cadeau pour vous. Le déjeuner sur l'herbe et l'Olympia a ouvert la nouvelle page de l'histoire de notre où beaucoup choses étaient maintenant permis. Sans ces peintures, toutes les autres expériences n'auraient pas été possibles. peintures de Monet, cependant, n' étaient pas seulement provocatrices, mais elles se concentraient aussi davantage sur la texture, ton et la couleur que sur la tradition. Concepts hors perspective pour ça, et il est un bar au Folies Bergere. Là, il essaie de capturer le mouvement de la foule de gens dans la salle de concert puis lustre pendant. Et il le fait par la technique de flou, qui utilise des coups de pinceau épais et forte saturée. Voici le fond de cette peinture est en fait le reflet dans le miroir, et nous pouvons voir le reflet de l'homme qui achète quelque chose dans la salle de concert cantine. Cela signifie probablement que la personne qui regarde la femme est le peintre lui-même, et il a voulu capturer ce lundi, une occasion dans sa peinture. Bien que beaucoup ne se soient jamais identifiés hors du groupe central de l'impressionniste, il a beaucoup inspiré ses membres clés en soulignant l'importance de la texture, pilote et de la manipulation artistique dans la transmission du sens. 4. Term « Impressionisme ».: Alors, comment l'impressionniste est-il devenu connu ? La première mention toux ce terme A guéri en 18 74 lors de leur première exposition indépendante à Paris, avec des peintures de Camille Pissarro, Berthe Morisot et Edgar Degas, le spectacle a eu lieu au studio du photographe sur Boulevard. Ils ont gardé Racine, et il y avait 165 tableaux. Tout à fait. Le bâtiment était moderne, et les peintures étaient modernes aux images de la vie ordinaire peintes de telle sorte que de nombreux visiteurs pensaient qu'ils étaient inachevés et, en passant, les œuvres étaient en vente. La plupart des artistes étaient inconnus du public, et ils se nomment la Société anonyme des peintres, sculptures, graveurs, dit-il, essayer l'un des critiques d'art qui a visité le spectacle a écrit un revue satirique dans son journal et a appelé le spectacle Exhibition Off Impressionnists, inspiré par la peinture de Claude Monet, qui a été appelé Impression Sunrise en appelant que le critique veut discréditer leurs œuvres. Mais au lieu de cela, il a inventé leur identité et leur nom 5. Claude Monet: qui devint plus tard l'un des plus célèbres impressionnistes. Il a utilisé la couleur brisée, ce qui signifie qu'au lieu d'utiliser de la peinture brune en uniforme pour peindre la surface brune, l'artiste en crée de nouvelles avec des traits sur d'autres couleurs, comme le rouge, bleu ou le jaune. De loin, la surface semble brune , mais regardez de plus près et vous allez armer toutes les variations. Le résultat final peut apparaître comme une vibration de couleur lorsque vos yeux sautent entre toutes les différentes couleurs, créant ainsi un mélange optique de couleurs. Lorsque vos yeux sont particuliers, mélanger deux couleurs distinctes et voir diverses années. Si vous regardez de près la pile de grain moins, vous pouvez voir toutes les différentes couleurs utilisées pourpres, jaunes, rouges, oranges et bleus. Et c'est une autre marche à l'ouest de TRATA quand ils ont utilisé des jaunes, des oranges, des bleus et des crèmes pour peindre la texture de l'arc. Il a également représenté la réflexion du soleil sur les vagues d'une manière très volatile et incohérente de l'eau de mer peignant les bleus, les verts, les jaunes et l'engouement. Cette technique de couleur brisée, a permis de montrer l'essence transitoire et volatile de la vie. C' est le conseil qu'un autre Impressionniste venu, Pissarro, donne sur la façon de payer dans le travail paysager en même temps sur le sol des branches d'eau du ciel , tout en gardant sur une base égale. N' ayez pas peur de mettre la douleur de couleur généreusement et sans hésitation, car il est préférable de ne pas perdre la première impression. 6. Manet ou Monet: vous pouvez vous demander comment est -il possible de faire la distinction entre les autorités et les travailleurs et les tribunaux ? Pour l'instant ? Eh bien, il est assez simple de l'argent avec un plus concentré sur les gens où son argent avec vieux concentré sur la lumière et la couleur et les gens dans la plupart de ses peintures sont comme dans le fond comme un ajout au paysage là-bas. Nous avons presque jamais utilisé la couleur noire comme d'autres impressionnistes, tandis que beaucoup avec un ne se considérait pas comme un impressionniste, et donc il a utilisé la couleur noire. 7. Japonisme. En plein air.: il est tout à fait probable que impressionniste et un, surtout où en quelque sorte inspiré par l'art japonais, qui est devenu très populaire en Europe dans la seconde moitié du 19ème siècle, il est connu que l'argent recueilli de grandes quantités de bois japonais dans sa maison à Giverny. Comme beaucoup d'autres artistes, l'argent considère que la culture japonaise est très artistique. Je préfère les paysages veep japonais, les vues. Nous pouvons voir comment le sujet encadrant les peintures hors Impressionniste semble refléter celui des blocs de bois japonais, bien que la technique de peinture soit complètement différente, bien sûr. Claude Monet a également introduit la technique, appelée Oncle and Air, qui se traduit comme en plein air et qui veut dire qu'il aimait peindre à l'extérieur en utilisant des douleurs tubulaires, qui venaient d'être inventées. Peinture à l'air libre a permis Matin et autres Impressionniste de capturer les mouvements dans la nature plus précisément, et il était complètement différent des étudiants et artificialité hors. Le syndicat des artistes achète même un petit monde, qu'il utilise souvent comme atelier de peinture. Autre impression est commencé à utiliser le système de façon folle de développement rapide pour voyager à la campagne avec les peintures de tube et les toiles dans la recherche d'inspiration, Un des exemples les plus brillants hors de la technique de la clinique de zone. Ses minutes. Quels sont vraiment sérieux, qui contiennent environ 250 peintures à l'huile ? 8. Pierre-Auguste Renoir.: accord, Donc, ce que nous devrions également mentionner est que tous les impressionnistes préfèrent peindre la nature, bien que pure. August Reynard, par exemple, qui a été un autre pionnier de l'impressionnisme, est célèbre pour représenter la vie urbaine parisienne ainsi que des personnages féminins. L' une de ses peintures les plus réputées est la danse. Il montre une foule de gens qui dansent et chantent à la belle marque qu'il utilise ensemble des coups de pinceau et des couleurs vives pour donner un sens énergique de la cour et utilise un peu photographie, floue et de recadrage. 9. Recadrer et concentrer le centrage dans l'impressionnisme.: avant la composition impressionniste dans les peintures était assez traditionnelle et prévisible. Les différents éléments de peintures mèneraient votre regard vers le point focal. L' impression est, cependant, cependant, mettre des points focaux dans des endroits plus inattendus et a commencé à recadrer des peintures sur l' influence du site , très probablement par ce que les photographes hors Ce temps nous faisons, vous pouvez voir le techniques de culture dans les hippodromes de Vegas, par exemple, où il élimine complètement les parties des écrivains ou des chevaux. 