Mises en page du lettrage : arborescence, composition et systèmes de caractères

1. Bande-annonce: Je m'appelle Jon Contino et je suis designer. Je vais enseigner à une classe de mise en page pour la composition de la hiérarchie de lettrage et les systèmes de type. Ce que nous allons commencer par l'histoire de la mise en page et de la composition, c'est une sorte d'où elle vient dans le design plutôt graphique. Ensuite, nous allons sauter dans une hiérarchie et un design spatial, et fondamentalement ce qui serait le fondement de toute pièce de design graphique juste en général, puis nous allons passer au type dans les systèmes de lettrage et les familles, puis nous allons entrer dans l'intégration l'imagerie et l'illustration. Ce que cette classe n'est pas, ce n'est pas une classe de dessin, ce n'est pas une classe de lettrage manuel, ce que c'est, c'est une classe pour vous aider à apprendre à composer correctement. Vous serez en mesure de prendre vos expériences extérieures d'autres classes et d'autres projets, et de les intégrer à cela. Tout est basé sur des fondations, tout est basé sur la composition, l'espace et la hiérarchie, et c'est sur cela que nous allons essayer d'acquérir une compréhension très solide. 2. Histoire : manuscrits enluminés, art nouveau et presse écrite: Alors, bienvenue dans la classe. Nous allons faire une petite leçon d'histoire, et jeter un oeil à ce qui a existé dans le passé, ce qui existait dans le passé pas si récent, et ce qui existe aujourd'hui. Lorsque vous avez affaire à des mises en page et à la composition, la façon la plus simple de le décomposer est le fait que vous aurez soit une petite quantité d'informations que vous avez besoin d'afficher, un peu de quantité moyenne, puis une quantité massive d'informations à afficher. Peu importe la période que vous référencez, peu importe d'où viennent vos références, c'est toujours le cas. Parfois, les gens ont un peu à dire, parfois les gens ont beaucoup à dire. Nous allons examiner la mise en page en fonction de l'endroit où les choses sont placées, nous allons examiner les tailles de chaque chose, ce qui est plus grand, ce qui est plus petit. Nous allons prendre un peu pour regarder la couleur, et comment cela est utilisé pour différencier. Nous allons jeter un oeil à la façon dont les dernières pièces se sont emballées. Y a-t-il des petits détails qui aident vraiment à tout mettre ensemble ? Vous pouvez avoir une page de deux mots, vous pouvez avoir une page d'un million de choses, mais quel est le facteur unificateur ? Chacune de ces choses aura un facteur unificateur qui les liait ensemble. Donc, nous allons nous assurer de passer en revue toutes ces choses et de regarder chaque morceau de celui-ci. Avec la création de livres et la possibilité de commencer à faire ces références utilisables en utilisant du lettrage et des images, nous avons certainement vu comment le design et l'esthétique fondamentale, compositionnelle et fondamentale commencent vraiment à se développer. Surtout en regardant ces images, vous pouvez voir où les lignes directrices commencent à avoir du sens, comment elles définissent des formes, elles définissent des zones d'importance. Le concept d'un plan lui-même commençait à peine à s'épanouir à ce stade. L' utilisation d'une grille commence en fait dès maintenant à. Vous voyez vraiment où quelque chose que nous connaissons aujourd'hui a ses racines, ces vieux manuscrits enluminés qu'ils rappelaient étaient vraiment les fondements fondamentaux des mises en page créées d'aujourd'hui et de la composition de base d'aujourd'hui éléments fondamentaux. Ces manuscrits enluminés, ils étaient vraiment des coups de pied autour des 12ème centaines ou autres.Le treizième siècle est une sorte de marque de premier choix pour ceux-ci. Ils existent certainement un peu avant, un peu après. Mais je dirais que le principal point de popularité pour ces probablement autour du 13ème siècle, période de la renaissance. Ils sont très ornés, ils sont faits magnifiquement. Ils sont tous faits à la main, c'était avant l'invention des types mobiles, donc vous n'aviez pas d'autre façon de créer un livre comme celui-ci. Ce sont donc de belles œuvres, mais l'idée et le concept de hiérarchie et de lisibilité ne sont pas nécessairement abordés comme nous l'abordons aujourd'hui. Il s'agit plutôt d'une mise au point d'une casquette particulière ou d'une illustration particulière plutôt que essayer de digérer toutes les informations d'une manière très lisible et rapide. C' est quelque chose qui s'est produit dans les temps modernes. Donc, ce sont les fondations, c'est là que nous commençons tous, c'est le début de la chaîne évolutionnaire si vous voulez. Le prochain mouvement dont je veux vraiment parler est l'Art Nouveau. J' aimerais passer à l'Art Nouveau parce que comme nous nous concentrons un peu sur le lettrage, c'est là que nous commençons à voir les débuts du graphisme tel que nous le connaissons aujourd'hui, et je pense qu'il est très important de le réaliser surtout avec certaines de ces images que nous voyons ici, en particulier le Job Cigarette Packaging qui est d'Alphonse Mucha. Un favori particulier de ma part. Je pense qu'il est important de réaliser à quel point le design graphique prend forme au cours de cette période. Beaucoup de gens vont regarder cela et le considérer comme de belles œuvres d'art, mais personnellement et d'autres personnes aussi bien considérer comme quelques-unes des premières étapes de la conception graphique. Ils ont créé de belles illustrations en conjonction avec de beaux lettrages, et c'est encore assez simple pour être lisible, il fait passer le point à travers. Beaucoup de ces choses ont à voir avec des produits, c'est génial de pouvoir comprendre qu'ils vendent des produits, sont des publicités précoces, et c'est magnifiquement fait et c'est fait sans aller par-dessus bord ou perturber la lisibilité ou le concept de toute façon. C' est une belle chose, mais ce n'était pas long pour ce monde. Malheureusement, il est mort assez tôt dans le 1900. Donc, ce sont les dernières pièces que nous verrons de ce style particulier. Ainsi, à la fin des années 1800 et au début des années 1900, le journal est devenu quelque chose d'extrêmement important pour le design graphique. C' était beaucoup plus facile à faire, c'était moins cher à faire, et à ce moment-là, avec tous ces aspects jouant dedans, nous avons commencé à voir beaucoup plus de stylisation. Les illustrations sont devenues plus ornées, elles sont devenues moins ornées. photo-réalisme a commencé à jouer dedans, il est devenu beaucoup plus un accent sur le produit. Vous voyez plus de la mentalité Las Vegas Strip Times Square commencent à se développer, où les choses seraient flashy et audacieux et grand et accrochant les yeux, sorte que vous regardiez là-bas en premier. C' est aussi un peu de je pense que peut-être que nous sommes le capitalisme commence à s'installer. Donc, l'idée de l'économie a placé dans la raison pour laquelle ces pièces ont l'air comme elles le font. Si vous regardez cette annonce, la première chose que vous remarquez est Coca-Cola. Ce type tient un verre et Coca-Cola est juste au-dessus de sa tête. Donc, ce genre de immédiatement vous amène à l'endroit où vous voyez cinq cents, voici comment commencer à lire un peu à ce sujet et vous vendez automatiquement un produit. L' utilisation de cette hiérarchie aide à diriger vers le spectateur telle sorte qu'il crée presque une directive, où vous n'avez même pas besoin d'être là pour dire à la personne où je devrais aller là-bas. La mise en page réelle de la taille des choses et de leur position sur la page les dirige pour vous. Donc, c'est là que la composition et la mise en page commence vraiment à prendre forme, et combien il est important de travailler avec divers styles et de garder un ADN unifié parce que ces annonces fonctionnent certainement comme une seule pièce unifiée. Vous pouvez voir pourquoi il est important que ce soit comme il est. Parce que même aujourd'hui, même au 21e siècle, nous pouvons encore regarder cela et cela accomplit exactement ce que je voulais faire. Donc, c'est un excellent exemple de genre d'où commencent les mises en page et la composition modernes. Vous voyez une variation et des styles de type, ils attirent tous votre attention, vous ne savez pas où regarder en premier, mais c'est un peu génial. Vous pouvez voir comment différents styles de type peuvent vivre sur une page et ne pas toujours ressembler à un conflit. L' ensemble de la mise en page fonctionne. Donc, tant que vous avez cet ADN cohérent comme je l'ai dit, ça marchera toujours. Ensuite, si vous passez à la Fall Foot Wear, vous pouvez voir presque plus d'un champ Art Nouveau mis à jour. Mais au lieu de mettre l'accent sur l'illustration, l'accent est mis sur le lettrage, l'accent est mis sur le message. Donc, c'est une excellente façon de vraiment mettre en contraste dont l'Art Nouveau est devenu ce que le design graphique était en train de devenir. Il s'agissait plus de vendre un produit, de vendre une marque, et vous pouvez vraiment le voir ici. Ensuite, si vous passez au prochain, le rasoir de sécurité Ever-Ready, c'est probablement le plus moderne des quatre, parce que la marque est à l'avant et au centre, l'image est vraiment un peu comme un revers, ce n'est pas si nécessaire, c'est vous montrer ce qu'il fait, c'est tout ce qui compte. Je veux dire, cette image pourrait même être plus à l' aise pour la publicité télévisée d'aujourd'hui parce que la copie qui est là est quelque chose que vous devez lire dans votre tête et qu'elle devrait avoir un ton particulier. De la façon dont il est disposé, il a ce ton qui vous donne une idée de ce qu'est le rasoir de sécurité Ever-Ready. Juste en regardant cela, vous pouvez presque l'imaginer comme une publicité télévisée, donc c'est un grand ancêtre de la publicité moderne dans son ensemble dans n'importe quelle forme de médias, et ensuite a beaucoup à voir avec la hiérarchie et la façon dont le rythme pour les choses joue donc il est génial de jeter un coup d'oeil à celui-ci et de voir comment il deviendra vous connaissez notre modèle moderne pour ce que toutes sortes de médias publicitaires est. 3. Histoire : le 20ᵉ siècle: À mesure que nous passons du début du XXe siècle au milieu du XXe siècle, tout devient super