Les secrets de l'illustration minimaliste : créer des œuvres d'art minimalistes réussies dans Procreate

1. Introduction : Bienvenue dans les secrets de l'illustration minimaliste: illustration minimaliste réussie consiste à réduire votre composition à l'essentiel Ce qui est nécessaire doit disparaître. Mais comment les illustrateurs professionnels peuvent-ils faire en sorte que les œuvres d'art continuent d' intriguer le spectateur s' il y a autant d'espaces blancs Si vous êtes prêt à améliorer votre jeu en tant qu'illustrateur, minimaliste ou non, ce cours est fait pour vous. Bonjour et bienvenue à tous. À ce cours très spécial où j'ai rassemblé tous les petits secrets d'une illustration minimaliste réussie ? Je me suis développé ou découvert au cours de cinq ans d'expérience en tant qu'illustrateur et plus de dix ans d'expérience en tant que graphiste. m'appelle Sandra Stout, et comme je viens de le dire, je suis illustratrice, graphiste, muraliste, mais aussi, ce qui n'est pas si apparenté, une bière similaire J'ai toujours aimé dessiner, et le moment venu, j'ai voulu étudier l' illustration. Mais devinez quoi ? J'ai été rejetée. C'est ainsi que j'ai fini par étudier le graphisme, et je suis tellement contente de l'avoir fait. J'ai appris tellement de principes de design importants qui ont ensuite influencé mon style en tant qu' illustratrice au point où il est devenu très distinct et m'a permis de me démarquer. Maintenant, je navigue facilement entre l' illustration et le graphisme, en profitant de ce que les deux mondes ont de mieux à offrir Je suis heureuse et fière d' avoir pu créer des illustrations pour grandes entreprises telles que Penguin Random House, UBS ou Sika Pour des clients internationaux inspirants tels que Pla case, Rasa, Linearity et PAC help, mais aussi pour les propriétaires de petites entreprises locales ne sont pas aptes à se faire connaître, mais qui sont des humains formidables dotés en mêlant illustration et graphisme que je brille. J'ai donc examiné attentivement mon flux de travail dans le but de vous dévoiler tous les secrets tous les secrets de l'illustration minimaliste. Il s'agit d'un cours très simple, où je vais vous apprendre à faire passer vos compétences en illustration, qu'elles soient minimalistes ou non , au niveau supérieur. J'aborderai plusieurs principes de conception et aborderai la philosophie du design et du minimalisme, le tout dans le but de vous fournir une vaste boîte à outils contenant connaissances essentielles à votre croissance créative Donc, si vous êtes intrigué , passez directement à la leçon suivante, et je vais vous dire exactement comment je compte m'y prendre. On se voit là-bas. 2. Préparer la scène : vue d'ensemble et projet de cours: Bonjour, et bienvenue à une autre leçon de ce cours où je partage avec vous tous mes secrets pour réussir vos illustrations minimalistes. Je suis vraiment heureuse que vous soyez là pour regarder la deuxième leçon. Merci beaucoup pour cela. Certains d'entre vous connaissent peut-être mon premier cours de partage de compétences, intitulé Maîtriser l' illustration minimaliste dans Procreate , découvrez votre voix artistique et votre style caractéristique , dont l' accueil et les commentaires extrêmement positifs m'ont inspiré J'ai été époustouflé par tous vos projets de classe incroyables. Vos œuvres d'art, vos questions et vos commentaires m' ont permis de comprendre quelles autres idées pourraient vous être utiles. J'ai créé ce cours dans le but de vous fournir tout ce dont vous pourriez avoir besoin pour votre croissance créative. La création de ce cours m'a permis d'examiner de plus près mon flux de travail et d'en extraire toutes ces petites habitudes que j'avais cultivées, parfois même sans m'en rendre compte Il est devenu de plus en plus évident que mon travail d'illustratrice est profondément lié à mon parcours de graphiste. Ce que j'ai appris à l'université et au cours de mon expérience professionnelle en tant que graphiste, c'est ce que j'ai automatiquement appliqué à mes illustrations, ce qui m'a finalement permis devenir l'illustratrice que je suis aujourd'hui. Il n'est pas surprenant que je me sois fait connaître pour mon style d' illustration minimaliste, étant donné que je suis à la fois un peu trouble obsessionnel-compulsif et graphiste Si vous êtes vous-même designer, vous savez à quel point nous aimons les espaces blancs, lignes et les formes épurées, ainsi que le mantra omniprésent d'esis More L'illustration minimaliste, comme son nom l'indique déjà, consiste à réduire au minimum les éléments de vos illustrations. Ce qui n'est pas nécessaire doit disparaître. Il s'agit de guider l' œil du spectateur afin de faire passer le message rapidement et sans tracas. Pour ce faire, il est important d'utiliser et de styliser tous les éléments d'une illustration minimaliste avec intention et soin. Chaque élément a un objectif, et chaque couleur est choisie avec intention. Dans ce cours, je vais vous apprendre à utiliser intentionnellement le principe de l'illustration minimaliste afin de transmettre le message de l'illustration manière claire et concise. Vous apprendrez à trouver la beauté et la simplicité et à les utiliser à votre avantage dans votre art. Mais ne t'inquiète pas. Ce cours ne sera pas une leçon théorique ennuyeuse après l'autre. Loin de là. Je me fouille la tête pour trouver un objet intéressant à concevoir, qui vous donnera à la fois l'occasion mettre en pratique les principes enseignés, ainsi que l' opportunité de faire preuve de créativité et de développer quelque chose qui durera Alors, roulez du tambour, s'il vous plaît. Nous allons concevoir une feuille d'autocollants. Chaque design d'autocollant vous donne la possibilité de mettre en un ou plusieurs secrets d' illustration minimalistes pratique un ou plusieurs secrets d' illustration minimalistes. À la fin, vous avez une jolie œuvre d'art que vous pouvez imprimer, vendre ou simplement garder pour vous. La première partie de ce cours se concentrera sur les bases. Vous apprendrez à prêter attention aux petits détails qui font passer votre art à un niveau supérieur, ainsi qu'à configurer votre Canvas pour votre projet de classe. Dans la deuxième partie, nous allons découvrir mes secrets d'illustration qui vous aideront à créer un design clair et élégant Dans la troisième partie, vous apprendrez à le personnaliser et à le faire passer de bases solides à des designs fonctionnels et intrigants Petit avertissement avant de passer aux bonnes choses. Cette classe est conçue pour Procreate. Quelques leçons sont spécifiques à la procréation, mais la plupart du contenu enseigné peut être adapté à l'arme de votre choix N'hésitez pas à rester dans les parages si vous utilisez Fresco, Photoshop, Affinity ou un stylo et du papier. C'est certainement utile si vous avez des compétences de base en illustration. Mais je vais aborder quelques principes de conception et de dessin. Si vous débutez dans le domaine de l'illustration, vous pourriez tout de même essayer ce cours. Cependant, je suis absolument certain que ce cours fournira des informations utiles aux illustrateurs avancés et professionnels Il s'agit d'un cours pratique, et dans chaque leçon, nous créerons une illustration basée sur un secret d' illustration minimaliste. Si vous regardez ce film dans votre lit ou que vous vous détendez sur un canapé, soit vous regardez toutes les leçons pour vous faire une première impression, puis vous les regardez à nouveau pour faire les exercices, vous prenez votre iPad ou votre tablette, un grand verre d'eau, mettez-vous à l'aise et rejoignez-moi dans la leçon suivante Je t'y verrai. Au revoir. 