Méthode des maîtres : peinture académique classique

1. Introduction: Bienvenue dans le monde de la peinture à l'huile avec Steve Simon. Il existe différentes manières d' aborder la peinture à l'huile dans ce cours. Et dans mon prochain cours, nous examinerons deux approches ou méthodes nettement différentes La méthode que nous allons explorer dans ce cours est la méthode originale enseignée dans les académies établies au début de la Renaissance Et il a prévalu en tant que système dominant utilisé par les maîtres pendant environ trois siècles Elle est donc parfois appelée peinture académique classique ou méthode des maîtres. Il s'agit d'une approche systématique qui aborde les complexités de la forme, la valeur et de la couleur en plusieurs étapes distinctes de relever ces défis séparément vise à simplifier le défi de la peinture et, pour les débutants, à minimiser la frustration. Toute peinture prima, que nous explorerons dans le prochain cours, est une approche beaucoup plus rapide qui aborde simultanément la forme, la valeur et la couleur. C'est le style de peinture qui a historiquement gagné en popularité auprès des impressionnistes. De nombreux étudiants débutants sont impatients de se lancer directement dans la peinture All Prima, attirés par sa qualité plus picturale et son association avec l'impressionnisme Cependant, de par sa nature même, All Prima aborde simultanément la forme, la valeur et la couleur, remettant ainsi en question la méthode des maîtres. L'objectif de ce cours est donc un point de départ important développement de tout peintre à l'huile. En d'autres termes, même si vous recherchez un style plus pictural et impressionniste dans votre travail et qui ne le fait pas, je vous recommande vivement de vous enraciner dans les maîtres présentés dans ce cours Dans ce cours, je vais faire une démonstration étape par étape de cette peinture en utilisant cette méthode contrôlée dans le temps. Merci de votre intérêt et j'ai hâte de vous voir en classe. 2. Courte leçon d'histoire: Tout d'abord, une petite leçon d'histoire. La première Académie d'art Bona Fide a été fondée à Florence en 1563 Cette académie, et d'autres qui suivront, ont élaboré toute une pédagogie sur la manière dont la sculpture et la peinture devraient être enseignées Cette instruction était assez rigide et exigeante sur le plan académique Il comprenait une étude approfondie de la géométrie, l'anatomie et de divers autres sujets académiques. Il y avait un effort distinct à l'époque pour établir une distinction entre l' art et l'artisan Les artistes devaient être des intellectuels et non des ouvriers. Cet art académique a prospéré en Italie, s' est étendu en France, puis dans toute l'Europe L'art de la Renaissance, qui avait débuté en Italie, a cédé la place au baroque, au rococo, au néoclassicisme Mais malgré l'évolution de ces mouvements, la technique générale de peinture à l'huile au sein ces mouvements est restée relativement constante. Aujourd'hui, la plupart des étudiants des académies n'étaient pas autorisés à peindre avant d'avoir démontré des compétences avancées Dessiner les formes de maquettes ou de statuaires, comme disons cette statue des trois muses leur faudrait peut-être dessiner quelque chose comme ça sous différents angles. Et pour être en mesure de restituer avec précision la forme et la valeur ou l'ombrage bien avant qu'ils ne puissent passer du pinceau à la toile et à la peinture Notre amie ici présente, Augusta. D'une manière générale, la peinture était considérée comme ayant trois niveaux fondamentaux de complexité, forme, de valeur et de couleur. Il s'ensuit que le processus de peinture doit être structuré en conséquence. La peinture avait donc une technique en trois phases. Tout d'abord, dessinez un formulaire ou créez un sous-dessin sur le canevas Ensuite, établir de la valeur en appliquant une sous-couche sur la toile, puis en appliquant couleur sur le dessus de cette sous-couche Aujourd'hui, dans la méthode classique de peinture académique, la dernière étape d' application de la couleur était traditionnellement réalisée dans une série de glaçures translucides, dans lesquelles la peinture à l'huile était diluée avec un médium appliqué, laissée sécher avant d'appliquer une couche suivante De cette façon, la couleur est réellement accumulée sur des couches translucides successives. théorie, la lumière se refléterait