Maîtrise des couleurs : étapes simples pour créer des œuvres d'art éclatantes

1. Introduction: couleur est l'un des outils les plus puissants que vous pouvez avoir en tant qu'artiste, et sachant comment utiliser la couleur, il peut prendre votre travail de bon à grand. Salut, je m'appelle Victo Ngai. Je suis illustrateur de Hong Kong. Maintenant, je suis basé à Los Angeles. Aujourd'hui, je suis ici pour vous apprendre les couleurs. Je pense que la couleur joue un rôle énorme dans mon travail. Cela m'aide vraiment à provoquer l'émotion que je veux, m'a vraiment aidé à raconter une histoire, m'a vraiment aidé à distinguer mes héros. Je suis vraiment excité aujourd'hui de parler de couleurs, non pas parce que je suis l'expert en la matière, mais parce que j'avais l'habitude d'être vraiment mauvais. J' ai donc passé beaucoup de temps à disséquer les couleurs, à regarder d'autres personnes travaillent, et j'ai l'impression d'être venu loin de là où j'étais, c'est pourquoi aujourd'hui, j'espère le décomposer pas à pas, et peut-être que cela peut donner aux gens le confiance pour développer leur propre voix dans les couleurs. Donc, dans la classe d'aujourd'hui, nous allons commencer vraiment basique, c'est un des fondements des théories des couleurs et de la compréhension des termes. Ensuite, nous allons examiner quelques chefs-d'œuvre, et voir comment la couleur fonctionne pour ces œuvres d'art, comme base sur laquelle bâtir votre propre mission. Nous ne allons pas plonger très profondément dans la partie nerdy de la théorie des couleurs dans cette classe, donc vous n'avez pas besoin d'en savoir beaucoup sur les couleurs. Tout ce dont vous avez besoin, c'est juste vos yeux et vos mains pour le suivre. Donc, si vous suivez, s'il vous plaît, partagez vos projets dans la galerie de projets de classe. J' adorerais voir ce que vous avez trouvé. J' espère que vous quitterez cette classe avec la curiosité et la confiance pour essayer les couleurs. Je suis si contente que vous ayez rejoint ce cours. Commençons. 2. Ce que nous allons voir: Donc, si vous me dites il y a 10 ans que je vais enseigner une classe sur les couleurs, je vais probablement rire de vous parce que contrairement aux lignes, couleur est quelque chose qui ne me vient pas naturellement du tout. Tout au long de l'école d'art, couleur a été ma grande faiblesse si vous demandez à l'un de mes anciens professeurs, mais je travaille très dur pour surmonter cette faiblesse et cette peur, et je suis vraiment excité de partager avec vous ce que j'ai fait pour arriver là où je suis à ce point. J' ai donc commencé à regarder le travail des autres, voir comment ils utilisent la couleur et pas seulement à la regarder, mais à les tirer dans Photoshop et à isoler les couleurs avec un compte-gouttes, ce que nous allons faire aujourd'hui aussi. J' ai aussi commencé à regarder beaucoup de livres en brevets et textiles parce qu'ils ont généralement combinaison de couleurs vraiment intéressante qui est facile et simple à saisir et à voler pour votre propre usage, et nous allons le faire aujourd'hui aussi. Donc essentiellement, la classe d'aujourd'hui est comme une version super condensée de ce que j'ai fait pour moi-même au cours des 10 dernières années pour arriver là où je suis maintenant avec mes couleurs. Alors, comment la classe d'aujourd'hui va fonctionner, c'est qu'au début, nous allons revenir à la base, se familiariser à nouveau avec la théorie des couleurs, au moins la base de celle-ci, afin que nous puissions tous avoir un vocabulaire commun pour parler de la classe avec. Ensuite, nous allons regarder quelques pièces de la vie réelle ; essayer d'épouser cette théorie des couleurs avec la pratique, disséquer le travail de l'artiste, puis voir comment ils utilisent la couleur à leur avantage. Enfin, nous allons essayer de prendre une palette de couleurs existante, décomposer, puis de créer des nuances que nous pouvons utiliser pour notre propre illustration. Même si nous ne savons peut-être pas encore comment créer de la couleur, je pense que c'est assez inné comme humain pour sentir la couleur. Donc, quand nous choisissons la palette de couleurs, nous prenons déjà une décision sur le genre d'émotion que je veux emprunter à d'autres pièces qui peuvent être appliquées à la nôtre, et à travers le processus d'affinage de ces couleurs dans notre propre palette, nous prenons également des décisions sur les objectifs que nous voulons atteindre avec ces couleurs. J' ai donc créé une pièce juste pour la classe d'aujourd'hui. Le travail est un peu plus simple que mon travail habituel de nos jours. Il a un premier plan, un milieu et un arrière-plan très clair, et je recommande que vous ayez également un dessin au et je recommande que vous ayez également trait plus simple et une composition pour travailler avec, sorte que cela ne complique pas les choses et nous pouvons vraiment nous concentrer sur les couleurs. Donc juste pour vous donner une bonne attente, vous n'allez pas obtenir un doctorat de couleur après cela. Nous n'allons pas entrer dans la théorie des couleurs super complète. Je ne suis pas un expert en la matière. C' est juste quelque chose qui fonctionne pour moi et rend la couleur moins effrayante. Si vous voulez vraiment devenir nerdy sur la couleur, ce qui est vraiment amusant, j'ai également inclus un tas de lien utile dans la section des ressources de classe. Alors que vous suivez le long, vous remarquerez peut-être que les couleurs sont différentes des séquences du film de mon écran que de la vidéo réelle capturée sur l'écran, qui ne peut tout simplement pas être aidé à cause de la lumière, l'éblouissement, de la facteur de l'environnement. Donc, si vous vous demandez lequel est la couleur la plus précise, ce sera la capture d'écran. Donc, ce serait celui pour lequel vous référencez la couleur. Aujourd'hui, ce dont vous avez besoin pour cette classe est Photoshop ou une sorte de logiciel numérique tel que Procreate si vous utilisez un iPad. Je vais travailler sur l'ordinateur aujourd'hui et sur cette belle tablette. Tu n'as pas besoin de quelque chose d'aussi chic. Vous pouvez utiliser tout ce que vous utilisez comme des iPads ou une simple petite tablette pour dessiner. Parce que les couleurs existent dans un environnement, j'aime optimiser mon espace de travail et m'assurer que je ne reçois pas de distraction inutile, donc je vois vraiment la couleur sur laquelle je devrais me concentrer. Donc, quand je suis à la maison, ce que je ne suis pas là pour le moment, mon espace de travail fait face à un mur vide. Donc ça me donne un minimum de distraction. Je dois m'assurer que mon écran n'est pas directement sous la lumière ou les éblouissements. Si vous êtes super particulier pour vous assurer que les couleurs de votre écran sont correctes, vous pouvez obtenir ce capot de moniteur qui ressemble à des oeillères qu'ils mettent sur un cheval. Je suppose que garder aussi les couleurs concentrées sur l'écran. L' autre chose que j'aime faire est de définir mon bureau sur un gris moyen. J' ai également mis l'arrière-plan sur mon Photoshop en gris moyen, donc je ne serai pas entaché de couleurs lorsque je prendrai des décisions. Donc, quand j'ai commencé à publier mon travail, j'ai remarqué à ma grande consternation que la couleur était mauvaise dans le mot imprimé. Donc, j'ai regardé et j'ai découvert que apparemment, tous les moniteurs ont des paramètres de couleur différents, que je ne connaissais pas auparavant. Donc, ce que vous voyez, ce que vous passez des heures à essayer de peaufiner sur votre moniteur peut sembler totalement différent sur le moniteur des autres personnes et sur papier. Une chose qui m'a vraiment, vraiment aidé était un calibrateur de couleur qui est ce petit gars. Il y a beaucoup de marques qui font cela. C' est exactement ce que j'utilise. Donc essentiellement, ce qu'il fait est que le logiciel va exécuter ces nuances de couleurs sur votre écran et vous venez de mettre ce petit gars, comme ça sur l'écran afin qu'il puisse mesurer la précision ces nuances de couleur voit et calibrer votre de cette façon. Donc maintenant ma couleur dans l'impression est beaucoup plus précise, merci pour ce petit truc supplémentaire. Une chose que vous ne savez peut-être pas est aussi votre moniteur est comme un organisme vivant. Ainsi, la couleur change au fil du temps à mesure que l'écran vieillit. Donc, même si vous calibrez, est bon d'entrer dans l'habitude de le faire de temps en temps, comme une fois par mois. N' hésitez donc pas à suivre l'un des conseils de configuration ou non. Vous n'avez pas à faire ça et vous pouvez toujours suivre. Maintenant que nous sommes tous prêts, prochaine étape, plongons dans les couleurs. 3. Le pouvoir et les pièges de la couleur: La façon dont nous devrions aborder la couleur doit être très attentive. Avant de commencer à ajouter de la couleur au hasard dans une pièce, nous devons nous demander quels sont les objectifs de faire cela. Avoir les objectifs nous aide à prendre des décisions cours de route plutôt que de simplement essayer aveuglément les choses. Habituellement, pour moi, il y a trois objectifs principaux lorsque j'utilise la couleur. Le premier est d'essayer de réfléchir au type de sentiment que j'essaie de transmettre. Le second est de voir comment je peux utiliser les couleurs pour déplacer les yeux autour pour raconter l'histoire de cette façon. Le troisième est juste de faire vivre le monde de l'art avec les couleurs. Donc, en parlant de la façon dont les couleurs font vraiment vivre les choses, j'ai récemment regardé un documentaire réalisé par Peter Jackson. Donc il a utilisé toutes les images en noir et blanc de la Première Guerre mondiale, mais nous les maîtrisons avec des couleurs. Première partie du film avant la Grande-Bretagne aller en guerre et le soldat a atterri sur le continent et étaient en noir et blanc. Une fois que nous sommes entrés dans les tranchées, tout d'un coup tout vient à la couleur et ce contraste était assez puissant. Nous voyons toujours le noir et blanc comme l'histoire ancienne mais tout d'un coup maintenant d'autres personnes se sentent tellement plus réel, et alors vous pouvez voir le flash de la couleur, la ruée sur leur joue et tout d'un coup vous réalisez comment Ces jeunes soldats étaient et ça t'a vraiment frappé que tu envoyais un tas d'enfants à la guerre et je me sentais comme si c'était très émouvant pour moi. Maintenant, prenons un autre exemple de mon propre travail. Celui-ci était pour un livre appelé Kama Sutra, certains d'entre vous pourraient être familiers avec ça. Il s'agit essentiellement de l'amour