Leçons sur les 10 principes pour peindre chaque jour dans un carnet de croquis

1. Les 10 éléments de la peinture: Ce sont des bases que tout le monde a besoin de connaître. Je suis Amarilys Henderson, je suis illustrateur aquarelle. Je peux peindre pour vivre, et je peins aussi mes sentiments et les choses que je dois faire, et pour le plaisir, et ma foi, et tout ce à quoi tu peux penser. Il suffit de le mettre sur une feuille de papier. Pendant ce temps, j'applique ces principes que vous pourriez même ne pas vous rendre compte que vous utilisez constamment, ou que vous voyez dans les grandes œuvres d'art. Je veux vous guider à travers les 10 principes de la peinture. Vous allez avoir terminé avec 10 pages de carnet de croquis pour des notes, des idées et des concepts pour vous aider à créer de meilleures illustrations. Chaque artiste a besoin de connaître les choses, alors allons-y. 2. Présentation générale: Si vous créez du travail et réfléchissez, je dois revenir aux bases, je ne comprends pas vraiment ce que je fais, ou ce à quoi je réagit, ou ce que j'aime, je veux mettre ces mots dans votre bouche, Je veux que vous compreniez ce qui rend une peinture grande, regarder la ligne, regarder la couleur, regarder la composition, toutes ces choses qui contribuent à un travail merveilleux. Ce ne sont que des pratiques amusantes que nous allons exercer dans chacune de ces leçons et nous partirons comme toujours avec quelque chose qui mérite d'être montré. Personnellement, je n'aime pas faire des cours où je gribouille ou pire écrire des notes, et je n'ai pas quelque chose à regarder en arrière, pour montrer pour cela. Étant un tel apprenant visuel, j'aime vraiment pouvoir voir de quoi il s'agit ici, et c'est ce que nous allons faire. Vous pouvez suivre ce cours sur des extraits tous les jours, en fait, je pense que c'est comme ça que je le suggère, de cette façon vous avez cette collection de leçons et vous l'apprendrez lentement, et quand vous y reviendrez le lendemain et que vous êtes sur principe numéro 2, vous repensez, ok, quel était le numéro 1 encore ? Ooh, et ce petit jogging mental que vous avez fait là, qui est très utile dans l'apprentissage, vous allez réellement saisir les concepts plus si vous le faites comme une pratique quotidienne si vous le prenez un peu à la fois. Nous allons passer en revue chacun, et je vais vous en apprendre un peu sur chacun avant d'arriver à nos carnets de croquis et à l'exercice, ce qu'ils signifient pour les œuvres d'art. 3. À propos de la couleur: Couleur. Maintenant, quand on parle de couleur, c'est généralement la première chose qui vient à l'esprit quand on pense à la peinture. C' est ce que nous tombons amoureux de l'art du Play Store et vraiment l'appât de nous faire entrer dans la peinture. Quand nous parlons de couleur, je parle de la façon dont la lumière frappe un objet et est perçue par l'œil. C' est vraiment scientifique pour dire que nous interprétons chacun la couleur à travers nos yeux et c'est en fait léger. Mais quelles sont les façons dont les couleurs sont utilisées dans la peinture ? Nous parlons de couleur, nous parlons de teinte, donc ce serait la différence entre le rouge et le vert, jaune et le bleu, la teinte de cette couleur. Ensuite, nous parlons de l'intensité, qui est fondamentalement à quel point une couleur est saturée. Combien cette couleur est d'elle-même, quel point elle est vraie, quel point elle est intense, ou à quel point elle est terne. Donc, une couleur très désaturée serait grise, et c'est une séquence parfaite en valeur. Une autre façon de parler de couleur est en valeur tonale. Nous parlons donc de la lumière et de l'obscurité, même dans la même gamme de couleurs. Certains mots à éviter lorsque vous parlez de couleur sont brillants, simplement parce qu'ils peuvent être considérés comme valeur ou intensité, c'est pourquoi nous utilisons ces grands mots pour parler de couleur. Nous parlons de teinte, nous parlons d'intensité, et nous parlons de valeur. Voici quelques peintures qui illustrent le mieux certains de ces principes. Nous avons beaucoup de couleurs différentes et nous avons des couleurs très intenses et saturées. Ensuite, nous avons des couleurs qui sont utilisées pour décrire différents tons, différentes valeurs dans une peinture. 4. Pratiquer la couleur: J' ai mon carnet de croquis prêt pour ma première leçon. Couleur. D'accord, j'ai mes peintures à l'aquarelle. Il s'agit d'une palette d'or Mijello mission. C' est assez cher. Vous pouvez utiliser n'importe quelle palette d'aquarelle que vous voulez parce que nous jouons simplement avec les couleurs que nous avons. Je vais utiliser une brosse ronde de taille 4. C' est assez pratique. C' est petit. Tu pourrais aller un peu plus grand que ça et plus tard, j'utiliserai une brosse plate. Pour l'instant, je veux juste que vous commenciez avec n'importe quelle couleur préférée et lui donnez un peu de sens, alors créez un petit cercle. Maintenant sur notre roue de couleur, nous allons penser, quelle couleur est-ce que je veux aller à qui saute une et ensuite va à ça. Le rose est un dérivé du rouge. Donc, si je saute vers les couleurs chaudes, je sauterais sur le rouge, orange et aller directement vers l'orange. Tout droit en face, c'est vert. Il y a mon schéma complémentaire split. Maintenant, je veux faire un schéma analogue à partir de cette première couleur. Ma première couleur était rose, et je l'ai encore sorti après le rose. Un schéma de couleurs analogue choisit des couleurs qui sont juste à côté. Juste à côté, j'ai rouge orange, et orange. Juste pour le rendre un peu plus léger, on va s'étendre jusqu'à l'orange jaune. Voyez-vous comment ces couleurs vont tous dans une ligne, c'est mon schéma de couleurs analogue. Maintenant, je vais juste choisir une couleur. J' utilise une petite brosse plate, c'est la taille 6. Mais honnêtement, il semble qu'il devrait être plus petit que ça, un nombre plus petit que ça. Tu n'as pas besoin de ce pinceau. Je suis juste en train de créer un peu de couleur avec elle. Maintenant, j'ai deux couleurs fraîches, vert et bleu, et beaucoup de couleurs chaudes. Je vais faire de mon mieux pour m'en tenir à ces couleurs, et je peux ajouter du noir ou éclaircir alors comme je le veux, et je peux les mélanger ensemble. Ce qui va être très amusant. C' est tellement amusant que je dois te montrer. Je vais mélanger mon rose avec mon orange. Voyez comment juste créer un petit cercle de rose sur l'orange, juste réactivé. Ils se mélangent. Je vais mélanger mon rose avec le vert. Afin de réactiver vos couleurs, il suffit de mouiller votre pinceau. De cette façon, il réveille à nouveau les peintures sur votre papier. Je vais faire la même chose avec l'orange. Voici orange plus rose. De quelle couleur ça fait ? C' est un peu comme l'orange brûlée. L' orange avec le vert fait un beau brun boueux et beau, qui est très joli. Ce sont toutes les combinaisons de couleurs que nous pouvons faire en mélangeant ces trois couleurs ensemble. Parce que si je mélange le vert avec l'orange, c'est la même chose que de mélanger l'orange avec le vert. Une autre étape que je vais faire est d'utiliser du blanc, j'utilise du blanc stylo par le Dr P.H. Martins. Je vais mélanger un peu de ce blanc avec mon rose pour voir à quoi ça ressemble quand il est léger. Lavez mon pinceau, mélangez un peu d'orange avec le blanc. Lavez mon pinceau, blanc avec le vert. Un peu de menthe. Trop sombre, je vais ajouter un peu plus de blanc. On y va. Je peux même l'amener dans ce brun, mélanger ça. Tu as ce marron cool et sourd. Mettre un peu de blanc dans ce genre de couleur violette que j'ai obtenu du rose plus vert, plus blanc, et ce serait le même, rose blanc et orange. C' est beaucoup de couleurs que nous devons choisir. Donc, nous pouvons faire une peinture très complète et nous n'avons même pas besoin de composer avec ce genre de bleu bonus que j'ai jeté juste pour le plaisir. Ce que je vais faire, c'est que je vais maintenant utiliser ma grosse brosse plate. Vous pouvez continuer à utiliser le pinceau que nous avons utilisé. Ce sera juste en fait plus rapide. Donc je vais d'abord mouiller ma brosse. C' est une taille 20. Je vais juste créer un dégradé de couleurs avec ce niveau inférieur. Je vais commencer par cette partie humide de ma page en haut. Je vais ajouter du rose. Cette méthode est appelée la méthode de peinture humide sur humide, c'est parce que nous peignons de la peinture humide sur une feuille de papier blanche. Il fait que les couleurs se mélangent beaucoup mieux que si nous passons d'une brosse humide à une feuille de papier sèche. J' ai encore mon pinceau mouillé mais cette fois j'ai ajouté un peu d'orange, je vais les laisser croiser un peu. Je vérifie si mon papier