Intro aux techniques mixtes : apprendre comment peindre plus rapidement, corriger les problèmes et s'amuser en créant

1. Introduction aux techniques mixtes: Bonjour et bienvenue dans mon studio. Je m'appelle Kendyll Hillegas et je suis un artiste dans Illustrator. J' utilise Mixed Media pour créer des peintures réalistes de personnes, de nourriture, de plantes , d' animaux, à peu près tout ce que vous pouvez penser, j'utilise Mixed Media pour dessiner ou peindre. Au niveau de base des médias mixtes est une catégorie vraiment large qui signifie simplement, toute œuvre d'art qui a été créée à l'aide de plus d'un type de média. Donc, comme vous pouvez l'imaginer, c'est une très grande catégorie. Il peut inclure beaucoup de styles différents, beaucoup de différents types d'usure. Pour les besoins de cette classe, nous allons nous concentrer un peu. Je vais vraiment me concentrer sur l'apprentissage à utiliser stratégiquement Mixed Media pour réaliser un travail réaliste ou résoudre des problèmes artistiques spécifiques. C' est ainsi que j'utilise Mixed Media comme illustrateur professionnel. C' est la technique que j'utilise dans presque tout mon travail et je suis heureux de partager cette technique avec vous parce que comprendre et utiliser Mixed Media de cette façon, comme je le fais en tant qu'illustrateur professionnel, peut faire quatre des choses pour vous. Numéro 1, il vous permet d'avoir la liberté de choisir le meilleur outil pour le travail au lieu d' être coincé avec un seul outil et Numéro 2, cette capacité de choisir ce qui fonctionne le plus efficacement, va inévitablement vous rendre plus efficace dans votre processus artistique. Plus vous vous familiariserez avec cette façon de travailler, plus vous serez efficace avec votre temps en studio, ce qui signifie que vous pouvez créer des pièces finies plus rapidement. Numéro 3, il vous permet d'enregistrer ou de continuer à travailler sur pièces que vous auriez autrement considérées comme une cause perdue. Par exemple, vous pourriez arriver à la fin de ce qui est possible avec un seul média, mais si vous êtes assez ouvert d'esprit et capable d'incorporer 1, 2, 3, même 4 autres types de médias, vous pouvez résoudre toutes sortes d'autres problèmes dans votre pièce et au bout du compte, ce qui n'aurait pas été possible avec un seul média. Last but not least, bien sûr, c'est vraiment amusant. Travailler dans Mixed Media peut vous aider à apporter un véritable esprit d'expérimentation et d'exploration dans le studio, ce qui peut être vraiment gratifiant et utile lorsque vous travaillez dans les arts créatifs. Dans ce cours, nous allons apprendre à utiliser Mixed Media façon vraiment stratégique d'abord et avant tout, ayant une discussion sur les différents types de médias qui existent, puis un aperçu des différentes caractéristiques, les forces et les faiblesses de nombreux médias communs. Numéro 3, une introduction à la combinaison et la superposition de différentes fournitures d'art, la fois quelques-unes des combinaisons communes que je sais pour bien fonctionner, que d'autres artistes utilisent aussi et aussi un processus de test, et d'expérimentation avec de nouveaux que vous pourriez vouloir développer vous-même. Numéro 4, je vais décompresser la façon dont je choisis les médias que je vais utiliser, combinaisons que je vais utiliser dans une pièce particulière. Numéro 5 devra faire des démos entièrement narrées où je vais créer deux peintures de médias mixtes différentes du début à la fin, chacune sera faite avec des combinaisons différentes, certaines de mes combinaisons préférées de médias mixtes afin que vous puissiez voir comment je fais une partie de cette résolution de problèmes et le choix d'un média particulier pour des objectifs artistiques spécifiques. Maintenant, une chose à noter, l'objectif principal de cette classe est la technique Mixed Media réelle et comment l'utiliser pour résoudre des problèmes et appliquer à des objectifs artistiques spécifiques. Donc, nous ne allons pas passer en revue les bases comme façon de dessiner ou la perspective, ou la théorie des couleurs. raison, ce cours est probablement le mieux adapté pour que les artistes aient déjà une certaine familiarité et un peu de confort dans ces endroits et qui cherchent à éventuellement élargir leur boîte à outils. Peut-être, si vous êtes habitué à travailler dans un seul média ou seulement lorsque des médias à la fois et que vous voulez apprendre à en sortir un peu, et amener d'autres médias et le mélanger, alors cette classe est certainement pour vous. Je dirais que si vous êtes un professionnel ou un artiste aspirant, ou un artiste amateur, d'une façon ou d'une autre, ça va être une compétence vraiment précieuse pour vous, parce que si vous êtes un professionnel comme moi, temps est vraiment si important. Donc, être capable de terminer le travail efficacement et de ne pas avoir à revenir en arrière, et recréer le travail dès le début si vous avez fait une erreur ou heurté un barrage, c'est tellement important. Même si vous êtes un artiste en herbe ou un artiste amateur, plupart du temps, vous n'aurez peut-être pas autant de temps que nous pour travailler sur une peinture en studio. Cela peut être particulièrement frustrant si vous finissez par devoir recommencer ou travailler pour plusieurs séances sur un tableau que vous n'êtes pas en mesure de terminer. De toute façon, que vous soyez l'un sous le spectre ou l'autre, cette compétence est vraiment inestimable à avoir dans votre boîte à outils. Après avoir terminé ce cours, vous serez prêt à faire ce que je fais pour évaluer et choisir stratégiquement différents médias pour résoudre vos propres défis et objectifs artistiques. Avec du temps et de la pratique, vous serez en mesure de travailler plus rapidement, plus efficacement, et même avec plus de créativité et de potentiel ouvert. J' espère que vous sentirez mon enthousiasme pour Mixed Media. Comme je l'ai dit, c'est ce que j'utilise dans presque tout mon travail professionnel. C' est donc une technique que je connais et me passionne et je suis ravie de la partager avec vous. J' espère vous voir dans la classe. 