et aussi du sexe, très différent du sujet de la Première Guerre mondiale évidemment. Dans cette scène, nous voyons un peu de plaisir de l'après-midi d'un couple se faufilant un snuggle et une arche. Comme vous pouvez le voir dans la pièce de couleur la chaleur du rouge et du jaune fait ressortir vraiment le moment de l'époque et la température et la romance à cause de cela et maintenant nous transformons cela en noir et blanc. Tout d'un coup, nous perdons toute cette humeur et aussi les différents éléments deviennent un peu plus difficiles à lire. Il y a donc quelques pièges communs quand il s'agit d'utiliser la couleur. Habituellement, va juste à des extrêmes comme être trop audacieux. Donc, vous utilisez toutes les couleurs que vous pouvez et en utilisant toutes à l' extrême quand il s'agit de saturation ou vous seriez juste trop timide, très bien rester dans la plage médiane de la valeur de la teinte, donc tout manque un clarté ou hiérarchie. Je trouve donc toujours très intéressant la façon dont nos sens et notre connexion fonctionnent ensemble. J' ai lu cet article vraiment intéressant sur la façon dont quelqu'un d'analyser l'Odyssée d'Homère et comment dans l'ensemble, ils décrivent toutes sortes de couleurs, mais une couleur manquait en particulier qui était bleu, et la façon dont ils décrivaient la mer était en utilisant la couleur du vin profond. Quelqu' un partait de l'hypothèse qu'à cause de cela, nous ne pouvions pas vraiment voir le bleu depuis longtemps, moins pour l'ancienne civilisation occidentale. Ça m'a fait penser à la langue d'une certaine façon. Maintenant, nous avons tous ces mots différents pour différentes couleurs. Cela nous aide vraiment à voir ces couleurs séparément et plus distinctement. Mais il prend aussi la couleur hors de leur contexte donc nous pensons à la couleur comme rouge, comme jaune, comme vert, comme bleu et nous les voyons emballés aussi des tubes indifférents de peinture comme tous séparés. Mais si vous pensez vraiment à ce sujet la couleur jamais excès dans l'isolement. Si vous regardez autour de votre entourage, il n'y a pas comme juste rouge, rouge se démarquant, est toujours dans ses propres contextes. Donc, la couleur est plus de ce tissu changeant de teintes et de valeurs et parfois il est facile d'oublier cela et cela devient un défi lors de l'application des couleurs. De nos jours, avec l'outil supplémentaire, cela perturbe davantage cette relation parce que dans l'ancien temps, quand vous mélangez la couleur avec la peinture, vous combinez physiquement les pigments pour créer de nouvelles couleurs. Donc, si vous commencez avec cinq tubes ou de la peinture et que vous créez 20 couleurs, toutes ces 20 couleurs ont les mêmes parents dont elles ont été créées afin qu'elles aient une harmonie héritée qui est intégrée. Mais alors que maintenant vous pouvez simplement utiliser votre sélecteur de couleurs et choisir toutes les couleurs que vous voulez Photoshop et il est très facile de se retrouver avec quelque chose qui ressemble à un vomi d'arc-en-ciel. Ça a l'air bouleversant. Il y a aussi cette idée fausse dominante quand il s'agit de couleur et j'ai l'impression que cela a aussi quelque chose à voir avec notre langue et notre vocabulaire. Par exemple, lorsque nous pensons à quelque chose de brillant, nous pensons à ajouter du blanc. Si nous pensons à quelque chose de sombre, nous pensons à ajouter du noir, mais cela crée en fait une palette de couleurs très sans vie parce que tout dans notre environnement est en fait mélangé avec plusieurs couleurs plutôt que simplement ajouter noir ou blanc. La même chose que les gens pensaient, « Si je veux faire une image vraiment brillante, alors j'ai utilisé des couleurs saturées. Cela semble avoir un sens dans notre esprit, la logique, mais je vais vous montrer quelques morceaux que ça va réfuter ça. 4. Comment parler de couleur: Donc, la première étape, nous allons parler des principes des couleurs. Avant cela, passons en revue les terminologies afin que nous puissions tous être sur la même page lorsque nous avons la discussion sur les couleurs. Comme vous pouvez le voir ici, nous avons la teinte, la valeur et la saturation. Certains des termes les plus couramment utilisés lorsque nous discutons des couleurs. Donc, la teinte est essentiellement juste la couleur. Différentes teintes signifient des couleurs différentes, comme vous pouvez le voir ici, et la valeur signifie les différentes nuances de couleur, comme plus claires ou plus foncées. La saturation signifie essentiellement à quel point cette couleur est pure, quel point cette couleur est intense et à quel point cette couleur est chromatique. Alors, à quoi ressemble la saturation de la valeur de teinte et en fait quand nous ouvrons le sélecteur de couleurs et photoshop ? Donc c'est comme ça que vous le lisez, cette petite barre quand vous changez de teintes différentes. Donc, vous choisissez une couleur différente. Lorsque vous allez de gauche à droite, c'est l'augmentation de l'intensité ou l'augmentation de la saturation de cette couleur. Au fur et à mesure que vous allez de haut en bas, vous changez la valeur de cette couleur. Ainsi, le haut est plus léger et l'inconvénient est plus sombre. Parfois, vous pouvez entendre les gens décrire les couleurs comme une couleur fraîche ou une couleur chaude. Cela signifie à peu près juste où la couleur se trouve sur la roue de couleur. Donc, toutes les couleurs chaudes sont sur le ciel comme vous pouvez le voir. choses qui sont liées au soleil ou à la chaleur sont la couleur chaude. Blues, violets, ce sont les couleurs froides. Mais si vous voulez vraiment y aller même comme du rouge, il pourrait y avoir un rouge chaud ou un rouge frais. Un rouge frais signifie juste qu'il a plus de bleu dedans, et un rouge chaud signifie juste qu'il a plus d'orange dedans. Maintenant que nous sommes clairs sur la terminologie, j'ai cinq points clés que je garde toujours à l'esprit lorsque je conçois ma palette. Les cinq points clés sont : numéro un, la relativité des couleurs. Numéro deux, consistance des couleurs. Numéro trois, contraste de valeur. Numéro quatre, couleurs d'accent. Numéro cinq, ratios en couleurs complémentaires. L' importance de comprendre ces points clés n'est pas de s'en tenir à eux, mais de comprendre vraiment pourquoi et ce qu'ils font. De cette façon, vous pouvez les utiliser et les casser pour atteindre ce que vous voulez transmettre avec succès également. 5. Principe 1 : Relativité: D' une certaine manière, la couleur est très similaire aux alphabets. Si je te donne comme A, D ou F, ça ne veut pas vraiment dire quoi que ce soit, mais seulement quand ils sont ensemble et forment une relation, alors tu as le sens, et la couleur est juste comme ça. Alors pourquoi est-il si important de comprendre que la couleur fonctionne en relation ? C' est parce que lorsque notre cerveau prend des couleurs, il traduit ces couleurs en significations, telles que la température, l'heure de la journée, ou des objets. Donc, en tant qu'artiste, ce que nous voulons faire est d'exploiter le pouvoir de la couleur et de recréer toutes ces significations à notre cerveau avec des couleurs. Donc ici, j'ai quelques exemples simples pour montrer comment couleur peut sembler radicalement différente quand elle est mise dans une couleur voisine différente. Le premier exemple en haut est la teinte relative. Par exemple, dans ce cas, ces deux couleurs semblent très similaires ou certains peuvent dire, elles sont de la même couleur. Mais vraiment, si vous les mettez dans un fond neutre, il devient vraiment évident qu'ils sont de couleur totalement différente, et maintenant ils ont l'air super différents. C' est seulement parce qu'ils sont mis dans des teintes différentes, et cela les fait ressembler à deux rectangles gris. D' accord. Maintenant, passons à la valeur relative. Dans ce cas, beaucoup de gens peuvent jurer que ce rectangle est beaucoup plus léger par rapport à celui-ci, mais maintenant enlevons la couleur voisine. Sur le gris neutre, les commentaires là-bas sont en fait exactement la même couleur. Alors maintenant, parlons de température relative. La température signifie simplement si une couleur est plus chaude ou plus froide. Dans ce bloc, la couleur semble plus chaude que ce bloc. Mais si on enlève la couleur voisine, on s'est rendu compte qu'ils sont de nouveau de la même couleur. La raison pour laquelle celui-ci a l'air plus chaud est parce qu'il est entouré par une couleur plus fraîche. Donc, un excellent exemple pour la façon dont la couleur fonctionne dans la relativité est cette tristement célèbre robe bleue contre le cas de robe blanche. Beaucoup de gens se souviennent probablement de ce débat et y ont participé. Cet exemple montre vraiment comment lorsque les gens se concentrent sur la couleur réelle de la robe ou qu'ils essaient de décoder la couleur de la robe en utilisant des informations avec un environnement et la lumière, vous pouvez voir des couleurs totalement différentes. Je suis en fait bleu et noir au début, mais quand j'ai essayé de me concentrer sur d'autres aspects de l'image, mon cerveau a pu passer une seconde pour voir que c'est de l'or et du blanc, et c'était super sauvage. Donc, comme vous pouvez le voir, c'est la photo originale qui était si controversée. Si nous l'éditons pour renforcer certains aspects de cette photo, par exemple, rendre plus lumineuse, maintenant il ressemble beaucoup plus comme orné d'or sur une robe blanche. Mais si nous le rendons plus sombre, maintenant il ressemble beaucoup plus à une robe bleue avec garniture noire. 