L'étalonnage des couleurs pour la réalisation de films : la vision, l'art et la science

1. Introduction au cours: Salut tout le monde. Comme vous le savez probablement maintenant, m'appelle Dandan et je suis un cinéaste professionnel dont le travail met l'accent sur la cinématographie et la narration profonde. Dans mon propre parcours cinématographique, le plus grand mystère à apprendre était le classement des couleurs. Même en tant que professionnel dans l'industrie, le classement des couleurs est un monde si secret. Comment faites-vous des images qui ressemblent à ça ? Bien qu'il existe de nombreux cours qui vous enseignent techniques de l'utilisation du logiciel de notation des couleurs, comme DaVinci Resolve et Adobe Premier Pro, il n'y a pas actuellement de cours qui vous enseigneront façon exhaustive l'art et le processus créatif de gradation des couleurs. Comment voir des changements subtils de couleur et les utiliser pour servir votre histoire pour rendre votre film plus cinématographique et plus puissant. Ce cours ouvrira le monde secret et vous enseignera la fois l'art et la science du classement des couleurs pour le cinéma. Tout d'abord, nous allons entraîner nos yeux pour voir la couleur de manière subtile. Ensuite, nous allons prendre du recul et examiner comment vous pouvez utiliser la couleur intentionnellement pour servir votre histoire. Enfin, nous allons passer en revue les techniques où je vais vous enseigner une méthode professionnelle complète que vous pouvez utiliser avec Adobe Premier Pro pour traduire votre regard imaginé dans votre film. À la fin de ce cours, vous aurez toutes les connaissances et une feuille de route complète nécessaires pour classer votre film en couleur et aurez encore un autre outil puissant dans votre boîte à outils de réalisation de films magnifiques et forts. Commençons. 2. Contenu du cours: Pour ce cours, vous aurez besoin de quelques choses. abord, vous devrez télécharger une application d'essai gratuite de VSCO sur votre téléphone, qui est fondamentalement une version artistique plus étendue d'Instagram. Vous aurez besoin d'une photo prise en journée avec des taches de noir et blanc. Pour la partie technique, je vais faire la démonstration avec le panneau de géométrie Adobe Premiere Pro, que la plupart d'entre vous ont probablement. Mais tous ces principes peuvent être appliqués à n'importe quel logiciel de classement des couleurs comme Davinci Resolve. 3. Voir des nuances de couleurs: Partie 1, voir la couleur. La première étape pour tout bon classement des couleurs, est de former l'œil à voir des changements subtils de couleur dans votre image. Plutôt que de simplement mettre un lavage de couleur entier à votre image, qui aura l'air bizarre. Vous devez faire la distinction entre mettre de la couleur dans les tons clairs, les tons moyens et les ombres de votre image. Parlons de ça. Si vous regardez toute l'exposition ou la plage de luminosité de votre image, clairs représentent les parties les plus brillantes, les tons moyens sont les parties qui se trouvent entre les deux et les ombres sont les parties les plus sombres. Dans le classement des couleurs, vous modifiez spécifiquement les couleurs, le contraste et la saturation de ces trois zones différentes pour obtenir un aspect spécifique. Si vous utilisez des filtres [inaudibles] ou Instagram, s'agit essentiellement de modèles de classement des couleurs qui désignent certaines couleurs, niveaux de contraste et niveaux de saturation, ainsi que les tons clairs, les tons moyens et les ombres. Par exemple, le look hollywoodien classique, a des reflets orange et des ombres sarcelle. Voir les différences de couleur subtiles est sans aucun doute la partie la plus délicate du classement des couleurs, et celle qui prend du temps à se développer. Cependant, j'ai créé cet exercice pour démarrer votre entraînement oculaire. 4. Exercice d'entraînement des yeux: Pour cet exercice, vous aurez besoin d'une version d'essai gratuite de VSCO téléchargée en tant qu'application sur votre téléphone. Vous aurez également besoin de la photo que vous avez choisie, prise en journée avec des niveaux d'exposition normaux et des taches blanches et noires dans l'image, comme celle avec laquelle je vais faire la démonstration. Une fois que vous avez téléchargé l'application VSCO et que vous avez choisi la photo, ouvrez l'application sur votre téléphone et importez votre photo en appuyant sur l'icône plus à droite, en cliquant sur la photo et en appuyant sur Importer. Assurez-vous ensuite que la photo unique est mise en surbrillance et ouvrez l'espace de travail du filtre en cliquant sur cette icône en bas. ce moment, vous devriez être sur la vue photo unique, mais si ce n'est pas le cas, vous pouvez la changer en cliquant la petite icône polaroïde sur la gauche et appuyez sur celle avec les multiples grilles. Maintenant, vous verrez votre photo appliquée avec tous ces différents types de filtres. Si vous faites défiler vers le bas, vous verrez qu'il y en