2. Types de supports: Bienvenue de retour. Dans cette leçon, nous allons plonger dans les fondements d' une bonne pratique des médias mixtes et c'est une compréhension de certains des différents types de médias de base. Avant de plonger dans cela, une petite mise en garde très rapide, et c'est qu'il y a beaucoup, beaucoup de différents types de médias fabriqués à partir de différents pigments avec différents liants, activés avec différents produits chimiques et utilisés avec différents solvants. Fondamentalement, il y en a trop pour que je passe en revue tous les médias existants, je ne les connais même pas tous. Pour rester concentrés, nous allons nous concentrer sur quatre grandes familles de types de médias. Ce sont les milieux à base d'huile et de cire, les milieux base d'eau et d'acrylique, les milieux à base d'alcool et les milieux secs. Tout d'abord, les médias à base d'huile et de cire. Généralement, il s'agit de milieux qui nécessitent un solvant pour se mélanger, bien qu'ils puissent parfois être quelque peu mélangés à la friction, et il existe deux variétés principales dans cette catégorie. L' un est des médias qui sont fabriqués avec des huiles actives ou de séchage. Ce serait de la peinture à l'huile ou des barres d'huile, ils sont vraiment humides et une consistance crémeuse et ils finissent par sécher jusqu'à une finale vraiment dure. Ensuite, l'autre catégorie serait les milieux à base de cire à huile qui sont fabriqués avec des huiles ou des cires inactives ou inertes. Ce serait des pastels à l'huile ou de la cire ou des crayons de couleur à base d'huile. Ensuite, nous avons des supports acryliques ou activés à l'eau. Généralement, ces milieux ne nécessitent que de l'eau pour les mélanger ou les activer. Quelques exemples de milieux hydrosolubles à base d'eau sont l'aquarelle, crayon aquarelle, l'encre à base d'eau, l'acrylique, les marqueurs à base d'eau et même les pastels à la cire soluble dans l'eau. Au fur et à mesure de cette liste, vous verrez qu'il y en a qui pourraient se chevaucher ou passer entre deux catégories différentes de médias, les pastels à la cire soluble dans l'eau en sont un excellent exemple. Ils sont à base de cire, mais la cire est soluble dans l'eau, sorte qu'ils pourraient en quelque sorte correspondre presque aux deux catégories. Ensuite, numéro trois, les médias à base d'alcool. Comme son nom l'indique, ils nécessitent généralement de l'alcool pour se mélanger et ils sont un pigment qui a été encapsulé, dissous dans une base d'alcool. Quelques exemples de milieux alcooliques seraient l'encre liquide d' alcool, les marqueurs d'alcool comme Copic ou Prismacolor. Certains types de stylos ont bien de l'encre à l'alcool. Dernier point et non le moindre, le numéro quatre est un milieu sec. Généralement, les milieux secs ont seulement besoin de friction pour se mélanger. Quelques exemples de milieux secs seraient pastel doux, charbon de bois, graphite, crayon, crayons Conte, ceux qui pourraient se chevaucher avec les médias à base de cire ainsi, et les crayons de couleur pourraient même entrer dans cette catégorie techniquement parce que vous pouvez mélanger en particulier certaines marques. Vous pouvez les mélanger avec friction et ils après tout assez secs même s'ils sont à l'huile ou à base de cire. Plus de ce chevauchement là comme vous le voyez entre les différentes catégories. Encore une fois, pour répéter encore une fois ce que j'ai dit au début, il y a beaucoup, beaucoup d'autres variétés de médias que nous ne pouvons pas examiner aujourd'hui mais si vous êtes intéressé à utiliser certains de ces autres types de médias, disons par exemple, si vous vous voulez utiliser de l'émail ou encaustique ou de la résine coulée, vous pouvez toujours utiliser les techniques que nous allons parcourir dans les leçons à venir pour apprendre à évaluer ces médias et à comprendre comment et quand les incorporer dans une pièce d'œuvres d'art. Ensuite, nous allons plonger dans les caractéristiques des médias. 3. Les caractéristiques d'un support: Avant de choisir un média à incorporer dans votre œuvre, il est important de considérer que chaque type de média aura ses propres caractéristiques, ses avantages et ses inconvénients. Une prise de conscience de ceux-ci vous permettra de choisir l'offre d'art la plus efficace, la plus efficace pour la tâche ou le problème que vous avez à portée de main. Si vous êtes quelqu'un qui a déjà expérimenté beaucoup de différents types de médias, vous pouvez avoir un capteur, certaine familiarité des forces et des faiblesses des différents médias. Mais je veux partager avec vous 10 questions clés que je me pose lorsque j'évalue médias et que j'essaie de savoir où ils sont forts ou où ils sont faibles afin de savoir comment les utiliser au mieux dans le cadre de la peinture. D' accord. Ces 10 questions sont : Numéro 1, quel type de média s'agit-il ? laquelle de ces quatre grandes familles tombe-t-elle : huile, eau, alcool ou sec. Numéro 2, peut-il facilement couvrir une grande surface ? Numéro 3, peut-il facilement développer les détails ? Numéro 4, peut-il être utilisé sur le substrat choisi ? Est-ce que ça marche sur la surface sur laquelle je travaille, le papier, ou la toile, le bois, quoi que ce soit. Numéro 5, à quoi ressemble la texture naturelle des médias ? La plupart des médias peuvent être mélangés ou lissés, mais si vous avez expérimenté de nombreux types de médias différents, vous savez que certains se prêtent mieux à cela que d'autres. Ayant une compréhension de ce que l'offre d'art veut faire, la personnalité naturelle qu'elle possède peut être vraiment utile. Numéro 6, comment réagit-il à la superposition ? Combien de fois pouvez-vous la superposer sur elle-même avant que la qualité de la surface sur laquelle vous travaillez ne soit affectée négativement ou avant que la couleur ne devienne boueuse. Numéro 7, à quel point est-il facile de mélanger ? Comme nous l'avons dit il y a un instant, la plupart des fournitures d'art peuvent être mélangées quelque peu, mais il y en a certainement certains qui sont plus faciles à mélanger que d'autres. Par exemple, quelque chose comme le lavage acrylique sèche très rapidement, vous devez travailler très rapidement pour le mélanger, alors que quelque chose comme la peinture à l'huile a un temps de séchage très lent, il