10. Attitude publique sur l'impressionnisme: le public était d'abord hostile et désapprouvant. De l'Impressionnisme regarde hors. Les gens n'aimaient pas les nouvelles peintures car elles avaient l'air plutôt désordonnées et tout simplement inachevées, pensaient les gens, ou ça devrait être plus propre. Et le sujet dans l'art devrait être plus important que les scènes de tous les jours. Peu à peu, le grand public a commencé à apprécier l'impression est une vision fraîche et originale, qui reflétait le monde qui changeait si rapidement. à la fin du siècle, Maisà la fin du siècle, c'était surtout pour le grand public. Mais la plupart des critiques d'art et des établissements d'art continuent de désapprouver le nouveau style pendant de nombreuses décennies. Au cours du dernier quart du XIXe siècle, Impressionniste a tenu un certain nombre de ses propres expositions, victoire finale a été remportée. Le siège a eu lieu en 1886 et il était évident que les artistes commençaient à développer leurs propres styles et techniques, comme le point à la raison de George Seurat. Cette nouvelle approche sera plus tard connue sous le nom de Mouvement Post Impressionnisme, qui discutera lors de notre prochaine conférence 11. Résumé de l'impressionnisme.: Ainsi, pour résumer, Impressionniste prépara le monde de l'art à des déviations futures des représentations traditionnelles et commença à s'incliner vers l'abstraction, qui deviendra importante dans le siècle à venir. Les principales caractéristiques de l'impressionnisme étaient la distance suivante de la peinture académique qui se concentrait sur les événements importants, se concentrant plutôt sur les transitoires hors de la vie, moments éphémères et les choses ordinaires. Personnes dans les lieux L'inclusion hors mouvement est un élément crucial de la perception et de l' expérience humaines . Angles visuels inhabituels. Yusof Techniques de peinture nouvelles et différentes brisées coups de pinceau hors, mélangés et purs sur mélange de couleur non mélangée en douceur ou ombragée. Il était client à cette époque pour obtenir un effet de vibration de couleur intense peinture très épaisse et rapidement Utilisation d'effets photographiques comme le recadrage peut floue, ce qui rend l'image moins réaliste et plus comme un reflet de la façon dont les champs de l'artiste. Les images sont généralement avec moins de détails, comme un aperçu de ce qu'ils sont donc attention à la lumière, et c'est changer les qualités, texture et la couleur. Les couleurs sont généralement vives et vibrantes. Impression est très rarement utilisé colliers noirs. Si beaucoup de photos ont été prises, nos portes étaient impures là-bas avec l'utilisation de quelques douleurs nouvellement inventées, et voici l'artiste principal hors de l'impression est le mouvement. Ce n'est pas tout l'Orient, bien sûr, influencer le développement de l'impressionnisme. Il a peint des objets du quotidien Community Cero et Alfred Sérieusement peint la campagne française , et trois autres scènes ont apprécié la peinture des danseurs du ventre et des courses de chevaux. Il y a plus facilement des femmes peintes qui font des choses quotidiennes Auguste Renoir aime montrer l' effet de la lumière du soleil sur les fleurs, les figures et la cour. Mona s'intéresse aux changements subtils de l'atmosphère et de la lumière. Il y a eu beaucoup d'impressionnistes, et beaucoup d'entre eux auront de nombreuses peintures qui sont maintenant dispersées dans le monde entier. Donc je vous suggère de vérifier donner. Il y a une certaine impression de galeries dans votre ville ou région et en attendant, voir la prochaine conférence. 12. Le post-impressionnisme. Georges Seurat. Pointillism.: dans les conférenciers précédents qui ont appris comment impressionniste a changé la perception de la façon dont ils défient les écoles classiques, une représentation réaliste des événements religieux et historiques et a plutôt proposé des scènes de la vie ordinaire avec commune les gens et les lieux. Ils ont également utilisé de nouvelles techniques telles que la couleur cassée, floue peut recadrer, et nous pouvons dire qu'ils semblent être plus créatifs en proposant différentes idées sur la façon dont peinture pourrait ressembler. Donc, pour le raccourcir, Impressionniste a préparé le monde artistique pour d'autres expériences en peinture. Dans cette conférence, nous allons nous familiariser avec de nouvelles personnalités qui ont amené les frontières de l'art encore plus loin et ont dit la scène des mouvements révolutionnaires d'art moderne du XXe siècle. Dans les années 18 80, impressionnisme a commencé à sortir de l'impasse, et les jeunes artistes tentent de repenser le style populaire, le développer et de trouver de nouvelles techniques. Ce n'est pas la dernière exposition d'Impressionniste en 1886 que le mouvement post-impressionniste jette ces bases. L' un des premiers artistes à présenter son propre style de peinture, différent de celui de l'impressionniste, fut George Sarah, fut George Sarah, qui introduisit sa technique pointilliste dans l'une de ses plus grandes œuvres, appelées Dimanche après-midi sur l'île au large de Grand Doctor en point. Les artistes du tourisme utilisent des couleurs et des sujets similaires à l'impressionnisme, mais ils sont coups de pinceau sont différents. C' est la principale différence entre le pointillisme et l'impressionnisme. Sarah, dans sa mort de La Granja, placé de très petits points de couleurs pures côte à côte pour créer une image plus grande. Il est très similaire à ce que nous appelons cellules de porc sur nos écrans aujourd'hui d'un pour la peinture montre scène tout à fait typique, tout comme toutes les autres impressions peintures. Cependant, si vous vous rapprochez de la toile, vous pouvez voir des petits points séparés de couleurs individuelles, ce qui entraîne un effet chatoyant, comme lorsque vous ressentez une journée chaude et ensoleillée. Ces vibrations de couleur créées par ces points de couleur ont été décrites par Sarah est néo-impressionnisme , et ses idées ont inspiré un certain nombre d'artistes contemporains qui constitueraient le mouvement post-impressionniste , même communauté. Plusieurs qui a été l'un des fondateurs de l'impressionnisme, soutenu George Sarah dans le tourisme de point et continuent à peindre en utilisant ces techniques pendant cinq ans dans le tourisme de point. Les points sur la peinture peuvent être grands, comme dans Paul Signac épines sur le dessus. Nous sommes très petits, presque invisibles, comme dans les modèles George Cerise. L' une des œuvres les plus chères du point le moins est The Painting of George Legrand, qui a été vendu en 1999 pour 32 millions de dollars. 13. Paul Cezanne.: un autre représentant de Post Impressionnisme sondage. Suzanne était sympathique avec citation chaque fois que Pissarro venait dans les peintres impressionnistes et même utilisé pour montrer ses peintures dans les expositions impressionnistes. Mais après un certain temps, il est encore devenu tout à fait différent des leurs, des impulsions et a décidé de se concentrer sur les formes géométriques et les contours audacieux. Il continua à peindre de la nature, mais il finit une sorte de figure dans ses œuvres. Il tenta de classer structurellement ce qu'il voyait, et il simplifia les formes des objets en formes simples. Par exemple, il serait dans l'arbre comme une colonne. Contrairement à de nombreux artistes qui se sont concentrés sur un ou deux, les sujets disent non peints. Pourtant, paysages de la vie dépeints et les scènes nues dans sa grande saison des meilleures offre une interprétation moderne d'une figure nue. Nous avons des corps inachevés dans une sorte d'obstruction. Ce style unique de schisme donnerait plus tard lieu au cubisme et inférence sont les artistes comme public parce que voit ainsi contrairement à l'œuvre dans l'isolement dans sa ville natale en Provence. Et bien que ses peintures soient désapprouvées par le grand public, il est respecté par de jeunes artistes qui le recherchent souvent. C' est plus tard que Suzanne deviendra l'un des peintres les plus renommés de tous les temps. Il peint la carte. Les joueurs ont été vendus lors d'une vente aux enchères en 2012 pour plus de 250 millions de dollars.1 des prix les plus élevés jamais payés dans le monde pour la peinture. C' est un autre tableau. LaMontagne a envoyé Victoire bruschetta tir. Anwar a été résolu l'année suivante en 2013 pour un montant étonnant de 100 millions de dollars. Les impulsions d'influence sur la tête. L' art moderne peut être décrit par le pire de public Castle et 100 Mateas, qui tous les deux saison froide le père hors de nous tous parce que, à bien des égards saison a été le premier artiste occidental à ouvrir la voie vers ce que nous savons aujourd'hui comme la peinture abstraite. 