Transcription
1. Introduction: Bonjour. Je m'appelle Jason Rivera. Je suis un instrumentiste et compositeur multi-instrumentiste. Vous pourriez me trouver en ligne sur www dot Jason Rivera musique dot com. J' ai écrit et joué sur d'innombrables enregistrements ont vers les États-Unis tant qu'interprète, et j'ai eu la chance d'écrire et de diriger certains des meilleurs orchestres de
la vie au monde ici à Los Angeles. J' aime écrire de la musique parce que c'est un langage universel, et cela me permet de m'exprimer d'une manière que je ne peux pas avec les mots. La musique est un sujet beau et infini, et je travaille tous les jours à affiner mon métier musical parce que je crois sincèrement que
peu importe à quel point tu es bon, ce que tu fais, il y a toujours plus à apprendre. Et plus vous affinez votre métier, mieux vous serez en mesure de vous exprimer à travers votre musique. Ce cours est un cours intensif sur les bases de l'écriture et de la composition. Mon but est de vous fournir les outils dont vous avez besoin pour écrire vos propres chansons ou compositions. J' espère que ce cours vous aidera à organiser et affiner votre matériel musical et à
vous mettre sur le chemin de l'écriture de votre propre musique.
2. Votre projet: dans cette classe. Je vais vous guider à travers les principes fondamentaux de l'écriture d'une chanson ou d'une composition les sujets que nous
aborderons nos cordes, mélodies,
paroles, orchestration et arrangement. Je vais vous guider à travers ces sujets et vous donner des conseils et des techniques sur le chemin que vous pouvez essayer dans votre propre musique. Pour votre mission, vous prendrez les techniques que je vous fournit et créez votre propre chanson, puis téléchargez vos résultats sur soundcloud, YouTube ou Dropbox et affichez un lien vers votre fichier dans la galerie du projet. Vos enregistrements n'ont pas besoin d'être Hi Fi. Je vous encourage à ne pas être le travail, l'écriture ou le processus d'enregistrement et à faire confiance à vos instincts. Le but de cette mission est de vous faire écrire et essayer de nouvelles idées et de partager les résultats avec vos camarades de classe afin que nous puissions tous grandir ensemble en tant qu'écrivains.
3. Accords: Ok, alors parlons d'accords. Tout d'abord, que sont les cordons ? Un tribunal est une combinaison de tonalités musicales. Un type de tribunal très courant est d'essayer un accord de trois notes. triades se composent d'une route, la note à partir de laquelle le cordon pousse 1/3 la troisième note vers le haut de l'échelle de la racine, et 1/5 la cinquième note vers le haut de l'échelle de la racine. Par exemple, le tribunal en do majeur a ses racines. Voir 1/3 E uh, qui est la troisième note en haut de l'échelle de C et 1/5 G, qui est la cinquième note en haut de l'échelle de C. progressions de la
Cour sont une succession d'accords dans le temps et fournissent la base pour écrire une chanson ou un un couple de larges commentaires de coups de pinceau sur les courts, ou que les accords majeurs comme l'accord majeur en C sonnent lumineux et gai et les accords mineurs comme l'accord en D mineur sonne sombres. C majeur d mineur. La plupart des progressions judiciaires ont un mélange de types de cour en eux, tels que les accords majeurs et mineurs. Mais ce n'est que la pointe de l'iceberg. Selon le style de votre écriture, vous pouvez utiliser des accords augmentés, diminués ou septième pour nommer quelques options. Pour commencer à écrire sur votre projet, je vais vous fournir une progression à la cour avec laquelle vous pouvez travailler, et ici c'est un mineur à ré mineur. Voir le majeur T e mineur et revenir aux progressions de base de l'écriture A mineure est un sujet sur lequel je pourrais continuer. Si vous voulez en savoir plus sur la façon de développer une progression initiale du tribunal, j'ai dit, juste vérifier mon autre cours. Créer une progression judiciaire dans une clé majeure. Cette classe est une plongée profonde dans la création d'une progression de cour originale avec des variations. Maintenant, je vais vous donner quelques conseils pour rendre votre cour un peu plus intéressante. Une technique consiste à utiliser des arpèges lors de la lecture de vos cordes,par