est donc beaucoup plus facile à mélanger. Numéro 8, à quel point les couleurs sont vibrantes ? Vous remarquerez, plus vous travaillez, plus vous expérimentez avec différents types de médias, que des médias aux médias et parfois même de marque à marque dans certains types de médias, il peut y avoir une très large gamme de l'éclat des couleurs. Avoir une conscience de quelles couleurs sont les plus vibrantes dans lesquelles les médias, peut être vraiment utile. Numéro 9, à quel point est-il facile de mélanger la couleur ? Encore une fois, à peu près tous les médias que vous pouvez mélanger la couleur d'une manière ou d'une autre, mais certains médias, il est plus facile à faire que d'autres. Par exemple, avec les peintures à l'huile et à l'acrylique , la plupart du temps, celles-ci sont à base de pigment, elles ont le pigment pur et vous avez plus de flexibilité et plus de liberté pour mélanger la couleur exacte que vous voulez par opposition à quelque chose comme un marqueur, ou un crayon de couleur, où ceux-ci sont déjà des pigments ou des mélanges de couleurs, une partie de ce mélange a déjà été fait pour vous et vous devez faire attention à ne pas incorporer trop de couleurs différentes sinon, il peut devenir boueux. Un autre aspect que je considère est, à quel point il est facile de créer une palette puis de reproduire cette palette. Encore une fois, en revenant à l'exemple de l'huile et de l'acrylique, si vous créez une palette entière avec toutes les couleurs dont vous avez besoin pour votre pièce avec de l'acrylique et que vous êtes prêt à partir, cela va réellement sécher très rapidement. Sauf si vous ajoutez une sorte d'agent qui ralentira le processus de séchage, vous pouvez potentiellement passer beaucoup de temps à mélanger toutes vos couleurs, obtenir votre palette juste, et ensuite seulement être capable de travailler peut-être un assis avec ces couleurs avant de les faire sécher. Alors qu'avec les huiles, vous pouvez passer le même temps à mélanger, mais elles seront prêtes à être utilisées pour plusieurs réglages, surtout si vous ajoutez une sorte de couverture sur le dessus de votre palais. Puis crayons de couleur à l'autre extrémité, c'est une raison pour laquelle je suis un fan de crayons de couleur, même si ils ont plus de limites avec être déjà mélangé avec eux-mêmes, est que vous pouvez juste continuer à revenir à eux encore et encore, Vous n'avez pas à vous soucier de leur séchage. C' est une catégorie large, mais en pensant à la facilité de mélange des couleurs et la facilité de travailler avec les couleurs que vous avez mélangées. D' accord. La dernière question, le dernier attribut est, est-ce opaque ou translucide ? À quel point est-ce que c'est transparent ou non ? 4. Évaluer un support: Donc, pour décompresser ces caractéristiques un peu plus loin, je vais les utiliser pour évaluer et les médias que j' utiliserai plus tard dans une des démonstrations, l'aquarelle liquide. Vous pouvez deviner par son nom, aquarelle, que c'est un média à base d'eau. C' est un peu différent de l'aquarelle traditionnelle, soit l'aquarelle pan, soit l'aquarelle tube, où le pigment est suspendu dans un liquide concentré. Tout comme l'aquarelle ordinaire, elle est activée et mélangée à de l'eau. J' ai une petite feuille d'échantillon ici et je l'ai numéroté deux à dix puisque j'ai déjà répondu à la première question, est un média à base d'eau, et je vais passer par et tester chaque de ces caractéristiques sur l'un de ces petits échantillons. Caractéristique numéro 2, peut-il facilement couvrir une grande surface ? J' utilise un pinceau assez petit ici, mais je vais juste le faire passer, et nous pouvons voir assez rapidement que comme la plupart des peintures, comme la plupart des aquarelles, il est assez facile de le faire couvrir uniformément et en douceur une grande surface. Numéro 3, j'utilise toujours la même brosse ici. Mais le numéro 3 est facilement développé détail ? comme la plupart des aquarelles à nouveau, selon la façon dont vous l'appliquez et l'outil que vous utilisez, il est très capable de développer le détail, obtenir des lignes vraiment fines. J' utilise un pinceau taille 6 ici, taille 6 marron. Pouvez-vous imaginer, si j'utilisais un zéro ou un ou même un deux, je serais en mesure d'obtenir un niveau de détail vraiment raffiné ici. Juste une note personnelle, même si objectivement je peux dire oui, aquarelles sont bonnes pour développer les détails, je trouve personnellement que l'utilisation de l'aquarelle pour développer les détails est assez fastidieuse. Pour moi, je vais lui donner une note inférieure à ce sujet, juste parce que je sais que je n'aime pas ce processus. Je n'aime pas l'utiliser pour cela, et c'est encore une fois, certains des avantages que vous obtiendrez en investissant temps dans l'expérimentation, la compréhension et la connaissance des différents médias. Vous savez peut-être que les huiles sont très faciles à mélanger, mais je n'aime pas vraiment travailler avec elles. Tout cela est un compromis, et bien qu'il y ait des éléments objectifs, comme vous pouvez le voir, il a une certaine subjectivité inhérente. Caractéristique numéro 4, peut-il être utilisé sur le substrat choisi ? Aux fins de ce test, je travaille sur un morceau de papier aquarelle. Oui, il peut être utilisé sur ce papier aquarelle. Mais juste dans l'ensemble et la conscience de l'aquarelle liquide et la plupart des aquarelles, ils ont généralement besoin d'être utilisés sur du papier, un papier aquarelle spécial, ou une partie de la surface qui a été préparée avec un sol aquarelle. Ils ne sont pas comme l'acrylique où vous avez presque une flexibilité infinie pour les utiliser sur n'importe quelle surface que vous voulez là-bas. Il y a quelques limites avec les substrats. Numéro 5, à quoi ressemble la texture naturelle ? Je dirais, c'est assez similaire à la plupart des couleurs d'eau. Dans mon expérience, il est un peu plus lisse que l'aquarelle stylo et peut-être même un peu plus lisse que aquarelle tube traditionnelle ou certaines marques d'aquarelle tube traditionnelle de toute façon, il a tendance à sécher à un assez uniforme. Vous pouvez vraiment voir dans celui-ci que j'ai fait ici, c'est assez même il n'a pas vraiment