14. Vincent van Gogh.: probablement l'un des artistes post-impressionnistes les plus renommés et l'un des artistes les plus influents l'histoire de l'art moderne, a été de dire que Mango Bangkok est mort quand il avait 37 ans. Mais au cours de cette très courte période de sa vie, il a créé un grand nombre d'œuvres de cartes fascinantes, qui sont aujourd'hui vendus pour des sommes record lors des ventes aux enchères à travers le monde. Cette fois-ci, un livre était très différent des autres artistes. Il a utilisé des couleurs audacieuses et des pinceaux génétiques, impulsifs et expressifs. Bangkok souffrait de maladie mentale, dit la majeure partie de sa vie, et on pense que son style a été affecté par sa maladie. Il a essayé de nombreux défiler différents éléments de la peinture comme un moyen d'exprimer son moi intérieur. Dans son une des peintures les plus célèbres Story Night, qu'il a peint alors que dans un asile fou en 18 89, il fait un tourbillonnant clients de nuages et de contours avec des couleurs vibrantes d'étoiles et diminuer fin. Cette combinaison offre une interférence intérieure, psyché chaotique, qui était toute une approche Marco Van Brooks. Un certain nombre d'artistes ont été influencés par le style Van Goch. Il a montré que vous pourriez être libre d'exprimer vos sentiments dans les tableaux au lieu d' essayer d'être présenté. Ycl e. Cela a conduit aux droits du leader du mouvement expressionniste. Bien qu'il ait souffert de mon instabilité mentale, il se souciait souvent de sa santé et buvait lourdement son amitié avec un autre artiste post-impressionniste encore audacieux et que dans une dispute sévère au cours de laquelle il prétendument a pris une partie de son année gauche avec un rasoir, il semblait que les traitements dans les hôpitaux psychiatriques ne l'aidaient pas car il continuait à lutter contre de fortes dépressions. Et en 18 90 à l'âge de 37 ans, il se montra dans la poitrine avec un revolver et mourut deux jours plus tard des blessures. Au cours de son court métrage, Live and Go a créé plus de 2100 œuvres d'art, dont 860 peintures à l'huile, la plupart au cours des deux dernières années de sa vie. Quoi que vous soyez dans sa vie, Bangkok n'a vendu qu'un seul tableau. Il était plutôt pauvre, et son frère, Taylor, avait l'habitude de le soutenir financièrement, et beaucoup de gens considèrent Dongguk comme un fou et le sentireur. Mais son art est devenu auteur étonnamment populaire. Sa mort, et surtout à la fin du XXe siècle, quand il a commencé à être considéré comme un génie incompris, et chaque musée honorable est fier de présenter ses peintures tandis que certaines de ses œuvres sont vendues pour enregistrement sommes aux enchères dans le monde entier. 15. Paul Gauguin.: un autre célèbre post impressionniste et ami proche de Van Gogh, tiré à nouveau, éloigné de l'impressionnisme en utilisant des contours forts, couleurs très vives, motifs fuis et des figures enfantine. Il a été déçu par l'impressionnisme car il a senti qu'il choisit en profondeur de bowling. C' est pour ça qu'il a apprécié l'art. Si chaque Asie ne peut pas, qui était pleine de symboles et de vigueur, Gogan voulait échapper à l'environnement urbain et industriel de la civilisation occidentale et chercher un paradis tropical où il pouvait exprimer ses idées et ses peintures. Gergen a déménagé pour le transformer en Polynésie française pendant quelques années. Là, il s'est concentré sur ce qu'il a décrit comme primitif quatrième et cinq style. Sa peinture Jour des Dieux, présente une scène de plage colorée et montre pays exotique et cornéen. Ce qui captive le plus dans cette pièce sont les preuves de teintes saturées, colorées, qui ajoutent de l'intensité à la peinture lisse. La figure centrale d'un jour. T représente le cycle de la naissance et de la mort et la stabilité de cette peinture passionnante. L' un des chefs-d'œuvre commence est certainement sa peinture. D' où venons-nous ? Qu' est-ce qu'on est ? Où allons-nous ? Qui a également été peint en 18 ans ? Il peut être considéré comme la combinaison de ses idées. Les trois figures principales de la peinture représentent les questions libres de son titre. Les figures sont disposées dès les premières étapes de la vie, des jeunes figures avec l'enfant à la figure d'âge moyen au milieu, puis au doigt aîné à gauche de la peinture. L' idole dans la ronde de la banque, située derrière la figure aînée, représente l'au-delà. En plus d'être un artiste, Grogan était aussi sculpteur, graveur, céramiste et essayant. Gergen quitte sa vie plus tard dans la pauvreté. Son art n'est devenu célèbre qu'après sa mort. Certaines de ses peintures ont été vendues au début du 21e siècle à des prix énormes comme He's When Will You Marry, qui a été vendu en 2014 pour plus de 200 millions de dollars étaient Otaki 430 millions de dollars de loin pour près de 100 millions de dollars. Ses idées sur la couleur et le motif ont influencé d'autres autorités, comme celle d'André Matty, pour peindre des images aux couleurs vives dans un style appelé Busan. Il a également ouvert la voie à l'appréciation du primitivisme car ses peintures employaient de nombreuses techniques simplistes employées par 94 artistes 16. Term « Post-Impressionism ».: un des critiques d'art a dit un jour que le terme post-impressionnisme n'est pas très précis, bien qu'il soit très pratique, post impressionnisme peut être considéré plus comme une période de peinture plutôt qu'un style ou mouvement. L' esprit a perdu cela environ de 18 85 à 1910. C' était une époque où de nombreuses autorités se sont retirées de l'impressionnisme et ont développé leur propre style . Et assez intéressant. Le post impressionnisme fut utilisé pour la première fois à la fin de cette période par l'artiste et critique d'art britannique Roger Fry en 1910 lorsqu'il organisa le 19e une exposition, Money and the Post Impressionnist. Donc ce terme allait poster ensemble factum tous les artistes qui sont venus après impressionniste. 17. Résumé du post-impressionnisme.: pour résumer l'impressionnisme prolongé post impressionniste, tout en rejetant certaines de ses limites et en mettant fin à quelques idées nouvelles. D' une part, ils continuent à utiliser des couleurs de plomb, souvent utilisés, pensent des pinceaux et représenté le sujet de la vie réelle. Mais d'un autre côté, ils ont commencé à utiliser des formes géométriques et à déformer les formes pour avoir un effet plus expressif. Ils aiment aussi utiliser des couleurs quelque peu naturelles, et en général, les peintures post-impressionnistes ont tendance à porter plus d'émotions et d'expressions personnelles de l'artiste. Même si les post-impressionnistes étaient insatisfaits de l'impressionnisme, ils ne pouvaient s'entendre sur la voie commune à suivre. Quatre figures majeures étaient à l'avant-garde du post-impressionnisme, et chacune d'entre elles étendait l'impressionnisme dans une direction différente. Ces artistes sont George Terra légumineuses sur Paul Gauguin et Vincent Bangor. Ils vivaient tous en France, se connaissaient et exposaient souvent ensemble, mais ils ne travaillaient pas ensemble. En tant que groupe, George Serra et ses disciples se sont concentrés sur le pointillisme ou l'utilisation systématique de petits points de couleur. Pulse est sur voulu fournir une sorte d'ordre dans la structure deux peintures en réduisant les objets à leurs formes de base. Pourtant, il a essayé de conserver les couleurs situées de l'impressionnisme dans le livre de sandanme utilisé la couleur et les coups de pinceau vibrantset vibrants tourbillonnants pour exprimer ses émotions. Et il est dans leur état d'esprit. Google a également maintenu la lumière intense et la couleur, mais rejeté la peinture de la nature et de l'arbre introduit sujet imaginatif. Chacun de ces artistes post-impressionnistes offre sa perception unique et a donné aperçu de la façon dont l'art moderne peut ressembler à la fin de la Fondation et a inspiré ce que l'on appellerait le chef de file comme il y a des mouvements révolutionnaires ou du XXe siècle comme Fauvisme, Cubisme, Expressionnisme, Surréalisme et autres, que nous allons explorer lors de nos prochaines conférences. Restez à l'écoute. 