Masterclass d'orchestration, partie 2 : laiton, voix et guitare | Jason Allen | Skillshare
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Masterclass d'orchestration, partie 2 : laiton, voix et guitare

teacher avatar Jason Allen, PhD, Ableton Certified Trainer

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      2:39

    • 2.

      Le format de ce cours

      1:57

    • 3.

      Précédemment en orchestration !

      1:14

    • 4.

      Comment ces résultats fonctionnent

      6:22

    • 5.

      Dynamique en laiton

      3:39

    • 6.

      Notes longues et respiration

      1:47

    • 7.

      Articulations

      2:54

    • 8.

      Transposition !

      1:55

    • 9.

      Les cornes : la portée et le son

      7:22

    • 10.

      Une note sur les cornes

      3:33

    • 11.

      Les types de trompettes

      3:38

    • 12.

      La trompette : la portée et le son

      3:03

    • 13.

      Les types de trombones

      5:13

    • 14.

      Le trombone : la portée et le son

      5:38

    • 15.

      Les types de Tubas

      2:45

    • 16.

      Le Tuba : Gamme et son

      2:51

    • 17.

      Mutes

      7:09

    • 18.

      Multiphonique

      1:08

    • 19.

      "Forces" dans un orchestre

      4:00

    • 20.

      Pitché et non Pitché

      4:19

    • 21.

      Timpani et forces

      4:18

    • 22.

      Rouleaux et course

      3:47

    • 23.

      Maillets

      5:37

    • 24.

      S'incliner

      7:45

    • 25.

      Notation

      6:18

    • 26.

      Kit de batterie

      2:05

    • 27.

      Comment fonctionne la voix

      4:45

    • 28.

      Tessitura et gamme

      3:40

    • 29.

      Notation et symboles

      7:01

    • 30.

      Respiration

      3:57

    • 31.

      Le Soprano : la portée et le son

      5:49

    • 32.

      L'Alto : la portée et le son

      2:40

    • 33.

      Les ténors : la portée et le son

      3:55

    • 34.

      Les basses : la portée et le son

      2:40

    • 35.

      Countertenors

      5:22

    • 36.

      Le reste

      1:14

    • 37.

      Instruments pour piano et clavier

      11:47

    • 38.

      La harpe

      10:22

    • 39.

      Orgue

      4:23

    • 40.

      La guitare

      7:18

    • 41.

      Tablature

      3:21

    • 42.

      Dynamique de la guitare

      2:18

    • 43.

      Accordéon

      2:41

    • 44.

      Tout le reste

      2:14

    • 45.

      Qu'est-ce qui vient suivant ?

      2:24

    • 46.

      Conclure !

      0:36

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

130

apprenants

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À propos de ce cours

Taux de réponses 100 % ! Chaque question postée dans ce cours est répondu dans les 24 heures par l'instructeur.

Êtes-vous un auteur, un interprète, un compositeur ou un compositeur en herbe qui cherche à monter votre jeu ? C'est l'endroit où commencer.

Il est temps d'apprendre l'orchestration pour donner à votre musique la puissance, la passion et la prodigiousness qu'elle mérite.

L'orchestration est l'étude de chaque instrument de l'orchestre, son fonctionnement, sa façon d'écrire pour eux et sa façon d'entrer en collision avec les autres pour faire de nouveaux sons. Pensez à la peinture : L'orchestre est votre palette de couleurs. Mais vous ne voulez pas simplement les mélanger tous ensemble. Vous devez comprendre certains principes de mélanger ces couleurs ensemble avant de mettre votre pinceau sur la toile.

Dans cette série de cours, nous allons travailler sur trois choses :

  • Instrumentation : Savoir comment tous les instruments de l'orchestre fonctionnent et comment écrire pour eux de manière idiomatique.

  • Composition : Utiliser l'orchestre pour écrire de la musique puissante. Apprendre à mélanger les différents sons de l'orchestre pour créer un nouveau son, unique.

  • Synthèse : Utiliser un logiciel de production commun (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Pro Tools, Cubase, etc.) pour créer un son d'orchestre réaliste à l'aide de bibliothèques d'échantillons.

Dans ce cours, "Partie 2 : Laiton, voix et guitare" nous allons nous concentrer entièrement sur l'instrumentation - apprendre à écrire pour le laiton (trompette, trombone, cornes françaises et tuba) la voix (soprano, mezzo-soprano, alto, contre-ténor, ténor, baryton, basse), la percussion, la guitare et d'autres instruments class, le piano, l'accordéon, et plus

encore.Si vous ne me connaissez pas, j'ai publié beaucoup de cours ici. Ces cours ont été très efficaces (les meilleurs vendeurs en fait ! ) et c'est l'un des cours les plus demandés par mes élèves (plus de 1 000 000 d'entre eux) Je suis vraiment enthousiaste de pouvoir enfin vous apporter cela.


Voici une liste de certains des sujets que nous traiterons :

  • Comment les instruments en laiton font du son
  • Dynamique en laiton
  • Respiration
  • Articulation en laiton
  • Types de trompettes
  • Types de trombones
  • Types de tubas
  • Types de cornes (ou cornes français)
  • Mutes en laiton
  • Forces en laiton dans un orchestre
  • Les percussions en pente et non en pente
  • Rouleaux et coups
  • Percussions courbées
  • Problèmes de notation de percussion
  • Kit de batterie
  • Tessitura et portée de la voix
  • La gamme et la couleur de soprano
  • La gamme et la couleur alto
  • La gamme et la couleur mezzo-soprano
  • La gamme de contre-ténor et la couleur
  • La couleur de la gamme ténor
  • La gamme et la couleur du baryton
  • La gamme et la couleur des basses
  • Écrire pour le piano
  • Écrire pour le clavecin, le piano à jouets et d'autres instruments au clavier
  • Écrire pour la harpe
  • Écrire pour l'orgue
  • Écrire pour la guitare
  • Écrire pour d'autres instruments frettés
  • Problèmes dynamiques avec la guitare
  • Guitare et tablature
  • Écrire pour l'accordéon
  • Et beaucoup, beaucoup, bien plus !

Ma promesse à vous :

Je suis un compositeur et un éducateur de musique à plein temps. Si vous avez des questions s'il vous plaît envoyez-les dans le cours. Je vous répondrai dans les 24 heures.

Qu'est-ce qui me qualifie pour vous enseigner ?

En plus d'être compositeur et éducateur, j'ai également un doctorat en musique, je suis professeur de musique universitaire et j'ai une longue liste de prix pour l'enseignement.

Mais plus important : j'utilise ces choses tous les jours. J'écris de la musique professionnellement, je suis un guitariste actif, et je reste au courant de toutes les dernières techniques de production, des flux de travail et des styles. Comme vous le verrez dans ce cours, j'adore simplement ces choses. Et j'adore l'enseigner.

Commençons !

Rendez-vous dans la leçon 1.

Tous les meilleurs,

Jason (mais appelez-moi Jay...)

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Teacher Profile Image

Jason Allen

PhD, Ableton Certified Trainer

Enseignant·e

J. Anthony Allen has worn the hats of composer, producer, songwriter, engineer, sound designer, DJ, remix artist, multi-media artist, performer, inventor, and entrepreneur. Allen is a versatile creator whose diverse project experience ranges from works written for the Minnesota Orchestra to pieces developed for film, TV, and radio. An innovator in the field of electronic performance, Allen performs on a set of “glove” controllers, which he has designed, built, and programmed by himself. When he’s not working as a solo artist, Allen is a serial collaborator. His primary collaborative vehicle is the group Ballet Mech, for which Allen is one of three producers.

In 2014, Allen was a semi-finalist for the Grammy Foundation’s Music Educator of the Year.