est encore mouillé. Pas vraiment, donc je vais ajouter un peu d'eau. La brosse était un peu sale, donc elle avait déjà un peu de rose, mais c'est bon. Ma prochaine couleur, jaune, orange. Vous pouvez même sauter les couleurs parce que si on passe directement au jaune, le jaune et l'orange se fondraient, non ? Donc je n'ai pas besoin d'ajouter cette orange rouge ici. C' est déjà rouge orange. C' est déjà le rose et l'orange qui se mélangent. Peignez ces à travers autant que vous le souhaitez. Vous pouvez continuer si vous voulez faire un arc-en-ciel plein et faire plus de couleurs, je vais m'arrêter au jaune parce que je veux vraiment garder mon schéma de couleurs comme j'ai ici. Je suis juste en train de réappliquer la peinture comme j'en ai besoin, où je vois qu'il y a des taches qui ont besoin de plus de couleur. Honnêtement, je m'amuse tellement. C' est une activité si simple et vous apprenez tellement sur couleur juste en regardant ces couleurs interjouent et se mêlent les unes aux autres. Faites-en plus si vous voulez. Mais c'est tout ce qu'on va faire aujourd'hui. Nous jouons avec les couleurs que nous avons choisies, notre schéma de couleurs complémentaires split, créant des lits humides de couleur, puis le remplissant avec plus pour qu'ils se dégradent ensemble. C' est vraiment amusant à regarder. 5. À propos de la valeur: On dit que la valeur est la chose la plus importante dans un tableau, mais la couleur a tout le mérite. La valeur est une grande deuxième étape à prendre en compte. C' est vraiment la pierre angulaire de beaucoup de peintures. Si vous pouvez prendre une peinture et juste enlever complètement la couleur, ce qui est quelque chose que je fais souvent sur mon téléphone juste pour voir les intensités de valeur qui se passe, cela vous aidera à décider quoi faire ensuite dans votre peinture. Certaines personnes l'appellent ton, mais nous parlons de la lumière et de l'obscurité d'une couleur, ou non. Peut-être noir, peut-être Grey. Quand nous approchons de la valeur, nous pensons au contraste. Ce serait une façon très sombre, sombre et légère d'apprécier la valeur. On parle de gradation. juste parler de quelques gradations vraiment lentes en valeur, puis nous utilisons la valeur comme point focal. Voici quelques visuels pour vous aider à comprendre cette idée de contraste, ou certains pourraient vouloir paraître fantaisie, vous pouvez l'appeler Chiaroscuro, où nous avons ce terme italien pour décrire cette lumière sombre et dure, et comment il fait que nos yeux se concentrent sur des contours nets. Nous avons vraiment réglé les valeurs dans cette gradation et les points focaux qui sont créés par la valeur. Ce sont quelques peintures qui montrent ces différents principes de valeur, le contraste élevé de la Mona Lisa. Dans le second tableau de John Burton, on voit une gradation de valeurs allant contraste très net à des tons très clairs à mesure que les figures s'éloignent de plus en plus. Ensuite, dans le troisième tableau, appelé « The Matchmaker », vous voyez comment le point focal est vraiment dessiné par cette forte valeur de contraste. Nous avons beaucoup d'obscurité et beaucoup de lumière, puis nos yeux sont attirés vers cet endroit, et c'est une excellente façon d'utiliser les principes de la valeur. On va les exercer maintenant. 6. Pratiquer la valeur: Maintenant, nous allons travailler avec de la valeur. La valeur étant la lumière et l'obscurité. On travaille toujours dans la théorie des couleurs ici, donc je vais utiliser mon même tour pour pinceau et je vais juste partir de cette couleur. Il est là, dans sa forme la plus pure. Je vais le mettre ici et le faire dans différents niveaux d'obscurité, ajoutant la couleur complémentaire étant ce vert émeraude. Je vais deviner que c'est vraiment sombre, amenez-le ici. Agréable et sombre. Maintenant, avec l'aquarelle, la façon de devenir plus clair et plus sombre n'est pas seulement en mélangeant les couleurs, mais aussi en ajoutant de l'eau. Je vais utiliser la peinture sur mon pinceau, amener ici. Vous pourriez ajouter un peu plus d'eau pour le rendre plus léger. Vous pouvez enlever la couleur en roulant votre brosse et en la ramassant, et j'ajoute juste un peu de cette couleur pourpre que j' ai encore sur mon pinceau et à ce lavage, et votre premier n'a pas besoin d'être parfait. C' est une pratique d'obtenir cela juste et de prédire à quel point ces couleurs vont être claires ou sombres, en fonction de la quantité de peinture que vous avez sur votre pinceau et de la quantité d'eau que vous utilisez. C' est un excellent exercice si vous êtes nouveau à l'aquarelle et que vous essayez de comprendre combien mettre sur votre pinceau, combien mettre sur votre page à chaque exercice, créant une petite échelle de valeur. Rouler cette brosse si nous avons besoin de l'emporter, en ajoutant une eau si nous en avons besoin pour être plus léger. Alors pour ma dernière, je vais utiliser ce que j'ai laissé comme un mélange avec du blanc, et c'est aussi léger que je vais pouvoir aller avec cette couleur. Essayons la même chose avec le vert. Encore une fois, lavez votre brosse en obtenant une pure, quantité de lavage pur ici. Juste vert émeraude. mettre ici. Maintenant, puisque le vert est intrinsèquement plus sombre, je suis en train d'étaler une partie de cette peinture pour que ce soit une couleur plus claire. J' ai réalisé qu'il allait devenir sombre très vite, donc vert dans sa forme la plus pure va probablement être plus vers la fin de mon échelle de valeur ici, alors que le rose était juste au milieu. Utilisez-le un peu avec le blanc, voyez comment ça sort. J' adore cette couleur. Avoir plus de blanc. Bon, maintenant on doit devenir plus sombre, donc je vais aller plus plein sur la couleur de mon pinceau. Voyons si c'est aussi loin que je peux le pousser dans sa forme la plus pure. On dirait ça. Maintenant, si je veux aller plus sombre, devinez quoi, ça va être ces couleurs là-haut, donc je n'ai pas besoin de peindre ça à nouveau. Je vais juste ajouter un petit peu de rose. Regarde comment ça a déjà tellement changé mes couleurs. Ce mélange a plus de vert que de rose, ce mélange a plus de rose que de vert, donc il y a mes valeurs pour mon vert. Maintenant, pour l'exercice amusant. Je veux que vous créiez des nuages avec ces couleurs. Je vais aller avec la couleur fraîche parce que ça se sentirait plus naturel. Non, je vais aller avec la couleur chaude, je vais aller avec le rose. Nuages roses, je ne peux pas résister. Je vais commencer par un mélange blanc clair avec le rose pour faire mes nuages. La façon dont je fais mes nuages est essentiellement de faire une collection de demi-cercles de différentes tailles et de les remplir ensuite. Voici un demi-cercle plus petit, trois ou quatre est un bon nombre, puis les connecter tous sur le fond. Ce n'est évidemment pas la seule façon de faire des nuages, c'est ma façon, que j'ai trouvé être le plus amusant. D' accord, mais puisque j'explore la valeur, je vais le faire. Le prochain nuage, avec plus de peinture, je vais faire une version plus sombre. Même motif, plus sombre, et jouer avec mes valeurs. J' aime mes petits nuages mignons, belle variété, et les valeurs. J' ai l'impression d'avoir une meilleure compréhension de la façon de devenir plus sombre et plus clair avec mes couleurs en peignant quelques nuages. 7. À propos de la ligne: Le troisième élément de l'art dont nous parlerons est la ligne. En peinture, nous avons toujours une ligne car c'est essentiellement chaque fois votre pinceau frappe la toile ou le papier, vous créez une ligne, que vous le vouliez ou non. Ce sont des chemins de l'un à l'autre se déplaçant dans l'espace. Maintenant, les lignes peuvent être très définies, elles peuvent être très symétriques, mais pas varier en largeur, pas beaucoup de qualité de ligne, mais alors vous avez des lignes gestuelles qui sont placées beaucoup plus librement. Ils expriment beaucoup plus avec une seule ligne. Perspective est aussi une grande utilisation de la ligne et c'est ce qu'elle dit. Nous utiliserons des lignes pour créer la profondeur et l'environnement afin de mieux comprendre l'environnement dans lequel se trouve notre sujet. Voici quelques peintures pour aider à cimenter cette idée de la façon dont les lignes peuvent définir comme Mondrian l'a fait, car les lignes peuvent évoquer l'émotion en étant gestuelles, en étant très lâches, en utilisant beaucoup de largeur, et des lignes épaisses et fines pour montrer le contour de quelque chose. Ça n'a pas besoin d'être en ligne droite. Une façon cool de montrer la perspective, ce n'est pas nécessairement un croquis au crayon. La perspective est souvent montrée avec la ligne simplement parce que nous guidons l'œil d'un point à un autre avec la puissance de la ligne. 