18. Art Nouveau. Conception organique et esthétique.: si vous êtes allé à Paris ou avez vu quelques photos, vous reconnaissez les portes de la ligne des plantes tourbillonnantes avec leur lettrage distinct qui servent entrée au réseau de métro de la ville. Cette fois-ci hors des entrées mentales est un bel exemple du mouvement Art Nouveau. Il a été dévoilé au grand public lors de l'Exposition universelle de Paris en 1900, mais il avait commencé quelques années plus tôt. La fin du XIXe siècle fut une ère de révolution industrielle et d'innovation technologique. conception du bon intérieur envoyé a été dictée par les méthodes de fabrication de masse, et plusieurs artistes ont réagi fortement contre les concepts volumineux et similaires de l'époque victorienne Nous nous souvenons de nos conférences de bus que le Post Impressionnisme a introduit une utilisation provocatrice de la . couleur et de la ligne. Et il y avait un autre concept appelé S Statism, qui appelait à des guerres symboliques de l'art pour l'amour de l'art. Dans le même temps, le mouvement des arts et de l'artisanat, qui est né dans l'élevage à peu près à la même époque, encourage les modes de production traditionnels tels que l'artisanat artisanal. Un article incorpore tous ces aspects dans la fabrication de la peinture et de l'architecture graphique en un seul concept et devient rapidement populaire dans toute l'Europe. À la fin des années 18 nonante et au début de 19 centaines, le roman d'art motor off était Forget some coing work. Nous sommes un travail total en dehors de l'allemand, ce qui signifie intégrer divers médias et éliminer la hiérarchie entre les arts libéraux et décoratifs. Le terme partenaire apparaîtra pour la première fois dans la revue belge Are plus bas en 18 84 pour décrire le travail en direct dans une société de 20 artistes progressistes. Ces peintres ont répondu aux principales théories de l'architecte français Regina Manimal Village LaDuke dans le critique britannique John Ruskin, qui a plaidé pour l'unité de tous les arts en décembre 18 95 le marchand d'art né en Allemagne Secret étant ouvert à dans la galerie de Perry nommée Mazandaran. Il était célèbre pour la vente de céramiques japonaises et les douleurs de Tokyo, et il a commencé à promouvoir ces nouveaux arts dans sa galerie, en vendant des meubles, des tissus,des papiers peints et des objets d'art spécifiques tissus, . Alors, quelle est l'essence de notre rôle ? Tout d'abord, les représentants du mouvement Art Nouveau ont été inspirés par Rocco Curves. Les maîtres japonais sous Hiroshi sont à nouveau devenus si tremblants. Hokusai et les motifs graphiques celtiques. Ils empruntent la plante, les forment ainsi dans la nature, puis les menacent et les obstruent dans des motifs organiques élégants . La caractéristique distinctive de la conception de tous les objets Art nouveau est qu'il s'agit d'une ligne symétrique, prenant souvent la forme de tiges de fleurs et de bourgeons ou de quelques vrilles ou d'ailes d'insectes et d'autres objets naturels en arts graphiques. Particulièrement la ligne est l'élément principal, et elle subordonne tous les autres éléments picturaux, y compris l'ancien espace et la couleur. La deuxième caractéristique importante, hors style Art Nouveau, est que ses théories favorisent une plus grande coordination entre l'art et design. Ils voulaient incorporer des formes et des motifs organiques dans le design des objets de tous les jours . Cette idée venait probablement du mouvement Orth and Crafts de Breeden. L' un des fondateurs des FARC, Nivel. Designer anglais et homme d'affaires William Morris, a défini les principaux objectifs du style pour donner aux gens le plaisir dans les choses qu'ils doivent perforce années. C' est un grand bureau de décoration pour donner du plaisir aux gens dans les choses qu' ils doivent faire. C' est l'autre utilisation, si elle est plus méprisée. Conditions de travail dans les usines et les produits de faible qualité fabriqués à la suite de la révolution industrielle et d'un désordre dans les maisons par de plus en plus de gens Dans cette période, nous pensons de plus en plus que les objets de tous les jours devraient être plus esthétiques et fonctionnels conception au lieu d'être juste des choses encombrantes, encombrantes de la période victorienne avec des ornements lourds. Ces idées se sont rapidement dispersées dans le monde entier, et de nombreux pays avaient leur propre compréhension de ce style. En Écosse, il y avait le style rectiligne Glasgow en Italie sont le chiffre d'affaires ou encore la liberté après la société londonienne Liber Tentacle style Nouveau ou pourrait avoir où en Belgique, Juergen Stehle en Allemagne et en Autriche, style Tiffany aux États-Unis et dans le métro de style France. Certaines personnes considèrent comme Art Nouveau comme le style unifié pour d'autres ne sont jamais représentés une variété de styles de nombreuses nations. 19. Art Nouveau. Lautrec. Klimt. Gaudi. Horta. Tiffany.: premières expériences dans une conception symétrique et a volé inclinaison. travail peut être trouvé dans les œuvres d'artistes graphiques tels que peintre et graveur français sur le lecteur de perdre piste et jeune illustrateur anglais ou briefings. Et Beardslee. L' habituel attire Jane April spectacles et un poney plus Can Dancer avec une couleur énergique et des contours arithmétiques simples. Où est celui de Beardsley ? Le paon Scared évoque la décadence pour les lignes de curation des choses contre les deux espaces négatifs. Ce qui est intéressant à noter ici, c'est que les deux artistes à plat sur leur sujet dans le style japonais, euh, euh, imitant les gravures sur bois japonaises qui sont devenues populaires en Occident à la fin du XIXe siècle. Nous avons parlé de cela dans notre conférence sur Impressionniste à cette époque, périodiques, périodiques, affiches et autres médias imprimés où partout et ainsi ils aident à exposer les œuvres d'article à un plus grand public et de larges techniques de gravure à un nouveau niveau d'art. Probablement l'un des artistes visuels les plus importants hors période de l'article est Eunice peintre Gustav, revendiqué dans le roman de l'Empire austro hongrois Art, avait son propre nom, qui a été appelé Juergen Stehle dans son premier portrait au large d'Adele Bloch Bauer. Nous pouvons voir un exemple hors des mouvements atteindre l'ornementation Yusof et l'aplatissement aller forme. L' image est dominée par l'océan Brillant et Decorah sur le relief doré et argenté , qui a été projeté. Style distinctif revendiqué utilise également une sorte d'obstruction et de motifs irréguliers qui indiquent son désir d'ajouter de nouveaux éléments dans le genre de cœur qu'il créait. Gustav a réclamé congé et créé à Vienne, et l'atmosphère de la ville au début de 19 centaines était pleine d'amour érotique et de sexualité, qui, qui, semble-t-il, avait une influence en quelque sorte puissante sur l'artiste. Dans sa peinture Les Clés, on peut voir deux figures masculines et