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Level: Intermediate

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Transcription

1. Introduction: Très bien, bienvenue à la deuxième partie de l'orchestration. Dans ce cours, nous allons reprendre là où nous nous sommes arrêtés. La première classe. Nous avons travaillé à lire des partitions, à traiter des partitions , à des parties, à travailler en général avec un orchestre, puis nous avons travaillé profondément dans les cordes, puis dans les vents. Dans ce cours, nous allons commencer par aller profondément dans les soutiens-gorge. Nous allons parler du fonctionnement des cuivres. Et ensuite, nous allons entrer dans chaque instrument de la famille des cuivres. Nous allons commencer par les cornes ou les cornes françaises, les trompettes, les trombones, les tubas. Ensuite, nous allons travailler sur des techniques spéciales de tous, les muets. Deux autres choses bizarres qu'ils peuvent faire. Si vous voulez qu'ils le fassent. Ensuite, on va se lancer dans les percussions. Nous allons parler de percussions lancées et lancées. Le cas bizarre des coups de timbales, maillet, boeing. Oui, vous pouvez utiliser des percussions et des choses de notation bizarres et éventuellement travailler avec un kit de batterie au sein d'un orchestre. Ensuite, nous parlerons de la voix. Nous parlerons de la voix à la fois par rapport au travail dans un orchestre et à l'acquisition. Notation, symboles, paroles, respiration. Et ensuite, nous parlerons également chaque instrument individuel, pour ainsi dire. Ainsi, la soprano, l' alto, le ténor, la basse et toutes les gammes qui se trouvent entre elles. Ensuite, la catégorie de tout le reste. Nous allons en parler. Guitares, autres instruments frettés, la harpe, pour laquelle il est très difficile d'écrire. Le piano, l'accordéon. Quelques réflexions générales sur la façon dont l'écriture pour tout ce qui fonctionne. Nous allons terminer la partie instrumentation dans ce morceau. Nous allons donc passer par tous les instruments d' orchestre et quelques autres. Cela nous permettra de sauter lourdement dans l'orchestration dans la troisième partie. Plongeons donc et apprenons comment fonctionnent tous ces instruments. 2. Le format de ce cours: Très bien, donc le format de ce cours sera fondamentalement le même que le premier si vous avez pris ça. Mais ce que nous allons faire, c'est que nous allons vraiment concentrer sur l'instrumentation dans cette classe, qui est une façon chic de dire tous les instruments de l'orchestre et certains instruments qui ne sont normalement pas dans le orchestre. Nous allons donc commencer par les cuivres. Et ce que nous allons faire, c' est diviser cela en trois parties. Nous allons parler de choses uniques auxquelles il faut penser avec les cuivres. Des choses comme le fonctionnement des cuivres, les problèmes dynamiques, respiration, certaines articulations, des choses comme ça. Ensuite, nous allons entrer dans chaque cuivres et parler de la gamme et de tout ce qui est particulier à propos de ces instruments. Ensuite, la troisième partie de la section en laiton est constituée de techniques spéciales utilisant des sourdines ou quoi que ce soit de ce genre. Toutes les différentes sections vont essentiellement suivre ces trois choses. On va le faire, des percussions, des instruments de voix et de crédit et des choses comme ça. La raison pour laquelle je l' ai configuré de cette façon est que vous puissiez l'utiliser comme référence ultérieurement. Vous pouvez revenir et dire : Ok, d'accord, quoi dois-je savoir ? À propos du trombone ? Et vous pouvez aller juste au trombone, ou regarder les trucs de laiton au début ou les trucs de laiton à la fin. Si vous voulez faire quelque chose de bizarre avec le trombone, j'espère que cela aura un sens logique et que vous pourrez y revenir et l'utiliser comme référence à l'avenir. Mais je suggère vivement le regarder jusqu'à la fin. abord, juste pour vous familiariser avec le fonctionnement de tout et le genre de tableau d'ensemble. Cool. OK, c'est cool. 3. Précédemment en orchestration !: Je surveille beaucoup trop la loi et l'ordre, donc ça me rend vraiment excité à l'idée de pouvoir y aller. Précédemment dans Orchestration. Je voulais juste nous rappeler où nous en sommes dans le premier morceau, que j'espère que vous avez regardé. Mais dans la première classe, nous avons parlé des partitions, des partitions, des parties instrumentales, transposition et de la façon dont j'aime aussi la transposition. Je n'adore pas la transposition. Nous allons faire face à d'autres transpositions ici dans cette classe. Ensuite, nous avons parlé des cordes. Tout ce que nous devons savoir sur les cordes est en première classe. Et les bois et tous les différents bois. C'était tout ce qui était en première classe. Donc, si vous cherchez à faire référence à des choses plus anciennes, revenez à celles-ci. Mais plongeons maintenant et passons aux cuivres. Cool. On y va. 4. Comment ces choses fonctionnent: Ok, les cuivres, les cuivres, principalement ce dont nous parlons ici, c'est du trombone, de la trompette, tuba, du cor ou du cor français, parfois de l'euphonium. Ces autres sur cette image sont des cornets moins courants, fluides, cornes de volonté, trompette naturelle. Vous le voyez dans une sorte de musique classique plus ancienne. Mais surtout, les trompettes, les trombones, les cornes et les tuba sont nos principaux instruments. Parlons donc de la façon dont ils font leur son. Ils ont donc tous un embout buccal. Je n' ai pas de cuivres, apparemment. Je ne peux pas le démontrer. Je vais montrer l' embout buccal sur un rouleau de ruban adhésif. L'embout buccal, la partie dans laquelle vous soufflez. Différent pour tous les instruments. Pour les instruments supérieurs, il est plus petit et pour les instruments plus grands, il est plus grand. Le trou, et c'est probablement lié à un tuba. C'est probablement trop grand, mais c'est dans ce stade. Donc, la façon dont ces données ne donnent pas l'air, n'est peut-être pas la façon dont vous pensez. Le joueur ne se contente pas de mettre l'embout buccal sur sa bouche et souffler. Ce n'est pas comme ça que ça fonctionne. Ils doivent vraiment bourdonner. Donc, ils bourdonnent comme avec leurs lèvres ensemble, comme ça. Cela produit une bonne partie du ton. Et l'instrument lui-même amplifie le son. C'est ce que font beaucoup de tubes. Il aide également à façonner la hauteur de la tonalité. L'instrument fournit également une grande partie du son, mais une partie provient directement de l'armature. C'est ainsi que la maturité signifie la façon dont vos lèvres se connectent à l'embout buccal qui produit une partie du ton. Maintenant, une chose particulièrement délicate cuivres a peut-être remarqué que si vous regardez comme une trompette, regardons, voyons si nous pouvons zoomer un peu sur cette trompette ici. Trois vannes. Cela signifie-t-il qu'il ne peut jouer que trois notes ? Non. Il peut jouer plusieurs octaves. Si les notes peuvent jouer chromatiques, vous jouerez toutes les notes de ces octaves. Alors, comment y parvenir avec seulement trois vannes ? Eh bien, de deux façons. abord, si vous pensez à toutes les combinaisons possibles de ces trois vannes, y compris les trois en bas des trois soupapes. Il y a d'autres options. Une autre chose est qu'il y a des trompettes les plus modernes, c'est une sorte de quatrième valve cachée. Et c'est cette bague ici. Ils tiennent la trompette comme ça. Ils jouent leurs doigts comme ça. Et ensuite, leur petit doigt est dans ce petit anneau et ils peuvent s'en sortir. Et cela prolonge un peu le tube. Et ce genre de choses ouvre une nouvelle série de combinaisons de notes pour quand c'est ouvert, afin qu'elles puissent en obtenir plus. Cependant, ce n'est toujours pas suffisant. Le reste du temps, ce qu'ils doivent faire. Et c'est vrai pour tous les cuivres. Ils doivent utiliser leur propre brochure, la façon dont leurs lèvres poussent l'air à travers leur embout buccal. Pour trouver délicatement la bonne connotation. Si vous pensez, pensez à la série Overtone, rappelez-vous, si vous avez déjà regardé la série Overtone auparavant, je le dis, il y a un motif à cela. C'est la note fondamentale. Et puis la suivante remonte la série d'harmoniques sous forme d'octave. Et puis la prochaine étape qui est une cinquième, puis continue et continue à partir de là. Disons que je suis à la trompette et que je voulais jouer la note G. Je pouvais doigter la note G, c'est très bien. Ou je pourrais doigter la note C puis ajuster mes lèvres pour jouer la deuxième partie, ou désolée, la troisième partielle de cela parce que ce serait une octave et un cinquième au-dessus, donc ce serait un G. Les joueurs de cuivres doivent manœuvrer cela. Et je pense que j'en parle parce que parfois, si vous leur donnez une note élevée, l'automne nulle part , et que vous dites simplement : Voici un B plat haut sur une trompette, c'est assez haut sur une trompette. Pas de contexte, juste bam, clou. Cela peut être un peu dangereux. Mais si vous leur donnez une échelle allant jusqu'à ce si bémol, beaucoup moins dangereux. C'est donc logique parce qu'ils sont amateurs, peuvent s'ajuster pour obtenir cette note. Mais quand ils n'ont qu'à prendre une note élevée de nulle part, cela peut être difficile. C'est là que vous obtenez ce que nous appelons des notes fractionnées. où vous êtes ici, peut-être un nœud, puis la bonne note. Que c'est un problème pour les cuivres. Les joueurs professionnels peuvent le faire à coup sûr, mais il vaut la peine de comprendre cette idée d'utiliser leurs lèvres pour trouver délicatement ces partiels supérieurs. Parce que c'est vraiment dur. Je n'ai jamais vraiment joué de cuivres. J'ai déjà parcouru une trompette puis un trombone, mais je n'en ai jamais vraiment étudié une. Je trouve presque incroyable qu'ils puissent le faire. Ils peuvent les trouver. Mais ils le peuvent. C'est le mécanisme sonore du laiton. 5. Dynamique en laiton: Parlons un peu de la dynamique avec les cuivres. Les laiton sont bruyants. Ils peuvent être très bruyants. Cela peut être le plus fort dans l'orchestre très facilement. Ils peuvent faire des choses calmes. Mais pensez à leur dynamique comme étant, pensez à leur portée forte comme étant plus forte que le reste de l'orchestre. Si vous écrivez quelque chose où la violence et les clarinettes, trompettes jouent toutes la même note. Ils sont tous marqués Fortissimo. Nous allons entendre les trompettes. Nous n'allons pas entendre ces clarinettes du tout. Et j'entends probablement une partie du timbre des cordes, mais pas beaucoup. Ils peuvent donc être très bruyants. Vous pouvez maintenant écrire un solo silencieux délicat pour le cor, la trompette, le trombone ou même le tuba. Tout va bien. Mais sachez simplement que si vous écrivez du mezzo-forte, toute la section en laiton, pensant que cela va se fondre dans un cordon. Ils vont être plus forts que tout le reste. Probablement un bon chef d'orchestre, quel genre de travail pour équilibrer cela ? Mais les soutiens-gorge sont forts. Une autre chose à propos des cuivres, c'est qu'ils peuvent faire des choses calmes et délicates, mais pas trop calmes. Il faut juste une certaine quantité d' air pour faire un son sur ces choses. S'ils retiennent l'air et réfléchissent vraiment au peu d'air, vous pouvez pousser dans la bouche tout en faisant bourdonner vos lèvres. Comme s'il fallait une certaine quantité d'air pour qu'ils bourdonnent. On ne peut pas écrire comme une des choses que j'aime écrire pour tous les instruments, si je peux, est un crescendo de Néandertal. Je l'écris partout. En fait, je ferme la pièce sur laquelle je travaille actuellement, mais je vais le remonter plus tard. Le crescendo antique est lorsque vous écrivez n minuscule sur une note ou un 0, il y a parfois plusieurs façons de noter cela. Ce n'est pas vraiment un moyen standard de le noter. Puis un crescendo jusqu'à ce que disons mezzo forte. Ce que cela signifie, c'est de commencer par rien et de crescendo dans la note. Alors sortez de rien. J'adore ce son. Je l' écris tout le temps. Vous pouvez écrire cela pour les chaînes. Vous pouvez écrire cela pour la plupart des victoires. Les doubles lectures sont moins bonnes. On ne peut pas écrire ça pour les cuivres, ça ne fonctionne tout simplement pas. Vous entendrez leur entrée parce qu' ils doivent avoir une certaine quantité d'air. Il faut donc les commencer comme un pianissimo, moins pour qu'ils produisent du son. Sinon, vous entendrez ce son cliquer sur un point aléatoire. Ce n'est pas bon. Ils ne peuvent pas se calmer délicatement. Ils ont besoin d'une certaine quantité d'air. 6. Longues notes et respirations: Les RAS ont besoin de respirer davantage que les vents. N'oubliez pas qu'il faut plus d'air. Plus l'instrument est gros, plus il faut d'air. Vous pouvez demander à une trompette de tenir une note plus longtemps que vous ne pouvez demander à un tuba de tenir une note. Le tuba va avoir besoin de plus d'air. Il va falloir que des quantités plus massives d'air sortent de cet humain pour produire ce son. Ils vont manquer d'air. Maintenant, cela ne veut pas dire qu' ils ne peuvent pas jouer de longues notes. Ils peuvent jouer le long des notes. Mais selon le tempo, un bar, deux barres, trois barres. Vous ne voulez pas que les tubas aient une note de 32 bars. Je ne vais pas travailler. Vous allez le tuer. Les trompettes ne peuvent pas supporter une note longue non plus sans respirer, mais elles peuvent la rendre un peu plus longue. Selon la note. Si c'est vraiment une note élevée, ils ne peuvent pas. Notes élevées, respirez plus. Les notes basses, il suffit de pousser plus d'air à travers pour faire sortir ces notes hautes. Soyez donc attentifs à cela avec des cuivres pour moi en cas de doute, je leur donne des restes. Si je n'ai pas quelque chose d' important à faire pour eux, je les laisse reposer parce que je veux pouvoir les utiliser aussi. Je veux qu'ils aient un ensemble complet de poumons quand j'en ai besoin. Je pense que c'est tout. N'oubliez pas qu'ils ont besoin de respirer plus que les vents. 7. Articulations: Donc, lorsque vous pensez aux rythmes pour les cuivres, vous pouvez penser à essayer de faire les syllabes, de dire les syllabes. Cible, cible, Takata, comme ça. C'est ce que leur langue doit faire pour produire des rythmes plus rapides. Ce que ta langue fait pour aller , je dois mettre une étiquette. Je l'ai pris sur Takeda ciblé. C'est ainsi que c'est l'une des façons dont ils produisent des rythmes plus rapides. C'est un peu comme ce dont nous avons parlé et les vents, ils utilisent leur langue pour arrêter la valve, arrêter le flux d'air et produire des rythmes. Vous n'avez pas vraiment besoin de penser à ça avec des cuivres. Pas beaucoup de vent non plus. Ils sont doués pour faire des rythmes rapides et compliqués. Le laiton plus haut que le laiton inférieur. Des trucs comme les trompettes. Ils sont vraiment habitués à faire comme Daga, Daga, Daga, Daga, Daga, Daga, Daga, Daga, Daga. Ces choses rapides. C'est comme des trucs de répertoire standard. L'euphonium, le tuba. Pas tellement, mais pas pour la raison que vous pourriez penser. Je n'ai pas tendance à écrire des rythmes rapides et compliqués pour ces instruments à cuivres bas. Mais ce n'est pas parce qu'ils ne pouvaient pas le faire avec leur bouche. Je veux dire, le mécanisme est à peu près le même. Ce sont les vannes. Les valves de trompette, vous allez comme ça. Vannes Tuba. Prenez tout votre doigt. Si vous avez des notes de changement là-dessus, c'est difficile. Ce sont de grosses vannes et il peut être fort de les entendre parfois appelées clientes simultanées. Mais s'il s'agit d'une note stable, si c'est juste la même note qui va fouiller dans les données, alors vous pouvez le faire dans un tuba. Trombones, c'est la même chose qu'ils ont à faire face à cette diapositive. Donc, s'ils avancent très vite, ils devront peut-être aller d'ici à ici, ils vont avoir une crise. Mais s'ils sont sur la même note pour entrer, ils peuvent s'en occuper. Ok, donc vous n'avez pas vraiment à trop penser aux rythmes. À moins que vous ne fassiez quelque chose là où ils doivent courir, comme faire une ligne chromatique à travers des rythmes très rapides et compliqués. J'éviterais cela. Mais sinon, ils peuvent gérer assez facilement la complexité rythmique, rythmique. 8. Transposition: La transposition, ma chose préférée. La bonne nouvelle, c'est que la mauvaise nouvelle, c'est que tous les cuivres transposent des instruments. La bonne nouvelle, c'est que c'est un peu plus facile. Ils sont tous en si bémol, à l' exception du cor français ou du cor, qui est un F, et parfois G, change. Une des nombreuses choses que j' aime dans le klaxon. Quoi qu'il en soit, plus tard. Mais trombones, trompette, tuba, ils sont tous en F, désolé, en si bémol. Je pense que la trompette naturelle est peut-être en C parce qu'elle n'est pas pertinente. La trompette naturelle est quelque chose que vous ne verrez pas très souvent. C'est essentiellement une trompette sans vannes. Et donc ils obtiennent toutes les notes en parcourant ces séries d'harmoniques. En tant que bugle, Bugle est essentiellement une trompette naturelle. Vous ne les utiliseriez vraiment que pour des périodes très spécifiques . Vous voulez. Le son d'une trompette naturelle parce que vous imitez les années 1600 ou quelque chose comme ça. Je ne sais pas. Une trompette naturelle, nous sommes à la mode. Mais si vous faisiez quelque chose qui avait une composante visuelle qui écoutait l' armée ou quelque chose du genre. Vous pouvez utiliser une trompette naturelle ou simplement un bugle droit, qui, je pense, est un peu plus petit. Mais en général, n' utilisez pas de trompette naturelle. Je passe à autre chose. 