a beaucoup, beaucoup et ils sont en fait codés par couleur par des familles de filtres, qui ont des caractéristiques similaires. Par exemple, les KP en lilas ici, tous appartiennent à une seule famille de filtres. Choisissez celui qui semble un peu stylisé et cliquez sur « Enregistrer. Sauvez-le sur votre pellicule. Faites ceci pour un minimum de quatre filtres qui sont différents les uns des autres. Maintenant, vous pouvez ouvrir votre rouleau d'appareil photo, qui aura votre photo d'origine et vous êtes récemment enregistré des versions de cette photo avec les filtres appliqués. Cliquez sur un et remarquez ce qui se passe à l'image de l'original. Avec chaque filtre, posez-vous ces questions : numéro 1, ce qui se passe aux faits saillants, numéro 2, ce qui se passe aux tons moyens, numéro 3, ce qui se passe à l'ombre, numéro 4, ce qui se passe à la niveaux de contraste de l'image et le numéro 5, que se passe-t-il aux niveaux de saturation de l'image ? J' ai enregistré quatre versions différentes de cette photo, chacune avec un filtre différent et nous allons les comparer côte à côte en examinant nos questions principales. Pour le premier exemple, comme vous pouvez le voir, les tons clairs deviennent magenta et les ombres deviennent bleues. Plus l'ombre est sombre, plus le bleu devient sombre. Les tons moyens sont dans une nuance de bleu plus claire. Les niveaux de saturation semblent être plus intenses et le contraste semble rester à des niveaux similaires. Avec le deuxième exemple, ici, les tons clairs, les ombres et les tons moyens semblent rester les mêmes. Les niveaux de saturation ont diminué, ce qui donne à l'image originale un lavage sépia. Le niveau de contraste semble également avoir diminué. Version numéro 3. Ici, les tons forts et les tons moyens semblent être restés le même ton. Les ombres sont allées plus dans la direction bleue. Les niveaux de saturation ont nettement augmenté et les niveaux de contraste ont également augmenté. Version numéro quatre. Instantanément, vous pouvez sentir que l'image est plus fraîche. Les faits saillants sont devenus une machine à écrire, comme vous pouvez le voir dans le manteau du chien. Les tons moyens prennent une teinte verte et les ombres sont plus vertes. La saturation a légèrement augmenté et les niveaux de contraste sont similaires. Voici deux comparaisons de bonus. Version numéro 5. Les faits saillants ont pris un ton orange. Les tons moyens ont également pris un ton orange et les ombres semblent être restées semblables. Les niveaux de saturation ont augmenté et le contraste semble avoir légèrement augmenté. À première vue, l'image se sent plus fraîche. Les reflets de la gamme cool semblent avoir pris un ton plus bleu, tandis que les reflets qui sont dans la gamme orange semblent avoir gardé leur chaleur. Les tons moyens semblent avoir pris un ton bleu, tandis que les ombres semblent avoir bougé dans la direction violette. Les niveaux de saturation ont augmenté et les niveaux de contraste ont légèrement augmenté. Ne vous inquiétez pas si vous n'êtes pas sûr de ce qui se passe spécifiquement à votre image. Cette compétence prend du temps à se développer et elle se développera encore plus loin fur et à mesure que vous vous engagez dans le processus de classement des couleurs que nous aborderons plus tard. Pour l'instant, il est juste important que vous reconnaissiez les différences entre les tons clairs, les tons moyens et les ombres. Si une image est faible contraste, neutre ou contraste élevé, et si une image a une saturation faible, saturation normale ou une saturation élevée. 5. Narration et étalonnage des couleurs: Maintenant que nous avons préparé l'œil pour détecter les parties importantes du classement des couleurs dans une image, parlons de la façon dont nous pouvons utiliser le classement des couleurs pour servir une histoire. Avant de commencer à l'évaluation de la couleur, demandez-vous quelle humeur, les thèmes émotionnels ou les nuances psychologiques que vous souhaitez améliorer dans votre histoire à travers le classement des couleurs. Créez un lookbook de photos à partir de films semblables à vos visions et examinez de manière critique leurs choix de classement des couleurs. Par exemple, voulez-vous que votre film ait une sensation de blockbuster classique avec des reflets sarcelle, ombres et des reflets orange ? Voulez-vous qu'il ait un résumé vintage, une sensation nostalgique avec des couleurs chaudes et un faible contraste ? Voulez-vous qu'il ait des noirs punchy et un contraste élevé ? Voulez-vous qu'il ait une sensation de sourdine avec un faible contraste, noirs laiteux et une faible saturation ? Voulez-vous qu'il ait l'air naturel ? Il est essentiel de penser à ces intentions car elles serviront de boussole de guidage pendant que vous vous plongerez dans le processus de classement des couleurs plus tard. 6. Science de l'étalonnage des couleurs: Maintenant vient la partie technique du processus de classement des couleurs, où je vais vous montrer une méthode en cinq étapes que vous pouvez utiliser pour traduire votre vision en réalité. Pour ce processus, je vais faire la démonstration avec Adobe Premiere Pro et toutes les étapes seront situées dans le panneau de couleurs lumetri. 