exemple, par
exemple, une autre façon d'ajouter de la variation est d'expérimenter avec le rythme qu'ils utilisent. Par exemple, vous pouvez jouer chaque terrain quatre fois par mesure sous forme de notes de quart, ou vous pouvez jouer chaque accord quatre fois par mesure, avec des notes de quart dans la main gauche et des notes de huitième dans la main droite. Uh, c'est vraiment utile dans une section pré-chœur ou choeur d'une chanson pour donner l'illusion que la musique se déplace plus vite aide l'énergie de capacité dans votre pièce. Une autre technique que vous pouvez utiliser pour faire varier le son de vos cordes est d'utiliser des inversions d'accords lorsque vous inversez Accord. Essentiellement, vous le tournez à l'envers en plaçant la note du bas sur le dessus. À titre d'exemple, revenons à notre triade en do majeur. Nous avons la position racine où la mer est au fond pour la première inversion. On a déplacé la mer inactive, et maintenant le troisième e, euh, est au fond du cordon. Le pour la deuxième inversion. Nous déplaçons le troisième e inactif et maintenant les 50 G sur le fond. Ce sont donc trois positions différentes pour jouer le même tribunal. Voir Major, Et comme vous pouvez l'entendre, la qualité de la cour change quand vous utilisez une position différente, toutes les tribunaux pourraient être inversés de cette façon. Par exemple, revenons à la progression du tribunal pour votre projet. Une façon dont je pourrais jouer ces tribunaux est avec une position mineure et racine au ré mineur et deuxième inversion avec le foin en bas au do majeur et deuxième inversion avec le G en bas
au e mineur et première inversion, également avec le G en bas. L' utilisation de ces inversions dans cet exemple rend le jeu de la progression de la cour dans ma main gauche beaucoup plus efficace, mais cela change également la couleur de la progression de la cour. Écoutons la progression de la cour, en utilisant tous les tribunaux joués en position de route en premier. Et maintenant, écoutons à nouveau, en utilisant les inversions que je viens de décrire. C' est la fin de notre leçon sur les tribunaux. J' espère que cela vous a été utile, et j'ai hâte d'entendre ce que vous faites de votre pièce.
4. Mélodie: Ok, la prochaine étape est notre leçon sur la mélodie. Commençons par définir une mélodie. Une mélodie est un Siris de notes qui évoluent dans le temps. L' une après l'autre mélodie peut prendre de nombreuses formes différentes. Par exemple, il peut s'agir d'une mélodie, comme dans Pop Music, un thème, qui est une mélodie qui se développe au cours d'une œuvre, comme dans la Musique Symphonique. Un Motive, qui peut être deux plus petites notes et pourrait être assemblé pour faire des phrases une longue mélodique ou une ligne de base. Il est utile de considérer la mélodie comme la partie chantante de la musique. Regardons quelques conseils pour écrire de bonnes mélodies lors de l'écriture d'une mélodie. Il est important d'être conscient des cordons qui se passent en dessous plutôt que de simplement rouler les dés et d'espérer que vous venez avec quelque chose qui sonne bien. Cela vous donnera un endroit solide pour commencer. Une façon de faire rouler la balle est l'orteil. Que votre mélodie utilise la route ou le tiers de chaque cour pendant que la progression de la cour
progresse . Par exemple, si nous sommes sur un accord mineur, vous pouvez commencer votre mélodie sur la note. Cela aide à établir la clé dans laquelle vous êtes et solidifie la progression de la cour. Ce que je faisais là, c'était en changeant d'accords, j'ai joué la racine de la corde, suivi du tiers de la cour. En faisant ça, je jouais sur des notes de Lee qui provenaient de n'importe quelle corde jouait à l'époque. Ces notes sont appelées quarts de tons. Maintenant, nous pouvons commencer à ajouter un peu de saveur en utilisant des notes et notre mélodie qui ne sont pas dans la cour nous jouons. Lorsque vous faites cela, il est utile d'être conscient de quelques choses. abord, essayez de garder votre mélodie en mouvement par étapes, Par exemple. , Ce que je faisais là,c'était que j'utilisais toujours la route ou le tiers de chaque accord et ma mélodie au
fur et à mesure que la progression de la cour changait. Mais j'ai déplacé la mélodie à travers des notes qui n'étaient pas dans les cordes. Ces notes sont appelées tonalités non essentielles. Aussi, je bougeais ma mélodie principalement par étapes, ce qui donne la mélodie en belle forme. Un autre conseil utile est de chanter la mélodie à haute voix pendant que vous travaillez dessus. Cela aidera à rendre votre mélodie plus musicale. Si vous avez un violoncelle qui joue votre mélodie, par
exemple, le violoncelliste n'a pas besoin de respirer comme le fait un joueur de bois. Mais néanmoins, compte tenu de votre mélodie, souffle aide à lui donner forme et phrasé. Une autre astuce pour donner la forme de votre mélodie est d'utiliser la répétition la première fois à travers votre progression de
cour. Vous indiquez votre mélodie dans la deuxième fois que vous jouez à travers la progression de la cour. Vous répétez la mélodie, mais avec une petite variation répétant les phrases aide la mélodie coller dans l'esprit de l' auditeur, par
exemple, oui. - Enfin , essayez de déplacer votre mélodie active au fur et à mesure que votre chanson progresse. C' est une astuce simple, mais cela aide à ajouter de la variété et à donner un coup de pouce à la chanson au fur et à mesure qu'elle se construit. Voici donc quelques conseils pour construire une mélodie au-dessus de votre progression sur le terrain, et vous pouvez entendre qu'une structure de chanson commence déjà à prendre forme.
5. Paroles: Jetons un coup d'oeil à l'écriture lyrique. J' ai co-écrit et écrit des paroles de plusieurs chansons au fil des ans, mais comme ma sortie musicale est principalement axée sur la musique instrumentale, je vais faire de cette vidéo un aperçu rapide. Il est bon d'être conscient que leurs différentes approches de l'écriture lyrique, par
exemple, et la chanson comme les Beatles, Lucy in the Sky. Les paroles sont extrêmement visuelles et pleines de métaphore, tandis que dans John Lennon, les œuvres solo, par
exemple, une chanson comme Imagine the Lyrics est beaucoup plus directe et au point. L' une ou l'autre approche est valide. C' est à vous de décider comment vous voulez raconter votre histoire à travers vos paroles. Aussi, faites vos recherches. Qui sont vos auteurs-compositeurs et paroliers préférés ? Trouvez leur partition, étudiez-la et regardez comment les mots sont assemblés avec les mélodies et la musique . Écoutez, orteil beaucoup de musique et lisez aussi beaucoup. L' un de mes paroliers contemporains préférés est Thom Yorke. D' après ce que je comprends, il a étudié la littérature à l'université et a vraiment montré l'hystérie. Même ces paroles semblent assez simples sur papier quand on les entend regrouper avec sa voix ses mélodies et sa musique. Ils prennent une vie dans le sens de leur propre vie. Ça en fait un autre. Non, vous devrez peut-être changer et adapter vos paroles après les avoir entendues chanter à haute voix. Ce qui fonctionne sur le papier ne sait pas qu'il fonctionnait dans un contexte musical. Un autre conseil est que certains écrivains écrivent d'abord leurs paroles, puis une mélodie, ou vice versa. n'y a pas de bonne façon de l'aborder quand il s'agit de bloc de l'écrivain, et cela vaut pour que vous écriviez des paroles ou de la musique. J' ai trouvé d'après mon expérience que la meilleure façon de passer cela est de littéralement à travers le bloc, mettre quelque chose sur du papier ou dans un enregistrement, puis de faire une pause, de
faire une promenade, faire une tasse de café la pire chose et parfois la chose la plus intimidante comme une page blanche. Alors posez quelque chose. Même si son flux de conscience vous pourriez toujours revenir plus tard et l'affiner. Ne soyez pas intimidés. Prenez une fissure dessus, et plus vous
le faites, mieux vous y arriverez. J' ai hâte d'entendre vos paroles
6. Orchestration et l'arrangement: OK pour notre dernière leçon, Regardons l'orchestration et l'arrangement. C' est un autre sujet énorme, et à un moment donné, je pourrais y consacrer une classe spécifiquement. Mais mon objectif pour l'instant est de vous présenter et de vous donner quelques conseils et conseils pour que vous puissiez appliquer certains de ces concepts à vos propres pièces. orchestration au sens traditionnel consiste à écrire ou à adapter de la musique pour un orchestre en direct lors de l'orchestre de musique préexistante. Les notes et harmonies originales restent intactes et ne sont pas modifiées du tout. Un arrangement comme une réinvention d'une œuvre existante ou nouvelle. L' organisation peut impliquer la modification des harmonies, la modification du tempo et le choix de l'instrumentation. L' orchestration et l'arrangement sont liés, mais ils sont différents pour nos objectifs. Dans ce cours se concentrera sur quelques concepts de base de l'orchestration et de l'arrangement si vous travaillerez ou non avec un orchestre live pour votre pièce. Ces concepts peuvent vraiment être appliqués à la plupart des situations d'écriture lorsque vous le décomposer en éléments essentiels. La plupart de la musique, en particulier la musique populaire, a deux éléments principaux à elle. Une mélodie et accompagnement musical ou vocal. Cette idée devrait vous aider à organiser et à rationaliser toutes les idées que vous pourriez avoir et, espérons-le, rendre conduite un peu plus facile et moins écrasante. Dans notre dernière leçon sur la mélodie, deux éléments se sont produits. Une mélodie avec le quartz comme accompagnement. Un autre conseil à garder à l'esprit est d'avoir votre accompagnement et mélodie et différentes gammes. Par exemple, si votre accompagnement joue sous le C moyen sur un piano, alors ayez votre mélodie à une octave supérieure ou inférieure et ainsi de suite. Et de cette façon, vous gardez votre accompagnement hors du chemin de la mélodie et de l'exemple que j'y ai joué. Ma mélodie était au-dessus du milieu C sur mon accompagnement était en dessous du milieu C. Une autre chose à garder à l'esprit est d'avoir votre mélodie à une dynamique ou un volume plus fort que votre accompagnement. Si vous produisez une chanson, vous pouvez y parvenir grâce au mixage, mais il faut également garder à l'esprit lors de l'exécution et de l'enregistrement de votre chanson. Cela aidera à mettre en évidence votre mélodie et à attirer l'attention de l'auditeur, créant un point focal. Un autre concept à garder à l'esprit, surtout lorsque vous mélangez attirer, est de vous remercier pour vos éléments en termes de premier plan milieu et de fond. Habituellement, votre mélodie principale serait au premier plan. Vous êtes des éléments rythmiques comme la guitare et la batterie serait dans votre milieu, et toutes les textures, un
tel synthétiseurs ou des sons ambiants seraient à nouveau en arrière-plan. Nous essayons de placer la mélodie au premier plan et de lui donner de l'importance. En outre, il est bon d'utiliser le contrepoint dans votre musique, et c'est un autre sujet énorme que vous pourriez littéralement passer des années à étudier et en un mot. contrepoint est la relation entre des éléments