simplifié. Vous obtenez ces designers qui commencent à se spécialiser dans l'art du design, dans l'art de la mise en page, dans l'art de la composition. Il est devenu très clair comment la hiérarchie, le rythme, ton, et ce genre d'ADN partagé sont importants pour les publicités. Il y a une variété de médiums qui utilisent tous les mêmes idéaux, et tout se résume à endroit où nous avons commencé avec ces manuscrits enluminés initiaux et leurs grilles. Je veux dire, si vous regardez certains d'entre eux, il y a des grilles. Très présents, mais ils sont cassés. Ce sont des gens qui ont compris la nature de la grille et l'importance de celle-ci, et qui l'ont tellement comprise qu'ils ont pu jouer avec elle et la manipuler. Si vous regardez certaines de ces pièces, vous verrez beaucoup d'utilisations intelligentes de l'espace positif et négatif. Vous verrez comment le rythme est utilisé pour communiquer un message. Si vous commencez à lire toutes ces images particulières, vous pouvez presque avoir un sens du rythme. Vous pouvez avoir une idée de la façon dont ils devraient être lus. Si vous regardez en haut, il est dit, « An Aquarian Exposition in White Lake, New York », le fait que le « in » est petit, vous savez qu'il n'est pas censé être souligné autant que le reste des autres mots. Je pense que c'est important à remarquer. Ces images ici sont un excellent point de départ pour vraiment commencer à parler de ce dont nous allons parler dans cette classe. Il y a des systèmes de type, il y a la mise en page, et il y a l'intégration de l'image, qui, dans ce cas, est une illustration. Donc, vous pouvez vraiment commencer à voir comment ces systèmes de type vivent dans un endroit amusant. Par exemple, si vous regardez l'affiche « Little Richard », il y a une illustration et il y a de la photographie. Ce n'est pas forcément l'un des autres. Tant qu'une image joue un rôle dans tout ça, c'est un peu ce que nous jouons. Mais si vous regardez le type, nous avons une grande police audacieuse en haut, nous avons un signe script pictural, dessous, nous avons « Little Richard » lui-même. C' est très grand et audacieux, mais il saute. C' est ça qui crée un ton. En dessous, nous avons un type plus petit qui n'est pas nécessairement le plus important, mais qui communique toujours un message. C' est communiquer au spectateur quelque chose qu'ils connaissent. En bas, pour le boucler, nous avons un autre script de pinceau qui, en quelque sorte, s'inscrit dans le « In Person » en haut. La couleur, la façon dont les polices sont disposées, la taille du lettrage. Toutes ces choses fonctionnent ensemble pour créer une mise en page réussie, et c'est quelque chose qui est un excellent modèle pour aller de l'avant lorsque vous concevez votre pièce aussi. 4. Arborescence et formes : créer des vignettes: Pour cette partie du projet, ce que j'aime toujours faire en premier, c'est juste d'obtenir une ambiance générale de ce que je vais faire, surtout quand le client vous donne la copie que vous devez utiliser, ce qui est la plupart des cas. Vous devez vraiment comprendre quelles sont les choses les plus importantes, ce qui est vital pour le spectateur de voir immédiatement et quelles sont les choses que le client, même pas tant le spectateur, ou le client, qui, le client se sent est le plus important ? Donc, ce que j'aime faire, c'est d'abord taper tout dans juste sur un tableau d'art vierge dans Illustrator. Je l'expose dans le sens de la façon dont je l'imagine lire de haut en bas. Pour cet exemple, par exemple, c'est un livre. Donc, titre du livre, sous-titre, nom de l'auteur, illustration, citation des critiques, toutes ces choses doivent jouer dans toute l'idée. En cela, j'aime vraiment voir où se trouve l'espace sur la page. J' utilise ces livres de grille de points Notes de champ. Ils sont petits, ils sont pas chers. Je sais que les gens sont toujours curieux dans différentes classes, ce que l'enseignant utilise pour puiser, pour dessiner, ou quoi que ce soit. Ça n'a vraiment pas d'importance. C' est ce que vous vous sentez le plus à l'aise. Pour moi, c'est ça que la grille livre, parce que c'est une grille, mais c'est une grille moins intrusive. Vous pouvez l'utiliser pour être géométrique, vous pouvez être organique avec, vous pouvez faire toutes choses. C' est ce que j'aime à propos de ça. Donc, y entrer, la première étape évidemment, serait juste d'esquisser ce qu'il va poser, quelle est la toile. Dans ce cas, c'est une couverture de livre. Pour commencer, j'aime vraiment dessiner un rectangle, tout comme la toile, tout comme la couverture du livre, c'est vraiment basique. Les proportions ne sont pas super importantes, donc vous pouvez être un peu décalé. C' est juste pour vous donner une ligne directrice. J' aime me laisser beaucoup d'espace, parce que je sais que je vais en faire un tas. Donc, fondamentalement, ce que nous avons ici est, nous devons nous assurer que le titre est important, nous devons nous assurer que l'icône est là, le verre à Martini, et nous devons nous assurer que l'auteur est là. Donc, ce sont les trois choses qui doivent être très claires, très lisibles, parce que cela va essentiellement devenir la marque de ce livre. Très vite, vous avez votre rectangle de base, vous avez votre verre à Martini, qui va s'asseoir quelque part par ici, est-ce pas ? Alors, votre titre. Dans ce cas, ça s'appelle le Botaniste ivre. Donc, ce sont deux mots, pas des mots courts. Donc, peut-être qu'on peut jouer avec quelque chose comme ça. Un peu d'arc, c'est grand. Nous pouvons utiliser le, serait en haut. Je griffonne juste des trucs juste pour avoir de l'espace, puis le nom de l'auteur. Le nom de l'auteur se croise comme ça. Donc, en ce moment, vous voyez les principaux éléments sont là. Nous avons l'espace pour le titre, nous avons l'espace pour l'auteur, nous avons l'espace pour cela, mais nous avons aussi le sous-titre, puis quelques petits morceaux et morceaux qui doivent vivre ici. Donc, ce que je pense, c'est que je regarde ça en ce moment. Le botaniste ivrogne. Tout d'un coup, j'ai commencé à dessiner ça. Je me sens bien, je vais probablement devoir changer cela, parce que l'ajustement du type dans ça. Juste dans une chose rapide est déjà à l'air entassé, mais je vais jouer avec quand je reviendrai à elle. Donc, maintenant nous avons le sous-titre, qui est Les plantes qui créent les grandes boissons du monde. Initialement, la forme de l'image ici, la forme de l'icône du verre Martini, laisse beaucoup à gauche et à droite. Donc, peut-être qu'on peut faire quelque chose comme ça, jouer avec ça ici. Mais encore une fois, il est aussi très important de se souvenir des battements du titre, de ce que vous le lisez. Lorsque vous lisez quelque chose, si vous regardez la télé, si vous regardez un film ou que vous écoutez une chanson, tout a un rythme. Donc, dans ce cas, c'est le botaniste ivre, les plantes qui créent les grandes boissons du monde. S' il n'y a pas d'espace entre les deux, s'il n'y a pas de règles, s'il n'y a pas de souffle, c'est une longue phrase et où vous arrêtez-vous ? Vous devez vous assurer qu'il y a ces battements là-dedans. Ces battements sont très définis par les formes que vous créez. Amy Stewart est l'auteur, et puis ils veulent s'assurer qu'il est indiqué qu'elle est aussi l'auteur d'un autre livre qui est un Best Seller du New York Times, qui est aussi quelque chose que nous devons y inclure. Donc, c'est The Drunken Botanist, The Plants That Create The World's Great Drinks, par Amy Stewart, auteur de Wicked Plants, un best-seller du New York Times. Donc, c'est une bouchée. Donc, ce que nous allons faire ici, c'est, nous avons le titre, nous avons la zone pour le sous-titre, nous avons la zone auteur, mais ensuite nous avons l'auteur de Wicked Plants, je peux désigner cela avec une ligne, un Le meilleur vendeur du New York Times. Donc, tu vois qu'il commence à y avoir une petite crampe. Donc, ce que je vais faire, c'est aller juste à côté et dessiner une autre boîte, faire ça à nouveau, donner une autre chance. Donc, nous avons un verre à Martini juste au milieu. Maintenant, Botaniste ivrogne, j'ai vu était long et ne correspondait pas. Donc, je veux toujours garder cette forme d'arc. Donc, peut-être que je garde ça un peu plus serré et que je fais deux lignes. Le botaniste ivrogne. Il s'intègre magnifiquement. Agréable et audacieux, agréable et lisible. Ce verre à Martini. On l'a toujours fait, on s'en occupera plus tard. Les plantes qui créent les grandes boissons du monde. Donc, nous verrons si ça marche dans un peu. Par Amy Stewart. Peut-être qu'on va faire quelque chose comme ça, en serrant un peu mieux. Un peu d'arc. Amy Stewart. Ok, ça va bien. Auteur de Wicked Plants, un best-seller du New York Times. Donc, maintenant, cela commence à avoir un peu plus de sens. Maintenant, on sait ce qui se passe ici. Donc, maintenant que nous avons les formes désignées et l'espace désigné ainsi que la hiérarchie, nous pouvons jouer un peu avec elle, et faire quelque chose d'un peu plus amusant. Avec le sous-titre ici, c'est quelque chose que nous allons jouer avec au fur et à mesure que nous entrons dans des croquis plus détaillés. Il y aura quelques changements à cela. Mais il est bon de savoir qu'en termes de contenu sage, il conviendra. On y va, Martini Glass, et ce type ici, le botaniste ivrogne. Nous savons que ça va, nous savons que ça va. Donc, nous sommes déjà stylisés ici. Il y en a un peu qui s'ennuie. Je pense qu'on peut faire mieux avec ça. Donc, ce que je vais faire, c'est peut-être que, au lieu de ça, je vais descendre comme ça. Faites-le miroir du haut, puis utilisez un peu d'une forme de drapeau et l'auteur de Wicked Plants, un New York Times Best Seller ensemble, parce que je pense qu'ils devraient être ensemble. Auteur de Wicked Plants, un best-seller du New York Times, qui devrait presque être dit d'un seul souffle. Donc, je ne veux pas le casser entièrement avec deux lignes séparées, mais je veux quand même le garder cool. Donc, je vais faire un petit quelque chose comme ça, qui correspond au thème. C' est un peu une forme de drapeau. Il garde les battements là, Auteur de Wicked Plants, Breath, un Best Seller du New York Times, mais il le garde sur une seule ligne. Donc, visuellement, vous le regardez directement de l'autre côté. Donc, c'est logique. Vous pouvez jeter quelques