6. Principe 2 : Cohérence: Alors maintenant, parlons de la consistance des couleurs, ce qui signifie juste que la couleur vivra dans le même monde si vous voulez transmettre un monde crédible qui est. La raison pour laquelle cela est si important surtout de nos jours avec l'outil numérique est parce que les couleurs existent dans le vide. Vous choisissez la couleur que vous voulez, alors qu'à l'époque, vous mélangez le pigment, le problème était que la couleur a tendance à vous rendre boueux. Maintenant, il y a la couleur juste ne pas avoir de relation uns avec les autres si vous n'êtes pas conscient de construire cette relation. Pour expliquer pourquoi la consistance des couleurs est importante, j'ai emprunté une pièce à Tomer Hanuka. Donc vous pouvez voir cette belle pièce ici. Il a établi un système de couleurs. Donc, la zone lumineuse est représentée ici avec le bleu, puis la zone plus sombre et la partie eau est le violet. Donc quand la lumière frappe, vous voyez le bleu et il pense émerger comme le violet. J' ai fait un glissement rapide avec la saturation de la teinte. Je l'ai fait glisser jusqu'au 180. Ce qu'il fait est de déplacer chaque couleur ici de l'autre côté du spectre de couleurs. Comme vous pouvez le dire, parce que toutes les couleurs ont été décalées ensemble, le système de couleurs qu'il a construit tient toujours ensemble. Ici, la lumière est en rose et l'eau et l'ombre sont dans ce vert olive. Mais quand je commence à divorcer d'une certaine partie de cette image, je mets un masque de couche ici et seulement maintenant la partie du corps des gens sont déplacés dans l'autre spectre de la couleur. Vous pouvez voir que les gens commencent à vraiment sortir de l'arrière-plan, mais pas d'une bonne façon. Il n'y a plus de cohérence avec la lumière en arrière-plan avec cet effet sur les gens, et ils ne semblent plus être immergés dans l'eau. Donc je pense que ce qui m'a vraiment appris à regarder son art, c'est que votre couleur n'a pas besoin d'être réelle en ce sens qu'elle ressemble à ce que nous voyons tous les jours, mais tant que vous établissez ces règles cohérentes de couleurs dans le monde que vous créez, il va encore lire, parce qu'ici, nous avons clairement établi la lumière comme le bleu, puis l'eau comme le violet. Nous comprenons cela instinctivement que les gens ne sont pas vraiment des gens bleus. C' est juste qu'ils sont immergés dans l'eau. Dans certains cas cependant, casser la consistance des couleurs peut être un bon outil. Un bon exemple est Marilyn Monroe d'Andy Warhol. Comme vous pouvez le voir, toutes les couleurs sont partout et c'est ce qu' il donne un très pop et plat statique à l'image, et c'est ce que l'artiste voulait. 7. Principe 3 : Contraste des valeurs: Ensuite, c'est le contraste, et nous pouvons penser au contraste comme ce gradient que nous voyons, avec le blanc absolu étant zéro et le noir le plus sombre étant 10. Ainsi, en exploitant la puissance du contraste, vous pouvez diriger efficacement les yeux des gens et où ils vont regarder à votre image. Donc, ici, nous avons deux exemples. Le contraste est un peu plus clair que sur cette photo ici, que j'ai tiré sur Internet. Cet art est réalisé par Eyvind Earle. Les deux images, vous pouvez voir, sont une scène boisée avec un chemin assez clair menant quelque part. Donc maintenant, jetons les couleurs, afin que nous puissions vraiment voir à travers la structure de valeur. Donc, comme vous pouvez le voir maintenant avec les deux images en noir et blanc, le chemin qui était évident, et l'image, et la photo ici deviennent un peu perdus. Donc ce que cela nous dit, c'est que la couleur était celle qui faisait le levage lourd et dirigeait les yeux dans ce sens. Alors que dans cette image, nous pouvons encore voir le chemin et comment les yeux lisent clairement suivant le contraste le plus élevé ici au premier plan, puis couler un contraste plus bas ici au milieu, puis dans le ciel, qui a une valeur contractuelle très proche avec le blanc. Vous pouvez vous demander pourquoi nous parlons de contraste de valeurs en noir et blanc, quand il s'agit d'une classe de couleurs. contraste de valeur est probablement les outils les plus puissants pour diriger nos yeux. Donc, ce qu'il fait avec une valeur solide, c'est qu'il gèle ou élabore les couleurs, comme tant que le système de vallée est grandement mis en place. Vous pouvez utiliser une sorte de couleur folle et l'image va toujours lire vraiment bien. Cette image a une hiérarchie de valeurs vraiment bien configurée avec le contraste le plus élevé au premier plan, donc nos yeux suivent en quelque sorte. Puis dans le sol du milieu avec le contraste autour comme 5-0, puis à l'arrière-plan avec un contraste sur 2-0. Ensuite, nous avons cet arbre sombre juste ici et avec leur ombre sorte de conduire nos yeux au centre et puis tout le cercle se répète. Donc, nos yeux sont comme continuer à enquêter sur la scène, plutôt que de simplement tomber hors de l'image. Donc, cet exemple est vraiment bon montrer comment la valeur est de faire le levage lourd dans la direction de nos yeux. Ce que j'ai fait, c'est que je change les couleurs de cette image, mais en suivant la même structure de valeur. Comme ici, les arbres sont bleus plus foncés. Il n'a pas un nombre de valeur aussi élevé que proche du noir et de l'original. Mais dans la relation, il suit toujours les règles similaires et c'est toujours vraiment, vraiment bien. Dans ce cas, il devient un marron, comme la couleur bordeaux. Mais la structure de valeur est toujours la même que l'original et cela s'est toujours très bien passé. dans celui-ci, la palette de couleurs a été décalée vers le violet, mais toujours la même structure de valeur et cela fonctionne toujours. C' est essentiellement ce que je voulais dire en ayant une hiérarchie de contraste solide peut vraiment libérer vos palettes colorées. Donc, ce que j'aime vraiment faire lorsque je travaille dans Photoshop est d'avoir une couche de saturation de teinte en haut. Donc, quand je travaille, je reviens souvent en arrière et vérifie la couche de saturation de teinte avec la saturation complètement tournée vers le bas juste pour voir à quoi ressemble ma structure de valeur de pièce en noir et blanc. C' est aussi un très bon moyen de rafraîchir vos yeux après avoir éteint ce calque, puis de voir les couleurs à nouveau, et cela m'aide souvent à faire des choix de couleur. 8. Principe 4 : Couleur d'accentuation: Une autre excellente façon de déplacer les yeux autour de ce temps en utilisant la couleur est les couleurs d'accent. Alors, quelle est la couleur d'accent ? Il est généralement coloré comme un bol de haute intensité, et utilisé avec parcimonie dans toute l'image pour diriger la direction des yeux. Mais ce n'est pas toujours des couleurs de haute intensité. Cela dépend vraiment de la relativité globale des couleurs dans la pièce. Donc, dans la pièce qui est principalement par exemple, comme l'orange vif, vous pouvez avoir quelques points de vert mutant, et cela pourrait en fait être la couleur d'accent. Voici une autre pièce de notre ami Ivan. Dans cet exemple, le rouge est clairement la couleur d'accent et la vue du bleu froid. Donc nos yeux y vont tout de suite. Vous pouvez voir qu'il utilise aussi ses astuces de contraste à nouveau, où le coffre ici est noir, noir le plus sombre, avec ce toit, le blanc est blanc où est voisin, et c'est là que nos yeux sont attirés. Maintenant, on peut le regarder en noir et blanc. Donc, sans la couleur de l'accent. Le contraste le plus élevé est toujours là, mais il nous faut une minute pour arriver ici, plutôt que maintenant, c'était très immédiat. Voici un autre chef-d'œuvre de John Singer Sargent d'utiliser la couleur d'accent. Comme vous pouvez le dire, le rouge est utilisé un peu et la couleur d'accent, parce que le rouge est l'une de la couleur qui a le plus fort impact émotionnel pour nous les humains, puisque l'intérieur de notre corps est rouge. On voit que le sang est rouge. Donc généralement, il a un effet d'alerte. Dans ce cas, une mise en place, les trois parties rouges de la robe, le rouge rosé de la poupée, et le rouge du partitionneur de l'espace, forment une composition triangulaire classique. Ça continue de bouger les yeux, et de vraiment avoir cette image activée. Maintenant, j'ai ce calque de réglage avec le turn-off rouge. En fait, il a changé en bleu, et à une teinte similaire à celle du reste de l'image. Tout d'un coup, vous remarquerez peut-être que le contraste ici devient beaucoup plus important. Nos yeux vont tout droit ici et puis tombent de la page, parce que nous n'avons pas l'agence pour nous ramener et continuer le beau cercle dans cette composition. Parce que la couleur d'accent est si efficace, il est vraiment important que nous la posions judicieusement. Prenez le morceau d'Ivan comme exemple. Si nous le recadrons en deux, juste au bord, cela mène vraiment nos yeux vers le bord, puis tombe de la page. Parce qu'il n'y a pas d'autre élément ou d'autres rouges ici pour nous ramener, la circulation s'arrête. Je pense que l'un des objectifs de la création d'une image, est de garder nos yeux dans l'image le plus longtemps possible. Comme ici, nous avons le rouge, et puis nous avons encore cette petite salle de respiration qui amène ça ici, et puis c'est un milieu de contrastes qui nous ramènent à la maison, et ça continue et continue. 9. Principe 5 : Ratio: Lorsque nous parlons de rapport de couleur, ce dont nous parlons vraiment est de décider et de laisser une couleur être le leader, puis de laisser d'autres couleurs jouer la règle de soutien. Cela est particulièrement vrai lorsqu'il s'agit de couleurs complémentaires telles que le vert et le rouge. Les couleurs complémentaires signifient simplement une couleur qui est assis l'une en face de l'autre, en face de l'autre sur la roue de couleur. Ainsi, lorsque les couleurs complémentaires sont utilisées à parts égales, soit en taille ou en intensité, elles diminuent les unes les autres plutôt que de créer cette belle énergie cinétique, qui pourrait être quand elles sont bien utilisées. Voici donc une belle pièce de Julia Noni, une de mes photographe de travail préférée en ce moment. Sa composition, comme vous pouvez le dire, est incroyable, même avec sa compréhension de la structure de valeur, mais ce que j'aime le plus, c'est son utilisation de couleurs complémentaires. Ici, nous avons ce rouge vif dominant, puis complété avec ce vert olive en sourdine, qui correspondent et fondent harmonieusement dans cette figure sombre, créant une belle silhouettes. Puis je le sabote en changeant le vert dans la même intensité que le rouge. Apportant également plus de verts, donc maintenant le rapport de la couleur verte occupant l'espace est le même que la quantité d'espace que le rouge occupe. Comme vous pouvez le dire, il devient un peu confus à ses yeux. Maintenant, les deux couleurs se battent pour l'attention. Au lieu de se soutenir mutuellement, ils rendent la pièce beaucoup plus faible que la pièce originale. Donc, à ce stade de la classe, nous allons regarder le travail d'autres artistes à travers les lentilles des points clés dont nous venons de parler. Donc tu sais que je ne suis pas juste en train d'inventer des trucs. 