sur les couches inférieures vers le haut, même avec un effet réduit, pour donner aux peintures une certaine luminosité Dans un souci de simplicité, je ne présenterai pas la technique de la couche émaillée, mais simplement l'application d'une couche de couleur comme dernière étape. Au fil des ans, quelques renégats, comme France Halls et Rembrandt, se sont écartés de l'idée de laisser sécher les couches avant d' appliquer plus de peinture, en utilisant ce que l'on appelle de la peinture humide sur humide Il est intéressant de noter que c'est une invention d' un artiste américain du nom John Rand qui a ouvert de nouvelles possibilités. À cet égard, Rand a inventé le tube de peinture pliable en 1841 Avant l'invention de Rand, peintres broyaient leurs propres pigments, mélangeaient leurs propres peintures au d'un processus fastidieux sans aucun moyen efficace de conserver la fraîcheur des peintures. En quelques décennies, les impressionnistes, grâce aux tubes de peinture que nous tenons aujourd'hui tous pour acquis, avaient désormais la latitude de travailler rapidement et en extérieur Ils ont largement abandonné l'approche stratifiée des maîtres qui les ont précédés et ont peint à la prima, c'est-à-dire à la première tentative, en créant souvent des peintures entières en utilisant une c'est-à-dire à la première tentative, créant souvent des peintures entières technique humide sur humide. C'est la technique que nous apprendrons dans le prochain cours. Aujourd'hui, vous trouverez des peintres de tous bords utilisant différentes méthodes. à vous de décider si vous choisissez ou non d'utiliser C'est à vous de décider si vous choisissez ou non d'utiliser la méthode des Maîtres comme méthode préférée. L'apprentissage de cette méthode est toutefois fortement recommandé car vous développerez certainement vos compétences en tant que peintre. Personnellement, j'utilise la méthode des maîtres pour certains tableaux et tous les Pm pour d'autres. Et parfois, comme dans ce tableau, je peux utiliser des aspects des deux dans le même tableau. En fin de compte, l'efficacité d' une technique accroît l'efficacité d'une autre. Dans le prochain segment de ce cours, je présenterai la méthode du master à l'aide exemples de mon propre art avant de passer à notre projet de classe, où je démontrerai la méthode dans le cadre d'une démonstration étape par étape. 3. Théorie et exemples: Voici Bell Rock dans la belle ville de Sedona, en Arizona, où j'ai vécu 14 ans avant de déménager dans le New Hampshire Pendant mon séjour, j'ai peint beaucoup de roches rouges et je les ai publiées dans ce livre de Sedona Comme pour la plupart de mes peintures de paysages, je m'appuie sur plusieurs photos pour créer une composition. Dans ce cas, j'aime bien la composition générale de la première photo. J'ai emprunté les nuages de la deuxième photo. J'aime bien la tige du stylo et les fleurs sur la troisième photo. En utilisant ces inspirations, je prends ensuite un bâton de fusain et je dessine l'image sur la toile que je vais peindre du point de vue de la méthode des maîtres Nous avons maintenant abordé le premier niveau de complexité, qui est la forme, et accompli la première étape, le sous-dessin Après avoir abordé le premier niveau de complexité, qui est la forme, nous nous concentrons maintenant sur le second niveau de complexité, qui est la valeur associée à l'image source principale. À titre de guide, nous créons maintenant ce lavis monochromatique. Pour créer ce lavis, nous diluons nos peintures avec un diluant à peinture. J'utilise du sel gam puis j'applique la peinture comme si c'était de l'aquarelle sur la toile Dans cet exemple, j'ai utilisé le matériel source comme guide, mais j'essaie également de résoudre certaines relations de valeur. J'ai l'impression, par exemple, les soucis du désert et leur verdure se perdent au premier plan leur verdure se perdent au Je vais donc assombrir la base de De même, j' ai envie que la butte sur le côté droit soit plus légère afin ne pas autant concurrencer Bell Rock, le centre d'intérêt de la peinture de paysage Nous essayons également de créer l'illusion de profondeur et la variation de la valeur est un moyen important d'y parvenir. Vous pouvez voir la montagne et le fond lointain. Je l'ai également allégé pour lui permettre de reculer davantage dans le tableau En abordant la valeur de cette manière, nous avons maintenant