9. Les cornes : plage et son: Ok, parce que je le taquinais depuis un moment maintenant. Commençons par les cornes. Tout d'abord, parlons des noms de ces choses. Le cor français. Il n'y a sans doute rien de français là-dedans. Je ne me souviens pas d'où vient le terme français. Mais dans le jargon orchestral moderne, nous avons tendance à les appeler simplement le cor. C'est pourquoi je ne cesse de dire cor, puis de me corriger en me disant cor français. Et je ne sais pas si c'est exact. Mais pour moi, quand quelqu'un parle du cor français, je pense à un joueur étudiant. Je pense à un artiste de lycée, un lycéen. Quand j'entends le mot klaxon, je pense à ce même instrument, mais à un joueur professionnel, je ne sais pas pourquoi c'est le cas. Je pense que c'est juste mon snobisme enraciné qui sort. Mais vous pouvez appeler ces cornes françaises ou vous pouvez les appeler klaxon. C'est très bien. Je pense que le terme le plus professionnel est Horn. Cependant, la blague dans le biz est la prononciation réelle de cet instrument est votre blague que nous avons. Mais c'est souvent comme ça qu'ils sonnent pour moi. Ce truc de connotation où ils essaient de frapper une note et ne l'ont pas tout à fait compris. C'est donc comme une note haute et tombe sur une note fracturée. Avant d'entrer dans mon dédain pour le klaxon, parlons simplement des choses normales dont nous devrions parler. Le klaxon est un F. Ils ont un petit interrupteur quelque part qui les amène parfois à être en G. Je ne comprends pas vraiment comment cela fonctionne, mais vous n' avez rien à penser. S'ils le font, ils se transposent seuls dans leur tête. Vous n'avez pas besoin de transposer autre chose que f. Écriture, f pour voir. Ils sont habitués à lire la clef basse et clef aiguës car ils ont une large gamme. J'en dirai plus tard. Sonne jusqu'à ce si bémol et jusqu' à ce concert F. Voici un autre diagramme. Mais ils disent que c'est la zone de sécurité. Est-ce f, qui est une octave supérieure à celle que nous avons vue dans le diagramme précédent. Jusqu'à ce G. C'est ce que ce graphique considère comme la plage de sécurité. Cette plage, qui est une octave à partir d'ici, est la plage complète. Jusqu'à cela, voyez, la gamme professionnelle complète de l'instrument. Le klaxon a un son très serré. Il a le son c'est presque comme s'il était constamment étranglé. Allons entendre quelque chose très beau son là. Ce joueur de cor, nous venons d'entendre. Joueur de cor pour n'importe quel orchestre. C'est l'un des meilleurs joueurs de cor au monde. Ça a probablement l'air vraiment beau. Mais il a le ton que j' essaie d'expliquer, c'est que dire que c'est un ton étranglé est la meilleure façon de le décrire. Beaucoup de gens sont vraiment attirés par le cor parce qu'ils entendent le cor dans ces grands moments de cuivres utilisés dans les partitions de films. Ceux-ci sont cool. Ceux-ci nous relient vraiment à Holst. Je pense vraiment que c'est de là que nous créditons ce son. Et il y avait beaucoup de choses sympas à ce moment-là. Il y a juste de meilleures façons de le faire maintenant. Désolé. Je dois tellement arrêter de traîner sur le klaxon. Je vais consacrer une vidéo entière qui sera la prochaine vidéo. Et je vais juste parler de laquelle le klaxon me dérange tant. Si vous ne voulez pas m'entendre parler du klaxon, passez à côté de la vidéo suivante. Que diriez-vous de ça ? Allons-y. 10. Une note à propos des cornes: Bon, donc voici le truc. Le klaxon, avec tout le respect que je vous dois. Le klaxon est un instrument extrêmement difficile à jouer. C'est tellement délicat. Ce que vous avez à faire avec votre bouche chez l'amateur, c'est très compliqué. Le tube est fou. Je pense simplement que ce n'est pas un instrument qui a été très bien conçu. Comme je le fais. Ce n'est pas une opinion populaire et s'il vous plaît ne prenez pas cela en dehors de ce cours. C'est juste entre toi et moi. Ça n'a pas l'air magnifique. Oui, c'est le cas. Lorsque nous l'entendons dans le contexte des meilleurs joueurs, l' un des meilleurs joueurs du monde le joue. Oui. Mais en soi, ce n'est tout simplement pas extrêmement, ce n'est pas un son génial pour moi. Si vous assemblez toute une partie de cornes, vous pouvez obtenir une corde épaisse. Mais ce n'est pas fiable. Comme tant de fois. J'ai écrit des pièces d'orchestre là où il y a ce grand moment, puis le cor entre et s'en va. Et il frappe le grand son climatique. Et au lieu de ce grand moment avec ce retour, ce que je reçois c'est le grand moment, puis ça le ruine. Ce n'est pas parce que j'ai eu un mauvais joueur, c'est parce que la chose est si difficile. C'est tellement difficile de jouer de manière fiable. J'ai perdu confiance en elle. Donc, quand nous allons dans cette gamme, ce qu'ils appellent une fourchette de sécurité ici, ce F à G. La raison pour laquelle je glousse un peu quand j'expliquais que, pour moi, la portée de sécurité de la la corne est ce fond D de la clé des aigus à environ cela, soit moins qu'une octave. Je sais que c'est terrible, mais c'est vraiment là que je suis assez à l' aise d'écrire pour que le klaxon fasse des trucs dans cette gamme parce qu'ils n'ont pas de chances de les comme la fracturation de la note est vraiment bas, mais ils sont toujours tout à fait possibles. J'écris pour des cornes avec une gamme extrêmement conservatrice , et nous aimerions plutôt écrire pour des téléphones fiscaux de tennis. Essentiellement. Encore une fois, il ne s'agit pas d'un jargon d' orchestration normal. C'est un pur éditorial d'opinion. Je vais m'arrêter maintenant et dire de belles choses sur les cornes pour le reste de ce cours, pour tous ceux qui sautent cette vidéo, ce sera notre petit secret. J'ai connu d'excellents joueurs de cor dans ma vie. Ce sont de bonnes personnes. Ils s'entraînent dur parce qu'ils jouent d'un instrument impossible. Désolé, cornes, tu n'es pas mon préféré. 11. Les types de trompes: Bon, passons à la trompette, où je n'avais que de belles choses à dire. Pour commencer les différents types de trompettes. La trompette la plus standard est la trompette B plate. Si tu dis juste trompette, tu vas avoir celui-là. La trompette en B plat. La trompette C. Il a une cloche un peu plus longue, elle a un ton un peu différent. C'est assez subtil. C'est un peu comme un son plus lumineux . Mais c'est écrit en C. tout simplement génial pour des gens comme moi. Est-ce que cette chose s'appelle la trompette de poche, qui est une sorte de trompette écrasée ? Corne frugale. Ceux d'entre vous qui ont plus d'un certain âge se souviendront d'un certain Chuck Mangione. Il a rendu célèbre la corne de grippe. C'est un peu comme une grosse trompette. C'est vraiment un son crémeux. C'est vraiment très délicieux. C'est un peu plus bas Le son remplit la même gamme, une plage similaire à celle des cornes, cornes françaises, si vous voulez. Pas standard dans un orchestre. Mais je les ai déjà vus dans des orchestres. Ce P Java, je ne sais pas ce que ça dit. On dirait un jouet. C'est une trompette en plastique. Peut-être. J'ai vu deux de ces cuivres en plastique sortir ces derniers temps. Ils sont plutôt cool parce qu'ils sont bon marché et ils sont parfaits pour les débutants sans investissement important. J'en ai parlé maintenant que j'y pense à un bon ami qui est trompettiste. Que pensez-vous de ces instruments en plastique ? Et il a dit : Le Grand, Vous n'allez pas sortir sur scène et un orchestre avec eux, mais pour les gens qui apprennent à jouer à un prix abordable. Très bien. Quoi qu'il en soit, nous n' allons pas nous en occuper. Il y a une trompette en D, une trompette dans la clé de D. Un peu plus brillante encore. Il y a la trompette Piccolo. C'est vraiment haut. Vous les entendez dans des foires de fans et des trucs comme ça. Trompette très haute. Il y a un bugle dont nous avons parlé. Pas de vannes. En orchestre. Orchestre standard. Vous allez probablement écrire pour la trompette en si bémol. Vous pouvez écrire pour la trompette C si vous le souhaitez. La plupart des trompettistes professionnels ont un petit sac spécial qu' ils transportent un bémol en B et une trompette C. Vous pouvez écrire pour l'un ou l'autre. Et ils auront probablement les deux sous la main. En fait, la prochaine fois que vous allez au concert de l' orchestre et de l'orchestre, trouvez les trompettes. Cherchez-les. Vous pouvez voir juste à côté du trompettiste un peu debout avec une autre trompette. C'est soit il y aura un plat ou un C, selon celui qu'ils jouent actuellement. Souvent, ils l'ont juste à côté d'eux sur un petit stand. Ils ont donc les deux prêts tout le temps. Ce sont différents types de trompettes. Vous pouvez vous en attendre à n'importe quel autre type. Vous allez devoir faire quelque chose de spécial et demander qu'ils soient utilisés. 12. La trompe : plage et son: Ok, donc la portée de la trompette, basse F affûtée jusqu'à cette scène. Cette scène est un peu célèbre sur la trompette. C'est un peu comme si vous imaginez dans votre tête, le son d'une trompette jouant une note haute, tout comme un projecteur, tout comme vous ici à la fin de l'introduction de Saturday Night Live C'est un peu comme si vous imaginez dans votre tête, le son d'une trompette jouant une note haute, tout comme un projecteur, tout comme vous ici . C'est probablement un C. C'est comme ces cris. Maintenant, un joueur professionnel peut sortir quelques notes supplémentaires. Mais ils ne sont pas fiables. Ce C élevé est à toutes fins pratiques, la gamme haut de gamme à laquelle vous voulez penser. Et vous voulez aussi penser que cette note n'est pas facile à obtenir. Donc, si vous voulez leur donner cette note, approchez-la d'une échelle, cela les aidera à obtenir cette note. Et attendez-vous à ce que cette note crie fort. Quoi qu'il en soit. N'écrivez pas un C élevé au pianissimo. Ce n'est pas possible. C'est notre gamme écrite, également celle de la trompette de mer. Voici donc la portée sonore de la trompette B flat. Ce sera la plage écrite des trois, le c, le B plat et le D. Mais ce sera la plage de sonorité du B bémol et la plage de sonorité de la trompette D, si légèrement différent. La trompette D, je crois que je l'ai dit dans la dernière vidéo, la trompette D n'est pas aussi standard que la trompette de mer. On peut s'attendre à être aplati en C, je ne pense pas qu'on puisse s'attendre à ce qu' un joueur ait juste un atout de siège ou une trompette D. C'est un peu plus rare. Dynamique. Comme je l'ai dit, le haut de gamme, hurlant fort, ils ne peuvent obtenir cette note qu'en criant dedans. Le bas de gamme, un peu bancal. J'essaie d'imaginer. Si vous leur donnez des notes ici. Je pense que des notes plus longues peuvent être correctes, pas trop longues, donc il faut respirer. Mais si vous leur donnez des passages et des trucs plus rapides, je resterais loin de l'extrême bas de gamme. Je les garde debout autour de C à G au-dessus du bâton. Une fois que vous êtes au-dessus de cela, vous devez vraiment les monter là-haut ou leur donner beaucoup de volume. Mais sinon, les trompettes peuvent être assez polyvalentes. Je ne pense pas qu'il y ait quelque chose qui sort de l'ordinaire ou de spécial auquel vous devez penser avec eux. Cool, passons à autre chose. 13. Les types de trombones: Parlons du trombone. En fait, le trombone fonctionne beaucoup comme les autres cuivres. Il a un mécanisme très différent. Mais le principe est toujours le même. Dans quelque chose comme une trompette. La taille du tube varie en fonction des soupapes que vous possédez. Différents types d'air passent à travers différents tubes. Et cela allonge efficacement le tube car si toutes les vannes sont fermées , le son sort d'un seul chemin. Mais si vous les avez ouverts dans certaines combinaisons, cela contourne un autre chemin. tube prend plus de temps et vous aide donc à produire la hauteur que vous recherchez. Dans un trombone. Ce concept est tout simplement beaucoup plus visuel. La longueur du tube se déplace avec votre bras. Vous jouez comme ça en rendant le tube plus long et plus court. Maintenant, cette idée de trouver les partiels avec vos lèvres est toujours vraie. En fait, vous avez probablement vu cela se produire. Vous avez peut-être vu quelqu'un en trombone jouer une note basse en tirant son bras jusqu'à l'extérieur. Puis je l'ai fait entrer et aller jusqu'au bout. Et je joue une note encore plus basse. C'est à cause de la position dans laquelle ils doivent se trouver. Et combiné à l'embuscade ou la façon dont ils positionnent leur bouche, c'est ce qui produit réellement une note. Parfois, la note la plus basse n'est pas toujours complète. Différents types de trombones, il y a deux trombones communs que l'on trouve dans l'orchestre. Il y a le trombone ténor et le trombone ténor est le plus courant. Et si vous venez de dire trombone, ce que vous obtenez c'est le trombone ténor. Maintenant, vous pourriez être habitué à celui qui ressemble à ceci. Si vous avez vu un trombone dans un groupe de concert ou dans votre lycée ou n'importe où. C'est le type de trombone que vous pourriez avoir l'habitude de voir. Je pense que le plus courant pour un musicien professionnel est celui qui ressemble à ceci. Il y a un peu plus de tubes ici. C'est toujours un trombone ténor. C'est le même instrument. Il y a juste un petit déclencheur supplémentaire. En gros, ils appellent ça un déclencheur F. C'est juste là, vous l'utilisez. Donc, si vous jouez comme ça, ce sera sur votre pouce qui tiendra l'instrument. C'est donc juste là. Et c'est juste une chose que vous pouvez maintenir enfoncée qui va réacheminer l'air à travers ce tube supplémentaire et vous permettra d'obtenir quelques notes supplémentaires, plus bas. Il vous permet de descendre à F. C'est pourquoi nous appelons cela un déclencheur F. Je vous le montrerai quand nous parlerons de la gamme dans une seconde. Dans tous les cas, quand vous écrivez, vous écririez simplement pour trombone. Et si le joueur veut jouer sur ce trombone sans déclencheur F ni trombone, ce n'est pas vraiment votre préoccupation. Si vous écrivez à F , ils vont devoir utiliser ce genre de trombone, assez sûr à faire dans un orchestre professionnel. Le troisième type de trombone est un trombone basse. Il y a deux déclencheurs, déclencheur F et un déclencheur G. Donc, juste un peu plus d' options pour eux. Et je crois que c'est une octave plus basse. Nous allons examiner la gamme de diffusion. Vous pouvez spécifier une basse, un trombone ou un orchestre. Ce n'est pas standard. Mais ce n'est pas si bizarre que ça. Je pense. Il peut s'agir d'un doublement courant. Il faudrait que je recherche celui-là, c'est sûr. Si vous pouvez demander à un trombone de doubler sur un trombone basse. Je ne le fais généralement pas. J'écrirais pour les forces de deux trombones. Eh bien, regardons une partition. Oui, maintenant ce souvenir me revient. Cette pièce, c'est l'une de mes pièces que j'ai écrites pour trois trombones, et je crois que le troisième trombone. Il est courant pour eux de doubler également sur trombone basse. Vous pouvez demander à votre troisième joueur de jouer du trombone basse. Un son similaire et tout et le trombone basse est juste plus bas. Regardez les gammes en une seconde. Ce sont les différents types de trombones. Il y a bien sûr plus, comme tous les instruments, il y a beaucoup de variations sur eux. Il y a un alto, un trombone et d' autres, mais ils ne sont pas standard. Et le représentant de l'orchestre. 14. Le trombone : plage et son: Ok, donc avant de parler de la portée, parlons très rapidement la transposition du trombone car c'est en fait un peu compliqué, plus compliqué que la plupart des transpositions. C'est la même chose compliquée que les autres transpositions. Mais il y a peut-être mal parlé plus tôt quand j'ai dit que c'était un instrument en si bémol comme tous les autres cuivres. Parce que je regardais ça parce que c'était bizarre de dire que c'est un instrument en si bémol parce que beaucoup d' instruments de clef de basse sont C, et il est toujours écrit en clef basse. . Je l'ai regardé et il s' avère que dans certaines musiques, en particulier, j'ai lu quelque chose sur British Concert Band et d'autres musiques de Concert Band. Mais je pense que c'est peut-être une tradition britannique de l'écrire comme instrument transposant en si bémol. Beaucoup de littérature vient également d'être écrite pour elle dans le pitch de concert C. D'après ce que je peux comprendre, hauteur fondamentale est un si bémol, et beaucoup de gens le traitent comme un instrument en si bémol. Mais dans beaucoup de musique moderne, nous l'écrivons en C. C'est très déroutant pour moi. me demande si je devrais l'écrire comme un instrument transposant ou l'écrire en C ? Mon enclin va être de l'écrire et de le voir, car je préférerais tout écrire dans un pitch de concert parce que je suis mal en transposition, mais je veux aussi bien le faire. Pour autant que je sache. Dans la musique moderne, nous écrivons pour trombone en concert en C. Alors regardons la gamme. La gamme, et c' est un pitch de concert. La plage normale ici. E jusqu'à ce si bémol, joueur professionnel, sortez quelques notes. Et puis les joueurs avec cette gâchette peuvent descendre à la mer ou descendre jusqu'à ce F. La gamme de pédales, je pense que c'est un problème de levage. C'est une autre façon de jouer. Mais le déclencheur F, combiné à des changements matures, peut vous amener à atteindre ce F. Si vous travaillez avec quelqu'un qui a le déclencheur F, ce qui est sûr de supposer que vous l'êtes. Tu peux descendre à ce F. Maintenant, tu vas écrire en clef basse, je pense que des trombones. Vous pouvez entrer dans la clef alto. Je pense. Si vous deviez rester dans cette fourchette pendant une longue période, vous pouvez passer à la clef alto pour éviter toute une série de lignes de livre. Mais je ne pense pas à une clef aiguës. Je voudrais, encore une fois, vérifier cela avec l'orchestre, voir ce qu'ils préfèrent. Mais, hum, je me souviens d'avoir été crié dessus par un trombone pour être entré dans une clef aiguës en cas de doute, s' clef aiguës en cas de doute, tenir au trombone à clef basse. La portée du trombone basse est peu près la même que si vous aviez la gâchette F. Vous ne gagnez pas beaucoup de portée en passant au trombone basse, mais vous obtenez beaucoup plus de confiance dans cette zone de pédale basse. Alors qu'ici, avec ces flaques d'eau, vous avez des notes assez fines. Vous n'en avez pas l'oomph. Avec un trombone basse, vous obtenez un son vraiment solide dans cette gamme. Donc trombone ténor, avec les déclencheurs à peu près la même plage, moins sur le bas de gamme que le trombone basse. Mais le trombone basse, si vous voulez faire beaucoup de choses là-bas, vous voulez que le trombone basse lui donne vraiment la puissance. Allons entendre quelque chose. C'est un trombone alto. Qu'est-ce qui va être un peu plus élevé ? même ton qu'un trombone. Il y a ce genre de flou que nous connaissons de tous nos cuivres. En fait, c'est très similaire au son du klaxon, sauf peut-être plus fiable. Je ne sais pas, je ne devrais pas dire ça. Mais il se trouve dans la plus haute portée des trombones, très semblable à la corne. Mais les os d'électrons sont amusants à travailler avec eux. Un instrument relativement solide, encore une fois, difficile à jouer, pas facile mais bon trombone peut l'être, peut être un son vraiment incroyable. 15. Les types de Tubas: Parlons de tuba. La partie la plus basse de la section en laiton. Il y a tout un tas de tubas différents types. Il y a le tuba de base, le contrebasse, le tuba, l'euphonium, la corne frugale, Wagner, le tuba ou le super cool. Le tuba Helicium. Tubas en marche. C'est peut-être ce que vous imaginez quand vous pensez à un tuba, à une corne de baryton et à quelques autres tuba bizarres. Bon, voici ce que vous devez savoir. Le sousaphone, ce type de tuba, ou le sousaphone tuba en marche. Je pense que c'est pareil. Ils ne vont pas vraiment voir dans un orchestre. Vous pouvez voir ces groupes, vous verrez certainement ceux dans le groupe de marche, mais ils ne se trouvent généralement pas dans les orchestres. Si vous voyez ce genre de grosse cloche sortir comme ça, vous pourriez regarder un tuba Wagner. Les tubas Wagner sortent un peu parce qu'ils avaient la corne qui monte vers le sommet. Ils sont très spécifiques. Vous ne voulez pas écrire pour les tubas Wagner. Ils ont été écrits pour beaucoup Bye Wagner. Ils ont été populaires pendant une minute et son temps, il y a beaucoup d'orchestres ont un ensemble de tubas Wagner et ils sont à peu près sortis pour jouer certaines des grandes symphonies de Wagner. Ce n'est pas quelque chose pour lequel vous pouvez écrire. C'est comme un croisement entre une corne et un tuba. Comme une corne très basse. Là. Cool. Ils ont un peu de pouvoir, ils ont du grain pour eux. Ils sont plutôt cool. Mais vous ne voulez pas écrire pour eux. Généralement, si vous écrivez pour orchestre, tuba, vous écrivez pour une base, un tuba. La base, les tubas sont grands que les tubas, ils sont assis sur vos genoux. Ils tiquent, ont généralement quatre soupapes et pèsent entre 30 et 40 livres. Désolé, c'est assez lourd. Ce ne sont pas les instruments les plus adroits du monde. Ils prennent donc, parce que comme je l'ai déjà dit, parce qu'ils ont de très grosses valves. Même un joueur professionnel, c'est comme ça. Nous allons voir un joueur pro négocier ces derniers dans une seconde. Base. Tuba est ce avec quoi vous travaillez lorsque vous écrivez un tuba. Dans une partition. 