féminines, embrassées dans un orgue touches, rectangulaires, noir et blanc formes et formes sur la représentation des hommes et des cercles colorés sur la femme symbolisait la virilité et la communauté, respectivement. style Art Nouveau était souvent utilisé dans des projets architecturaux hors de cette période. Il était directement opposé aux valeurs architecturales traditionnelles, hors raison, symétrie et clarté de la structure. Deux des plus célèbres architectes qui utilisent pleinement les idées d'article. Là où l'architecte belge Victor Horta et son homologue espagnol Antoni Gaudi, peut-être l'artiste le plus original du mouvement, leurs bâtiments peuvent sembler différents, mais ils ont tous deux été inspirés par peut-être l'artiste le plus original du mouvement, leurs bâtiments peuvent sembler différents, mais ils ont tous deux été inspirés par dessins biomorphiques de la nature. Ces rythmes organiques et verts créent une fusion entre la structure et l'ornement. Même le design d'intérieur était également soumis à nos concepts généraux. L' île et la verrerie à l'intérieur, céramique et les meubles ont un design de vigne et d'ange, avec des fenêtres semblent comme des ouvertures pour la lumière et un an. Le bâtiment de Victor Horta abrite un musée, qui intègre la vigne comme l'Iran, travaille à l'intérieur et à l'extérieur du bâtiment et diverses départs le long du premier État pour capturer l' intérieur fluide et à plusieurs niveaux. En revanche, Gowdy utilise la technique maçonnique et les motifs floraux pour créer un château dynamique animé semblable à ceux des légendes du Dragon et de la Princesse. Le mouvement de roman d'art , né en Europe, a fait son chemin à l'étranger et a influencé les dessins d'artistes américains. L' un des promoteurs américains les plus reconnus de ce nouveau style a été affaibli pour Tiffany, héritier de son père. Empire d'argent hors noyau défini. Nous avons inventé un Eurydice et un verre innovant inspiré de la verrerie qu'il a vue à l' exposition de Paris en 1889. Son verre utilisait des couleurs changeantes ainsi que des motifs courbes floraux. Ces verres sont devenus un grand succès et ont permis à l'entreprise de se développer dans l'industrie de l' art décoratif et de la bijouterie qui est encore populaire et réussie aujourd'hui. Louis Sullivan, dans ce designer américain, a réalisé des motifs ornés et expressifs pour accompagner ses projets de construction modernisés, comme l'entrée de Carson Perry et Scott Building, qui est reconnu pour son travail d'inclinaison d'échange tournois. Associés à aller prendre des subtilités, les ornements contiennent des motifs organiques très compliqués et pour des motifs qui sont devenus des devoirs esthétique du design de Sullivan. Pour Sullivan, le design décoratif et ceux-ci sont fonctionnels. Il a aidé à distinguer son bâtiment de ceux qui l'entourent et à rendre le magasin attrayant pour les clients potentiels. L' influence du style Art Nouveau est visible dans le développement de la publicité à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, l'invention de la chromatographie, qui était une méthode unique pour faire des impressions multicolores abordables, signifiait que les affiches publicitaires pouvaient être reproduites des centaines de milliers de fois. Les grands boulevards ouverts de Perry sont devenus comme des galeries d'art pour ces nouvelles affiches, et maintenant ces œuvres sont directement accessibles par les mess urbains. À cette époque, les affiches publicitaires sont devenues l'art à part entière. Le tournant du 20ème siècle a également été le temps de la fascination publique des machines plus que transport et le progrès technologique, et cela a été reflété dans la toux publicitaire de cette époque. De nombreuses affiches sont leur sujet. Les moutons de voyage, avions, bicyclettes, voitures dans certains événements publics, tels que les courses automobiles dans les régates de voile, images de l'affiche étaient également tout à fait aspirant reflété la mode, la richesse et le statut social hors du régime bourgeois en croissance. Malgré sa popularité dans un court laps de temps au début du XXe siècle, l'embellissement et l'élégance hors article ont été très vite surmontés par le design moderniste et après 1910, l'art n'a jamais semblé démodé et a été pour la plupart abandonné. Cependant, inspirés du mouvement sont les expérimentations d'abstraction et de configuration qui domineraient la première moitié du XXe siècle. Donc, pour résumer, roman d'art est un total sont le style. Il couvre non seulement la peinture, mais aussi beaucoup de bijoux de cartes, travail du verre et du métal, design d' intérieur et l'architecture, le style Art nouveau , les formes organiques abondantes, symétriques de fleurs et des choses naturelles. C' est pourquoi nous pouvons voir beaucoup d'embellissement, de courbes et d'ornements, et c'est des œuvres. Selon les défenseurs de l'article, les objets de tous les jours tels que les meubles devaient non seulement être utiles, mais aussi avoir un beau design esthétique . Art nouveau répandu dans le monde entier. Dans tous les pays, l'Art Nouveau avait sa propre nation, toute saveur. Les principaux représentants hors mouvement de l'article sont William Maury sur Reduced Track ou Brilliance et Beardslee. Gustav a revendiqué Victor Horta et Antoni Gaudi. Nous venons pour Tiffany et trois Sullivan Overall. L' Art nouveau a inspiré d'autres expérimentations dans l'abstraction et le pellet dans la première moitié du XXe siècle. Elle a également influencé le développement de la publicité au tournant du siècle. 20. Fauvism. Matisse. de Vlaminck. Derain.: Dans les conférences précédentes, nous avons vu comment Impressionniste puis post impressionniste puis artiste artistique Nable contester la perception de la quatrième et présenter leur sujet sous des formes moins réalistes. fauvisme, qui a pris de l'importance au début du XXe siècle, a poursuivi et revigoré ce virage vers l'abstraction et a mis l'accent sur les possibilités expressives de la couleur. Fauvisme vient du mot français 4 mai, qui est traduit comme la bête sauvage, lorsque les critiques ainsi peintures ou forêt pour la première fois. Ils appellent cet artiste Lee quatrième, parce qu'ils croient que ces peintures étaient une honte pour l'art. Mais ces artistes aiment ça et acceptent ce nom avec fierté et décident de s'appeler comme ça. Les gens étaient les bêtes sauvages. Pourquoi avons-nous décidé de regarder de plus près l'isme ? Bien qu'il n'a duré que pendant moins d'une décennie au début de 19 centaines parce que sa contribution majeure à l'art moderne était que pour isme séparé la couleur avec un but descriptif et lui a permis d'exister sur la toile comme un élément indépendant et plus comme projection de l'artiste déplacé, couleur dans les peintures forestières n'a pas eu à être fidèle au monde naturel, l' un des nombreux représentants de quatre vision est sur rêve une taquinerie. Initialement, il a expérimenté des techniques postales et maintenant impressionnistes telles que le pointillisme. Il a également beaucoup voyagé et a été influencé par l'art d'autres cultures. Il a ensuite vu un certain nombre d'expositions sur l'art asiatique et l'enfant, l' Afrique du Nord. Il a également utilisé certaines des qualités décoratives de l'art islamique et de la sculpture africaine dans la planéité des estampes japonaises. Dans son propre style, par exemple, dans ses premières œuvres, semble calme, développé un. nous pouvons voir son utilisation étendue de points de couleur, comme dans le point à la technique de raison. Cependant, contrairement à ses prédécesseurs comme George Sarah, Matisse utilise différentes plaques de couleurs avec le spectre complet des pigments, ce qui ajoute plus d'énergie et de dynamisme. Toe ses œuvres seront également les jaunes, verts, bleus