atteint la deuxième étape de la méthode des maîtres, à savoir la sous-peinture Certains artistes n'utilisent que noir et des nuances de gris pour cette couche C'est pourquoi on l'appelle parfois griz, d' après le mot français désignant le gris En fait, je préfère utiliser un mélange de Sienne brûlée et de bleu outremer. Nous n' appellerions donc pas cela une sous-couche grise, mais plutôt une improvisation dont forme et la valeur sont désormais solidement établies Il est temps de passer à la troisième étape Couleur. Comme nous le savons, la couleur a l'attribut non seulement de valeur, mais également de teinte et de saturation. Si vous pensez avoir besoin d' une meilleure compréhension de la couleur ou de la façon de mélanger les couleurs, veuillez consulter mon cours sur le mélange des couleurs. Au cours de cette dernière étape d'application de la couleur, nous mélangeons essentiellement une couleur notre palette dont la teinte et la saturation correspondent simultanément la valeur que nous avons déjà définie dans notre sous-couche. Je tiens maintenant à souligner une légère mais importante incohérence Lorsque la sous-couche est créée, elle est créée à l'aide d'un lavis Lorsque ce diluant sèche, l'image apparaît environ 10 à 15 % plus claire lorsque j'applique couleur sur le dessus de la sous-couche J'en tiens compte et j'applique une couleur légèrement plus foncée que la sous-couche Cela se voit dans la différence valeur entre ces deux images. Jetons un coup d'œil à un autre exemple. Vous vous souvenez peut-être de cette image de mon cours sur le mélange des couleurs. Voici Deganawta, Hiawatha Autotaro, le dessin sous-jacent d'un tableau, une peinture allégorique de ce que l'on appelle la Grande Loi iroquoise de la paix . Vous vous demandez peut-être comment avez-vous pu dessiner cela ? Croyez-le ou non, j'ai en fait posé pour chacune des figures , puis j'ai monté la composition dans Photoshop Encore une fois, si vous n'êtes pas tout à fait sûr de vos compétences en dessin, veuillez consulter mon cours de dessin pour peintres, conformément à la méthode des maîtres. Une fois le sous-dessin terminé, c'est l'heure de la sous-couche Encore une fois, j'ai utilisé de la Sienne brûlée, de l'outremer français, et j'ai dilué ces peintures avec du Gamsol pour créer un lavis semblable à de l'aquarelle que j'ai appliqué comme j'ai Ensuite, fidèles à la forme, nous terminons avec notre troisième étape d' application de la couleur, en utilisant la somme de nos deux étapes précédentes comme guide pour la forme et la valeur. Joignez-vous à moi pour le prochain segment de notre projet de classe, où nous rassemblerons toutes ces leçons dans d'une démonstration étape par étape de la méthode des maîtres. 4. Projet partie 1 - Sous-dessin: Bienvenue dans le projet. Voici une photo que j'ai prise du Noble Lighthouse à York, dans le Maine. C'est la photo avec laquelle nous allons travailler dans le cadre de ce projet. Bien que nous allons modifier un peu la composition, le centre d'intérêt est bien sûr ce complexe de phares situé sur l'île. Je veux que cela occupe une place plus importante dans la composition Je vais donc raccourcir ce juste milieu où se trouve l'eau et aussi recadrer une partie du premier plan Je l'ai fait dans Photoshop et utilisant également l'outil de clonage de Photoshop. J'ai déplacé le bâtiment rouge avec le drapeau dessus pour améliorer également la composition. Maintenant, ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas Photoshop. Je voulais juste profiter l'occasion pour vous montrer que vous pouvez toujours modifier vos photos pour améliorer la composition Je savais également que je voulais peindre cette image sur une toile de 12 x 16. J'ai donc recadré l'image au format trois par quatre Vous pouvez trouver ces deux images dans la section des ressources de téléchargement du projet et dans la section des ressources de ce cours. Nous allons commencer notre projet avec une toile de 12 x 16 pouces. Et nous allons diviser cette toile en carrés de quatre pouces, créer une grille de trois par quatre. L'image source que j'ai fournie est quadrillée de la même Cette grille va nous donner une référence qui nous permettra de dessiner plus facilement notre composition. Pour créer ce sous-dessin, j'utilise du fusain de vigne et une gomme nécessaire Si vous n'êtes pas sûr de vos compétences en dessin, veuillez consulter mon cours de dessin pour peintres, qui était le deuxième de ce programme de dix cours de peinture à l'huile. Lorsque nous créons ce sous-dessin, nous nous intéressons uniquement aux formes des éléments de la composition. En d'autres termes, nous créons un dessin de formulaire intéresse pas du tout à l'ombrage Nous utilisons notre grille ici pour établir ce que j'appelle PPO, c' est-à-dire la proportion, le placement et l'orientation. Nous commençons simplement par les plus grandes formes, estimant les éléments sous forme de grandes formes, puis en vérifiant si j' ai la bonne proportion, je les ai placées correctement, si elles sont orientées correctement orientées correctement Ensuite, nous faisons simplement des ajustements à partir de là. Et vous pouvez voir à quel point le réseau nous aide dans ce processus. Il est beaucoup plus facile d'établir la proportion, le placement et l'orientation des éléments dans les cases de trois sur quatre que dans le canevas plus large de 12 sur 16. De plus, nous commençons par niveau les plus grossières, ou les formes les plus basiques, puis nous les affinons au fur et à mesure, en ajoutant des détails dans les grandes formes au fur et à Dans cette composition particulière, il est assez important d'être assez précis l'architecture des bâtiments de l'île, mais ce n'est probablement pas tant sur les rochers situés sur la rive opposée, ou peut-être sur l' écume marine dans l'eau, ou même sur les rochers au premier plan Nous avons ici la première étape du processus, le sous-tirage. Joignez-vous à moi dans le prochain segment vidéo pendant que nous aborderons le sujet sous-jacent 5. Projet partie 2 - Peinture sous-jacente: Bienvenue dans le projet. Nous avons terminé notre sous-dessin et il est maintenant temps de commencer à travailler sur la sous-couche. À ce stade, nous nous concentrons uniquement sur les valeurs À ce stade, de nombreux artistes se contentent de créer un griz traditionnel, dans lequel nous n'utilisons que du noir et des nuances de gris Je préfère faire ce que nous appelons une impromatura, qui consiste à utiliser tons de terre et de bleu pour la sous-couche, en particulier de la Sienne brûlée Ensuite, j'utilise Gamsol comme diluant pour créer le nettoyant. La raison pour laquelle je préfère utiliser des tons naturels plutôt que des tons de gris, c'est que même si nous nous concentrons sur la valeur à ce stade, il est parfois utile et instructif d'avoir au moins un petit guide colorimétrique pour passer à l'étape suivante, lorsque nous appliquons avoir au moins un petit guide colorimétrique pour passer à l'étape suivante, lorsque nous appliquons de la couleur En particulier dans les zones où la sous-couche peut devenir un peu complexe ou même confuse Sans ces touches de teinte lorsque vous progressez dans la sous-couche, il est généralement conseillé de commencer par les plus grandes zones C'est également l'occasion pour nous d'apporter quelques ajustements aux valeurs que nous voyons dans nos sources. J'ai l'impression que le ciel est un peu trop sombre, alors je vais l' éclaircir un peu, surtout vers l'horizon Vous pouvez voir que j'ai commencé ici, dans le ciel, en utilisant simplement de l'ultramarin français puis je suis passé à l'eau, en ajoutant un peu de Sienne brûlée juste pour le différencier un Il est important de souligner que même si je joue avec deux teintes différentes ici, l'accent est mis sur la valeur. Je porte des jugements sur la valeur que je vois dans le matériau source et essaie soit de le reproduire, soit de le modifier légèrement j'essaie soit de le reproduire, soit de le modifier légèrement de manière à améliorer le tableau Lorsque vous travaillez avec de la valeur, il est également très utile de définir les lumières les plus claires et plus sombres relativement tôt Maintenant, les lumières les plus claires de cette composition se trouvent, bien sûr, sur les parties de l'architecture et aussi sur l'écume de mer. Les ténèbres les plus sombres se trouveront dans cette zone de premier plan, là où se trouvent les rochers J'ajoute maintenant les zones les plus sombres, puis nous établirons un autre lavage pour les roches mouillées dont la valeur est presque identique à celle de l' Parfois, si une couleur est très saturée, comme c'est le cas pour les verts, il peut être un peu difficile d'en évaluer la valeur avec précision . Si vous trouvez que c'est le cas, il est utile de plisser la couleur du matériau source, puis de plisser la couleur que vous appliquez sur la toile pour avoir une idée si elles sont proches de la même Vous pouvez également placer une échelle de valeur à côté de votre matériel source et faire le même exercice de strabisme Si vous le faites ici, vous devriez obtenir une valeur d'environ 6,2 et vous pourrez ensuite reproduire cette même valeur sur votre sous-couche Bien entendu, toute l' herbe n'a pas une seule valeur. Nous apporterons également certains de ces changements de valeur subtils à notre sous-peinture Comme la couleur du toit est si proche de celle de la Sienne brûlée, je vais simplement utiliser ma sienne à combustion directe pour la représenter sur la sous-couche Je ferai de même avec d' autres teintes rouges de valeur similaire. À partir de maintenant, nous continuerons à travailler sur les détails architecturaux avant de passer aux rochers. De temps en temps, vous serez confronté à une situation dans laquelle vous souhaiterez alléger une valeur que vous avez déjà placée sur le canevas Et pour ce faire, vous pouvez utiliser votre pinceau comme une gomme simplement un peu diluant sur le pinceau et en l' utilisant pour soulever la peinture Vous pouvez également utiliser une serviette en papier et l'utiliser comme gomme à effacer condition que le linge soit encore suffisamment humide Nous terminerons en parcourant à toute vitesse la sous-couche des rochers sur la rive de l'île et les rochers au premier plan Quelques touches finales à l'herbe et à l'eau. Voilà notre sous-couche terminée. Joignez-vous à moi dans le prochain segment vidéo alors que nous entamons la troisième et dernière étape de l'application de la couleur. 6. Projet partie 3 Appliquer la couleur: Si vous peignez de longues félicitations, nous sommes arrivés jusqu'ici. Jusqu'à présent, nous avons vraiment fait deux choses. Nous avons créé notre sous-dessin et notre sous-peinture que nous pouvons également appeler notre grise À ce stade, nous avons abordé deux niveaux de complexité. Le premier est la forme ou la forme des choses, n'est-ce pas ? Et le second est la valeur, est-à-dire le degré de clarté ou d'obscurité des choses. Nous sommes maintenant bien préparés pour passer à l' étape finale, où nous appliquons simplement de la couleur à l'intérieur des formes et pour qu'elles correspondent aux valeurs. À ce stade, nous voulons probablement faire un petit inventaire. Avons-nous fait les choses correctement ? Il y a des choses que je pense devoir ajouter à cela à ce stade, ou suis-je prêt à partir ? Il y a, par exemple, certains formulaires que je n'ai pas ajoutés, comme la balustrade du phare Il se peut que certaines choses ne soient pas tout à fait correctes dans mes valeurs et dans ma peinture mes valeurs et dans ma peinture, mais je peux y jeter un coup d' œil et c'est un point de référence suffisamment solide pour sûr qu'à l'étape finale où j'applique de la couleur, je pourrai réussir à réussir ces choses Cela dépend vraiment de vous à ce stade. Voulez-vous apporter ces modifications maintenant ou êtes-vous sûr de pouvoir les étape finale , au cours de laquelle nous appliquons la couleur, cela dépend vraiment de vous à ce stade. Dans cette dernière étape, lorsque nous appliquons de la couleur, nous voulons généralement travailler de l'arrière vers l'avant. Nous allons donc commencer par le ciel. Au cours de l'étape de sous-peinture, l' une des modifications que j'ai apportées a consisté à éclaircir un peu le ciel et à le rendre plus clair à l'horizon, puis légèrement plus sombre à mesure qu'il s' élève dans le On dirait que nous allons commencer à environ 2,5, à l'horizon, puis nous assombrir subtilement au fur et à mesure que nous montons dans le ciel À l'horizon, nous utilisons principalement bleu cérilien et du blanc, puis nous ajoutons lentement de l' outremer français au fur et à mesure que nous montons La subtile gradation de valeur et de teinte conférera à notre ciel un effet atmosphérique qui n'est pas évident sur la photo Je vais également accentuer un peu les nuages. J'aime la diagonale qu'ils créent et façon dont elle équilibre la diagonale dans l'écume de mer. Lorsque je peins le ciel, j'utilise des cheveux naturels, Filbert Ils aident à appliquer généreusement de la peinture, mais comme je veux que les nuages se retirent dans cette atmosphère, je veux peindre leurs bords Pour ce faire, j' utilise désormais un plat synthétique, qui est plus propice au mélange Une fois que nous serons satisfaits du ciel, nous pourrons aller de l'avant et commencer à travailler sur le complexe du phare. Aujourd'hui, l'architecture comporte beaucoup de coins et de lignes quadrillés Au lieu d'utiliser le filet naturel que nous avons utilisé sur le ciel, qui a des poils arrondis, nous allons utiliser un plat naturel que nous avons utilisé sur le ciel, qui a des poils arrondis, nous allons utiliser un plat naturel à poils plats. En continuant à utiliser notre sous-peinture comme guide de valeurs, nous continuons à mélanger les couleurs et à les appliquer sur la toile en conséquence Maintenant, cette approche en trois étapes faire le sous-dessin, puis à appliquer la sous-couche, à laisser sécher, puis appliquer de la couleur est ce que nous appelons une approche humide sur sec. En d'autres termes, de la peinture humide sur une toile sèche. Cela permet aux artistes de créer des détails, arêtes plus nettes et des formes bien définies Parfois, cependant, ces attributs ne nous intéressent pas nécessairement. Comme nous l'avons noté, certains maîtres historiques tels que Halls et Rembrandt se sont écartés de la méthode académique qui privilégie la peinture humide sur peinture sèche et ont osé peindre humide sur humide dans cette peinture Regardez la broderie dorée sur la veste rouge. Cela a clairement été peint mouillé sur mouillé. Et vous pouvez en constater l'impact. Il y a moins de capacité à obtenir des détails. Les arêtes ne sont pas aussi nettes les formes ne sont pas aussi bien définies. Mais Rembrandt ne recherche clairement pas ces attributs dans cette partie du tableau C'est la même approche que je vais adopter pour les fenêtres. Les fenêtres sont suffisamment éloignées pour que je n'aie pas besoin chaque détail de chaque vitre et de chaque volet. Nous allons d'abord peindre cette surface mouillée sur mouillée, commençant par une masse grise pour la fenêtre en général, puis en ajoutant quelques touches de blanc humide sur notre gris mouillé pour définir un peu plus la fenêtre De plus, nous n' avons pas besoin de trop nous attarder pour faire les choses exactement comme il faut. Il sera possible de modifier cela plus tard. En fait, en général, nous devons veiller à ne pas ajouter trop de détails à ces éléments qui sont assez éloignés de nous. Si nous ajoutons trop de détails, nous aurons l'impression d'être inventés. Et nous aborderons également ces éléments dans notre esprit. Et cela irait à l' encontre de notre désir de créer une impression de profondeur dans la peinture De temps en temps, il se peut que vous ayez besoin de soutenir votre poignet pour éviter que votre paume touche le sol sur la peinture humide. Pour soutenir votre poignet, vous pouvez utiliser ce que l'on appelle un bâton mâle. Pour moi, j'utilise simplement ce long goujon en bois. Il est soutenu par mon chevalet en bois au-dessus et je le tiens avec ma main gauche en bas. Je travaille sur certains des toits avant de me diriger vers la zone gazonnée qui s' y vers la zone gazonnée qui s' Encore une fois, je vais utiliser une approche hybride entre la méthode académique et la peinture humide sur humide. Je vais utiliser la sous-couche pour établir deux valeurs pour cette zone herbeuse Ensuite, nous allons revenir sur cette zone humide en ajoutant des tons sombres et des reflets. Tout comme pour nos fenêtres, il n'est pas nécessaire d'utiliser des arêtes vives ou des détails serrés. Je pense que Rembrandt conviendra mouillé sur mouillé, c'est bien dans ce domaine Je vais terminer ce bâtiment , puis passer aux rochers qui dépassent dans l'herbe, travailler sur la clôture qui surplombe la maison, puis définir cette ronce Ensuite, il est temps d' avancer sur le banc rocheux. Je commence par les valeurs sombres de l'occlusion. Les ombres ou les petits coins et recoins résistent à la tentation d'utiliser noir ou de la peinture grise pour essayer de savoir si ces ombres sont chaudes ou froides, ou comment vous voulez qu'elles se ou comment vous voulez qu'elles Ils me semblent cool, je les peins très insaturés, bleus foncés et violets. Les rochers constituent un défi et une opportunité intéressants. Elles apparaissent sur la photographie sous la forme d'une masse de couleur relativement homogène. Cette uniformité de couleur est un peu