10. La couleur au travail : chefs-d'œuvre: Donc, pour moi, l'une des meilleures façons de vraiment apprendre sur la couleur et aussi démystifier le long de l'idée fausse de couleur est en regardant d'autres pièces d'artistes, vraiment la disséquer, et de voir pourquoi la couleur se sent ou transmettre le message comme ils le font dans leur de façon systématique, pas seulement le sentiment purement parce que le sentiment peut être très trompeur. Je pense que quand on voit un chef-d'œuvre, tout se passe si bien ensemble que nous le prenons presque pour acquis. Il y a un dicton de Picasso « Il faut un peu d'effort pour paraître sans effort. » Donc, quand nous voyons quelque chose qui est si facile, nous devons nous rappeler que chaque coup de pinceau sur la toile était une décision active. C' est donc un morceau appelé Pêcher aux huîtres à Cancale par John Singer Sargent. Il est vraiment un maître en matière de couleur et de composition. Vous remarquerez peut-être qu'il y a comme toute cette pagaie d'eau sur la plage et pensez, ok, bien sûr, plage, pagaie d'eau, alors quoi ? Droit ? Mais alors, si vous couvrez ces pagaies, comme ce que j'ai fait dans cette version manipulée, tout d'un coup l'image devient beaucoup plus stagnante. Sans la pagaie d'eau, il n'y a plus de circulation autour de la partie supérieure de l'image vers le bas et faites tourner vos yeux autour des figures, et voici, dans l'original et ici dans ma version sabotage, alors vous réalisez à quel point il est vraiment génie de mettre ces extrémités de pagaie afin qu'il puisse refléter ces couleurs bleu ciel. Encore une fois, si vous plissez les yeux, c'est un bon moyen de diminuer l'impact de la couleur et de voir la valeur, alors vous verrez le contraste le plus élevé est ici, et c'est là que vos yeux vont se concentrer. Jetons maintenant un coup d'œil à ces œuvres d'art conceptuelles pour Cendrillon de Mary Blair. Vous pouvez penser que la couleur la plus brillante ici est ce rose et jetons un coup d'oeil. Ce n'est pas vraiment si saturé, c'est au milieu de gamme. Maintenant, jetons un oeil à cette partie. Il est encore moins saturé, à un tiers. Alors jetons un oeil à l'ombre. Il est en fait autour de la même saturation que le rose sinon bleu mais plus vers le côté droit, donc il est en fait plus saturé. Beaucoup de gens ne réalisent pas vraiment, généralement la couleur la plus saturée est à la couleur plus foncée et la couleur de l'ombre comme cette partie. Pour illustrer davantage ce point, regardons une pièce de Monet. Encore une fois, ici le rose semble très vibrant, et donc nous allons le chercher et voir à quoi cela ressemble. Encore une fois, c'est très neutre. C' est comme si même pas à mi-chemin de la saturation que nous comprenons mène de gauche à droite, et regardons ces beaux verts brillants ici. C' est juste au milieu, encore une fois pas très brillant. Et les jaunes ici ? Encore une fois, en plein milieu. Maintenant, jetons un oeil à l'ombre. Tout d'un coup, on a sauté au bord. Jetons maintenant un coup d'oeil à cet exemple de Victor Higgins. La statue est pratiquement rayonnante de lumière. Jetons un coup d'oeil à la saturation de celui-ci. y a presque pas de couleur là-dedans. Même les ailes, est juste à peine au milieu, la partie plus légère est en fait devenue moins saturée. Donc, dans cette pièce, ce qui contribue vraiment à l'effet lumineux, c'est le contraste parce que même en noir et blanc, on dirait vraiment qu'il y a beaucoup de lumière réfléchie par la statue, mais maintenant comme on peut le voir en noir et blanc, la lecture devient beaucoup plus une dimension. Nous zoomons sur la statue et puis peut-être voir un peu des faits saillants ici et puis c'est tout, et puis si nous revenons à la version couleur, voici une belle utilisation de la couleur complémentaire avec le vert, SIS en couleur. Comme vous pouvez le remarquer, c'est le seul vert vif dans toute l'image et l'environnement rouge dominant. Donc nous pourrions d'abord voir le contraste le plus élevé avec ce réel, puis nous allons suivre cela avec nos yeux, et nous nous attarder autour de cette femelle et nous demander ce qu'elle regarde, et elle est là clairement comme l'héroïne de ce image étant établie par cette excellente couleur. Voici une belle pièce d'Arthur Hecker. La couleur donne une telle luminosité et vous donne vraiment l'impression que la fille est devant une cheminée et c'est la couleur puissante a quand il est utilisé correctement. Nous ne voyons pas du tout la source de lumière, mais nous pouvons sentir la chaleur et la température. Pendant que j'étais à l'université, mon professeur ; Chrisbis Ali a dit une fois qu' une très bonne œuvre d'art devrait être remplie d'adjectif au lieu de juste nom. Par exemple, dans cette pièce, les noms sont : fille, chat, théières mais la raison pour laquelle cette pièce est si grande est à cause de l'adjectif que l'on peut y trouver comme la chaleur ou la lumière. C' est ce qui nous donne vraiment le sentiment que nous avons envers cette pièce, et maintenant jetons un oeil à ce vert fluorescent pratiquement brillant ici. C' est comme sauter pratiquement hors de la page, mais prenons un sélecteur de couleurs et voyons comment il est vraiment saturé. Ce n'est presque pas un vert, c'est comme si cette lumière était de couleur grise. Jetons un coup d'oeil à l'autre partie du vert. Ok, donc ceci sur la lecture comme un vert mais toujours beaucoup un vert [inaudible], et la raison pour laquelle ces verts se sentent si bien ou saturés pour nous est précisément à cause de la relativité des couleurs dont nous parlons. Tout le reste est très rouge orangé et à cause de cela, ils semblent beaucoup plus verts qu'ils ne le sont vraiment. Maintenant que nous avons regardé beaucoup de pièces de maîtres, maintenant regardons l'élève des maîtres, qui est moi, et voyons comment j'apprends les choses de mes héros et l'applique à mon travail. 11. Couleur au travail : projet client: Voici donc la couverture du livre pour Les Enfants Verts de Woolpit que j'ai fait récemment. J' ai l'impression que lorsque vous travaillez sur un projet avec du texte, il y a toujours un indice sur la couleur et leur tâche, et ce cas est assez évident, ce sont les enfants verts. Les enfants sont verts et ils viennent d'un monde tout vert. Donc, il est logique pour moi que la couleur devrait également avoir une teinte verte et c'est ainsi que j'établisse d'abord le ton global de l'image. En plus d'être vert, que les enfants sont aussi effrayants. Ils venaient de cet autre monde clandestin. C' est un mystère tout au long de l'histoire s'ils sont bons ou mauvais pour les humains. Donc nous voulons un sentiment de mystère sur cette couverture. J' ai décidé de le donner comme une situation de faible éclairage pour améliorer ce sentiment d'inconnu. Quand nous voyons en basse lumière, nos yeux ont tendance à voir les bleus et les verts mieux que les rouges. Les rouges ont tendance à devenir plus noir et plus sombre. Parlons donc de cette pièce avec les cinq points clés que nous avons abordés jusqu'à présent. Le premier est la relativité, qui est vraiment comprendre la couleur et les voir comme un tissu continu. C' est donc plutôt une toile de fond continue pour les quatre autres choses dont nous avons parlé. Le deuxième point est la cohérence. Cette pièce, par exemple, est un environnement à faible luminosité avec une teinte verte. Donc tout doit vivre dans ce monde pour se sentir comme il appartient. J' utilise aussi la valeur dont nous parlons pour établir une sorte de mouvement oculaire. Nos yeux sont attirés vers ces enfants, puis nous suivons cette forme sombre de courbe monter et puis voyons la fille ici qui est aussi une héroïne dans l'histoire. La courbe de la forme dirige également l'œil, qui est plus sur le côté de la composition autre que ce dont nous avons parlé aujourd'hui avec la valeur et les couleurs nous ramènent à ces enfants. Le quatrième point est la couleur des accents. Dans ce cas est le rouge ici. Je l'utilise avec beaucoup de parcimonie et seulement autour de la zone sur laquelle je veux que vos yeux se concentrent vraiment. Un peu en haut, alors pour créer cette circulation que nous voyons dans la pièce de John Singer Sargent, nous avons vu plus tôt. Le dernier point est le ratio, qui est étroitement lié à la couleur d'accent aussi. J' imagine que si j'ai rouge partout et que j'ai ce rouge de la même intensité que ce vert. On peut jeter un oeil. Ce vert se trouve au milieu du côté de saturation. Ensuite, nous pouvons jeter un oeil à ce rouge est beaucoup plus sourd ou même ici. C' est beaucoup plus sourd et plus sombre. De cette façon, il se soutient les uns les autres plutôt que de rivaliser les uns avec les autres. Maintenant, quand nous travaillons sur quelque chose comme celui-ci, qui est une couverture de livre avec type dessus, nous devons considérer le type comme faisant partie de la composition et donc, considérer comme un impact sur la valeur aussi. Voici donc un exemple de la même couverture sans le type. Comme vous pouvez le voir, la valeur, tout d'un coup, se sent beaucoup plus sourde. Avec le type, la structure de valeur se sent beaucoup plus terminée. Alors maintenant que j'ai déjà couvert les points clés et que je vous ai montré comment je disséque la pièce d'un autre artiste, pourquoi ne pas choisir une pièce que vous aimez vraiment et l'apporter à Photoshop, utilisez l'outil Pipette pour vraiment comprendre le couleur. Peut-être le transformer en noir et blanc aussi pour voir à quoi ressemble leur structure de valeur. Maintenant que nous avons traversé tout cela, nous entrons dans la partie passionnante de la classe, qui est de voler la palette des autres et ensuite de faire la vôtre. 