16. Le Tuba : plage et son: Maintenant, la portée des deux, mais pour la transposition du tuba, une affaire similaire à celle des trombones. Vous pouvez voir ici que même si l'euphonium et le tuba de base sont inclinés en si bémol, ils sont notés et C à la hauteur souhaitée. Nous les écrivons donc en comptoir. Ils disent que ce sont essentiellement des instruments en si bémol, mais nous les notons à la hauteur du concert. Hauteur du contour, portée, fondamentalement cela jusqu'à ce qui me montre un D, mais il est dit ici, généralement nous ne leur référons qu'une clef de basse. Mais si vous avez vraiment besoin de crier pendant une longue période, vous pouvez passer à la clef ténor. Allons entendre quelqu'un maintenant. Il s'agit d'un concerto pour tuba de base. Concerto pour tuba de Ralph sur William Vaughan Williams. Gardez à l'esprit que ce que vous allez entendre ici est un joueur virtuose. Si vous pouvez entendre ça, même si le tuba a son gros fort bas de gamme et c'est pour ça que nous le savons pour. Il a un très beau son dans la gamme moyenne, supérieure et supérieure de l'instrument. Il y a de très belles notes là-bas. Vous pouvez également entendre comme sur, même sur les passages de la 16e note de cet extrait, vous pouvez presque entendre une tension pour que l' instrument aille aussi vite. Ce n'est même pas le joueur, c'est les valves. Vous pouvez entendre ce bop, bop, bop, bop, bop, bop, bop, bop, bop. C'est probablement l'un des meilleurs joueurs au monde que nous entendons. Ces passages rapides sont donc délicats. Mais ces lignes mélodiques comme celle-ci sont vraiment agréables. Donnez, donnez au joueur un peu d'amour dans votre musique et vous aurez un ami pour la vie. 17. Mutes: Parlons de muets. Nous avons parlé des sourdines à cordes, façon dont ils avaient un petit morceau de caoutchouc qu'ils pouvaient mettre sur la ficelle pour l'amortir. Nous avons parlé de la façon dont les vents utilisent rarement les sourdines parce que le son sort de toutes les directions de l'instrument. Donc, mettre un muet et le bout de celui-ci ou dans la cloche, tendance à ne pas faire grand-chose. cuivres. Presque tout le son sort de la cloche, donc il est très efficace et très courant. Vous avez peut-être vu, comme dans le jazz, des gens utilisant une sourdine à piston, qui est littéralement un plongeur. Il y a beaucoup de sourdines différentes et elles fonctionnent sur tous les cuivres. Oui. Il y a un tas de choses différentes. On peut mettre une trompette, le tuba, on verra souvent que le tube mettait en sourdine en saisissant cette grosse chose énorme et en la mettant pour entrer dans le haut du tuba. Ils ont différents types de sourdines. Les cornes ont des sourdines, mais elles fonctionnent un peu différemment raison de la façon dont elles tiennent l'instrument. Leur main est déjà dans la cloche. Ils ont donc des trucs. Ils peuvent faire des trucs dans la cloche, ou ils peuvent faire certaines choses avec leur main pour arrêter le son pour créer une sourdine. Leurs options de sourdine sont légèrement différentes, mais elles ont des trombones sourdines qu'ils peuvent mettre au bout. J'ai donc pensé que je vais vous montrer quelques sons différents pour les sourdines. De la façon dont vous demandez ceci et les partitions, vous écrivez simplement le nom du muet, vous direz avec muet et disiez le genre de muet si vous le pouvez. Ensuite, bien sûr, vous devez leur donner un peu pour mettre un muet, un peu de temps pour mettre le muet et le sortir. Les trompettistes peuvent mettre et sortir une muette assez rapidement. Comme un bar. Trombonistes, ça prend un peu plus de temps, alors je dois le ramasser par terre. C'est plus gros. Ils ont dû tendre la main. Je dois m'assurer qu'il est sécurisé là-dedans pour qu'il ne s'envole pas. Ça peut prendre quelques bars. Tuba prend beaucoup de temps pour ramasser cette chose, l' installer, puis il l'enlève. Il faut donc leur donner temps de mettre un muet et de l'enlever. Nous avons une sourdine droite. C'est peut-être ce que vous imaginez quand vous pensez à une sourdine pour trompette. Il y a ce bouchon et ce assai. Ils ont presque tous ça, ce qui l'aide juste à rester. Et il transforme simplement le son dans un son de Bézier beaucoup plus fin. Coupe, muet. On peut presque imaginer qu'il s'agit de mettre une tasse comme une tasse à café sur toute la cloche, comme si les bords sortaient. Une sourdine Harmon a un petit morceau à l'intérieur qui le rend très buzzy. On y pense, quand on pense au jazz, un peu plus, au plongeur muet, c'est littéralement un plongeur. Merci, cool. C'est ainsi que vous obtenez cet effet wah-wah. Muet de seau. C'est comme si un seau avait vraiment étouffé le son. Et un muet d'entraînement que vous ne voulez probablement pas utiliser, même si vous le pourriez, cela ne tue pas complètement le son, mais le rend vraiment, vraiment silencieux. Vous ne pouvez donc pas vraiment l'entendre. C'est pour cela si vous voulez pratiquer votre trompette et que vous avez des colocataires. J'ai donc senti cette vidéo qui joue une mélodie avec un tas de besoins différents, juste pour que nous puissions entendre à quoi ils sonnent. Alors regardons un peu ça. Bonjour . Ok, donc vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de tons différents que vous pouvez obtenir. Je pense que le principal point à retenir ici est de penser quand on utilise un muet. Si vous décidez de couper le son, utilisez un muet. Ne le considérez pas comme un effet dynamique, comme quelque chose qui n' affectera que le volume. Mais considérez-le comme un effet de bois, quelque chose qui affectera le bois comme le son de l' instrument. Beaucoup d'entre eux auront également une incidence sur le volume, mais ils sont plus gros. Pour moi, l'impact est sur le bois. Vous pouvez régler le volume. Vous pouvez dire à quelqu'un de jouer plus fort ou plus silencieux. Le muet, la force du mutant réside dans l' ajustement au timbre. 18. Multiphoniques: Ok, multiplex sur cuivres. Ne faites pas de multiphonique sur des cuivres. Diet prochaine vidéo. Je vais dire quelques autres choses. Est-il possible de faire des cuivres multifamiliaux ? Probablement. On ne le voit jamais vraiment. Ce que vous voyez non pas dans une musique d'orchestre, mais en solo, comme des trucs virtuosiques. Parfois, on voit ces techniques bizarres où ils jouent une note puis bourdonnent une note différente. Donc, ça va être vraiment, vraiment calme parce qu'il y a des bourdonnements, mais il y a des choses comme ça que j'ai vu faire vraiment rares. Jamais. Je ne devrais pas dire jamais, mais presque jamais utilisé dans un orchestre. La façon dont nous avons regardé les actes multifamiliaux sur saxophone. Ce n'est pas vraiment arrivé pour les cuivres. Dans un décor d'orchestre. Définitivement les multiphoniques et les cuivres sortent. Ne faites pas ça. N'essayez même pas. 19. « Forces » dans un orchestre: Nous n'avons pas vraiment parlé des forces dans une section de cuivres d'un orchestre. Comme combien de trompettes, combien de trombones ? Je voulais juste m'y attaquer rapidement. Cela peut varier. Vous pouvez avoir de grandes forces ou de petites forces et des cuivres, tout comme les vents, mais c'est le plus courant. Pour cornes. J'y reviendrai dans une seconde. Trois trompettes, peut-être deux trompettes à trombones. Un trombone basse, ou trois trombones, 310 ou trombones. Tuba. Ce qui est intéressant dans la façon dont les cornes sont disposées dans une section de cuivres d'orchestre. Donc, pour quelque chose comme les trompettes , disons que nous avons trois trompettes. Vous avez peut-être la trompette 123, où la trompettiste sera votre meilleur trompettiste. Vous voulez qu'ils soient corrects ? S'il y a trucs très élevés, quelque chose de particulièrement difficile, vous donnez ça à la première trompette parce qu' elle sera probablement votre meilleur trompettiste. 23 vont être de très bons trompettistes. Mais la chose la plus difficile que vous allez mettre pour trompette juste là, la première chaise pour les cornes, vous faites une chose un peu différente. Certainement, la chose la plus virtuose va au klaxon, numéro un. Mais nous écrivons généralement quatre cornes sur deux portées. Nous écrivons deux cornes le premier jour de la partition, pas dans la partie et dans la partie. Tout le monde a son propre personnel, mais tout le monde obtient son propre rôle. Mais dans la partition, vous l'avez lu sur deux portées. Vous pouvez le faire de deux manières. Vous pouvez écrire la corne 12 sur la portée supérieure et 34 sur la portée inférieure. Ou vous pouvez écrire des cornes, 13 sur la portée supérieure et 24 sur la portée inférieure. C'est une façon courante de le faire. La raison pour laquelle vous faites cela est qu'un trois est souvent considéré comme votre meilleur joueur. Ce qui est bizarre, pas 1213. Vous pouvez les considérer comme deux groupes de deux, où vous avez le joueur un et deux. Le premier est meilleur, puis joueur 34, le troisième est meilleur. C'est à peu près la façon dont ça se passe. Maintenant, en gardant à l'esprit que c'est assez arbitraire car les quatre joueurs seront de très bons joueurs s'ils jouent dans un orchestre professionnel. Mais les choses les plus difficiles vont aux joueurs 13. Habituellement. Si vous écrivez les parties 13 sur une seule portée, il s'agit essentiellement de votre portée matérielle la plus difficile. Et puis 24 ans, c'est votre personnel de matériaux moins durs. Ou vous pouvez écrire 12 où votre première ligne est votre chose la plus difficile et votre résultat est que vous êtes moins dur. Et puis 34 sont là où votre première ligne est la plus difficile et leur deuxième ligne est la moins difficile. il en soit, ça va. Vous devez juste vous assurer de leur étiqueter celui que vous faites. Je ne fais que regarder ce score. Et j'ai écrit 1231234, ce qui m'étonne. J'écris normalement 1324. Mais quoi qu'il en soit, c'est très bien. Mais c'est juste quelque chose à penser. La façon dont nous écrivons le cor. Les forces sont généralement quatre cors, deux ou trois trompettes, trombones, un trombone basse ou trois trombones et un tuba. 20. Placement et Pitched: Bon, passons à la percussion. La section percussion est donc pratiquement impossible à définir car il y a tellement de choses qu'il peut s'agir de percussionnistes, percussionnistes professionnels sont formés à l' art de l'adaptabilité. Oui, ils sont très bons pour jouer des instruments à percussion standard, mais c'est aussi très courant dans une musique d'orchestre de dire que je veux que quelqu'un puisse frapper des poissons vivants avec un marteau. Ne faites pas ça. C'est dégoûtant. Mais si vous vouliez le faire, vous le donneriez à un percussionniste. Si vous demandez quelque chose d' étrange dans la partition. La section de précaution y est probablement ouverte. Tant que cela ne fera pas de mal à eux-mêmes ou à leurs instruments ou aux personnes qui les entourent. Ils sont généralement prêts à relever un défi. Nous pouvons diviser tous les instruments que jouent les percussionnistes. Les instruments communs que jouent les percussionnistes, peu près dans la lignée de tangage et de non pitch. aurait donc des choses avec un pitch précis. Xylophones, marimba a du glauçon, spiel, des cloches, des gongs. Il y en a, il y en a d'autres. Mais ce sont des choses où vous, où vous notez une hauteur précise, puis il y a des choses non tangées comme des symboles, des triangles, des tom-toms, des cliquets, des caisses claires, des tambours, des basses, des tambours, des choses comme ça, d'autres tambours. Mais il y a des choses avec une hauteur relative. Des choses qui sont en quelque sorte lancées mais pas vraiment lancées, des choses comme Toms. Si vous regardez ces toms sur cette photo ici, ils sont de tailles différentes. Cela signifie que les plus petits seront plus hauts que les plus bas. Ceux-ci que vous noterez avec une hauteur relative. Plus d'informations sur la notation prochainement. Mais nous pourrions encore plus ou moins les classer comme non corrigés. Ce n'est pas ça, ça compte beaucoup. C'est juste une façon de penser aux percussions. Maintenant, lorsque vous avez affaire à des percussions, il y a beaucoup de choses à penser. Parce que non seulement nous devons réfléchir à ce qu'ils frappent, mais nous devons aussi penser à ce qu'ils frappent avec le maillet. Nous devons réfléchir au nombre de choses qu'ils peuvent faire en même temps. Vous pouvez demander à un percussionniste de faire deux choses à la fois. Mais vous devrez peut-être aussi réfléchir à la façon dont ils arrivent du xylophone, qui est bien ici sur scène jusqu'à la marimba, qui est bien ici sur scène. Dans une huitième note, il y a une certaine chorégraphie à laquelle il faut penser. Il peut être un peu compliqué de faire face à tout cela. Passons donc à quelques-unes des bases maintenant. Attention, je ne vais pas couvrir tout ce qui concerne tous les instruments de percussion. Nous allons parler en termes généraux gestion des percussions. C'est un cas où cela pourrait vous aider à avoir un livre d'orchestration qui répertorie vraiment tous les instruments de percussion possibles, mais beaucoup d'instruments de percussion et la façon dont vous les notez. Parce qu'il y en a des centaines, en réalité, il y a des centaines de choses différentes que vous pourriez faire. Mais parlons en gros termes façon de gérer les percussions. 21. Timpani et forces: Parlons des forces. Vous allez généralement avoir deux ou trois percussionnistes. Maintenant, cela ne signifie pas deux ou trois instruments de percussion. Les percussionnistes peuvent doubler. Le terme « doublement » ne s'applique pas ici parce que nous pouvons demander à un percussionniste jouer 100 choses différentes dans une pièce, tant que nous pourrons mettre en place un moyen pour lui de le faire physiquement, se déplacer entre les différents instruments. Mais lorsque vous regardez une performance d' orchestre, il n'est pas rare de voir le percussionniste se promener, parfois courir partout pour se rendre aux différents endroits. Mais vous aurez deux joueurs différents, parfois trois joueurs différents, des personnes. Et ils fixent généralement ce dont ils ont besoin en demi-cercle autour d'eux. Parfois, ils partagent instruments s'ils doivent négocier entre eux. Maintenant, le timbale est un cas particulier. Vous aurez probablement un timbale que le joueur de tympan ne double sur aucun autre percussionniste. Instruments à percussion. Vous ne pouvez pas avoir de timbale et dire pour cette section que vous n'avez pas joué dans 100 mesures. Je veux donc que vous frappiez ce OneNote sur un triangle. Vous ne pouvez pas le faire. Peut-être que dans un orchestre amateur, mais dans un orchestre professionnel, le timbale joue du timbale et rien d'autre. Si vous voyez un, un score que vous avez pour percussionniste, mais l'un d'entre eux est le timbale. Vous avez trois percussionnistes. C'est logique. C'est comme une règle syndicale. ne peut demander au joueur de timbales de faire autre chose que de jouer des timbales. C'est bizarre. Même s'ils jouent une note dans la pièce entière, ne peut pas leur demander de faire autre chose que ce OneNote. Le timbale est donc un cas particulier. Quand vous écrivez pour le tympan. Vous avez généralement quatre ou cinq tambours différents. Ils sont lancés et peuvent être restitués en un morceau. Si vous avez cinq notes différentes, vous pouvez utiliser ces cinq notes. Mais s'ils ont une certaine mesure de repos comme beaucoup, ils peuvent réaccorder l'un des timbales ou plusieurs timbales sur une note différente. Ils sont très bons dans ce domaine. Vous avez peut-être une note qui est g et les timbales, puis ils ont 20 barres de repos. Et maintenant, vous avez besoin que ce tambour soit maintenant un a faisable. Ils peuvent régler ça. Ils peuvent élever la hauteur jusqu'à un « A » c'est sur une pédale. C'est ainsi qu'ils les réaccordent. Maintenant, la plage qu' ils peuvent lire et les réaccorder est assez limitée. Je ne m'en souviens pas exactement, mais c'est seulement comme une octave par batterie. Il faut donc regarder la taille des tambours et la portée de ces sauts. Je vous encourage à rechercher la plage de réglage des différents timbales. Ne demandez pas à un joueur Tiffany de jouer les côtés du timbale. Si c'est le cas, ils vont sortir un vieux tympan et faire quelque chose de bizarre avec ça. J'ai vu cela se produire et cela suscite beaucoup d'émoi dans l'orchestre. Les coquilles du tympan sont très fragiles. Ils n'aiment pas les frapper sur les côtés. Mais le plus important, le joueur de timbales ne peut pas être invité à faire autre chose que de jouer du timbale. Tous les autres percussionnistes peuvent courir comme des poulets, la tête coupée, faisant 100 choses différentes. 22. Roules et coups: Je veux mentionner la notation des rôles. En particulier, les différents types de coups. Pour la plupart, vous n'avez pas à penser à façon dont quelqu'un va coller quelque chose. Ce qui signifie que si vous dites jouer ce rythme sur une caisse claire, ils vont jouer ce rythme sur la caisse claire et ils vont faire comme ils doivent le faire. Mais pensez-vous que si vous demandez à quelqu'un de jouer, quel genre de rôle vous voulez, c'est important parce que cela semble très différent. En général, lorsque nous pensons à un rôle, nous le sommes. Si vous imaginez dans votre tête comme un rouleau de caisse claire, vous imaginez probablement une note avec trois lignes qui traversent le haut. Laissez-moi vous montrer. Il s'agit d'un rouleau ouvert. Ce sont les trois lignes dont je parle. Ce sera le son d'un rôle. Il s'agit essentiellement d'un rôle écrit avec le collage à droite et à gauche. Si vous voulez le son d' un rôle, ne faites pas cela. Cela ressemblera davantage à des notes distinctes. Une chose que j'ai trouvée à propos de la section percussion d' un orchestre, c'est qu' ils vont faire des efforts insensés pour jouer exactement ce que vous avez noté. Ils sont fiers, même si c'est vraiment bizarre, comprendre exactement comme vous l'avez noté, assurez-vous que votre notation est exactement ce que vous voulez. Je peux raconter une histoire folle à ce sujet et peut-être que je le ferai d'ici la fin de cette section. Mais pour l'instant, nous allons passer à autre chose. Il s'agit d'une notation pour un rôle de buzz qui ressemble plutôt pousser vos bâtons dans la tête. C'est une hauteur plus élevée. C'est un autre type de rôle. Trouvez un percussionniste et demandez-lui jouer un rôle de buzz pour vous. Voici un autre rôle de buzz, mais un peu plus noté. C'est plus un bruit de buzz qu'un son qui a du sens. Buzz en une étape, rôle, Buzz écrasé. Ce sont tous des types de buzz différents. Ceux-ci ne sont pas uniques à la percussion. Vous pouvez écrire ce type de notation dans n'importe quel instrument, mais comme c'est à l'écran, j'en parlerai peut-être. Nous appelons cela des rayonnements à plumes. N'importe quel programme de notation peut le faire. C'est un peu délicat, mais vous pouvez obtenir un programme de notation pour le faire. Ce que cela signifie, c'est d' aller avec celui-ci, c'est de jouer, de commencer très vite, puis de ralentir. Laissez-moi le faire sur mon bureau ici. C'est donc ce que l' on dit de faire. Ce bar va vite, puis ralentit, puis vite, donc c'est un peu ce que ça dit de faire. Il ne peut pas s'agir d'un effet cool dans le bon contexte. Vous pouvez cependant écrire cela pour n'importe quel instrument. Le rôle de Crescendo est juste d'ouvrir Roll avec un crescendo dessus, puis il craquera à la fin et un rôle de buzz qui s'estompe avec un piano sforzando dessus. Vous pouvez donc écrire des rôles avec deux tirets dessus et même un seul tiret dessus. Mais ils vont avoir un son différent. Si vous voulez ce son de rôle, vous voulez ces trois lignes qui disent un grand rôle ouvert. 23. Mall: Parlons de maillets. Vous pouvez, mais n'avez pas besoin de spécifier le type de maillet que vous voulez utiliser pour les instruments à percussion, tout ce qui va être touché. Maintenant, je vois que vous n'êtes pas obligé de préciser quel type de maillet. Si vous ne le faites pas, ils feront preuve de leur meilleur jugement. Mais il peut y un son assez différent selon le malate utilisé. En général, lorsque nous décrivons un maillet, nous décrivons deux choses possibles. La première est à quel point elle est dure ou molle, et deux sont de quoi il est fait. On pourrait dire un maillet de fil, qui serait l'un d'entre eux. Et ça va être assez doux. Un malate de fil est donc assez doux. Ici, nous avons des maillets en caoutchouc. Nous avons ici des maillets en bois, maillets en plastique et des maillets en laiton. Et ils vont disparaître, en descendant la liste comme je viens de le faire. Cela devient de plus en plus difficile. quelque chose est difficile, plus le son sera dur. C'est une façon bizarre de le dire, mais je pense que c'est exact. Tu as frappé quelque chose avec un maillet mou, ça va être un bruit de boom. Vous avez frappé quelque chose avec un malate très dur. Ce sera un son de clic. Il va être très concentré. Maintenant, cela dépend aussi de l'instrument. Ainsi, quelque chose comme une marimba est un son très doux, et une marimba est faite de bois. Si vous leur dites de jouer un marimba avec des maillets en laiton, ils ne le feront probablement pas parce que cela va endommager la marimba. Mais rappelez-vous, il est presque toujours joué avec un maillet de fil. Cependant, vous pouvez spécifier d' utiliser un maillet dur ou mou. Ce sera toujours un maillet de fil. Mais ces dernières, vous pouvez le voir ici, elles sont plus difficiles, elles sont même dures et molles. Il y a donc un degré de fil variable. Malate. xylophone, qui est en bois, est généralement joué avec des maillets en plastique. Peut-être que les maillets le feraient, même si je pense que le plastique est plus courant. Essayer de se souvenir, pas généralement des maillets de fil sur un xylophone parce qu'ils ne le feront pas, ce ne sera pas aussi fort, ça ne parlera pas aussi bien. Mais vous pouvez certainement demander maillets de fil sur son téléphone à paupières si vous voulez qu'il ait un son humide, ce serait une façon de le faire. Ce que j'ai tendance à faire c'est que si j'ai une idée très précise en tête, je pourrais dire malate dur, maillet mou. En fait, je voulais juste ces deux-là. Ensuite, je laisserai l'interprète faire tout ce qu'il pense être le mieux à partir de là. Mais ça va essentiellement leur dire le son que je cherche. Si je dis que je veux une marimba avec un scrutin dur, ils savent de quoi je parle. Ils savent que je veux un son très pointu de la marimba autant que possible, autant que possible de l'arc-en-ciel. va de même pour n'importe quel instrument, même les timbales, on peut dire plus dur ou plus doux sur le tympan. Le tympan n'a pas beaucoup de flexibilité dans l'équilibre qu'ils peuvent utiliser. Mais ils peuvent faire certaines choses. Caisse claire, que n'importe quel type de tambour sera généralement joué avec des bâtons de bois. Mais si vous voulez qu'il joue avec un maillet doux, vous pouvez certainement le demander et c'est très bien. J'aime ne pas préciser le matériau, bien que vous puissiez plutôt dire dur ou mou. De cette façon. Ils savent en quelque sorte ce que vous voulez et cela ne les met pas en position de leur demander de faire quelque chose qu'ils ne sont pas prêts à faire. Si je dis jouer la caisse claire avec des couteaux, ils ne le feront pas parce qu'il va déchirer la caisse claire. Mais si je dis jouer la salle standard avec un MATLAB en laiton, avec un maillet dur. Ensuite, ils vont dire, d'accord, eh bien, il veut une chose différente, très spécifique. Voyons ce que nous pouvons faire. Mais il est très courant qu'en fait, presque universel, les percussionnistes transportent cet énorme sac rempli de tonnes de maillets différents. Comme si un joueur professionnel de marimba ne se promène pas avec une marimba. Ils s'attendent à ce qu'il y ait une marimba quand ils y arrivent, mais ils se promènent avec son monstrueusement gros sac de maillets. Tous les percussionnistes professionnels ont accès à des centaines de maillets différents qu'ils peuvent utiliser. Ne soyez donc pas timide à demander un maillet spécifique si vous en voulez un. 24. S'incliner: Je veux parler de Boeing parce que c'est quelque chose que beaucoup de gens, quand ils commencent tout juste avec des percussions, une chose très populaire à faire, comme il se doit, parce que c'est un son vraiment cool. J'ai écrit pour des percussions inclinées. C'est vraiment un son génial. Vous devriez être au courant. Lorsque nous parlons de percussions inclinées, ce que nous parlons de faire, c'est d'utiliser littéralement un arc de violoncelle. En fait, je pense qu'ils utilisent un bot de base la plupart du temps. La même chose que nous utilisons pour jouer de la basse avec les cheveux et tout sur des instruments à percussion. Donc, au lieu de les frapper, tirer un arc en travers d'eux pour les amener à résonner. C'est un son très éthéré. Ça les fait sonner. Ce n'est pas comme un succès, c'est une croissance lente du son. Beaucoup d'harmoniques, harmoniques, de sons très purs. Nous pouvons utiliser beaucoup d'instruments différents. On peut incliner les vibrations, on peut incliner la marimba. Boeing, le xylophone est moins fiable. Nous pouvons incliner des symboles. Il y a beaucoup de choses différentes que vous pouvez faire. Ce qu'il faut noter à propos de Boeing, c'est qu'à cause de la façon dont ils doivent le faire, c' est un peu comme ça. On ne peut pas faire de rythmes rapides avec Boeing. Il faut un certain temps pour qu'ils doivent l'incliner pendant quelques secondes avant même que l'instrument ne commence à produire de la résonance avant qu'il ne commence à produire du son. Vous ne pouvez pas le faire rapidement. C'est une chose lente et éthérée. Il leur faut une minute pour se mettre en place avec le bot. Et il leur faut une minute pour baisser l'arc. Il faut donc penser à toutes ces choses. J'ai trouvé cette belle vidéo où cette personne expliquait comment ça marche et fait quelques démonstrations. Alors, écoutons. Je trouve ça intéressant quand je commence à jouer avec Boeing après des années Ce n'est pas très compliqué, mais c'est agréable d'avoir quelques idées sur ce que nous faisons. La première chose, c'est que nous avons des symboles. Très facile. Vous avez un symbole et vous passez par là. Mais surtout lorsque vous faites comme ça, n'avez pas de problème non plus. Votre montage fixe est si chaud que vous l'avez déjà largué un peu. Rien ne sortira. Vous avez donc besoin d'un contrepartie de votre autre main pour fixer le symbole. Dans ce cas, ce que je vois très souvent, c'est que les gens utilisent le milieu de la fixation et du lieu, ce qui fonctionne. C'est très bien. J'aime utiliser un seul de mes doigts et le mettre un peu près du bord. Comme ça. Parce que depuis que je monte, n'ai besoin que de ce petit doigt pour donner l'énergie nécessaire pour tenir le symbole beignets et pas beaucoup plus même sur une vitesse connue en percussion, les standards du quart-arrière mondial, qui sont un peu musulmans. Je peux utiliser ce point de sortie fin et jamais et un très bon point de contact. Le truc pour ça, c'est qu'un de mes amis m'a montré pour jouer en continu. Parfois, vous utilisez comme cette poignée. Lorsque vous montez, touchez le symbole supérieur, le haut. Ensuite, vous descendez. Vous allez toucher le côté scientifique, ce qui a fait que cela fonctionne sur nous parce que nous ne sommes pas comme ça et je perds un peu. Donc, parfois, c'est bon. Côtés bas. Bien sûr, au milieu. Je préfère avoir des doigts de justice ici. Pour moi, c'est la meilleure, la plus grande couleur et la plus large gamme. C'est pour symbole. Lorsque vous avez un vibraphone, je le dis souvent au compositeur, s'il vous plaît n'utilisez qu'un seul os, pas pour les deux, car lorsque nous devons jouer avec les deux symboles, quartile a et la riboflavine. Parfois, c'est très compliqué car nous n' avons pas de contact avec l'instrument. Il est possible que vous deviez fixer très précisément le symbole. Vous devez réparer le GoTalk. Mais c'est toujours pour moi. J'ai trouvé un peu difficile à faire et à obtenir un bon résultat. Lorsque vous utilisez un arc sur un vibraphone. Également. Nous avons vu la même chose. Il suffit de contacter l'un d'eux. Parfois, j'utilise ce doigt ici quand je suis ici, surtout à Oussama quand je joue, je suis ici. J'ai réparé une correction avec l'autre main un peu la hauteur, puis je peux regarder autour de moi. Je considère le chef d'orchestre, je ne peux pas voir quelqu'un d'autre et aller le poignarder. Si j'aime ça, c'est un peu ce qui peut être non sécurisé, surtout lorsque leurs notes ou plus hautes dans les barres sont plus petites. Donc, vous allez le réparer comme ici. Le point pour cela toujours ce que j'ai fait aussi sur le symbole moitié de ce genre de degré, 9090 degrés. J'aime être vraiment pas comme ça. J'étais sur le vibraphone. N'y allez pas. Cela ne fonctionne pas. Il faut toujours être perpendiculaire aux instruments que vous jouez. Catalase Sandbox. Ici. Si le seuil est en soi, même cette norme n' est pas tout à fait fixe, il est donc assez difficile de faire ce dont j'ai besoin. Je dois réparer le CO2. Je pousse donc les doigts au milieu du quart. C'est pourquoi je suis la main gauche. Je vais essayer de le faire et d' aller ici au conseil d'administration. Un peu de fixation au milieu des quartiles. Si je suis dans un contexte de jeu, un de mes amis m'a montré une très belle chose. Vous mettez l'arc au quartal et faites ce touche le cortisol qui ne sait pas si vous pouvez le voir. C'est juste cette zone. Cela ferait beaucoup de gens comme ça. Et ensuite, que se passe-t-il ? Votre échec est très facile ici. Vous allez ici et contactez les autres quartiles et vous avez un point de contact. Vous relâchez lentement l'autre quart de mile, donc vous êtes libre de jouer à celui qui n'est rien. C'est un bon point à régler. Donc, même sans regarder, je sais où M et je pense que c'est très agréable à voir avec Boeing. Cet instrument qu'il jouait à la fin s'appelle catalase est la façon dont nous le prononçons en anglais. Catalase. Des petits disques métalliques. 25. Notation: Bon, parlons un peu plus de notation. donc la partie la plus délicate de la notation pour percussionnistes pour spécifier quel instrument est utilisé. Et ce qui est devenu la méthode standard, c'est d' écrire simplement le nom de celui-ci en anglais ou quelle que soit votre langue. Il y a eu un système de symboles universels proposé. Je ne me souviens pas du nom ou de qui l'a fait. En fait, je ne peux même plus en trouver de traces en ligne. C'est à quel point c'était impopulaire. Mais vous le trouverez toujours dans les livres d'orchestration. Par exemple. Ce genre de formes triangulaires en est un vestige. Ils ne sont vraiment plus utilisés. est beaucoup plus courant de simplement écrire le nom de l'instrument. Donc, si vous les voyez dans un livre, gardez à l'esprit que ces formes et ces symboles sont vraiment, ils n'ont tout simplement pas été vraiment adoptés. Au lieu de cela, nous avons quelque chose comme ça. Vous consacrez une place au personnel, vous utilisez cette clef. Cette clef dit que je suis en percussion. Pour les percussions de hauteur, vous utilisez la clef appropriée. Et vous dites, d'accord, cette note va être ma grosse caisse. Ce nœud est Tom Trois. C'est mon dessin standard, c' est Tom deux et Tom One. C'est ainsi que je vais noter le chapeau haut. C'est ainsi que je vais noter le trajet et je vais noter un crash. Ce système est assez courant, mais on peut dire que Tom trois va être différent et c'est très bien. Il suffit de le définir au début, puis d'être cohérent dans votre pièce. Il suffit d'écrire le nom de l'instrument que vous voulez. Vous n'avez plus besoin d'écrire le nom de l'instrument sur chaque coup. Si vous allez l'utiliser. Maintenant que nous avons créé ce genre de légende, nous pouvons simplement écrire les notes et le joueur saura faire référence à la légende, savoir sur quels instruments sont censés jouer. Mais en cas de doute, écrivez à nouveau le nom de l' instrument. Parce que pourquoi pas ? Une chose que j'ai trouvée utile et que les chefs d'orchestre m'ont dit est une chose vraiment géniale à faire et que beaucoup d'entre eux étaient vraiment heureux, c'est de prendre cette convention. Ce que j'ai fait, vous ne pourrez pas le voir ici, mais ce sont mes trois portées de percussion. Et ce que j'ai fait c'est au début de chaque page, j'ai écrit dans une boîte, j'ai écrit le nom de l'instrument que le percussionniste va jouer. Prochaine. Vous pouvez voir sur cette page que le percussionniste ne fait rien. Et pourtant, j'ai encore noté quel est leur instrument. Cela dit TAM, tam , basse, batterie et vibraphone. Cela signifie que leur prochaine note sera sur celles de chaque page. Passons à une autre page aléatoire. Il y a des notes dans une boîte. C'est écrit, voici ce qui s'en vient. Et quand ils commencent à jouer, je le redonne. Et je dis que c'est l'instrument qui y est destiné. Juste pour qu'il n'y ait pas d'ambiguïté. Au début de n'importe quelle page. Le chef d'orchestre peut simplement regarder et voir quelles percussions nous attendons à entendre ensuite. Ce n'est pas nécessaire, mais c'est quelque chose que j'ai pris à faire et j'ai été apprécié. Alors, faites-le. Vous allez vous faire des amis. Sinon, utilisez simplement la langue pour indiquer le nom de l'instrument que vous souhaitez jouer. Définissez comment vous allez le noter au début de la pièce. Ou dans une note avant la pièce, juste une note dans la partition. Et ensuite, vous pouvez continuer à partir de là. Vous devriez également avoir une page dans votre partition ou dans la partie ou probablement les deux. Définir ce qui se passe, ce qui va être nécessaire pour chaque partie. Par exemple, voici la page de couverture de cette pièce. La partie de la percussion pour, donc quatre percussionnistes. Il s'agit de la quatrième partie percussion, et ce sont les instruments dont cette partie aura besoin. Maintenant. Et voici comment ils vont les noter. C'est très propre, très facile. Maintenant, je vous l'ai aussi dit, je pense qu'au début de ce cours, je vous ai parlé de la création d'une partition de percussion. C'est juste toutes les parties de percussion réunies en une seule grande partie avec plusieurs portées. Cela peut aussi être très pratique, car alors la percussion, la personne responsable de la section percussion, la première percussion est généralement la principale. percussionnistes peuvent diviser les parties s'ils voient une meilleure façon de le faire. ce qui m'est arrivé lorsque je travaillais avec un orchestre ou le principe des percussionnistes, coupé ma partition de percussion et créé de nouvelles parties de percussion. Il l'a coupé et collé les parties de percussion d'une manière qui a divisé le travail. Donc, toutes les notes ont été jouées. Mais quelque chose que j'ai peut-être donné trois percussions, il a donné à la percussion une, parce que vous avez trouvé un moyen plus facile négocier la chorégraphie. C'est génial. Laissez-les faire cela. S'ils veulent le faire , laissez-les le faire, mais donnez-leur un point de départ en se séparant. 26. Kit de batterie: , batterie, vous voulez l'appeler, ce n'est pas exactement la chose standard dans la configuration de percussions d'un orchestre. Cependant, ce n'est pas si bizarre. Si vous demandez un kit de batterie, vous pouvez en obtenir un. C'est très bien. Ils seront en mesure de le faire. Mais la plupart des sections de percussion d'orchestre ne disposent pas seulement d'un kit de batterie sur scène. C'est un peu hors de l' ordinaire, mais pas vraiment. notation pour batterie est que vous utiliserez ce système standard. Il y a ensuite un système de batterie normalisé. est exactement ce que nous voyons à l'écran. Vous mettez votre caisse claire, vos symboles de coup de pied, votre bonnet. Vous voudrez noter tout ce que vous pouvez pour le kit de batterie. Vous ne voulez pas écrire. Tout comme les mots. Trouvez une rainure. Cela ne fonctionne pas très bien. N'oubliez pas que ce sont des musiciens classiques et que le simple fait de dire que le groove les sort vraiment de leur zone de confort. Il vaudrait mieux noter pleinement ce que vous voulez. Et puis peut-être y mettre une note qui dit écoutez les trompettes et verrouillez-vous avec cette rainure ou quelque chose comme ça. Vous pouvez leur donner des conseils, mais notez autant que possible. Parce que si vous dites simplement comme faire quelque chose de cool, ils vont revenir vers vous et vous demanderont probablement plus de détails. N'oubliez pas que ce sont des musiciens classiques qu'ils veulent jouer ce qu'il y a sur la page. Si vous ne leur donnez rien, ils vont juste se sentir bizarres. Notez autant que possible pour le kit de batterie. 27. Comment la voix fonctionne: Parlons de la voix. Je n'allais pas y ajouter la voix, mais j'ai pensé que ça valait la peine d'y toucher un peu. J'ai envie de passer en revue les gammes vocales communes et de travailler un peu avec des chanteurs. Je parle surtout travailler avec des personnes âgées dans un contexte choral et pas seulement ajouter des chanteurs à un orchestre, ce qui arrive souvent. Il y a beaucoup de symphonies qui exigent l'acquisition. Il y a beaucoup d'autres pièces que le chœur incorporé ou un soliste est incorporé. Ou il y a comme l'opéra. Mais il n'y a que de l' écriture pour choeur, qui ne fait que des voix. Je ne veux pas passer beaucoup de temps à écrire pour acquérir. Mais je veux parler de certaines des bases du travail avec la voix. Je vais commencer par cette petite anecdote. Je me souviens d'être étudiant de premier cycle, étudié avec ce compositeur. Qui était un très bon compositeur. J'avais beaucoup de respect pour lui. Il avait encore une assez bonne réputation aux États-Unis. Il fait beaucoup d'excellent travail. Très bon compositeur. J'ai eu beaucoup de chance de commencer par lui. Je suis allé dans son bureau, je viens de finir une pièce. Je voulais aller dans son bureau pour ma leçon. Et il a dit : Ok, sur quoi voulez-vous travailler ensuite ? Et j'ai dit : « Vous savez, je songe à écrire une pièce pour choeur. Et il a dit : OK, comment devrais-je vous dissuader de faire ça ? Puis il a commencé à me dissuader de faire ça. Et les raisons pour lesquelles il voulait me dissuader de le faire n' ni orchestration ni raison et c' était je pense qu'il avait un peu d'os à choisir avec les chanteurs. Travailler avec des chanteurs peut parfois être difficile si nous faisons des stéréotypes, travailler avec n'importe quel instrumentiste peut être difficile. Parfois. Ils ont des choses uniques. Parlons un peu de cette particularité. Tout d'abord, parlons de la façon dont les chanteurs font du son. C'est assez simple. Vous pouvez en fait penser à cela comme des parties d' un instrument à vent et des parties d' un instrument à cordes assemblées d'une certaine manière. Nous avons donc des cordes vocales. Imaginez-les comme des cordes, ce n'est pas le cas, mais elles sont un peu comme des cordes. Et nous en avons tous dans la gorge, je pense. Mais ensuite, nous avons du vent. Et le vent passe par-dessus ces accords, il les fait vibrer et il génère un instrument à vent. Ce qui est différent de n'importe quel autre instrument, c'est ce qui se passe après cela. Nous pouvons faire résonner nos cordes vocales et produire un son, un son, une tonalité. Mais il faut qu'il passe par la gorge et le savoir. peut arriver beaucoup de choses à ces endroits. Nous pouvons façonner ce son en utilisant notre bouche en mots. Nous pouvons façonner. Nous pourrions faire beaucoup avec notre gorge et notre bouche pour changer le timbre du son. La façon dont quelqu'un fait la gorge et la bouche et même comme le passage nasal, je ne suis pas physiologiste. Je suis juste en train de deviner quelque chose, mais c'est essentiellement le fait que la forme de l'anatomie d' une personne a quelque chose à voir avec la façon dont elle sonne. C'est donc un mécanisme très compliqué. Parlons de quelques-unes des bases du travail ou de l'écriture de musique pour la voix. Parlons donc d' une grande gamme d'images et de tessitura, quelques trucs de notation et de respiration. Sortons cela du chemin et ensuite nous passerons en revue chacune des gammes vocales les plus connues. 28. Tessitura: Parlons de tessitura et de gamme. Nous avons déjà parlé de tessitura, au début. Et cela devient plus important chez les chanteurs, surtout lorsqu'il s'agit de fatigue. La différence entre tessitura et range. Allons-y d'abord. Nous parlerons de ce problème de fatigue. Disons donc que j'ai écrit un article. Il y avait une ligne solo et c'était le cas, il utilisait un F sur la portée de la clef aiguës comme note la plus basse et un F en haut de la portée de la clef aiguës car elle est haute, c'est nul. Sa portée est une octave. OK, c'est cool. Nous avons que cette pièce utilise une plage d'octave. C'est tellement facile. N'importe quel chanteur pourrait prendre cette partition et dire, est-ce que cette pièce est à ma portée ? En regardant le F au F, puis en disant : Oui, c'est dans ma portée. Je peux chanter cette note basse. Je peux chanter cette note haute. Je peux chanter cette pièce. C'est logique. Cependant. Disons maintenant que nous examinons un peu plus près cette même pièce, même plage, f à f. Cependant, la majorité de la pièce existe en haut de la portée des clefs aiguës entre D, E et La grande majorité de la pièce figure dans ces trois notes. Nous avons maintenant un problème un peu différent. Quelqu'un regarde cette pièce et on dit que la note basse est F, la note haute est F. Puis-je chanter cette pièce ? Oui, vous pouvez. Cependant, la tessitura de la pièce est très élevée, ce qui signifie que la majorité de la pièce est assise haut pendant longtemps. Et cela va être plus difficile que s'il était assis au milieu. C'est logique. C'est la tessitura. Nous considérons la tessitura comme la portée de la majorité de la pièce, alors que la part de lion des objets qui atterrissent, si elle est répartie de façon égale dans toute l' octave, c'est très bien. C'est totalement cool. Mais si c'est une tessitura très élevée, ce qui signifie que nous allons rester assis dans ce haut de gamme pour beaucoup. C'est beaucoup plus pénible sur la voix. Ensuite, dans le milieu de gamme, la plage basse peut également être très lourde sur la voix. Cela dépend simplement du chanteur en particulier. Quand quelqu'un regarde une pièce, il devrait regarder non seulement la gamme, mais aussi la tessitura. Parce que c'est lié à la fatigue et à l'endurance. Quand les chefs d'orchestre regardent une pièce qu' ils recherchent. Ils cherchent à s'assurer que c'est bien adapté à leur chœur parce qu'ils veulent des pièces qui non seulement correspondent à la gamme de leur groupe, mais aussi à la tessitura de leurs interprètes et à des choses comme ça. C'est quelque chose à prendre en compte. Ce n'est pas quelque chose dont vous avez besoin de vous inquiéter en tant que vos écrits, forcément. Parce que vous devriez écrire, indique que vous voulez écrire. Mais c'est juste quelque chose dont il faut être conscient. Parlons de quelques trucs de notation. 