3. Perfectionner les formes : le guide OCD pour dessiner les formes: Pour créer ce cours, j'ai examiné attentivement toutes mes habitudes et mes bizarreries qui me semblent tout à fait normales pendant mon processus d' illustration, mais qui sont probablement le secret d'un art minimaliste réussi Lorsque je commence une nouvelle esquisse, il me faut généralement beaucoup de temps pour obtenir la bonne forme de mes objets. Ce que je veux dire par là, c'est que je passe beaucoup de temps à peaufiner le tracé des lignes, les fins ou les unions de lignes, ainsi que la forme générale des objets de ma composition Je supprime souvent des lignes encore et encore, les redessiner à nouveau jusqu'à ce que je sois satisfait de leur apparence Pendant longtemps, je trouve cette habitude un peu problématique car je passais souvent beaucoup de temps sur des détails apparemment infimes. Je pensais que personne ne s'en apercevrait. Mais au fil du temps, je me suis rendu compte que, comme c'est souvent le cas, cette prétendue bizarrerie était en fait une superpuissance L'illustration minimaliste consiste à tout réduire au minimum, qui signifie également de réduire les objets de composition à l'essentiel, ce qui rend chaque objet beaucoup plus important Par conséquent, étant donné qu'une illustration minimaliste n' est composée que d'une poignée d'objets, il est logique de porter une attention particulière à l'obtention de la forme et de l'équilibre parfaits de chacun d'entre eux. Je vais vous montrer comment procéder. Procreate vous fournit un large éventail d' outils utiles qui simplifient grandement votre flux de travail Un premier exemple est que procreate redresse automatiquement une ligne si vous maintenez le crayon sur votre écran une fois que vous avez fini de le dessiner. Comme vous pouvez le voir ici ou ici. Si vous maintenez simultanément un doigt enfoncé, la ligne droite prend automatiquement deux angles espacés de 15 degrés. J'utilise cette fonctionnalité à la fois pour créer mes formes et pour les lisser Et parfois, je combine plusieurs extraits de ligne , puis je précise où ils se rejoignent mesure du possible, je décompose un objet en ses formes géométriques de base et je le construis à partir de là. Procreate fournit également des fonctionnalités utiles à cet Vous tracez un cercle approximatif dans Procreate et maintenez le crayon enfoncé, Procreate crée automatiquement une Et si vous maintenez également le doigt enfoncé sur votre toile, cela créera un cercle. J'utilise cette fonctionnalité lorsque je dessine des lunes ou les arches qui encadrent certaines de mes compositions, où je combine le cercle avec les lignes droites, ce qui m'aide à En plus de ces fonctionnalités de procréation, j'utilise très souvent l'outil de symétrie pour créer les objets parfaits J'explore davantage cet outil dans la leçon sur la symétrie. Mais en voici un résumé. J'ai dessiné cette arche en commençant par une ligne droite en bas. Pour obtenir cet effet, vous devez utiliser l'assistant de symétrie en appuyant sur l'icône en forme de clé, puis en sélectionnant Canvas Edit, guide de dessin, symétrie, puis Options verticales Comme je l'ai mentionné, je vais expliquer les autres options du guide et comment les utiliser au mieux dans la leçon sur la symétrie. J'ai ensuite dessiné les lignes latérales de l' arc et j'ai placé un demi-cercle sur le dessus. À partir de là, je peux même dessiner d'autres éléments à l'aide de l'assistant de symétrie. Ou je peux mélanger un peu les choses en désactivant l'assistant dans l'onglet des couches et en ajoutant des détails asymétriques comme ces feuilles ou de petits détails comme ces feuilles ou Si vous êtes comme moi et que je suis un peu obsédé par la symétrie, consultez la leçon sur les outils de symétrie. Mais pour l'instant, passons à quelques trucs et astuces supplémentaires pour dessiner les formes parfaites de vos objets de composition Personnellement, je trouve que pour un look épuré et minimal, je veux avoir le plus de contrôle possible sur la texture. Pour moi, cela signifie que je choisis un pinceau qui possède trois caractéristiques principales. Peu ou pas de texture, peu ou pas de transparence et peu ou pas de canal Le canal est ce qui arrive à un pinceau lorsque vous appliquez plus ou moins de pression dessus Mon pinceau préféré est le stylo de studio de l'outil d' encrage par défaut défini dans Pcate Il a un petit canal, comme vous pouvez le voir ici. Mais c'est en fait quelque chose que j'aimerais préserver afin de conserver cette touche humaine dans mon travail. Cependant, le choix de ce pinceau propre me permet de dessiner des objets très propres avec des bordures supercroisées Si je souhaite donner plus de profondeur à un objet, je peux toujours ajouter une couche de texture ultérieurement. Cependant, il existe de nombreux excellents illustrateurs qui adoptent un style minimaliste tout en utilisant des pinceaux plus texturés Par exemple, maman, qui utilise un pinceau légèrement texturé avec un canal bas, probablement un peu similaire au pinceau à encre issu du même ensemble d'encrage par défaut de procreate Un autre exemple est le travail de l'incroyable Manolis. Et si je devais deviner, elle utilise probablement un pinceau similaire au pinceau à encre sèche, qui fait également partie du même jeu de pinceaux Procrate par défaut appelé Inking L'autre caractéristique importante pour un look épuré et minimaliste à laquelle vous devez porter une attention particulière lorsque vous choisissez votre pinceau est la transparence. Ceci est lié aux conduits dans le sens où si vous appliquez moins de pression, le pinceau génère une certaine transparence, n' appliquant ainsi pas la couleur de manière uniforme. Je vais vous montrer ce que je veux dire par un exemple. Si j'applique la couleur avec mon pinceau de studio préféré, elle est appliquée uniformément, quelle que soit la pression que j'utilise. Si j'utilise le pinceau marqueur du même ensemble, pression moindre créera une ligne légèrement transparente, tandis qu'une pression plus forte créera un aspect plus uniforme. Jouez avec les pinceaux, voyez ce que vous préférez et ce qui correspond le mieux à votre ambiance et la personnalité de votre œuvre d'art Ce qui fonctionne pour moi ne doit pas nécessairement fonctionner pour vous. Je vous invite donc à prendre le temps de dessiner certains de vos objets préférés à l'aide de vos objets préférés à l'aide différents pinceaux et à voir ce qui se passe. Enfin, je tiens à souligner l'importance de porter une attention particulière aux terminaisons des lignes et des articulations En d'autres termes, là où les lignes se rejoignent. Ici, vous pouvez voir deux lignes se rencontrer. D'habitude, je zoomais dessus et j'arrondissais légèrement les coins, pour qu'ils soient propres et qu'ils correspondent à l'ambiance générale de mon travail Je procède de la même manière en ce qui concerne les fins de lignes, surtout si elles ont une