Le quatrième mur

1. Réalisation du qu'en - Épisode 1 : les bases: Bonjour, tout le monde. Bienvenue dans une série passionnante de tutoriels, de la réalisation cinématographique et cinématographique. m'appelle Georgia Dradis et je suis le directeur du développement de contenu chez Stocks the United Today Et pour les 10 prochains jours, nous allons tourner un court métrage ici à Atlanta, en Géorgie, et nous allons utiliser le court métrage comme toile de fond pour vous enseigner certains des principes fondamentaux de la réalisation cinématographique. Dans ce premier épisode, nous allons couvrir certaines des bases et ce que vous devez savoir si vous passez pour photographie à la vidéo. Pour ceux d'entre vous qui sont photographes, vous avez déjà une longueur d'avance incroyable en matière de vidéo. Ainsi, lorsque vous passez à la vidéo, vous constaterez que beaucoup de principes fondamentaux sont exactement les mêmes. La partie passionnante de la vidéo est toutes les nouvelles opportunités incroyables de narration que vous aurez. Je pense que cela peut souvent être intimidant d'entrer dans un film ou une vidéo souvent, surtout quand on voit ce qui y passe dans le nombre de personnes dans la quantité d' équipement. Mais tant que vous suivez quelques règles fondamentales et des directives de base pour raconter une histoire avec le mouvement, vous constaterez que vous n'avez pas besoin de ce gros équipement de fantaisie ou que vous n'avez pas besoin de toutes ces personnes supplémentaires. Vous avez juste besoin d'une caméra capable de capturer le mouvement, et c'est tout. Alors commençons par les bases mêmes. La fréquence d'images est exprimée en images par seconde. Se référer également à l'expression FP pour un court à 24 images par seconde, vous obtiendrez l'aspect cinématographique auquel vous êtes habitué lorsque vous regardez des films. C' est ce qui vous donne cette belle motion. La façon d'obtenir le ralenti est de filmer des séquences à la cadence d'images plus rapide, comme 60 ou 120 images par seconde. Et puis vous avez joué une vitesse standard, quelque chose comme 24 images par seconde. Une bonne règle de base en ce qui concerne la vitesse d'obturation est que lorsque vous filmez en temps réel et non au ralenti pour doubler votre image, droite. Ainsi, par exemple, si vous tirez à 24 images par seconde, a dit votre vitesse d'obturation à 50. Hé, je prépare juste notre caméra B pour un tournage. Aujourd'hui, certains des paramètres standard étaient la prise de vue de 24 images par seconde avec un obturateur de 100 à 80 degrés pour maintenir ce flou de mouvement cinématographique que nous avons tous l'habitude de voir et nous avons un eso de base de 800 sur cet appareil photo. C' est une magie noire ou tant de pro. Mais heureusement, cette caméra a été intégrée et des filtres D que vous auriez besoin de mettre en face de l'objectif. Heureusement, avec cette caméra, ils sont tous internes. Ça nous aide un peu. Nous allons filmer une profondeur de couleur brute de 12 bits juste pour obtenir toute la plage dynamique et toutes les informations du capteur. Et cela nous donne la possibilité de changer le i s donc et de changer beaucoup de paramètres après le fait au cas où nous rencontrons des problèmes où, comme si nous devions tirer sur pro rez, nous ne serions pas en mesure de le faire, Nous serions verrouillés dans tous les paramètres que nous avons pris, et cela ne vous donne pas beaucoup de flexibilité. Donc, pour le film, nous tournons à l'état brut afin que nous ayons cette capacité de changer les choses après, si nous en avons besoin. Malheureusement, je ne vais pas pouvoir tirer sans perte parce que c'est environ 500 mégabits par seconde et qu'on serait à court de cartes en un rien de temps. On va filmer un taux de compression de 3 à 1 avec les lentilles anamorphiques utilisées. Malheureux n'ont pas pu utiliser la résolution complète de 4,6 K de cette caméra. On doit passer à un mode anamorphique à trois canettes. Ensuite, nous devons aller à notre cadre, à son tour, sont deux fois anamorphiques t presser sur. Jetons un coup d'oeil à quelques angles de caméra. Le terme angle de caméra fait toujours référence à la façon dont un tir est composé. Examinons maintenant quelques exemples de la façon dont l'angle de la caméra est relatif au sujet. Lorsque vous regardez un angle de niveau des yeux, c'est la vue la plus courante étant l'angle de vue rial auquel nous sommes tous habitués. Il montre des sujets comme on s'attendrait à les voir dans la vraie vie. C' est un tir assez neutre. Ah, le grand angle montre le sujet d'en haut. La caméra est à la cheville vers le sujet, ce qui a pour effet de diminuer le sujet, les rendant moins puissants, moins significatifs, faibles, effrayés ou même soumis. Un angle bas est utilisé lorsque nous voulons montrer des sujets d'en bas, leur donnant l'impression d'être plus puissants ou plus dominants. Une vue d'oiseau