petites fleurs ici et ici. À partir de ce point, maintenant, nous commençons à le faire clignoter un peu. Maintenant, nous commençons à entrer dans le style. C' est le point où nous pouvons jouer avec le lettrage. Nous pouvons jouer avec l'illustration et nous pouvons l'utiliser à notre avantage dans la composition. Il y a une chose que j'ai appris en tant que jeune designer de beaucoup de mes professeurs, mes professeurs n'ont pas travaillé à l'ère numérique. Donc, ils n'avaient pas beaucoup de choses. Donc, quand vous étalez des comps, c'était du papier calque et des marqueurs, et vous le feriez encore et encore. Il y aurait des lignes droites et il y aurait des boîtes partout, et il y aurait aussi les formes. C' est en quoi consistait une mise en page dans l'ancien temps. Ce qu'il fait vraiment consiste de nos jours, je veux dire, même si vous regardez les concepteurs web et les développeurs, wireframe, c'est à ça que ça ressemble. Donc, tu veux garder ça à l'esprit. Formes, lignes, voilà ce qu'est la composition. Tout est sur le poids, tout est sur l'espace positif et négatif. Si vous regardez à travers beaucoup d'entre eux, il ne semble pas trop coincé nulle part, il n'a pas l'air trop bondé, mais il ne semble pas non plus vacant. Vous utilisez votre espace correctement, vous avez pondéré. C' est juste assez sur le dessus, juste assez sur le fond. Rien n'a l'impression de flotter, rien n'a l'impression qu'il n'appartient pas, vous voulez faire en sorte que ça ressemble à une unité. Une fois, nous arrivons à ce point et nous avons exploré beaucoup de ces options. Nous remplissons un cahier de toutes ces choses, nous choisissons celui que nous pensons être le meilleur. Encore une fois, si vous faites ça pour un client la plupart des fois, ces trucs sont envoyés par e-mail, ils disent, « Nous aimons, ça a besoin, changer ça. » C' est bâton, ça vient avec le territoire. Mais pour cet exercice, nous choisissons le style que nous avons aimé et nous allons aller un peu plus loin avec 5. Arborescence et formes : créer des vignettes (suite) et disposer des formes: En passant, je vais aller chercher une miniature plus grande à ce stade parce que je veux avoir un peu plus de détails. Une fois que vous avez compris l'espace, c'est un tour libre à ce moment-là. Tout est sur les trucs amusants, sur la raison pour laquelle on a commencé à faire ça. Donc, une bonne façon de le faire, juste pour commencer, retourner dans nos formes. Voici ceci, je vais jouer avec ça, ces arcs, cette zone juste ici, cette zone juste ici, et puis le titre de l'auteur, le nom de l'auteur, je suis désolé, ici, ces formes juste ici. Encore une fois, tout est de la géométrie. C' est des trucs qu'un petit gamin peut faire. C' est vraiment le cas. Quand je dis que c'est les bases, c'est les bases absolues. C' est la partie la plus importante. Vous clouez ça, vous clouez tout. Encore une fois, voici comment il forme, va à cette fin - Botaniste ivre. D' accord. Amy Stewart. C'est toujours le chemin. C' est étoffé. Je veux dire, c'est comme une couverture de livre. Donc, ce que je veux faire maintenant, c'est obtenir un peu plus de détails, concentrer un peu plus sur le lettrage, commencer à l'affiner un peu plus, mettre quelques touches cool dessus. Je veux dire, en travaillant avec du lettrage pendant des années, vous avez une idée de ce que les choses vont ressembler, comment elles vont jouer les unes avec les autres, quelle est la jambe de l'organe de la soupe en dessous de vous, toutes ces sortes de petites choses cool que nous pouvons faire avec le lettrage. Une fois cela fait, vous pouvez décider : « Devrais-je le réduire ? Devrais-je obtenir un peu plus de détails avec ça ? » Donc, nous jetons le verre à martini juste ici, et c'est là que vous pouvez commencer à jeter d'autres détails, aussi. Il y aura une frontière ? Ils vont mettre une frontière par ici. Ça pourrait avoir l'air cool. Je ne sais pas, y a-t-il une frontière, comment ça va interagir avec les lettres ? Maintenant, on peut commencer à jouer avec le sous-titre. Les plantes, maintenant, ok. C' est un bon point où vous commencez à analyser ce que vous faites, non ? Le Botaniste ivrogne, a compris, Amy Stewart l'a compris ; le New York Times l'a compris. Cela, nous attendions parce que c'était boucheux et c'était quelque chose avec lequel nous devions travailler. Donc, je vais m'asseoir ici, et tu prends juste une seconde et regardes ça. « Les plantes qui créent les meilleures boissons du monde. » Donc, si vous le regardez, le verre à martini, où nous avons choisi de le mettre, crée un séparateur. Donc, ça va créer des battements, que vous le vouliez ou non. Donc, notre travail est de mettre les mots là où le séparateur va créer les rythmes appropriés. Alors, « Les plantes qui créent les meilleures boissons du monde. » Spatialement, cela fonctionne : « Les plantes qui créent les meilleures boissons du monde. » C' est trop rompu ? Donc, je commence à avoir l'impression que c'est peut-être un peu trop disjoint. Donc, je pense que peut-être que nous pouvons même tirer ça et aller plus loin et utiliser ceci pour créer un rythme, et ensuite ceci pour en créer deux, « Les plantes qui créent les meilleures boissons du monde ». Cela a un meilleur flux vers elle. Donc, maintenant, nous avons tout cet espace négatif. Maintenant, qu'est-ce qu'on veut en faire ? Parfois, vous le laissez, parfois vous le remplissez pour cela. J' ai l'impression que c'est peut-être une occasion parfaite d'obtenir un peu plus organique avec ça. Peut-être qu'on peut mettre des fleurs ici qui imitent les plantes. On pourrait jeter des feuilles ici. Nous développons ce monde, nous développons cette marque pour ce livre particulier et ce projet particulier, et la façon dont nous avons fait cela est de passer des formes et de déterminer où se trouvent les formes à un peu plus de style à la figuration sur le style un peu plus délicatement sans avoir à entrer dans « Est-ce que ça va aller ? Est-ce que ça va aller ? Nous jouons avec la façon dont nous pouvons améliorer les choses. On le teste. Nous nous assurons que le poids et la composition sont bien faits pour que les choses importantes soient assez grandes, choses pas si importantes sont assez petites. En ce qui concerne les vignettes et les croquis, c'est ce que vous voulez faire. C' est comme ça que tu veux y arriver. Vous voulez vous assurer que toutes ces choses ont du sens, vous voulez vous assurer que vous n'omettez rien qui est important pour le client ou pour la pièce elle-même ou pour ce que la vue va voir. Je veux dire, votre travail en tant que designer est aussi de s'assurer que vous communiquez le meilleur de ce qui vous est donné, et parfois cela signifie faire des suggestions. Personne ne m'a suggéré que je devais mettre ces fleurs ici. J' ai juste pensé que ça aurait du sens. Quand je l'ai envoyé à l'éditeur, ils me diront : « C'est une super idée. » ou « Nous ne voulons pas aller dans cette direction. » Dans ce cas, cela a fonctionné et nous sommes allés dans cette direction, et c'était logique. Mais à partir de là, nous devons être un peu plus détaillés et nous devons commencer à créer une mise en page qui est préparée et prête à nous mettre dans l'ordinateur afin que nous puissions commencer à le soutenir pour notre dernière pièce. Je pense qu'il est important de simplement expliquer pourquoi il est important de travailler avec des formes, juste en général. Vous pourriez penser qu'il est tout aussi facile de dessiner des mots, grands et petits, et d'en avoir la sensation, mais la meilleure façon d'y penser est presque plus comme une façon élémentaire de le faire, où si vous découpez des formes et que vous les alignez sur un ou sur une table ou quelque chose, vous allez en obtenir une composition. Donc, vous pourriez écrire un mot vraiment grand, et vous pourriez écrire un mot vraiment petit, et vous pouvez avoir l'idée, mais les formes vous aident à obtenir le concept bas avant tout sans avoir à vous inquiéter à ce sujet. Ensuite, vous pouvez mettre les mots dans, vous pouvez faire le design, vous faites tout le lettrage, et tout ça après. Mais qu'est-ce que vous voulez faire, c'est que vous voulez obtenir les aspects essentiels de ce que vous faites vers le bas de la manière la plus facile pour votre cerveau à digérer. Vous pourriez regarder quelque chose qui a un gros titre en haut. A quoi ça ressemble ? C'est la meilleure façon de le faire, un grand rectangle. Il peut y avoir une petite ligne de texte en haut. Une ligne mince juste en haut serait idéal pour votre vignette, il suffit de désigner cette zone. Il peut y avoir une illustration à gauche en forme ovale. Alors, dessinez l'ovale. Il pourrait y avoir des textes qui vont à côté de lui et qui sont un peu plus gros. Donc, nous allons faire des rectangles légèrement plus grands ou légèrement plus petits mais légèrement plus grands qu'une ligne droite. Donc, vous définissez ces formes, vous définissez ces zones sur la page, et voilà, petite copie ici, peut-être une autre petite image ici, forme comme un diamant, un cercle, un carré. Quelles que soient ces icônes, quel que soit ce lettrage , quoi qu'il soit, ça va prendre X espace. Si vous pensez même aux journaux, c'est un exemple parfait. Un journal est tout au sujet des formes et de la mise en page sur la géométrie. Ils ont la tête de mât juste en haut, c'est généralement le logo, blah blah blah, les temps. Ensuite, ils ont quelques lignes juste ici. Ensuite, ils ont des colonnes. colonnes ne sont que des rectangles, et puis cela peut être une grande image, puis il y a d'autres colonnes en dessous. Donc, vous voyez ce qui est important ici, quelles sont les choses sur lesquelles nous devons vraiment nous concentrer. Les formes sont la meilleure façon de traiter. Il s'agit de grilles, il s'agit d'utiliser les angles et la géométrie de base des carrés, des rectangles et de leur famille lointaine et de ce que vous pouvez faire avec eux pour créer quelque chose d'intéressant sur la page. 6. Arborescence et formes : exercice de mise en page: D' accord. Donc, ce dont je veux parler un peu maintenant est fondamentalement un bon exercice pour vous aider à créer la hiérarchie, et l'espace, et tous ces trucs amusants qui aident vraiment à séparer vos informations et à les styliser. Ce que nous faisons ici en ce moment, c'est d'ouvrir