les effets d'aquarelle vraiment forts que certains types d'aquarelle font. Mais cela étant dit, il est toujours aquarelle, et il a encore une certaine imprévisibilité, il ne va pas être même complètement lisse comme si vous faisiez une couche opaque très lourde de quelque chose comme le lavage. Numéro 6, comment réagit-il à la superposition ? Plus tôt, j'ai posé cette quinacridone colorée, point d'aquarelle, et avec l'aquarelle, vous pouvez vraiment faire beaucoup de couches parce que c'est un média très mince et très léger. Mais une question clé avec l'aquarelle est, combien et dans quelle mesure les sous-couches seront réactivées en ajoutant un nouveau calque sur le dessus ? On va vérifier ça maintenant. J' ai juste du cadmium arrosé sur ma brosse, et comme vous pouvez le voir, c'est vraiment pas réactiver beaucoup du tout. Il y a un petit peu de réactivation et pas parce que je ne l'ai pas laissé sécher si longtemps. Mais comme je l'ai mentionné, j'ai déjà un peu de familiarité avec ce média, et c'est l'une des raisons pour lesquelles j'aime l'aquarelle liquide par opposition à d'autres variétés d'aquarelle comme le tubercule palmier, est qu'il ne se réactive généralement pas sur le papier une fois qu'il est complètement sec, ce qui peut vous donner beaucoup de flexibilité pour différents types de superposition. Il couche, eh bien, il ne réactive pas ce qui est en dessous. Numéro 7, est-ce facile à mélanger ? Je vais mettre quelques couleurs différentes ici. Je fais le cadmium, maintenant je vais prendre un peu à la quinacridone. Donc, comme la plupart des aquarelles, il ne peut vraiment être mélangé qu'une seule fois quand il est mouillé. S' il est complètement séché, votre seule option pour mélanger l'art est de continuer à ajouter d'autres glaçages, pour essayer de mélanger. mélange dans le sens traditionnel de l'utilisation de votre brosse sur la surface pour mélanger les deux couleurs différentes ensemble, est assez limité à lorsque le milieu est humide. De plus, parce que c'est de l'aquarelle, vous avez cet élément d'imprévisibilité. Lorsque vous mélangez quelque chose comme de l'acrylique, ou de l'huile, ou même des pastels à l'huile, par exemple, vous avez un peu de précision et vous connaissez exactement la zone que vous mélangez, et vous pouvez vraiment vous concentrer sur certaines zones vraiment petites avec aquarelle. Si vous essayez de mélanger deux zones différentes de pigment humide, c'est difficile parce que c'est de l'eau et qu'il va se comporter comme il veut se comporter. Je dirais oui, se mélangeant le plus possible avec certaines limites. Numéro 8, à quel point les couleurs sont-elles vibrantes ? C' est une autre des choses que j'aime vraiment à propos de l'aquarelle liquide est, les couleurs sont juste super, super vibrantes et ils ne sont même pas vraiment venir à travers aussi bien sur la caméra. Mais en particulier, les rouges peuvent être de couleur délicate pour obtenir de l'éclat dans. Mais surtout, les rouges ont une très belle qualité luminescente pour eux. Donc je les classerais assez haut sur la liste vibrante. Numéro 9, est-il facile de mélanger la couleur ? Nous avons déjà parlé de mélange et de mélange signifie comment se fondre pour moi, mélange signifie comment se fondre sur le substrat lorsque vous travaillez ? Mais en parlant de mélanger les couleurs, ce que je veux dire c'est mélanger les couleurs sur la palette. Je vais vous montrer ici, c'est la palette sur laquelle j'ai travaillé quand je fais de l'aquarelle liquide,. Pour classer cela en fonction de la facilité de mélange, je dirais qu'il est possible de mélanger et que vous avez quelques pigments purs, ce qui est vraiment agréable en termes de flexibilité. Mais un défi est que vous pouvez voir que la couleur peut en fait paraître un peu différente dans le puits que lorsqu'elle est sur le papier. Par exemple, voici la quinacridone, qui a l'air vraiment sombre et vous n'avez pas toujours une bonne idée de ce qu'elle va ressembler une fois qu'elle sera sur le substrat. C' est particulièrement vrai si vous mélangez quelques couleurs différentes. Si vous utilisez quelque chose qui est juste comme du cadmium droit ou de la quinacridone droite, vous pourriez avoir une bonne idée de ce à quoi ces couleurs sont censées ressembler. Mais si vous mélangez vos propres couleurs, cela peut être plus difficile que de mélanger avec des huiles, par exemple, parce que vous devez le mélanger et ensuite vous devez le tester sur une petite bande de papier pour vous assurer que vous avez la bonne couleur . Ensuite, en plus, alors que j'aime que ceux-ci ne sont pas réactivés quand ils sont stratifiés, le revers de ce est qu'ils ne sont pas vraiment réactivés aussi bien sur la palette est quelque chose comme la couleur de l'eau du tube serait. Vous pouvez les réactiver un peu, mais ensuite vous avez tendance à obtenir des paillettes de peinture et trucs qui sortent de la palette et peuvent bouger l'effet de celui-ci. Donc, vous devez le mélanger vraiment frais à chaque fois que vous l'utilisez ou vous devez mettre une couverture sur la palette. Je dirais, il est certainement possible de mélanger différentes couleurs, mais c'est un compromis avec ce média. J' ai aimé le dynamisme, j'aime comment il couches bien, j'aime comment même la surface sèche, mais il est un peu plus difficile de mélanger les couleurs. Je suppose que je n'avais pas besoin d'un échantillon pour le numéro 9. Eh bien, la dernière caractéristique est, est-ce opaque ou translucide ? J' ai dessiné quelques lignes avec un marqueur Sharpie ici et je prends juste un peu de turquoise de ma palette, et nous allons juste poser sur les lignes, et vous pouvez voir que c'est assez translucide, donc ce n'est pas un surprise, à peu près aquarelles de cette façon. Je vais essayer d'attraper une couleur différente et je vais l'obtenir vraiment concentré et ne pas ajouter beaucoup d'eau. C' est de la quinacridone. Maintenant, il fait très sombre, donc le noir ne saute pas forcément autant, mais j'espère que vous pouvez toujours voir qu'il est vraiment encore très translucide. Le noir se montre toujours à travers assez visiblement. Donc, même si j'en ai une application très épaisse, application vraiment concentrée, la vraie opacité n'est pas vraiment possible avec ce médium. Être conscient de toutes ces caractéristiques et avoir une réelle familiarité avec elles, va m'aider à prendre une décision éclairée sur le moment où je devrais utiliser l'aquarelle liquide par rapport à un autre type d'aquarelle, et quand et comment je devrais le combiner avec d'autres supports pour compenser certaines des zones où il n'est pas si fort comme l'opacité ou peut-être la possibilité de se fondre sur le substrat. Une telle compréhension permettra de prendre décisions stratégiques et éclairées. Pour la première partie du projet de classe, nous sommes enfin sur un point pratique ici. J' aimerais que tu fasses la même chose que je viens de faire ici ou tu peux te faire une petite nuance. Comme nous venons de l'apprendre, vous n'avez besoin que de huit carrés et de prendre votre nuancier, et les questions que nous avons, qui vont être dans les matériaux de classe aussi, et évaluer le support de votre choix, ou peut-être que même deux ou trois sont peut-être quelque chose que vous connaissez déjà. Vous n'avez pas encore réfléchi de manière systématique, ou cela pourrait être quelque chose de totalement nouveau pour vous, que vous n'avez jamais expérimenté auparavant. Dans ce cas, vous pourriez même avoir besoin de faire quelques échantillons supplémentaires pour avoir une bonne compréhension de la façon dont il va fonctionner. Une fois que vous avez terminé, veuillez poster vos résultats, peut-être avec quelques notes puis des réponses à ces 10 questions, ainsi qu'une photo de vos échantillons dans la section du projet de classe. Juste un rappel, encore une fois qu'il pourrait y avoir une vraie subjectivité ici. Nous pourrions arriver à différentes personnes qui évaluent les mêmes médias et en arrivent à des conclusions très différentes, et tout cela ne fait qu'une partie du processus et cela sera utile pour tout le monde dans l'apprentissage. Enfin, en plus de ce que vous allez apprendre de votre propre expérimentation et de vos propres tests et évaluations, je suis allé de l'avant et j'ai mis sur pied un petit tableau qui passe en revue certains des types de médias de base, les types de médias que j'utilise le plus fréquemment, et mes classements de chacune de ces caractéristiques. Donc, lesquels sont vraiment forts et opacité par rapport à ceux qui sont vraiment translucides, lesquels font vraiment bien avec les détails par rapport ceux qui font vraiment bien avec la couverture d'une grande surface, et vous pouvez trouver ce graphique dans la classe également section des matériaux. Juste une prise de plus pour la subjectivité. Ce tableau est ce que je ressens à l'égard de tous ces médias, mais ce n'est peut-être pas nécessairement ce que vous ressentez à l'égard de ces médias. Cela pourrait être un bon endroit pour commencer, surtout si vous êtes quelqu'un qui ne connaît pas encore beaucoup de différents types de médias. Mais je vous encourage toujours à faire votre propre processus d'expérimentation et d'évaluation, et à déterminer quels médias fonctionnent vraiment bien pour vous de la façon dont vous, vous aimez créer votre œuvre d'art. Ensuite, nous allons plonger dans les meilleures pratiques pour combiner les médias. 5. Combiner et superposer: Maintenant que nous comprenons certaines des forces et faiblesses fondamentales des fournitures d' art individuelles et que nous avons un sens de la façon de les évaluer par nous-mêmes. Il est temps de s'attaquer au processus de combinaison des médias, qui est vraiment au cœur de la pratique des médias mixtes. La question de base quand il s'agit de travailler dans des médias mixtes est puis-je combiner X et Y ? peu près toujours la réponse sera oui. Il s'agit juste d'aller dans le bon ordre et de travailler sur la bonne surface. Première étape comment déterminer le bon ordre. Il y a deux règles générales de base. Le premier est que vous voulez utiliser tout ce qui peut être mélangé ou activé avec de l'eau d'abord. Aquarelle, acrylique, crayons aquarelle et tout ce qui est à base d'huile ou de cire seconde. Règle numéro deux, est d'utiliser les médias légers d'abord et les médias lourds en second lieu. Dans cette situation, j'utilise la lumière pour signifier que le média ne se remplit pas complètement, ne couvre pas complètement le substrat. Par exemple, si vous utilisez une combinaison de crayon de couleur et d'aquarelle, vous utilisez d'abord l'aquarelle, car elle est plus légère et remplit le substrat moins que le crayon de couleur. Aussi bien sûr, parce que l'aquarelle est à base d'eau et le crayon de couleur est à base de cire ou d'huile. Si d'un autre côté, vous utilisez un crayon de couleur et une barre d'huile, ils sont à la fois à base de cire ou d'huile, mais le crayon de couleur est en fait le plus léger dans cette situation. Une fois que vous avez posé quelque chose comme une barre d'huile, de peinture à l'huile ou même comme une application très lourde d'acrylique ou de pastels à l'huile, la texture de la surface de tout ce que vous travaillez sera si pleine, que vous ne pourrez pas ajouter quelque chose qui est intrinsèquement léger, comme un crayon de couleur ou de l'aquarelle au-dessus de lui parce qu'il n'y aura nulle part où il ira. Le deuxième point global est de considérer le substrat. Pensez à la surface sur laquelle vous travaillez. Vous devez vous assurer que la surface sur laquelle vous travaillez est appropriée, ou qu'elle a été préparée et prête et adaptée non seulement au type de média principal sur lequel vous travaillez ou au premier type de média sur lequel vous êtes travailler avec, mais avec tous les autres types de médias que vous allez inclure également. Par exemple, si vous commencez avec des couches d'aquarelle et que vous travaillez sur du papier et que vous voulez ajouter quelque chose comme une barre d'huile sur le dessus, c'est possible. Mais ce papier doit d'abord être préparé et prêt à recevoir quelque chose comme une barre d'huile qui contient une huile activée ou de séchage. Cela, comme vous pouvez probablement le sentir, est un autre très gros sujet. Nous pourrions avoir toute une classe juste sur ce que les médias fonctionnent sur ce qui est des substrats. Je vais simplement aborder cette question comme une considération importante et quelque chose dont vous devriez être conscient lorsque vous faites vos recherches, c'est ce dont nous allons parler en ce moment. Que faire lorsque vous voulez rechercher une nouvelle combinaison de médias ? La première étape est juste à Google. Il y a tellement d'informations utiles là-bas en ligne. Tout, des tutoriels vraiment raffinés et élaborés qui vont sur la façon de combiner différents médias, jusqu'à la simple lecture à travers les babillards et regarder les questions que d'autres personnes ont posées dans des choses qui d'autres personnes ont expérimenté et essayé. C' est ce que je fais quand je veux apprendre à incorporer un média. Je commence juste sur Google. Les trois choses à Google sont d'abord, en utilisant X avec Y, donc en utilisant l'aquarelle avec barre d'huile ou en utilisant des crayons de couleur avec des pastels de cire. Deuxièmement, en utilisant X au-dessus de Y. C'est une différence clé là, parce que parfois, comme nous l'avons déjà discuté, l'ordre compte vraiment. En utilisant X avec Y, en utilisant X sur Y, et en dernier lieu, en utilisant Y sur le substrat Z. revenant à cet exemple initial de la barre d'aquarelle et d'huile, sauver créé une peinture à l'aquarelle et vous pensez, eh bien, je me demande si je peux utiliser la barre d'huile en plus de cela sont de la peinture à l'huile sur le dessus de cela. Même si elle répond à ces autres critères, même si les couleurs d'eau sont plus légères, l'huile est plus lourde. Si l'huile ne fonctionne pas sur la surface sur laquelle vous avez eu l'aquarelle, vous devez soit trouver un moyen de préparer la surface pour assurer qu'elle est prête, soit utiliser un autre média. Une fois que vous avez fait votre googling, après avoir fait vos recherches initiales, étape 2 est toujours d'expérimenter. Même si vous avez trouvé quelqu'un qui dit en ligne, oh sûr, pas de problème, vous pouvez utiliser de la peinture à l'huile sur papier. Tu veux vérifier ça par toi-même. Vous voulez vous assurer de vérifier d'autres sources et vous voulez vous assurer de vous expérimenter vous-même. Je recommande toujours d'expérimenter sur des morceaux de papier, comme nous l'avons déjà fait. Je trouve que souvent les fois où je suis dans la situation, les fois que je googling. Puis-je utiliser X avec Y ? Puis-je utiliser Y sur un substrat Z ? Ce sont des moments où je suis déjà à mi-chemin d'un morceau et que je suis confronté à un gros barrage qui me cause vraiment des problèmes et je ne peux pas comprendre comment résoudre avec les médias que j'ai ou utilisé actuellement. Je fais mes recherches et plutôt que de simplement prendre ce je trouve en ligne et de l'utiliser immédiatement sur ma peinture, je vais prendre du recul, même si c'est difficile à faire et créer des échantillons qui reproduisent ce que j'ai déjà sur ma peinture. Peut-être que j'ai déjà fait de l'aquarelle, crayons de couleur et un peu d'acrylique. Je vais recréer cela sur une nuance aquarelle crayon de couleur acrylique, et puis je vais tester ce nouveau médium sur le dessus. Maintenant, au fur et à mesure que vous commencez à faire cela, alors que vous plongez vraiment et faites de plus en plus d'expérimentation, vous constaterez qu'il y a des exceptions à ces règles. Un que je viens de mentionner juste là, parfois je vais utiliser de l'acrylique sur le crayon de couleur. Même si des crayons de couleur ou à base d'huile ou de cire. L' acrylique a un liant si fort que s'il y un peu de la texture du substrat qui apparaît à travers, ce soit du bois, du papier ou de la toile, c'est assez pour que l'acrylique s'accroche et pour moi cela fonctionne bien. Mais la superposition d'acrylique sur une application très lourde de pastels à l' huile ou de peinture à l'huile serait problématique et ne fonctionnerait probablement pas aussi bien. J' ai créé un autre graphique qui a certaines de mes combinaisons préférées personnelles pour un peintures de médias mixtes, y compris l'ordre que j'utilise les différents médias et j'espère que ce sera une autre bonne ressource pour vous lorsque vous êtes commencer avec votre expérimentation et mettre en place vos propres combinaisons. Devrait juste vous donner une bonne idée de certaines de mes normes et de certaines choses que d'autres artistes utilisent aussi. Ils pourraient vous donner une idée de la façon de créer une combinaison unique qui fonctionnera très bien pour vous et votre peinture. Sur cette note pour la deuxième partie du projet de classe, vous l'avez probablement déjà deviné. Nous allons faire des échantillons de médias mixtes. Choisissez un groupe de deux à quatre médias différents, et vous pouvez même faire quelques regroupements différents, puis les superposer en fonction de ce que nous avons discuté dans cette leçon. d'eau ou d'alcool d'abord, d'huile ou de cire, puis à base d'huile ou de cire d'abord, puis légère seconde Essayez différentes combinaisons aussi, essayez différentes épaisseurs et poids. Vous pourriez même essayer d'expérimenter avec une combinaison ou un ordre qui est totalement le contraire de ce que nous venons de dire. Peut-être que vous voulez essayer de mettre vers le bas une application vraiment lourde de crayon de couleur d' abord et voir ce qui se passe lorsque vous mettez la couleur de l'eau sur le dessus. Tout va ici, c'est juste de l'expérimentation et du plaisir, en essayant de comprendre différentes combinaisons que vous aimez qui fonctionneront bien pour vous dans votre travail. Assurez-vous de laisser tout ce que vous créez, asseyez-vous et séchez et refroidir pendant 24 heures, avant de tirer des conclusions. Si vous incorporez quelque chose comme de la peinture à l'huile ou une barre d'huile, vous devrez peut-être la laisser sécher plus longtemps. La raison pour laquelle cela est important est que , parfois, si vous posez quelque chose dans une nuance de test, cela peut sembler bon au départ. Mais après un certain temps, vous pourriez voir qu'il commence à s'écailler un peu ou qu' il y a des saignements à travers d'autres pigments ou d'autres médias en dessous. Il est important de lui donner le temps de se fixer et de sécher et de devenir ce qu'il va devenir avant de décider si cela va fonctionner dans une peinture réelle. Une fois que vous avez terminé, partagez vos échantillons et vos résultats, si vous avez des notes ou des pensées dans la section projet de classe. 6. Choisir les supports: Bienvenue de retour. Le plan de cette leçon est d'apprendre à choisir vos supports en fonction des problèmes artistiques que vous voulez résoudre et des outils que vous avez à portée de main. Je veux atteindre x, quel moyen est le meilleur ajustement. Nous sommes prêts à le faire à ce stade parce que nous avons passé en revue les familles médiatiques de base, les différentes caractéristiques de certains médias et comment les comprendre par vous-même si vous ne le savez pas déjà, et les règles fondamentales pour combinant différents médias et comment les superposer dans l'ordre de cette combinaison. Pour comprendre comment faire la résolution de problèmes, je vais parler de l'un des exemples à venir que je vais faire. Je vais vous montrer mon image de référence, et je vais partager mes réflexions sur les médias que j'utiliserai et pourquoi créer une peinture basée sur cette image. Vous verrez ici pourquoi il est utile de se familiariser avec les médias ou de l'avoir déjà évalué et testé. Parce que le temps que j'arrive à ce stade de notre processus, j'ai vraiment besoin d'avoir un peu de clarté sur les outils que je vais utiliser. Pour commencer, qu'est-ce que je peins, quel est le sujet ? J' ai juste une petite image de référence sur mon iPad d'un colibri assis sur une branche. Question numéro 2, à quelle taille vais-je travailler et sur quel substrat vais-je travailler ? Puisque c'est pour une démo, je vais essayer de le faire du côté plus rapide. Je vais rester avec un peu plus petit, probablement quelque chose comme six sur six pouces, sept sur sept pouces, et je vais travailler sur le papier. Plus précisément, j'ai vraiment du papier Fabriano pressé à chaud très lourd, qui est idéal pour les médias mixtes. Numéro 3, qu'est-ce que je veux réaliser esthétiquement ou artistiquement ? Comme pour la plupart de mon travail et mon style habituel, je veux qu'il soit assez proche de la réalité. Je ne vise pas l'hyper réalisme, mais je veux vraiment que le spectateur puisse le regarder et voir que c'est un colibri. J' aimerais vraiment me concentrer sur la mise en valeur d'un peu de détails et d'un peu de dynamisme. Cela nous amène au numéro 4, et c'est ce que sont les problèmes artistiques spécifiques que je dois résoudre et quels médias dois-je utiliser pour les résoudre. Numéro 1, j'ai déjà abordé ça. J' ai une limite avec le temps. Puisque c'est une pièce de démonstration de classe, je vais essayer de le garder en moins d'une heure, ce qui est vraiment court pour moi. Habituellement, mes pièces sont d'au moins 3 à 5 heures et elles sont souvent plus de 10 heures. Donc faire une pièce en moins d'une heure va certainement être un défi. cette raison, même s'il n'y a pas de grandes zones de couleur dans ce sujet, il va être assez petit. Je pourrais techniquement faire tout cela assez facilement dans un crayon de couleur la plupart du temps avec juste quelques autres choses ajoutées sur le dessus. Mais puisque j'ai cette limitation de temps, puisque j'avais cette contrainte de temps, ça va être beaucoup plus rapide si j'utilise quelque chose qui construit une belle zone plate de couleur très rapidement, comme un marqueur ou une aquarelle dans ces zones. J' ai cette grande zone verte, zone bronzée, zone rouge, marron et marron. Ce ne sont que des blocs de couleurs très simplifiés. Je pense que pour cette pièce, je vais utiliser un marqueur d'alcool. Je vais utiliser un marqueur d'alcool parce que cette zone ici, cette petite gorge de rubis à la zone. Je veux que ce soit vraiment, vraiment vibrant et luminescent et juste un rouge très clair, beau et les marqueurs d'alcool que j'ai, ont des rouges vraiment sympa pour eux. Donc, ce sera ce que j'ai utilisé pour mon marqueur d'alcool de la couche de base. Le problème numéro 3, c'est qu'il y a beaucoup de détails dans cette pièce et je veux capturer beaucoup de ces détails. Surtout ici encore, cette zone de la gorge, les plumes se sentent vraiment se chevaucher. Ils se sentent presque comme des écailles dans un costume d'armure, et je veux capturer une partie de cette texture. Je pense que ce que je vais faire pour que je le fasse plus facile, c'est de travailler sur mon croquis. Je vais entrer en premier avec des stylos très fins. Je pense que je vais utiliser des marqueurs micron ou mangaka plutôt, pour simplement décrire certains d'entre eux sont vraiment des détails très fins et je vais probablement mettre dans certains des petits détails autour de l'œil ainsi et certains des détails de ligne plus sombres dans ici. Avoir ces choses marquées dès le début de la pièce, il me sera plus facile de maintenir un niveau élevé de détail plus tard et de le faire de manière efficace. Mon quatrième défi est que je peux voir qu'il y a des domaines où je vais devoir faire de la lumière sur l'obscurité ou où il serait utile de faire de la lumière sur l'obscurité. Numéro 1, quelques-unes de ces petites zones ici où les plumes plus petites se dressent au-dessus de ces plumes marron foncé. Alors cette zone ici, ce sera vraiment beaucoup plus facile à faire si je fais de la lumière sur l'obscurité. J' espère que ça arrive par ici, mais vous pouvez voir qu'il y a quelques minuscules filaments de plumes ici qui sont plus légers que ce qu'il y a en dessous. Donc, je pourrais essayer de le faire tout en ajoutant dans les parties sombres avec un crayon de couleur ou avec de l'aquarelle, mais ce sera beaucoup plus facile si je commence avec juste une zone sombre et puis ajouter un peu de lumière sur le dessus. Donc, cela signifie que je vais à nouveau m'en tenir à ma décision initiale de faire les marqueurs d'alcool comme base, et je vais faire crayon de couleur sur le dessus pour ajouter une partie de cette lumière sur le noir, car c'est vraiment bon pour le faire. Je vais probablement utiliser un crayon de couleur spécifique ici appelé le Verithin, qui est fait par Prismacolor et il est génial pour juste un très fines lignes. Le dernier problème est qu'il va y avoir des reflets blancs brillants. Donc, quelques