8. Pratiquer la ligne: Maintenant, nous entrons dans quelque chose que j'ai vraiment essayé d'intégrer dans mon travail. Bien que la couleur soit une biggy, la couleur est vraiment un peu pointilleuse. Line, donc j'aime parler de la qualité de la ligne. C' est parce que nous pouvons faire des lignes qui sont uniformes et qui en parle à coup sûr. Mais il y a quelque chose à propos d'augmenter vraiment la largeur de votre ligne est épaisse et mince. On va les faire en orange. Maintenant, je vais créer des lignes régulières. Essaie de mon mieux pour être très cohérent avec leur largeur, avec leur épaisseur. Peut-être faire des lignes ondulées. Mais encore une fois, uniforme. Du mieux que je peux. Maintenant, je vais jouer avec la qualité de la ligne en allant épais et mince. Je charge beaucoup d'eau et beaucoup de peinture sur mon pinceau pour que je sois plus flexible. La taille de mon pinceau est de quatre, mais vous verrez que je peux utiliser la pointe même de celui-ci pour en faire une ligne très fine puis appuyez vers le bas et faites une ligne épaisse et laissez tomber pour faire une ligne mince à nouveau. Cela va prendre beaucoup de pratique si c'est quelque chose qui est complètement nouveau pour vous, mais cela vaut la peine d'en apprendre plus sur. Maintenant, mettons-le en pratique. Nous allons explorer la qualité de la ligne avec quelques sujets différents. Peut-être que l'un d'eux sera plus intéressant pour vous que l'autre. L' un, c'est des papillons. Donc, les papillons sont amusants à dessiner parce qu'ils sont juste symétriques, et c'est des formes à deux oreilles réunies. Mais avec ma qualité de ligne, je peux rendre les ailes du papillon parfois plus épaisses, plus minces. Cela ajoute vraiment beaucoup d'intérêt et même la réalité à quelque chose qui peut être si facilement griffonné. Essayons et papillons latéralement. Voyez comment j'ai poussé vers le bas ma brosse en entrant dans ces courbes et me relâcher lorsque la pesée s'attache au papillon. Maintenant, essayons le même principe avec un cheval. Les chevaux peuvent être difficiles à dessiner. Mais si vous regardez un cheval, pensez à son mouvement le plus dominant, et c'est là que vous voulez que la ligne soit la plus épaisse. Ici, je le fais sur son dos. plus mince que je pénètre dans le museau. Un peu pointu sur le museau. Plus pointu que je voulais. Une ligne uniforme pour le cou et pour les oreilles. Remarquez comment ces lignes, elles donnent juste un sentiment de forme. Ce n'est pas le cheval le plus réaliste que vous verrez jamais, mais il est là pour montrer le mouvement d'un cheval. Si j'avais dessiné le même cheval avec une ligne uniforme, il ressemblerait plus à ceci. Je dessine le même cheval, mais il regarde dans l'autre sens, et ça vous plairait mieux. Mais il n'y a pas de mouvement, il n'y a pas de sentiment de comprendre où il va et où il met sa force. Je vais faire le visage d'un cheval. Faire deux lignes pour les oreilles, deux lignes pour les yeux, et deux lignes pour les narines juste pour obtenir mes repères. Ensuite, utilisez une ligne plus mince à l'intérieur de l'oreille. Donne-lui des cheveux épais ici. Quelques lignes plus fines le long des bords de son visage. Tu veux retourner aux papillons. Je comprends totalement. Que diriez-vous alors que nous créons tout ce que nous voulons créer, nous créons la silhouette de celui-ci avec un lavage aqueux à l'aquarelle. Je fais la silhouette d'un papillon. Je vais essayer de serrer la silhouette d'un cheval. Cou, corps, jambes. Très petit cheval ici. Sentant qu'il a besoin de remplir un peu, assez près. Après ceux secs, je viendrai avec une couleur pure. Peut-être commencer à mélanger un peu mes couleurs. J' ai un peu de cet orange rosé qui devient un peu plus sombre. Maintenant, je vais créer le corps du papillon avec une belle ligne épaisse qui se rétrécit à la fin pour qu'il soit plus mince. L'antenne. Et je peux créer le contour en utilisant une certaine qualité de ligne où je deviens de plus en plus épais avec mes lignes. Remplir là où tu as un peu trop léger. Mettre un peu plus de taches de couleur. Ajouter un peu de vert, ligne très fine. Donc, ici, dans ce petit papillon, j'ai eu un peu de variété avec l'épaisseur et la finesse de chaque ligne. Faisons la même chose pour le cheval. Le cheval, nous le rendrons debout fort devant. On dirait presque une ombre portée. Tu viens et tu t'étends. Nous devenons plus épais, ajoutant des petits détails, peu d'œil, petite narine pour notre cheval. Vous pouvez essayer d'autres animaux spécialement en créant d'abord cette silhouette, cette petite couleur aqueuse de juste le contour et en remplissant cela, laissant cela sécher. Ensuite, essayez de regarder ces animaux et d'interpréter où va leur mouvement. Ils jouent avec l'épaisseur et la finesse que vous créez ces lignes. 9. À propos de la forme: Un favori personnel et un favori commun parmi les artistes. Très simplement, c'est une zone fermée. C' est une forme, tu comprends. Quand on parle de forme, on parle de formes géométriques. Ils peuvent être des formes organiques ou des formes peuvent être l'espace positif ou négatif, sorte que d'autres formes peuvent faire la forme. Voici quelques exemples de ceux très faciles à imaginer. géométriques, choses que vous pouvez étiqueter. Des formes organiques, pas tellement, plus difficiles à décrire. Habituellement trouvé dans la nature inspirée par la nature. Formes positives et négatives. La forme de type beignet est créée par les formes négatives, ou si vous y pensez, le cercle dans le beignet est une forme créée par l'espace négatif. Voici quelques peintures qui représentent ceux qui aiment bien ces belles formes géométriques créées dans ce premier tableau, qui se chevauchent. Nous pouvons réduire n'importe quoi en formes. Une fois que nous comprenons ces formes, nous pouvons les interpréter facilement. formes organiques de Matisse qu'il a faites avec du papier découpé. Très fluide en utilisant juste le mouvement de votre main et ne pas être trop guidé par exactement ce à quoi il ressemble. Ou nous avons ces formes positives et négatives jouent avec notre esprit dans ce dessin Escher où nous avons, est-ce le noir qui est l'espace positif qui est en fait la forme, ou est-ce le blanc qui est une forme négative ? Tout est très déroutant, mais ce sont toutes des formes créées par ces zones fermées que nous créons visuellement. 10. Pratiquer la forme: Un de mes principes préférés de la peinture, de la forme. La raison pour laquelle j'aime la forme est parce que vous pouvez interpréter tant avec la forme de quelque chose. Vous n'avez pas vraiment besoin de beaucoup d'autres choses si vous avez bien vos formes. Je vais utiliser une brosse plate. C'est la taille 12. La raison pour laquelle j'utilise ceci est juste pour vous montrer, encore une fois, vous pouvez utiliser n'importe quelle brosse que vous avez. Mais je veux vous montrer comment créer facilement des formes avec ce pinceau parce que j'ai l'impression qu'il enseigne vraiment bien. Je vais utiliser ce mélange rouge-orange que nous avons ici. La grande chose à propos d'une brosse plate est que je l'utilise perpendiculairement, cela va créer une belle ligne large qui rend la création d'une forme assez facile. Je vais utiliser le pinceau de haut en bas, en le tourner pour créer un cercle, au lieu de l'utiliser sous un angle, ce que nous faisons habituellement quand nous peignons. Juste peindre quelques formes de base. Vous l'avez déjà fait avant, pas grand-chose, mais nous allons utiliser ces formes de base pour construire ce que nous voulons. Dans ce cas, on va faire une grange. Je vais mélanger mon vert, mon rose, et mon orange pour voir quel genre de couleur boueuse on arrive ici. Je fais une grange parce que c'est sympa et symétrique. Il a des bords très durs, et ce sera génial de nous donner une idée de la façon dont les choses peuvent être rassemblées sous forme de formes. Je crée d'abord un rectangle. Peut-être un carré, mais il est légèrement plus grand, et je veux garder cette couleur assez légère parce que je vais travailler dessus, en ajoutant de plus en plus de détails. C' est l'avant de la grange. Je vais lui donner un haut incurvé, c'est comme un triangle incurvé, et je vais suivre cette ligne travaillant de côté avec ma brosse pour créer le toit. Maintenant, je vais créer le mur latéral, faisant la même chose que je l'ai fait avec le toit prolongeant la ligne de l'avant de la grange vers l'arrière à un léger angle, puis remplissant cette forme de couleur. Alors on va laisser ça sécher. Mais juste pour vous aider à comprendre comment tout est fait de formes même si ce n'est pas quelque chose de bloc, je vais faire un arbre avec notre vert