7. Ordre des opérations: La plus grande erreur que j'ai vue chez les cinéastes, est qu'ils ont tendance à jeter autour de la classification des couleurs au hasard, en composant le look comme ils vont, ce qui se traduit généralement par une note trop cuite. Ceci est analogue à mettre trop de maquillage, ce qui semble faux, et détourne l'attention des téléspectateurs loin de votre histoire. Pour éviter cela, je vais vous présenter à tous un ordre d' opérations en cinq étapes pour le classement des couleurs, qui ressemble à ceci. Numéro 1, couleur correcte, numéro 2, couleur de correspondance, numéro 3, skintones fixes, numéro 4, ajouter un style visuel, et numéro 5, polonais. 8. Première étape : correction des couleurs: Pour démontrer l'étape 1 avec la correction des couleurs, j'ai mis en évidence deux photos dans l'ordre du document de Nicky avec lesquelles j'ai eu beaucoup de problèmes en termes de correction des couleurs. Comme vous pouvez le voir, le premier coup est très sous-exposé. Il a été pris sur une caméra différente de la mienne par un opérateur de caméra B de haut en haut. Ce plan va ensuite dans celui-ci, qui, comme vous pouvez le voir, est également sous-exposé. Pour configurer notre interface couleur, nous allons utiliser le panneau Couleur Lumetri. abord, vous pouvez trouver cela en allant dans « Effets », puis en tapant Lumetri Color, puis en faisant glisser cet effet sur les clips qui sont problématiques, ce qui est dans ce cas les deux. Après avoir fait glisser l'effet sur votre élément, accédez à l'espace de travail Couleur. Comme vous pouvez le voir, il est juste beaucoup plus propice à n'importe quel travail de couleur. Vous avez le panneau Couleur Lumetri ici, et ici vous avez la correction de base, qui devrait ressembler à n'importe quelle interface de retouche photo que vous trouverez sur votre téléphone ou sur Adobe Photoshop. Ici, vous pouvez ajouter beaucoup, que nous aborderons dans une étape ultérieure. Voici votre balance des blancs, et ici vous pouvez aborder l'exposition, le contraste général, la mise en évidence, les ombres, noirs et les niveaux de blanc, ainsi que la saturation. Celui-ci que nous allons utiliser assez largement, ainsi que les Color Wheels. Comme vous pouvez le voir, cela devient plus fin en décomposant la couleur et les niveaux lumineux ou les niveaux d'exposition des Ombres, des Tons moyens et des Faits saillants. Ces deux panneaux sont ce que nous allons utiliser le plus, mais j'aborderai les autres au fur et à mesure que nous allons. Ramenons les photos à une ligne de base naturelle. Je vais revenir à mon panneau de correction de base et commencer par ce clip. Comme vous pouvez le voir, il est très sous-exposé et il a été montré sur un profil plat. Si vous avez tourné sur un profil d'image plat, la première étape consiste à ramener les niveaux de contraste en ramenant les niveaux de noir vers le haut. Ça ressemble à un bon niveau de conscience de base. Nous allons maintenant aussi ramener l'exposition. Maintenant que nous avons ramené le niveau de contraste, et que nous avons ajusté l'exposition, maintenant traitons de la balance des blancs. Si vos blancs regardent un peu, ce que vous pouvez faire est de cliquer sur ce sélecteur « Balance des blancs » et de cliquer sur un point blanc dans votre image, et le logiciel sera automatiquement calibrer pour tout problème flagrant de balance des blancs. Habituellement, cela fonctionne comme un charme. Souvent, cependant, lorsque vous faites le sélecteur Balance des blancs, il peut dépasser vos couleurs dans certaines directions qui ne semblent pas tout à fait naturelles. Quand je vois ce clip, cependant, la balance des blancs ne semble toujours pas tout à fait correcte. Si vous trouvez que c'est le cas, c'est le moment de jouer. abord, essayez avec la correction de base, qui affectera également les tons forts, les tons moyens et les ombres. Je recommande d'ajuster la température, et de la pousser dans la direction opposée de la couleur coulée. Ou si ça ne marche pas, alors travailler avec la teinte. Si cela ne fonctionne pas, alors vous voudrez aller dans les Color Wheels et jouer avec ceux-ci jusqu'à ce que vos couleurs semblent plus naturelles ; c'est ce que je vais faire. Je veux le pousser dans la direction plus jaune qui semble plutôt bon. Mais comme vous pouvez le voir, les ombres ont toujours l'air vraiment bleues, et les noirs, ils n'ont pas l'air noirs. Ce que je vais faire, c'est aller à mes roues de couleur et faire correspondre et travailler avec les ombres, points forts et les tons moyens jusqu'à ce que je puisse obtenir une palette uniforme plus naturelle. D' abord, regardons les Ombres. Ils ont l'air très bleus pour moi, donc je vais les pousser dans la direction opposée, dans la direction