inintéressante. Ce que nous allons faire, c'est égayer cette zone en introduisant une variété de teintes de couleurs Les tons moyens, je vais les peindre sous forme de bleus et de verts froids. Les zones surlignées que je vais peindre jaunes chauds, des oranges et des rouges Je vais toujours les peindre selon les mêmes valeurs que celles prescrites dans la sous-couche Et les teintes seront correctement insaturées. Mais cette variété de teintes va donner à cette zone des vibrations de couleur souhaitables. Ensuite, je vais m' approcher de l'eau de la même manière que je me suis approché de la zone herbeuse. Nous allons utiliser la sous-couche pour définir deux valeurs différentes de l'eau Ensuite, nous utiliserons la technique humide sur humide pour ajouter un peu plus de variété de teintes et de valeur. Vous remarquerez également que je peins l'eau d'une teinte différente de celle de la photo. Je vais expliquer pourquoi je fais ça dans une minute. En ajoutant quelques reflets provenant du phare , puis des vagues éclaboussant le long de la rive L'eau peu profonde mêlée à l' écume marine a une valeur et une teinte différentes de celles de l'eau que nous venons Nous allons maintenant établir cela en utilisant une subtile variété de teintes et de valeurs. Ensuite, nous travaillerons sur les crevasses sombres ces roches humides en utilisant principalement du violet et du bleu ici En évaluant la surface des roches mouillées, j'ai également l'impression qu'elles seraient un peu plus intéressantes s'il y avait un changement de teinte plus important entre cette zone et l'eau Je vais procéder à la rendre en utilisant un peu plus de violet. Encore une fois, tant que je suis fidèle à la valeur établie dans la sous-couche, je peux m'en tirer avec ces subtils changements de teinte Nous allons ajouter un peu de bleu en utilisant notre technique humide sur mouillé juste pour apporter un peu plus d'intérêt. Il y a un instant, j'ai dit que j'allais expliquer pourquoi la teinte de l'eau avait changé. Pour m'y aider, je vais ouvrir ma roue chromatique. Si vous regardez la couleur que j'ai peinte, les pierres mouillées, elles se trouvent quelque part ici sur la roue chromatique. Si vous regardez la couleur de l' eau sur la photo, elle tombe sur la roue chromatique juste ici. Ensuite, si vous regardez la couleur que j'ai peinte, l'eau, elle tombe sur la roue chromatique juste ici. Comme vous pouvez le constater, la couleur que j'ai peinte sur l'eau est beaucoup plus proche de celle que j'ai peinte sur les rochers. Ensuite, la couleur de l'eau photographiée correspond à la couleur que j'ai peinte sur les rochers. couleurs situées les unes à côté des autres sur la roue chromatique sont appelées couleurs analogues, et elles créent une harmonie dans le design des couleurs La couleur que j'ai peinte, l'eau, est plus harmonieuse que celle que j'ai peinte sur les rochers. Ensuite, l' eau photographiée est de la couleur que j'ai peinte sur les rochers même sans la roue chromatique. Je pense que cela a un sens intuitif. De plus, une fois que nous avons pris la décision peindre les roches mouillées, en violet, il est très difficile d' imaginer que l'aquarelle de la photo soit coordonnée avec cette couleur violette. C'est un mot pour les sages. Une fois que vous commencez à déplacer votre couleur, vous devez faire attention à la façon dont elle pourrait s' harmoniser avec certaines des couleurs des autres éléments de votre composition Bon, assez de théorie des couleurs. Revenons à la démo. Nous passons maintenant à l'avant-plan immédiat des roches sèches Et encore une fois, nous allons commencer par les endroits les plus sombres, comme les rochers de la rive opposée Ce sont des rochers de granit. Nous sommes peut-être enclins à peindre différentes nuances de gris sur les vitres ou quelque chose comme ça, mais nous n' allons évidemment pas le faire une fois Nous allons utiliser un peu de magie des couleurs et insaturer une variété de teintes différentes pour donner encore plus d'intérêt à cette zone Encore quelques coups, et voilà, vous avez fini de peindre. Merci de m'avoir rejoint dans cette démonstration. Et si vous avez déjà peint, n' oubliez pas de soumettre votre projet à la section des projets et des ressources de ce cours pour que j'y jette un coup d' œil et que les autres étudiants puissent y jeter un coup d'œil. Merci encore et bonne peinture.