un petit document Illustrator, et c'est un bon exercice à jouer. C' est quelque chose que je fais d'abord avec des petits croquis de miniatures rapides. Quand je dis des croquis miniatures, ils ne sont généralement pas plus d'un pouce ou deux de haut. C' est juste griffonner, c'est juste pour obtenir mes idées sur papier première référence. Mais illustrateur est d'une grande aide pour cela, parce que vous pouvez faire les choses très rapidement. Donc, ce que nous avons ici est fondamentalement une taille de 8,5 sur 11, et j'ai un, deux, trois , quatre, cinq rectangles disposés. Maintenant, ces rectangles peuvent représenter n'importe quoi. Ils peuvent être une ligne de présentation, un titre, un sous-titre, autre morceau de texte, quelque chose, on peut dire que ça pourrait être une couverture de livre, ça pourrait être une couverture de magazine, peut-être une affiche, pourrait être à peu près n'importe quoi. Mais pour ce cas, disons simplement que c'est une couverture de livre, et nous aurons notre petit titre d'ouverture ici, notre titre principal ici, sous-titre, auteur, et peut-être un petit tag sur quelque chose comme ça. Donc, ce que nous voulons faire est de créer une couche unique à partir de cela, et pour le moment, ce n'est pas grand-chose de rien. Je veux dire, si vous optez pour une mise en page moderne, ça pourrait déjà être un gagnant, mais essayons de faire quelque chose d'un peu plus intéressant avec ça, et nous allons lui donner un peu plus d'une sensibilité vintage juste parce que c'est très facile de démontrer comment la hiérarchie peut fonctionner si vous travaillez plus dans ce monde. Donc, fondamentalement, nous travaillons en arrière pour avancer. Donc, ce que je vais faire ici, c'est copier ceci et je vais commencer à bouger les choses. Donc, maintenant la création d'un petit slogan ici, je vais tirer vers le bas parce que je veux que ce soit près du bas. Je vais prendre ces morceaux et je vais les mettre un peu plus au milieu, et je vais juste commencer à remodeler. Donc, ici, la ligne de présentation pourrait être beaucoup plus mince, ce pas aussi important, peut-être déplacer ça vers le haut. Peut-être que le titre a beaucoup plus de sens, pour être grand, vous voulez que cela soit audacieux et pour frapper les gens sur le visage tout de suite, peut-être que le sous-titre est peut-être un peu plus étroit, mais c'est toujours un outil. Allons avec le nom de l'auteur ici, peut-être qu'on irait comme ça, et tout cela est arbitraire en ce moment, c'est juste expérimenter. Je vais prendre ce petit slogan ici, et maintenant tout d'un coup, vous avez transformé une disposition de base de cinq boîtes en quelque chose qui ressemble à quelque chose. Ça ressemble à un design. Je veux dire, si vous êtes en face de la pièce, vous pouvez regarder ça et ça ressemble à quelque chose, vous pouvez presque deviner ce qu'il y a dans ces boîtes. Donc, c'est un bon exercice de faire ça, et juste jouer avec ça. Je veux dire, vous pouvez prendre ce morceau, et vous pouvez le changer à nouveau, vous pouvez dire bien, je veux que le nom de l'auteur soit assez grand, je veux que ce slogan soit plus long, et je veux qu'il apparaisse dans une grande partie de tout ça. Je veux que ce sous-titre soit peut-être quelque chose qu'il ne prend pas autant de place, et je veux que ce soit vraiment minime, et cela ait un peu plus de place pour respirer. Donc, nous pouvons vraiment faire beaucoup pour changer le style de mise en page, sur les cinq pour ce pour quoi nous travaillons, et tout est question de formes. Particulièrement rectangles, car avec les rectangles, comme nous l'avons discuté, il est très facile de délimiter où le texte va aller. Nous lisons de gauche à droite, de haut en bas. Donc, vous pouvez voir que c'est là que les lettres pourraient être. Les lettres peuvent être ici. Vous pouvez lire ceci d'abord, puis passer à ceci, et vous lisez de cette façon, puis vous passez à ici, et ainsi de suite et ainsi de suite. Il se réunira pour former quelque chose qui a un peu plus de sens. Donc, maintenant c'est votre mise en page la plus basique. C' est quelque chose qui peut exister très facilement dans le monde moderne d'aujourd'hui, mais nous allons revenir un peu dans le temps et nous allons faire quelque chose qui a un peu plus d'une sensation vintage, et qui a beaucoup à voir avec la manipulation des formes, et vous pouvez le faire en utilisant les outils de déformation d'Illustrator car c'est une excellente technique de jouer avec elle, et de voir ce que nous pouvons faire. Donc, tout d'un coup, nous donnons à ce titre un peu d' arc en bas de la ligne de base ici. On peut prendre cette ligne de présentation et peut-être donner un arc quelque part vers le haut. Peut-être que nous voulons supprimer ça un peu. Donc, ce sont des formes basiques. Je veux dire, pensez à illustrer avec des formes d'abord et comme vous le faites, vous serez en mesure d'avoir une meilleure sensibilité de ce que vous voulez que cette conversation se sent. C' est toute la composition, et si vous êtes en mesure de faire bouger cela, ça vous donnera vraiment une bonne idée de exactement où vous voulez que votre pièce soit dans le grand schéma des choses. Comme tout de suite, nous avons quelque chose d'intéressant, et c'est génial de pouvoir rester assis ici et regarder et partir, ok, c'est certainement plus intéressant que celui ci-dessus, et nous jouons un super jeu avec les formes, et vous pouvez juste imaginer le type qui traverse cet arc ici, et le type ayant manqué ce retrait arrondi cool au milieu où le type devra suivre cette ligne de base, c'est déjà plus intéressant. Ensuite, nous avons cette belle forme de drapeau ici. Donc, ça peut être aussi détaillé que tu le voulais, on peut faire des trucs dingues avec ça. Je veux dire, bien sûr, ça devrait être raisonnable et et c'est génial si les pièces peuvent s'imbriquer de telle sorte qu'on a toujours l'impression que ça fait partie d'une sorte de grille. On dirait toujours que cet espacement a du sens. On dirait toujours qu'il y a une unité là-bas. Vous ne voulez pas que ce soit juste des formes aléatoires, comme si nous sortons ça, s'il n'y a pas de rime ou de raison parfois, juste déplacer les formes autour, vous pouvez voir que cela n'a pas nécessairement beaucoup de sens. Je veux dire, vous pouvez le faire peut-être avec des formes plus basiques, mais une fois que vous commencez à jouer avec les formes de manipulation, vous verrez un problème commencer à se produire, et vous ne voulez pas cela. Vous voulez que ce soit lisible, vous voulez qu'il soit propre, vous voulez qu'il soit lisible. Il est très important que toutes ces choses se trouvent dans ce monde, et bien sûr, vous pouvez prendre cela, et vous pouvez faire toutes choses avec cela. Ce n'est pas nécessairement un rectangle, c'est peut-être un diamant. Commencez simplement à dessiner des formes. Je veux dire, c'est des trucs d'illustrateur de base, et ça fera tellement pour vous aider avec votre flux de travail en général. Cela peut être, la forme peut être ceci, qui peut être un type là-dedans. Il peut y avoir toutes sortes de choses. Vous pouvez commencer à travailler ici. Cela n'a pas besoin d'être un rectangle, cela pourrait être une grande ellipse, vous pourriez adapter le type là dedans. Fondamentalement, partout où vous pouvez lire de gauche à droite proprement sans trop altérer les lettres, de sorte qu'il soit encore reconnaissable par l'œil humain, vous êtes en assez bonne forme. Encore une fois, le type n'a pas besoin de remplir cela complètement, cela pourrait juste être une forme que le type se trouve juste croix au milieu. Ça pourrait s'asseoir comme ça. Il n'a pas vraiment besoin d'être dans la forme. C' est juste un excellent moyen d'aider à définir votre composition, définir ce que vous cherchez à faire. Donc, amusez-vous et expérimentez avec elle et il y a une quantité infinie de mises en page que vous pouvez utiliser en utilisant cela. Vous pouvez juste voir ce qu'on a fait six d'entre eux ici très rapidement. Encore une fois, vous venez juste ici, et commencez juste à jouer avec des trucs, ça n'a pas besoin d'être quelque chose de fou. C' est juste une bonne façon de commencer à explorer l'utilisation des formes et de la composition. Donc, encore une fois, devenez rudimentaire avec elle, revenez aux bases. C' est une sorte de trucs d'enfance, découpant les choses avec papier de construction et les étalant sur une page en les collant. Je veux dire, c'est comme ça que le design graphique a commencé. Donc, c'est génial de pouvoir s'asseoir ici et faire cela de telle manière que vous pouvez essayer de jouer un peu de ton dedans, essayer de placer quelques vibrations dedans pour votre pièce globale. Si vous pouvez trouver ce concept qui vous satisfait, essayez d'accentuer cela, essayez d'accentuer cela, et essayez d'utiliser ces formes dans cette pièce pour aider à accentuer cela. Si vous faites ça, vous pouvez vraiment accomplir quelque chose de génial. Donc, assurez-vous de garder un oeil sur ça, et assurez-vous de ne pas aller par-dessus bord non plus. C' est très facile d'aller par-dessus bord avec ce truc. Je pourrais continuer à jeter des formes ici pendant des jours, et je peux continuer à le remplir et ce n'est pas la pire chose, mais ce n'est pas pour toutes les mises en page. Parfois, une mise en page comme celle-ci a plus de sens. Parfois, si vous faites quelque chose, ça pourrait être aussi simple que voici un morceau ici, voici un morceau juste ici, et voici un morceau juste ici. C' est tout aussi efficace que ça, comme ça, ils ont tous leur propre personnalité, et ils ont tous un sens pour une raison particulière. Donc, gardez un oeil dessus, il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire, et ne le faites pas simplement parce que vous avez envie de faire ce style de lettrage, faire parce que c'est approprié au ton de la pièce, et assurez-vous que cela a du sens, et une fois que nous aurons été mis en place, nous pourrons travailler facilement dans nos systèmes de type et commencer à jouer avec eux. Mais c'est la fondation, sont des morceaux de la fondation. Même si vous en faites un tas, c'est toujours génial d' en faire un tas, je suis toujours assis ici et je fais tout un tas de croquis miniatures, tout un tas de tests d'illustrateur parce que c'est rapide et facile, et vous pouvez avoir vraiment une idée de ce que l'ambiance de la pièce va être de cette façon. Donc, si vous pouvez le faire, ce serait génial, et vous pouvez prendre cela et l'utiliser comme un tremplin pour entrer dans les choses plus détaillées et pour vraiment commencer à faire ressembler ça à quelque chose. 