orange. Comme vous pouvez le voir, maintenant les noirs ont l'air plus noirs. Cette barre latérale que vous voyez à gauche est en fait les valeurs lumineuses, donc elle affecte les niveaux de luminosité. Ici, je trouve que les ombres sont encore un peu trop lumineuses, et je veux les faire descendre un peu, donc je vais juste les faire tomber un peu. Comme vous pouvez le voir, c'est un changement très subtil, mais les noirs semblent maintenant plus noirs. Ça ressemble à un meilleur point de départ. Si je le compare à ce qu'il avait l'air avant, c'est à ça qu'il ressemblait avant et maintenant il semble tellement mieux. Pour récapituler, nous avons d'abord ramené les niveaux de contraste de notre profil d'image plat, puis nous avons ajusté l'exposition, puis nous avons ajusté la balance des blancs. Maintenant, je vais corriger la couleur de la deuxième image qui, comme vous pouvez le voir, semble aussi très sombre. Cela n'a pas été tourné sur un profil plat, donc je vais juste aller de l'avant et augmenter les niveaux d'exposition jusqu'à ce que la luminosité soit bonne, comme ça. Jouons aussi avec le sélecteur Balance des blancs. On y va. 9. Deuxième étape : correspondance des plans: Une fois que vous avez regardé à travers les photos individuelles et corrigé en termes de couleur et d'exposition, maintenant vous voulez regarder les photos par rapport à l' ensemble de la séquence et assurez-vous qu'il n'y a pas de coups qui se cassent le sentiment de continuité en termes de couleur et d'exposition. En d'autres termes, vous voulez vous assurer que toutes les photos semblent avoir été prises dans un environnement, à partir d'une caméra de votre séquence. Ici, nous avons la photo de Mickey. Elle termine son match, et comme vous pouvez le voir, ces deux coups ne correspondent pas vraiment. Celui-ci est beaucoup plus chaud, puis il saute à celui-ci et celui-ci est beaucoup plus frais, et il a l'impression qu'ils ont été tournés sur deux caméras différentes. Travaillons sur l'appariement de ces photos. Lorsque vous faites correspondre des plans, vous souhaitez en choisir un comme image de référence. Généralement, vous choisissez votre plan plus large car il contient beaucoup plus d'informations de couleur et définit le paramètre. Je vais revenir à ce plan plus large, et un outil utile est une fenêtre de référence, qui va tirer encore du plan, que vous pouvez utiliser pour comparer lorsque vous évaluez la couleur de l'autre plan. Pour ce faire, allez dans « Fenêtre » et cliquez sur « Moniteur de référence ». Comme vous pouvez le voir maintenant, vous avez une référence très pratique à utiliser lorsque vous réglez la couleur de l'autre plan. La comparaison côte à côte montre qu'ils sont très différents. La première chose que je remarque est que ce tir est beaucoup plus cool. Je vais juste réchauffer ça une touche comme ça. Comme vous pouvez le voir, il correspond déjà beaucoup plus qu'auparavant. Maintenant, je remarque que les Noirs dans cette image, les Noirs dans le plan large ont l'air très différents des Noirs dans cette photo. Les noirs dans le plan large ont toujours l'air d'avoir une teinte bleue. Je préfère que les Noirs aient l'air vraiment noir. Je vais y retourner et je vais jouer avec les ombres et réduire l'illumination. Ce plan semble aussi un peu plus saturé. Je vais aller à ma Saturation et je vais juste la réduire ici. Continuez à jouer avec les paramètres, notamment ceux du panneau Correction de base et ceux du Color Wheels & Match, jusqu'à ce que vous créiez un sentiment de continuité crédible lorsque vous coupez entre ces deux plans. On y va. Ça correspond très bien. Avec la correspondance de tir, vous n'avez pas besoin de faire correspondre la couleur exactement d'un coup à l'autre. Vous voulez juste vous assurer que c'est assez continu pour qu'on ne remarque pas de coupure. Cependant, il est vraiment important que vous correspondiez vraiment bien aux niveaux noirs. Pour montrer pourquoi, je vais changer les niveaux noirs de ce plan pour que les noirs soient un peu plus laiteux. Comme vous pouvez le voir, quand je saute de cette photo à cette photo, c'est assez choquant, et on dirait que les photos ont été prises dans des environnements complètement différents. Vous voulez vraiment vous assurer de garder un œil sur la continuité de vos niveaux de noir. 10. Troisième étape : teint de peau: Une fois que vous avez créé une ligne de base neutre et que tous vos plans correspondent dans la séquence, il est temps de modifier les tons de peau. Les tons de peau sont la zone de votre image que vous voulez vraiment surveiller car si les teintes de peau sont éteintes, alors toute votre image sera détournée. Ici, j'ai une interview et on va vérifier si le teint est normal. Pour vérifier si vos teintes de peau sont dans la gamme naturelle, il existe un outil très utile appelé le vectorscope qui vous aidera à voir où vous devez pousser ces couleurs dans vos teintes de peau si elles ont besoin d'être ajustées. Pour ce faire, ouvrez d'abord