29. Notation et symboles: Ok, parlons de certains trucs de notation que nous avons dans musique chorale qui ingèrent de la musique vocale en général. abord, la musique vocale plus ancienne, vous verrez cette convention consistant à utiliser des drapeaux pour chaque note et ne pas les connecter comme ici, nous avons un quart de note puis 416e notes. Pourquoi ne sont-ils pas connectés ? Faits ensemble sous forme de 416e notes ? Il s'agissait d'une convention. Je pense qu'il a été utilisé principalement pour nous aider à intégrer le texte. Mais vous n'êtes plus obligé de le faire. En fait, c'est assez difficile à lire. Si vous regardez une partition plus moderne, vous verrez les choses ressembler à la normale. Vous n'avez donc pas besoin de tout séparer. Cependant, lorsque vous le voyez dans une partition, sachez simplement qu'il s'agit probablement d'un score plus ancien ou moins d'une partition à l' ancienne. Le texte est placé en bas, sous les notes. Une syllabe de texte par note. Si quelque chose doit avoir une seule note un seul mot aura plusieurs notes. C'est ce qu'on appelle un mélisme. Vous le montreriez avec une cravate comme celle-ci. Ici, le mot Seigneur va être très bas. Il va falloir, vous allez l' étirer sur le son de la voyelle jusqu'au prochain. Et cette moitié va avoir deux notes. Ils sont connectés comme ça. Permettez-moi de voir si je peux trouver un autre exemple de cela. voici un. Ici, sur les enfants. Ce sera des enfants. Très bien, alors le froid va avoir deux notes. Appelons-les mélisma. Lorsque vous faites cela, il s' agit d'une pièce car elle ressemble à du piano et à la voix. Je pense qu'il s'agit en fait d'un petit extrait de l'opéra Puccini. C'est assez compliqué. Voici une partition chorale. Je viens de saisir quelques exemples aléatoires de choses qui regardent. Il s'agit d'une partition chorale écrite en soprano, alto, ténor, basse. Il est courant de voir les choses écrites de cette façon. Vous pouvez avoir l'endroit occasionnel comme là où la note se divise. Regardons ici. Ça m'a l'air bizarre. Mais regardons ici. Donc, dans ce cas, vous direz à la section de se diviser. C'est bon. Ce qui signifie que la moitié de la section va à la note basse, moitié de la section va à la note haute. Voici les points forts du corail d'un film Disney. Donc, introduction Piano. Ensuite, nous avons deux voix et un soliste. Donc, trois voix ici. Ensuite, une partie piano. J'ai saisi celui-ci pour montrer que les rythmes sont liés. On voit parfois des partitions coralliennes écrites en deux portées au lieu de quatre, où il s'agit de la soprano, alto et de la basse ténor. Vraiment, on a l'habitude de voir si tu as regardé un contrepoint ou un truc vocal. quires peuvent effectuer cela. Même si c'est un peu plus délicat, mais ça arrive. strophes, je devrais mentionner des strophes comme celle-ci. Si vous n'avez pas l'habitude de voir ce type de notation, voici ce que cela signifie. C'est un morceau de refrain répété. Nous avons donc du pataugeoire dans l' eau, Wade dans l'eau. Du pataugeoire dans l'eau. Dieu va déranger l'eau. Maintenant, nous arrivons ici et quoi ? La raison pour laquelle il y a quatre lignes ici. Si vous ne l'avez jamais vu auparavant. Cela signifie que la première fois que nous chantons ça, nous allons chanter. Tout le monde va chanter la première ligne. Voyez cet hôte vêtu de blanc. Et puis tout le monde va chanter. Dieu va déranger l'eau. Et puis tout le monde va chanter. Le leader semble qu' Israël est réel, n'est-ce pas ? Dieu va déranger l'eau. Ensuite, la prochaine fois que je pense que si nous continuons, nous pourrions arriver à une chose répétée ou peut-être que nous recommencerons à zéro. Ce n'est pas très clair là-dedans. Mais en tout cas, la deuxième fois que nous y arriverons, le deuxième verset que nous allons chanter, voir ce qui est interdit tout vêtu de rouge. Et puis Dieu va déranger l'eau. Et puis on dirait le groupe que Moses a conduit un peu d'eau. Troisième fois. Nous allons chanter ce troisième verset. Regardez là-bas, que vois-je ? etc. C'est ainsi que fonctionnent les strophes répétées. En matière de soliste, on ne voit généralement pas cela. OK ? Je pense que c'est tout. Sinon, on a presque raison de la même chose. Vous pouvez. Habituellement, il est préférable de placer la dynamique et les crescendos, crescendos de jour et les choses au-dessus du personnel, ce qui n'est normalement pas comme nous le faisons. Mais si vous ne le placez pas au-dessus de la portée comme ça, cela gêne le texte. Habituellement, nous avons beaucoup de marques dynamiques, sommes souvent au-dessus du personnel et voyons si nous voyons cela ailleurs. Oui. Comme ici, soyez un ECMO. Emo. Normalement, nous mettons cela sous le bâton ou entre deux portées. Il n'y a rien. Il n'y a rien. Pourtant. Le voilà. C'est un fort au-dessus du personnel. Ce genre de notation où nous avons une tête de note, puis la tige va dans les deux sens. Cela signifie simplement que les signaux soprano et alto signalent des notes à l'unisson. Ici, ils vont tous les deux chanter un C, mais la ligne soprano va le tenir un peu plus longtemps, jusqu'à là. La ligne Alto va baisser. C'est en fait une unisson, mais nous le faisons de cette façon parce que nous montrons deux rythmes différents. Je pense que c'est tout pour la notation. 30. Respiration: Les signaux respiratoires doivent respirer. Ils doivent parfois respirer encore plus que les instruments à vent parce qu'ils ne font que laisser sortir leurs poumons entiers. Ils n'ont pas comme une lecture ou un embout buccal, comme les ralentir. Peu de choses que vous pouvez faire. L'un d'eux est juste en gardant cela à l'esprit, non ? Ils doivent respirer. Essayez d'écrire dans les restes. Ils peuvent respirer très vite. Vous pouvez aussi, si vous ne pouvez pas écrire à un endroit où ils respirent, vous pouvez faire cette note, cette chose de notation respiratoire. C'est comme cette petite virgule ici. Ce que cela signifie pour un chanteur, c' est chanter cette note, dire toutes ces notes normalement sur cette note, chanter aussi longtemps que possible. Je veux dire jusqu'à un quart de note, mais rasez quelques millisecondes la fin pour respirer , puis essayez d'obtenir cette note. Cela signifie couper cette note court autant que nécessaire pour vous faufiler dans une respiration juste là. Si vous n'avez pas un bon endroit pour le mettre en respiration, vous pouvez toujours le mettre dans ces virgules et dire essentiellement, faites ce que vous pouvez, respirer. Maintenant, dans l'écriture corail, c'est un peu plus délicat parce que vous voulez que leurs respirations soient coordonnées en B. Ils peuvent chanceler leur respiration. Donc, vous pouvez avoir une longue file d'attente où vous dites simplement respiration stupéfiante, écrivez simplement ça. Dans ce cas, les différentes personnes de la chorale vont respirer à différents moments afin que vous puissiez maintenir votre son. Mais s'il y a un arrêt, nous voulons nous assurer que la fin de la syllabe est alignée. Disons que le son qu' ils voient est comme un T. Alors ils chantent le mot se termine par un toast. Ils chantent À ça. C'est ce qu'ils disent. Mais ensuite, ils vont finir sur une note et respirer. Nous devons le faire. sur quoi le chef d'orchestre va travailler, c'est là où le toast atterrit parce qu'ils vont passer à la note suivante pour qu'ils puissent respirer là-bas, mais nous devons déterminer exactement où ce saint atterrit. Vous devriez le noter dans. Vous devriez noter, hé, où ça va. Je mettrais ce que je ferais probablement dans ce cas, c'est écrire une note entière ou autre sur le mot toast sur TO. Et ensuite, attachez-le à une huitième note et mettez le st, puis un huitième toast de repos. Ensuite, dans la note suivante, qu' une poussée est leur souffle. Pensez aux respirations et à la façon dont tout cela se réunit. Beaucoup de ce réglage fin des mots et des trucs. Vous n'avez pas toujours à vous occuper parce que c'est une chose à laquelle un chef d'orchestre s'occupera. Mais autant que vous pouvez l'obtenir là-dedans, vous devriez les comprendre. Je n'ai pas compris où vos notes vont atterrir. Je parle à l'envers. Ok, si longue histoire court. Ne tuez pas vos chanteurs. Ils ont dû respirer. Laissez-les respirer. 31. Le Soprano : plage et son: Parlons des différents types de voix que nous rencontrons dans la chorale. Maintenant, il y en a quatre. Nous avons de la soprano, de l'alto, du ténor, basse, mais il y en a quelques autres. Il y en a quelques autres que vous pouvez utiliser qui ne le font pas, qui ne sont pas aussi populaires, je suppose. Mais ils sont encore assez connus. La mezzo soprano en est une. Il existe entre un alto et une soprano, a son propre genre de terme. Il y en a quelques autres, nous en parlerons dans une minute, mais je veux passer en revue les quatre principaux. Commençons donc par la soprano. Pinto est le plus haut. sopranos sont généralement des femmes. Sopranos ou le plus haut. Il y a cependant quelques types de sopranos différents. Il y a, il y a votre genre de chanteuse soprano d'opéra. Nous pourrions appeler cela, si vous voulez un terme sophistiqué pour cela, nous pourrions appeler cela une soprano lyrique, ou même une soprano coloratura, signifie qu'ils sont très à l'aise dans les plus hautes gammes. Il y a aussi quelque chose qui s'appelle une soprano de chœur. A n'importe lequel d'entre eux ont un chœur soprano acquérir alto, ténor. Cela signifie généralement sans formation, pas un soliste. Ce n'est pas un terme très courant. En fait. Child Soprano est bien que nous rencontrons des sopranos enfants, des sopranos garçons. s'agit essentiellement d'une soprano, quelqu'un qui chante dans la gamme d'un piano. Les jeunes enfants, surtout les jeunes garçons, leur voix n'a pas encore changé. Si vous regardez les chœurs d'enfants, comme certains chœurs d' enfants de premier plan, qui existent et ils existent. Les sopranos garçons ont ce son vraiment angélique. On les entend beaucoup dans les chœurs d' église où les jeunes enfants sont élevés dans la chorale. Je suppose qu'il y en a d'autres célèbres, des chœurs de jeunes gens célèbres, où l'on trouve des sopranos de garçons. Ce n'est pas parce qu'ils existent principalement dans les chœurs d'église. Ce n'est pas la chose la plus courante de pouvoir écrire pour les garçons sopranos et ces enfants, ces voix vraiment jeunes. Je ne compterais pas sur avoir accès à ça. Gamme Soprano. Toutes les gammes de voix sont très lavables. Ce n'est pas comme avec nos autres instruments. Lorsque nous avons examiné les plages, nous avons dit que nous avons une note nettement plus basse et un peu de flexibilité sur la note la plus élevée. Avec les voix, nous avons de la flexibilité des deux côtés. Nous avons un niveau bas qu'une personne peut y aller. Il ne s'agit vraiment que de physiologie et d'entraînement. Il pourrait donc y avoir beaucoup de choses différentes et la même chose avec le plus haut de gamme. Avec soprano. En général, avec tous ces éléments, nous pensons généralement que deux octaves sont normales pour un chanteur professionnel. Ce graphique montre trois jusqu'à C6. Je pense que c'est un peu généreux. Celui-ci montre environ C moyen jusqu'à C6. Généralement sur le personnel. C2c va être bon pour une soprano, mais sachez que ces notes supérieures sont des hurleurs. Il va falloir vraiment les couronner pour obtenir ceux qui sont vraiment hauts. Ces notes basses vont être plutôt calmes. Oui, c'est plutôt calme. L'argent réel est juste dans ce milieu de gamme où nous obtiendrons le meilleur son, le plus de confort et la meilleure endurance la plus longue de la part de tous les chanteurs. Mais surtout dans ce cas, les sopranos. Nous avons parlé un peu de chanteurs de sopranos et de l' invention de la diva. J'essaie de me rappeler où je lisais là-dessus. Je pense que c'était dans les cours d' histoire que j'ai donnés ici. Ils, j'ai fait un tas de recherches là-dessus. Et le genre d'idée de la rock star moderne vient de la diva de l'opéra. Et il y a comme une lignée. C'est vraiment une chose très fascinante que j'ai lue, j'en ai parlé dans les cours d'histoire. Vous pouvez aller vérifier ça si vous le souhaitez. Je ne veux pas entrer dans la mentalité du chanteur de diva, mais dans ce contexte, alerte spoiler, dealer signifie n' est nullement désobligeante. Ça veut dire comme une chanteuse rockstar. De toute façon. Continuons et parlons des Altos. 32. L'Alto : plage et son: Ensuite, nous arrivons aux Altos. C'est notre deuxième chose. Encore une fois, les altos sont généralement, généralement les altos sont des femmes dans la plupart des chœurs typiques, sopranos et les altos sont généralement des femmes en basse ténor sont généralement signifiées. Nous en avons un entre les deux, soprano et alto, et vous pouvez le voir dans ce tableau. Et c'est de la mezzo soprano. On peut penser que c'est presque soprano. Ils sont un peu plus bas que la soprano et un peu plus élevés que Alto. Ce graphique appelle Alto contralto. Et ce qui est bizarre, on pourrait juste appeler cet Alto. Soprano Alto. La mezzo soprano existe entre les deux, donc vous rencontrerez beaucoup de sopranos qui se considèrent comme des mezzo sopranos. Altos qui se considèrent en fait des mezzo sopranos, parce que c'est une chose intermédiaire, dépend de l'endroit où ils sont confortables. Mais dans le chœur, nous le simplifions généralement à quatre groupes. Si quelqu'un a une mezzo soprano et qu'il est dans une acquisition plus traditionnelle, il va probablement décider s'il s'agit d'un alto ou d'une soprano, ou si le réalisateur va décider que la gamme, encore une fois, environ deux octaves, nous donnant jusqu'à G. Voyons ce que celui-ci nous donne pour Alto, environ E, E3 jusqu'à F, Appelons cela E5, E3 à E5. Voyez ici, vous savez, c'est assez bas. J'écrirais toujours Alto en classe d'ennuis. Je ne l'écrirais pas et la classe de base, mais jusqu'à ce e, ce qui va être vraiment calme et vraiment difficile à frapper pour eux. Donc, ne comptez pas là-dessus. Puis la plus grande partie du bâton de clef aigus, ce E étant probablement leur note la plus haute, ce qui pour eux va être assez criant. Ne vous asseyez pas là tout le temps. Je pense que c'est tout ce que j'ai besoin de dire sur Alto. Passons donc aux ténors. 33. Les ténors : plage et son: Ténors. C'est ce que j'étais quand j'étais en cours d'acquisition. Bien que c'est probablement vraiment un baryton. Mais ils m'ont mis dans la section ténor. Nous en avons un entre les deux, l' alto et le ténor. C'est ce qu'on appelle le contre-ténor. C'est un très haut ténor. Je vais parler plus de contre-ténor car il y a une histoire fascinante sur les contre-ténors. Je vais, je vais l'économiser car après avoir pu le dire avec une base, je vais revenir en rond et parler de contre-ténor. Mais sachez simplement que contre-ténor est entre alto et ténor. C'est très haut ténor. De toute façon. Tenor arrangé, voir grossièrement, disons S3, jusqu'à probablement un C5. C3 à C5. Oui. Encore une fois, nous écririons ténor sur le bâton de clef aigus. Nous l'écrivons souvent en transposant. Permettez-moi de vous montrer comment nous y parvenons. Vous verrez cela dans les partitions coralliennes. Très souvent pour les ténors et les basses. Il y a une clef que nous utilisons. Si nous regardons nos fentes ici, cette classe, c'est très subtilement différent d'une clef aiguës. Il s'agit d'une clef aiguës avec un petit huit en dessous de la petite chose ici. Cela signifie que nous transposons par une octave. Nous ne voyons généralement pas cet instrument et d'autres instruments qui sont transposés par une octave. C'est vraiment réservé à l'usage vocal, mais cela signifie essentiellement que nous allons écrire les notes sur la portée de la clef des aigus, une octave trop haute. Ce que nous allons entendre, c'est que leurs notes et leur octave sont inférieures. Cela nous permet donc d'écrire pour ténor dans la clef des aigus. Nous le faisons presque toujours. Nous allons utiliser la clef des aigus avec les huit en dessous. Pour les ténors, pour les bases, nous allons utiliser la clef basse, mais pour les ténors, nous l'utilisons. Examinons notre autre tableau. Dit les ténors jusqu'à S5. Une fourchette un peu plus grande dans ce graphique. Rappelez-vous que le bas de gamme va être difficile et que ce haut de gamme va être difficile. C'est assez criant haut. Mais vous pouvez commencer à voir comment toutes les plages se chevauchent comme beaucoup. Donc, si vous avez besoin d'écrire ce C, par exemple, ce S5, vous pouvez l' écrire pour les ténors et les faire crier vraiment. Ça va être fort et difficile pour eux de le faire. Hum, il y aura un bois très spécifique parce qu'ils vont s' efforcer de l'obtenir, ce qui peut être cool et qui peut être utile. Mais si vous voulez cette note sans cette souche, vous pouvez facilement la donner aux altos. S'adapte parfaitement à cette gamme, ou aux Sopranos si c'est juste là. Vous pouvez donc utiliser cette tension créée par la plage des nœuds à, pour obtenir effet. Allons dans la base. 34. Les basses : plage et son: Très bien, parlons de la base. Une fois encore. Nous avons un entre les deux, ténor et basse, et c'est le baryton. Le baryton fonctionne très semblable à la mezzo soprano. Que vous avez beaucoup de barytons, de chanteurs qui, lorsqu'ils sont mis en place pour acquérir leur réputé, êtes-vous une base ou êtes-vous ténor ? Parce que nous n' avons généralement pas de baryton en cours d'acquisition. Permettez-moi de reformuler cela. Ce n'est pas que les barytons ne soient pas utiles à acquérir. Ils le sont très bien. Mais quand nous avons quatre sections d'acquisition, nous avons trouvé un endroit où placer les barytons. Et en fonction de leur son et de ce que pense le réalisateur, ils peuvent les placer soit dans le groupe de base, soit dans le groupe ténor. Certaines pièces, certaines pièces ont des sections de baryton spécifiques, comme c'est sûr. Mais beaucoup de temps, contre-ténor baryton et la mezzo-soprano sont plus utilisés pour le matériel solo. Vous avez peut-être une pièce pour mezzo, soprano et piano. J'ai une pièce pour mezzo soprano, piano. En fait. C'est très spécifique à cela, à la gamme de la mezzo soprano. Nous utilisons ces autres éléments dans plus de matériel solo que dans un contexte de chorale. Cependant, vous ne pouvez pas les utiliser. Acquérir des contextes. En bas, on dirait qu'on peut dire s2 jusqu'à quatre ou deux. Base. Nous leur écrivons une clef basse, rien de fantaisiste. Base, oui, voici ce que nous avons donné. E2 jusqu'à D. Juste un poil au-dessus du milieu C. Ces notes sont assez fines. Ces notes basses et la base se situent dans cette plage. Elles ne sont pas forcément silencieuses. Ils sont assez puissants. Ce sont des notes de Baylor. Pour un bon chanteur de basse. Vous pouvez vraiment créer ces notes basses, donc c'est un peu différent de certaines autres gammes. Je pense que c'est tout pour la base, rien de vraiment hors de l'ordinaire. Passons à autre chose. Je veux revenir en arrière et parler de contre-ténor pendant une minute. 