fonction décorative, comme le manchon ou les coins de la lune J'espère que cette leçon vous a incité à donner un peu plus d'amour aux détails de vos œuvres d'art. Je trouve que cela vaut vraiment la peine de passer un peu plus de temps faire en sorte que vos objets soient aussi parfaits que possible. Accédez à l'une de vos illustrations et jouez un peu avec différents pinceaux. Nous dessinons certains objets à l'aide lignes droites ou de formes géométriques. Nous accordons une attention particulière à l'endroit où les lignes se terminent ou se rejoignent et nous examinons l' impact que cela a sur votre travail Conseil de pro. N'hésitez pas à établir vos propres règles. Je trouve que les formes épurées et nettes conviennent vraiment à mon style, et encore plus à mon trouble obsessionnel-compulsif Mais peut-être que vous aimez un peu plus lignes et les formes bizarres, et c'est exactement ce qui rend votre style unique Alors adoptez vos bizarreries et adaptez-les à votre style. Cela vous permettra de vous démarquer de la foule. J'ai hâte de découvrir d'autres trucs et astuces sur l'illustration minimaliste avec vous dans la prochaine leçon. On se voit là-bas. 4. Mettre en place votre toile : les bases: Bonjour, et bon retour. Passons en revue quelques notions de base sur la configuration de votre Canvas. La configuration du canevas soulève souvent de nombreuses questions, RGB ou CMYK, portrait ou paysage, pixels ou millimètres. Il existe probablement 1 000 façons de configurer votre toile, et cela dépend honnêtement de vos intentions avec votre œuvre d'art. Cela pourrait créer un cours entier sur ce sujet. Dans cette leçon, cependant, je vais vous montrer comment configurer votre Canvas pour votre projet de classe et expliquer pourquoi j'ai choisi ces paramètres. Commençons tout de suite. Créez une toile de 297 millimètres sur 420 millimètres sur l' écran RGB P trois de votre iPad, soit les mesures d'un DIN A Si vous n'utilisez pas d'iPad ou si ce profil n'est pas disponible, choisissez un autre profil RGB. Ne soyez pas trop pointilleux C'est mieux que parfait. Pour le DPI, nous utiliserons 300, puis appuyez sur Créer. Si vous vous demandez pourquoi je choisis les mesures et le profil de couleur, voici pourquoi je les préfère. Notre projet de classe est une feuille d'autocollants, ce qui signifie que nous finirons par imprimer ce que nous avons créé dans ce cours. Chaque fois que je dessine quelque chose pour l'impression, je configure ma toile en utilisant les formats din, qui sont les formats d'impression standard en Europe, où je vis. Si vous vivez aux États-Unis ou en Amérique latine, la norme est la lettre américaine. Dans ce cas, il sera judicieux ajuster la taille de votre toile à ces formats , à savoir tableid ou 11 « par 17 Bien que je veuille imprimer ma feuille d'autocollants au format A 5, j'ai intentionnellement agrandi la toile beaucoup plus grande. La raison en est que je configure toujours mes toiles dans des tailles plus grandes que celles de sortie, car cela me permet d'utiliser ultérieurement les dessins à d'autres fins sans risquer de les pixeliser Quant au RGB, je le préfère car il couvre une large gamme de teintes par rapport au CMYK. Cela signifie que vous pouvez créer une œuvre d'art avec des couleurs plus vives pour votre écran, et si vous le faites correctement, ces couleurs éclatantes peuvent également être reproduites sur papier. Mais si vous travaillez dès le départ en CMY K, qui est le profil de couleur pour l'impression standard, vous vous limitez immédiatement à des teintes plus ternes, à la fois pour l'écran et pour l'impression Encore une fois, je pourrais approfondir ce sujet. Mais pour l'instant, croyez-moi sur parole et trouvez un profil de couleur qui vous convient au fil du temps. Il n'y a ni bien ni mal. Tout dépend de tes intentions. Conseil de pro. Si mon design est destiné à un usage numérique, mon format Go Two est de 440 millimètres sur 550 millimètres. Je trouve que le canevas à quatre proportions sur cinq est très utile pour presque tous les médias sociaux et les utilisations numériques. Comme nous consommons la plupart de nos contenus sur les téléphones, le format portrait l' emporte souvent sur le format paysage Ainsi, sans avoir à modifier trop mes œuvres d'art, je peux les utiliser sur une myriade de plateformes virtuelles différentes Si je souhaite créer des impressions de mes œuvres d'art, le Canvas à quatre proportions sur cinq s'adapte facilement aux formats d'impression standardisés les plus courants que je connais. Mais simplifions-nous les choses et configurons simplement votre Canvas pour 297 millimètres sur 420 millimètres écran RGB P trois, et c'est parti. Je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Utiliser l'outil de symétrie: Je suis un grand fan de la symétrie. Lorsque j'ai commencé à travailler avec Procreate, c'est l'un des outils qui m'a complètement époustouflé Je me rappelle avoir eu tant de mal par le passé à faire en sorte que les visages de mes dessins paraissent symétriques, en particulier lorsque je dessinais l'œil gauche. Ça avait toujours l'air d'une seule clé. Si vous pouvez comprendre, l'outil de symétrie est ce que vous attendiez. Dans ce cours, je vais vous montrer comment utiliser un outil de symétrie trois manières différentes pour créer de superbes designs minimalistes. Dans l'illustration minimaliste, formes géométriques ou symétriques sont vos amies Vous ne voulez pas de bizarrerie dans votre œuvre d'art. Bien que charmants, ils ne dégagent pas tout à fait l' ambiance que nous recherchons N'oubliez pas que moins c'est plus et que les formes précises sont essentielles. Prenons quelques exemples. Si je dessine un portrait, je peux utiliser un outil de symétrie pour créer une composition équilibrée. Une fois que j'ai créé mon canevas, j'utilise cette clé, je suppose que c'est censé être le réglage, je tape sur Canvas, puis je modifie le guide de dessin, où je choisis la symétrie à l' extrême droite, et pour commencer dans les options en bas, je choisis la verticale Le programme placera automatiquement l'axe de votre symétrie au centre de votre toile. Vous pouvez le déplacer si vous le souhaitez en appuyant et en faisant glisser le point bleu ou en le faisant pivoter en appuyant et en faisant glisser le point vert Mais pour l'instant, laissons les choses telles quelles. Supposons que je dessine un visage avec l' outil de symétrie activé. Tout ce que j'ai à faire est de dessiner la moitié du visage et l'application le reflète automatiquement de l'autre côté. Non seulement je gagne beaucoup de temps avec cet outil, car je ne crée littéralement que la moitié des œuvres d'art. Je crée également des proportions équilibrées, et donc une composition équilibrée dès le départ. Allons encore plus loin et vous présenter la symétrie de rotation. Si vous connaissez mon travail, vous savez peut-être que je suis obsédée par le dessin des mains. Tout a commencé parce que je n'arrivais pas à dessiner les mains. Certains d'entre vous s'y reconnaîtront peut-être. Les mains sont l'une des choses les plus difficiles à dessiner, et je n'étais vraiment pas douée pour ça. J'ai donc commencé à dessiner des mains comme un maniaque afin de comprendre leur fonctionnement Si vous me voyiez dessiner une main aujourd'hui , j'ai