vos étendues lumetri et si vous ne la trouvez pas ici, vous pouvez aller à la fenêtre et l'activer en cliquant sur Portées lumetri. Assurez-vous que le vecteur YUV est activé et qu'il devrait afficher un graphique qui ressemble à ceci. Il s'agit essentiellement d'une carte de toutes les valeurs de couleur de votre image. Pour que cela soit clair, par exemple, si j'enfonce la température jusqu'à la plage bleue, vous pouvez dire que les valeurs de couleur l'image se sont toutes déplacées vers le quadrant bleu du spectroscope. De même, si je le déplace vers la gamme orange, regardez ce qui se passe. Les couleurs changent en temps réel et se déplacent vers le quadrant orange. Pour les tons de peau, ce qui est vraiment fascinant, c'est que quelle que soit votre origine ethnique, tous les tons de peau se trouvent sur cette ligne entre le quadrant jaune et le quadrant rouge appelé la ligne de chair. Vous voudrez vérifier si le teint de votre image se trouve sur cette ligne. Pour ce faire, allez dans vos contrôles d'effet et sous opacité créer un petit masque qui contiendra un échantillon de votre teint de peau. Ensuite, regardez vos étendues lumetri et vous pouvez voir qu'il a isolé les valeurs de couleur de la zone masquée. Comme vous pouvez le voir dans cet échantillonnage, les couleurs de la peau sont un peu trop sur la gamme jaune et elles ne touchent pas vraiment le quadrant rouge. Ce que je vais faire, c'est que je vais pousser les couleurs un peu plus dans la direction de propagation en allant au panneau de couleurs lumetri et aller à la couleur des roues et correspondre. Parce que les tons de peau sont des tons moyens, pour éviter d'affecter les autres couleurs de mon image, je vais simplement pousser les tons moyens un peu dans la direction rouge jusqu'à ce que les valeurs du vectorscope reposent sur la chair ou la ligne de tonalité de la peau. Comme ça. On y va. Il a juste fallu un très petit changement et maintenant quand je retourne en arrière et enlever ce masque, vous pouvez voir que la peau est beaucoup mieux comme le fait toute l'image. C' était avant et c'était après. Allez-y et vérifiez vos tons de peau et modifiez-les au besoin et je vous verrai dans la prochaine étape où nous allons réellement commencer à jouer avec couleur pour construire un look spécifique. 11. Étape 4 : étalonnage des couleurs: Maintenant que vous avez votre grade de base et votre peau tonifie huile en échec, vous avez vraiment bon fond de teint pour commencer à jouer avec la couleur et utiliser pour améliorer certaines humeurs et tonalités de votre histoire. Pour aborder le classement des couleurs, il existe un moyen facile et plus complexe. Le moyen le plus simple est de trouver beaucoup ou une table de recherche en ligne, qui est fondamentalement une formule de classement des couleurs que vous pouvez appliquer tout de suite, qui vous donnera un look spécifique. Il y a des tons de mises en page gratuites là-bas. Si vous allez dans cette voie, prenez certainement le temps de regarder à travers, et de voir les différentes humeurs et styles disponibles là-bas. Une fois que vous téléchargez beaucoup, c'est très simple à télécharger. Dans votre panneau de couleurs géométriques, vous allez simplement dans « Input Lut », puis « Browse », puis choisissez un et voyez comment cela change l'apparence et la sensation de votre image. Cependant, parce qu'il s'agit d'un cours de notation des couleurs, je vous recommande d'abord d'essayer de jouer avec des paramètres de couleur différents, en particulier les couleurs, et les tons moyens, les reflets et les ombres pour créer un style tout en formation de votre œil pour ramasser ces nuances. Par exemple, ici j'ai le premier plan du Mickey Dark. Ce que j'aime faire en premier, c'est garder à l'esprit l'humeur que j'aimerais améliorer. C' est déjà assez réaliste, mais j'aimerais que tu te sentes un peu plus rêveuse comme si tu étais entré dans le passé, et j'aime que ça me sente un peu plus mystérieux aussi. Ce que j'aime faire, c'est que j'aime ouvrir les roues de couleur et correspondre. Une bonne règle est d'incorporer le contraste des couleurs, c' est-à-dire quand il y a des couleurs sur les côtés opposés de la roue des couleurs présents dans votre image. Par exemple, vous pouvez pousser des couleurs opposées dans les tons clairs et les ombres. Par exemple, comme on le voit dans le look classique d'Hollywood où ils poussent sarcelle dans l'ombre et l'orange et les reflets. Ici, je vais jouer et je vais pousser un peu de bleu dans mes ombres et voir ce que ça fait. Cool. Comme vous pouvez le voir à partir de l'original, il semble déjà si différent. Pour moi, cela lui donne une sensation de rêve , c'est ce que je cherche. Maintenant, permettez-moi d'essayer de pousser les faits saillants dans la direction opposée. Je vais le pousser dans la direction orange, voir ce que ça fait. J' aime comment ça fait ressortir son visage un peu plus que dans le précédent. Il fait aussi ressortir le rouge dans son eye-liner et