12. Préparez votre œuvre: Alors, qu'est-ce qu'on va faire maintenant ? D' abord, nous nous sommes levés choisir une palette limitée. Alors, qu'est-ce qu'une palette limitée signifie ? Je pense que pour cette classe, cela signifie juste qu'une palette se compose de moins de 10 couleurs, y compris le noir et le blanc. Maintenant, vous pouvez penser que ça sonne beaucoup. Mais si vous avez vraiment fait l'exercice que nous avons juste mis comme la cueillette de couleurs, d'autres artistes travaillent, vous remarquez dans le travail de peinture, il y a plus de milliers et de couleurs et dans le travail graphique, généralement il y en a plus de 10 aussi. Donc, je pense que 10 couleurs est un bon endroit pour commencer à avoir une bonne sélection d'interférences de couleur, vues, de valeurs et de saturation. Nous allons nous appuyer sur cela pour avoir une deuxième génération de couleurs qui a été générée à partir de la première série d'échantillons que nous avons pris d'autres personnes. Alors maintenant, parlons de ce que l'art serait bon pour cet exercice. C' est le croquis que j'ai préparé pour ce cours. Je pense que c'est une bonne idée de choisir quelque chose d'un peu plus simple. Donc, nous pouvons vraiment nous concentrer sur les couleurs et ne pas être confondus par la complexité de l'image. Donc, dans celui-ci, nous avons un premier plan clair, un héros clair qui est la fille, et ensuite nous avons un juste milieu. L' arbre était un oiseau en elle et l'arrière-plan qui est juste le ciel, hiérarchie assez simple, et trois éléments majeurs avec lesquels nous travaillions. Avant d'entrer dans la couleur, je veux juste parler un peu du mode couleur parce que c'était quelque chose vraiment déroutant pour moi et peut-être déroutant pour vous aussi. Ainsi, le mode de couleur peut être modifié ici. La plupart du temps, nous travaillons avec le mode deux couleurs, l'un est RVB et l'autre est CMJN. RVB est le mélange de lumière de couleur, rouge, vert et bleu et c'est ainsi que les moniteurs affichent les couleurs, et le CMJN est une séparation de quatre couleurs utilisée par l'impression industrielle. Donc C est cyan qui est bleu, M est magenta qui est rouge, Y est jaune qui est jaune. K est noir parce qu'à l'arrière des jours où la couleur agirait réellement dans la plaque, le noir est appelé une plaque de clé. C' est pourquoi maintenant est le cas CMJN. Nous allons également jeter un oeil au réglage des couleurs parce que vous réalisez qu'en RVB et CMJN, il y a aussi des espaces de travail différents, et c'est probablement la partie la plus déroutante. Ici en ce moment, nous sommes à sRGB qui est le paramètre par défaut pour la plupart des moniteurs, la plupart des caméras et la plupart des navigateurs Internet. Si vous descendez, ouvrez ceci, vous voyez qu'il y a une autre option, beaucoup d'autres options. Donc, un autre courant est Adobe RGB. Adobe RVB offre une gamme de couleurs plus large, soit environ 35 % de plus que sRGB. Vous pourriez penser que plus, c'est mieux. Dans certains cas, oui. Parce qu'il a plus de couleurs, est capable d'être plus précis de couleur si vous imprimez un morceau avec le paramètre Adobe RVB. Mais lorsque vous essayez de montrer votre travail en ligne, la couleur a tendance à devenir plus terne et plus muette parce que les navigateurs Internet ne sont pas en mesure de lire toute cette couleur dans Adobe RVB. Donc, je pense que pour ce projet, si vous pensez surtout montrer votre travail dans notre partage de classe ou sur Instagram ou en ligne, alors sRGB est probablement la voie à suivre. Mais si vous voulez l'imprimer par exemple avec une belle imprimante de dollar d'absence, alors Adobe RGB est le chemin à parcourir. Si vous allez produire ce produit en masse et l'envoyer à la presse, alors CMJN est le chemin à parcourir. C' est un espace de travail assez couramment utilisé pour CMJN. Maintenant, nous avons ceci envoyé à RGB. Je vais choisir celui pour le web. Ici, j'ai un dessin au trait fini qui était basé sur mon croquis. Comme vous pouvez le dire est assez proche. Je dis toujours qu'il est important de passer plus de temps avec votre croquis car il existe un moyen rapide de résoudre tout problème de composition avant d'entrer dans le dessin au trait fini. La dernière chose que vous voulez, c'est que vous passez des heures sur le dessin et que vous réalisez ensuite que le tout a une base de composition très faible. Donc, nous voici et ce que j'aime faire avant d'ajouter de la couleur et Sue juste créer des appartements. Si cela ne vous est pas familier, les appartements sont essentiellement le fonctionnement des artistes de la bande dessinée. Cela signifie juste que les formes d'une couleur plate et non la couleur finale, tout comme l'espace réservé pour chaque élément majeur. Donc, la couleur de cet élément peut facilement être changée. Donc, l'outil lasso est quelque chose que j'utilise beaucoup. J' utilise aussi un magnétique parce que maintenant le contraste est assez élevé, donc c'est assez facile à sélectionner. Donc, ce que fait le lasso magnétique, c'est que c' est une sorte d'accrocher à des endroits avec un contraste élevé. Donc, comme vous pouvez le voir ici, je suis vaguement en train de suivre la ligne directrice et elle se met en place. Ce ne sera pas précis à 100 %. Mais on peut toujours y retourner et le réparer plus tard. C' est juste un moyen rapide de faire les appartements plutôt que d'utiliser l' outil de lasso régulier parce que vous devez être super stable avec votre main. Maintenant, après avoir fait un claquement magnétique, il permet aux mains tremblantes. Ensuite, nous ouvrons juste un nouveau calque et remplissons cette couleur. Maintenant, quand vous remplissez la couleur, vous ne voulez pas utiliser vraiment fou comme néon, vert, bleu ou magenta parce que ça va gâcher vos jugements de couleur. Donc, j'ai tendance à rester dans le neutre, et peut-être si vous avez des couleurs que vous savez déjà que vous voulez utiliser dans cette gamme. J' aime toujours organiser mes calques et dossiers ici. Donc, quand vous obtenez beaucoup de couches différentes qui ne seront pas super déroutant. Donc ici, nous avons cette couche remplie, et ensuite vous continuez. Donc, comme vous pouvez le voir ici, j'ai déjà fait la sélection, maintenant juste en ajoutant de la couleur à elle. Donc, je peux lire quel calque est lequel. À ce stade, peu importe la couleur que vous mettez. Comme un arbre gris, ça ne veut pas dire que je dois rester gris. Il est juste facile pour vous-même de distinguer une partie de l'image d'une autre partie de l'image. Donc ici, j'en ai assez fini avec la plupart des grandes formes. Vous pouvez voir avec la femme ici, que je l'ai décomposé en trois parties. La robe ici, le corps ici, et les cheveux. En ce moment, l'arbre est encore, le congé n'est qu'une partie avec la branche comme deuxième partie, puis l'oiseau sur le dessus. Alors maintenant, allez-y et choisissez un morceau de travail de vous-même qui partagent la même qualité avec l'exemple que je viens de dire, forme plus simple, premier plan clair, terrain intermédiaire et fond, puis nous allons plonger dans les couleurs. 13. « Voler » une palette: Donc, comme je l'ai mentionné avant quand j'ai commencé, couleur était l'une de mes plus grandes faiblesses quand il s'agit de faire des photos. Parfois, j'ai un sentiment très particulier que je veux transmettre avec mon art, mais je ne suis pas exactement sûr à quoi ressemblent ces sentiments dans les couleurs, ou parfois je veux utiliser une couleur particulière beaucoup, mais je ne sais pas quelles autres couleurs je peux tirer pour soutenir cette couleur de héros, et ce qui m'a vraiment aidé personnellement est en parcourant beaucoup de palette différente, puis en les tirant, et juste jusqu'à les voler et essayer de faire que cela fonctionne avec ma propre pièce, et c'est ce que vous les gars vont le faire aujourd'hui aussi. Bienvenue dans le côté obscur. J' adore ça. Ok, donc bien, notre côté noir n'est pas vraiment si sombre. Même si on vole, on ne vole pas tout. Je pense qu'il est très important que vous voliez des artistes qui fonctionnent vraiment différemment de vous. Donc, même si vous utilisez exactement la même palette, votre travail à la fin sera totalement différent. Qui plus est, quand nous utilisons leur couleur est généralement juste la fondation. Nous allons construire en plus de cela, et ensuite développer la couleur pour s'adapter à la pièce sur laquelle nous travaillons. Donc, à la fin, il ne va pas vraiment ressembler à la palette de couleurs originale avec laquelle vous commencez. Donc, en parlant de vol, il y a de la technique au vol aussi. Vous ne pouvez pas tout voler, comme, pièces de peinture sont très difficiles à voler parce que le changement de couleur à peu près chaque coup de pinceau ou chaque pixel. Il est donc difficile d'affiner, comme, quelles sont les six, sept couleurs principales qu'ils utilisent. Donc, au début, il est beaucoup plus facile de voler lorsque les couleurs sont clairement séparées dans une image. Par exemple, une vieille affiche de propagande, ou de nouvelles affiches, ou un textile, ou un motif de papier peint. Ce sont tous des exemples assez faciles pour choisir les couleurs. Il y a aussi beaucoup de palettes de couleurs de conception utiles qui est autour en ligne. Ils vous donnent ces échantillons directement. Donc, vous n'avez même pas besoin de faire le travail acharné de la sélection des couleurs, ce qui est très exigeant manuellement. Mais personnellement, je préfère collecter les matériaux dont je vole la couleur. Parce que je pense que le processus de conservation, vous allez également construire votre propre bibliothèque visuelle. Vous organisez également vos propres goûts et préférences, et finalement cela fera partie de votre propre style artistique. Donc, je n'ai pas toujours travaillé en numérique. Quand j'ai compris que la couleur était ma faiblesse, le premier média vers lequel je me suis tourné était en fait la sérigraphie parce que vous êtes capable de prémêler la couleur, de la tester, et de voir à quoi elles ressemblent avant de vous engager dans une palette, et vous pouvez faire des choses en calque, ce qui se traduit par la façon dont je travaille de nos jours dans Photoshop. Il y a beaucoup de similitude avec le système de superposition. Voici un morceau assez tôt que j'ai fait, et voici ce que la palette de couleurs que je vole. Je pense que cette pièce est assez évidente pourquoi je vole la palette de couleurs. Je veux une pièce qui a cette ambiance de propagande, et même la composition avec le soleil éclatant et tout. En voici un autre avec plus d'une composition différente. Mais j'aime vraiment la palette de couleurs cette affiche que j'ai essayé de voir si je peux le faire fonctionner dans mon travail, même si elle ne partage rien de similaire avec la composition. Le dernier est plus d'une pièce récente, et celui-ci est que je veux revisiter l'ancien look de simplicité de la sérigraphie et juste en utilisant vraiment des couleurs plates, pas de dégradé et pas de texture compliquée, et vous pouvez le voir sur le c'est l'inspiration des couleurs pour cela. Alors maintenant que nous avons fini de faire des appartements pour tous les principaux éléments, réfléchissons à la palette de couleurs que nous recherchons. Nous pouvons toujours chercher des indices émotionnels et tonaux de notre pièce. Comme dans le mien, je sens qu'il est assez doux, assez féminin, et qu'il est à l'heure du printemps en ce moment, alors je pensais à quelque chose de rose, et cet indice me donne une direction de mes recherches à la recherche de la palette de couleurs. Donc, l'un de mes endroits préférés pour chercher des ressources de couleur est ma bibliothèque. J' ai recueilli beaucoup de livres juste pour la couleur. Il s'agit d'une série de livres. C' est l'un d'entre eux, du musée de