35. Contenants: Petite barre latérale, un peu hors sujet. Peut-être considérez-vous que cette pause est un peu une pause. Je voulais parler de contre-ténor, c'est parce qu' a quelques jours, promotion pour mon livre théorique, m'a demandé d'écrire une petite chose que vous pouvez probablement trouver en ligne maintenant sur mon livres préférés, sur la musique. Que ce soit de la fiction ou de la non-fiction. J'ai écrit cette chose et je pense que j'ai parlé de cinq livres différents qui ont été vraiment utiles et influents sur moi. Les deux. Et certains d' entre eux sont fixes et certains d'entre eux ne sont pas fictifs. Mais l'un des livres de fiction dont j'ai parlé était ce livre, Christ to Heaven. Et il s'agit de contre-ténors. En quelque sorte. J'ai juste été rappelé en écrivant ceci et à quel point ce livre a eu une influence importante. J'ai peut-être parlé de ce livre dans l'histoire du verre. Je n'en suis pas sûr. Mais ce que j'étais au lycée quand j'étais petit, j'aimais vraiment les livres de vampires d' Anne Rice Interview with a Vampire et toute la série. J'étais comme un petit goth troublé. J'ai bien aimé les dollars des vampires. Je le fais toujours. Je pense toujours qu'ils sont géniaux. Je songe à moitié relire toute la série. Maintenant, le riz n est décédé récemment. C'est enfin fini. Je suppose. J'en ai beaucoup maintenant que je n'ai pas lu. Mais de toute façon, j'ai lu les premiers livres de vampires et j'ai juste pensé que je devais tout lire et le riz n'a jamais écrit. Je l'ai ramassé, sans réaliser que ce n'était pas un livre de vampires. J'ai décidé que c'était en hausse. Il doit être bon. Cela n'a rien à voir avec les vampires. Il s'agit de fiction historique, de fiction historique. Et il s'agit d'une famille royale qui, je crois en anglais, peut-être que je n'en suis pas sûre. Mais la famille royale. Et il y a deux frères qui vont hériter du trône lorsque le père mourra. Et je crois que le plus jeune des deux frères est un mauvais mec. Il veut vraiment hériter du trône. L'aîné des deux frères est un peu plus mal à l'idée d' hériter du trône. Et il aime vraiment chanter. Les petits enfants. Le frère cadet s' arrange essentiellement pour le faire kidnapper et mettre dans l'église et pour devenir chanteur de castrato. Maintenant, c'est quelque chose qui s'est réellement produit. C'est pourquoi je parle cela en ce qui concerne cette classe. Cela s'est produit à l'époque, c'est une pratique illégale maintenant. Mais c'est arrivé. Il y avait un genre de chanteur, peu près un contre-ténor, c'est ce que nous appellerions maintenant. Mais ce qu'était ce chanteur, ce qu'on appelle un chanteur de castrato, et ce serait de jeunes garçons, se produit principalement dans l'église parce qu'ils voulaient des garçons sopranos. Ils voulaient ce son soprano vraiment pur garçon. Ils prendraient donc ces jeunes hommes et les empêcheraient chirurgicalement d' atteindre leur maturité vocale. Disons ça comme ça. Le nom de la, on les appelait les chanteurs de castrato. Vous pouvez donc probablement remplir le blanc sur ce qu'était cette opération. Et cela leur permettrait d'avoir ce son soprano pour toujours. En fait, ils étaient peut-être plus élevés que le contre-ténor. contre-ténor est, c'est la chose la plus proche que nous ayons maintenant. Donc, dans le livre, c'est un gros problème car après cette procédure, vous ne pouvez pas avoir d'enfants, qui signifie que vous ne pouvez pas hériter du trône. De toute façon. Ce livre est tout simplement magnifique. J'ai tellement aimé ce livre et il ne reçoit ni amour, ni attention. Quoi qu'il en soit, la pratique du castrato Singer est interdite depuis longtemps. Cependant, il y a un clip YouTube de l'un d'eux. Vous pouvez en trouver un sur le dernier chanteur de castrato. Il y a une vidéo très granuleuse. Sont audio, même ceux qui chantent pour que vous puissiez entendre à quoi ça ressemble. C'est fascinant. De toute façon. Vous ne pouvez pas supposer que vous aurez des chanteurs de castrato. Vous ne devriez pas supposer cela. Mais vous avez peut-être des contre-ténors à l'école supérieure. Il y avait un contre-ténor que je rencontrais dans mon école où je suis allé à l'école supérieure. Et aussi beau, c'est un son magnifique. Vous y allez. Lisez ce livre. Si vous cherchez un livre de fiction, de fiction historique, c'est un livre charmant. Triste, mais adorable. 36. L'autre: Ensuite, nous allons passer cette catégorie bizarre appelée tout le reste. Tout le reste de la catégorie. Nous allons avoir des trucs qui sont toujours dans l'orchestre. Certains sont très rarement présents dans l'orchestre, mais il faut y remédier. Je suppose. Certaines de ces choses dont j' aurai beaucoup à dire et certaines de ces choses dont je n' aurai pas grand-chose à dire. Les deux premières choses. Nous allons en parler au piano , à la harpe et à des instruments à clavier en général. Et avec ceux-ci, c'est avant tout des choses notationnelles dans lesquelles nous devons vraiment plonger. Je pense que dans beaucoup de ces choses c'est une sorte de notation. Mais je vais aussi essayer de parler de dynamique et d' orchestration. Orchestration. Des choses d'orchestration. C'est le genre de raison de cet en-tête bizarre de tout le reste, choses que vous pourriez rencontrer. Plongeons avec des instruments à clavier. 37. Instruments de piano et de clavier: Bon, donc les instruments à clavier en général, commençons par le piano. Très courant d'avoir un piano dans l'orchestre. Le piano n'est pas un instrument particulièrement fort lorsqu'il est dans l'orchestre. Si vous voulez vraiment qu'il se présente, vous devez y faire un peu de place, n'est-ce pas ? Vous devez donc, si vous avez une section musicale où vous avez des cuivres qui crient et que le piano fait quelque chose, vous n' entendrez jamais le piano. Cependant, si certaines cordes jouent silencieusement alors qu'il y a un problème de piano, le piano peut se couper à travers. J'aime penser qu'en matière de musique d'orchestre, j'aime vraiment considérer le piano comme un instrument de précaution, et surtout comme un instrument de percussion malate, comme un marimba ou un xylophone. Près d'une marimba, en fait. Vous pouvez obtenir des choses rythmiques avec ça. Vous pouvez obtenir des choses harmoniques avec elle. Mais en lui donnant des mélodies et des choses, parce qu'il n'a pas duré très longtemps. Il va vraiment vous donner ce son percussif sur une mélodie. Vous pourriez faire quelque chose comme avoir une mélodie jouée par la flûte et doublée au piano. Ce que cela ferait, c'est vous entendiez la flûte, mais ensuite vous entendiez ce petit résonnement au début de chaque note du piano, n'est-ce pas ? Et donnez-lui un peu une entrée percussive à partir de ce que le piano lui ajoute. Nous parlerons plus de ce genre de choses dans la partie orchestration. Mais quand on écrit pour piano, juste quelques choses. Rappelez-vous que cela prend deux mains. Vous pouvez utiliser les cinq doigts. Cependant, dans chaque main, n'écrivez rien de plus grand qu' une octave entre les doigts extérieurs. Vous pouvez avoir quelque chose qui s'étire longtemps, mais dans chaque main, pas plus qu'une octave. Maintenant, certains pianistes peuvent obtenir plus qu'une octave. Certains peuvent obtenir une neuvième, 10e, 11e. Mais si vous voulez qu'il soit accessible à tous les pianos, conservez-le dans une octave. Si vous travaillez avec un vrai virtuose, un virtuose, donc un joueur, oui, vous pouvez écrire une neuvième assez facilement. Mais si vous voulez le garder en sécurité, conservez-le jusqu'à une octave. Ok, la prochaine chose. Parlons très rapidement des pétales. pétales sont, il y a trois pétales sur un piano. Ils ne fonctionnent pas toujours de la même façon, mais on peut supposer qu'un piano dans un orchestre est un bon piano, c'est un piano à queue. Il y a, et il y a les trois pétales normalement. Voici nos pétales. Maintenant, vous connaissez probablement le bon pétale. C'est la pédale d'amortisseur. Je ne sais pas. Désolé. Oui. Appelons la pédale d'amortisseur. Quand on le repousse, tout sonne éternellement. Lorsque vous le lâchez, un amortisseur descend et empêche la lecture des notes. Si vous voulez que les choses se tordent davantage, vous dites, posez cette pédale, lactez celle-ci juste avec le mot pad, comme ça. pédale. Cela signifie mettre la pédale vers le bas. Ce petit truc de fleurs signifie soulever la pédale. Il y a plusieurs façons de le faire. Vous pouvez également le faire avec une ligne où elle indique pédale vers le bas , puis une petite coche signifie laisser la pédale vers le haut et la remettre en place. Et le programme de notation le fera. Mais vous pouvez voir ici pédaler, pédaler, pédaler, pédaler. Vous pouvez également écrire comme quelque chose comme pédaler généreusement ou utiliser votre meilleur jugement sur le colportage. Cette pièce particulière, c'est une pièce pour piano solo à moi. J'ai été très précis au sujet du pédalage. Vous n'avez pas besoin d' être aussi précis. Mais il y avait quelque chose que j'essayais de réaliser ici. Sautons à l'autre, les pétales extérieurs, le pétale le plus à gauche , parfois appelé pédale molle. Parfois, on l'appelle la flaque d'eau d'Una Corta. Ce que cela fait, c'est que si vous regardez à l'intérieur d'un piano, vous verrez que pour toutes les notes du milieu de gamme, cela change un peu sur les notes les plus élevées et les plus basses, mais sur toutes les notes de la majorité des Le piano. Il y a trois cordes. Pour chaque note. Le marteau frappe juste au milieu. Le marteau frappe les trois cordes. Ce que fait cette pédale, c'est qu'elle déplace un peu les marteaux. Donc, au lieu de frapper les trois cordes comme celle-ci, maintenant. Il ne touche qu'un des points forts. Cela le rend un peu plus silencieux, un peu plus doux. C'est presque comme mettre un muet dessus. La variation de ce qu' il fait en termes de volume et de ce que l'on peut faire avec un orchestre complet. Celui-ci ne sera pas très utile dans un orchestre. Ça rend tout un peu plus silencieux. Modifie un peu le ton du tamarin. Mais nous ne voyons pas cela très souvent utilisé dans, en combinaison avec la musique solo d'orchestre, nous le faisons. Le pétale central est la pédale Udot soutenue. Maintenant, celui-ci, tous les pianos n'ont pas, beaucoup d'entre eux ont trois pétales. Mais si vous avez comme un piano droit ou un piano à queue pas très bon, vous aurez peut-être quelque chose de différent pour la pédale de sustain. C'est peut-être comme basique. Je ne me souviens plus de ce que c'est. Parfois, la pédale sostenuto est essentiellement une pédale d'amortisseur pour l'extrémité basse du piano. Si vous le poussez vers le bas, il enlève l'amortisseur sur les notes basses du piano. Quelle est la bonne pédale sostenuto, que vous pouvez supposer que vous avez dans un orchestre parce que vous avez un bon piano là-bas. Ce mécanisme funky que les gens n'utilisent pas assez ? Et j'adore utiliser, laissez-moi vous montrer. Je l'utilise beaucoup dans cette pièce. C'est un très long B. Deuxième mouvement. Utilisez-le. Pédale Sustain Udot. Vous avez généralement noté comme SOS, puis alignez sur l'endroit où vous souhaitez l'utiliser. Ce que vous faites avec cette pédale sostenuto est utilisé. Poussez quelques notes vers le bas. Vous pouvez soit les pousser fort pour les entendre, soit très doucement. Donc, personne ne vous entend faire baisser ces notes. Ensuite, pendant que vous maintenez ces notes enfoncées, vous appuyez sur la pédale Sostenuto. Cela va enlever l' amortisseur sur ces notes. Maintenant, vous pouvez lâcher ces notes, mais gardez la flaque d'eau à terre. Ces notes sont maintenues enfoncées. Dans le cas de cette musique que vous voyez ici, ce que vous voyez c'est avant le début de la pièce, les interprètes ont demandé de maintenir ces notes enfoncées , puis d' appuyer sur la pédale de sustain. Ensuite, allez faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire des dérivés. Seuls ces nœuds vont sonner de ce petit riff rapide. Ce B bémol haut va être rapide et au passage, A-flat va passer ce G parce qu'il était là. Ce G va sonner. Ce n'est pas le cas, mais ce E va sonner. C'est pourquoi il est dit de laisser cela se maintenir et de s'asseoir dessus pendant environ trois secondes, puis de déprimer cet autre accord. Et puis on va faire le même genre de choses. Big RIF, juste ces notes vont se maintenir, et cetera. voici un autre. Sos. C'est la pédale Sostenuto. C'est vraiment cool et c'est vraiment amusant de faire des tours. Je ne pense pas que les gens l'utilisent assez. Vous y allez. Ici, il est dit SOS séparé, ça veut dire garder la pédale sostenuto enfoncée. Prey est un peu comme immobile, toujours SOS, je n'aime pas passer par tout ce passage. Alors, juste ici. Attendez que tous les sons disparaissent. Juste là. Ensuite, refais-le. Pédale durable, super cool. Bon, donc ce sont les trois pétales du piano. Encore plus sur le piano. Je pourrais écrire tout un cours sur l'écriture pour piano. Peut-être qu'un jour, je le ferai. Autres instruments à clavier que nous rencontrons. Piano jouet, c'est un piano que vous rencontrez assez souvent. Et c'est exactement ce que ça ressemble. C'est, vous imaginez un vieux dessin animé Peanuts où Schroeder joue, comme assis au sol en jouant un peu de piano. pianistes professionnels ont adoré ces choses. Ils en ont tous un. Ils ne l'admettent peut-être pas, mais ils en ont tous un. C'est un peu comme un violoncelliste, qui est un autre bon instrument à clavier. On dirait des cloches. Ce n'est pas super en accord, mais il donne un effet très spécifique. Juste Google comme un piano jouet. Habituellement, c'est peut-être deux octaves. Pas vrai, vraiment gros. Mais ils sont plutôt amusants. violoncelliste est un autre qui ressemble à un tas de petites cloches. Harpes, le crochet est très lumineux. Clavecin. Le clavecin est un peu comme la guitare. En ce sens, c'est une sorte de ficelle cueillie. Imaginez un piano où, au lieu de vous faire frapper avec un marteau doux à l'intérieur, vous aviez quelqu'un avec un médiator très dur , qui allait, allant prendre chaque note. C'est littéralement ce qu'est un clavecin. Il est très, très lumineux. Il se détache et il a très peu de contrôle dynamique. C'est comme si le nœud était en train de le jouer ou de ne pas jouer. Un certain contrôle dynamique, mais pas beaucoup. Pour tous les instruments à clavier , recherchez les pétales, recherchez la notation que vous utilisez. En premier lieu, vous allez être coincé avec le piano. À moins que vous ne fassiez quelque chose d'étrange, vous pourriez utiliser l'un de ces autres. 38. La harpe: Le cœur. Encore une fois, toute la classe devrait être consacrée à l'écriture pour le cœur. Le cœur est un instrument très difficile à écrire. Parce qu'il y a des choses particulières et particulières. J'ai beaucoup travaillé à écrire pour la harpe, à la fois en tant qu'instrument solo et en tant qu'instrument d'orchestre. Je veux dire, ce que je pense autre que le gros problème qui concerne les pétales, dont je parlerai dans une seconde. part cela, je pense que ce qui est surprenant à propos de la harpe, c'est que cœur peut être très fort. Il peut rivaliser avec le piano. Je pense qu'il peut parfois être plus fort que le piano, surtout dans le bas de son extrémité. Les Karp peuvent être bruyants et ils peuvent être très calmes. Mais encore une fois, j'aime les considérer comme un instrument percussif, moins que le piano, mais quand même, ils n'ont pas beaucoup de soutien au volume dont nous avons besoin pour qu' il fonctionne avec un orchestre. Ils sont donc tout à fait comme une percussion, un instrument de percussion. D'accord, donc tout d'abord, il y a des tonnes de méfaits différents. Ce dont nous parlons ici, c'est celui-là, il y a un tas de mécanismes en haut. C'est, je pense que nous l'appelons généralement comme une harpe classique. Il ne s'agit pas d'une harpe de Caltech ou d'une autre harpe. La plus grande chose qui les distingue, c'est qu' ils peuvent jouer de façon chromatique. Si vous regardez cette image, ce que vous voyez, c'est essentiellement les cordes rouges, je crois que r voit la hauteur C, donc ils peuvent trouver C rapidement. Je pense que les noirs ici sont GI ou F. Je pense que c'est F. Si vous comptez de C à C, vous n'aurez pas 12 cordes, vous en aurez huit. Donc, fondamentalement, tout est diatonique. Cela signifie que les cordes sont C, D, E, F, G, A, B, C, puis active dans une autre roche active dans un autre rocher. Cela n'a pas l'air très chromatique maintenant, n'est-ce pas ? Ils ne peuvent pas jouer un C pointu. Ceux-ci peuvent jouer entièrement chromatiquement. La grande chose qui les rend différents, ce sont les pétales. Donc, si vous deviez regarder à l'arrière de l'un d'entre eux, c'est ici que la personne joue. Lorsque vous jouez de la harpe, vous êtes assis comme ça. Et si je joue comme ça, ces pétales sont juste à mes pieds. Ok, donc vos jambes vont de chaque côté de ça. Nous avons sept pétales en bas. Beaucoup de gens savent que les harpes ont des pétales. Ils le font. C'est ce qui est compliqué avec la harpe. Chaque pétale a trois positions. Quand c'est dans ce milieu ici. C'est naturel. Quand c'est fini. C'est plat, je crois. Et quand il est bas, il est tranchant. Je pourrais avoir cet aplati pointu arrière. Je pense que c'est exact. Qu'est-ce que cela signifie ? Regardons le premier ici. Le premier est D, c'est le pétale De. Si c'est tout le haut, cela signifie que tous les D, toutes ces cordes sont plates. Cette pédale a des effets, tous les D. Donc tous ces éléments sont maintenant en D à plat. Si je descends cette pédale en position naturelle, c'est le point médian. Tous ces éléments ne sont pas naturels. Si je le mets en position inférieure, tout cela est maintenant tranchant. Cool. Par cette logique, disons que je voulais faire un tas de choses en sol majeur. Tout ce que j'ai à faire, c'est prendre mon pétale et le mettre en position tranchante. En l'enlevant. Ensuite, j'ai G, A, B, C, D, E, F pointu, G. Donc maintenant je peux aller comme ça et jouer des échelles G majeur toute la journée. OK, cool, simple. Voici maintenant le problème. Et si je voulais jouer quelque chose dans la clé de G, mais j'ai parfois voulu F-Natural. C'est en dehors de la clé. C'est cool, ça arrive. Maintenant, j'ai besoin d'un F naturel et d'un F tranchant. Maintenant, vous avez un problème. Maintenant, c'est quand les choses deviennent funky. Vous pouvez faire deux choses. Vous pouvez écrire la musique de manière à ce qu'ils aient une huitième note ou quelque chose où ils le peuvent. Déplacez la pédale. Ils peuvent déplacer la pédale pendant qu'ils jouent. Ils ne devraient pas frapper cette tranche F une seconde. Déplacez la pédale vers F natural. Frappez le F naturel. Une fois que la sonnerie est terminée, appuyez à nouveau sur la pédale vers le bas et remettez-la à un point fort F. Ils peuvent le faire. Mais disons que si vous vouliez quelqu'un entre un F naturel et un G F tranchant, vous ne pouvez pas le faire. Vous pouvez. Ce que vous pouvez faire, c'est d'aller à votre E et de le déplacer en position tranchante. Maintenant, vous avez un E pointu. Et si vous écrivez un trill entre E pointu et F-sharp, vous avez maintenant un trill entre F naturel et F pointu. C'est fou, non ? Notez donc que B et E et F peuvent tous les deux aller et voir tous peuvent aller à la position nette et à plat. Vous vous retrouvez donc avec beaucoup de pointes et de plats et de choses comme ça. De la façon dont nous suivons cela, il y a plusieurs façons de suivre cela, mais vous voyez beaucoup ce symbole. Ce symbole dit, nous montre en quelque sorte la position de nos pétales, n'est-ce pas ? Cela indique donc que la DEA est dans une position naturelle. C est en position tranchante, B est en position naturelle, E est en position plate, F est en position tranchante, G est en position tranchante, A est en position plate. C'est un peu époustouflant parce que normalement dans une échelle ou une clé, nous n'aurions pas à la fois de tranchants et de plats plats. Mais la façon dont le cœur doit le négocier, les cordes, ils sont plus habitués à voir cela que nous autres. Ils doivent s'en occuper car ils ne peuvent avoir qu'une note par chaîne. Voyons si nous pouvons traduire cela. Faisons en sorte que tout soit net. C'est ce qu'on appelle ça « D-sharp ». Et puis nous avons un G naturel D, G-pointu et un A-plat. Ce sera donc harmoniquement la même note. Je ne pense pas que ce soit une clé, je pense que ce n'est qu'un exemple. Mais c'est un bon exemple ici, vous avez deux de la même note, ce qu'ils peuvent faire. Ils peuvent le faire exprès. Voici, en pratique, ce que vous pourriez voir. Donc, si nous regardons notre histoire précédente, c'est DCB. Cela nous dit D tranchant, B pointu, D pointu, C pointu, B naturel, puis tout le reste tranchant. Et puis faites ces gros glyphes. Maintenant, tout va être dans cette clé. Voici de la musique. Voici ce symbole juste là. On dirait que tout est naturel. Sauf pour le A juste à la fin. Ils montent ce riff , puis ils font des ajustements. Ils tirent ce pétale vers le haut. Puis parfois, vous obtenez simplement ces petites choses ici où il est dit, déplacez la pédale naturelle en E-flat. E naturel à E plat, E naturel à plat E, naturel à tranchant G. Je ne sais pas comment tu ferais ça. C'est une façon bizarre de dire que ça devrait être naturel à un plat. Quelque chose de drôle là-bas. Mais il y a encore un nouveau symbole, une sorte de réinitialisation. Et il y en a un autre qui vous montre comment les choses fonctionnent. Et il y a nos