est une scène directement d'en haut. Il s'agit d'un point de vue complètement différent quelque peu naturel, qui peut être utilisé pour un effet dramatique ou montrant une perspective particulière différente. L' opposé d'une vue d'oiseau est la vue vers. Cet angle est proche du sol, regardant vers le haut, transmettant un point de vue non naturel de la terre vers le haut. Un angle d'inclinaison incliné ou néerlandais est l'endroit où la caméra est délibérément inclinée. Un côté pour l'horizon est sur un angle. Cela crée un effet dramatique intéressant. Communiquer la confusion d'une sorte ou que quelque chose ne va pas. Maintenant, plongons dans les types de tir. Un tir extrêmement large est souvent utilisé comme un tir d'établissement dans le plan extrême large. Le sujet est à peine visible dans le plan moyen et large. Le sujet est visible, mais l'accent est encore de le placer dans son environnement. Dans un plan large, le sujet prend la pleine image dans un plan intermédiaire. Nous montrons plus de détails sur le sujet, mais nous échappons encore au sujet complet, et en gros plan, une certaine caractéristique d'une partie du sujet prend le cadre complet avec un gros plan. Nous pouvons nous concentrer sur les détails extrêmes de notre sujet et sur le coup d'épaule est quand nous regardons de derrière une personne vers le sujet, un point de vue, tir ou tir en V est fondamentalement un tir du point de vue du sujet. Voici quelques conseils dont vous pouvez vous souvenir si vous passez de la photographie à la vidéo avec vidéo , déplacement de votre appareil photo est très important, mais tout aussi important que de savoir quand déplacer l'appareil photo. Pensez à la composition tout au long de vos prises de vue, à ce que la composition est au début de la vidéo, puis à nouveau à la fin de la vidéo. Et soyez conscient de certains problèmes courants auxquels les gens sont confrontés lorsqu'ils entrent pour la première fois dans le monde de la vidéo. La plupart des caméras vous donneront l'option pour la balance des blancs automatique. Au moins, certains vous donneront des options pour auto eso, mais ce sont généralement des appareils photo par opposition aux caméras de cinéma. Mais vous voulez vraiment vous assurer que vous restez loin d'utiliser les paramètres automatiques parce que selon les types d'éclairage, vous allez soit entrer ou sortir de celui-ci changera sur l'appareil photo avec la balance des blancs qu'il aura . Vous pouvez parfois avoir des sources de lumière concurrentes, Um, et cela va généralement confondre la caméra, et les couleurs vont également se déplacer au milieu de la prise de vue. L' effet qu'il a est qu'il rend le public plus conscient de la caméra que l'histoire elle-même, et il les supprime des histoires. Vous voulez donc vous assurer de toujours prendre les lectures de température de couleur, les paramètres du compteur de lumière et verrouiller tous les paramètres. Avant de commencer à rouler. Vous cherchez à faire la transition de la photographie fixe à la vidéo ou au film. Il y a une caméra pour tout le monde à tous les prix. Les différences techniques, bien que certainement quelque chose à considérer, devraient en aucun cas vous empêcher de faire cette transition. Tout ce dont vous avez besoin, c'est un peu de créativité. Non, aucun appareil photo ne va vous arrêter, vous aider ou vous faire raconter une meilleure histoire. C' est à vous de décider, pas au camp. De nombreux types d'histoires peuvent être racontés à travers la vidéo, et selon la façon dont vous photographiez un tir, vous pouvez totalement changer sa signification. L' humeur et le sentiment. Comprendre certaines de ces bases cinématographiques vous aidera à obtenir exactement les résultats que vous essayez de transmettre. Cela termine notre premier épisode, s'il vous plaît, revenez pour l'épisode 2, qui va être tout au sujet de la composition. Si vous avez aimé l'épisode, assurez-vous que vous, comme, abonnez-vous et laissez-nous. Euh, des commentaires. Passez une belle journée. Et une autre chose que vous devez savoir à propos d'être cinéaste, c'est que vous pourriez parfois devoir rester debout jusqu'à 5 heures du matin. Comme c'est amusant. C' était ça, au fait. On a fini, genre, tellement emballés. 2. Réalisation du qu'en - Épisode 2 : composition et focale: Hé, tout le monde, bienvenue à notre deuxième épisode de notre tutoriel, Siri. Cet épisode est tout au sujet de la composition et de la concentration. La composition est comme un art en soi, et beaucoup le considèrent comme l'un des aspects les plus importants de la narration visuelle. La façon dont vous avez arrangé les choses dans un plan peut raconter une histoire toute seule. Et si vous étudiez certains de vos films préférés, vous remarquerez à quel point cet art peut être magistral. La composition n'est pas seulement une décision technique, mais peut-être aussi l'un des aspects les plus expressifs de la cinématographie. La composition est la façon dont on positionne différents éléments à l'intérieur du cadre et la décision compétente de ce qu'il faut montrer et quoi ne pas montrer et comment le montrer. La question, cependant, cependant, n'est pas seulement de savoir où nous positionnons ces éléments, mais aussi pourquoi. Voici donc quelques conseils de composition que vous pouvez envisager de diriger intentionnellement la position des éléments dans votre cadre pour améliorer le sens, émotion et le résultat que vous voulez atteindre. techniques de composition classiques telles que la règle des tiers sont encore utiles et sont encore présentes aujourd'hui dans la vidéo et le cinéma professionnels. La règle des tiers est une ligne directrice qui propose qu'une image soit imaginée comme divisée en neuf parties égales par deux lignes horizontales également espacées et deux lignes verticales également espacées , et que d'importants éléments de composition devrait être placé le long de ces lignes ou de leurs intersections. Essayez de raconter une histoire entière avec un seul coup en utilisant la composition pour l'aider à la composition abord et avant tout devrait attirer l'attention des téléspectateurs. Quel devrait être le point de vue, et comment pouvez-vous les faire regarder ? Voici quelques exemples de composition à explorer. Système quadrant est similaire à la règle des tiers, sauf le cadre de divisé en quatre quadrants, droit gauche, haut et bas. Utiliser le cadre dans le cadre est un excellent moyen de diriger. Les spectateurs regardent un plan, ajoutant de la profondeur et du contexte et attirant leur attention. À un certain point, les lignes de tête sont un autre excellent outil de composition. Vous pouvez les utiliser pour attirer l'attention des années sur une partie spécifique du cadre, qu'il s'agisse d'une personne ou d'un point de fuite, où toutes ces lignes convergent. Si vous avez un personnages imposants, un autre truc cool juste les centrer dans le cadre. Vous pouvez utiliser l'espace négatif pour attirer à nouveau l'attention du spectateur, ou vous pouvez subliminalement améliorer des émotions spécifiques. Vos personnages de l'air en panne, ayant beaucoup d'intérêt visuel dans le fond de vos photos, comme la pluie de vent de neige, et fait un impact encore plus grand. Si votre sujet est immobile et que vous utilisez le mouvement de groupes, vous pouvez améliorer une scène. En revanche, le cadrage, la mise en scène et la profondeur d'un acteur contre un groupe de personnes sont essentiels et la façon dont vous encadrez l'espace dans une scène. Maintenant, parlons un peu de concentration. Il est important de trouver votre focus avant de commencer à enregistrer, alors pratiquez le mouvement avec vos mains au préalable. Si vous envisagez de vous déplacer et de vous déconcentrer, il est très populaire d'opter pour une profondeur de champ extrême et peu profonde. Mais essayez de l'éviter à moins que cela ne soit nécessaire pour votre histoire ou photo, je recommande fortement d'investir dans la main focale une ou une sans fil. Si vous avez un assistant caméra focus extracteur poignée pour cela vous aide à voir que tous vos sondages de cette façon, vous pouvez passer d'un objet à une autre unité. Vous devez avoir les saccades ou quelque chose comme ça là-bas, et c'était la Thaïlande en transition pour porter dans le public, en regardant les films hollywoodiens pour l'inspiration. Vous remarquerez que la plupart du temps, l' épine dorsale n'est pas hors de la mise au point, sauf pour des plans spécifiques comme des gros plans. Alors n'ayez pas peur de fermer à un arrêt F inférieur. Lorsque vous avez deux personnes dans une prise de vue, vous pouvez changer de focus entre elles pour aider l'histoire. Utilisez les modifications intentionnelles de mise au point dans un plan. Ne joue pas avec le focus. Chasser votre sujet. Un bon exemple pour changer de focus lorsqu'un personnage se tourne pour regarder quelque chose, et vous pouvez créer un sentiment d'être ce personnage en changeant l'orteil de mise au point. Dévoilez ce que ce personnage regarde. n'y a pas de mal. On se concentre. Il y a une concentration chaude et involontaire qui ne correspond pas à l'histoire. Donc si votre continent est concentré, mais vous essayez d'obtenir une photo fixe, cette belle, encore photo de quelqu'un d'un portrait, disons sur juste la chasse. Concentrez-vous dans et dehors qu'il semble juste choquant de se rencontrer au milieu si façon. Avoir un moment dans ce film au tout début, où les exportateurs se préparent à commettre un crime. Donc, nous avons ces gros points d'intérêt dans un autre focus. C' est parce que dans son esprit, il est un peu ivre. Il ressent un peu ce buzz, et nous sommes là avec une vengeance et des caméras ont entraîné cette émotion. Mais si tu es comme je l'ai dit, si tu fais un tir fixe, je ne pense pas que ce soit une bonne idée. Tirez la mise au point et chassez-la. Trouvez le focus. Répétez. Le blocage était à l'origine un terme de théâtre. Il s'agit de positionner un mouvement d'acteurs sur scène dans le cinéma et le cinéma. Bloquer une scène signifie simplement que vous travaillez les détails avec vos acteurs comme faras leur mouvement par rapport à la caméra. Cet ensemble particulier voulait donner à notre acteur l'espace que j'interprète, vraiment dans le moment qui a senti quelque chose qui aurait pu être mieux. Alors que nous avions une façon de blocage B et C intégrée dans le travail de la caméra et dans certains dialogues, un peu de place pour les interprétations tout en bloquant est important pour obtenir le fluxinitial flux , art initial, art visuel et art de dialogue entre les acteurs et les gens qui tournent, je pense que construire dans cette salle de branchement et sachant qu'il doit y avoir une certaine marge d' air intégrée aussi, vous pourrait être flexible avec ce qui se passe Very So merci, les gars, pour regarder. Nous espérons que vous avez eu autant de plaisir que nous avons fait cet épisode pour vous les gars. Rejoignez-nous la prochaine fois sur un épisode, tout sur l'éclairage. Et si vous avez aimé cet épisode, assurez-vous de vous abonner, aimer et laisser des commentaires ci-dessous. Passez une belle journée. Le travail. Assez. On doit réparer ça. Vous pouvez acheter une nouvelle lampe, s'il vous plaît. A propos de l'éclairage. Et c'est le plus facile que ça va prendre toute la nuit. On continue à avoir des avions juste à côté d'un des plus grands aéroports du monde. Donc, euh, avoir des avions qui volent directement au-dessus et vous ne voulez pas obtenir une prise parfaite et avoir tout baisé la dernière seconde. Donc nous sommes une sirène ou un combat de chien, comme si nous avions leurs chiens aboyer, mais des voisins en colère, des voisins en colère. Ouais, façon. Promenez quelqu'un ce matin. Ce n'était pas heureux. Oui, définitivement. Avoir 3. Réalisation du qu'en l'épisode 3 : éclairage: Bonjour à tous, tous, et bienvenue à notre troisième épisode de notre tutoriel, Siri's. Aujourd'hui, tout est sur le sujet important de l'éclairage. Nous pouvons parler de l'éclairage et de la lumière naturelle et les meilleures pratiques sur la façon d'utiliser les deux - belle rue clap back surplombant Atlanta, Georgia Downtown indice. Notre tir matinal est en position. Prends la caméra qui essaie de se faire filmer du centre-ville d'Atlanta avec une voiture vandalisée ici. Juste le soleil se lève juste avant que le soleil ne se lève pour que nous puissions avoir tout ça ensemble et genre Bonne heure magique et exploser. Nos sont deux des meilleurs moments de la journée pour tirer avec la vie naturelle. Magic Hour est l'heure qui mène au coucher du soleil ou juste après le lever du soleil et l'explosion. Notre est le peu de temps après le coucher du soleil, ou juste avant qu'il ne se lève en bleu. Notre est idéal pour les scènes de nuit et l'éclairage des heures magiques peut être utilisé pour ses qualités douces et chaleureuses qui font que vos photos soient à la hauteur de son nom. Comme vous pouvez l'imaginer, travaillant dans ces heures limitées de la journée, vous devez vous assurer d'avoir planifié vos tournages à l'avance. Danser avec de la lumière, c'est plutôt utiliser des lumières différentes pour créer des humeurs, des sentiments et du ton, ou améliorer l'histoire que les réalisateurs tentent de raconter à un cinéaste . à la recherche de l'éclairage, de l' appareil photo, du mouvement de l'appareil photo et oui,et tout cela fait ensemble si nous essayons de tard un jour de mauvaise humeur ou quelque chose de plus drôleou si nous allions pour une partie de l'humeur et cette pièce, c'est appareil photo, du mouvement de l'appareil photo et oui, et tout cela fait ensemble si nous essayons de tard un jour de mauvaise humeur ou quelque chose de plus drôle ou si nous allions pour une partie de l'humeur et cette pièce, de toute évidence, dire que ça va être une conversation intéressante. Peut-être que quelque chose est arrivé. Quelque chose va arriver, quelque chose qui ajoute du drame. Donc, nous peignons cette scène avec plus d'un éclairage stylisé dramatique. éclairage est l'un de ces aspects très importants de la cinématographie qui, bien que dans Girl, ne suit pas nécessairement un ensemble de règles spécifiques, car un éclairage différent d'une même scène peut créer une ambiance différente jusqu'à ce qu'un histoire différente. Cela dit, voici quelques-unes de la terminologie principale et la plus courante pour le placement de l'éclairage. D' abord, parlons de la lumière clé. Un ensemble d'éclairage commence toujours par l'envoi de la lumière clé en premier. Par définition, c'est votre lumière principale pour la scène et est utilisé pour éliminer votre acteur ou sujet pour des utilisations dramatiques. Expérimentez avec le placement des lumières clés , par exemple, placer la lumière sur le côté de l'acteur peut créer un effet dramatique et mystérieux. Après avoir configuré la lumière clé, vous vous retrouverez avec des ombres sur votre acteur ou votre sujet. C' est là que la lumière de remplissage entre en contact pour remplir ces ombres, généralement le filet déplacé en face de la lumière de clé et à une puissance moindre dans la lumière de clé . Parfois, une lumière de remplissage peut être obtenue à l'aide d'un réflecteur. Troisièmement, parlons de la réaction pour aider à séparer votre acteur ou votre sujet de l'arrière-plan. Et pour créer de la profondeur, une ligne arrière est placée derrière et embauche généralement votre acteur ou votre sujet. Parlons maintenant des lumières pratiques, des lampes, des bougies, des lumières de voiture, un téléviseur, écran d' ordinateur ou un écran de téléphone peuvent tous être utilisés comme une vie pratique. Cela peut améliorer votre histoire où créer des effets uniques et dramatiques. Une ou deux façons de tirer une lumière naturelle est d'utiliser le soleil car vos lignes arrière évitent presque toujours la lumière du soleil. Je n'ai pas le soleil souffler vos visages d'acteurs et créer des ombres dures, créant un regard peu flatteur sur tout, l'éclairage sera même sur vos acteurs si le soleil est derrière eux, alors qu'il aidera également à les séparer de l'arrière-plan. Mieux vaut donc essayer d'utiliser le soleil comme rétro-éclairage à la place. Donc, de façon générale, en tant que directeur de la photographie, toujours repérer l'emplacement avant et déterminer quelles lumières suffiront. Et après ça, prenez votre temps. Faites apparaître des plans avec une idée solide que vous pouvez exécuter ou s'il vous plaît essayer. Beaucoup de nos contributeurs, cependant, utilisent un éclairage naturel et pratique. Mais je suggère fortement au moins d'essayer d'introduire des éléments d'éclairage professionnels et les exécuter ou de nous expérimenter à la fin qui va certainement augmenter considérablement la qualité hors scène, leurs prises de vue et leur finale produits lumières préférées pour travailler avec nos tapis de lumière et quelque chose que nous utilisons ici des lumières LED extrêmement minces, et ils servent un but très spécifique. Mais ils sont toujours faciles à utiliser, facilement applicables et chaque situation et rapide efficace et ils produisent un excellent emplacement tardif est évidemment très crucial pour votre film. Plus petit, euh, production de courts métrages. Nous voulions donc choisir des endroits qui avaient déjà un bon éclairage, donc n'avons pas trop mis en place Évidemment, nous avons un peu aujourd'hui, nous devons encore bloquer. . Cet emplacement particulier est un exemple parfait pour la lumière naturelle utilisée, correctement ou de manière appropriée, dans ce cas, plus légère assez diffuse, basée sur ce qui se passe chemin extérieur avait un certain sur juste pour le remplir. Mais nous n'avons jamais vraiment mis en place de lumières tant que les expositions sont correctes et que la qualité de vie est là, je pense que vous devriez toujours y aller. Et même si vous introduisez des lumières, vous allez toujours être de recréer la lumière naturelle. Quand on allume des trucs, ça ne devrait jamais regarder. Que ça devrait avoir l'impression qu'ils ne sont pas des lumières et, comme si vous ne saviez pas le travail. Le meilleur travail montre pas de mot, je pense. Et dans ce cas, nous avons travaillé pour le temps. Tu sais, scénario de défensivité, bien sûr, mais parfois il suffit de rouler avec ça. Travaillez avec ce que vous avez, qui est cette lumière naturelle. tir dans la lumière naturelle peut être très libérateur, et vous pouvez obtenir des résultats étonnants lorsqu'il est bien fait. Mais assurez-vous de planifier vos tournages à l'avance et d'apporter les bons outils pour le travail. Parce que la lumière naturelle peut être notoirement difficile à contrôler des choses comme les bornes et les filtres D et les drapeaux peuvent tous aider avec tout cela. Il est également important de considérer le moment de la journée que vous allez tirer. Et n'oubliez pas votre histoire parce que toutes les différentes façons dont nous allons utiliser la lumière naturelle peuvent vraiment améliorer cette histoire. Nous utilisons Different pour nous aider à maintenir notre exposition à arrêter ou à mi-chemin maintenir le champ peu profond dans votre assez ouvert sur un terrain où votre bureau de personnage je veux être votre canette . Tu es sorti un jour. Appliquez des D sur certains appareils photo ont un intégré pour ces lunettes de soleil, souvent lorsque vous photographiez dans des environnements éclairés naturellement, en particulier des réglages super larges où vous ne pouvez pas embaucher quelqu'un pour faire fonctionner une grue avec comme une flèche massive, que la plupart d'entre nous n'ont pas. La ressource est pour mes souvent comme d'utiliser les gratte-ciel séries éliminatoires. Le soleil dans le grattoir du ciel en utilisant qui est comme une diffusion ou des quantités ici, nous avons un beau gratte-ciel massif sur ma gauche, ce côté éclairant mon visage parfaitement un moyen très bon marché et facile de créer quelques jolies éclairage dynamique sans avoir à mettre en place aucune vie. Parfois, Daniel, j'aimerais être un peu de cœur ou un peu trop pays fort ou peut-être que le dernier trop fort et le talent en arrière-plan est trop sombre ou, vous savez, il y a des ombres dures. Donc tu essaies de le rendre plus naturel. Cela va toujours venu avec un look naturel. Donc tu introduis toujours la diffusion, et comme ça peut adoucir ton retard. Donc tu introduis toujours la diffusion, Donc, parfois, nous allons aider avec les ombres dures. Parfois rôle. Ça va juste le faire paraître moins. RSI moins quand elle filme dans la lumière naturelle Bounce est votre ami. Souvent, lorsque vous utilisez un éclairage pratique à LED ou un éclairage fluorescent, comme toutes ces sources lumineuses ont une puissance différente. Les taux de rafraîchissement sur ce qui se passe est si le taux de rafraîchissement de l'alimentation dans la vitesse d'obturation sur un angle d' obturation DSLR sur un appareil photo plus pro Sumer, haut et l'appareil photo. Si ça ne correspond pas, tu auras un scintillement. Souvent, c' est très, très difficile. Presque impossible de réparer un poste. Certaines sources de lumière ne fonctionneront tout simplement pas du tout parce que la puissance de la vitesse fraîche vient soit pour une mauvaise source d'alimentation, soit il y a trop ou trop peu d'énergie qui va à la source de lumière réelle . Donc, il y a une discordance sur ce sera le scintillement, mais c'est juste quelque chose d'être très, très inondation de l'esprit parce qu'il ruine complètement votre tir. Soyez distrait pour voir ce scintillement sur le capteur. Donc, si ce problème n'augmente pas, vous avez seulement besoin de régler votre angle d'obturation sur un appareil photo supérieur ou la vitesse d'obturation sur un reflex numérique, généralement quelque part entre, comme 61 60e d'un 2ème 1/80 de seconde corrigera la plupart des ce film ici. Mais c'est juste quelque chose avec lequel vous devez jouer jusqu'à ce qu'il semble juste à la caméra filmer une scène où ça arrive à nos gros problèmes tôt le matin. Avec cela, ils sont juste l'été dernier déjà à venir tir. Je ne sais pas vraiment que son fils pourrait être joué. Ces affaires marchaient. Cela sonne quelque chose comme un plat 20 pour leur absolu hors cadre. Mais dans ce cas, les ressources de temps pour rendre décent. Vous avez ? Merci d'avoir regardé Hope vous avez appris beaucoup. Tu essaies de gagner ce truc, au fait. Oh, on y va. Joignez-vous à nous la prochaine fois, mais pour l'épisode tout sur les mouvements de caméra motivés, un de mes sujets préférés. Joignez-vous à nous la prochaine fois, mais pour l'épisode tout sur les mouvements de caméra motivés, Et si vous avez aimé cet épisode. Assurez-vous que vous aimez,vous aimez, abonnez et laissez-nous quelques commentaires. Passez une belle journée. Je vais essayer d'obtenir cette prise de vue dans la lumière naturelle peut être très j'ai les bons objectifs maintenant c'est génial et seulement pris 50 prises Et toutes les différentes façons de la lumière naturelle peut améliorer cette histoire 4. Réalisation du qu'en l'épisode 4 : mouvement de caméra: Bonjour, tout le monde, et bienvenue à un autre tutoriel très excitant. Dans l'épisode d'aujourd'hui, nous allons parler d'un de nos sujets préférés. Mouvement de la caméra. Pour tous ceux qui passent de la photographie au mouvement de la caméra vidéo est peut-être l'une des choses les plus importantes. orteils apprennent, s' habituer et garder à l'esprit pendant chaque tournage avant de parler de quoi que ce soit d'autre. Ce que nous devrions probablement sortir du chemin, c'est la règle la plus importante que nous pensons que vous devriez savoir. Si vous allez déplacer votre appareil photo, vous devriez le rendre intentionnel et le sauvegarder avec une certaine motivation nécessaire signifie un mouvement intentionnel de la caméra. Essayer de ne pas faire trembler la caméra quand il n'est pas censé essayer d'utiliser Gimbels, Steadicam, plates-formes d' épaule et des coups de main intentionnels. Assurez-vous juste d'être stable car la plus petite quantité de mouvement pourrait être choquant pour le public. Même le plus petit mouvement semble beaucoup plus petit dans votre moniteur de caméra que sur le plus grand écran. Si vous allez marcher avec votre appareil photo ou le déplacer à travers une scène, vous aurez presque certainement besoin d'une sorte de soutien. Caractères suivants à l'écran. Vous avez quelques options. Déplacé, vous pouvez soit déplacer avec eux avec un dispositif de stabilisation comme une came stable ou un curseur sont interdits ou doubles. Ou vous pourriez faire beaucoup avec un problème avec, et c'est juste un point de vue secondaire, donc parfois je vous en sors. Sentez-vous qu'il se sent plus comme un spectateur plutôt qu'avec une autre grande considération à faire avec votre mouvement de caméra. La distance focale de votre objectif est-elle ? L' utilisation de lentilles plus longues peut rendre beaucoup plus difficile l'obtention de séquences lisses car il semblait une si petite partie de la scène à l'aide d'une lentille focale plus large. Contraste, Klay aide à mettre l'accent sur le mouvement des caméras et rendre les petites bosses et secousses beaucoup moins visibles. Le plus gros truc qui encadré Donc aide Way Très bon exemple de faire beaucoup de beaucoup de planification. La raison pour laquelle nous voulons nous assurer que le mouvement de votre appareil photo est motivé, c'est que chaque fois que vous choisissez de déplacer votre appareil photo ou d'utiliser un outil pour déplacer votre appareil photo, vous devriez avoir une certaine intention derrière lui, et ensuite il devrait soutenir votre histoire. Comme vous pouvez le voir tricher ici. soeur a tiré ce qui ressemblait à un prospectus dans une autre voiture qui traversait les parkings. Suivi avec sont quelques sacs en ce moment. Voiture de vitesse Oui, stable. True City. Si vous voulez déplacer l'appareil photo d'un personnage à un autre, si vous voulez un panoramique d'une partie d'une scène à une autre, vous pouvez le faire en utilisant quelque chose que la caméra peut suivre qui peut aider cette transition et améliorer la prise de vue. Et aussi il maintient le public engagé. Cela pourrait être une personne marchant de nuit et se faisant passer elle a chuté. C' est une très bonne façon de le faire. Un autre exemple de mouvement de caméra motivé est la potion et la poussée quand votre histoire l' exige. Vous pouvez envisager de déplacer lentement votre appareil photo vers votre sujet, en ajoutant à l'instant une couche d'importance, profondeur émotionnelle ou pour garder vos spectateurs à l'attention de ce qui est important. En outre, ils peuvent être utilisés pour souligner le point de vue d'un personnage ou la situation dans laquelle il se trouve. Il est facile de déplacer votre appareil tout le temps, mais lorsque vous utilisez le mouvement de l'appareil photo de manière intentionnelle et motivée, c'est dans ces moments que vos personnages et votre histoire ne feront que briller. Hey les gars, cela conclut le quatrième épisode sur le mouvement de la caméra motivée. Espérons que, maintenant, vous savez quand et comment déplacer votre appareil photo. Rejoignez-nous pour le prochain et dernier épisode sur l'émotion des lentilles. Tu aimes cette vidéo ? Assurez-vous de vous abonner, aimer et laisser quelques commentaires et passer une belle journée. Merci. Je l'apprécie de nos sujets préférés. Mouvements de la caméra. Euh, ça n'a pas suivi les personnages à l'écran. Tu as un couple. Donc avant qu'on n'ait autre chose, revenons ici. Ça va bien, Ellen. Je ne sais pas comment tu es encore en vie. 5. Réalisation du qu'en 5 : l'émotion des objectifs: Bonjour à tous, tous, et bienvenue au 1/5 et dernier épisode sur la cinématographie et la réalisation cinématographique. Aujourd'hui, nous allons parler des lentilles et des lentilles qui font partie intégrante du processus de narration et de réalisation de films. Ils sont nécessaires pour réaliser le type de prise de vue requis par le réalisateur ou l'histoire. Les lentilles peuvent également nous aider à transmettre des émotions spécifiques que nous voulons que le public éprouve et, dans certains cas, ces émotions sous-jacentes qui contrastent avec ce que font réellement les personnages. 3500 coups. Parce que ici, en particulier à la fois le tir 50 et à la fois être personnel et montrant l'environnement afin de pont près. La raison pour laquelle les 80 mil et les inclinaisons dans ce terroriste principalement pour vraiment se concentrer sur le personnage a trahi leurs émotions, et je dors du monde autour d'un suivi latéral dans une distance focale fixe vous amène dans l'espace avec votre caractère, vous amène dans leur monde. Mais un zoom sépare le personnage de son environnement et il vous amène plus dans leur tête, donc c'est un peu plus intime de cette façon, mais ils sont deux très différents, euh, dispositif de narration. Alors, quel genre d'émotions pouvez-vous exprimer en choisissant un certain type de mélanges. Tout d'abord, explorons ce qui se passe lorsque vous utilisez un objectif grand angle. Un objectif grand angle typique a une focale de 24 à 35 millimètres. Les types d'émotions que vous pouvez atteindre avec ce type d'objectif est un sens de l'emplacement. En établissant un environnement ou vu, vous pouvez également créer un sentiment d'émerveillement ou d'isolement. Ces lentilles sont également parfaites pour les paysages couramment utilisés pour établir des clichés. L' utilisation d'une lentille de 50 millimètres peut atteindre la normalité en perspective. C' est essentiellement ce que nos yeux voient. Donc, si vous voulez capturer la vie quotidienne, créer un sentiment ou une compréhension pour votre personnage, ou mettre votre année dans la scène, assurez-vous d'utiliser cet objectif. Ces lentilles conviennent le mieux aux sujets à distance moyenne. téléobjectifs et les objectifs de zoom peuvent créer une profondeur de champ incroyable et peuvent être utilisés pour diriger l'attention. Les gros plans sur les émotions importantes limitent les distractions. Il vous permet de vous concentrer sur une réponse. Il peut faire allusion et placer de l'importance sur une ligne de dialogue et bien plus encore. téléobjectif et l'objectif de zoom peuvent rendre le spectateur très proche du sujet. Beaucoup de fois, des téléobjectifs plus courts sont utilisés pour les portraits, car ils ont tendance à faire ressortir votre sujet de l'arrière. Les objectifs macro peuvent attirer l'attention sur la magie des détails ordinaires du spectacle, des textures, des éléments importants de l'histoire tels que des objets ou même des détails subtils des mains ou des visages autrement manqués par les neuf humains. Voici quelques façons que vous pouvez obtenir une profondeur émotionnelle supplémentaire pour créer plus d' empathie, vous pouvez demander à votre acteur de regarder directement dans l'objectif. Cela peut créer de l'empathie avec ce personnage, les rendant plus faciles à se connecter, améliorant les émotions qu'ils ressentent le même véhiculer atteint avec l'acteur Shot par le devant. Mais l'acteur qui voit juste après la caméra des profils hors écran peut créer du mystère. Le tournage d'un acteur et d'un profil pourrait avoir un effet brutal. rend moins identifiables, les rend plus mystérieux, comme s'ils cachaient quelque chose, ils peuvent être moins accessibles. Une chose qui reste importante, vous fassiez des photos ou des vidéos des versions du modèle et que vous puissiez avoir en place chaque fois que vous photographiez, il est très important que vous obteniez des accords de propriétaires immobiliers ou pour montrer qu'ils approuvent ce que vous filmez ou où vous filmez, ou leur participation à ce que vous faites. Il est juste important d'obtenir les choses en écriture orteil pour éviter les problèmes plus tard et aide à utiliser une libération de propriété ou une libération de modèle au lieu de ah, morceau de papier. Vous pouvez également utiliser APS comme Easy Release. Mais aujourd'hui, nous avons un vieux journal analogique, donc nous allons demander à notre propriétaire de s'inscrire à partir de la sortie. En outre, les permis pourraient être un gros problème, parfois dans les grandes villes. Donc, j'aime essayer soit de trouver des résidences privées ou des endroits qui ont l'air si délabrés. Le non s'en soucierait si quelqu'un filmait là. Quoi qu'il en soit, cet endroit se trouve être un endroit pour les gens décemment, souvent parce que la belle vue que nous avons derrière nous, vous utilisez un Heyzer quand vous voulez thio minutes pour l'humeur, et c'est pour créer un peu de atmosphère où il n'y en a peut-être pas, et je pense que là où nous l'avons utilisé, c' était en fait pour remplir un espace mort, ce qui est en fait pourrait être très utile pour Donc nous avons eu une fête qui a duré longtemps dans la nuit , et il n'y avait plus beaucoup de gens à la fin. Donc, nous avons allumé un peu de brume, créer un peu d'atmosphère et combler certaines de ces lacunes, et vous n'avez pas besoin de beaucoup juste un peu. Qu' est-ce qui est vrai ? Trouvez-vous les histoires qui sont significatives pour vous ? Et c'est quelque chose que je ressens qui frappe ton coeur ou ta tête. Vous allez vous plonger dans plus que l'histoire de quelqu'un d'autre ou quelque chose que vous ne croyez pas nécessairement. C' est comme, vrai, d'utiliser un individu comme cinéastes à venir, nous tous. Nous devrions toujours nous souvenir d'expérimenter, prendre des risques. Ne soyez pas coincé dans une chambre où nous répétons la même chose. Assurez-vous juste que nous poussons toujours la ligne vers l'avant et soulevez la barre plus haut et continuez à essayer. Continue à échouer. Mais tant que nous essayons de le faire faire fonctionner. Finalement, il en vaudra la peine à la fin. Juste enveloppé sont des courts métrages, et cela signifie que c'est aussi la fin des tutoriels vidéos. Merci beaucoup d'avoir regardé. Nous espérons que vous les avez appréciés, eu du plaisir et aussi apprendre quelque chose. Donc, si vous aimez vraiment les vidéos, assurez-vous de vous abonner comme et laissez-nous. Euh, des commentaires. Et, comme je le dis toujours, passez une belle journée. Personnages. Qu' est-ce que je peux l'avoir ? Je vais sauter du toit maintenant, c'est qu'il fait froid, donc je peux poser une question. C' est quoi ce gros truc ?