l'ADN en Angleterre. Il a une collection incroyable, juste des textiles de couleur différente dans différents motifs. Donc, je mets en signet ceux que je pensais pouvoir fonctionner qui a le rose doux que je cherche. C' est l'un d'eux, et puis c'est un autre. Voici un autre livre de la même série. Je pensais que c'était une palette assez cool. Un peu plus moderne, peut-être, avec le rose aussi. J' ai donc regardé quelques livres de plus, et à la fin, je décide que je veux en faire mon modèle. Donc, ce livre est en fait textile à partir de kimono. Juste vraiment zoomer pour vous montrer le motif dessus, et je pense que c'est une très belle palette. Donc je vais mettre ça dans l'ordinateur. Ainsi, lorsque vous travaillez avec des ressources analogiques, vous pouvez facilement l'obtenir dans Photoshop pour choisir la couleur. La numérisation est l'un d'entre eux, ou le prendre avec votre smartphone. Tout le monde a un smartphone maintenant. Assurez-vous que l'environnement de couleur est bon, lumières blanches, de sorte qu'il n'est pas teinté de jaune. Même si elle est désactivée, vous pouvez toujours l'ajuster un peu avant de choisir toutes les couleurs dans Photoshop. J' ai donc pris cette image avec mon téléphone, puis je l'ai mise dans un ordinateur, et maintenant je vais choisir la couleur avec la pipette et créer des échantillons que je peux utiliser plus tard. Donc, ce que je vais faire en premier, c'est que j'ai créé un nouveau calque en plus de cela, et sur ce nouveau calque, je vais définir un fond de barre grise pour voir la couleur que j'ai choisie. Je vais juste choisir un gris moyen là, puis sélectionner, puis avoir un autre calque sur le calque gris, et maintenant je peux commencer à utiliser l'outil pipette. Donc d'abord, nous allons choisir le vert ici, rose, ce jaune clair, cette partie blanche, ce gris avec une teinte bleue, ce rouge, et enfin, ce violet foncé. Maintenant, nous avons un échantillon de sept couleurs que nous pouvons apporter dans notre travail et l'utiliser. J' ai donc ajouté la barre de couleur neutre là, juste pour que je puisse voir la couleur clairement et ne pas être distrait par cette couche ici, et aussi je pense que c'est un exercice intéressant pour comprendre la couleur et voir comment les points clés que nous sommes parler, en particulier la relativité des couleurs est au travail. Par exemple, ici, le vert semble beaucoup plus vibrant parce qu'il est adjacent à un rose complémentaire. Mais ici, sur le gris neutre, il a commencé à sembler beaucoup plus terne. Donc, comme vous pouvez le voir maintenant, j'ai la palette de couleurs que je viens de construire et je l'ai glissée dans ce fichier plat de couleur lâche, et je peux commencer à les appliquer aux différents calques. Garder à l'esprit était la hiérarchie que je veux que l'image ait, et évidemment, dans celui-ci, je veux que l'attention soit avec la dame. Donc je pense que je vais avoir le rouge dans ses cheveux parce que ça va être la couleur la plus attirante. Donc c'est sa couche de cheveux. Je l'ai sur le verrou de couche. Ce que cela fait est en fait verrouiller le pixel. Remarquez si je n'ai pas le verrou de couche, et j'ai essayé de le remplir, il suffit de tout remplir à l'extérieur ou après vraiment le viser. Mais si j'ai le verrou de calque, alors je peux juste utiliser la touche courte pour remplir qui est Alt-delete pour remplir la couleur de premier plan. Cela rend juste le processus un peu plus rapide pour moi. Nous nous souvenons que le contraste plus élevé vous donne le plus d'attention. Alors pensons à utiliser une couleur plus claire pour sa peau, alors nous avons le contraste élevé avec les cheveux et sa peau. Alors choisissons cette couleur presque blanche avec une teinte de bleu ici, et encore une fois, nous utilisons un raccourci pour le remplir, ou vous pouvez simplement le remplir avec cet outil aussi. Je pense que la forme, je veux que le corps lise comme une forme continue, et maintenant cette partie est en train de la rompre. Donc, je vais probablement transformer la robe rouge en une valeur similaire avec la couleur de la peau, et le jaune semble être un bon choix. Maintenant, passons à l'arrière-plan, qui est une autre grande partie, et contribuons vraiment à l'humeur de l'image. Je veux ce sentiment rose romantique que nous avons. Donc, je vais attraper ces rose bébé, et ensuite je m'inscris dans l'arrière-plan. Comme vous pouvez le voir, tout d'un coup ces lumières ont vraiment changé dans l'image. Alors maintenant tout d'un coup, ça se sent beaucoup plus chaleureux et à l'amiable qu'avant. Maintenant, changeons aussi l'arbre. Donc, ce que nous faisons ici est en fait de remplacer toute la couleur de l'espace réservé par l'une des couleurs de ces nuanciers, et ceci est toujours lâché, donc une partie de la couleur pourrait ne pas fonctionner. Tu vois ici, je ne l'ai pas verrouillé. C' était une bonne démonstration de ce que vous ne devriez pas faire. Vous pouvez juste continuer jusqu'à ce que vous ayez à peu près rempli tous les appartements que vous avez créés. À ce stade, ne vous inquiétez pas trop que je me sens comme si je suis à court de couleur encore, nous allons développer là-dessus maintenant j'essaie juste de rester avec les échantillons et de les utiliser tous pour toutes vos couches d'appartements. Vous pouvez aller de l'avant et faire ce que je viens de faire, créer des échantillons, puis utiliser l'échantillon, appliquer à vos couches d'appartements, et l'étape suivante nous commencerons à développer ces couleurs. 14. Personnalisez votre palette: D' accord. Donc, à ce stade, nous avons déjà appliqué toute la couleur des nuanciers sur toutes nos couches plates, et honnêtement, j'aime beaucoup les directions qu'il va. Certains d'entre vous pourraient même dire, « Ok, ça a l'air assez fait », comme peut-être que c'est le style de bande dessinée plat que vous allez chercher et c'est tout à fait bien. Je pense que savoir quand arrêter est toujours une question difficile, et cela change à mesure que vous obtenez plus d'expérience, vous avez une meilleure compréhension de cela. Mais à ce stade, j'ai l'impression d'aller avec votre instinct est probablement la meilleure chose, et si vous avez l'impression que vous êtes des RP a déjà atteint les objectifs que vous aviez en tête, alors n'hésitez pas à arrêter à tout moment. Mais pour moi, j'ai l'impression que cette pièce a le potentiel d'aller encore mieux, surtout en gardant à l'esprit le sentiment du cerveau que je veux transmettre. Je me sens encore un peu raide, donc je vais continuer. Alors que je regarde cette pièce en ce moment, je pense que ce qui se distingue pour moi le premier est la couleur de la peau. J' ai l'impression que c'est juste un peu trop blanc, et parce que la couleur que j'avais choisie de l'échantillon a cette teinte bleu clair, et lui fait se sentir un peu zombie-ish et donc aller à l'encontre de ce sentiment que j'ai. À ce stade, que nous pouvons créer une couleur secondaire en utilisant la couleur des nuanciers. Donc je vais aller dans la couche de femme et puis trouver sa peau, qui est cette couche. Je vais dupliquer ce calque en appuyant sur Commande-J. Ensuite, vous voyez cette couche ici. Ou vous pouvez l'utiliser pour dupliquer ce calque. J' aime juste utiliser une clé courte parce que c'est beaucoup plus rapide. Alors maintenant, j'ai une nouvelle couche de la même chose, encore une fois, on l'a verrouillée. Je pensais que peut-être ajouter un peu de rose aiderait. Donc cette couche je vais en faire une couche rose. Remplissons-le, c'est la couche. Donc maintenant, j'ai cette couche supérieure de la peau, maintenant la peau est deux couches étant rose. Mais alors cette fusion trop avec l'arrière-plan, donc je peux toujours ajuster l'opacité. Peut-être 50 pour laisser passer le calque inférieur. Donc maintenant, en ayant pratiquement deux couches l'un sur l'autre, puis la couche supérieure semi-transparente, je crée une nouvelle couleur. Donc, après que la peau est terminée maintenant mes yeux ont vraiment été attirés par l'oiseau parce que l'oiseau semble assez fort contraste aussi bien et je veux tonifier ça. Donc je vais faire la même chose, je vais dupliquer cette couche, verrouiller la couche. Je veux garder la relation de couleur moyenne dans les verts. Donc, je vais utiliser le vert ici sur ce calque dupliqué. Ensuite, faites la même chose, ajustez l'opacité. Donc maintenant, je me sens comme l'oiseau beaucoup plus poussé dans l'espace, alors notre dame peut venir en avant. Toutes ces petites feuilles volantes, nous n'avons pas changé leur couleur donc est toujours blanche, et est vraiment surgit en avant à cause d'un contraste élevé. Allons-y et je vais toujours lui donner un peu de couleur et le repousser. Peut-être lui donner du jaune maintenant. Ainsi, comme vous pouvez le voir, nous pouvons créer de nouvelles couleurs à partir des couleurs originales des nuanciers en les mélangeant visuellement et en modifiant l'opacité. Donc, à ce stade, je suis assez heureux avec les couleurs principales que je mets avec tous les éléments. L' image devient certainement de plus en plus douce et vers l'endroit où je voulais être. Mais une chose vraiment sauter à moi est en fait la ligne maintenant, que nous devons nous rappeler que la ligne fait également partie de l'image, et la couleur de la ligne fait également partie du système de couleurs ici. La ligne noire a commencé à se sentir un peu trop dure, encore une fois c'est plus un choix stylistique. En général, j'aime quelque chose d'un peu plus pictural et le résultat, plutôt que quelque chose qui est peut-être plus graphique. Alors allons-y. Je pense, par exemple, avec celui-ci, trouvons la couche de cheveux. D' accord. Il est donc toujours bon de vérifier que c'est la couche que vous voulez, même en le mélangeant à nouveau avec de l'opacité comme le ramollir, peut-être 40 ou 45 pour cent. C' est déjà si vous aimez un mieux fait juste le bloc noir et puis avec le corps doublé. C' est une autre chose, j'aime parce que cette pièce je travaille numériquement, et je savais que je veux changer la couleur de la ligne finalement. Donc, je travaille sur les lignes sur des calques séparés, il est donc facile pour moi de changer la couleur de cette façon. Mais si vous travaillez de façon traditionnelle avec vos lignes entrant, vous pouvez toujours séparer vos lignes comme la façon dont vous séparez les appartements. Alors donnons à ce bras une couleur rose, et maintenant j'ai l'impression que nous perdons un peu de ses lèvres parce que c'est devenu la même couleur de la cavité à l'intérieur de sa