pétales. Tout cela étant dit. C'est un instrument difficile à jouer. Mais de très bons joueurs peuvent faire des choses vraiment incroyables. Ils peuvent faire des choses très complexes. C'est un peu comme la guitare. Ils jouent comme ça, ce qui est comme ça, et il s'agit d'une octave. Les mêmes règles que le piano. Vous ne pouvez pas écrire plus d'une octave dans une main. Et vous devez penser que si c'est le cas, c'est votre plus grand intervalle. Ces doigts ne peuvent pas faire une tonne si vous frappez une octave à l'intérieur. Nous devons donc réfléchir à la façon dont vous feriez cela. meilleure chose à faire est d'écrire la musique que vous voulez écrire, puis de travailler avec un lecteur de cœur pour la rendre très jouable. Et il va falloir faire des compromis. Le cœur, c'est toujours le cas. Mais c'est ça le cœur. 39. Orgue: Parlons de l'orgue. Étonnamment, il n'est pas rare de trouver des pièces pour Oregon, un orchestre. plupart du temps, si vous êtes orchestre se produit dans une église, il y a un orgue là. Historiquement, la musique de l'Oregon et orchestre existe depuis longtemps, surtout sous la forme d'une messe ou de quelque chose comme ça. Quelques choses à suivre avec l'Oregon. Tout d'abord, l'Oregon peut être la chose la plus bruyante de la pièce. Un peu toujours. Même si la section cuivres explose complètement, si vous voulez que l'Oregon gagne. En termes de volume, c'est possible. L'Oregon est énorme et énorme. Et il peut émettre le plus de son si vous le vouliez vraiment. Mais il peut aussi être très calme et délicat. Sa gamme est incroyable depuis les notes les plus basses que l'on peut imaginer jusqu'aux notes très élevées. Tout dépend de l'organe particulier. Donc, si tous ces tuyaux que vous voyez dans un Oregon, nos notes, et parfois il y a beaucoup de tuyaux pour chaque note individuelle, selon l' arrêt que vous utilisez. C'est donc là que la notation devient un peu plus difficile. Les arrêts sont tous ces petits boutons ici. Laissez-moi voir si j'ai une meilleure photo. Ici. Vous pouvez voir tous ces petits boutons. Ainsi, chaque arrêt change le ton. C'est vraiment la même chose, très similaire à un synthétiseur. Composer un patch, sauf que c' est un style analogique. On les appelle des arrêts et ils en retirent un , ce qui permet l'air de traverser cette section de tuyaux. Pour noter les arrêts que vous souhaitez utiliser. Ces arrêts ont trait au bois et un peu à la dynamique, mais beaucoup à voir avec le bois. Voici de la musique. Vous voyez qu'ils ont noté les arrêts. En tant que tel. Je ne suis pas du tout un expert en la matière. Vous allez donc le vouloir, si vous écrivez pour orchestre ou si vous voulez savoir comment étiqueter les arrêts. Et j'ai probablement travaillé avec un organiste pour expérimenter et s'assurer d'obtenir les sons que vous voulez. À part les arrêts. La musique d'orgue est notée sur deux ou trois portées. Le bâton inférieur, la clef basse, sont probablement vos pétales. Voyons voir. Vous pouvez voir les pétales ici. Il y a tous nos pétales. Vous avez environ deux octaves dans les pétales. Et ce sont de grosses notes de basse bruyantes. pétales. Les pétales ne sont pas comme des flaques de cœur ou des pédales de piano s'ils ont changé le son. Il s'agit en fait d'un autre clavier. C'est ce qu'il y a là. Vous jouez des notes avec les pétales. Si vous regardez comme un bon organiste jouer l'Oregon, votre esprit sera époustouflé. Je ne peux même pas comprendre comment ils peuvent suivre toutes les choses qu'ils gardent. C'est fou. Regardez un organiste professionnel, comme jouer à Bach ou quelque chose comme ça et ils le seront, c'est bizarre. C'est phénoménal. C'est ce que c'est, mais il y a beaucoup de choses à suivre. Vous pouvez voir ici, je veux dire, il y a quatre claviers plus les pétales, plus les arrêts. Et il y a d'autres arrêts ici à suivre. Et j'ai vu des organes qui sont encore plus gros que ça. C'est fou. Quoi qu'il en soit, si vous voulez écrire pour l'Oregon, travaillez au sein du joueur de l'Oregon vous aider à écrire la pièce car il y a beaucoup de choses à comprendre. 40. La guitare: Parlons de guitares. Ce que je vais dire sur les guitares pourrait vous surprendre en tant que guitariste moi-même. Commençons par passer en revue quelques-unes des choses les plus élémentaires que vous connaissez probablement sur la guitare. Mais pour des raisons de cohérence, guitare standard a six cordes, sont accordées en quatrième avec une sorte de bizarrerie près du sommet. Les cordes sont E, A, D, G, B et E. Il y a donc un tiers caché entre les forces G et B. Avec le reste d'entre eux sont réglés en force. Certaines guitares ont plus de six cordes de ce genre. L'une d'entre elles comporte dix cordes. n'y a pas vraiment de moyen standard d'accorder. Lorsque vous avez plus de six cordes. Généralement, sept guitares à cordes ont une note de plus, une autre corde plus basse. En fait, la plupart des guitares qui ont plus de six cordes vont plus bas plutôt que d'aller plus haut. Je pense que c'est vrai. La plus grande différence entre une guitare et un violon ou quelque chose comme ça, c'est que les guitares sont frettées. Tous les types de guitares sont frettées. Donc, tout ce que l'on peut trouver dans la catégorie de la guitare générale, même des choses comme le ukulélé et le banjo et des choses comme ça sont Fred. Au lieu de pouvoir bouger comme un glissando jusqu'en haut et en bas. On va comprendre ça comme ça, c'est fait, c' est à cause des amis. C'est juste une autre chose. Vous pouvez avoir des guitares infructueuses. Ils existent, mais ils sont plus rares. Maintenant, voici le truc délicat de la guitare. Ce que je vais dire qui va probablement vous surprendre, c'est que j'écris très rarement pour la guitare. Je déteste écrire pour guitare. L'écriture pour guitare est très difficile. Il y a beaucoup de choses auxquelles vous devez penser. Et même en tant que guitariste, écrire pour une guitare est vraiment difficile. Je ne parle pas de déchiqueter des riffs rocheux. Je parle comme de la guitare classique. J'aime pouvoir jouer comme Bach et des choses comme ça. Ce style de jeu, ce genre de jeu que l'on peut voir plus généralement avec un orchestre. Bien que la guitare électrique soit de plus en plus courante avec l'orchestre. Donc. C'est très difficile à faire. L'écriture pour guitare est délicate. C'est vraiment le cas. En raison de son problème particulier. Et c'est ça. Nous pouvons jouer, nous sommes l' un des rares instruments qui peuvent jouer exactement la même note, même octave, plusieurs endroits. Cela rend les choses un peu délicates. Maintenant, n'importe quel instrument à cordes peut le faire. Un violent peut le faire. Mais ce qui nous différencie, c'est qu'on nous demande souvent d'être un instrument polyphonique. Les guitares sont priées de jouer plus d'une note à la fois, mais on nous demande de le faire. Mais n'importe quel nœud peut être trouvé à plusieurs endroits, à quelques exceptions près. Par exemple, si vous me dites de jouer C, je vais jouer le C. Ou est-ce que je vais jouer ici ? Même note, même octave. Si vous m'avez dit de jouer cette note, je peux la jouer ici. Je peux jouer ici, je peux y jouer ici. Comme Google Play ici, mettez-le ici. Ou peut-être ici. Avec un harmonique. Je peux jouer à six endroits différents. Maintenant, c'est très bien. Si tu me dis juste de jouer des notes simples, je peux juste en choisir une et trouver où le jouer. Mais si vous me demandez de jouer plusieurs notes en même temps, je dois savoir où je vais obtenir chaque note. Et en gardant à l'esprit, je ne peux obtenir qu'une seule note par chaîne. Donc, si vous voulez que je joue un E et un F Sharp, ils sont sur la même corde, donc maintenant je dois trouver un autre endroit pour jouer mon E. Je vais jouer ce E ici. Au lieu de là. Ce F-Sharp, là. Maintenant, je peux le faire. Mais la lecture à vue est très difficile et l'écriture très difficile. Si vous essayez de faire des trucs polyphoniques. Tout cela veut dire que même en tant que guitariste, j'écris très rarement pour la guitare et je n' aime vraiment pas écrire pour votre temps. J'ai écrit quelques pièces de guitare classique, mais elles ont été très simples. Juste pour accompagner quelque chose d'autre. Et je n'ai jamais vraiment écrit comme une pièce de guitare midi parce que la guitare est super dure. Si vous écrivez pour guitare, vous n'êtes pas un guitariste, alors ce que vous devriez faire est plus ou moins juste, où vous allez écrire, mais gardez à l'esprit que vous allez devoir passer par là et note par note avec un guitariste et écrivez à doigts pour qu'il sache jouer. Hum, et vous l'avez, vous pouvez leur demander de le trouver pour vous. Si vous êtes un guitariste et que vous voulez écrire pour guitare, jouez-le pendant que vous l'écrivez. Ne vous inquiétez pas de pouvoir le jouer à la vitesse. Si vous allez avoir quelqu'un qui est peut-être meilleur que vous ne le jouez. Mais vous devez au moins savoir que vos doigts peuvent se rendre physiquement à ces endroits. C'est vrai sur presque toutes les guitares et tous les instruments frettés en général. Il y a donc un truc autour de ça. Cette idée d'obtenir plusieurs nœuds et plusieurs notes ou les mêmes notes à plusieurs endroits nous a conduit à un système de notation différent pour certains éléments appelés tablature. Passons à une nouvelle vidéo et parlons de tablature très rapidement. 41. Tablature: Ok, donc voici à quoi ressemble la tablature maintenant, tout d' abord, permettez-moi de dire quelque chose sur la tablature. Il se peut qu'il vous ait été transmis à un moment donné que la tablature est mauvaise. Si vous êtes un guitariste ou un joueur de cordes, vous avez peut-être l'impression que tablature est acceptable. Mais les musiciens professionnels lisent des notes, pas des tablatures. C'est un peu vrai, mais il y a vraiment une bonne raison de tablature. n'y a rien de mal à tablature. La raison est ce problème dont je viens de parler et que c'est que nous pouvons jouer des choses à beaucoup d'endroits différents. Si je ne faisais que donner ces notes, je pourrais probablement le lire. Jusqu'ici, ça me ralentirait. Ce E et F me ralentiraient parce que je devrais vraiment trouver quelque chose pour cela. Mais cette tablature que je pourrais citer a lu complètement. Probablement au tempo. Ce n'est pas très dur. Ce que nous dit la tablature, ce n'est pas exactement les notes à jouer, mais exactement où mettre nos doigts et quelles cordes frapper. Cela dit sur cette force. Chaque ligne est donc une chaîne. Et il est écrit sur la ficelle B, mettez votre doigt sur la première frette. Sur la corde E. Posez votre doigt sur la première frette de la ficelle. Posez votre doigt sur la troisième frette. Sur la corde D, placez votre doigt sur la troisième frette. Et ce sont les notes qui sont produites en faisant cela. Cela dit la même chose. Si vous l'avez fait, si vous travaillez avec un instrument à cordes d'instrument à cordes fretté , vous pouvez utiliser une tablature. n'y a rien de mal à utiliser la tablature. Utilisez-le toujours en combinaison avec la notation traditionnelle, comme c'est le cas, n' utilisez pas uniquement la tablature. Parce que la tablature seule ne vous montre généralement pas le rythme. Il y a des moyens de montrer l'entablature du rythme, mais aucun d'entre eux n'est génial. est donc bon de combiner les deux ensemble. Parce que pour moi quelqu'un qui a une formation classique, je ferais probablement en regardant cette musique, je commencerais à lire ici. Je ne regardais pas la tablature et je lisais simplement ici, je jouerais ça ici. Je laisserais probablement mon œil dériver ici. Et puis je resterais ici pour tout ce riff. Parce que ce riff est évidemment très facile quand on le regarde et que l'on tablature. Mais c'est assez difficile quand on le regarde dans les notes. Je zigzag un peu entre eux. Mais n'ayez pas peur de la tablature. Pour les instruments de crédit, la tablature est très bien. Même les guitaristes professionnels doivent utiliser la tablature. Parfois, ce n'est pas de la tricherie. C'est juste la nature de notre instrument. Parfois, nous avons besoin de savoir où poser nos doigts. 42. Dynamique de la guitare: Encore une chose à propos des guitares. Souvent, avec un orchestre, on voit ce genre de guitare, corde de nylon ou de guitare classique. guitares sont silencieuses. guitares sont vraiment silencieuses. Vous n'y pensez pas. Nous pensons souvent que toutes les guitares sont très fortes parce qu'elles ont un AMP. Mais juste des guitares comme celle-ci. Leurs petits trucs épineux, ils n'ont pas un son énorme. Vous pouvez orchestrer autour cela et vous pouvez trouver de très belles pièces où la guitare tient vraiment dans l'orchestre, même si elle est aussi silencieuse qu'elle l'est sans aucune amplification. C'est difficile d'écrire de cette façon. Mais même pour ce genre de guitares, il est tout à fait acceptable à ce stade d' avoir un ampli sur scène avec le guitariste. Les gens font de la guitare classique comme ça. S'ils font une pièce avec tout l'orchestre, ils peuvent avoir un ampli. Certes, les gens qui jouent de la guitare électrique auront un ampli ou n'importe quelle sorte de guitare. Mais avec un AMP, il y a beaucoup de choses supplémentaires. Vous voulez noter le type de son que vous voulez dans cet AMP. Qu'il s'agisse d'une distorsion nette, d' délai de réverbération, d'effets éventuels. Vous pouvez écrire tout ça là-dedans. Et si c'est le cas, vous devez vous assurer d'être aussi descriptif que possible. Fondamentalement, même si vous n' essayez pas de ne pas dire de distorsion, mais de dire une distorsion graveleuse. Ou encore, j'ai même les scores des étudiants spécifient une pédale de distorsion particulière et des réglages particuliers pour cette pédale. Il se peut que l'artiste ait ou non accès à ce pétale. Mais ils peuvent le regarder et essayer de le faire, ils peuvent comprendre le son que vous voulez et essayer de faire quelque chose de similaire. La plupart des cas, s' ils sont professionnels, jouer avec un orchestre professionnel vont trouver un moyen d' obtenir ce pétale. Gardez cela à l'esprit. 43. Accordéon: Très vite. L'accordéon. Je n'ai pas beaucoup d'expérience en écriture pour accordéon. Mais la chose à retenir à propos de l'accordéon, c'est qu' il s'agit essentiellement d'un instrument à anches, donc il ne ressemble pas à un hautbois dans son timbre. Il y a des lectures à l'intérieur, et lorsque vous tirez et poussez le soufflet, c'est le genre de cavité d' erreur qui s'y trouve. Il souffle de l'air à travers ces lectures et c'est ainsi que vous obtenez ce son. Cela signifie qu'il va avoir un son très lumineux. Il va très bien se passer. En fait. Ça peut devenir assez fort. Vous seriez surpris. On ne voit pas souvent d'accordéons avec des orchestres à moins qu'ils ne fassent de la musique de tango ou de la musique de p, c'est Ola ou quelqu'un comme ça. Note de côté. Si vous n'avez jamais entendu de musique Aster pizzaiolas. Comme mettre cette vidéo en pause maintenant et descendre un trou de lapin en écoutant Zola. J'adore la pizza Ola. Nous étions à ce point près de nommer notre Aster en pierre, à cause des astéroïdes Zola. J'ai perdu la bataille à ce sujet. Mais parce que ma femme pensait que les gens les appelleraient un test, quelqu'un qui allait bien. Mais il joue un type d'accordéon très spécifique, c'est ce pour quoi les pizzaiolas sont les plus connues. Mais la chose à retenir à propos de l'accordéon, selon le type, ils ont des gammes différentes. Vous voulez savoir avec quel type vous travaillez. Si vous travaillez avec un. Parce qu'il est lu, il se marie très bien avec les autres vents. Vous pouvez l'inclure dans la section vent et vous auriez un très beau son. Bassons, bassons mélangés à des accordéons est un son magnifique. J'ai déjà entendu parler d'une pièce. J'ai adoré ça. C'était un son puissant et incroyable. Alors, gardez peut-être cela à l'esprit. Mais je pense que c'est tout ce que j'ai à dire sur les accordéons. Très bons instruments de mélange. Ils ne sont pas très souvent utilisés avec l'orchestre. Mais ce serait génial s'ils l'étaient, parce qu'ils sont vraiment cool. Et regardez la musique. Si on lui demande Zola répété. 44. Tout le reste: Comme vous le savez probablement, il y a des milliers d'autres instruments. Je ne peux pas tous les couvrir ici. Mais quand vous le faites, vous envisagez d' utiliser un instrument, les trois choses auxquelles vous devez toujours penser sont : quelle est sa portée ? À quoi ressemble sa dynamique ? Et à quoi ressemble son bois ? Sa gamme est donc assez facile à regarder. À quoi ressemble sa dynamique ? Cela signifie qu'il est fort et haut de gamme ou qu'il est silencieux et que ce sont des énergies élevées aussi fortes et qu'elles sont basses ou silencieuses et lentes. À quoi ressemble cette courbe ? quoi pourra-t-il se fondre ? En termes de dynamique ? Est-il assez fort pour se fondre avec le laiton en pleine explosion ? Ou est-ce assez fort, ou est-ce un instrument silencieux ? Et nous ne voulons l' utiliser que lorsqu'il est combiné à la violence qui fait quelque chose de vraiment délicat. La troisième chose, c'est le timbre. Est-ce vraiment 3D ? Est-ce vraiment lisse, comme une flûte ? C'est. Il n'a pas beaucoup de caractéristiques comme un instrument de percussion. Puis-je modifier ses caractéristiques en utilisant une sourdine ou en effectuant une technique étendue ou quelque chose comme ça. Si je le peux, à quoi cela se fondera-t-il ? Nous allons parler beaucoup plus de la fusion instruments et de la création de nouveaux timbres. Dans la section suivante de la classe, une fois que nous entrons dans les vrais trucs d'orchestration des médias. Donc, veillez-vous pour ça. Mais chaque fois que vous envisagez un nouvel instrument, réfléchissez à ces trois choses. Gamme, dynamique, bois. 45. Qu'est-ce qui se passe à la suite ?: C'est tout pour l' instrumentation. Nous connaissons maintenant plus ou moins tous les instruments. Que se passe-t-il ensuite ? Nous allons ensuite plonger dans la combinaison d'instruments pour produire des sons puissants et tirer pleinement parti de l'orchestre. Nous allons commencer par regarder les lignes. Nous allons dire que nous avons une ligne comme une mélodie. Et c'est comme si Mary avait un petit membre. Je peux mettre ça dans le violon. À quoi ça va ressembler ? Je pourrais mettre ça dans le hautbois. À quoi ça va ressembler ? C'est cool. Mais si je le mets dans le violon et le hautbois, à quoi cela ressemblera-t-il ? Et si je mettais un spiel Glauçon attaquant toutes les autres notes ? Sur les notes de fond, a ajouté un violoncelle. Dis-moi comme ça. Cela va créer une sensation très différente. Et dans le contexte d'un orchestre, il pourrait s'agir d'un son puissant. C'est peut-être ce que nous voulons, ce n'est peut-être pas ce que nous voulons. Nous allons examiner différentes techniques de combinaison de sons pour tirer pleinement parti de l'orchestre. Nous allons également examiner beaucoup de travail de compositeurs bien connus et ce qu'ils ont fait dans des situations similaires fera également une bonne analyse des scores dans ce domaine. Après les lignes, nous allons entrer dans les harmonies et les accords et construire des choses comme ça. Et finalement, nous commencerons à concevoir toutes ces choses pour fonctionner le mieux sur le synthétiseur ou l'orchestre échantillonné. Mais en fait, tout ce dont nous allons parler. Dans la prochaine classe, nous allons utiliser un orchestre échantillonné pour le transmettre, et nous y entrerons probablement tout de suite. J'aimerais avoir un orchestre complet à ma disposition pour jouer tous les exemples pour vous, mais c'est le cas. Nous allons donc devoir utiliser l'orchestre échantillonné. Mais je sais que c'est une chose dans laquelle beaucoup d'entre vous veulent vraiment entrer dans ce cours, nous y plongerons dès que possible. Alors, joignez-vous à moi dans la prochaine classe, troisième partie. Je vous y verrai. 46. Conclure !: Salut tout le monde, je veux en savoir plus sur ce que je suis en train de faire. Vous pouvez vous inscrire à ma liste d'e-mails ici. Et si vous faites cela, je vous informerai quand de nouveaux cours seront publiés et quand j'ajouterai ou modifie des cours auxquels vous êtes déjà inscrit. Passez également à la caisse sur ce site. J'y poste beaucoup de choses et je m' y renseigne tous les jours. Alors, s'il vous plaît, venez traîner avec moi. Et l'un de ces deux endroits est ou les deux ? Et nous vous y verrons.