toujours du mal Je ne le partage tout simplement pas publiquement, alors vous pensez tous que je suis vraiment doué dans ce que je fais. Alors, s'il vous plaît, ne vous sentez pas mal de vous salir les mains. Ils sont vraiment difficiles à dessiner. Quoi qu'il en soit, les mains sont un excellent motif pour vous initier à la symétrie de rotation. Revenons donc aux paramètres, au canevas et au guide de dessin d'édition. Maintenant, vous parlez de la symétrie rotationnelle, qui permettra à l'application de reproduire votre dessin de manière symétrique, Permettez-moi de vous montrer ce que je veux dire et pourquoi c'est particulièrement utile pour dessiner les mains. Pour ce croquis, je n'ai dessiné qu'une seule main, et l'application en a créé une version pivotée et reflétée, créant ainsi une Bien sûr, il y a encore deux mains droites et non une main gauche et une main droite, mais la technologie n'est pas encore très avancée, du moins pas sans l'IA. C'est tout de même un excellent outil pour créer des compositions plus complexes et moins statiques. Essayez-le et voyez ce que vous pouvez trouver. J'aime aussi beaucoup dessiner des natures mortes. Si vous êtes comme moi, l'outil de symétrie est d'une grande aide pour créer vos formes et vos objets. J'aime bien encadrer ma composition avec une arche, mais ce n'est qu'un exemple personnel J'utilise déjà un outil de symétrie pour cela. Je trace un cercle n'importe où sur ma toile et je le déplace vers le centre. Ensuite, je parle peu de symétrie et je dessine les deux côtés de l'arche, ainsi que le bas. Enfin, j' efface la moitié inférieure du cercle et j'ai une magnifique forme d'arche. Puis je dessine et place les éléments de ma nature morte dans la toile. En fonction du thème, je choisis une poignée d' objets qui conviendront. La nature morte, par exemple, a été inspirée par le plaisir du café, et j'ai dessiné un tas d'objets liés au café et je les ai placés dans ma composition. Je dessine de nombreux objets de ma composition à l'aide de l'outil de symétrie, comme pour cet emic, le vase ou le mug. J'ai un peu de trouble obsessionnel-compulsif, donc je préfère ne pas toucher aux préréglages de procréation de l'outil de symétrie, c'est-à-dire que je dessine mes éléments au centre, puis que je les déplace à l'endroit où ils sont le plus beaux dans le canevas Mais s'il te plaît, n'hésite pas à trouver ta voie. J'espère que ce cours vous incitera à toujours adapter les choses que je partage à la façon dont elles vous conviennent le mieux. Pty. La symétrie est une bonne chose, mais vous pouvez vraiment montrer vos talents de compositionnel en mélangeant notre symétrie à quelques éléments asymétriques Comme pour tout dans la vie, c'est la bonne quantité qui fait toute la différence. Je mélange toujours mes illustrations symétriques avec une poignée d'éléments asymétriques Cela ajoute de la complexité à la composition, ce qui rend l' œuvre intéressante, mais ne perturbe pas l'équilibre apaisant créé par la symétrie. De plus, vous avez déjà trois superbes designs minimalistes pour votre feuille d'autocollants, et vous avez découvert différentes manières d' utiliser la symétrie et de procréer Depuis votre pronom de symétrie, personnalisez votre projet de classe en dessinant d'autres objets plus d'autres objets plus conformes à votre œuvre, essayez-le et je vous verrai au prochain cours pour en savoir plus 6. Simplifier les objets: Bonjour, et bienvenue à une autre leçon de ce cours pleine de trucs et astuces sur l' illustration minimaliste. Je suis contente que tu sois là. J'espère que tu es prête à te mettre au travail. Sinon, prenez votre iPad et votre Apple Pencil. Respire profondément parce que je t'ai compris. Je l'ai déjà mentionné , et je vais probablement le répéter au cours de ce cours. L'illustration minimaliste consiste, comme son nom l'indique déjà, réduire les éléments au minimum. Ce qui n'est pas nécessaire doit disparaître. Alors, comment appliquer ce concept aux objets complexes de votre composition ? C'est exactement ce que je vais vous montrer dans cette leçon. Commençons par un classique, une belle plante Monstera Jetons un coup d'œil à cette photo nous utiliserons comme référence. Comme vous pouvez le voir, il y a un bouquet de feuilles sur cette photo. Nous pourrions nous y prendre en les dessinant tous, mais nous voulons réduire les éléments au strict minimum sans pour autant sacrifier l'esthétique ou l'équilibre de la composition Alors, combien de feuilles dois-je dessiner pour le spectateur comprenne ce qu' est l'objet tout en créant une belle œuvre d'art. Dans ce cas, il est assez facile de répondre à la première question . Le monstera est facilement reconnaissable grâce aux formes caractéristiques des feuilles dessiner une suffirait déjà, ce qui signifie que le nombre de feuilles que nous allons dessiner sera principalement défini par l'esthétique et la composition dans ce cas Personnellement, j'aime utiliser des nombres impairs parce qu'ils intriguent davantage le spectateur Allons-y donc avec trois ou cinq selon ce qui vous semble le mieux. Choisissez simplement l'une des feuilles de votre photo de référence, redessinez-la de manière à ce qu'elle corresponde à votre composition Ajustez peut-être la position et c'est fait. Personnellement, je préfère placer chaque feuille sur une couche séparée, afin de pouvoir facilement les déplacer plus tard. Mais c'est à vous de décider. Si vous souhaitez faire de même, créez une nouvelle couche, donnez-lui un nom logique et dessinez votre deuxième feuille. Répétez cette opération jusqu'à ce que vous soyez satisfait de la quantité de feuilles. Notez que j'évite de juxtaposer les feuilles. La raison en est que cela me permet de dessiner la feuille entière et rendre ainsi plus reconnaissable. Si je compare mon travail à celui d'autres artistes, s'agit clairement d'une préférence personnelle et non d'une obligation, mais cela aide vraiment lorsque vous débutez en tant qu'illustrateur minimaliste. Un autre avantage est que je peux éviter d'ajouter des ombres à ma composition. J'aborderai ce sujet plus en profondeur dans la leçon sur les ombres. Alors ne le manquez pas. Maintenant, augmentons un peu plus la complexité et passons aux fleurs. Ce sont des motifs populaires , c'est pourquoi j'ai décidé de les inclure pour vous dans ce cours. Je m'y prends généralement de deux manières. Je les dessine à main levée ou je les base sur une forme géométrique pour les rendre encore plus minimalistes, ce que je vous montrerai un peu plus loin dans cette leçon. Mais revenons maintenant à votre fleur asymétrique. Si je dessine des fleurs à main levée, je commence par choisir une photo de référence, puis je réduis au minimum les éléments de la fleur. Un exemple est cette illustration que j'ai créée il y a longtemps d'une fleur représentant un paradis pour les oiseaux. Comme vous pouvez le constater, je stylise un peu les pétales afin de les rendre plus minimalistes tout en préservant , comme toujours, leur préservant , comme toujours, Donc, si vous dessinez un objet à main levée , demandez-vous si vous pouvez styliser les pétales, les feuilles et les autres parties, et quelles parties vous pouvez laisser de côté tout en préservant la reconnaissabilité de la Ce flux de travail, je l'applique principalement lorsque je dessine des fleurs asymétriques, comme l'oiseau de paradis Pour les fleurs à structure plus symétrique, comme les chiots, les roses, les tulipes ou les pivoines, je décompose la fleur en formes géométriques et formes géométriques Je vais utiliser un exemple pour vous montrer ce que je veux dire. Pour cet exercice, j'ai choisi une tulipe car c'est une fleur assez simple à décomposer en formes géométriques simples Une fois que vous êtes capable d'abstraire des formes, vous pouvez passer à des fleurs plus complexes ou à d'autres objets d'ailleurs Il s'agit simplement d'un exemple pour vous montrer comment modifier un objet pour un style d'illustration minimaliste. Je commence par la base de la tulipe en dessinant un cercle. Je place le cercle au centre de ma toile et j' active la symétrie À partir de là, je continue avec les lignes latérales des pétales et je les fais descendre jusqu'à la base ou à l'extrémité de la tige. Pour le pétale du milieu, je trace simplement une ligne courbe entre les pétales latéraux et le centre. Et c'est tout. Vous pouvez également expérimenter un peu pour trouver votre style, jouer avec la juxtaposition des pétales ou ajouter des feuilles à la tige, soit en utilisant l'outil de symétrie, soit en le désactivant intentionnellement pour Protip. Vous pouvez appliquer ce guide sur la façon de dessiner des objets complexes de manière minimaliste à une myriade d'autres objets Quelques exemples sont les têtes, les visages, papillons de nuit, ces oiseaux ici, ou ce moka et La règle que vous pouvez suivre est de toujours essayer de décomposer un objet en fonction de ses éléments les plus caractéristiques, afin de vous décomposer un objet ses éléments les plus caractéristiques, concentrer sur la représentation ces éléments le plus précisément possible. Et il n' est pas essentiel de laisser de côté tout ce qui est nécessaire. Exploitez cette approche en reprenant certaines de vos anciennes esquisses et essayant de redessiner un ou plusieurs objets en réduisant les éléments et, si possible, les construisant à partir de formes géométriques J'espère que tu t'amuseras autant que moi. Une fois que vous serez prêt, retrouvez-moi lors du prochain cours pour d'autres conseils géniaux sur une illustration minimaliste réussie. 7. Explorer la perspective et la profondeur: Bonjour, et bon retour à tous. Je suis heureuse de voir que vous voulez continuer à vous renseigner sur l' illustration minimaliste et continuer à apparaître. Cette leçon est l'une des leçons qui m' enthousiasment le plus car le petit truc que nous découvrons aujourd'hui a changé la donne pour moi. Si vous avez une formation universitaire en design, illustration ou dans un domaine similaire, vous connaissez probablement le concept de point de fuite dans vos cours de dessin Je me rappelle comment je me suis assise dehors avec ma planche à dessin, à dessiner l'immense bibliothèque de béton de ce qui est aujourd'hui mon alma mater, en utilisant différents points de fuite afin d'obtenir les proportions et la perspective exactes. C'était amusant, mais je me suis rendu compte à ce moment-là que je n'étais pas le genre d' illustrateur qui aime créer scénarios intrinsèques avec beaucoup de profondeur et de détails. Et à l'époque, je pensais que je devais aimer ça pour devenir une illustratrice à succès. Il s'avère que je me suis trompé. Dix ans plus tard, j'avais créé un portfolio qui se concentrait principalement sur les formes des objets, la plupart du temps en omettant complètement la perspective. La plupart de mes illustrations de l' époque étaient basées sur un objet central avec quelques éléments supplémentaires. Tout a changé lorsque j'ai reçu une grosse commission d'UBS, la plus grande banque de Suisse M'a chargé de créer une série d' illustrations minimalistes correspondant à leur identité d'entreprise, conçues pour expliquer leurs produits financiers par le biais de récits Tout un défi. Vous pouvez imaginer que ces illustrations devaient contenir plus qu' un seul objet central. Et parfois, il s'agissait même scènes entières se déroulant dans un bureau ou un immeuble. Avec cette commande, je me sentais un peu en dehors de ma zone de confort, mais c'est là que la croissance se produit. J'ai donc commencé par chercher comment d'autres illustrateurs résolvent le problème de perspective, et après quelques recherches, j'ai élaboré deux règles simples Un ? L'illustration minimale se caractérise très souvent par l' absence de perspective. Cela signifie que tous les objets d'une scène sont placés sur une ligne horizontale. Deuxièmement, les objets de composition une illustration minimale sont dessinés en vue frontale, latérale ou vue aux trois quarts Tout cela semble un peu abstrait, mais je vais vous montrer ce que je veux dire dans cette leçon où nous allons dessiner plusieurs objets sans perspective. Maintenant que vous connaissez un peu mieux la théorie de la perspective in minimis, je vais vous montrer comment vous pouvez l'appliquer à des objets tridimensionnels Commençons simplement avec un vase. Comme je l'ai mentionné précédemment dans cette leçon, les objets illustrés de manière minimaliste sont généralement représentés en vue frontale, latérale ou vue des trois quarts. Comme un vase a généralement une base ronde, toutes les vues sont identiques, ce qui en fait un premier exemple parfait. Alors allez-y et choisissez un vase que vous aimez. J'ai l'habitude de parcourir les céramiques et Pinterest pour trouver de l' inspiration. Une fois que vous avez trouvé un vase qui vous plaît, il vous suffit de redessiner la forme et c'est fait Astuce, vous pouvez utiliser un outil de symétrie que nous avons découvert dans une leçon précédente afin de créer une forme plus harmonieuse ou de la rendre un peu plus bancale et faite à la main en évitant l'outil de symétrie Passons maintenant à un objet plus complexe. Une chaise. Pour ma commission pour la Banque suisse, l'une des choses que j'aime le plus dessiner, ce sont les chaises. En général, je commençais aussi par parcourir les chaises sur Pinterest jusqu'à ce que j' trouve une qui me donne de l'inspiration. Choisissons celui-ci. Nous allons maintenant dessiner cette chaise dans trois vues différentes. Frontal, latéral et trois quarts. Cette chaise ressemblerait donc à ceci vue de face sans perspective. L'accoudoir et les jambes seront alignés, ainsi que le siège et le dossier. Si vous regardez ça, il est difficile de voir une chaise, ce qui complique l' illustration des minimums Essayons donc la vue latérale. Elle est instantanément plus reconnaissable en tant que chaise, car vous voyez le siège et le dossier dans un angle qui suggère un siège au lieu de voir deux rectangles empilés l'un sur L'accoudoir et les jambes font le reste pour communiquer avec l'observateur. C'est une chaise. C'est pourquoi j'utilise souvent ce point de vue dans mes illustrations commandées par UBS. Maintenant, le point de vue des trois quarts est un peu plus complexe car nous donnons ici l'illusion d'une perspective, mais nous ignorons les règles du point de fuite Permettez-moi de vous montrer comment dessiner un objet en trois quarts en utilisant le même exemple de chaise. Je commence par imaginer mon objet placé sur une ligne horizontale Cela affecte principalement les jambes. dessinerais cette chaise en utilisant la perspective du point de fuite, je décalerais légèrement les pieds pour suggérer une perspective Mais dans l'illustration minimaliste, je simplifie toujours au maximum mes compositions. Dans ce cas, je le fais en omettant la perspective. Une vue aux trois quarts est essentiellement un mélange de la vue frontale et de la vue latérale. Je dessine à nouveau le fauteuil dans une vue latérale , puis j'ajoute une version compressée de la vue frontale sur le côté. Le résultat est un objet légèrement plus complexe, mais aussi plus lisible. Ensuite, vous dessinez simplement un personnage assis sur une chaise ou ajoutez d'autres éléments tels qu'une fenêtre, plantes ou des lampes à votre composition, etc. Vous avez découvert les secrets de la perspective et des illustrations minimalistes Prote Utilisez la vue des trois quarts dans les illustrations de quelques éléments seulement, faisant de l'objet, dans ce cas, la chaise, le protagoniste de votre composition N'oubliez pas que plus votre œuvre comporte de lignes et de formes, plus il sera difficile de les lire. Réduisez les scènes complexes en dessinant vos objets dans une vue latérale ou frontale. Et faites de vos objets situés trois quarts de vous le centre de l'attention en ajoutant uniquement éléments décoratifs ou de fond. J'espère vraiment que cette leçon vous plaira et qu'elle vous a aidée à penser différemment à la perspective. Si vous souhaitez apprendre encore plus de trucs et astuces utiles en matière d'illustration minimaliste , passez à la leçon suivante, et je vous y verrai. 8. Les vibrations apaisantes : la puissance des formes géométriques et de l'alignement central: Bonjour, bonjour, et bienvenue à une autre leçon pratique sur l'illustration minimaliste. Au cours des deux dernières leçons, vous avez appris à perfectionner des formes, à utiliser des outils de procréation pour obtenir objets plus rapides et plus précis à savoir comment et quand ignorer la perspective Dans cette leçon, je vais vous montrer comment équilibrer vos magnifiques designs des cours précédents en utilisant des éléments géométriques pour la composition Voilà, je le dis. À des fins décoratives. Oui, les éléments décoratifs sont parfaitement autorisés dans une illustration minimaliste s'ils ont une utilité. Dans mes illustrations, elles ont très souvent pour but d' équilibrer la composition et de guider le regard du spectateur. Alors laissez-moi vous montrer comment procéder. Lorsque j'ai créé cette œuvre d'art, j'ai eu l'impression qu'il manquait quelque chose qui réunirait tous les éléments de ma composition. J'ai eu l'impression qu'il n'y avait pas de meilleur mot pour désigner ces objets. flottais partout et je ne pouvais m'empêcher de que la composition avait besoin de quelque chose de plus. C'est un processus un peu intuitif, et je vous garantis que plus vous vous entraînez, mieux vous vous améliorerez. Chaque fois que j'ai l'impression qu'il manque quelque chose, il faut généralement placer une forme géométrique en arrière-plan. Les formes géométriques sont très subtiles et harmonieuses et sont donc idéales comme éléments de fond. Ils réunissent les éléments d'une composition sans pour autant détourner l' attention des principaux objets. Et c'est le but de guider l'œil de l' observateur. Appliquez-le sur les motifs de notre feuille d'autocollants. Découvrez ce qui se passe lorsque vous placez des formes géométriques simples, comme un cercle, à l'arrière-plan de vos objets. Il peut également s'agir d' une arche, d'un carré ou même d'une lune, condition qu'ils remplissent le but de compléter la composition sans détourner l'attention du protagoniste. Protip Je trouve l'inspiration dans les formes à utiliser dans le symbolisme. L'un de mes favoris sont les symboles d' alchimie en raison de leur simplicité Une autre façon de compléter une composition consiste à utiliser des formes plus petites comme éléments décoratifs. Ces éléments ne doivent pas nécessairement être géométriques, comme vous pouvez le voir ici et ici. Mais je m'assure toujours que les éléments ajoutent à la narration ou à l' ambiance de mes œuvres d' Par exemple, dans cette illustration. Nous, les humains, sommes des êtres curieux. Si nous ajoutons quelques objets décoratifs intentionnels et bien conçus, nous proposons quelque chose que l'œil du spectateur peut explorer et rendre intrigante une illustration apparemment simple et minimaliste une fois, ce processus qui consiste à ajouter ou à ne pas Encore une fois, ce processus qui consiste à ajouter ou à ne pas ajouter est un processus plutôt intuitif. Pratiquons donc un peu cela en revenant à la conception de vos autocollants. Examinez chaque dessin individuellement et déterminez quels éléments pourraient améliorer la composition. Protip, étudiez comment d'autres artistes minimisés utilisent des objets apparemment décoratifs dans leur art et Jouez avec différents objets, formes, tailles, etc., et trouvez ce qui convient à votre style C'est la pratique qui rend parfait. Waouh. Félicitations à vous tous. Ce cours était certainement l'un des plus abstraits, et je suis ravie que vous soyez arrivé jusqu'ici. Vous savez maintenant comment utiliser les éléments de votre illustration avec intention afin de guider l'œil du spectateur. Si vous souhaitez en savoir plus sur les secrets d'une illustration minimaliste réussie, j'en ai d'autres pour vous dans la prochaine leçon. 9. Limiter votre palette de couleurs: Bonjour à tous. Je suis heureuse de vous revoir pour une autre leçon de ce cours, où nous aborderons le sujet tant attendu des couleurs Y. Jusqu'à présent, dans ce cours, nous n'avons utilisé qu'une seule couleur parce que je voulais que vous vous concentriez sur le principe du design minimaliste plutôt que de vous laisser emporter par choix de design qui n'étaient tout simplement pas si importants pendant ces leçons Je suis la reine de l'excès de réflexion, donc je vois de quoi je parle Mais maintenant, nous allons enfin découvrir le secret d'une palette de couleurs minimaliste. Es-tu prêt ? Allons-y. À l'heure actuelle, tous vos designs sont en noir et blanc, et il y a une raison à cela. Je dis toujours que si un design ne fonctionne pas en noir et blanc, couleur ne le fera pas fonctionner non plus. En d'autres termes, un design réussi est toujours beau uniquement en noir et blanc. Nos designs ayant déjà passé ce test avec succès, ils sont prêts à être améliorés avec de la couleur. La plupart de mes illustrations utilisent une couleur principale, une ou deux couleurs neutres et une ou deux couleurs d'accent. Pour ce qui est de la couleur, j'applique à nouveau le principe du moins c'est plus, et je n'ajoute des teintes ou des nuances à ma palette que lorsque cela est absolument nécessaire J'aime me lancer des défis en réduisant intentionnellement ma palette de couleurs au strict minimum. Appliquons cela à notre projet de classe. La première étape sera de choisir le fond ou la couleur principale. Je vais choisir ce rose poudré, mais n'hésitez pas à choisir la couleur que vous aimez ou qui est inspirée du sujet de vos créations Par exemple, un vert clair qui correspond au thème botanique de toutes les feuilles et fleurs que nous avons dessinées dans la leçon sur la simplification des objets deuxième temps, nous choisirons la couleur