bouche. Donc, je vais ramasser cette couleur que je viens de créer en refusant l'opacité noire de la racine des cheveux. Maintenant, il y a une nouvelle couleur et je vais l'utiliser pour le contour de sa bouche. Ensuite, vous pouvez continuer à le faire pour l'autre partie de l'image jusqu'à ce que vous ayez l'impression que tout est agréable et doux dans ce cas, ou tout ce que vous essayez d'obtenir avec votre pièce. Comme vous pouvez le voir ici, j'ai changé toutes les couleurs de ma ligne à ce stade et pour moi je pense que la couleur peut encore utiliser un peu plus de profondeur, et je pense que je vais introduire une source de lumière pour vraiment aider avec cela perspective atmosphérique. Donc, je pense que j'aime utiliser le gradient beaucoup, j'ai oublié qui l'a mentionné, mais ils disent que le gradient est essentiellement le passage du temps, ce qui je pense est assez romantique parce que si vous regardez notre nature du temps, nous voir les gradients, vous montrez comme le lever du soleil ou le coucher du soleil avec un changement de temps très spectaculaire. Donc je pense qu'avec cette pièce, la source de lumière va descendre d'ici, et ce sera vraiment sympa parce qu'elle regarde ici, et cela peut créer comme un focus une fois la lumière et sa direction de regarder. Habituellement, avec les lumières, nous pensons à la lumière jaune, comme plus du soleil et plus sur la chaleur, comme une lumière bleutée, plus comme électronique, plus artificielle, ou comme vraiment une lumière matinale fraîche. Dans ce cas, je pense que c'est certainement plus une situation de lumière chaude. Donc, je vais avoir un nouveau calque, puis je vais attraper mon outil de dégradé ici. Je crois que je vais utiliser ce jaune. Donc en ce moment, à peu près j'utilise toujours la couleur que nous avons déjà, nous pouvons toujours modifier ces couleurs plus tard que nous allons. Sur le décalage, je me sens comme ça juste donner tellement de profondeur à la pièce, comme l'air du centre sur le dessus semble plus léger, il y a une direction. Parlez de consistance des couleurs, maintenant j'ai l'impression que les cheveux ne reflètent plus cet environnement. Donc je vais faire un doublon de couche que nous venons de faire. Puis aussi introduire ce même jaune comme, mais maintenant, je suis en fait ramasser cette nouvelle lumière jaune qui a été mélangé du rose et le jaune plus tôt de la robe pour celui-ci. Ensuite, remplissez ses cheveux, puis ajoutez un masque de couche. J' aime faire un masque de calque parce que de cette façon vous pouvez contrôler le calque, changer un calque sans réellement modifier quoi que ce soit, par exemple, environ un demi-dégradé, mais alors je peux désactiver cette masse de calque et est toujours un calque intact. Donc tu ne peux pas toujours y retourner si tu n'aimes pas ce que tu as fait et c'est non destructif, ce qui est vraiment génial. Un dégradé plus léger, je sens que c'est peut-être un peu fort, donc je vais ajuster l'opacité de la couche pour descendre un peu autour de là. Maintenant, je vais faire la même chose avec l'arbre, dupliquer un calque, puis appliquer le même jaune, faire le masque de calque des dégradés. Donc, dans le masque de calque, cela fonctionne comme des noirs étant le négatif, blanc étant le positif. Donc maintenant, j'ai un dégradé de noir, ce qui veut dire que ces parties sont effacées. Donc, montrant la couche en dessous juste ici. Alors maintenant, je mélange visuellement la couleur de cette façon, et puis je vais aussi baisser un peu l'opacité, afin de ne pas perdre trop ce vert en arrière-plan. Donc j'aime la direction et où on va. Je pense que les grandes formes sont en bonne place. Il est donc temps d'entrer dans la forme secondaire et d'enrichir vraiment l'image, et d'y ajouter un peu de complexité et d'intérêt. 15. Affinez votre palette: La première chose que je pense que nous devons créer comme un opp lumineux pour cette fleur. La ligne laisse déjà entendre qu'elle est brillante, mais pas encore tellement. C' est donc la couche que j'ai ajoutée avec la même couleur qu'une robe. Mais évidemment, nous devons baisser l'opacité pour voir la fleur. Maintenant, avec ce cadrage, la fleur reçoit plus d'attention qu'avant aussi. Comme vous pouvez le voir, j'ai aussi ajouté quelques gradients aux genoux et aux mains où il est généralement un peu plus rouge dans le corps humain. Donc, ça se sent beaucoup plus flashy qu'avant. Maintenant, nous pouvons aller de l'avant et créer un nouveau calque, puis le mettre dans un nouveau groupe à partir de ce calque, des formes secondaires. Je les ai toujours intitulés afin de garder mon fichier organisé, parce que de cette façon, quand je clique sur quelque chose, le titre apparaissait alors je saurais ce que c'est. Surtout quand vous avez comme plus de 100 couches qui est arrivé avec mon travail. Donc maintenant, nous pouvons vraiment zoomer et ensuite à peu près la même chose que nos appartements avant. Nous pouvons toujours utiliser notre outil magnétique ou l'outil Lasso pour créer des drapeaux secondaires. C' était un drapeau secondaire. Je vais juste, à ce stade, utiliser des couleurs d'espace réservé aussi. Laissez-moi juste nettoyer cette sélection. Ensuite, il suffit de créer une forme plus secondaire. Donc vous pouvez nous dire un gâchis, l'aimant s'est tiré par un autre brin de ligne. Donc, lorsque vous appuyez sur « Alt »,, l'outil Lasso devient un outil de soustraction Lasso, sorte que vous pouvez corriger votre sélection de cette façon. Ou vous pouvez appuyer sur « Shift » et le Lasso deviendra Lasso additif. Donc, il va ajouter à votre sélection. Je vais aussi faire la forme secondaire pour les feuilles aussi bien. Donc, encore une fois, nouveau calque le mettre dans une nouvelle photo, des formes secondaires. Un autre outil que j'aime utiliser pour obtenir la sélection est juste la baguette magique rapide. Si vous cliquez ici, qui a échantillonné tous les calques, il prend en compte tous les calques, et ce qu'il fait est de sélectionner cette zone qui est entourée de couleurs différentes. Donc, si je n'ai pas ceux sur comme échantillonnage seulement, il fait couche vide. Donc essentiellement, vous sélectionnez le tout. Mais si j'ai échantillonné tout le calque sur, alors il regarde l'image comme tout le calque ensemble et il sélectionne seulement cette partie, et c'est ce que je veux. Donc, je vais faire un tas de sélection secondaire rapide des feuilles. Voyez, il y a un petit écart, c'est pour ça que ça s'est passé. Donc cette partie pourrait ne pas être si bon pour utiliser notre outil magique, ce qui est très bien. On y retournera avec notre Lasso. Ensuite, vous pouvez continuer à le faire jusqu'à ce que vous sentiez avoir couvert la plupart de la forme secondaire à laquelle vous souhaitez ajouter une couleur différente. Donc, à ce stade, j'ai sélectionné tous mes éléments secondaires, et quand je sélectionne, j'ai généralement une règle générale que j'utilise. Avec un élément secondaire, ce que je veux faire est de créer des volumes dans une forme plus grande. Par exemple, dans ces cheveux où je pense être le point culminant, je mets une couleur plus claire, et où je pense que sera dans l'ombre ou concave, j'y mets une forme plus foncée. La même chose avec les feuilles, où je pense qu'il frappe la lumière, je mets une nuance plus claire et où je pense se détourne de la lumière, je mets une nuance plus foncée. C' est juste rugueux et vous pouvez dire qu'il se sent un peu raide comme si elle avait des cheveux en plastique. Donc, nous allons adoucir cela et le faire vraiment sentir comme une partie de cette plus grande forme. Encore une fois, ce que j'aime faire est d'utiliser le gradient. C' était donc le point culminant. Je vais ajouter la masse de la couche. Alors pensons vraiment à la façon dont les cheveux se comportent d'une manière tridimensionnelle. Autour de la racine va probablement entrer et attraper moins de la lumière. Je pense donc que le point culminant est un peu trop fort et peut être adouci ici. Ce que je fais est juste d'effacer cette partie avec l'outil dégradé. même chose avec les cheveux qui sont derrière le bras. C' est probablement un peu d'ombre de cache qui se passe. Mais je veux tout ce qui est doux en ce moment. Donc, je ne vais pas vraiment mettre en cache tout ça encore. Donc je vais juste adoucir ça en effaçant une partie de ce point culminant. Donc il voit toujours à travers notre couche de base, qui est ces deux-là. Ici, vous voyez aussi en rendant ces zones plus sombres, tout d'un coup cette partie apparaît. Donc, il y a beaucoup de poussée et de traction comme la sculpture, comme vous devez choisir la forme d'abord et ensuite vous entrez dans les détails. Je suis désolée, juste jeter le plus petit moment et rendre la pièce plus raffinée de cette façon. Alors maintenant, j'ai toutes mes formes secondaires dans leur lieu heureux, se mélangeant avec les formes primaires. Je pense que c'est certainement une amélioration d'où nous venons. Mais dans l'ensemble, je pense qu'il manque encore une partie de cette chaleur de la lumière. Donc, maintenant, nous allons réellement changer activement ces couleurs avec ces outils de réglage utiles disponibles dans Photoshop. Donc, c'est une preuve que l'outil numérique a cet outil traditionnel ne le fait pas, comme si vous peigniez quelque chose, vous ne pouvez pas simplement faire une diapositive et le rendre dans une intensité plus élevée ou le déplacer dans une teinte différente. Mais nous pouvons et cela le fera. Donc, nous devons profiter de ça. Par exemple ici, je pense que j'aimerais qu'il y ait un peu plus de chaleur avec ces brins ici par rapport à ici. Donc je vais entrer dans les couches de cheveux, voir que je donne les détails des cheveux. Je vais aller dans Hue Saturation. Souviens-toi qu'on en a parlé tôt. Donc, c'est l'outil qui vous permet de manipuler la saturation de la teinte de la couleur que vous avez déjà. Ensuite, vous pouvez juste colorer ses jambes se trouvent autour de voir. Eh bien, c'est plutôt cool, je veux dire comme avoir un point culminant violet. Mais je pense que je vais chercher quelque chose d'un peu plus harmonieux. Aimer le jaune, mais un peu trop intense. Donc peut-être pas tant que ça. Disons peut-être comme un 15 et un peu plus haut. Donc, cela nous permet de déplacer la teinte le long de ce curseur de couleur. Ceci, j'augmente un peu la saturation et puis c'est la luminosité. Je pense que pour la luminosité, on ne peut pas avoir la même chose. Avec l'aperçu, c'est ce que j'utilise beaucoup. Je trouve vraiment utile est de comparer l'avant et l'après, et