sur ses lèvres. Maintenant, jouons avec les Noirs un peu et voyons ce que ça fait. Si je soulève un peu les noirs, comme ça, ça ajoute une touche de surréalisme, ce qui me plaît. Comme vous pouvez le voir, lorsque vous coloriez, vous apportez simplement ces changements très subtils à votre image pour voir si elle la tire dans une direction qui améliore le fourni ou la sensation que vous allez après. Au fur et à mesure que vous jouez, vous verrez que vos yeux commenceront à percevoir les différences entre les reflets, ombres et les tons moyens. Pendant que vous jouez, vous remarquerez que le classement des couleurs est vraiment un art de la nuance. Allez-y et commencez à jouer avec votre classement des couleurs. Si vous avez un aspect de référence, tirez-le vers le haut et essayez d'ajuster vos propres couleurs, niveaux de contraste et saturation de votre image afin qu'elle corresponde à celle que vous recherchez. 12. Exemple stylisé: Pour un autre exemple, je vais utiliser une référence plus stylisée d'un des films de Wes Anderson. J' ai tiré la référence ici comme vous pouvez le voir. Je vais essayer de faire correspondre cette photo que j'ai de l'agriculteur à la classification des couleurs de cette image de référence. Commençons par la correction de base, et comme vous pouvez le voir, c'est vraiment sous-exposé, donc je vais augmenter l'exposition. En comparant les deux, vous pouvez dire que dans l'image de référence il y a beaucoup plus de tons jaunes, surtout dans les reflets comme vous pouvez le voir dans le ciel. Celui-ci est plus cool et celui-ci a un voile jaune dessus. Maintenant, je vais juste jouer avec tous les outils que nous avons regardés tous prêts, jusqu'à ce que ces deux images correspondent. D' abord, je vais régler la température et réchauffer un cheveu. Comme vous pouvez le voir, l'échauffement n'a pas vraiment fait grand-chose, parce que cette image lorsqu' elle est réchauffée, c'est un peu plus sur le côté magenta que sur le côté jaune. Je vais en fait le ramener, et jouer avec les roues de couleur et match. D' abord, je vais aborder les faits saillants, parce que c'est le plus évident pour moi, et je vais le pousser dans la direction jaune comme ça. Ensuite, ils peuvent dire que les tons moyens et les ombres sont également poussés dans la direction jaune. Je vais jouer et voir si cela apporte un match de plus près. On y arrive. Comme vous pouvez le dire maintenant, les faits saillants dans le ciel ils sont presque les mêmes. Mais celui sur l'image de référence semble un peu plus frais. Nous allons revenir à la correction de base, et je vais juste la déplacer un peu comme ça. Comme vous pouvez le voir maintenant, le ciel correspond assez bien. Ensuite, revenez aux roues de couleur et faites correspondre et maintenant essayer de faire correspondre l'herbe un peu plus. Les ombres semblent être un peu plus sombres, donc je vais la pousser vers le bas, et il semble y avoir un peu de contraste. Les faits saillants semblent être un peu plus prononcés, donc je vais le cogner, l'exposition un peu, et on y va. Comme vous pouvez le voir, le processus est très similaire. Vous devez d'abord vous poser toutes les questions que nous avons posées. Quelle est la différence entre mon plan et le plan de référence en termes de couleurs dans les tons clairs, et tonifie les ombres, les niveaux de contraste et les niveaux de saturation. Ensuite, vous devez jouer avec la correction de base et les roues de couleur et correspondre jusqu'à ce que vous obtenez un bon match. Ces deux-là, je les considère comme un bon match. Cependant, si vous voulez prendre un peu plus loin, je vois ici dans l'image de référence que les faits saillants qu'il y a un peu de nuances rouges pour eux. Parce que j'aime déjà l'endroit où se trouvent mes points forts, et que je ne veux pas affecter les autres parties de l'image, c'est le moment d'utiliser les courbes. courbes sont un moyen pour vous d'obtenir très précis. Comme vous pouvez le voir, les courbes, il existe quatre types. L' un est le niveau de luminance. Celui-ci est votre exposition de base, et la façon dont vous lisez cette courbe est que le point zéro ici sont des Noirs. Ce sont les ombres que la partie centrale est tons moyens et la partie supérieure sont les reflets, tandis que le point vers le haut dans le coin représente ici le blanc pur. Par exemple, si j'ai ajouté un point ici et déplacé la partie inférieure, comme vous pouvez le voir, cela n'affecte que les niveaux noirs et cela soulève le noir. Les noirs sont de moins en moins sombres et vous obtenez moins de contraste. Vous utiliseriez cette courbe de luminance, si vous souhaitez modifier l'exposition ou les niveaux de luminosité de zones très spécifiques de votre image. Ensuite, vous avez ici la courbe rouge qui affecte la quantité de rouge dans les ombres, les tons d'esprit et les reflets. C' est en fait ce que je veux utiliser un peu pour ajouter une touche de rouge aux points forts. Je vais ajouter un point ici et ici, juste