et autres colorisations peinture de Matisse ont leur propre place sur la toile. Où est à la fois Sarah et la Bosnie essayé de mariage des points de couleur étroitement ensemble, ensemble, tonalité harmonieuse en 1905 médecine. Le groupe de ses adeptes et comme artistes d'esprit animaient leur propre exposition, qu'ils appelaient Salon du centre-ville, opposée au salon traditionnel. À cette époque, pour visa avait ou développé son propre style distinctif avec des années pleines de pigments et palette de couleurs . L' une des œuvres les plus importantes du fauvisme est sans aucun doute le ruban de Matisse. Au cours des corps nus mal sont complètement aplatis dans les figures de trahison sont de concert avec des lignes audacieuses . Ce qui reste la caractéristique la plus frappante de la peinture, c'est sa palette de couleurs expressive. L' un des critiques a laissé la description suivante de cette peinture colorée. Si vous pouvez imaginer ce qu'un destin particulier de Little Gila du Centenaire à moitié fou de gène ferait à un mur blanchi à la chaux s'il était laissé le long des livres de grues, alors vous vous approcherez de la défense de ce que la plupart de ce travail était comme celui de Matisse. autres peintures célèbres figurent les poumons. Matisse arrangait les figures dans un cercle, ce qui était un motif très populaire pendant de nombreux siècles et suggérait l'harmonie et Frazier. Cependant, Matisse a simplifié et obstrué les corps des danseurs et les a battus dans une couleur rouge vif avec un sol vert plat et un ciel bleu. Certaines des figures sont dans des poses si étranges qu'elles ajoutent également au dynamisme de la peinture. Quand Adams a été exposé pour la première fois au salon à Tom en 1910, il a choqué et perplexe le public. Maintenant, regardons les montagnes à Rio par un autre 400 dans ce travail utilise approche puriste en isolant les couleurs sur la toile. La peinture montre moins naturaliste, mais encore plus insistant que certains éléments présentent une couleur non naturelle comme des feuilles sur les arbres et certains des talons, qui sont représentés dans l'ombre de bleu. Qui plus est, utilise des coups de pinceau courts comme des bâtons de couleur, qui donnent à effet Les premiers éléments semblaient être dirigés vers le spectateur au lieu de monter la mort, et deuxièmement, il évoque le flux de mouvement et le dynamisme dans le peinture. Expressive Coloration est la caractéristique la plus dominante dans tous pour ses peintures dans son paysage d'automne , Plus East of Lemming utilise les flammes chaotiques de Fred au sommet, le paysage et la végétation et une certaine utilisation sporadique du blues au grand ciel en arrière-plan. L' utilisation de la couleur est si expressive ici qu'il abstrait la réalité orteil presque sur reconnaissabilité à coup sûr, pour la vision a été influencée par les mouvements d'art précédents, en particulier il peut être classé comme la fusion entre Van Gogh exposé Impressionnisme, Pointillisme de George Sarah et d'autres artistes post-impressionnistes comme Paul Signac, Paul Cezanne et Gauguin. emploi de Matisse de zones complètes hors des couleurs saturées dans ses œuvres ressemble à l'utilisation de la couleur par Paul Gauguin dans ses peintures de Tighty en 18 96 Matisse. A cette époque, un inconnu, notre étudiant a visité l'artiste John Peter Russell sur l'île de Bell E au large des côtes de la Bretagne. Russell était un peintre impressionniste, et il était un ami proche des êtres à Bangkok. Matisse n'avait jamais vu une œuvre impressionniste directement et a été tellement choqué par le style qu'il a laissé pendant 10 jours disant que je ne pouvais plus le supporter. Cependant, l'année suivante, il est revenu étudiant Russell, mais il a refusé d'utiliser sa palette de couleurs nues et a utilisé des couleurs impressionnistes à la place. Matisse a déclaré plus tard, le Trussell était mon T-shirt et Russell a expliqué la théorie des couleurs à rencontrer en 1901 Un autre avenir pour les autorités. Plus à l'est de Lemming a rencontré le travail d'un livre pour la première fois lors d'une exposition. Il fut tellement impressionné par les peintures de van Gogh qu'il déclara bientôt qu'il aimait les champignons plus que son propre père, Maurice de Vlaminck commença le travail des orteils en pressant la peinture directement sur la toile depuis le tube. Cette technique est appelée imposteur et elle a été pratiquée par de nombreuses forêts pour raison. Comme un mouvement ne dura que quelques années et la tête des expositions libres, plupart de la forêt se tourna bientôt vers un autre mode de peinture. Cependant, leurs idées continuent de laisser entre expressionnistes et cubistes, liant ainsi une autre pierre angulaire dans le développement de l'art moderne. Donc, pour résumer pour Visa souligné la couleur forte et expressive, ils considéraient la couleur intense comme un moyen de communiquer l'état émotionnel de l'artiste. La représentation d'éléments sur la peinture était moins naturelle que les mouvements artistiques précédents , et elle se déplaçait davantage vers l'obstructionnisme. La plupart des éléments des peintures forestières sont aplatis et ont des formes simplifiées. Où sont les couleurs saturées ? Peut-être l'impression visuelle forte pour Busan, l'expression individuelle de l'artiste est l'intuition, et sa réponse émotionnelle à la nature était plus précieuse que la théorie académique était un sujet important. Les dirigeants du mouvement étaient sous la direction de Matty. The Bombing and under and over in the mouvement de Norvège fut le plus actif dans les années 1904 à 1910 car visa influença les mouvements artistiques ultérieurs, en particulier l'expressionnisme de la Monnaie de Koby, ainsi que d'autres guerres d'obstruction futures 21. Le cubisme: avant de nous plonger dans l'un des mouvements artistiques les plus controversés du xxe siècle, souvenons-nous. Le pinceau chercher des feuilles sur un ciel nocturne coloré hors plaisanterie amusante et pointilliste semble hors de Matty Et maintenant imaginez comment vous vous sentiriez quand vous rencontreriez la peinture non représentative de George Brock au début des 19 centaines. Chaque élément de l'image est simplement trouver dans des boîtes, rectangles et d'autres formes géométriques, et l'image semble plus comme un collège plutôt qu'une œuvre d'art quand l'art critique, Nous avons nous-mêmes donc le paysage peint par George Brock dans 1908 Il a été choqué par les formes abstraites de la peinture. Il l'a décrit plus tard dans un périodique parisien qui a brisé malgré nous pour produire tout des lieux et des figures et des maisons aux schémas géométriques aux cubes. C' est alors que le cubisme obtint son nom et, plus tard, le statut de l'un des mouvements artistiques les plus influents et les plus controversés du XXe siècle. En fait, George Brock n'a pas été le premier artiste à expérimenter des tendances obstruées. Post Impressionniste principal Repousse sur. Nous commençons également à utiliser quelques formes simples lorsque les caméras, mais c'est Pablo Picasso qui a revigoré le garder son mouvement. Brooke a été particulièrement inspiré par parce que donc dépenser le nom était un jeune leader où parce que les cochons aussi. Cinq femmes étaient a. Certains critiques affirment une femme à partir de multiples perspectives et de la direction géométriques et non proportionnelles formes corporelles, sans parler de toutes les formes sur la toile, et c'est un fond abstrait. On croit que parce qu'il a lui-même été inspiré par l'art africain, surtout après sa visite au Musée ethnographique de Paris. Alors, quelle était l'idée derrière le cubisme ? Eh bien, les peintres cubistes ont rejeté le concept hérité selon lequel l'art devrait être représentatif et copier la nature, ou que les artistes devraient utiliser