musicaux , par
exemple, , par
exemple,aux voix humaines qui sont interconnectées en termes d'accords et d'échelles qui se produisent dans la musique mais qui sont indépendantes les unes des autres en termes de notes frappent à n'importe quel moment et leurs valeurs rythmiques. Cela peut sembler compliqué,
mais permettez-moi de le démontrer et j'espère que cela sera plus clair sur mon premier accord. Ma mélodie, Ma main droite est un peu occupée, donc ma main gauche, l'accompagnement tient juste des notes entières sur la cour suivante à nouveau. Ma mélodie commence par une sorte de phrase occupée et finalement tient sur la note F lorsque la statique
mélodique,
la main gauche, la main gauche, puis s'il vous plaît un petit huitième descendant pas chiffre de type sur la cour suivante à nouveau. La mélodie est un peu occupée dans la main droite, donc ma main gauche joue toute une note sur l'accord final, les mélodies tenant une note entière. Donc, à la fin de la phrase, ma main gauche joue une petite figurine chromatique qui ramène à l'
accord mineur . C' est une introduction très simple au contrepoint, mais j'espère que vous pouvez appliquer quelque chose qui donnera plus de clarté et d'intérêt à votre musique. Enfin, je voudrais mentionner la structure de la chanson. C' est vraiment une partie de l'écriture et de la composition de la chanson qui est unique à chaque situation d'écrivain et d'enseigner l'
écriture. Mais si vous êtes tout nouveau dans ce métier, vous voudrez peut-être commencer avec une structure simple A b A B, un être aversé et être un choeur. Donc, dans cet exemple, vous auriez le verset un, suivi d'un chœur,
suivi du verset 2,
suivi d'un suivi du verset 2, choeur, aussi. Et vous pourriez vouloir faire ce second chœur deux ou trois fois plus longtemps que le premier , afin qu'il fonctionne également comme un outro de votre chanson à nouveau. Vous pouvez vraiment jouer avec ça, en fonction de la durée de votre chanson et de l'endroit où vous voulez prendre votre morceau. Par exemple, vous pouvez avoir trois versets au lieu de deux ou ajouter un pont après votre deuxième choeur. Mais si vous prenez juste votre première crack sur l'écriture, vous devriez commencer par la première structure que j'ai mentionnée la structure A B A B. Aussi, sachez qu'il est parfaitement correct d'utiliser la même progression de la cour pour toute la longueur d'une pièce. Beaucoup de chansons pop et de partitions de film accusent utilisé cette approche. Assurez-vous simplement de garder l'intérêt des auditeurs grâce à votre utilisation et au développement de la
mélodie, des paroles, paroles, orchestration et de l'arrangement.
7. Réflexions finales: Ok, donc on a fait tout le chemin à travers ce cours sur les bases de l'écriture de chansons. Je tiens à vous féliciter d'avoir fait tout le chemin. J' espère que vous avez pris quelques conseils utiles pour vous aider dans votre processus de rédaction. Et j'espère que vous vous sentez un peu plus confiant pour commencer à écrire votre propre musique . Votre projet pour cette classe est d'écrire vos propres chansons ou compositions. Nous avons parcouru toutes les étapes. Je vous ai donné une progression d'accord pour commencer par certaines façons d'y ajouter de la variation Ensuite, vous allez ajouter votre mélodie et les paroles si votre pièce en tant que chant dedans. . Et enfin, vous utiliserez,
euh, euh, conseils
d'orchestration et d'organisation pour aider à organiser vos idées musicales et donner une
pièce de larme de clarté . N' oubliez pas de télécharger vos enregistrements sur Soundcloud, Dropbox ou YouTube et de publier vos liens dans la galerie de projets. Plus important encore, n'oubliez pas de vous amuser avec ce processus. Merci beaucoup d'avoir regardé cette leçon vidéo, et j'ai hâte d'entendre votre musique
Jason Rivera, Music Instructor