pour ne pas affecter les ombres et les tons moyens. Je vais juste ajouter un peu de rouge aux faits saillants, pas par beaucoup. On y va. En ce moment, je vois que les couleurs correspondent vraiment bien après avoir fait ce changement, et vous pourriez faire la même chose avec les canaux verts et bleus aussi bien. 13. Étape 5 : Peaufiner et exporter: Maintenant, vous voulez passer par tous vos clichés qui ont été colorés, classés et stylisés. Comme à l'étape deux, vous voulez vous assurer qu'ils sont cohérents dans la séquence. Ajustez les clichés qui cassent la continuité. Si vous trouvez que tout est cohésif. Il est temps d'ajouter un grain de film si vous le souhaitez. Pour ceux qui ne savent pas ce qu'est le grain de film, c'est ajouter un peu de détails de grain à la texture de votre image afin qu'elle émule le film plus que numérique. Si ça vous intéresse, je vais vous montrer comment. Pour ce faire, vous pouvez télécharger un film grain en direct ou utiliser un plug-in pour Adobe Premier appelé film convert. Si vous avez téléchargé film convertir, alors vous devriez le trouver dans votre panneau d'effets. On y va. Ajoutez-le au clip. Ensuite, pour travailler avec film convertir et votre panneau de contrôle affecte, le film convertir l'espace de travail pro devrait être là. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire. Ici, il y a tous ces films que vous pouvez choisir. Comme vous pouvez le voir ici, il ajoute déjà du grain et vous pouvez contrôler beaucoup de choses comme la quantité de grain. 100 pour cent est pour 200 pour cent, vous pouvez vraiment voir et savoir ressemble juste à du bruit maintenant. Ajouter du grain peut également être un moyen fantastique de créer un élément de liaison qui crée plus de cohésion pour tous vos coups. Ensuite, une fois que vous avez terminé, il est temps d'exporter. Depuis Vimeo et YouTube sont notoirement connus pour avoir kodaks qui compriment vos séquences de sorte qu'il perd beaucoup d'informations sur les couleurs. Je vous recommande d'exporter vos séquences avec Apple ProRes HQ, qui est un fichier plus volumineux ou un composant plus léger, Apple ProRes LT. Cela conservera plus d'informations de couleur que la norme .H64. 14. Narration et exemples de couleurs: Le classement des couleurs est très subjectif, et il est difficile de dire que si vous poussez les couleurs dans cette direction, alors cela créera ces nuances émotionnelles pour votre histoire. Il s'agit vraiment d'essayer quelques schémas de classement des couleurs et de voir si cela correspond à votre histoire particulière. Cependant, pour vous aider à obtenir quelques idées, j'ai trouvé un tutoriel fantastique par le bord, qui fournit un très bon aperçu de certains des schémas de classement des couleurs trouvés dans les films aujourd'hui. Certains critiques de cinéma croient que vous pouvez souvent jeter un coup d'œil sur le traitement des couleurs des films, et dire instantanément son genre. Des couleurs désaturées pour les films apocalyptiques, tons bleus froids pour les horreurs, des verts fluorescents pour la science-fiction, tons jaunes pour les films basés dans un désert ; des tons rouges saturés et vibrants pour les comédies et pour tout le reste épique, bleu et orange. Drame, bleu et orange. Bio, bleu et orange. Quelle émotion les cinéastes tentent-ils de nous conduire avec cette paire de couleurs opposées, et tous les autres traitements de couleur d'ailleurs ? Considérez l'anneau d'humeur, les teintes d'emoji ou même la photographie d'aura, comme la musique dans un ascenseur, ou la couleur de la salle d'attente d'un médecin a le pouvoir d' influencer ce que nous ressentons sans même le remarquer. Les réalisateurs ont exploité la connexion couleur depuis des décennies. En fait, il y a un livre de règles d'émotions que les coloristes, les gens qui manipulent les couleurs du film, suivent. Notre réponse à la couleur varie en fonction de la culture et des contextes. Mais voici quelques exemples d'applications émotionnelles familières de la couleur. classement des couleurs est le processus d'application de la malcompréhension de la couleur et de sa puissance en modifiant et en améliorant la couleur de l'émotion, plus encore image, soit électroniquement, photo-chimiquement ou numériquement. À l'époque, les cinéastes ne pouvaient obtenir un look stylisé que s'ils s'engageaient à utiliser des filtres, ou s'ils dépensaient une tonne d'argent pour modifier des couleurs spécifiques, image par image. Vous avez vu que c'est une vie merveilleuse, mais avez-vous vu que c'est une vie merveilleuse en couleur ? Maintenant que tout est tourné numériquement, classement des couleurs est moins cher, plus accessible et flexible. « O Brother Where Art Tou » a été le premier film à être entièrement numériquement classé en couleur. L' histoire a eu lieu pendant la Grande Dépression, alors le directeur de la photographie, Roger Deakins a appliqué un ton sépia chaud à tout le film pour nous faire sentir comme si nous étions dans