7. Systèmes de caractères : question #1: D' accord. Donc, une fois que vous avez fini de déterminer votre mise en page de base à l'aide de vos formes et de vos méthodes de composition dont nous avons parlé, nous voulons vraiment avoir une ambiance pour ce que le système va être. Ce que nous allons définir, c'est le système, le système de type, le système de lettrage. Il y a quelques choses que vous voulez vous poser lorsque vous travaillez avec systèmes de type pendant que vous essayez de les développer et lorsque vous essayez de choisir un style. La première chose que j'aime toujours me demander est essentiellement, quel est le thème global ? Quelle est l'ambiance de la pièce ? Qu' est-ce que ça décrit ? qui cela plaira-t-il ? Fondamentalement, qui est le public ? Qui est le public et quel est le produit ? La prochaine chose, y a-t-il un lettrage ou un style de police qui me saute immédiatement ? Est-ce que cela correspond au thème particulier du travail que j'ai identifié ? Est-il adapté à l'ambiance de la pièce ? Sur cette base, est-ce une bonne chose de le faire correspondre ou est-il préférable de le comparer ? Est-il préférable de faire quelque chose d'un peu différent et de le changer ? Après cela, il est toujours bon de penser à votre lettrage et à vos polices. Vont-ils varier ? Vont-ils rester semblables ? Allons-nous opter pour des tailles différentes, styles différents, des couleurs différentes ? Allons-nous faire tout ça ou allons-nous rester un peu plus minimes ? Ensuite, comment ces choix de style de lettre prendront-ils en charge la hiérarchie ? On a fait les formes, on a compris l'espacement. Quel style de lettre va s'adapter le mieux à ces formes ? Qu' est-ce qui va vraiment mettre l'accent sur ces mises en page le meilleur ? C' est essentiellement la liste de contrôle que j'aime parcourir chaque fois que je commence une nouvelle mise en page, et cela fonctionne à chaque fois. Toutes ces questions sont universelles, elles fonctionnent pour chaque pièce de design que vous allez faire et c'est important. Gardez cela à l'esprit, c'est une de ces choses collantes que vous pouvez laisser sur le devant de votre ordinateur pour ne pas oublier, quand nous nous assurons que je fais ça, ceci, ceci, et ça parce que ça va vous aider. Alors, passons à cette première question. Fondamentalement, quel est le thème général et l'ambiance de votre pièce ? Quelle est l'ambiance générale ? qui cela attirait-il et qu'est-ce que ça décrit ? Donc, la meilleure façon pour moi de passer par ça pour toi est de passer par un projet sur lequel j'ai travaillé. C' était un récent sur lequel j'ai travaillé pour Lincoln Motor Company. C' était une publicité pour aider à distinguer l'histoire de la marque automobile et juste courir à travers une chronologie. La première chose que j'ai reçue était un mémoire de l'agence avec laquelle nous travaillons. Fondamentalement, ils m'ont donné des cartes de titre sur lesquelles j'allais travailler, des cartes de titre qui figureraient dans la publicité que j'illustrerais avec quelques notes. Il y a des notes avec voix off, on a sauté sur un appel et on en a parlé. Fondamentalement, ce que nous regardons ici, c'est que j'ai dû concevoir pour l'année 1918 et l'année 1922 et une copie de soutien. Donc, fondamentalement, ce que nous avons ici, c'est pour l'année 1918, ils cherchent quelque chose de distinctif 1918 et la même chose avec 1922. Quatre ans ne devraient pas vraiment faire une différence. Mais quand vous parlez de design, une très petite quantité de temps fait une énorme différence. Nous pouvons regarder ce que nous avons vécu au des cinq dernières années et voir à quel point le design a changé. Donc, vous ne pouvez qu'imaginer. Je veux dire, les choses changent vraiment et c'est important de faire vos recherches. Lors de la conception pour 1918, j'ai tiré un tas d'images de référence et finalement je suis descendu à certains de mes favoris, et ceci est un exemple de certains d'entre eux. Ce que j'ai remarqué, c'était encore assez décoratif, mais c'était beaucoup plus simpliste que je ne m'y attendais. Les styles de lettrage étaient très géométriques. Vous voyez beaucoup de cercles, vous voyez beaucoup de carrés et triangles qui ont vraiment l'impression qu'ils font partie des lettres. Les hauteurs X sont assez uniques. Rien n'est vraiment divisé au milieu. Les hauteurs X sont un peu plus élevées ou un peu plus basses. Même dans les cas où ils sont divisés au milieu comme dans l'exemple des écoles catholiques romaines, il n'a toujours pas cette ambiance exacte. Je veux dire, si vous regardez le R et le M, ils ne sont pas ce que vous penseriez particulièrement comme votre R de base ou votre M. de base. Vous pouvez voir qu'il y a un thème général en cours d'exécution ici. Les O sont grands et larges. Les S ont des boules géantes sur le fond. Le B est le même, la partie inférieure est beaucoup plus grande que le haut. Il y a beaucoup de ces atouts uniques qui ont été travaillés dans ces formes de lettres qui aidé à définir cette période de temps et ont aidé à définir ce sentiment. Maintenant, en sautant dans les pièces de 1922, il semble que ça devienne presque beaucoup plus sophistiqué. Nous nous éloignons d'une forme géométrique et nous nous efforçons d'améliorer le lettrage pour être plus stylisé. Il ne s'agit pas seulement de cercles, de triangles et de carrés qui font ces lettres. C' est un peu moins Art déco et c'est un peu plus moderne. C' est une différence de quatre ans, et nous voyons déjà quelque chose qui se sent beaucoup plus moderne. Vous pouvez vraiment voir cette évolution du type et cette évolution de l'imagerie. Donc, une autre chose que j'ai notée pour avoir déménagé en 1922. En outre, vous pouvez voir où la ligne de base et juste le haut des lettres se déplacent vraiment directement à travers. C' était quelque chose qui me semblait vraiment important à noter par opposition aux exemples de 1918, où vous pouvez avoir l'impression que vous pourriez commencer à faire des choses intéressantes. Surtout, si vous regardez la minuscule dans l'exemple de 1918 où il dit, « Tant qu'il vit », le genre de G pend vraiment intéressant. Ainsi, il est aussi dans les écoles catholiques romaines, le « de » la minuscule. Le f minuscule est très intéressant dans la façon dont il est conçu. Dans un exemple de 1922, il n'y a pas tellement de ça. Maintenant, si vous regardez mon lettrage pour 1918 et le lettrage pour 1922 et même seulement les mises en page en général, vous pouvez voir que j'ai vraiment référencé les pièces de référence de très près. Pour celui de 1918, je voulais vraiment aller géométrique. Les O sont grands et larges. Les hauteurs X ont ce genre de mentalité haut-bas. Même les petits sous-titres dans les titres d'ouverture où il est dit « Lincoln Motor Company », il a cette sensation très basique à elle. Il n'est pas trop orné et il utilise la géométrie d'une manière vraiment intéressante. Je ne vais pas à la mer avec aucun de ces trucs non plus, c'est presque comme un jeu de caractères de base, mais juste fait avec cette fusée de 1918 que j'ai trouvée dans mes recherches. Maintenant, en regardant le 1922, vous commencez à voir où il y a beaucoup plus de décoration à venir et il y a des floraisons qui sortent des lettres. Nous jouons avec les lignes de base, nous jouons avec les hauteurs des choses, mais tout est fait d'une manière beaucoup plus élégante. Si vous regardez ces deux code-à-côte, vous pouvez presque voir comment la version 1922 est beaucoup plus évoluée que la version 1918. Vous pouvez voir où il y a plus d'un 1918 simpliste et plus d'un 1922 sophistiqué élégant. C' est quelque chose qui, je pense, était vraiment important sur la base ces diverses ressources que j'ai tirées. Vous pouvez voir à quel point c'est important et c'est important d'honorer ça. 8. Systèmes de caractères : question #2: Maintenant, nous allons entrer dans la prochaine question que nous nous posons. Existe-t-il un style de lettrage ou de police qui correspond au thème dans lequel nous travaillons ? Nous avons identifié le thème, maintenant nous devons identifier s'il y a un style de lettrage particulier qui correspond. De plus, comment allons-nous aborder cela ? Donc, nous allons le faire comme nous sommes, nous nous attendons presque à ce que nous le fassions, ou nous allons essayer d'enfreindre un peu les règles ? Jetons un coup d'oeil à quelques exemples. C' est des trucs que tout le monde connaît. C' est comme d'accord, si nous parlons de ces styles particuliers de design, nous savons déjà quels styles de lettrage vont avec. Le premier avec lequel je vais aller, c'est mes uniformes de baseball préférés. J' ai toujours adoré les uniformes de baseball. Ils sont une grande source d'inspiration, surtout parce qu'ils sont extrêmement traditionnels. Cela vient d'un endroit où le design et l'image de marque, et toutes ces choses n'étaient pas importantes pour le sport. Le sport était beaucoup plus robuste, c'était quelque chose de passe-temps. Donc, chaque fois que vous avez vu des lettres pour les équipes de baseball, ça venait généralement des mêmes gars qui faisaient des annonces dans les journaux à la fin des années 1800, ou où les gars qui faisaient des signes sur les bâtiments. Il y avait un thème cohérent. Si vous regardez l'exemple Dodgers, ce script avec le Swoosh qui va en dessous. Que nous pensons à cela comme un logo de baseball maintenant, mais ce n'était pas un logo de baseball, c'était juste un logo de société générale qui était très populaire. Que les styles sont populaires à la fin des années 1800, au début des années 1900. Donc toutes ces choses viennent de cette région. Lorsque nous examinons cela en termes de ce qu'ils sont devenus, le lettrage devait être en gras, il devait être simple. Parce que tu devais distinguer l'équipe de l'équipe quand tu étais sur le terrain de baseball. Vous voulez pouvoir dire qui est dans votre équipe. Il y a aussi le fait que beaucoup de ces logos, ou ces morceaux de lettrage ont été répartis sur