émeraude. Tout comme nous avons fait les nuages, je vais juste créer ces formes demi-cercle, pas nécessairement les remplir. Ils sont plus comme des morceaux de macaroni, et juste pour qu'esthétiquement ils ressemblent aux nuages que nous avons déjà créés, je vais les faire à plat sur le fond. Faites-en un autre. C'est toujours bon d'avoir une petite répétition dans votre pièce, c'est en fait un élément design. Il est également bon de travailler sur autre chose pendant que vous attendez quelque chose à sécher. Je vais retourner à ma petite brosse ronde pour des détails sur notre grange. Il est encore un peu mouillé. Utilisez un pinceau pour faire tremper une partie de cette eau afin qu'elle sèche plus vite pour nous. Je mélange mon vert émeraude. Lavez mon pinceau un peu avant de le tremper dans le rose. Je les mélange et crée ce violet foncé, et en utilisant le dernier principe que nous avons utilisé, créant des lignes pour faire les bords de notre grange. Si vous voulez regarder une photo de référence pour que votre grange semble légitime, vous êtes les bienvenus. Je travaille juste de mémoire comme un petit exercice amusant sorte de garder la pression hors tension et garder ces vidéos courtes pour que nous puissions continuer à apprendre. Je dessine mes formes et donne à ma grange une belle grande porte. Je lui donne une belle grande fenêtre ici. Encore une fois, en pensant aux formes, disons qu'il est ouvert et que ce sont les fenêtres qui s'ouvrent vers l'intérieur. Mettez dans une autre forme et brûlez deux à moitié. Maintenant, vous avez des fenêtres, pas typiquement, mais peut-être. Vous pouvez même vous concentrer sur une partie de ces nervures qui descendent. Je retourne dans mes arbres. J' ai cette couleur violacée, si j'ajoute un peu d'orange, il deviendra browner, et je crée les branches juste avec des coups simples de ma brosse plate, tendre la main comme de petites mains au tronc de l'arbre. Laisser quelques-unes de ces côtes se montrer. Je vais faire certaines de ces branches l'une à l'autre, l'arbre amusant et fantaisiste. Pour améliorer notre plaisir avec les formes, je vais ajouter quelques feuilles. Ce rouge sur le dessus avec les petits détails verts comme ça. Laissez-moi faire des illustrations vraiment finales. J' espère que vous avez pu apprécier comment tout est fait de formes, et si vous les compilez juste à droite, mon visage ovale, le rectangle que j'ai tenant ma tête, mes épaules rectangulaires, mon rondeur et les épaules descendant vers les ovales qui s'étendent à plus d'ovales, vous verrez comment les formes sont partout, et la forme est si importante dans la peinture. 11. À propos de l'espace: Espace, nous parlons souvent de l'espace dans une peinture comme zone positive et négative. Nous dépeignons la profondeur avec l'espace, nous créons du volume comme dans le poids de la quantité d'espace qu'il y a dans une peinture. L' espace peut être créé par des moyens relatifs, ce qui signifie que nous pouvons créer un espace en superposant certaines choses, en faisant une chose plus loin, tout cela est utilisé pour créer une ambiance, une atmosphère au sein d'une œuvre d'art. Nous pouvons être très techniques et créer de l'espace en utilisant la perspective, en mesurant avec des lignes, veillant à ce que tout recule vers la bonne perspective plutôt que juste des proportions relatives comme dans le premier exemple. Nous pouvons complètement ignorer la proportion et où les choses sont et simplement faire tout plat, plans plats créant de l'espace. Voici quelques peintures qui montrent chacun d'entre eux distinctement. Vous avez la peinture de Salvador Dali où vous avez une idée de l'espace, il va au loin, ce n'est pas un vrai espace, il y a une certaine perspective, il y a une certaine perspective, mais la plupart de notre idée de l'endroit où nous sommes est en comparant un à un autre. Nous avons une perspective, où vous utilisez juste toutes les compétences et capacités techniques que vous pouvez pour créer l'espace. Dans le troisième tableau, nous oublions simplement comment les choses sont grandes les unes par rapport aux autres là où elles se trouvent, c'est juste des plaines plates et nous nous amusons simplement avec les formes pour créer cet espace. 12. Pratiquer l'espace: L' espace est un principe que nous verrons mieux en regardant la dernière composition. Mais l'espace, également appelé volume, est exactement ce qu'il sonne. C' est l'interaction entre le sujet et tout autour. Si je suis assis ici et que je regarde, ça vous donne un sens complètement différent de cette photo que nous regardons en ce moment. Surtout si je regarde loin, qu'est-ce que je regarde ? Donc, nous allons créer un espace en peignant ce qui sera l'espace négatif, l' espace inutilisé, pour ainsi dire, dans notre peinture où nos yeux se font une pause. Mais cela crée aussi un peu de tension avec ce qui ne l'est pas et ce qui l'est. Si je créais un champ, vous commencez par la couleur du milieu, disons le vert que j'ai choisi. Ensuite, je me trouvais dans quelque chose qui pourrait être l'espace proche. C' est ce sur quoi on se tient théoriquement. Maintenant, vous pouvez devenir plus sombre avec la couleur devant nous ou sur laquelle nous sommes, le plus proche de nous. Mais à mesure que les choses s'éloignent de nous, elles deviennent plus légères. Les particules d'eau dans l'air interfèrent avec ce que nous voyons et les choses semblent devenir plus floues et plus légères à mesure qu'elles reculent. Je crée juste quelques champs, champs différents de différentes couleurs, à commencer par ma première couleur, à venir à ce qui est devant nous, puis derrière quelques demi-cercles très aplatis pour montrer que sentiment d'espace. Vraiment amusant de regarder ces couleurs tisser les unes dans les autres. Maintenant, quand vous avez cette idée du volume, vous devez avoir l'attention de quelque chose. Nous avons quelques belles couleurs ici, et je déteste presque les ternir de quelque façon que ce soit, mais nous avons besoin de quelque chose qui nous rappelle que c'est le principal. Qu' est-ce qui est conflictuel ? Qu' est-ce qui est intéressant ? Qu' est-ce qui nous éloigne de ces lavages fluides ? Alors je reviendrai à ça. J' ai laissé cette petite poche blanche. Si tu l'as peint en vert, c'est bon, mais tu vas devoir attendre que tout sèche avant qu'on y travaille un peu plus. Mais je l'ai laissé blanc parce qu'on va y ajouter des fleurs ou de l'herbe. Même un modèle de Xs va suffire parce que ce que nous voulons est quelque chose qui est juste occupé et qui nous fait regarder dans cette direction. Je vais utiliser une couleur qui pourrait être une surprise, c'est brun, parce que je veux que la couleur se sent très différente de ce que tout le reste est. Je crée juste quelques marguerites. En fait, certains sortent de cette petite zone et d'autres saignent. Vous voulez que votre spectateur de votre peinture ait même quelque chose qui les frustrait un peu. Pensez à la Mona Lisa et combien d'intrigue il y a autour du demi-sourire sur son visage. S' il avait été un sourire complet ou s'il avait été évident pour chaque spectateur ce qui se passe là-bas, il n'y aurait pas beaucoup d'intérêt pour la peinture. Mais c'est la vertu dans la façon dont elle est peu inconnue, c'est un peu mystérieuse. J' imagine ce champ comme s'il s'agissait d'une courtepointe et je crée juste un petit motif amusant dans cette poche. Un peu de blanc et un peu de jaune. Je vais essayer de faire le centre de ces marguerites sans trop saigner. On pourrait apporter certains de ces points ici. J' ajoute quelques feuilles juste pour attacher plus loin dans cette étrange petite section de fleurs dans cette grande quantité d'espace négatif. C' est tout ce que nous allons faire pour l'espace, petite courtepointe sur le terrain, subquilt. 13. À propos de la texture: Un élément très amusant de l'art est la texture. Ce qui est amusant avec la texture, c'est que nous pouvons parler la façon dont une peinture se sent en la regardant, ou de la façon dont une peinture se sent en la touchant, ou de la texture peut également être créée par motif. Je ne recommanderais pas de toucher un tableau, mais nous avons vu des peintures qui sont faites telle sorte qu'elles aient une texture tactile pour eux. La plupart de la texture que nous voyons dans l'art est visuelle. Nous utilisons nos crayons et nos pinceaux pour essayer de montrer la texture de quelque chose, puis modeler, c'est la répétition, le mouvement qui est créé pour montrer la texture. Voici quelques exemples de texture. Nous avons des nénuphars de Monet qui ont une texture palpable, si vous pouviez être assez près pour toucher une de ces peintures, vous sentirez la texture de cette peinture juste là. Nous avons de beaux croquis montrant les détails, si nous avions zoomé sur ce lièvre, vous verrez des détails très complexes et montrant différentes textures sur les oreilles par rapport aux moustaches par rapport à la fourrure du ventre. La texture est également montrée à travers le motif, sorte qu'il pourrait ne pas être une texture trouvée dans la nature, trouvée sur terre, il peut être une idée perçue de la texture à travers un motif. 