des lignes, qui devrait être une couleur plus neutre qui crée un joli contraste avec la couleur de fond. J'adore ce bleu indigo foncé pour trois raisons. Il se marie à merveille avec le rose poudré, crée beaucoup de contraste et est suffisamment neutre pour ne pas trop attirer l'attention, même lorsqu'il est utilisé dans de grandes zones de ma composition Si vous choisissez le vert clair pour votre arrière-plan, vert foncé serait la couleur idéale pour vos lignes. Ce sont deux manières dont j' aborde habituellement le choix de ma couleur neutre. La première consiste à créer une teinte à partir d'une couleur principale. Si vous n'êtes pas familier avec ce terme dans la théorie des couleurs, une nuance se produit lorsque du noir est ajouté à une couleur. Je crée des nuances de mes couleurs en abaissant le curseur de luminosité dans le ruban de couleurs ici en valeur Cela signifie que si ma couleur principale est ce rose clair, j'ajuste simplement la luminosité de la couleur jusqu'à ce qu'elle devienne rose foncé. Une autre approche consiste à choisir la couleur complémentaire à votre couleur principale, qui, en théorie des couleurs, est la couleur opposée à la roue chromatique selon Johannes Iin, puis à ajuster le curseur de luminosité jusqu'à ce qu'il devienne une belle couleur foncée. Mais ne t'inquiète pas. Vous n'avez pas besoin d'être un expert en théorie des couleurs. P create again vous fournit un outil utile qui vous aide à trouver la couleur complémentaire pour votre couleur principale. Appuyez sur l'outil de couleur. Assurez-vous que votre couleur principale est sélectionnée. Appuyez ensuite sur Harmony et ici, juste en dessous des couleurs, appuyez et choisissez gratuitement. Appuyez ensuite sur la couleur ici sur le disque, puis sur valeur. Maintenant, dans cet onglet, vous pouvez régler la luminosité de la couleur neutre sélectionnée. Je teste toujours mes couleurs dans mes illustrations pour m' assurer qu'elles fonctionnent. Si nécessaire, je fais des ajustements. Par exemple, la couleur complémentaire de ce rose poudré ne fonctionne pas tout à fait C'est un peu trop terne, j'ajoute un peu plus de saturation dans l'onglet des valeurs et je modifie légèrement la teinte. Un autre exemple est ce bleu, qui ne fonctionne pas très bien non plus car il est trop vif et fait trop concurrence à un fond rose poussiéreux Mais si cela le rend un peu plus sombre et plus neutre, cela fonctionne très bien. Si la couleur complémentaire est trop terne, vous pouvez également essayer dans l'onglet Harmony une teinte de l'une des couleurs triadiques au lieu des couleurs complémentaires Pour la troisième étape, nous choisirons une couleur d'accent. C'est peut-être la couleur la plus amusante car j'aime que ce soit une couleur vibrante qui donne un peu de vie à ma composition, comme ce corail électrique. Je choisis ma couleur d'accent en ajustant le curseur de saturation dans l'onglet des valeurs de ma couleur d'arrière-plan ou de ma couleur neutre, qui, dans ce cas, donnerait ce corail électrique éclatant ou ce bleu électrique Je ne suis pas encore entièrement satisfait de la couleur, je peux également ajuster un peu la teinte. Je pourrais également utiliser l'outil complémentaire ou triadique en procréant à nouveau et en ajustant la luminosité, la saturation et la teinte selon mes besoins L'important est de toujours veiller à ce que les couleurs s'harmonisent et de faire des ajustements si nécessaire Maintenant, testez votre Piette colorée en l'appliquant à vos designs Utilisez la couleur neutre pour vos objets principaux et les couleurs d'accent quatre, comme son nom l'indique, vos accents et éléments décoratifs. Ma règle de base est d' utiliser la couleur neutre pour les gros objets et les couleurs accentuées pour les petits objets. Pip. Si vous pensez avoir besoin d'une quatrième ou d'une cinquième couleur dans votre composition, créez des nuances ou des teintes à partir de vos couleurs existantes en y ajoutant du noir ou du blanc. Vous pouvez le faire facilement et procréer en jouant avec le briquet de luminosité dans l'onglet des valeurs Maintenant que vous êtes un expert dans la création de palettes de couleurs minimalistes, nous verrons comment nous pouvons créer de grands effets avec une palette limitée dans la leçon suivante. On se voit là-bas. 10. Utiliser les ombres avec intention: Si. Bonjour, et bienvenue à une autre leçon sur la façon de créer un art minimaliste réussi. Dans cette leçon, nous aborderons le sujet des ombres ou de l'absence de. Tout comme c'est le cas pour la perspective et la profondeur, ce principe classique du dessin que certains d'entre vous ont peut-être appris à l'école est une autre technique de dessin. Nous avons tendance à ignorer presque entièrement les illustrations minimalistes. Ce n'est évidemment pas obligatoire, mais comme je l'ai mentionné plusieurs reprises tout au long de ce cours, je me demande toujours cette œuvre d'art peut s'en passer. Il en va de même pour les ombres. Dans cette leçon, je vais vous apprendre à utiliser les ombres de manière ciblée dans vos illustrations minimalistes Je vais vous montrer trois manières d' utiliser les ombres et une illustration minimale. Une préférence pour les effets dramatiques, comme le fait l'artiste à l'origine de Leesvillef, pour suggérer une certaine heure de la journée et une certaine Deux, pour ajouter de la profondeur à des objets par ailleurs plats, comme je l'ai fait dans cette illustration avec les feuilles, ou trois pour les ignorer complètement, ce que je fais souvent dans mon travail. Commençons par aborder quelques principes de dessin. Il existe deux types d' ombres dans la théorie de l'art : les ombres centrales et les ombres tombantes. Le premier type est celui des ombres que l'on trouve sur un objet lui-même. Comme vous pouvez le voir dans cet exemple de Malika Favre. Et l'autre type est l'ombre créée par l'objet lui-même, généralement sur le sol. Dans cette œuvre, les artistes utilisent les ombres tombantes pour raconter des histoires en les transformant en gratte-ciel Dans cette leçon, nous appliquerons une ombre ou les deux aux motifs de votre feuille d'autocollants. Le but de cet exercice est de vous permettre de déterminer vos préférences personnelles de comprendre comment utiliser ou non les ombres intentionnellement, privilégiant le caractère minimaliste de votre œuvre d' art. Commençons donc. En général, les ombres centrales d'un objet sont une teinte plus foncée d'une couleur ou ce que nous avons appris à appeler teinte. Commençons donc par cela. Je crée une nouvelle couche. Appelons cela une ombre, et sur une partie de mon objet, je dessinerai une forme plus petite que je pourrai remplir avec la couleur de la teinte. J'aime configurer ce calque d'ombre comme masque de découpage, afin qu'il soit lié à la forme de l'objet sur le calque ci-dessous. Cela est particulièrement utile lorsque j'ajoute des ombres à l'aide d'un pinceau à texture, ce que je vous montrerai plus loin dans cette leçon. L'ombre portée, nous utiliserons également une nuance de l'une de nos couleurs dans notre illustration. Mais ici, je vais utiliser la couleur de l'élément, l'ombre située au-dessus comme référence. Comme dans cette pièce, je vais utiliser une nuance de la couleur de l'océan, donc essentiellement la