la poitrine, et beaucoup de fois ils ont été traversés dans un arc, ou d'une manière diagonale, de sorte qu'au fur et à mesure que le corps humain tourne, il se trouve d'une manière très naturelle. Donc, vous pouvez le lire, vous pouvez jouer, c'est utilitaire dans un certain sens. Il y a certainement des variations et des styles il y a la version plus blocky, il y a la version plus script, et il y a plus de toscane presque tout le temps le sentiment occidental. Tous sont très traditionnels au baseball parce qu'ils étaient très traditionnels à l'impression à l'époque où ces choses ont été inventées. Contrairement à d'autres sports, le baseball est resté assez traditionnel à la fin des années 1800, esthétique du début des années 1900, il y a certainement eu des mises à jour. Mais pour la plupart, il reste, et la quantité de décoration qui est habituellement ajoutée n' est jamais vraiment plus qu'un simple contour, ou ombre portée ici et là. Un autre bon exemple est l'armée, l'armée américaine ou à peu près tout militaire d'ailleurs. Quand vous pensez à des trucs militaires, vous pensez forts, audacieux, pochoirs, et on a toujours l'impression qu'il s'agit des pochoirs. La raison pour laquelle cela arrive est que, c'est des trucs utilitaires, et encore plus que le baseball. Ces gars ont un boulot à faire. Il n'y a pas le temps de fabriquer ces dessins sur ces vêtements, sur ces produits et sacs, et tout ce qu'ils utilisent. pochoirs sont rapides et faciles. Ils sont juste là, vous les peignez très vite, envoyez le gars sur son chemin, et c'est ce qui est si intéressant dans cette armée. Si quelqu'un vous dit armée, vous pensez immédiatement à un style particulier de police de pochoir, et c'est la belle chose déterminer votre ambiance et votre ton pour une pièce particulière, parce que si vous avez cette déjà, cela vous rend la vie dix fois plus facile, et vous avez un excellent point de départ. Donc, il suffit de parcourir ce que l'armée a vraiment à offrir en termes de lettrage. Je veux dire, vous regardez la simplicité, vous regardez très peu d'utilisation de la décoration. Ce n'est pas une organisation de fantaisie. L' armée n'est rien de fantaisie. L' armée n'est pas fantaisie, elle est basée sur l'utilité et l'efficacité. Chaque fois que vous concevez quelque chose, c'est toujours génial de pouvoir au moins avoir un clin d'œil à l'utilité de ce que vous concevez, quoi que ce soit soda, ordinateur, voitures, quels que soient les vêtements. Tant que vous avez un petit clin d'œil à elle, vous alliez contraster, ou tout simplement comme tonalement, il est bon de pouvoir les référencer d'une manière ou d'une autre. Cela crée une esthétique que les gens vont copier pour des articles de nouveauté et quoi que ce soit, mais il y a un but à cela, et il y a de l'utilité dans cela, et c'est ce qui le fait ressembler comme il le fait. C' est là que vous prenez vos connaissances en tant que graphiste et l'histoire que vous étudiez, et vous l'appliquez à quelque chose, et c'est d'où vient l'esthétique. L' esthétique vient de la façon dont l'histoire a défini certains utilitaires. Dans cet exemple particulier, nous savons exactement d'où il vient. Nous savons pourquoi il existe, et c'est ce que nous y associons. Je veux dire, chaque fois que tu verras un pochoir de ça est l'une des premières choses à laquelle tu penseras. Puis, en arrivant à l'extrémité opposée du spectre, nous pensons au luxe ici. Luxe, chaque fois que vous pensez le luxe toujours penser script, vous pensez l'élégance, et la décoration, et le style de type est généralement imiter cela. Ça semble toujours très propre. La mise en page semble toujours très propre. Il a beaucoup de place pour respirer, il y a beaucoup d'air, il y a beaucoup d'espace négatif. Mais ça ne veut pas dire que c'est illisible non plus. La lisibilité des scripts, et selon le type de script que vous utilisez, il pourrait presque devenir complètement illisible. Mais il y a aussi les scripts aide à définir une certaine caractéristique. Cela implique un certain degré de maturité et de sophistication, alors que, vous n'avez pas vraiment besoin de pouvoir le lire immédiatement. Vous supposez que la personne qui regarde ça vient d'un point de vue particulier. Un point de vue particulier de raffinement où c'est comme s'ils avaient le luxe de s'asseoir ici, et de comprendre ce que dit ce beau scénario. Je vais le tremper pour sa beauté. Avec cela, vient le lettrage de soutien qui est généralement beaucoup plus facile sur les yeux, et ce n'est pas seulement pour l'utilité, mais aussi pour l'esthétique. Je veux dire, si vous avez une belle écriture de scripts, c'est presque comme une illustration en soi. Donc, en faisant cela, vous ne voudriez pas complimenter une illustration avec une autre. Vous voudriez compléter une illustration avec quelque chose qui est un peu plus utile. C' est l'exemple parfait pour montrer l'importance de l'équilibre. Donc, vos trucs de hiérarchie sur lesquels vous avez travaillé entrent vraiment en jeu lorsque vous travaillez avec quelque chose comme ça parce que tout est au sujet de ces équilibres, tout est au sujet de ce poids et de la nature de la façon dont ces décoratifs jouent les titres les uns avec les autres. Ainsi, en utilisant ces trois exemples, vous pouvez voir comment l'utilité et la fonction, et l'historique y jouent vraiment. Ce faisant, vous pouvez aider à identifier l'emplacement de chaque style de lettrage dans son environnement particulier. Une fois que vous serez capable de l'identifier, alors vous pourrez faire le choix, est-ce que je vais m'en tenir à ça ? Est-ce que je vais devenir traditionnel ? Ou est-ce que je vais devenir fou et faire quelque chose totalement différent là où les gens ne s'y attendent pas ? 9. Systèmes de caractères : question #3: Maintenant, en passant à la troisième question, nous allons avoir x quantité de lettrage. On va avoir une copie. Alors, est-ce que ça va varier beaucoup ou est-ce qu'on va rester semblable ? Est-ce que ça va vivre dans la même famille ? Donc, je veux vous montrer deux exemples différents sur lesquels j'ai travaillé. Celle de gauche est ce style de tableau noir que vous avez vu popularisé ces deux dernières années, et c'est pour le magazine Rachael Ray. Fondamentalement, ce que nous avons ici est très orné. Nous avons beaucoup de styles de types différents. Il se passe beaucoup de choses. Sur le côté droit, nous avons le mémorandum standard qui est un projet de cahier que j'ai conçu. Ce faisant, je voulais qu'il soit très utilitaire. C' est un registre quotidien. Donc, la conception de celui-ci doit rester hors de votre chemin afin que vous puissiez le remplir avec vos propres choses. Fondamentalement, ce que vous avez ici est sur la gauche, c'est que vous avez quelque chose de très orné qui est censé se sentir personnel, mais en substance, il fait beaucoup plus froid depuis qu'il est dans un magazine. Alors, par opposition à cela sur le côté droit, nous avons quelque chose qui semble plus froid, mais une fois que vous commencez à l'utiliser, il devient beaucoup plus personnel. Ainsi, vous pouvez voir comment les styles jouent les uns autres et comment les styles de lettrage peuvent vraiment affecter l'apparence de quelque chose. Juste pour y entrer un peu, quand vous êtes assis ici et que vous commencez à concevoir quelque chose, vous vous demandez, voulez-vous que cela soit orné ? Tu veux que ce soit minime ? Comment voulez-vous communiquer ces sentiments ? Ça va être amusant ? Est-ce que ça va être sérieux ? Est-ce que ça va être utilitaire ? Est-ce que ça va être décoratif ? Ce sont des questions très importantes pour commencer à vous poser. Est-ce que ça va s'intégrer dans l'ambiance sur laquelle nous avons travaillé si dur à ce stade ? Tout doit avoir du sens. Il faut que tout se jive ensemble. Si vous décidez d'utiliser plusieurs styles, il doit y avoir un élément commun pour les garder ensemble. C' est surtout à voir avec le style de type. Vous devez voir quelques éléments communs. Dans la pièce de Rachel Ray, vous voyez que je travaille avec ce genre d'ambiance du début des années 1900 avec les hauteurs x sont différentes. Ils ne sont pas directement en face. Il y a beaucoup de x hauteurs qui sont en place. Il y a beaucoup de choses qui sont en bas. Vous pouvez voir comment il y a des liens communs dans beaucoup de ces styles, un ADN commun, mais ensuite il est également compensé par quelques scripts et quelques floraisons et quelques petits morceaux ici et là qui aident à rassembler tout cela en un seul pièce. Donc, ce que vous voyez, encore une fois, est presque comme une illustration. Encore une fois, il s'agit davantage de cette ambiance d'illustration que de ce style de conception graphique typographique froid. Si vous faites cela sans rime ni raison, il commencera à paraître bâclée. Cela aura l'air très désordonné, et vous perdrez l'harmonie que vous avez développée à travers vos formes et votre hiérarchie, vos styles et votre étude des ressources et de l'histoire. Plus vous ajoutez de styles de lettrage, plus il est difficile de le faire paraître. Donc, si vous voulez le faire, assurez-vous que vous êtes à l'aise. Maintenant, lorsque vous entrez dans des mises en page plus modernes, et que les mises en page les plus modernes voient vraiment que l'histoire du milieu des années 1900 à aujourd'hui, tout est question de propreté et d'espace et la possibilité de laisser votre design respirer et être lisible. Même quelque chose qui est aussi simple que cela peut avoir autant de style que quelque chose avec une tonne de polices différentes. Donc, la meilleure chose que je puisse illustrer dans l'exemple de bloc-notes Standard Memorandum est le fait que la hiérarchie est clairement définie. Vous pouvez certainement voir où nos formes ont été utilisées dans la conception de cela. Vous pouvez voir comment c'était 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13, 14, 15 rectangles. Vous pouvez simplement aller du haut et juste aller directement vers le bas et les compter et vous pouvez voir exactement comment ils ont été étirés et tirés et déplacés pour créer la mise en page que nous avons là. Il sert exactement le même but que le lettrage sur la gauche sert. Les deux mises en page sont complètement différentes dans la façon dont elles sont abordées, mais elles atteignent