14. Pratiquer la texture: Aujourd'hui est une texture amusante. Ce qui est amusant avec la texture, c'est que nous pouvons utiliser à peu près n'importe quoi pour l'explorer, parce que la texture est tout au sujet de la variété. Je vais commencer avec des aquarelles depuis que je les ai dehors. Mais je veux que tu utilises tous les médiums que tu as. Peut-être que vous regarderez ce que je fais et vous penserez, « Je pense que je pourrais reproduire ça avec autre chose ». Nous allons faire quelque chose de différent dans la façon dont nous peignons. Je vais vous montrer la technique du pinceau sec plutôt que le mouillé sur mouillé. Il est à la hauteur de son nom. Nous voulons un pinceau sec mais propre. On va le tremper dans de la peinture. Comme nous peignons différentes lignes, vous verrez qu'il crée une texture rugueuse lorsque le pinceau frappe le papier, et qu'il n'a pas vraiment beaucoup de peinture à utiliser. Ce qui est amusant dans la création de textures, c'est que vous pouvez créer des motifs. Vous pouvez utiliser beaucoup de médiums différents et y ajouter des choses. Vous pouvez peindre avec de la peinture acrylique ou de la peinture acrylique et ajouter du sable, ou vous pouvez aller au magasin et l'acheter déjà là-dedans. C' est vraiment amusant aussi de créer des textures avec les mêmes fournitures que vous utilisez. Encore une fois, voici ma brosse, j'ai ajouté de l'eau, et au lieu de peindre une boîte et de la remplir, je vais tamponner avec elle de haut en bas. Aujourd'hui, c'est juste explorer différentes textures avec tout ce que vous avez à portée de main. Je vais sortir mes crayons de couleur et essayer quelques textures avec ceux-ci. Je vais continuer à explorer avec les matériaux que j'ai, les peintures à l'aquarelle parce que je veux vraiment exploiter toutes les façons dont je pourrais utiliser mes matériaux. Je suis en accord avec mon schéma de couleurs. Juste pour vous aider à avoir une cible ou quelque chose que vous créez avec ces choses, disons simplement que nous fabriquons de l'herbe et du feuillage dans différentes textures. J' espère que vous avez découvert de nouvelles textures que vous pourriez créer non seulement en utilisant différentes fournitures d'art, mais en les utilisant différemment, et en créant différents types de lignes dans votre travail. 15. À propos de l'échelle: La taille est un élément très important dans la peinture. Nous allons penser à la taille de cette façon. Ça peut être naturel. Taille si proportionnée. On pourrait aussi parler de l'échelle de la peinture elle-même ou des choses qui se trouvent dans la peinture. Mais si c'était dramatique, nous pourrions avoir une très petite personne, une très grande personne. Nous avons peut-être quelque chose qui devrait être plus petit, être grand. Et c'est là pour raconter une histoire. C' est là pour une intention et c'est à l'intérieur de la peinture. La taille peut être hiérarchique. Nous utilisons la taille pour montrer à quel point quelque chose est important en le rendant massif et en faisant tomber d'autres choses. La peinture elle-même peut être massive ou minuscule, pour communiquer plus dans la peinture. Être un terme moyen, un autre élément, une autre partie importante de ce tableau, à travers la taille et l'échelle. Quelques exemples de ce changement dramatique en rendant les choses disproportionnées, ou nous nous concentrons sur les côtés des choses et manipulons cela pour raconter une histoire, illustrée dans ce tableau appelé Curiosity. Le deuxième exemple de structure hiérarchique en taille. Nous voyons surtout sur le côté droit, que les pneus de l'importance de la façon dont les choses sont grandes. Il pourrait être dans l'ordre de celui-ci, mais aussi dans l'échelle. Donc, quelque chose qui est fait pour être très important sont placés presque mathématiquement de sorte que nous les voyons dans cet ordre. Un de mes artistes préférés, Chuck Close, fait des portraits massifs qu'il fait d'une manière vraiment unique. Tu peux le regarder quand tu auras le temps. Mais il rend ces portraits très grands, donc de près, ils ne ressemblent pas à des portraits. Ils peuvent être appréciés de loin. Cela fait partie de ce qu'il essaie de communiquer et il le fait à travers la taille à partir de l'échelle. 16. Pratiquer l'échelle: Parlons de l'échelle ou de la taille. L' activité d'aujourd'hui est assez simple ou cette activité est assez simple parce que c'est un peu comme ce que nous avons déjà fait, mais nous allons zoomer sur quelque chose que nous avons déjà peint. La chose la plus facile pour nous de zoomer est les fleurs. Dans le projet spatial, nous avions une petite section de marguerites, donc nous allons juste faire une ou deux qui sont vraiment de gros plan et juste penser à la différence entre les petites et les grandes. Ce que vous allez regarder, cette tension qui intéresse qui se produit simplement en changeant la taille ou l'échelle de quelque chose. En utilisant mon pinceau quatre rond, je vais juste peindre la marguerite, les centres jaunes faciles. Je vais en faire un qui est un peu un angle. Allons-y grand. Puis avec l'une de mes couleurs chaudes, je vais m'étendre à partir de là pour créer chaque pétale en commençant par ce pétale incliné afin que vous puissiez voir des fleurs ou ces fleurs radiales sont fondamentalement un astérisque. Si vous pensez à un astérisque tirant du centre vers l'extérieur. On essaie de penser, d'accord, si ça commence à partir d'ici, ça devient un peu plus large, c'est un peu plus grand. boucles autour et ceux-ci vont être dans une formation de croissant car ils deviennent plus larges et plus courts, enroulant autour du centre de la marguerite. Maintenant, puisque celui-ci est plus grand, le centre était plus grand que l'autre, c'est pourquoi je voulais travailler dessus d'abord parce qu'il est en face de cette ligne. Cela fait partie du principe de l'échelle. Cette taille va être beaucoup plus franche. Debout juste devant nous, en nous regardant, c'est beaucoup plus facile de prendre nos repères dessus. Encore une fois, c'est amusant et une idée intelligente de travailler sur plusieurs choses à un moment où vous peignez à l'aquarelle. Parce qu'il est important d'avoir le bon timing sur certaines choses et de les laisser s'asseoir et sécher jusqu'à l'étape suivante. Soyez prudent de placer les pétales de cette marguerite derrière ce qui est déjà peint, donc vous avez un peu de ce chevauchement qui se passe. Je trempe dans le jaune et je vais beaucoup plus épais dessus. Beaucoup plus de peinture sur mon pinceau et moins d'eau pour que je puisse moucheter un peu de texture au centre de ces marguerites. En utilisant votre vert, en faisant attention à aller derrière ce qui est déjà là. Puisque nous parlons d'échelle, que diriez-vous de donner à celui-ci quelques belles grandes feuilles juste pour le rendre un peu différent des tiges, ajouter un peu de blanc. Je vais quitter le centre avec un peu d'un design juste pour que la flexibilité, je peux ajouter une couleur différente si je veux dans une seconde ici. C' est incroyable d'avoir une seule feuille. Vous en avez besoin. Personne ne sait pourquoi. Dans ce centre bizarre que j'ai laissé ici, je ne pense pas que ce soit typique des marguerites, mais je vais ajouter une couleur contrastée, juste parce que je ne peux pas, c'est ma petite ferme fantaisiste que j'ai ici. Enfin, je vais ajouter un peu plus de définition aux marguerites en utilisant le principe de la ligne. Ajout de quelques lignes centrales, quelques marqueurs de bord d'angle où j'ai l'impression que ce qui se passe ici n'est pas tout à fait clair. Parfois, tu n'as pas à être aussi clair. Parfois, vous pouvez être très bien défini et parfois pas et en tant qu'artiste, vous pouvez choisir quand faire cela et quand juste ne pas décrire quelque chose. Il devient à la fois un choix stylistique et quelque chose qui doit juste arriver. Par exemple, ici, lorsque les choses se chevauchent, je ressens le besoin d'ajouter plus de couleur pour aider à définir de sorte que nos yeux ne vont pas, ce qui se passe là-bas. Tout à fait compris. Alors nous sommes forcés de présumer, nous nous sentons un peu mal à l'aise. C' est amusant de rendre chaque raison responsable parfois en créant un peu de tension, un peu d'entrée. Mais quand il s'agit de choses plus évidentes comme le chevauchement et où les choses sont vraiment, où elles se rencontrent et où elles finissent. Alors nous devrions fournir des indices visuels pour ça. Alors je vais certainement conseiller l'élément de mienne pour aider à trouver ce que nous regardons ici. Juste pour le bien de notre page de carnet de croquis ici, sorte que quand je regarde en arrière, je sais ce que je voulais dire par échelle. Permettez-moi de peindre quelques marguerites très simples ici, vaguement avec mon pinceau pour montrer une différence de taille entre les marguerites ici en haut à vaguement avec mon pinceau pour montrer une différence de taille entre les marguerites ici en droite et les marguerites ici en haut à gauche. Alors séchez votre gros truc et une petite chose pour montrer de l'échelle. 