c'est tellement génial pour prendre des décisions. Je pense que c'est une amélioration, alors je vais y aller. Je pense que dans l'ensemble, la couleur se sent un peu terne aussi. Permettez-moi donc d'aller dans le fond et cela aussi, en lui donnant un peu plus de saturation. Alors maintenant, voyez, comparez-le. Ça fait beaucoup plus chaud. Oui. Ensuite, c'est vraiment amusant partie que vous pouvez commencer à entrer dans des formes secondaires, puis commencer à changer les couleurs individuelles. Maintenant, nous cliquons sur « Échantillonner tous les calques ». Donc, il ne s'agit que d'échantillonner ces couches actuelles. Je pense que ce processus peut être plus intuitif, comme ce qui se sent juste. Je veux dire en quelque sorte, je suis juste comme espacer les choses pour cette image. Donc, il semble que tout le changement de couleur des feuilles n'est pas au même endroit. D' accord. Donc peut-être que ce sera cool si certaines des feuilles sont un peu plus sur le côté bleu. Parce que je veux dire si vous regardez vraiment une plante comme si leur couleur est si complexe et qu'il est impossible d'émuler complètement cette partie. Ici, nous avons changé juste quelques feuilles, et tout d'un coup, ces arbres se sent comme il a tellement plus de couleur ou juste de richesse en couleur parce que j'ai espacé les différentes feuilles bleues. Maintenant, je vais continuer avec les feuilles plus légères aussi. Encore une fois, en l'espacant, puis en changeant. Je me sens comme pourquoi l'outil numérique est parfois si grand pour les gens qui ne sont pas seulement pour la couleur, parce que vous pouvez vraiment voir ce qui change même sans vraiment connaître la théorie derrière elle. Mais à travers ce processus, vous apprenez réellement comment la couleur fonctionne. Donc c'est presque comme si tu apprenais pendant que tu le fais, ce qui est vraiment génial. Ensuite, vous pouvez continuer avec le reste des petites formes. 16. Touches de finition: Donc, à ce stade, je pense que nous avons presque fini. Ce que j'aime faire habituellement quand j'enroule un morceau est de vraiment pousser le volume encore plus avec des ombres et des reflets. C' est vraiment la partie amusante, parce que ça rend les objets beaucoup plus prononcés tout à coup. Donc, ce que je vais faire en premier, c'est d'ajouter un autre calque appelé l'ombre des femmes sur le calque des femmes, et j'aime créer un Masque d'écrêtage. Ce que cela signifie, c'est, voir comment cette petite flèche, cela signifie que maintenant est attaché à ces dossiers. Donc, quoi que je dessine, il n'apparaît que dans la zone où se trouve la couche de base. Donc, quelle est la couche qui est contenue dans ce dossier. Donc, si je relâche le Masque d'écrêtage, vous pouvez le dire comme le dessiner partout. Donc, cela signifie que les effets que je fais n'importe quoi ne s' appliquent qu' à ce calque et pas d'autres pixels en arrière-plan. Donc, cela est très pratique lorsque vous faites de l'ombre, parce que vous n'avez pas besoin de vraiment vous soucier de l'orientation vers le contour vraiment propre. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Par exemple, je veux un peu de cette ombre d'argent ici, non ? Donc, avec ce bord, vous devez être un peu prudent car au moins dans la même couche, les cheveux et le flash sont groupés dans la même couche de femme. Mais une fois que j'ai créé le Masque d'écrêtage, voyez comment ces pièces viennent d'être nettoyées en fin de compte. Alors ce que je fais est de sélectionner Multiplier et cela donne une nuance plus foncée de couleur en mélangeant le bleu que je viens de ramasser, et la couleur de chair de ce corps. Habituellement, avec une lumière plus chaude, vous une demi-ombre plus fraîche. Donc dans ce cas, je prends juste ce bleu, une sorte de bleu neutre, puis je l'applique. Donc, lorsque vous utilisez Multiply, généralement la couleur devient plus intense aussi, donc j'ai tendance à utiliser une couleur plus neutre pour le faire. Encore une fois, c'est à quoi il ressemble quand est normal, puis quand est multiplié, il ressemble à ceci avec le masque d'écrêtage de couche. Donc je vais aller de l'avant et là où je pense qu'il devrait y avoir de l'ombre comme par exemple, sous les aisselles ici. Je vais aussi joindre ces ressources. Donc, si vous voulez vraiment comprendre comment fonctionnent ces calques de fusion, comme tout cela, ils font tous des choses différentes et ils sont particulièrement utiles quand ils viennent à manipuler des photos que les ressources vont être très utiles, mais généralement, le mélange le plus que j'utilise est le multiplier pour l'ombre. Par exemple, à l'ombre, j'ai l'impression que ça ne devrait pas être si dur. Quand il est arrivé à la partie robe, puis à nouveau nous faisons ressortir un outil très pratique, masque de couche, et avoir cette partie sorte d'être effacer, et qui suivent la courbe beaucoup plus agréable. Nous pouvons également ajouter quelques ombres au moins à pop individuels encore mieux pour donner l'illusion d'une plus grande volumétrie globale. Même chose Multipliez, par exemple ici. Ensuite, vous pouvez voir peut-être que cette couleur se sent un peu trop légère lorsque nous utilisons sur l'arbre. Ensuite, nous pouvons toujours revenir en arrière et ensuite aborder cela aussi, en amenant la valeur vers le bas comme là, puis en la rendant normale. Donc, vous pouvez ramasser cette couleur, nous la créons juste, ramener à Multiply afin que vous puissiez voir à quoi cela ressemble quand il est utilisé comme couleur d'ombre. On peut continuer à faire ça. Mais voyez comment cette zone des feuilles semble surgir de cette zone donc vous êtes juste ajouter du volume supplémentaire à cette forme. Ensuite, nous pouvons également ajouter quelques faits saillants, plus de faits saillants, et sont généralement tels que les os de la joue, peut le mettre en détail bien que nous ayons ici. Ensuite, avec surbrillance, vous pouvez simplement choisir la couleur comme ici et ensuite nous choisissons ici une valeur. Eh bien, c'est déjà très proche du blanc, donc il n'y a plus grand-chose à partir de là. Mais vous pouvez toujours voir, pour se déplacer vers le haut du calque car il était derrière le calque de ligne. Ensuite, cela semble un peu trop, alors laisse composer la capacité. blanc a l'impression qu'il ne fonctionne pas sur la lèvre comme les reflets, c'est juste trop blanc, alors choisissons une couleur rose clair, puis on y va. Si vous vous sentez comme peut-être la fleur peut vous quelques points, donc il ressemble plus à la rosée et mignon, nous pouvons le faire aussi. Mais cet endroit est juste comme ajouter les touches vraiment finales parce que la grande partie est déjà faite. Maintenant, c'est comme la cerise sur le gâteau. Donc je pense que j'ai fini, et je pense que la pièce est à un bon endroit. Je pense que vous devriez aussi comparer votre dernière pièce à la première version lorsque vous appliquez simplement les nuances de la palette d'autres personnes que vous venez de voir et puis voir jusqu'où vous avez parcouru et comment vous avez fait cela sur la vôtre. Alors l'étape suivante, je vais juste vous montrer comment vous êtes allé exporter votre pièce pour que vous puissiez la partager avec tous vos amis et familles, ex copains et ex copines. 17. Exportez votre œuvre: Maintenant, nous avons fait notre travail acharné , bien sûr, nous devons en parler au monde entier. Les fichiers et la couche Photoshop comme moyen de gros pour vraiment partager en ligne, donc maintenant nous allons l'exporter. Ce que nous allons faire est d'aller à Fichier, Exporter, Enregistrer pour le Web parce que je suppose que vous voulez le partager en ligne. Enregistrez-le comme JPEG sauf si vous faites comme GIF chose. Nous ne le sommes pas. Je voulais que ce soit JPEG élevé, c'est juste une bonne qualité. Ici vous pouvez regarder 4-Up. Ce que cela signifie, c'est qu'il vous montre les quatre versions différentes de ce que la qualité est comme une fin, il descend comme ici 15 pour cent. La taille du fichier va diminuer avec elle. Je suppose que vous avez juste à trouver ce point optimal que vous sentez qu'il est une bonne taille comme peut-être vous ne voulez pas poster quelque chose qui est comme 59 mégaoctet que personne ne peut ouvrir. Mais c'est toujours de bonne qualité de ne pas vraiment donner le crédit à votre travail, n'est-ce pas ? Ici, je pense que 60 semble assez bon et vous pouvez toujours changer votre qualité que pour voir si cela rend quelque chose différent, comme 80. Donc, une autre chose qui aide vraiment à réduire la qualité et la taille est en limitant la couleur. Dans notre cas, la couleur n'est pas si compliquée. Donc, vous ne voyez pas un très grand différent, mais si vous voyez comme, utilisez une photo ou utilisez quelque chose avec beaucoup de variété de couleurs, alors que la qualité diminue, c'est assez perceptible comme certaines couleurs ne seront plus là. Cliquez sur Convertir en sRGB si vous n'y travailliez pas ou cliquez simplement pour être enregistré car les navigateurs Internet utilisent sRGB. ce moment, ma taille est assez grande parce que je pense que je pourrais vouloir imprimer ceci, j'aime cette pièce. Il a été travaillé à 300 ppp, donc c'est vraiment grand. Je pense que pour en ligne, comme autour de 1700 est déjà vraiment bon. C' est assez bon pour comme un flash complet sur votre page de site Web et juste vérifier tout. Copyright, Contact Info, cela dépend si vous voulez l'avoir, et vous pouvez le définir dans une autre partie de Photoshop. Aperçu, Couleur du moniteur, oui, oui et vous enregistrez simplement. Attendez qu'il charge, puis vous pouvez l'enregistrer comme pièce impressionnante dans par exemple le bureau. Image, JPEG, oui, enregistrez. Ensuite, nous aurons notre superbe pièce juste ici. 18. Réflexions finales: J' espère vraiment que vous avez apprécié le projet et vous permettre d'apprendre quelque chose de nouveau. Je pense que la plus grande chose à emporter pour cette classe est de conquérir votre peur en couleur. Donc je pense que voler la couleur de la culture des autres n'est vraiment que la première étape. Quand j'ai commencé à avoir une meilleure compréhension des couleurs, je palais certainement dépenser, et je sens qu'à cause de cela, j'ai un plus large éventail de vocabulaire, visuellement pour m'opposer à différents sujets. Donc, j'espère que maintenant vous trouvez la couleur un peu moins intimidant et excité d'explorer plus. J' ai hâte de voir ce que tu as créé. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. 19. Découvrez d'autres cours sur Skillshare: