Introduction au design

1. Chapitre 0 - Introduction: Bonjour à tous, Bienvenue au niveau 0, Introduction au design. Nous sommes vraiment ravis de vous avoir parmi nous. Oui, je suis Janice et je serai l'une de vos instructrices de design qui vous enseignera toutes les théories du design. Et je suis Leah, je suis votre autre professeur de design. Je vais vous apprendre à utiliser les théories et les principes fondamentaux du design que vous avez appris et à les appliquer dans la pratique. Certains des sujets que nous aborderons dans ce cours incluent les fondamentaux de la conception, les principes pour appliquer les bases. Enfin, dans l'ensemble, nous avons beaucoup de contenu vraiment amusant et passionnant à apprendre dans ce cours. Rendez-vous dans les prochains chapitres. Avant d'aborder les sujets du design, comprenons ce qu' est le design et pourquoi nous devons nous en préoccuper. Le design se retrouve partout autour de nous et se présente sous de nombreuses formes. Des applications téléphoniques aux voitures électriques, en passant par les affiches imprimées et les panneaux d'affichage numériques. Les effets du design se retrouvent partout. Lorsque nous parlons de design, l'image qui vient souvent à l'esprit est une image qui est largement axée sur l'apparence, mais c'est bien plus que cela. Nous voyons souvent la sortie visuelle chaque entrée et ce qui se passe entre les deux. Pour faire simple, le design crée de la valeur grâce à un processus continu d'identification des problèmes et d'amélioration des solutions. La plupart des choses que nous utilisons dans la vie sont conçues avec intention. Comme la chaise sur laquelle vous êtes peut-être assise. Le concepteur a soigneusement examiné comment et qui les utilisait lors de la conception. Remarquez comment le fauteuil change en fonction de la pièce dans laquelle il est utilisé. Cependant, n'ayez pas peur dès le départ. Il n'est pas nécessaire d'être un artiste exceptionnel ou de savoir comment le dessiner pour être designer. Mais il faut être curieux et poser des questions pour résoudre les bons problèmes. Restez connectés pour en savoir plus. 2. Chapitre 1 - Typographie: Ainsi, chaque fois que nous pensons au design, nous pensons généralement aux formes du jargon et à l'ajout de couleur pour créer quelque chose de joli. Mais cela commence par quelque chose de plus simple que cela. Et ça, c'est des lettres. Pour cette leçon, nous allons commencer par comprendre ce que sont les lettres, comment les regarder et comment les utiliser correctement. Lorsque nous téléchargeons une nouvelle police, un package contient généralement un ensemble de fichiers. Pourquoi y a-t-il autant de dossiers ? Voyons pourquoi et ce que signifient tous ces fichiers. Avant d'installer un fichier, nous recherchions généralement quelque chose d'agréable à utiliser sur Google . Mais le fait est que lorsque nous disons que nous voulons installer un fichier, nous faisons référence à une police de caractères. Le problème ici est que les deux termes sont désormais utilisés de manière interchangeable. Alors, quelle est la différence entre eux ? Lorsque nous téléchargeons le package, un certain nombre de ces fichiers ont des tailles et des poids spécifiques pour les polices de caractères. Nous utilisons donc des liens lorsque référence à chacune de ces biles, mais elles appartiennent toutes à la même famille de caractères. Par exemple, Times New Roman est une police de caractères, mais dans 12 Times New Roman regular est une police et un boulon Times New Roman à 10 points est une autre police. raison pour laquelle nous avons ces deux différences est qu'autrefois, lorsque l' impression des lettres était encore un processus manuel, nous devions rechercher individuellement les blocs de lettres avec une taille très particulière, le poids et le style nécessaires pour faire le travail. J'espère que cela dissipe une certaine confusion et qu'à l' avenir, nous ferons référence à tout ce qui a trait aux textes en tant que type ou police de caractères. Dans cette optique, examinons plus en détail comment les textes peuvent être efficaces dans la conception. Ainsi, chaque fois que nous apprenons une nouvelle langue, nous ne pensons généralement pas à l'histoire qui la sous-tend. Revenons en arrière dans le temps et voyons comment les lettres se sont développées selon la façon dont nous les utilisons aujourd'hui. Avant d'en venir aux lettres que nous voyons aujourd'hui, lettres étaient autrefois de simples peintures rupestres sous forme de pictogrammes datant de 20 000 ans avant JC. Au fur et à mesure que le besoin de transmettre des idées complexes augmentait, les lecteurs sont devenus des symboles représentant des sons, des objets et des idées. Et puis les Grecs ont commencé à faire ressortir les images encore plus abstraites. Et les Romains ont ensuite apporté des améliorations à ce que nous appelons aujourd'hui l'alphabet. Au Moyen Âge, vers le Ve et la fin du XVe siècle, il y a eu une forte concentration et des manuscrits manuscrits qui ont inspiré certaines des polices de caractères hautement décoratives que nous utilisons aujourd'hui. Saviez-vous qu'à l'époque où les imprimeurs n'existaient pas, scribes étaient en fait embauchés pour reproduire des livres en écrivant lettre, lettre par lettre à la fois. Cela prendrait au moins deux semaines pour terminer un livre. Heureusement, pour accélérer le processus, la presse à lettres a été inventée. Bien que les Chinois aient inventé au début, la technologie typographique ne pouvait pas facilement atteindre les 50 000 caractères massifs de la langue chinoise. Cependant, vous vous rendrez compte que Gutenberg a été crédité pour cela parce qu'il était plus facile de déployer cette technologie dans une langue latine de 26 caractères. développement de Gutenberg Le développement de Gutenberg au XVe siècle a changé la vie de la culture occidentale parce qu'il suffisait de créer un tas de lettres, de les tamponner , de les arranger, de les faire encrer et alors le contenu est appelé print it. C'est également à cette époque le terme police et police de caractères a été créé afin que les gens puissent trouver les bons tampons retournés. Les timbres étaient également stockés à la fois dans une configuration de porte supérieure et inférieure. C'est ainsi que les termes en majuscules et en minuscules sont apparus. Alors que nous entrons dans l'ère moderne, nous développons des machines plus petites et plus portables comme la machine à écrire et peu de temps après les ordinateurs et les claviers que nous utilisons aujourd'hui. En repensant à la première existence de la communication écrite à la manière dont nous utilisons les lettres. Maintenant, nous pouvons constater que le développement a été fortement influencé par les avancées technologiques et les changements de culture. Ce n'était qu'un bref historique des temps. Si vous voulez en savoir plus, consultez Internet. Tout comme nous avons des termes pour décrire les différentes parties d'un animal. Nous avons également des termes pour décrire les lettres. Découvrons en quoi consistent certains d'entre eux afin savoir ce qu'il faut rechercher lors du choix d'une police de caractères. Les lettres sont créées à l'aide de traits. Les courbes sont appelées un bol et pour tout maintenir en place, nous avons une tige. Comme nous l'avons appris dans les leçons d' histoire. Les lettres sont dérivées des dessins d'humains. C'est pourquoi les noms de trait sont nommés après les parties du corps comme i, année, bras, épaule, jambe et colonne vertébrale. Parfois, nous pouvons trouver des lettres avec des éléments décoratifs appelés Sarah et la fin de la lettre sans Sarah est appelée terminal. Toutes les lettres sont alors placées sur une ligne invisible appelée ligne de base, sorte qu'il y a un point d'ancrage solide pour les placer. La hauteur d'une lettre est maximale à la hauteur de la majuscule, et toutes les lettres sont mesurées à l'aide de la hauteur x, car la lettre X a une coupure très nette en haut et en bas. Nous pouvons désormais utiliser ces termes pour décrire différents styles de lettres. Imaginez que nous devions concevoir un nouveau site Web pour une entreprise. Passons en revue le processus de choix des polices de caractères pour ce projet. Tout d'abord, nous devons comprendre ce que notre entreprise offre et la personnalité de notre entreprise. Supposons que nous sommes une entreprise qui vend des meubles modernes fabriqués à la main. Vous avez peut-être déjà quelques images qui vous viennent à l'esprit, dont certaines peuvent être l' élégance, le sur-mesure et la simplicité. Dans cette optique, une option consiste à utiliser une police de caractères sans empattement pour notre site Web. La raison en est qu'ils véhiculent généralement une approche plus moderne. En général, avec le corps du texte, nous utiliserons le poids normal, mais parfois nous pouvons utiliser l' italique comme moyen d' accentuer l'accent. Nous pouvons ensuite associer un site Web à une police avec empattement car ils sont parfois plus difficiles à afficher numériquement, nous pouvons les utiliser sur des textes plus grands comme les titres et les en-têtes. polices avec empattement ont souvent qualités manuscrites avec leur contraste élevé dans les traits fins et épais. Les utiliser peut nous aider à communiquer l' aspect artisanal de notre marque. Comme cela, les polices de caractères semblent souvent plus fines à l'écran, nous pouvons également utiliser une méthode audacieuse pour faciliter la numérisation des titres. Ensuite, nous pouvons choisir de créer un type de logo à l'aide d'une police décorative. Ce type de police est généralement fabriqué de manière unique car ils sont spécialement conçus et peuvent créer des résultats assez spectaculaires pour se démarquer de la foule. Ensuite, pour informer les gens que nous lançons notre entreprise, nous pouvons utiliser une police de caractères scriptée. Utiliser cette police de caractères comme invitation ou bannière en haut du site Web. Cela le rend plus personnel, comme s'il avait été écrit à la main pour un événement spécial. Tout ce dont vous avez besoin est d'identifier l'ambiance que vous souhaitez transmettre et de partir de là. Maintenant que nous avons sélectionné la police de caractères pour notre site Web, la prochaine étape consiste à les assembler. C'est mauvais. Nous devons rendre le texte lisible et lisible, sinon personne ne voudrait acheter nos meubles. Pour ce faire, nous créons une bonne hiérarchie visuelle afin que les gens sachent ce qu'ils doivent regarder en premier. L'un des moyens d' atteindre la hiérarchie consiste à utiliser une autre méthode pour mettre l'accent sur la situation. Par exemple, le titre d'un bloc. Cependant, il est important ne pas falsifier vos verrous en soulignant la police d'origine avec un trait noir et en particulier de ne pas surligner les textes avec un trait de couleur. Quelque chose que nous aurons certainement l'air suspect. Au lieu de cela, recherchez une police de caractères qui a une couleur noire pour vous donner quelque chose d'épais. Voici quelques exemples. Nous avons également des versions condensées et étendues légères, donc nous n'avons pas besoin de type squish ou squash. Nous pouvons également associer des polices de caractères. Dans notre projet, nous utiliserons une Sarah pour les titres et une ère pour les paragraphes. Les deux autres méthodes prototypage consistent soit à combiner tous les capteurs de la même famille avec ceux de Sarah ensemble, soit à combiner deux capteurs ensemble. Plus que cela est un gros non-non, car cela crée de la confusion pour le lecteur. Puisque nous avons quelques titres et paragraphes, nous pouvons jouer avec la taille en agrandissant le titre et en réduisant le paragraphe. autre façon de créer une hiérarchie est d'offrir un espacement entre les titres et les paragraphes ou ajuster sa position en les mettant en retrait. Nous pouvons également modifier l'orientation du titre pour mettre l'accent sur les paragraphes plutôt que sur les titres. Mais n'essayez pas d' aligner verticalement chaque lettre. Cela va juste sembler vraiment gênant. Faites pivoter la ligne de base entière à la place. Alternativement, nous pouvons attirer l' attention sur le texte en changeant sa couleur ou nuances de valeur pour lui donner du contraste. Celles-ci seront donc lues en premier. Je regarde les titres et les paragraphes. Il existe d'autres traitements de textes auxquels il faut prêter attention. Par exemple, si nous définissons les titres en majuscules, ils sont perçus comme un ensemble de blocs rectangulaires et sont beaucoup plus difficiles à lire. Au lieu de cela, en mélangeant les cas, donnez plus de formes aux mots et ils deviendront beaucoup plus faciles à scanner. Pour les phrases et les paragraphes. Essayez de ne pas avoir de longues lignes car vos yeux devront beaucoup voyager d'avant en arrière. Généralement, ils sont conservés entre 45 et 80 caractères pour être lus chez Comfort. Un autre type d'hygiène consiste à ne pas empiler deux mots du même mot l'un sur l' autre dans un paragraphe. Dans de telles situations, nous pouvons reformuler le contenu ou apporter des modifications au type pour éviter les maladresses. Quelques notes finales. Gardez l' épave relativement verticale et ne choisissez pas des mots ou des phrases courtes à la fin ou au début d'un paragraphe. Travailler avec le type peut s'avérer difficile, mais ces directives peuvent nous aider à rester sur la bonne voie. Alors essayez-les. Dans vos prochains projets. Nous n'avons fait qu' effleurer la surface de la typographie à partir de son histoire, deux terminologies et de ses cas d'utilisation. Sortez et découvrez comment le type est utilisé autour de nous. 3. Chapitre 2 Les éléments du design: Les superbes designs ne sont pas créés par magie. Les concepteurs doivent examiner attentivement comment organiser le type et les éléments visuels de la ligne, de la forme, de l'espace, de la couleur et de la texture. Dans ce chapitre, nous allons voir comment chacun de ces éléments peut avoir un impact sur la conception. Pendant que nous attendons le décollage du plaignant, nous pouvons saisir le chargeur dans la pochette avant pour rechercher tout divertissement disponible à bord. Mais comment les magazines sont-ils conçus pour nous aider à trouver ce que nous recherchons ? Une méthode consiste à utiliser des lignes. Commençons donc par cela. En tournant les pages du magazine, nous remarquerons qu' il y a beaucoup de lignes utilisées pour décorer la page. Mais il y a aussi beaucoup de lignes abstraites, comme les lignes de textes et les lignes l'on trouve dans les images. Les lignes réelles peuvent être utilisées pour ancrer le contenu important à lire en premier, comme les titres ou les paragraphes que nous voyons dans le magazine. Les lignes réelles et abstraites peuvent donner une illusion de direction et de rythme. Ils nous indiquent par où commencer à lire et à quelle vitesse nos yeux se déplacent sur la page pour passer aux éléments suivants. Selon le style des lignes utilisées, elles peuvent transmettre certaines ambiances, elles peuvent transmettre certaines ambiances sorte que les angles vifs peuvent sembler agressifs et dangereux tandis que les lignes fluides plus amicales et invitantes. De même, les traits fins sont considérés comme plus délicats que les traits épais. Ils sont également disponibles en format tiret, pointillé ou texturé. Puisque les lignes ont de nombreuses caractéristiques qui peuvent être utilisées comme décoration ou nous aider à naviguer dans une page. donc les utiliser avec prudence afin d' éviter toute désorientation visuelle. Nous avons vu comment les lignes peuvent améliorer et nous informer sur la façon de lire un magazine. Prenons maintenant le temps de voir comment les formes peuvent donner des effets similaires. Sur les pages, nous retrouvons souvent les trois formes géométriques triangle, rectangle et cercle. Et chacune d'entre elles a un but. Les rectangles sont généralement utilisés pour encadrer les images, tandis que les triangles peuvent donner une impression de mouvement, et les cercles sont utilisés pour créer un contraste entre les formes avec des bords durs afin qu'il soit plus agréable de les yeux. Parfois, nous verrons des formes de base qui ont été modifiées pour rendre la page plus dynamique. Par exemple, un designer peut arrondir les coins pour rendre une page plus accueillante, les incliner pour donner une impression de vitesse ou les faire pivoter complètement pour modifier sa forme d'origine. Il arrive également que des formes organiques soient utilisées sur une page. Nous les verrons certainement sur les images. Mais les formes organiques peuvent être des éléments graphiques qui rendent la page plus fluide avec ces formes irrégulières. Les formes peuvent prendre de nombreuses formes différentes en 2D et en 3D. Alors essayez-les pour exprimer différentes émotions dans le design. fur et à mesure que nous tournons la page du magazine, nous avons tendance à nous concentrer sur les éléments graphiques plutôt que les espaces blancs autour de la page. Découvrons pourquoi et comment l'espace peut jouer un rôle dans le design. La raison pour laquelle nous sommes attirés par les textes et les éléments graphiques est qu'ils créent une zone d'intérêt à travers l'espace positif, tandis que le fond blanc est un espace négatif. Si plus d'espace est accordé à un objet par rapport au reste, nous graviterons vers cet objet unique parce qu'il a un poids plus élevé et qu'il n'entre pas en concurrence avec les autres objets. Si nous répartissons l'espace de manière égale, la page peut paraître plus ordonnée. D'un autre côté, en dispersant le contenu, nous pouvons créer un sentiment de chaos ou de jeu. Si aucun espace n'est donné, nous trouvons souvent que le contenu est un peu crampe et peut être difficile à lire. Nous pouvons également créer un espace tridimensionnel en empilant du contenu les uns sur les autres, exemple en ajoutant des formes et du texte sur une image d'arrière-plan. L'espace joue un rôle important permettre à nos yeux de se reproduire. Il n'est donc pas nécessaire d'essayer de tout embrouiller sur une seule page. Comme nous continuons sur les pages suivantes, nous avons des photos et des illustrations mettant l'accent sur les matériaux. Voyons comment les textures peuvent affecter nos designs. abord, nous pouvons discerner les textures dans un magazine imprimé raison de l'identité et l'orientation spatiale qu'elles dégagent. Nous savons que l'herbe est de l'herbe raison des lignes et des formes qu'elle crée. Nous pouvons également ressentir les textures d'une photo à partir de qualités tactiles telles que dur et doux, rugueux et lisse, brillant et mat, et bien d'autres encore. À travers la photo, nous pouvons voir de nombreuses qualités de texture, comme le sable mou sur une plage. Mais la même image sous forme d' illustration nous donnera des qualités implicites de la façon dont nous percevons la texture. Lorsqu'elles sont utilisées correctement, les textures sont non seulement attrayantes, mais peuvent également ajouter de la profondeur à nos designs. Le dernier élément visuel que vous voyez lorsque parcourez un magazine est l'utilisation de la couleur. Nous allons entrer en détail dans une leçon séparée, mais voici certaines choses que la couleur peut faire. Les couleurs utilisées dans un magazine de voyage nous donnent envie d'aller vers ces destinations. Ils peuvent également être ajoutés à éléments graphiques tels que des formes et des textes pour attirer l'attention sur des zones spécifiques du contenu. L'essentiel est de les utiliser avec parcimonie, car comme tout, l'utilisation excessive des couleurs peut créer un encombrement visuel, rendant la lecture très difficile. Nous n'avons pas toujours besoin d' ajouter de la couleur à notre design, et cela peut améliorer ou nuire à l'expérience du lecteur. Nous reviendrons sur ce point dans une leçon ultérieure. Très bien, nous avons passé en revue les cinq éléments du design et avons appris qu'ils peuvent être utilisés à la fois comme guide et comme décoration. Voyez si vous pouvez repérer l'un de ces éléments en jeu. La prochaine fois que vous verrez quelque chose qui a été conçu, comme des bâtiments, des emballages et des actions. 4. Chapitre 3 - Couleur: Nous faisons des choix de couleurs tous les jours , du choix des vêtements à porter à la décoration de notre maison. Mais vous êtes-vous déjà demandé d'où venaient les couleurs et quel était leur impact sur nous ? Dans ce segment, nous aborderons les aspects scientifiques de la couleur, les terminologies, les théories en psychologie. Nous savons donc comment les choisir et les associer. Nous n'y prêtons pas beaucoup d'attention lorsque choisissons une couleur à appliquer à notre design. Mais il y a une certaine science derrière les couleurs disponibles aujourd'hui. Découvrons comment les couleurs ont été découvertes et comment elles sont organisées. le passé, les couleurs n'existaient qu'en théorie. Ce n'est qu'au XVIIe siècle Sir Isaac Newton a prouvé que la couleur existe dans la lumière. Dans son expérience, il a tenu un prisme de verre à la lumière du soleil et a pensé que la lumière blanche se divisait en un arc-en-ciel. Dans une autre expérience, il a peint les couleurs qu'il a vues sur un disque. Et quand il l'a filé, il a découvert que toutes les couleurs étaient floues en quoi ? Et c'est ainsi que nous avons obtenu les couleurs et la fameuse roue chromatique. Pour créer la roue chromatique, il existe deux manières de mélanger les couleurs en fonction du support. Dans le monde physique, nous utilisons un modèle de couleur soustractif de sorte que plus nous ajoutons de couleurs, plus il devient sombre. Cependant, dans le monde numérique, nous utilisons un modèle colorimétrique additif. Plus nous ajoutons de couleurs claires, plus elles s'éclaircissent. Nous commençons par les couleurs primaires rouge, le jaune et le bleu, car ce sont les couleurs de base qui ne peuvent pas être produites en mélangeant d'autres couleurs dans le monde physique. Sur un écran numérique, cependant, les couleurs primaires sont le rouge, le vert et le bleu. Après avoir mélangé les couleurs primaires, nous obtenons des couleurs secondaires, qui sont l'orange, vert et le violet en physique et le cyan, magenta et le jaune en numérique. Enfin, lorsque nous commençons à mélanger couleurs primaires et secondaires, nous obtenons le reste des couleurs sur la roue. Ils disent la découverte de Newton, nous avons maintenant la roue chromatique à laquelle nous pouvons faire référence lorsque nous choisissons des couleurs pour nos besoins. Et connaissant les bases de la couleur, nous pouvons ensuite examiner les effets qu'elles créent. La plupart des gens seraient capables de pointer une couleur et de l'identifier. Mais il existe plus de sept couleurs de l'arc-en-ciel et nous avons besoin de moyens pour les décrire. Pourquoi ne pas vous présenter certains termes afin que vous puissiez comprendre comment les expliquer. Tout d'abord, nous décrivons la couleur en fonction de sa teinte. Nous pourrions l'appeler couleur bleue, mais il existe des coûts spécifiques associés à chaque bleu et ils diffèrent en fonction du support. Cela nous permet de nous référer au moment exact où il est utilisé sur papier ou à l'écran. Une fois que nous avons choisi un endroit que nous voulons utiliser, nous pouvons ajuster la saturation pour rendre une couleur plus pâle ou plus vive. Une autre modification que nous pouvons apporter à une teinte consiste à modifier les qualités de la lumière par le biais luminosité, de la valeur ou de la luminosité. Cela peut transformer une couleur en noir ou en blanc. Et puis si nous ajoutons plus de blanc dans le pigment où teinter la couleur. Et lorsque nous ajoutons plus de noir, nous ombrageons la couleur. Avec ces éléments à l'esprit. Nous pouvons maintenant les utiliser pour parler et personnaliser les couleurs. Il y a beaucoup de couleurs parmi lesquelles choisir, mais comment pouvons-nous les utiliser d'une manière qui ne soit pas visuellement choquante ? Voyons comment combiner les couleurs pour obtenir une harmonie et des ambiances différentes. Supposons que nous souhaitions créer un site Web pour un produit de soin de la peau. Avant de commencer à choisir des couleurs et une palette pour nos designs, nous allons vouloir identifier un ton au lieu de la température afin de mieux véhiculer la marque. Si nous utilisons des couleurs chaudes, cela suggérera plus d'énergie car elles sont beaucoup plus lumineuses, tandis que les couleurs plus froides sont plus calmes car elles sont moins vives. Certaines couleurs neutres comme le beige, marron et le gris peuvent également être une option. Si nous n'essayons pas de faire une déclaration, puisque ces couleurs apparaissent comme ayant beaucoup moins d'énergie. Pour en revenir à notre exemple de site Web, nous voulons utiliser des couleurs chaudes pour lui donner une personnalité plus vibrante. Avec la définition de l'ambiance, examinons maintenant différentes manières d'associer les couleurs. Il existe six façons d'associer les couleurs. Triade complémentaire monochromatique analogue à Chadwick et achromatique. Si nous voulons que le site soit paisible, nous pouvons utiliser une palette monochrome qui utilise différentes teintes et nuances d'une même teinte. Cependant, il peut être difficile de travailler avec une seule couleur le support numérique, car nous avons besoin de plus de couleurs pour communiquer différents types d'interaction. Nous pouvons le faire en utilisant le schéma analogue et en utilisant des couleurs qui se trouvent les unes à côté des autres. Une mise en garde est la nécessité d'utiliser l'une des couleurs comme dominante et le reste est secondaire. Pour créer un effet plus radical, un jeu de couleurs complémentaire peut être utilisé en utilisant des couleurs directement opposées les unes aux autres. Cela attire notre attention en raison du contraste élevé et crée un look vibrant. Nous pouvons certainement ajouter plus de couleurs pour obtenir un palais plus vaste. Comme l'utilisation de la palette de couleurs triadique qui utilise trois couleurs, grasses, régulièrement espacées sur la roue chromatique. Souvent, le résultat peut être très dynamique, donc ne réservez qu'une seule couleur comme couleur dominante. Poursuivant, nous avons la palette Titanic, qui utilise quatre couleurs réparties uniformément sur la roue. Comme précédemment, n'ayez qu' une seule couleur comme dominante. Pour éviter la surcharge cognitive, avoir trop de couleurs peut être source de distraction. Nous pouvons utiliser des tons neutres comme le noir, blanc et le gris avec la palette achromatique pour l'atténuer. Nous pouvons maintenant constater qu'il y a beaucoup plus de contraste sur le site Web et que l'effet est plus neutre. Il existe de nombreuses qualités à colorier et, selon la façon dont nous les appliquons, elles reflètent différentes émotions. Commencer vos créations en noir et blanc et développer lentement votre palais est la solution. Nous associons généralement des significations à la couleur. Lorsque nous rencontrons une couleur comme le blanc, cela peut signifier quelque chose de positif ou négatif selon la culture. C'est pourquoi il est important de choisir la bonne couleur car elles ont des connotations différentes. Le rouge est une couleur qui demande de l'attention, correspond généralement à la passion, à la guerre et à la ficelle. Dans certaines cultures, cela peut être synonyme de fête et de vitalité. L'utilisation du rouge et notre travail peuvent être assez frappants. Retrouvez-les souvent sur les étiquettes d'avertissement et trucs scientifiques pour nous protéger du danger. autre côté, les champs d' oranges sont plus fous, mais peuvent tout de même être énergiques et vibrants. Beaucoup utilisent la couleur pour évoquer un sentiment d'aventure et de rajeunissement. Appliqué sur une pièce, il est moins agressif que rouge et est beaucoup plus attrayant. Le jaune fait partie des couleurs les plus vives. C'est pourquoi beaucoup l'utilisent pour transmettre le bonheur et la joie. Et nous voyons souvent qu'il est utilisé pour symboliser l'espoir et la compétence. Il y a beaucoup d' énergie et de joie lorsque le jaune est utilisé dans un dessin. est peut-être pour cela que nous aimons tant manger des McDonald's pour nous rendre heureux. Quand nous pensons au vert, nous pensons à des éléments de la nature comme l'herbe et les arbres. C'est pourquoi cette couleur représente la vie, le renouveau et la croissance. Nous voyons qu'il est souvent utilisé dans le recyclage ou les produits biologiques que nous consommons. Il a pour effet additif de créer une sensation calmante. Le bleu est une autre couleur courante, mais il fait beaucoup plus froid. Cela procure un sentiment de sécurité et contribue à promouvoir la confiance et la loyauté. Nous pouvons trouver cette utilisation colorée pour les banques et les compagnies d'assurance, oublier les forces de police qui assurent la sécurité de nos rues. Quant au violet, il est calme et énergique. En même temps. Historiquement, il a été utilisé par royauté pour transmettre le bien et la noblesse. Parfois, il peut également être utilisé pour représenter la sagesse. C'est l'une des raisons pour lesquelles nous pouvons repérer l'utilisation du violet dans les marques haut de gamme comme le chocolat Cadbury's. blocage peut avoir des connotations positives ou négatives car il véhicule à la fois de la sophistication et de la tristesse. Nous verrons ce shag être utilisé lors d' événements formels et prestigieux ou lors de funérailles. D'un autre côté, bien que cela puisse sembler assez simple, il véhicule la pureté ou l'innocence. Cependant, dans la culture occidentale, nous voyons des mariées porter du blanc pour une occasion festive. Mais dans la culture chinoise, le blanc peut signifier, encore. Chaque fois que le blanc est utilisé, il donne un effet propre et minimaliste. Nous avons brièvement passé en revue certaines des couleurs principales et leur signification. Il existe beaucoup plus de couleurs disponibles sur le marché. Faites donc vos recherches et comprenez comment certaines couleurs jouent un rôle dans différentes cultures. Les couleurs peuvent être utilisées non seulement pour améliorer nos designs, mais aussi pour influencer notre vie. La prochaine fois que vous sortirez, regardez comment ils sont utilisés et pourquoi certaines couleurs ont été choisies. 5. Chapitre 4 - Principes du design: Dans les derniers chapitres, nous avons examiné les différents éléments constitutifs et le design, tels que les lettres et les couleurs. Il est maintenant temps de les assembler en utilisant les principes du design pour créer des compositions cohérentes. Lorsque nous commençons à créer un design, nous ne plaçons pas les choses à l' aveuglette sur une toile. Il existe des moyens de disposer les éléments visuels afin que les gens puissent les regarder facilement. Commençons par comprendre comment le principe d'équilibre peut être utile dans la conception. Pour mieux illustrer les effets du principe d'équilibre, il est utile de considérer les éléments d'une toile comme ayant une sorte de masse et de gravité. Plus l'article est grand, il est lourd, et plus l' article est petit, plus il est léger. Dans cette optique, il est temps de concevoir une affiche pour un événement social. Comme pour tout objet de grande taille exerçant une gravité lorsqu' un élément graphique de grande taille est ajouté sur un côté de la toile, vous voyez que le poids visuel est déplacé de ce côté. Pour l'équilibrer, nous devons placer un autre élément de grande taille ayant le même poids de l'autre côté. Cela crée un équilibre symétrique. Cette méthode fournit généralement une structure solide et stable à une composition car le poids visuel est perçu comme étant exactement égal des deux côtés. Une autre façon de créer un équilibre est l'utilisation d'une balance asymétrique, où le poids n'est pas réparti uniformément sur une page. Par exemple, dans notre affiche d'événement social, nous pouvons ajouter plus de détails à gauche en ajoutant quelques éléments plus petits pour équilibrer le graphique de droite. L'utilisation de l' équilibre asymétrique peut parfois rendre l' image moins uniforme, mais elle contribue à créer des intérêts visuels en ayant une variété d' éléments sur la toile. Vous remarquerez que les éléments n'existent pas seuls à l'intérieur d'une limite définie. Leur poids visuel varie et s'exercent différemment selon la façon dont ils sont placés. Nous devrons donc utiliser Balanced pour créer un équilibre dans nos compositions. Comme pour la musique, nous pouvons créer un rythme visuel pour rythmer notre public tout au long des éléments de conception. Nous allons maintenant examiner les différents types de rythmes que nous pouvons créer. L'un des moyens d'obtenir rythme visuel consiste à répéter des éléments similaires espacés également sur une page pour lui donner un aspect cohérent. Le type de rythme le plus basique que nous pouvons utiliser est appelé rythme régulier. Et on les retrouve souvent dans les romans et les manuels scolaires. Lorsque nous lisons un livre, les rôles des textes et l'espace entre les lignes sont de taille similaire. Nous savons exactement par où commencer la prochaine fois que nous avons fini de lire une ligne de texte. Alternativement, nous pouvons utiliser des rythmes fluides pour donner une impression de mouvement grâce à ses motifs fluides. Ce style de rythme est plus organique et se retrouve davantage dans la nature. Nous pouvons utiliser cela pour illustrer quelque chose comme des plantes et de l'eau. Enfin, nous pouvons utiliser le rythme progressif pour donner une séquence plus intéressante en changeant légèrement l'élément à chaque fois qu'il est répété. Par exemple, le déplacement progressif taille et de la position des éléments fera l'affaire. On peut voir ce type de motif sur les étagères des escargots sont des graphiques générés par ordinateur. En contrôlant la façon dont les éléments sont répétés, nous pouvons susciter une sensation d' émotion et de mouvement dans le design. Lorsque nous organisons des éléments sur une page, nous devons également prendre en compte les éléments que nous voulons que notre public regarde. abord, une méthode consiste à faire varier les proportions des éléments. En termes simples, ce qui est plus gros attirera notre attention en premier, tandis que les articles plus petits ont tendance à être négligés et les reçus en arrière-plan. On peut voir que les montagnes sont plus grandes que les arbres sur la photo. On remarque donc d' abord les montagnes à cause de leur taille. À certaines occasions, des objets plus petits peuvent également être mis en évidence. Si nous encadrons intentionnellement notre photo pour montrer un château dedans, cela peut devenir intéressant, même s'il est beaucoup plus petit que les montagnes. Par conséquent, la modification de l'échelle d' un élément par rapport à d'autres ou à l'une de ses parties peut donner poids visuel et une mort différents au public. Le simple fait d'ajuster la taille d' un élément peut également donner une bonne hiérarchie à notre travail. Une autre méthode pour mettre l'accent sur le contenu à regarder en premier consiste à utiliser le contraste. Voyons comment ce principe peut être appliqué. Le contraste est obtenu lorsqu'il y a deux degrés d'accentuation complètement opposés dans un dessin. Cela signifie créer une juxtaposition en ayant une grande différence de forme, couleur ou de taille dans la même composition. Vous pouvez également faire de même en modifiant la position, la rotation ou la texture. Par exemple, nous pouvons avoir des éléments de couleur vive pour se démarquer d' un fond sombre ou un élément de bord dur parmi les éléments de bord doux. En faisant ressortir les éléments, cela crée une relation intéressante entre les éléments visuels qui peuvent soit les éloigner les uns des autres, les relier, soit les compléter. Cependant, ne choisissez qu'une variable pour en changer une autre, cela deviendra écrasant. Nous avons parlé de la nécessité de créer un focus et une emphase. Mais sans lier les éléments visuels, il peut être difficile de les voir comme une seule pièce. L'harmonie et le design exigent que nous nous occupions de l'unité. La raison pour laquelle quelque chose est esthétique est moins liée au hasard qu' aux techniques employées par un designer pour s' assurer que les éléments coexistent dans une composition. L'essentiel est de traiter les éléments de la même manière. Créons une autre affiche pour voir comment fonctionne Unity. abord, nous devons établir une palette de couleurs appartenant à la même famille. Pour notre affiche de sensibilisation à la pollution marine, nous allons utiliser le jeu de couleurs monochromes bleu. Ensuite, lorsque nous ajoutons des éléments graphiques tels que des formes de bouteilles d'eau et de poissons, nous devons garder les styles presque identiques. Si nous avons des bords arrondis, nous devons conserver toutes les formes aux coins arrondis. Les modèles créés peuvent ensuite être répétés et des types de contenu similaires peuvent être alignés et regroupés. Même au sein d'une collection d'objets similaires, nous pouvons créer une distinction visuelle. Par exemple, en ayant un surlignage d'une couleur différente. Si c'est fait correctement, nous pouvons voir tous les éléments de conception s' assembler et appartenir ensemble. Non seulement ces unités améliorent la cohérence visuelle des choses, mais elles peuvent également aider à améliorer la convivialité et les produits. Après avoir examiné les cinq principes de conception, nous pouvons voir qu'il existe de nombreuses façons d'organiser les éléments. Ils peuvent être combinés ou utilisés individuellement. La prochaine fois que vous regarderez quelque chose qui a été conçu, essayez de déchiffrer comment les éléments sont disposés et comment cela est affecté. 6. Chapitre 5 - Systèmes de réseau: N'oubliez pas comment nous utilisons le papier quadrillé et la classe de masse pour nous aider à dessiner des graphiques. Nous pouvons utiliser des grilles pour mettre en page des éléments de conception, car ce chapitre traitera de ce que sont les grilles de manière à les utiliser pour structurer nos mises en page. Avant d'entrer dans les détails, passons en revue un peu d'histoire de base sur grille et l'importance de la place plus tard dans InDesign. Comme nous l'avons vu dans le chapitre sur la topographie au bon vieux temps, publications étaient imprimées manuellement en demandant à quelqu'un d'écrire des lettres et de dessiner des graphiques à la main. Les groupes ne l'étaient pas nécessairement par le passé parce que nous considérons les publications comme des œuvres d'art sans nécessaire de distribuer des livres pour l'éducation. Ce n'est qu'à la révolution industrielle du XXe siècle que la technologie a suffisamment progressé pour permettre à un plus grand nombre de personnes de produire des publications en série. Afin de créer des publications comme des journaux au quotidien, il était nécessaire de mettre au point des règles et des structures permettant d'insérer facilement le contenu dans des emplacements. Pouvez-vous imaginer la pression de créer de nouveaux contenus et mises en page tous les jours, les gens deviendront fous. Avec ça. Demande. Les grilles ont été développées pour réaliser des conceptions plus rapidement sans qu'il soit nécessaire de créer de nouvelles couches à chaque fois. En tant que système réutilisable, il peut fournir des mises en page rapides et génériques sont hautement personnalisées. La grille sert de guide pour nous permettre d' organiser des textes, des images et d'autres éléments graphiques sur une page, nous permet de gagner du temps pour déterminer où les placer. En général, nous ne voyons pas ces directives car elles sont supprimées une fois qu'un designer a terminé ses créations. Mais si nous analysons un élément de conception suffisamment en profondeur, nous verrons comment les éléments sont alignés avec les développements des grilles. Il est devenu un outil puissant pour structurer la conception. Notre public peut facilement naviguer dans le contenu. Maintenant que nous savons à quel point les grilles sont devenues importantes, il est temps d' entrer dans les détails. Comme si nous avions des humains et que ses grilles d'anatomies les aient aussi. Nous allons maintenant passer en revue certains des composants qui constituent une grille. Pour créer une grille pour un projet, nous commençons par des directives verticales pour définir des colonnes pour notre contenu. Lors de la création des colonnes, nous devrons également définir l'espacement entre les colonnes appelé gouttières. Les modifications apportées à ce paramètre affecteront l' espacement du contenu. Si elles sont trop étroites ou trop espacées, nous rendrons les choses difficiles à lire. La clé est de maintenir l'équilibre en espaçant suffisamment les choses pour être agréable pour les yeux, mais pas trop pour briser la continuité de lecture. Les lignes de flux peuvent ensuite être utilisées pour diviser les sections en modules afin que le contenu puisse être placé dans ces boîtes. Cependant, le contenu n'a pas besoin d'être confiné dans les boîtes que nous avons créées. Ils peuvent s'étendre sur plusieurs colonnes et modules. Toutes les zones d'ouverture sont appelées zones spatiales. Dans l'exemple, nous pouvons voir que si tout le contenu tient dans un rectangle, la mise en page semble vraiment rigide. En agrandissant certaines images, cela crée plus d'intérêt visuel. Nous pouvons également ajouter un espacement supplémentaire autour du contenu appelé remplissage ou en dehors de ce cadre de sélection appelé marges. Quelle que soit la complexité d'une grille, elles contiennent toutes les mêmes cartes que celles mentionnées. Chaque partie est destinée à un objectif spécifique qui peut être soit combiné, retiré de la structure globale pour définir des mises en page intrigantes. Les grilles se présentent sous de nombreuses formes. Examinons les différents types et comment ils peuvent être mis en pratique. En commençant par les bases, la grille à colonne unique ne comporte qu'une seule colonne pour aider le lecteur à se concentrer sur le texte ligne par ligne. On voit beaucoup l'utilisation de ce type de grille à l'école. Ils sont souvent utilisés dans des textes tels que les dissertations que nous écrivons et les relus par le romancier. Lorsqu'une mise en page plus complexe est nécessaire, l'utilisation de grilles à colonnes multiples nous permet de jouer avec plus de colonnes. Ce système nous aide à décomposer le contenu en morceaux digestibles. On les trouve souvent dans des magazines et des sites Web. Pourquoi devez-vous créer une cohésion entre un ensemble de contenus ? Les grilles peuvent également être divisées en boîtes égales, où un système de grille modulaire permet plus grande flexibilité pour le placement du contenu. Les lecteurs sont invités à commencer à lire n'importe où dans l'ordre de leur choix. Comme on le voit souvent dans les manuels, il appartient au lecteur de choisir entre les images, les textes corporels ou le pôle à proximité à lire en premier. Si nous définissons le contenu pour qu'il commence sur une ligne complète au lieu du coin supérieur gauche d'un module, le contenu est ancré sur une ligne d'ancrage, le transformant en une grille de base. Cette méthode crée un rythme de lecture cohérent entre les éléments. Les systèmes de grille que nous avons examinés jusqu'à présent sont des types traditionnels que on retrouve généralement dans les supports imprimés. Voyons comment les grilles sont traitées à l'écran. Lors de la conception numérique, nous commençons par l'un des types de grille spécifiés précédemment. Nous complétons ensuite cela en utilisant des multiples fixes lors du placement éléments tels que des icônes et des menus déroulants. Par exemple, une application iPhone peut utiliser une grille à colonne unique, puis s'appuyer sur les directives de conception d'Apple un système de grille de quatre pixels pour créer les éléments. Le plus petit élément peut commencer à quatre pixels, tandis éléments les plus grands sont des multiples de ce nombre. De même, chez Google, ils utilisent un système de grille de pixels. Donc, dans une application Android, nous aurons des éléments commençant à huit pixels. En fonction de l'appareil pour lequel nous concevons, nous devons choisir les directives correspondantes afin que notre conception puisse être mise à l'échelle en fonction des résolutions de l'appareil. Enfin, nous pouvons également créer des grilles personnalisées si les autres ont une structure trop stricte à notre goût. Les grilles ne doivent pas toujours être rectilignes. Ils peuvent être diagonaux, ronds ou fluides pour communiquer d'autres idées à l'aide de grilles. Ils peuvent également aider à équilibrer une page si nous avons des difficultés. À l'aide d' un exemple de commerce électronique, une grille à deux colonnes définit un équilibre asymétrique pour mettre l' accent sur les produits grille à trois colonnes définit un équilibre asymétrique pour nous concentrer sur les titres et les descriptions. Il existe différentes structures de grilles à utiliser. Ils peuvent être simples ou complexes, spécifiques ou génériques, étroitement définis ou mal interprétés pour donner un équilibre, hiérarchie articulée et une cohérence dans les compositions. Les grilles ne sont pas des éléments visuels que nous voyons à la fin, mais ce sont des lignes directrices qui nous aident à organiser rapidement les éléments de conception, structurer et à guider nos lecteurs. La prochaine fois que vous visiterez un site web, réfléchissez à la façon dont la grille joue un rôle dans la conception et à la façon dont nous rythmons la lecture. 7. Chapitre 6 - Mise en page: Les gens consomment des tonnes de contenu chaque jour. Mais avez-vous déjà réfléchi au fonctionnement interne de la conception de ces contenus ? Dans cette leçon, nous allons décoller les couches et expliquer comment aider les utilisateurs à mieux comprendre le contenu. Le design est intrinsèquement une industrie de résolution de problèmes. Alors quel problème résolvent-ils la mise en page et la composition ? En principe, ils sont conçus pour résoudre un problème de lisibilité. Une bonne mise en page et une bonne composition sont la réponse à cette question. Est-ce que mon dessin se lit ? Est-ce que je peux comprendre ce qui se passe ? À l'ère du numérique d'aujourd'hui ? La quantité de contenu est vaste et hautement accessible. Il se présente sous forme de films qui vous aident à disparaître dans le monde du cinéma et de la télévision. Contenu informatif et divertissant sur YouTube, Twitch et TikTok. But mémorable comme les photos que nous avons prises lors nos dernières vacances avec sa famille et ses amis, stimulantes et utiles, comme les nouvelles que nous lisons et les achats que nous faisons sur Internet. Mais la façon dont nous consommons réellement ces contenus passe par les couches et la composition que nos yeux voient. Cela se fait pendant que nos autres sens, comme le toucher et l'ouïe, nous aident à gérer la complexité qui se passe devant nous. Regardons-le de plus près. Comprendre le Laos et la composition. Eh bien, nous devons d'abord savoir comment notre cerveau traite les choses que nous voyons. La plupart de ce que nous voyons sur n'importe quel support se fait par le biais d'un système de mémoire à long terme qui interprète les informations de nos sens à grande vitesse. Garder ce qui est pertinent et écarter ce qui ne l'est pas. Cette bibliothèque d'expériences ou bibliothèque visuelle agit automatiquement et inconsciemment sans trop solliciter notre cerveau, même si nous ne voulons pas, par exemple, essayer de ne pas lire ceci. C'est également le même système qui nous aide à combler les lacunes de quelque chose qui est autrement imparfait et à y donner un sens. logo du Fonds mondial pour la nature en est un exemple. Nous savons que c'est un panda. Même si les lignes ne sont pas connectées. Pourtant, nous n'avons pas besoin d'y penser. Quiconque a déjà vu un stylo, nous n'aurons aucun problème à le reconnaître. Qu'est-ce qui nous aide à créer des mises en page et des compositions solides ? Nous pouvons manipuler ces principes de conception avec succès. Nous pouvons créer des mises en page et des compositions intéressantes pour aider nos spectateurs se déplacer dans nos designs. Regardons quelques exemples. Les photos sont l'une des rares formes de médiums qui permettent de voir directement les compositions. Commençons donc par cela avant passer à des médiums plus complexes. La première image ici titre Earthrise de William Anders, qui a travaillé à la NASA, a prise en 1968. La raison pour laquelle cette image est si forte est due à quelques éléments qui ont été intégrés à la composition. Contraste, accentuation, proportions et harmonie. Mais nous ne regarderons que les contrastes et l'accent mis sur cette image. En tournant la photo, le noir et blanc révèle le fonctionnement interne du contraste sur cette photo. Sachez cela de bas en haut. Il va dans un motif de lumière, d'obscurité et de lumière. Cela permet à nos yeux de lire facilement l'image et les sujets. Deuxièmement, mettre l'accent sur le fait de placer la Terre dans un espace vide tout en montrant que cette image est prise depuis la Lune, nous aide à comprendre à quel point notre planète est petite. Il nous donne le contexte de l'endroit où la photo a été prise alors que nos yeux se déplacent entre la surface lunaire ancrée au fond et la terre suspendue au milieu d'un espace sombre et serein. Cette deuxième photo est intitulée « déjeuner au sommet d'un gratte-ciel » par Charles Clyde EBIT, prise en 1932. Les deux principaux éléments qui entrent en jeu dans la composition sont le contraste, le rythme. Si nous y regardons de plus près, l'arrière-plan donne non seulement le contexte dans lequel ces personnes se trouvent par rapport à son environnement, mais c'est aussi une valeur de lumière moyenne par rapport au sujet plus sombre au premier plan, ce qui nous permet de bien lire les sujets. Le rythme établi par le sujet assis en rang aide à attirer notre regard sur l'ensemble de la photo sans se battre avec un flux naturel, ce qui nous permet de voir les expressions de ces travailleurs sans qu'aucun autre élément se fasse concurrence pour attirer notre attention. Voici la dernière photo prise par charbon d'orignal ponctuel pour National Geographic. Parmi tous les principes en jeu, ce qui ressort vraiment fort l'équilibre, les proportions et l'harmonie. Pour mieux voir l'équilibre, nous pouvons tracer deux lignes pour diviser l'image en deux, verticalement et horizontalement. Lorsque nous faisons cela, nous voyons comment André a utilisé l'équilibre asymétrique. Chaque moitié est similaire, mais pas exactement une image miroir l'une de l'autre. Il s'agit d'une forme très simple et directe d'utilisation de l'équilibre asymétrique. Et nous pouvons jouer avec cela pour obtenir différents effets. Proportions suivantes. Le plongeur et la raie sont tous deux à la même profondeur dans la vraie vie. Mais en composant la photo de cette façon sur Play, on peut mieux communiquer la taille d' un humain adulte par rapport à la raie. Il a une longue queue. Alors, ouah. Enfin, nous avons l'harmonie. Deux formes d'harmonie sont en jeu ici. premier est l'harmonie entre la couleur du sable et le sujet. Parce que la prise de cette photo sous l'eau donne à l'image et un ton bleuté général. Il permet de fondre le sujet dans environnement sans entrer en conflit. Et cela se fait en maintenant suffisamment de contraste pour que nous puissions lire l'image. Le second est entre le plongeur et la raie. Les couleurs sont suffisamment similaires pour qu'elles soient différentes, mais une seule dans la même. Si nous y regardons de plus près, les motifs d'une combinaison de plongée et de la raie sont similaires. Maintenant que nos yeux ont été entraînés à voir des compositions et des photos, examinons les mêmes concepts appliqués aux applications et aux sites Web. Le premier est DoorDash. Quand nous avons faim et que nous recherchons un restaurant pour commander chez Will arrivera de façon indélébile sur cette page. Ce qui fonctionne si bien ici, c'est l'utilisation des proportions et de l'emphase. Les proportions permettent à notre regard se concentrer automatiquement sur la section des restaurants. En effet, le contenu le plus important est le plus grand en taille, tandis que les parties les moins importantes occupent moins d'espace. L'équilibre complexe des proportions permet également à notre regard de circuler naturellement et de scanner le contenu du coin supérieur gauche vers le bas à droite de la page sans avoir d'éléments Pfeiffer attention inutile les uns avec les autres. Ce qui est intéressant ici, c'est que les éléments de navigation en haut et les éléments de filtre sur la gauche ne disparaissent que jusqu'à ce que nous voulions les rechercher. C'est le travail de l'harmonie ici. En laissant la couleur d'arrière-plan traverser les contrôles de filtre et en ajoutant des ombres au panier, cela crée une profondeur visuelle. Cette profondeur est également ce qui aide nos yeux déterminer quel contenu est le plus important. Le deuxième exemple ici est Netflix. Celui-ci est intéressant parce qu' il semble qu'il se passe beaucoup de choses. Mais en réalité, il s'agit d'un simple équilibre en jeu. Si nous divisons la capture d'écran et la moitié, nous pouvons clairement voir comment Netflix utilise un équilibre symétrique pour aider nos yeux avec ce titre. Ce traitement aide le long métrage ou le film à occuper scène sans la scène sans que l'image ne se batte avec le titre du film, mais équilibrer la mise en page de cette façon ne être immersif en mode plein écran, tout en suivant le flux naturel de notre façon de lire. Nos yeux lisent naturellement le titre, puis se déplacent vers l'image pour voir si nous aimons regarder l'ensemble. Si nous le voulons, nous pouvons cliquer sur Play et arrêter de jouer. Si nous choisissons de ne pas le faire, nous pouvons continuer à explorer les autres offres en faisant défiler la page vers le bas. Notez que cette façon d'organiser disposition asymétrique persiste également en bas. Enfin, nous avons Spotify. Pouvez-vous deviner quels principes nous aident à mieux lire la mise en page ? Si vous devinez le contraste, motif, le rythme et les proportions, n'est-ce pas ? Mais ce qui est intéressant parmi tous, c'est le rythme. La plupart des gens passent à côté de ça. Mais tout comme la musique, conceptions visuelles ont un rythme visuel, elles aident notre cerveau à comprendre ce qu' il voit lorsqu'il est déployé correctement. Jetez un œil à la liste des chansons sur l'interface utilisateur. La largeur des colonnes, la hauteur des lignes, l'espacement entre les lignes, la taille de police et les couleurs sont tous cohérents. Cela crée un motif et un rythme. Sans avoir d'indicateur visuel comme une ligne sur chaque ligne. Nos yeux et notre cerveau n'ont aucun problème à comprendre ce qu'est une seule ligne dans laquelle un album est lié à quel titre de chanson. Dans des médiums interactifs comme celui-ci, rythme peut être établi à la fois sur les axes x et y pour former un rythme horizontal et vertical. La maîtrise de cette compétence peut nous aider à gérer des conceptions beaucoup plus complexes. Imaginez simplement qu' on nous demande de concevoir la page produit d'Amazon. Et notre conception doit prendre en charge un nombre illimité de produits, d'un seul à potentiellement infini. Rhythm aidera nos clients à mieux lire le contenu de la page en utilisant des repères visuels sans l'encombrer. Nous avons examiné une disposition de terrain et des exemples de composition allant de photos à des supports interactifs. Mais il n'y a vraiment que deux choses à retenir. abord, créer votre bibliothèque visuelle pour créer bonnes mises en page et compositions nécessite que nous puisions dans la mémoire à long terme des gens. Donc, plus vous avez d'exemples dans votre tête, cela vous aidera à mieux concevoir. Deuxièmement, pratiquez, pratiquez. Pratiquer. Le design est une compétence basée sur l'artisanat. Même s'il s'agit d'une capacité de réflexion, plus vous répétez, mieux vous vous améliorerez. 8. Chapitre 7 - Icônes et imagerie: Il y a un dicton qui dit qu'une image vaut mille mots. Et pour ajouter à cela, une image peut aussi avoir mille significations. Une image peut être une icône en tant que métaphore symbolique représentant des idées, des objets et des personnes. Il peut également s'agir d'une photo ou d'une image représentant visuellement la réalité des personnes. C'est pourquoi les images sont idéales pour expliquer idées complexes à l' aide de graphiques complexes et de contextes historiques. Puisque les icônes et les images peuvent donner une forte signification à une œuvre, nous allons maintenant voir comment les appliquer à nos créations. Comme nous l'avons vu dans la leçon de topographie, les premières formes d'écriture et communication ont commencé par des pictogrammes. Voyons ce que nous pouvons apprendre de l'histoire et comprendre comment ils sont devenus une pratique courante aujourd'hui. L' exemple le plus connu de peintures rupestres trouvées dans la grotte de Lascaux en France. Ce qui le rendait spécial la documentation complexe des animaux qui existait il y a longtemps. La grotte d'Altamira en Espagne est une autre reliure célèbre. Nous y découvrons la vie des gens au Paléolithique, de leur vie quotidienne à leur mode de chasse. qui est intéressant, c'est que les dessins ne se connectent pas et ne correspondent pas ensemble. Parce que les formes initiales d'écriture ne sont que des représentations symboliques d'idées. Les humains et les progrès technologiques. Et il fallait une forme d' écriture et de communication plus robuste. Les pictogrammes se transforment en représentations des sons et des lettres que nous connaissons aujourd'hui. Mais l'idée d'utiliser des icônes, illustrations et des images demeure. L'alcyne d'entre eux vient d'évoluer. Nous les retrouvons sous forme de vidéos et de photos sur Instagram pour vectoriser des icônes et des illustrations sur nos sites Web préférés. Certaines choses ne peuvent pas être décrites avec des mots. En regardant le passé, nous avons constaté que les icônes, illustrations et les images sont de bons moyens de capturer un moment dans le temps et de raconter une histoire. Voyons comment cette méthode de narration a évolué de nos jours. Les images utilisées de nos jours ne manquent pas. Les images et les menus alléchants qui ne font que nous donner faim. Une superbe photo qui raconte une nouvelle histoire fascinante. Deux photos d'un lieu dans Google Maps qui nous indiquent notre position correcte. L'utilisation d'images, associée à d'autres formes de mise en page, est certainement un outil de communication efficace. Pour comprendre comment utiliser pleinement cet effet, nous devons d'abord comprendre quelle histoire nous racontons. L'histoire sert finalement de guide pour orienter l' expérience de notre public. Notre histoire peut prendre la forme d'un article de presse, site de commerce électronique ou d'une application. Le héros de notre histoire est toujours notre utilisateur. Nous devons comprendre son parcours et ses quêtes. Qu'il s'agisse d' arriver au bon endroit, d'acheter le bon article ou d'acquérir une nouvelle compétence. En tant que designers, il est de notre devoir d'aider les héros à répondre à la demande. Une fois que nous avons compris l'histoire, nous pouvons examiner comment nous choisissons de la structurer, en équilibrant ce que nous choisissons d'utiliser images et des textes pour communiquer. Prenons l'exemple de Google Maps. Les utilisateurs de Google Maps souhaitent explorer nouveaux lieux ou vérifier si un restaurant vaut le détour. Texas, la meilleure façon de nous donner l'adresse et les commentaires. Les images montrent mieux si nous avons aimé l'ambiance et à quoi ressemble le poulet à la confiture de Chili. Un autre exemple est l'article sur la pollution du New York Times India. L'utilisation d'images du point de vue de la mono et zone EMEA permet de transmettre l'histoire de manière plus personnelle. C'est d' autant plus important que l'article se déroule en Inde, alors qu'une grande partie de l' audience du New York Times est tournée vers nous. L'utilisation d'images puissantes comme celle-ci permet au public de mieux comprendre la situation loin de chez lui. Si nous regardons l'article de plus près, nous pouvons également remarquer une utilisation intéressante de la couleur. Le New York Times a choisi de laisser les couleurs identiques aux images pour un design harmonieux. Il s'agit d'une technique à essayer si vous vous trouvez dans situation où les images entrent en conflit avec les couleurs de votre interface utilisateur. Non, ce sont quelques façons d'utiliser les images en conjonction avec nos mises en page. Pour en savoir plus sur les concepts d'images, nous allons maintenant voir comment appliquer des icônes et des illustrations à nos mises en page. En regardant un autre exemple du New York Times, nous pouvons voir des icônes et des illustrations représentant des planètes et des satellites . Les satellites en orbite autour la planète aident à indiquer au public où se trouvent les satellites par rapport au corps astral et à sa trajectoire. Le fait d'avoir la même icône, à la fois sur l'illustration et légende, permet au public de les cartographier ensemble. Une chose à noter à propos de l'utilisation des icônes et des illustrations, ou des détails et de la lisibilité. La taille d'une icône ou d'une illustration est proportionnelle à la quantité de détails dont nous avons besoin pour que le public puisse mieux lire. La raison en est que notre système de mémoire, rappelé du chapitre sur le Laos et la composition, attend une certaine quantité d'informations dans une taille donnée pour que vous puissiez comprendre ce que voient vos yeux. Si l'objet est plus grand, disons Jupiter, il ne suffit pas d'avoir la bonne couleur. Il est nécessaire d'avoir le fameux cercle rouge et tempête mouvante pour aider notre public, la star et la planète. Mais quelque chose d'aussi petit que le satellite, comme Voyager, suffit à avoir une représentation en silhouette pour que notre public sache ce qu'est ce satellite. fait d'avoir plus de détails rendra la lecture plus difficile car la forme emblématique ne sera plus reconnaissable. Parce que les icônes et les illustrations sont des abstractions de choses réelles. Un colorant bleu peut signifier terre ou marbre bleu. Il est important de leur donner un contraste et une lisibilité élevés lors de leur création. Sinon, personne ne saurait ce que c'est. C'est pourquoi les icônes et les illustrations ont la capacité de raconter des histoires percutantes qui peuvent être représentées par une photo, comme la façon dont la glace se déplace en Antarctique ici. Soyez prudent lorsque vous utilisez des symboles qui peuvent avoir des significations différentes selon les cultures. Le symbolisme dépend fortement du contexte. Certains symboles ou images peuvent être corrects à un endroit, mais peuvent ne pas l'être à un autre. Des choses telles que les symboles religieux sont des figures très sensibles et un sens culturel. Abstenez-vous d'utiliser des symboles liés aux valeurs culturelles des personnes, mais utilisez plutôt des symboles universellement reconnus. images, les icônes et les illustrations sont des supports puissants à ajouter à vos créations. La prochaine fois que vous utiliserez une application, faites attention à la façon dont elle utilise icônes et les images pour vous guider dans son flux. 9. Chapitre 8 - Communications visuelles: Nous arrivons à la fin de l' introduction au design de niveau 0. Quel voyage nous avons vécu. Mais il y a encore une chose pour vous tous. Ici. Nous aborderons un concept qui vous aidera à rassembler tout ce que vous avez appris. Qu'est-ce que la communication visuelle exactement ? La communication visuelle est une méthode de représentation de l' information permettant de créer un sens efficace par le design. Cela peut se faire à la fois sur support électronique et sur support imprimé. Il existe différentes manières de représenter les informations sous forme graphique. Il s'agit notamment d'infographies qui traduisent les données en images, contenus interactifs avec lesquels les utilisateurs interagissent physiquement ou numériquement, et de graphiques animés qui transmettent une histoire par le biais du mouvement. Il peut également être appliqué à des actifs tangibles et livrables tels que les packages de marque et d'identité, diapositives de présentation ou les affiches et la signalisation. Nous pouvons commencer à voir comment les leçons passées, telles que la typographie, les couleurs et les mises en page, sont appliquées en contexte. Maintenant que nous savons ce qu'est la communication visuelle, voyons comment nous pouvons l'utiliser pour communiquer l'importance des idées et des concepts. Le monde est inondé d'un flot incessant d'informations, d' idées et de concepts. Celles-ci peuvent être transmises de différentes manières par l' écriture, les conversations et les visuels. Mais examinons de plus près les avantages de la représentation visuelle de l' information. Si nous voulions apprendre à quelqu'un à dessiner une fenêtre, nos instructions pourraient ressembler à ceci. Tracez un carré, tracez une ligne horizontale au milieu du carré, tracez une ligne verticale au milieu du carré. Bien que ces instructions soient assez simples, nous risquons de les faire mal interpréter. L'autre méthode consiste à accompagner les instructions de représentations visuelles de ce type. Tracez un carré, tracez une ligne horizontale au milieu du carré, une ligne verticale au milieu du carré. Avez-vous remarqué les différences dans la façon dont instructions étaient transmises exactement de la même manière pour une utilisation avec seulement l'ajout de graphiques en tant que suppléments. Pour plus de clarté. Allons encore plus loin. Si nous devions supprimer complètement les instructions écrites et n'utiliser que des graphiques d'instructions, cela aurait toujours du sens. pourquoi la communication visuelle en direct est si importante. Elle donne de la clarté à des idées complexes et laisse peu de place aux interprétations erronées. La communication visuelle ne consiste pas simplement à se contenter de graphiques contenant des textes. Il y a un but qui nous aide à créer des histoires de design. Les deux facteurs clés, notre public et nos contextes. abord, l'audience, notre public ou les personnes auxquelles notre produit, service ou nos médias s'adressent. Et comprendre qui ils sont peut nous aider à mieux cibler nos contextes. Plus tard. Dans la séquence titre d'ouverture de la série James Bond, Quantum of Solace. qui s'adresse cette séquence de titres selon vous ? Sont-ils pour les fans de la franchise James Bond ou pour les nouveaux spectateurs ? Le titre est à la fois familier aux fans de la série, mais fait de manière moderne pour attirer nouveaux téléspectateurs sans savoir à qui il est destiné. Cette séquence de titre peut être prise dans de nombreuses directions qui pourraient ne plus ressembler à un film de James Bond. Cela nous amène au facteur suivant. Contextes. Les contextes définissent le cadre ou la situation dans lequel quelque chose se produit. Cela s'applique à la conception de produits ou aux idées en général, utilisant la marque Starbucks comme exemple, si nous voulons montrer comment étaient les visuels de la marque, nous devons les appliquer dans le contexte qui sera vu par l'utilisateur. Lorsqu'elle est mise en contexte, ce qui est essentiellement, une marque abstraite devient accessible et compréhensible. En définissant notre public et nos contextes, nous pouvons appliquer les principes fondamentaux appris dans leçons précédentes pour guider notre public dans notre travail. Faisons un petit récapitulatif. Nous avons appris ce qu' est la communication visuelle , pourquoi elle est importante et comment l'utiliser pour raconter une histoire. Il est maintenant temps d'appliquer toutes vos connaissances en matière de design à votre travail.