couleur de mon arrière-plan, pour créer une ombre des montagnes. Malgré ce que j'ai appris en cours d'art, je n'applique pas d'ombres à tous les éléments de mes illustrations. J'utilise délibérément les ombres pour mettre en valeur le caractère principal d'un objet ou pour donner plus de complexité à la composition Cependant, n'oubliez jamais que illustration minimaliste repose sur le principe du moins c'est plus. N'ajoutez donc pas à la fois des ombres centrales et des ombres tombantes à tous vos objets, sinon votre illustration sera encombrée Pt. Si vous souhaitez non seulement ajouter des ombres, mais également de la texture, explorez différents pinceaux qui ajoutent de la texture au lieu d'utiliser à nouveau le même pinceau pour votre contour. Personnellement, mon préféré est le gros pinceau du set de peinture en aérosol de Procreate Mais n'hésitez pas à expérimenter et découvrir ce qui convient le mieux à votre style. Maintenant, vous êtes un pro lorsqu'il s'agit d' utiliser des ombres dans des illustrations minimalistes. J'espère que vous apprécierez cette leçon où vous avez appris à améliorer vos designs en utilisant intentionnellement ou non des ombres et en ajoutant de la profondeur et de la texture à vos objets. Nous sommes presque arrivés à la fin de ce cours, mais il y a un dernier secret que je voudrais partager avec vous . À la prochaine leçon. 11. Plan et remplissages : mettre en évidence les éléments essentiels: Bonjour encore une fois. Je suis heureuse de vous retrouver pour la dernière leçon pratique de ce cours, où je vais partager avec vous mon dernier secret pour une illustration minimaliste réussie, le pouvoir d'équilibrer une composition en laissant certains objets uniquement sous forme de contour plutôt qu'en utilisant un fil de couleur unie. Dans les cours précédents, j'ai beaucoup parlé de la manière de guider le regard du spectateur, car c'est un élément essentiel de l'illustration minimaliste. L'illustration de la brume est généralement assez simple, faisant passer le message rapidement avec peu ou pas de tracas. Par conséquent, de nombreuses illustrations minimalistes ne montrent que très peu d'objets. Mais attention. C'est un art de créer des illustrations réussies qui retiennent l'attention du spectateur, mais qui n'utilisent qu'un nombre réduit d'éléments. Mon dernier secret que je souhaite partager avec vous est ce que j'appelle le pouvoir du plan par rapport au remplissage. Mes compositions restent souvent intrigantes en mélangeant des objets que je dessine avec un fond de couleur unie et des objets que je dessine uniquement dans Les objets semblent plus lourds et attirent davantage le regard. L'objectif est de les utiliser de manière consciente. Il est logique d'appliquer un fond de couleur unie à l'objet principal de votre illustration comme je l'ai fait ici et ici. Par contre, si un objet a une fonction de composition, de support ou de décoration, laisser dans un contour peut aider à guider le regard du spectateur, tout en laissant quelque chose de subtil à explorer davantage C'est peut-être le bon moment pour mentionner que par contour, j'entends le même objet sans fond de couleur unie et non un contour noir de style bande dessinée autour d'un objet. Comme l' illustration minimaliste consiste à réduire votre composition à l'essentiel, ce type de plan de bande dessinée devient inutile et leur suppression donne un aspect plus épuré et plus minimaliste à votre œuvre d'art Mettons cela en pratique en appliquant remplissages de couleur unie sur certains objets de vos feuilles d' autocollants. Observez l'effet que cela fait sur l'équilibre de cette composition lorsque j'ajoute un fond de couleur unie à cet objet, ou si je le laisse sans. Comment ce petit élément décoratif est devenu un peu plus accrocheur grâce à un remplissage de couleur unie, juste assez pour qu'il soit complet à la composition Vous combinez le principe du contour par rapport au principe de remplissage avec la couleur, vous ouvrez un nouvel ensemble d'outils qui vous permettent de compléter la composition et de guider le spectateur. N'oubliez pas que les objets de couleur unie attirent davantage l'attention que objets uniquement en forme de contour et plus la couleur de vos objets contraste avec l'arrière-plan, plus ils attireront le regard. Protip. Je crée toujours mon objet de contour d'abord, puis crée une couche de sauvegarde avant d' expérimenter le remplissage en couleurs unies et les changements de couleur Créez simplement une copie de votre couche, désactivez sa visibilité, puis remplissez certaines zones de la couche copiée et observez son comportement dans votre illustration La meilleure chose à ce sujet en un seul clic, que vous pouvez comparer le plan à la version de remplissage et décider laquelle fonctionne le mieux. Et c'est tout. Concevez vos éléments intentionnellement. Maintenant que vous savez comment utiliser plan et le remplissage pour équilibrer vos designs. Je tiens à vous encourager à appliquer ces principes un peu plus sur votre feuille d'autocollants et à déterminer vos préférences personnelles. Je vous garantis que cela en vaudra la peine. Je vous attends à la prochaine leçon où nous terminerons tout ce cours. 12. Le résumé du cours : Terminer votre parcours artistique minimaliste: Tu es une rock star. Tu as atteint la fin de ce cours. Félicitations pour cela. J'espère que vous avez participé aux cours. Et si vous en avez oublié quelques-uns, ne vous inquiétez pas, revenez simplement en arrière et regardez à nouveau ce que vous avez oublié afin de compléter votre feuille d'autocollants Avant d'envoyer votre feuille d' autocollants à une imprimante, apposez votre signature, car il est important de signer votre travail. J'ai hâte de voir toutes vos incroyables créations dans la section des projets de ce cours, alors n'oubliez pas de les télécharger. Veuillez également y ajouter votre identifiant social afin que je puisse également partager vos succès. J'espère que vous êtes maintenant en confiance pour gérer les principes du design minimaliste comme un pro, car vous l'êtes. Vous avez appris à utiliser diverses bases du design dans votre art et vous avez fini créer une magnifique feuille d' autocollants mettant tout en pratique. J'espère que ce que vous avez appris vous intéressera à l' illustration et au design, même si ce n'est pas minimaliste Je vous souhaite beaucoup de plaisir à explorer davantage ce que vous avez appris. Si vous avez apprécié ce cours, veuillez laisser un commentaire. Cela aide les autres étudiants à le trouver, et cela m'aide en tant que créatrice indépendante. Merci donc d'avance pour cela. Tu es formidable. Enfin, je tiens à vous encourager à me contacter si vous avez des questions ou si vous souhaitez me faire part de vos réussites. Vous pouvez me poser vos questions dans la description de votre projet de cours lors des discussions en classe ou me contacter via DM sur Instagram. Je m'adresse à Sandra Staup. Et je ne me contente pas de dire ça. Je serais vraiment ravie d'avoir de vos nouvelles. Merci d'avoir suivi mon cours. J'espère que ça t'a appris autant que ça m'a appris. Si vous aimez mon travail, suivez-moi sur Skillshare pour plus de cours et sur Instagram pour un art plus minimaliste Merci Passez une merveilleuse journée. Et au revoir.