des techniques traditionnelles hors perspective sur la mort. Au lieu de cela, ils voulaient mettre en évidence la toile, et c'est deux dimensions. Pour cette raison, ils combattent simplement les objets en formes géométriques. Ils ont également utilisé divers points de vue contrastés pour se débarrasser complètement de la symétrie et perspective dans leurs images. Vous pouvez vous demander pourquoi différentes parties du corps des personnes ou des visages dans les peintures cubistes sont situées dans des endroits non naturels. Eh bien, voici tout le public parce que le met en avant, dit, parce qu'il est une question d'yeux, nez, bouche, qui peut être distribué de toute façon que vous voulez. parce que Sign brisa les deux sortis dans le quartier bohème de Montmartre à Paris, et ils se rencontrèrent assez souvent pour discuter de leurs idées et de leurs progrès. Leur collaboration était si intense qu'il était parfois difficile de distinguer les œuvres des artistes, et il semble qu'ils aimaient la similitude dans leurs œuvres dans leurs premières années de travail sur le charisme, fois parce que Brock étaient plutôt pauvres, et ils devaient compter sur le soutien financier d'un galeriste, Daniel Kahnweiler, qui achetait leurs œuvres comme ils les peignaient. C' est pourquoi la plupart des œuvres de parce que quand Brock ont été exposés seulement à Kahnweiler est galerie. Il y avait deux phases distinctes au sein du cubisme. Le 1er 1 qui l'a perdu approximativement de 1908 à 1912 a été appelé Cubisme analytique. Pendant cette période, peintures ont été abstraites à travers des plans et des facettes superposés d'un Siri, formes géométriques à angle droit, généralement dans des couleurs sombres monochromatiques, motifs de grâce ou des noirs. Ils utilisent également des lettres dans les peintures pour les rendre encore plus bidimensionnelles, par exemple, à Manzhouli parce que ainsi insère les mots marginalement dans le fond, ainsi qu'une argile de voyage à plat dans le plan de l'image. Encore plus, ils préfèrent représenter la nature morte avec des bouteilles, cartes à jouer, herbes et des instruments de musique. Parfois, des visages et des figures humaines. Les paysages n'étaient pas communs. À partir de 1912 jusqu'en 1914 Cubiste a continué à expérimenter avec éradiquer la profondeur encore plus loin et est venu avec ce qu'on appelle topique. L' esprit est devenu connu sous le nom de cubisme synthétique, dans lequel les artistes utilisent fréquemment des matériaux étrangers et s'attendent à la vie quotidienne, comme les manchettes de journaux ou les rappeurs de tabac, et les coller sur la toile en combinaison avec domaines. Bien que cette technique universitaire ait été connue il y a des centaines d'années, Cubistes qui ont fait de la cendre de charbon une nouvelle forme d'art moderne importante. Avec ces collèges fait un fragment de culture produite de masse assemblé ensemble. Ils changent la définition même du cœur dans le cubisme analytique, petits morceaux. Alors, quel objet disséqué a été réassemblé pour produire ce même objet ? Où est le cubisme synthétique ? Des morceaux d'un papier de couleur différente ont été découpés dans la forme désirée pour eux les combiner dans un objet particulier. autres grands artistes cubistes figuraient cor, Grèce et Fernand, contrairement à ce que, dans Brock, dont les œuvres cubistes étaient principalement monochromatiques, Huang Grease utilisait des couleurs vives dans certaines de ses combinaisons, rappelle les œuvres de son ami Matisse. En passant, c'est une Grèce qui a inventé le terme cubisme analytique dans lequel il a peint au début et plus tard. Il a également fait sa transition pour envoyer ce cubisme et a commencé à utiliser populairement ou collèges comme pour non trésor. Dans ses premières œuvres, il créa une forme personnelle de cubisme que les critiques appelaient Busan pour sa grande utilisation des formes cylindriques dans ses peintures. Probablement une autre figure importante du cubisme, dont on ne peut que parler, c'est Claudia solitaire. C' est un milliardaire américain de cosmétiques, nom, philanthrope. Au cours des 40 dernières années, il a rassemblé plus de 80 chefs-d'œuvre d'artistes cubistes, dont ceux de Pablo Picasso et Georges Braque, pour faire de l'une des collections privées les plus importantes de l'art cubiste en 2013 leur promesse pour donner toute sa collection au Metropolitan Museum of Art de New York. cubisme a également eu une influence significative sur cette culture et cette architecture. Au-delà du 20e siècle Alexander Hockey, Panko Joseph Taqi, Raimond Ducharme, les jeunes et les feuilles de chocolat peuvent être nommés comme les célèbres sculptures cubistes, tout comme dans la peinture. sculpture cubiste est caractérisée par l'abstraction de l'objet en composants et figures géométriques, cubes , cylindres, sphères et cônes. Les objets peuvent être interprétés visuellement de différentes manières, et c'est pourquoi chaque sculpture cubiste avait leur propre style distinctif. Pour résumer, cubisme a complètement abandonné son aspect représentatif de l'art et a complètement embrassé obstructionnisme. Elle a ouvert la voie à l'abstraction pure qui dominera l'art occidental pendant les 50 prochaines années . cubisme est caractérisé par des figures déformées et la matière fragmentée être construite telle sorte qu'il peut être vu sous de multiples angles simultanément. Ce sont les enfants qui Intron utilisait l'université dans la peinture, et il y avait deux phases distinctes et le cubisme, à savoir le cubisme analytique et synthétique. Cubisme a été inventé à Paris par le public parce que sur George Brock vers 1907 dans le style a été adopté et parfois développé par de nombreux autres artistes, y compris Fernand Leger, Kuang Grease, Marcel Duchamp, pour n'en nommer que quelques-uns. Beaucoup d'artistes importants qui sont devenus populaires dans leur propre style, ont traversé des curies et ont fait face à leur développement parce que c'était comme un paradigme changeant mouvement CART. PBS et a également eu un impact significatif sur la sculpture et l'architecture, et ses concepts libérateurs ont influencé les grands mouvements artistiques, qui ont suivi en particulier que le surréalisme Constructivisme, précité, Matiz, euh, et le futurisme. J' espère que vous avez apprécié cette équipe de conférence les prochaines. 22. Le dada: aujourd'hui, nous allons parler de ce qu'on a appelé un mouvement anti-art, et nous allons commencer notre conférence à la discothèque satirique Kabir. J' y arriverai à Zurich, Suisse, en 1916, lorsque l'Europe a été saisie par la Première Guerre mondiale, beaucoup de gens qui étaient contre la guerre ont fui en Suisse. Et là, un groupe d'artistes à l'esprit de fuite, à savoir Huebel et Tristan Sarah, fonda ce club. Là-bas, c'était l'espace plein d'anarchie artistique, insatisfaction politique et de performances avant-gardistes. Bien que ce n'était pas le mouvement qui avait un style commun, il a façonné de manière significative la culture moderne et l'art moderne dans la race qui peut encore être visible aujourd'hui. C' était le premier mouvement artistique conceptuel où les artistes n'essayaient pas de créer quelque chose qui prônerait esthétiquement l'œil du spectateur. Mais au contraire, avec leurs œuvres, ils voulaient poser des questions difficiles à la société dans la classe bourgeoise. En particulier, ils ont également remis en question le but de l'art et le rôle de l'artiste dans la création d' art. C' est-à-dire, malgré la guerre mondiale qui s'est déroulée, et ils croient qu'il y avait quelque chose de fric avec la société qui pourrait commencer et continuer à mener ces guerres dévastatrices. C' est pourquoi beaucoup de leurs concepts étaient anti-guerre, révolutionnaires et satiriques. Confortable là-bas. Le fondateur de la ne mouvement câlins, d' abord introduit son célèbre point sonore, Paraguana. À première vue, le point était juste une collection de sons et d'émotions dénués de sens. Ça ne ressemblait à aucune langue connue. Il ressemblait à l'épisode biblique de la Tour de Babel, et avec son manque de sens, il a été conçu pour refléter la folie de la Première Guerre mondiale et pour démontrer la beauté intérieure des pays européens pour résoudre leur diplomatie problèmes d'utilisation de la création. Toutes les discussions, sa coutume étrange rendaient son discours encore plus étranger et générationnel, et son espoir pendant quatre mois était considéré comme une protestation contre le nationalisme et l'état d' esprit bourgeois , qui encourageaient la violence, la colonisation et la lutte des classes sont la valeur centrale du racisme qui a démontré l' essence même de la révolution. Un grand mouvement est le fondateur de la Hugo Ball a déclaré dans son manifeste du dîner que cela vient du dictionnaire. C' est terriblement simple. En français. Ça veut dire espoir. Le cheval en allemand, ça veut dire au revoir. Dégage de mon dos. Ils semblent parfois en roumain. Oui, en effet, vous avez raison, c'est tout. Et ainsi de suite et ainsi de suite en utilisant le mot que l'artiste a nié une compréhension singulière et logique de son art. Dans la proclamation sans prétention, Sarah a trouvé le moyen de visualiser les idées de Dadaïsme en combinant divers téléphones en une seule pièce, il a détruit l'harmonie de l'œuvre, lui faisant paraître la charité peut creuser. Ce travail peut déjà être considéré comme le début de l'art conceptuel, dont l'utilisation de matériaux, de cadres et d'approches vise en grande partie à remettre en question les idées plutôt que de représenter le monde réel afin de remettre en question les normes des art. Il était nécessaire d'inventer un nouveau langage esthétique pour que l'artiste commence à utiliser des mades prêts, des objets de tous les jours qui pouvaient être achetés et présentés comme de l'art avec peu de manipulation par l' artiste, le utilisation des questions forcées readymade sur la créativité artistique et la définition même du pet et de son but dans la société. Ce nouveau style peut être vu dans les premières œuvres de Parisien. Attendez-vous à l'arbre Marcel Duchamp, qui a incorporé tous les jours des objets prêts à l'emploi dans ses œuvres, par exemple, dans Fantine Do. Certains ont présenté au public un urinoir à l'envers, affirmant qu'il y avait un financement devant eux. Plus tard, cela provoquerait un débat animé dans la communauté artistique. Dans ce financement serait devenu l'une des pièces les plus emblématiques de l'art moderne. Pourquoi un objets prêts à l'emploi peuvent être considérés comme de l'art ? D' après Duchamp, il y a trois raisons. D' après Duchamp, abord, le fait que l'artiste ait choisi cet objet est un créatif Arthur dire. Deuxièmement, lorsque nous pouvons pour que la fonction pratique ou utile hors de l'objet, cet objet devient aussi l'art. Et enfin, lorsque l'artiste donne le titre de l'objet, il a présenté au public tout cela et nouveau sens à l'objet et il devient art. Cette idée, lorsque l'artiste n'est pas le créateur mais plutôt un sélectionneur, est souvent considérée comme le début de l'art conceptuel comme les autorités conceptuelles et l' objet ou remis en cause. À cette époque, au début du XXe siècle, ces idées d'utilisation d'objets de crédit étaient considérées comme une attaque à la compréhension traditionnelle de notre statut et de notre nature. Peu à peu, ils sont devenus de plus en plus intégrés à l'essence de l'art moderne. Marcel Duchamp était également une figure importante dans le mouvement parce qu'il important que les idées de l' Europe à New York, il a inspiré de nombreuses oranges américaines à contester les idées classiques et à venir avec des concepts nouveaux et audacieux pour défier davantage le très concept de ce que cela signifie d'être un artiste que j'ai utilisé pour le montage, le collage et l'assemblage dans votre thèse la plus célèbre découpée avec le couteau de cuisine, l'artiste berlinois Hunter Hope a fait un collège de comté découpé sur politique et culturel thèmes. En une seule pièce, elle a combiné des hommes politiques radicaux et conservateurs, y compris votre propre portrait et des objets ménagers , par conséquent, brouille les frontières entre les sphères domestique et sociale, ainsi qu'entre Hobie et Serious Art. Une autre centaine d'autres artistes basés appelés Schwitters, ont utilisé des déchets et des matériaux de déchets, qu'il a recueillis dans les rues de l'après-guerre hein, pour ne jamais créer des collèges obstructs et semi-abstraits qu'il a appelés mérites. Schwitters fut une fois cité pour avoir dit que tout s'était effondré de toute façon, et que de nouvelles choses devaient être faites à partir des fragments. Doux il est voulu souligner que l'art et quelque chose de beau peuvent être fabriqués à partir de la destruction. art avait ce potentiel pour refaire le monde fracturé en utilisant l'objet hors de la vie quotidienne que l'artiste voulait critiquer les symboles de la modernité. Cette technique de collège et l'âge de dissemblant, cependant, cependant,n' était pas quelque chose que vous à ce moment-là, nous savons à partir de nos conférences précédentes que Cuba est également utilisé très sujets hors de la vie quotidienne, tels que les gros titres de journaux et rappeurs de tabac sur la toile, en particulier pendant le visage cubisme synthétique autre qu'un, tels que les chasses sont explorés des actes de hasard et de spontanéité dans leur travail pour son collège trois places, disposés conformément aux lois de hasard, l'artiste a arraché des morceaux de papier de couleur et les a jetés dans un ordre aléatoire sur les plus grandes feuilles couvertes en groupe là-bas en remettant en question l'importance de la logique et de la raison dans fabrication de l'art. L' introduction du hasard était absente pour les jours pour remettre en question les normes artistiques et remettre question le rôle de l'artiste dans le processus artistique. Le relâchement du contrôle artistique sur les œuvres d'art deviendrait aussi plus tard un élément important du Sérialisme, un mouvement artistique qui tente de débloquer le monde inconscient et de se débarrasser du contrôle racial de la créativité. Pour résumer, il s'agissait d'un mouvement artistique formé par Huebel et Tristan Sarah à Zurich en 1916 en réaction négative aux horreurs et aux catastrophes de la première guerre mondiale. L' art et les performances produites par cette glace étaient souvent satiriques et absurdes . Ils ont fréquemment utilisé les méthodes de satire Irony weekend parodie pour montrer leur attitude critique envers l'art dans la société. Cela est également favorisé le concept de hasard et de spontanéité, contrairement à la logique et l'ordre que j'ai utilisé un large éventail de différents médiums de collège et Fordham et l'âge, orteil tous les jours, objets prêts à l'emploi et même des performances. Ils ont remis en question les concepts traditionnels de la façon dont l'art doit être fait, ainsi que le rôle des artistes et l'objet artistique que j'ai inspiré les artistes à suivre leurs propres voix artistiques plutôt que d'adhérer à un ensemble de règles ou de logique. Que le mouvement est né à Zurich neutre en Suisse mais s'est rapidement propagé à Berlin, Hanovre, Paris et New York. De nombreux jours se sont finalement tournés vers le sérialisme, le réalisme social et d'autres méthodes artistiques dans les années vingt. Mais leur influence a continué d'être forte, car sans le reste du XXe siècle en action, peinture, design, culture et ailleurs, vous n'avez pas réussi. C' est cela qui a jeté les bases de la liberté d'expression dont jouissent les artistes jusqu'à aujourd'hui