les années 30. Depuis lors, le classement numérique des couleurs est devenu une pratique courante pour les cinéastes et une tendance de classement des couleurs qui semble prendre le dessus d'Hollywood est le bleu et l'orange. Il y a beaucoup de théories là-bas, mais une théorie de premier plan est que ce traitement de couleur fait les acteurs pop sur le fond. Sur la roue de couleur, les tons de peau sont principalement dans la gamme orange, et la couleur complémentaire de l'orange est le bleu. Donc, lorsque vous prenez votre ton orange à l'acteur et que vous poussez tout le reste dans la gamme de couleurs opposées, ce contraste vous laisse avec le look hollywoodien. Maintenant que vous comprenez les bases du classement des couleurs et certaines de ses utilisations les plus courantes, vous pouvez essayer vous-même en utilisant une variété d'applications faciles à utiliser, telles que l'application iOS VideoGrade. Nous avons décidé de tester ces théories de classement des couleurs avec certaines de nos propres images. Nous avons choisi une photo et lui avons donné différents traitements pour explorer combien nous pouvions changer l'humeur de la scène. Vous êtes le juge. Bien sûr, il n'est pas aussi important de savoir comment manipuler couleur que de savoir comment la couleur peut vous manipuler. 15. Bonus : vecteurscope: Comme leçon de bonus, je voulais passer sur une autre portée qui pourrait vous aider à détecter les valeurs de couleur de votre image de manière plus quantitative au lieu de simplement compter sur votre œil. Nous avons déjà abordé cette portée vectorielle, et maintenant je veux vous montrer quelque chose d'autre qui pourrait être utile appelé le RGB Parade. Comme vous pouvez le voir, vous avez le rouge, le vert et le bleu. Toutes les couleurs numériques sont composées d'un mélange de ces trois couleurs, rouge, vert et bleu. Ce graphique montre la quantité de chaque couleur dans les canaux rouge, vert et bleu, avec zéro représentant le noir pur et 255 représentant le blanc pur. Ceci est particulièrement utile lorsque vous êtes en équilibre des blancs, car si les choses sont correctement équilibrées en blanc, vos canaux rouges, verts et bleus devraient ressembler à peu près les mêmes. Par exemple, si j'ai poussé le bleu dans l'image, vous pouvez voir que le canal bleu est monté. Cela vous donnerait une indication que vous auriez besoin de normaliser l'image en amenant ce canal vers le bas afin qu'ils soient tous similaires. De même, cela peut être incroyablement utile pour vous de détecter les niveaux noirs. Rappelez-vous, vous voulez vraiment vous assurer que vos niveaux noirs correspondent tous dans les coups de feu dans une séquence, et regardez ce qui se passe quand j'écrase les Noirs. Tu as vu ça ? Les canaux touchent alors zéro, ce qui signifie qu'il y a du noir pur dans l'image. Si vous utilisez ce défilé pendant que vous passez d'un coup à l'autre, vous pouvez vérifier si la ligne de fond de ces trois canaux est à peu près dans la même position. D' autre part, 255 représente un blanc pur, donc si je surespose mon image, vous pouvez voir que les canaux rouges, verts et bleus sont coupés à 100, ce qui signifie que votre image a des zones surgonflées où il y a la dernière l'information numérique. Outre l'équilibrage des blancs et les niveaux noirs correspondants, l'utilisation de ce défilé peut également vous aider à voir ce qui se passe dans une image de référence que vous choisissez, regardant sa proportion de rouge, vert et bleu, et en voyant si vous peut répliquer cela dans votre propre image. 16. Conclusion du cours: [ MUSIQUE] Félicitations pour avoir terminé ce cours. J' espère que maintenant vous vous sentez comme vous avez de nouvelles superpuissances de voir, et une feuille de route claire nécessaire pour colorier votre film pour renforcer votre histoire encore plus loin. Cette compétence prendra du temps à se développer. Mais si vous continuez à pratiquer et à suivre cette méthode, vous serez bientôt en mesure de voir les nuances, la couleur et l'exposition et de les contrôler pour élargir votre boîte à outils créative. Veuillez poster une version avant et après d'un photo de votre film sur la page des projets de classe afin que nous puissions voir quel look vous avez créé et être inspiré. Si vous avez des questions restantes, veuillez les poster sur la page de discussion car je suis ici pour vous soutenir et vous inviter à consulter mes autres cours, comme mon cours populaire sur l'art de la révision, qui présente un puissant méthode en six étapes pour corriger les points faibles communs de votre film, renforçant sa clarté, son élan et sa puissance. Merci beaucoup d'avoir pris votre temps avec moi, et le classement des couleurs heureux. [ MUSIQUE] 17. Des mises à jour réjouissantes: Si vous aimez ce cours, je vous invite à vous inscrire à ma newsletter où je partage des mises à jour passionnantes, informations de grande valeur et des inspirations curées. Lien sur la page de mon instructeur de cours.