le même objectif exact : être uniques et intéressantes et créer une personnalité pour la pièce qu'elles représentent. Donc, c'est là que vos choix commencent vraiment à influer sur ce à quoi ressemblera votre travail. Rappelez-vous juste, vous n'avez pas à utiliser un millier de styles différents. Vous n'avez pas besoin d'utiliser un style. Vous pouvez utiliser deux ou trois styles. Tout cela est basé sur toutes ces choses auxquelles nous travaillons. Tout est basé sur l'histoire. Tout est basé sur vos ressources et dans votre mémoire, le ton de la pièce et tout. Assurez-vous simplement que lorsque vous travaillez dans vos mises en page de type et que vous choisissez les styles de type que vous allez utiliser, assurez-vous simplement qu'il est approprié. Le nom du jeu est approprié. Vous devez vous assurer que cela fonctionne juste. Vous pouvez entrer dans tous ces styles différents, mais si cela ne fonctionne pas et que cela n'a pas sens avec la raison pour laquelle vous définissez ce message, alors quel est le but ? L' aspect fondamental de cela est que tout cela se résume au fait que cela sert un but. La conception, en général, sert un but et ce but est de communiquer un message. Donc, c'est génial de pouvoir décorer le message, mais d'abord et avant tout, vous devez communiquer ce message et vous devez le communiquer clairement. Donc, assurez-vous que lorsque vous choisissez vos styles de type, c'est d'une manière très claire et puis quand vous êtes à l'aise, vous pouvez commencer à ajouter et soustraire et faire des choses intéressantes avec, mais assurez-vous toujours que vous êtes clair et vous êtes concis et vous êtes approprié. 10. Systèmes de caractères : question #4: Maintenant, la dernière question que je voudrais me poser quand nous en arriverons à ce point est, comment ces choix de lettres vont soutenir la hiérarchie ? Maintenant, c'est là que ça arrive vraiment à la fin et que vous choisissez vraiment exactement ce que c'est qui va définir le style. Pour ce faire, je voulais parcourir l'un de mes dessins d'affiches pour le national. qu' Je savaisqu'avec un nom comme le National, je voulais faire quelque chose d'Américain présidentiel. C' est un style amusant pour travailler. Il crée vraiment un grand visuel et il a une grande histoire visuelle à tirer. Ce faisant, je voulais faire un style de serif présidentiel très audacieux pour le lettrage. C' était très répandu au 19ème siècle et beaucoup d'affiches du gouvernement, l'ère de l'oncle Sam, ça a l'impression que ça se sent presque un peu primitif, parce qu'à l'origine, ils avaient la même ambiance que les polices San Serif le font aujourd'hui, parce que les Serifs étaient alors beaucoup plus décoratifs. Je vais y entrer dans un peu, mais je voulais vraiment ça. C' est une grande police audacieuse qui a l'ADN d' un San Serif mais il a toujours Serifs et quelques lignes décoratives à l'intérieur. Quand je vais de là, je me demande  : « Quelle est la prochaine partie la plus importante ? La chose à laquelle j'ai sauté, c'est la date, bien sûr, vous connaissez le groupe que vous voulez voir. La question suivante est : « Quand voulez-vous les voir ? La date est super importante et je voulais le faire grand et audacieux. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai pris le même genre de style que le National était , mais j'ai enlevé les Serifs et j'ai enlevé la décoration à l'intérieur. Donc, c'est toujours le même style, mais c'est un peu jeté vers le bas, et il est un peu déplacé sur la page. Quand vous regardez cela, même si vous plissez, si vous pouvez vous tenir en arrière et vous plisser, la première chose que vous verrez est la nationale et la prochaine chose que vous voyez est la date. Il est incroyablement important de s'assurer que c'est très clair. Vous voulez être en mesure d'ingérer ces informations rapidement et de le faire sans éclipser l'en-tête ou le titre principal. Ils ont l'air différents, mais cet ADN est là. Si vous regardez les pièces qui sont les mêmes, c'est la ligne et c'est la hauteur x. Ils sont très semblables. Si vous supprimez simplement une partie de la décoration sur ce Serifs, vous avez presque la police identique. Juste là et là, ces deux pièces les plus importantes ont un lien qui se crée entre elles. Cela aide vraiment à l'unifier dès le départ. Donc, une sorte de minimiser un peu et de ne pas utiliser les Serifs sur la date montrent vraiment qu'il est presque subordonné au traitement du titre principal et que vous aimeriez les Nationals, est la chose qui mérite l'attention parce qu'il a plus la décoration et vous passez à la date et vous savez que c'est important parce qu'il partage même style mais il manque une partie de l'attention aux détails que le National a. Donc, vous pouvez voir juste en faisant ces petits choix, comment vous êtes capable de développer la hiérarchie de votre pièce. Après cela, la prochaine chose importante serait l'invité spécial, c'est la prochaine information la plus vitale. L' invité spécial sera Owen Pallett. Ce que vous avez ici avec le style de police Owen Pallett et j'utilise le lettrage de police de caractères interchangeable parce que tout le monde n'utilisera pas le lettrage, certaines personnes pourraient manipuler des polices, vous pourriez faire de nombreuses façons. regardant Owen Pallett, nous voyons un style de lettrage qui est toujours dans la même période stylistique que le reste de ces pièces du puzzle jusqu'à présent. Cette période, cette Americana du 19e siècle a amassé une grande quantité d'atouts stylistiques dont vous pouvez tirer. Dans la création de cette affiche, je voulais essayer d'utiliser beaucoup d'entre eux et genre d'avoir comme ce sentiment global de National. Afin d'équilibrer les styles de lettrage que j'ai utilisés pour le National et le 30 Septembre, je voulais faire quelque chose d'un peu plus brutal en contraste qui attirera encore l'attention mais qui ne sera pas autoritaire. Ce que j'ai fait, c'est que je suis allé pour un poids de ligne plus mince et je suis allé un peu plus inné mais j'ai toujours gardé quelques choix stylistiques similaires. Si vous regardez le type National, nous avons quelques éperons qui sortent du milieu vers la hauteur X. La même chose arrive avec le visage d'Owen Pallett, sauf qu'il est un peu plus inné et qu'il est un peu plus magnifié. Donc, nous voyons en fait un peu plus de ce style se développer encore plus. C' est une excellente façon de jouer avec les styles que vous choisissez, vous allez épais et lourd, puis mince et léger. C' est génial de pouvoir équilibrer les poids des polices que vous utilisez ou les styles de lettrage que vous utilisez et de l'utiliser dans votre hiérarchie, puis une fois que vous avez dépassé le point où vous avez vos informations qui sont 100 pour cent nécessaire, alors vous pouvez commencer à jouer avec les autres trucs. Pour ça, c'est une affiche de groupe. Cette affiche a probablement été accrochée dans le lieu où vous alliez , où vous étiez, où le groupe allait jouer. Donc, vous savez déjà où ça va être alors, ce n' est pas aussi nécessaire. Lorsque vous pouvez jouer autour de cela particulièrement vivre évidemment, sont tous des petits morceaux qui aident à décorer l'affiche. J' ai donc décidé de m'amuser un peu plus avec cette partie du projet. Il n'était pas nécessaire que tout soit complètement évident, il n'avait pas à être super lisible, mais il pouvait être des supports stylistiques pour le reste du design de l'affiche. Il n'a pas besoin d'occuper une grande partie du paysage visuel. Ce n'est pas le cas, je ne suggère pas que vous jetez complètement le guide de style et que vous deviez un peu fou avec ce point, il est toujours important de rester dans le thème général dans lequel vous travaillez mais vous pouvez vous amuser avec. Si cela ne va pas prendre autant de paysage visuel, vous pouvez aller un peu dingue et vous pouvez vous amuser un peu et faire des choses intéressantes. Dans cet exemple, j'ai vraiment choisi d'utiliser divers autres styles de lettrage de la période de temps plus comme éléments décoratifs et pas autant que des éléments de communication et c'est ce que vous voyez avec certaines de ces pièces qui ont beaucoup de type ou beaucoup de lettrage. Tout n'est pas super important donc, vous pouvez vous amuser avec elle et c'est ce que j'ai fait avec cette pièce. 11. Systèmes de caractères : question #4 Suite: Je voulais juste parcourir un autre exemple de la façon dont les choix de lettres supportent hiérarchie et je voulais utiliser ce projet Dockers sur lequel j'ai travaillé. de suite, mon slip comprenait le logo, le logo devait être à l'avant et au centre. Dans mon style particulier de lettrage dessiné à la main, travailler avec un logo vectoriel propre n'est pas toujours la chose la plus facile à faire. C' est dur de les mélanger ensemble. Donc, c'était mon défi juste là, le logo a un style défini. Cependant, la campagne à laquelle cela faisait partie était plus ou moins une campagne très humaine, avait une plus grande sensation de main sur elle. Si vous vous souvenez de nos leçons tôt sur le ton et le thème, beaucoup de ces choses viennent du mémoire créatif. Donc, si quelqu'un dit, « Voici le logo, mais il doit être humain », c'est là que votre cerveau commence à barbarder et que l'équipement commence à tourner et que vous commencez vraiment à penser, « Ok, comment vais-je résoudre ce problème ? » Les mains réelles sur le terrain à elle est différente de ce que le logo suggérerait donc, comment puis-je vraiment atteindre cet objectif. Comment faire pour que cela se sente comme une pièce unifiée ? Donc, ma décision a été d'adopter une approche plus serif. Le logo Dockers lui-même, même avec l'icône d'illustration qui l'accompagne, est sans empattement tout au long du chemin c'est un poids de ligne unique, c'est essentiellement un trait épais tout au long. Donc, je voulais imiter un peu ça. Donc, avec le titre de la campagne, Men of Style, je suis allé avec cela dans un seul poids de ligne, qu'un seul coup, sauf que j'ai ajouté un peu plus de décoration et ajouté quelques sérifs. Je l'ai mis sur une arche et je lui ai donné un peu d'ombre portée. Donc, il se distingue toujours dans la composition de la pièce, mais le logo Dockers lui-même est toujours l'objectif principal. Donc, vous voyez tout de suite le numéro un et les deux pièces de notre puzzle hiérarchique. Lorsque vous regardez cette composition dans son ensemble, vous voyez vraiment le logo sans empattement pop parce qu'il est entouré tous ces styles de lettrage en série et de cette bordure dessinée à la main. C' est génial de pouvoir définir l'essence d' une campagne juste à l'intérieur de ces petites contrastes d'avant en arrière. Ce sans-empattement du logo est vraiment audacieux quand on le regarde, par rapport à tous les petits détails qui sortent des serifs en général. Je veux dire, une fois que vous utilisez un serif, vous lâchez un certain contrôle et une certaine autorité que les lettres exigent, parce qu'il y a ces petits détails là-dedans. Donc, si vous voulez le contraster avec un sans-empattement, vous allez certainement voir une certaine interaction entre les deux et dans ce cas, c'est le logo lui-même qui apparaît et qui est à l'avant-garde du design. Il est important de noter cependant, que le poids de la ligne reste assez constant tout au long. Je veux dire, je pense que les sous-en-têtes, qui, s'habilleraient comme vous voulez dire, est un peu plus varié, mais les deux choses principales, les Dockers, et, les hommes de style et l'icône Dockers ont tous ce poids de ligne constant. C' est encore une fois, semblable à la National où le National et le 30 Septembre nous sommes très proches, mais dans ce cas, il a été presque inversé, où je suis allé de serif ou sans-serif. Mais en fait, c'est que nous travaillons à partir du même type d'ADN de police de lettres, tout est toujours là, vous êtes capable de l'attacher et il semble que ça en fait partie. Même s'il est dessiné à la main, il y a toujours cette relation qui le fait fonctionner. Quand il est utilisé dans le contexte, le spectateur ne le remarque même pas, il devient juste sa propre pièce, c'est sa propre marque et c'est ce que vous vouliez vraiment faire, cette esthétique épurée des Dockers mélangée à la nature grossière de les gens du quotidien. C' est là que se dirigeait le slip et les éléments humains de imperfection se mélangeant avec la nature parfaite d'une paire de pantalons fabriqués, nous donne vraiment ce thème et nous amène vraiment à l'avant-garde et le spectateur et le client, Celui qui regarde ça, le public, aura cette ambiance. 12. Intégrer le texte et l'image: L' une des dernières choses dont je veux parler est d' intégrer le type et le lettrage à une image. Il y a beaucoup de fois où vous pouvez vous en sortir avec ne faire que taper et c'est vraiment amusant et vraiment génial, mais la plupart du temps ce n'est pas le cas. Je veux dire, surtout si vous avez des clients, il y a des produits qu'ils veulent vendre, images qu'ils doivent mettre là-bas, il y a des photographies qui doivent être montrées. Il y a beaucoup de fois où l'image est importante. Donc, vous devez décider comment votre frappe et votre lettrage vont s' intégrer dans cette image, qu'il s'agisse de photographie, de vidéo de produit, peu importe. Vous devez savoir où il va s'asseoir, et il y a beaucoup de façons différentes de le faire. Il peut interagir directement avec l'image, ou il peut interagir indirectement avec l'image, et c'est un choix que vous pouvez faire en fonction du ton et en fonction du rythme et en fonction du sentiment global que vous voulez ce particulier projet d'avoir. Je veux passer par quelques exemples et vous montrer comment j'ai travaillé à travers eux. Ces deux exemples concernent une campagne que j'ai faite avec Bing. La première qui m'a été donnée était une photographie de bicyclettes, et le titre était vélo. Donc, tout de suite, je regarde l'image et c'est des tons plus doux, couleurs sourdes, c'est très serein, tamisé, relaxant, toutes ces choses commencent à passer par ma tête, je prends des notes de toutes ces choses. Tout semble très organique, mais les vélos sont à l'avant et au centre. Donc, c'est rigide et géométrique en même temps. Il y a donc une certaine architecture. Donc, c'est presque comme regarder un paysage urbain, ou quelque chose comme ça par rapport à la nature. Vous avez une certaine quantité d'architecture humaine qui est utilisée dans une situation écologique et organique. Donc, il y a un contraste juste là. Donc, encore une fois, je pense serein, relaxant, mais maintenant je pense au contraste aussi. Juste en général, la photo elle-même se sent juste très légère et aérée. Donc, j'ai beaucoup d'espace négatif pour jouer avec. Donc, devrais-je utiliser tout cet espace négatif ou devrais-je le laisser continuer à être léger et aéré ? C' est là que les idées commencent à fonctionner et c'est là que les miniatures commencent à apparaître lorsque nous commençons à esquisser et à essayer de comprendre exactement où elles devraient être. Donc, vous pouvez voir ici, c'est mon idée initiale de ce que je voulais aller avec. Je savais que je voulais que ce soit quelque chose qui était organique et très fluide parce que vous avez la plage, vous avez les vagues, et ensuite vous avez le vélo. Une fois que vous êtes sur l'un de ces vélos de croisière de plage, c'est juste, vous vous asseyez là et vous coulez juste à travers eux et c'est très relaxant. Je voulais que le type se sente très fluide et très libre, mais une fois que je l'ai fait, il me sentait trop lourd. La pièce est très légère, très aérée. Il y a beaucoup de place pour respirer et le type lui-même se sentait trop lourd. Donc, j'ai raclé il est retourné à la planche à dessin et j'ai trouvé la pièce suivante, et c'est ce qui a fini par être la finale. C' est plus une sensation de course simple, il ressemble plus à un cadre de vélo et pourtant il est encore organique, et il apporte encore la légèreté de la nature derrière elle et le flux des vagues. Donc, j'ai vraiment essayé d'incorporer les deux dans cette pièce et toujours pas éclipser la photo elle-même. Donc, le type se trouve un peu derrière l'image et lui donne un peu de dimensionnalité. Donc, c'est agréable de pouvoir regarder cette pièce et de ne pas se sentir submergé par une seule chose. Au lieu de cela, il se sent plus équilibré, et il se sent plus comme quelque chose que vous pouvez réellement regarder et ingérer et dire d'accord, faire du vélo, plutôt que d'être simplement martelé avec trop d'informations visuelles. La même chose vaut pour la prochaine. Celui-ci était, vous pouvez voir quelques personnes dans un radeau là-dedans, c'est du rafting en eau vive là-dedans. Ils sont juste là avec l'eau vive et ça a l'air assez fou et ça a l'air assez trépidant et ils ont des gilets de sauvetage, ils avaient des casques, l'eau est très agitée. Vous pouvez voir cet élément d'intensité et presque masculinité aussi, juste l'action robuste que cette photographie capture. En outre, une fois que vous regardez l'espace négatif avec lequel vous avez à jouer, c'est un terrain accidenté. Si vous plissez et retirez nouveau et que vous regardez et voyez quel genre de formes commencent à vous apparaître, vous pouvez voir que l'espace négatif de l'eau est coupé par les rames, les têtes des gens, les épaules du peuple et le radeau lui-même . Donc, vous êtes coincé avec un sens intéressant de l'espace négatif et ce que je vais faire pour entrer dans cette ambiance. Donc, à l'envers du vélo, celui-ci est très intense, celui-ci est très intense, et il n'est pas léger et aéré. Il y a beaucoup de choses visuelles qui se passent. Il y a de la texture et des motifs partout, et c'est quelque chose qui est très distrayant pour l'œil humain. Donc, si vous allez commencer à lancer du lettrage là-dedans, ça va seulement devenir plus distrayant. Donc, mon premier choix était de jouer l'idée des vagues et à quel point c'était rocheux, et j'ai fini par aller avec un style plus léger pour m'asseoir derrière , comme je l'ai fait avec le vélo, mais ça a fini par se perdre. Elle s'est perdue très vite. C' est une pièce très occupée et ce beau détail se perd dans tous les détails de l'eau, des vagues et tout ce qui se passe. Donc, j'ai dû y retourner et j'ai dû trouver quelque chose. Donc, ce à quoi je pensais était, une bonne façon de vraiment l'amener à un bon endroit était de rendre le type vraiment lourd et vraiment épais et de prendre beaucoup de cet espace négatif et vraiment le faire remplir donc c'est presque sentiment claustrophobe, parce qu'il aide à enflammer ce sentiment que la photographie essaie de se dégager, où c'est juste, il n'y a pas où aller. Tu es dans ce petit radeau et c'est vraiment fou et je voulais que le genre imite ça. Donc, j'ai pris le type et j'ai commencé à le concevoir pour qu'il prenne presque autant d'espace négatif que possible. J' ai fait un épais, donc il était audacieux et facile à lire, et j'ai rendu le style un peu plus rigide. Ce n'est pas si libre et il n'y a pas beaucoup de signaux bouclés et ceci et ça. Ce n'est pas seulement une journée à la plage, c'est quelque chose de vraiment intense. Vous pouvez imaginer le sentiment d'être dans ce radeau et d'être jeté d'avant en arrière. Si vous deviez être dans un radeau et passer sur ces lettres, cela aurait une sensation similaire parce qu'il y a bords durs et il y a des coins pointus, et c'est quelque chose qui a fini par faire de cette pièce un succès. était de réévaluer le ton et de prendre vraiment en considération ce que l'image essayait de dépeindre. C' est une bonne chose à faire, si vous avez le temps et la capacité de vous asseoir là et de dire, « Ok, qu'est-ce que cette image me dit et comment puis-je exprimer cela et comment puis-je le faire juste en général, mieux pour le public, l'auditoire ? » C' est génial de pouvoir raconter cette histoire, en utilisant une photo que quelqu'un vous donne dans le cadre du mémoire et vous répondez tout de suite avec quelque chose d'aussi vital et tout aussi important. Cela aide vraiment à créer la composition d'une manière significative. C' est quelque chose qui prendra de l'exercice et c'est quelque chose sur lequel vous devrez travailler afin de faire les bons choix, et c'est correct si vous faites les mauvais choix parce que vous apprendrez d'eux et c'est ce que c'est tout à propos. Mais en regardant ces choses et en voyant comment elles fonctionnent ensemble, vous pouvez voir comment vous pouvez utiliser toutes ces choses dont nous avons parlé et créer de très belles pièces de travail. 13. Explorez la conception dans Skillshare: façon.