17. À propos de la direction: Direction. La direction est la façon dont nous guidons l'œil à travers une peinture. Vous pouvez le faire, et la façon la plus évidente avec la ligne. Quand nous avons parlé de ligne, vous les avez probablement vus aller dans une direction, donc cela fait une ligne de direction assez simple. Mais nous pouvons également utiliser la lumière pour créer une direction pour guider l'œil vers un certain point focal, pour apporter des taches de lumière partout ou même la couleur. Parce que la couleur à nouveau, est une autre façon d'illustrer la lumière. C' est une autre perception de nos yeux. La direction pourrait être quelque chose qui simplement fait par la taille de votre peinture. Si vous le faites dans un paysage horizontal ou une orientation carrée, cela changera radicalement une peinture si vous en faites une orientation différente, un format différent. La façon dont vous créez votre art, la surface que vous créez, les cotes jouent également un rôle. Un exemple célèbre de l'utilisation de la ligne et de la texture de marquage vraiment arc est Starry Night by van Gogh. Les lignes dirigent l'œil à travers le ciel pour se déplacer tout au long de la peinture, ce qui le fait d'une manière très fluide. Dans la peinture du milieu, vous voyez comment la lumière, la lumière, et la lumière et l'obscurité de la figure de gauche va dans le recul regardant vers le bas. Mais vous voulez regarder vers le bas parce que vous êtes guidé par la lumière de ce tableau et la direction des figures. Le format de ce troisième tableau japonais combien de temps il est, c'est pour nous faire sentir une certaine façon et comprendre la peinture d'une manière différente que si elle avait été horizontale. 18. Pratiquer la direction: D' accord. Maintenant, nous entrons dans des valeurs de type compositionnel plus larges. Direction. La direction est essentiellement la façon dont nous guidons l'œil. Il repose sur le point focal que nous avons dans une peinture. Bien que nous n'ayons pas encore notre peinture assemblée, et nous n'allons pas créer une toute nouvelle peinture juste pour en apprendre davantage sur la direction. Je vais vous donner quelques petits raccourcis et exercices que nous pouvons dessiner et peindre juste pour avoir quelques idées sur la façon de dépeindre la direction, comment guider l'œil à travers la peinture. Un moyen très utile que nous utilisons pour guider l'œil à travers la peinture est à travers la couleur. Utilisez le contraste le plus élevé ou la couleur la plus brillante dans l'endroit vers lequel vous voulez que l'œil soit guidé, tandis que d'autres couleurs pourraient s'amplifier sur le chemin. Voyez-vous comment l'œil veut naturellement aller d'ici à là. Il veut vraiment arriver au jaune. Une autre façon de guider la direction de l'œil est essentiellement en le dessinant pour l'œil. Je vais utiliser un peu de ce blanc, faire une menthe et en faire une rivière. Votre œil ne peut résister à cette rivière, quelle que soit la couleur que nous faisons. Il guidera naturellement l'œil ou à travers des lignes plus minces. Ça n'a pas besoin d'être un gros sujet. Ce pourrait être juste un peu juste une ligne simple. Une autre grande pratique dans les formes linéaires. Vous verrez que beaucoup utilisé avec les illustrations avec calligraphie. Ils guideront votre œil en utilisant les lignes. Nous avons dirigé les gens avec les couleurs que nous utilisons, avec l'intensité des lignes ou même le sujet qui est montré dans cette petite rivière. C' est ce que je dois suivre. C' est juste une indication visuelle claire de l'endroit où mon œil doit travailler. Un autre est en priorisant. Nous avons parlé de la taille avant et nous avons parlé de l'échelle. Comme quelque chose de plus grand va attirer votre attention. Et si tu mettais ces choses plus grosses dans des endroits stratégiques pour encore guider l'œil ? On l'a fait avec la couleur. Mais si cette rivière nous conduisait à un lapin au bout de la rivière. Maintenant, je peux mettre ce lapin ici et je pense qu'il attirerait l'attention de toi. Tu crois que je pourrais guider ton regard vers ce lapin ? Il est isolé, il est seul, et il est près de ce grand orbe jaune vif. Mais si j'avais créé quelques oreilles qui jetaient un coup d'œil du coin, ton œil serait guidé par l'échelle vers ce lapin juste parce qu'il est si grand et qu'il demande une certaine attention. Vous pourriez être guidé vers lui à cause du contraste. Peut-être pas nécessairement la couleur, mais ce deuxième principe que nous avons appris de la valeur. Utiliser des tons clairs et sombres et créer une tension là-bas en faisant regarder l'œil où il y a différentes valeurs en cours. Ça va t'aider à regarder mon lapin. Même s'il sort de la page, même s'il ne l'est pas, peut-être l'essentiel, vous ne pouvez pas l'ignorer. Il fait bouger vos yeux parce qu'on a ce brun foncé à côté d'un fond blanc. Pratiquez quelques lignes de direction, jouez avec le contraste des choses et voyez si vous pouvez vous défier de sauter autour de la page autant que vous le pouvez. Fais sauter quelqu'un de ces mignons. Dans ma peinture, vous voulez regarder ce lapin et ce lapin vous guide à travers les couleurs froides de plus chaud à plus chaud, à très lumineux, à très somptueux, très isolé lapin en arrière-plan tandis que ces lignes peuvent affirmer, oui, vous avez atterri au bon endroit. Dans la prochaine leçon, nous explorerons comment faire s'attarder un peu plus longtemps à votre peinture. 19. À propos du temps: Le temps est combien de temps vous faites que votre spectateur s'attarder. Quand il s'agit de ce principe, il est juste mieux montré dans les exemples. Donc on va y aller directement. Une peinture peut nous faire s'attarder en nous faisant sentir quelque chose, ou peut-être en regardant la peinture, vous avez un sens du temps. Peut-être que vous regardez un tableau qui a une vaste étendue et qui ressemble à un temps plus long, ou cela pourrait être une peinture romantique et passionnée très émotive comme celle-ci dans The Kiss de Gustav Klimt. Nous pouvons sentir le temps à travers le mouvement et ce pourrait être un type de peinture vraiment complexe. Pensez à regarder dans une cathédrale et à voir une fresque sur le plafond et à remarquer tous les détails des anges et des chérubins et tout ce qui se passe. Le mouvement là-bas vous fait vous attarder et passer plus de temps là-bas. Il communique aussi le temps parce que ce que nous vivons, ce que nous faisons en nous attardant à une peinture est en fait alimenter l'interprétation de cette peinture. Ça pourrait être très simple, comme dans Andy Warhol, la soupe de Campbell. Nous avons quelque chose qui est si surprenant que cela nous amène à faire une pause, et nous essayons vraiment de comprendre ce que ce tableau essaie de communiquer, ou peut-être nous faire regarder quelque chose d'une manière différente ou nous forcer à faire une pause et regardez quelque chose que nous passons tous les jours. 20. Pratiquer le temps: Très bien, le temps pourrait être appelé mouvement. Ce qui est drôle dans le temps, c'est que ce n'est pas un élément d'une peinture que l'on voit sur la peinture, c'est l'effet de la peinture sur le spectateur. temps que quelqu'un passe à regarder votre pièce peut être déterminé par beaucoup de choses. Le temps peut être montré ou amené par contraste. Beaucoup de choses dont nous avons déjà parlé, ce contraste brutal, qui peuvent nous faire regarder quelque chose beaucoup. Répétition, où nous avons les mêmes éléments encore et encore, et notre esprit essaie de comprendre ce que ce rythme, ce que cette répétition est ou peut-être vous êtes vraiment magistral dans la direction pour guider le spectateur tout au long. Peut-être que vous êtes vraiment magistral dans les détails, les couleurs, les tons, les valeurs. Peut-être que tu es vraiment super pour montrer la forme. J' ai regardé des morceaux parce que je suis juste attiré par leurs formes. Ça pourrait être n'importe quoi, mais ça doit être bien fait, et c'est certainement généralement une combinaison de ces choses. Comme nous considérons cela, nous sommes à la fin de beaucoup de pages de carnets de croquis et vous pouvez certainement créer certains de ces motifs dans votre carnet de croquis. Ce que nous allons faire aujourd'hui, c'est faire des croquis miniatures. Quand j'étais à l'école d'art, l' une des premières choses que j'ai faites était de créer des croquis miniatures et d'apprendre ce qu'ils étaient. croquis miniatures sont de minuscules petits croquis, de minuscules petits dessins, peut-être la taille de votre vignette qui aident à décrire ce que vous allez faire. C' est comme ton plan pour ta pièce. Maintenant, nous avons créé beaucoup de choses sans créer d' esquisses miniatures, mais ces esquisses sont très pratiques en particulier car nous considérons, enfin, la composition de la pièce, ce qui aidera nos spectateurs à sentir le mouvement dans la pièce et comprendre le temps et utiliser le temps pour s'attarder à eux. La première chose que vous allez faire lorsque vous créez votre esquisse miniature est de décider si votre pièce sera horizontale ou verticale. Il se sentira comme une expression différente du temps lui-même. Si vous regardez les bandes dessinées, vous verrez que les volets les plus larges d'une page de bande dessinée, le volet étant la petite fenêtre avec le dessin, exprimeront le temps le plus long. Peut-être que c'est une vue panoramique ou peut-être que c'est quelqu'un qui est assis et c'est une très longue période de temps ennuyeux, alors que les panneaux très dynamiques sont verticaux et vous voyez cela, et peut-être qu' il y a une séquence de combat ou quelque chose qui va rapidement succession. Vous pouvez également choisir de faire un carré, surtout si vous essayez de publier sur les réseaux sociaux, c'est pratique. Mais lorsque vous créez des esquisses de miniatures, pensez à ce que vous souhaitez ressentir votre arrière-plan. Si c'est plat et horizontal peut-être une orientation horizontale est préférable donc il se sent très placide, très calme avec votre petite grange et un papillon, soleil, ruisseau, cheval ou peut-être que vous voulez montrer la majesté de ce lever de soleil dégradé que nous avons fait. La grange est juste rentrée ici. Remarquez comment déplacer les choses nous fait voir le même sujet très différemment. Même si cette rivière guide toujours nos yeux vers le soleil, avoir ces énormes fleurs au premier plan utilisant cette échelle et la couleur une fois ce sera les showstoppers. Alors que dans ce tableau, c'est beaucoup plus calme, peut-être même stagnant et que le temps est très lent et que la peinture pourrait ne pas nécessiter autant de temps du côté du spectateur pour la regarder. Si vous avez déjà été dans une galerie d'art et que vous avez vu quelqu' un regarder une pièce et que vous pensez, est-ce qu'ils regardent ? Ils doivent être tellement plus profonds ou perspicaces que moi. C' est exactement de ça que je parle. Si quelque chose est vraiment complexe, vous allez simplement vous y attarder naturellement si c'est assez intéressant. Une grande partie de cela dépend de l'équilibre des choses qui nous intéressent et de la façon dont nous allons interpréter les choses dans notre cœur. Donc différentes choses vont impressionner différentes personnes, mais les principes sont toujours les mêmes, ils sont juste réarrangés. Selon vos préférences, vous pouvez créer un travail qui a un paysage à l'envers ou a la grange est juste à peine visible ici et est hors du côté et à l'envers, jamais fait cela auparavant. Mais en fonction de votre style, vous allez créer différentes vignettes pour essayer de représenter le look que vous recherchez. Créez au moins trois, de préférence quatre, croquis miniatures pour vous aider à comprendre comment le temps et mouvement entrent en jeu comme une combinaison de beaucoup de choses que vous avez appris jusqu'à présent. Dans la leçon suivante, quand je parle de composition, je vais prendre les peintures que nous avons utilisées jusqu'à présent et les compiler dans une composition agréable ou peut-être plusieurs. C' est une source pour beaucoup de gens, donc j'ai hâte de vous montrer quelques approches différentes pour le faire. Mais avant de le faire, assurez-vous de comprendre comment guider l'œil, comment garder l'œil sur votre peinture dans le temps. 21. À propos de la composition: Enfin, la composition. C' est là que tout se rassemble, et c'est ainsi que la peinture est soigneusement arrangée. Quand on pense à la composition, on peut le faire de tant de façons différentes. Il est vraiment difficile de le mettre sur une seule diapositive et le réduire à ces idées de déséquilibre de l'unité, nous avons un certain mouvement. Nous avons une peinture qui se sent bien arrondie ou mise à la terre. Nous pouvons créer de la composition en guidant l'œil dans de nombreux endroits différents. En créant du mouvement et du rythme, en créant différents points focaux et en forçant stratégiquement le spectateur à regarder autour du tableau. La composition est également obtenue grâce à l'intention ciblée. En utilisant toutes ces choses, tous ces éléments dont nous avons parlé, en utilisant l'obscurité et la lumière, en utilisant des lignes dures, des lignes épaisses et des lignes douces, il y a une tension là. En combinant ces ingrédients, il y a ces différents aspects qui nous font remarquer la composition parce qu'elle nous force vraiment à nous attarder et à remarquer toutes ces choses qui se réunissent. Voici quelques exemples. Unité et équilibre dans les peintures de Frida Kahlo. Elle a souvent une symétrie directe, donc vous avez deux Frida Kahlos qui se regardent, et ils sont équilibrés de façon presque symétrique. Degas est connu pour son mouvement et son rythme. Si vous voulez étudier la composition, c'est un grand artiste à découvrir. Il y a beaucoup d'intention de concentration dans les peintures qui sont plus occupées, qui utilisent plus de couleurs, qui utilisent plus de lumière à leur avantage. Rassemblons tout dans nos compositions. 22. Pratiquer la composition: Composition, comme nous considérons la composition, c'est un biggie. Beaucoup d'entre nous luttent vraiment avec cette idée. Nous savons que c'est important, où nous mettons les choses et comment les arranger correctement. Mais je veux vraiment que vous vous concentriez sur le fait que nous avons accumulé neuf jours en pensant à tous ces autres éléments pour culminer ici. Ironiquement, il était difficile de placer neuf ou dix à la fin parce que nous voulons jouer avec la composition afin de recevoir l'objectif final du temps. Mais de toute façon, ce segment n'est pas à propos de vous aller dans Photoshop et de prendre tous ces éléments et de les assembler comme je l'ai fait, je veux juste illustrer pour vous comment toutes ces choses peuvent se réunir pour devenir quelque chose cela montre probablement la plupart des éléments dont nous avons parlé jusqu'à présent. Comme nous considérons la composition, comme vous me regardez les assembler d'abord dans un format carré, sorte de format horizontal, puis dans une composition verticale, sorte que vous obtenez une impression différente de la façon dont ils sont intrinsèquement va avoir un effet différent sur le spectateur. Je veux juste vous donner quelques conseils que vous considérez la composition. J' ai tous les éléments, les choses que nous avons créées dans les derniers segments, les derniers principes, et ils sont comme ces différentes pièces de puzzle. Vous devez d'abord considérer les plus grands. Nous avons de l'espace, et dans notre cas, dans notre exercice, la couleur. La couleur ne doit pas nécessairement être quelque chose que vous bougez, pour ainsi dire. Mais depuis qu'ils ont fait les exercices, nous avons ce beau dégradé de couleur, qui va en fait servir de ciel de fond. Une fois que nous les plaçons, avons cette couverture, ce schéma de la taille que cela va être, alors nous choisissons les choses par priorité. Quand vous pensez à votre composition, comment vous voulez exposer les choses, pensez toujours à la façon dont vous allez guider l'œil. Bien sûr, la direction, le flux, le mouvement, toutes ces choses. Mais où allons-nous atterrir ? Quel est l'endroit où vous voulez vous assurer que votre spectateur ne va pas manquer ? Ce sera votre point focal. Toutes les grandes œuvres d'art n'ont pas un point focal clair. Je sais que ça a l'air bizarre. Mais rappelez-vous que tous ces éléments n'ont pas à être en jeu. Nous choisissons et choisissons et cela dépend vraiment de la façon dont quelqu'un travaille, et c'est ce qui le rend amusant et excitant. Est-ce que différents artistes pensent si différemment, et cette classe est pour vous aider à décoder ce à quoi vous réagissez, ce que vous aimez, et comment cette pièce est bonne et cette pièce est bonne et ils sont si différents. Si vous voulez gâcher avec des morceaux comme je suis et les placer à différents endroits, en commençant par la première priorité du point focal et en terminant par plus de textures et en décidant où mettre ces petites notes, vous pouvez le faire dans Photoshop. J' ai un tutoriel pour cela, que je vais lier ci-dessous. Vous pouvez également le faire sur une application de téléphone en prenant une photo, effaçant l'arrière-plan, puis vous avez tous ces petits éléments à jouer avec. Vous pouvez le faire comme une méthode vieille école et littéralement couper et coller, ce qui est en fait beaucoup de plaisir et peut être une autre façon de grandir. Vous n'avez pas le luxe de mettre à l'échelle des choses plus grandes ou plus petites les étirer ou de les dupliquer aussi facilement que vous le faites numériquement. Mais il a une sensation complètement différente, et donc vous jouez avec les bords de forme et de ligne d'une manière que vous ne le feriez pas avec ces méthodes numériques de travail. Encore une fois, quand vous pensez à la composition, peut-être que vous créez une autre pièce pour aujourd'hui, pour cet exercice, ce serait génial aussi, tout comme vous l'avez fait toutes ces petites parties. Maintenant, vous savez comment vous voulez les organiser en fonction du temps, du mouvement, de la miniature, de l'exercice, et maintenant vous savez comment vous vouliez peindre votre pièce. S' il vous plaît, ce serait génial. J' adorerais le voir dans la zone du projet. Nous créons d'abord un point focal, nous sélectionnons ce que nous voulons que ce soit. Ensuite, nous avons tous ces autres éléments qui tombent en dessous par ordre de priorité. Comment ces éléments vont-ils se mettre en place ? Dans notre exercice d'être un paysage, nous regardons quelque chose et nous regardons dans la portée, dans la profondeur de l'arrière-plan, et ainsi cela crée ces couches. C' est pourquoi je vous ai fait peindre des collines dans ces couches parce que cela nous aidera à organiser visuellement. Commencez à vous réchauffer pour l'idée de la façon dont nous allons organiser nos pièces pour être mises à l'échelle. Donc, à mesure qu'ils se rapprochent, leur plus grand, ils vont plus loin, ils sont plus petits, et nous avons un peu plus de profondeur déjà intégré, ce qui est tellement génial. Quelque chose dont il faut se méfier lorsque vous créez une composition et que vous placez des choses. Nous ne voulons pas que les choses se frottent les unes contre les autres pour être juste à côté de l'autre, nous voulons que les choses se chevauchent un peu pour savoir ce qui se passe en premier et ce qui se passe derrière. Visuellement, il lit mieux, lit plus vite a du sens, et il ne nous laisse pas confus à travers l'espace entre les deux. C'est tout à fait bien. On ne veut pas que les choses se croisent les unes contre les autres. Lorsque vous pensez à la composition, vous pouvez également la pousser plus loin dans les bords. On n'a pas besoin d'être confinés à cette place. Nous pouvons travailler au-delà des limites. Vous n'avez pas besoin d'être confiné à l'espace qui est. Si vous l'encadrez sur un tapis, vous pouvez toujours agrandir le cadre sur le tapis. Si cette composition n'est pas évidente pour tout le monde, si ce n'est pas facile à lire, c'est vraiment correct. Nous voulons que ce soit un peu délicat. Quand quelque chose est peut-être trop simple à comprendre, alors c'est une lecture rapide. On ne va pas passer beaucoup de temps à l'examiner. Mais plus vous réfléchissez à la façon dont vous assemblez votre pièce, plus quelqu'un passera de temps à la regarder. Il y a un temps et un lieu aussi pour un art très simple et je ne suis pas contre cela. Vous verrez souvent que mes pièces ne sont qu'une chose isolée sur un fond, mais quand nous pensons à bien composer les choses et que nous voulons en savoir plus sur la façon de le faire, c'est là que nous devons être un peu plus intentionnels à ce sujet. récapituler, nous trouvons un point focal. Nous priorisons toutes les formes restantes. Nous pensons à la profondeur et à la perspective. N' aie pas peur par ces mots. Cela signifie juste comment les choses ont l'air à distance plutôt que de gros plan. Lorsque vous créez une scène, quand elle est en gros plan, elle est plus grande, quand elle est plus éloignée, elle est plus petite. Plus ils sont détaillés quand ils sont en gros plan, plus ils sont flous quand ils sont en arrière-plan. Alors ramenez la couleur. J' aime commencer par la couleur et finir par la couleur. La couleur étant si importante dans mon travail et dans beaucoup de travail de gens. Dans beaucoup d'œuvres d'art à la fin, nous regardons les choses. Est-ce qu'il se sent unifié, sont les couleurs mouchetées sur, y a-t-il un dégradé en cours, ai-je ça, est-ce trop organiser. C' est presque comme s'habiller le matin, tu veux correspondre, tu veux te coordonner, mais tu as l'impression de le faire trop. Je vous mets au défi de jouer avec les pièces avec lesquelles nous avons déjà travaillé au cours des derniers exercices, dans les derniers principes, ou de créer une nouvelle pièce maintenant avec ce que vous savez. Juste pour exercer un peu sur cette pièce de compensation de la façon de créer un grand art. 23. Bonus : plus d'apprentissage !: Vous pouvez trouver plus de plaisir de couleur avec la classe de soleil et de lune que j'ai ici sur Skillshare. Nous avons peint des soleils et des lunes, arrangeant d' abord notre schéma de couleurs et en jouant avec des schémas de couleurs complémentaires divisés. Vous verrez que mélanger les couleurs est vraiment facile. les mélangeant et en les combinant pour créer des palettes agréables et créer aussi une certaine tension visuelle. La valeur est importante et c'est celle que nous ne voulons pas manquer. Si vous voulez vous amuser plus avec les valeurs et les couleurs, nous remplacons les valeurs par la couleur dans cette classe de portraits d'animaux, cela va défier et étirer la relation entre ces deux. Une artiste que j'ai cherché pour savoir comment elle a manipulé la forme était Mary Blair. J' ai fait des cours ici sur Skillshare dédié à elle, où même j'ai eu à inclure beaucoup d' artistes différents qui sont également influencés par son travail. Les projets comprennent l'accent sur la forme et la fabrication de choses différentes. Tu devras le regarder pour voir. 24. Synthèse rapide: J' espère que vous avez appris quelque chose et j'espère que vous avez sorti votre carnet de croquis et que vous avez pu explorer certaines choses que vous saviez y être. J' enseigne depuis quelques années maintenant et je vois les gens s'enthousiasmer à l'idée de créer. Nous sauterons dans la création, nous sauterons dans comment faites-vous cela et comment peignez-vous ça, et comment dessinez ça ? Nous sommes intéressés par différents sujets. Magnifique. Mais on arrive à un endroit où on se rend compte que je ne sais plus ce qui fait quelque chose de bon ? Ou je peux faire cette chose isolée, mais alors comment puis-je la mettre en contexte ? Comment puis-je savoir que ça va avoir l'air droit ou avoir du sens ou que j'utilise les couleurs que j'aime et que je n'applique aucune théorie des couleurs à elle ? Ce sont d'excellentes questions et je n'ai pas l'impression  : « Oh, j'ai raté le bateau parce que je ne l'avais pas fait avant. Je n'avais pas pensé à ces choses avant. Tout ça fait partie du jeu. C' est à ça que sert cette classe. J' espère que c'était une bonne façon d'exercer les choses qui sont enseignées dans les manuels scolaires et qui peuvent être enseignées à grande échelle dans les universités ou les écoles d'art. Mais je voulais que vous vous saliez les mains, que passiez quelques minutes par jour ou quelques minutes pendant la durée de ce cours et que vous exerciez ces principes. J' espère que vous continuez à peindre et j'espère que vous laisserez un commentaire, faites-moi savoir à quel point vous aimez la classe. Si vous voulez me trouver sur les réseaux sociaux, je vais après watercolordevo, D-E-V-O à la fin tout un mot ou vous pouvez essayer d'épeler mon nom et vous me trouverez probablement n'importe où. Mon site Web est mon nom amarilyshenderson.com ou watercolordevo.com. J' espère faire plus de ces vidéos où je peux briser quelques principes de base sur l'art qui sont une grosse affaire et qui peuvent améliorer votre travail à n'importe quel niveau de création que vous êtes à. Veuillez poster un projet. Je veux voir sur quoi vous travaillez. Merci d'avoir fait partie de la classe.