endroits dans les yeux, sur le bec, peut-être même ici un peu, besoin d'avoir une brillance blanche vraiment opaque ou des reflets très clairs. Donc je vais probablement utiliser quelque chose comme la gouache pour cela puisque la gouache est vraiment opaque et je suis capable de la superposer sur tout ce dont je viens de parler, une gouache à base d'acrylique pas une gouache à base d'eau. J' espère que cela vous donnera une bonne idée de ce que mon plan est pour cette pièce. Nous allons faire le colibri avec le marqueur d'alcool de première couche, en fait probablement la première couche de stylo Mangaka, puis le marqueur d'alcool, puis des crayons de couleur, puis un médium blanc opaque sur le dessus. C' est le plan de jeu global. Maintenant, pour la troisième partie du projet de classe, c'est à votre tour de choisir votre sujet, et tout en gardant à l'esprit ce que vous savez et avez testé sur différents médias jusqu'à présent, venez avec un plan de la même façon que je vous ai posé ces quatre mêmes questions. Qu' est-ce que tu peins ? Quel est le sujet ? À quelle taille travaillerez-vous ? Sur quel substrat travaillerez-vous ? Que voulez-vous réaliser esthétiquement ? Quels sont les problèmes artistiques que vous devez résoudre ? Quels médias seraient les meilleurs pour les résoudre ? Posez-vous ces quatre questions sur votre pièce et trouvez un plan de jeu pour créer votre propre illustration de mix media. Bien sûr, partagez ces plans et l'image de référence si vous utilisez l'image de référence dans la section projet de classe. Au cours des deux prochaines leçons, je vais montrer le processus réel de ces peintures pour créer une peinture de ce colibri en utilisant les médias que nous avons planifiés et dont nous avons parlé. Ensuite, je vais aussi faire une peinture supplémentaire, un oiseau différent, un petit robin à poitrine rouge, avec un ensemble différent de médias et expliquer ces choix aussi. Donc deux démonstrations en direct différentes à venir dans les deux prochaines leçons. 7. Démonstration : colibri: Donc, en commençant ici, je fais juste assembler les stylos et les marqueurs que j'utiliserai. Comme je l'ai mentionné dans la leçon précédente, mon plan est d'utiliser un stylo à encre et un marqueur d'alcool, puis un crayon de couleur et un gwash sur le dessus. Ici, je teste l'épaisseur de mes stylos. Comme il n'est pas vraiment possible de commencer légèrement avec des marqueurs, je veux m'assurer que j'ai les bonnes couleurs. Donc, je les teste sur certains du même papier fabriano que j'utilise pour l'illustration réelle. Je n'ai pas beaucoup de marqueurs puisque je ne les utilise que pour des trucs comme ça pour les couches de base. Donc, j'essaie juste de trouver les couleurs que j'ai qui sont l'approximation la plus proche de ce que je vois sur la photo de référence. Je vais probablement finir par utiliser un combo de ceux-ci. J' ai commencé avec mon stylo Mangaka d'un millimètre. Ceux-ci sont très similaires aux microns, je trouve juste qu'ils durent un peu plus longtemps et ils préfèrent la sensation de travailler avec eux. Donc je prends juste mon temps va vraiment lentement et soigneusement défini dans le bord de chacune de ces petites plumes qui se chevauchent. Ils ressemblent presque à des écailles de poisson pour moi, alors j'essaie de garder cela à l'esprit pendant qu'ils travaillent sur certains d'entre eux, je suis en fait un peu embrouillé, sorte que j'ai une indication encore plus fine, plus délicate du bord, Je ne veux pas devenir trop sombre ou trop audacieux avec ça. Ici, je suis en train d'ajouter dans une définition et des ombres dans l'œil et la zone du bec et je suis passé à l'un des stylos de rocher, la version fine pointe feutre. C' est aussi par Mangaka et en ajoutant quelques ombres sous le bec ainsi, et certaines des ombres entre l'aile et le corps. Encore une fois à l'un millimètre Mangaka, en utilisant mon toucher le plus léger pour indiquer où les plumes individuelles se chevauchent. J' essaie juste de mettre ça là où je veux qu'il y ait une indication d'ombre. Je ne suis pas en train de décrire chaque plume parce que encore une fois, je veux que ce soit relativement réaliste. Commençant maintenant avec le premier des marqueurs Copic, j'essaie de le garder vraiment doux au départ, ce qui est à peu près toujours mon approche. C' est plus difficile à voir avec les marqueurs, mais j'utilise juste les plus légers que j'ai d'abord pour obtenir cette couche de lumière initiale vers le bas et juste en tapant dessus. Puis aller avec une couleur légèrement plus foncée sur le dessus pour essayer d'ajouter un peu plus de définition. Puis revenir sur elle avec la même couleur plus claire que j'ai commencé avec. Juste augmenter progressivement la profondeur des valeurs et essayer d'ajouter certaines des textures plumes. Donc, je ne vais pas le revoir juste dans un bloc complètement solide. Ici vous pouvez voir que je commence à ajouter une certaine complexité de couleur avec le vert, puis ajouter dans une certaine chaleur avec le jaune.Comme vous pouvez le voir, le fait que ma palette avec des marqueurs est si limitée les rend vraiment plus d'un instrument contondant. Mais je ne suis pas trop inquiet au sujet du néon à ce stade puisque je pourrai ajouter beaucoup plus tard avec les crayons de couleur. Si vous regardez la référence, vous pouvez voir que ce que je pose comme juste une approximation de base des couleurs. Il va avoir besoin de beaucoup plus de développement plus tard. Donc, je continue à ajouter les couleurs les plus claires d'abord dans les zones où il y aura un peu de dégradé plus tard, sorte que j'ai quelque chose à construire. Ici, je vais à droite à pleine puissance avec un marqueur brun foncé à toutes les zones que j'ai mentionnées dans la dernière leçon qui pourrait avoir besoin d'avoir la lumière superposée sur l'obscurité. J' ajoute dans une sarcelle vraiment sombre aussi à certaines des zones qui sont sombres mais qui ont plus d'un ton verdâtre pour eux. Maintenant, je commence sur la gorge. Commençant par un orange ensoleillé vraiment vif car cela me donnera un bon sous-ton pour le rouge chaud. Je vais juste sur les stylos Mangaka et ils restent plutôt bien mis. Maintenant, j'ajoute d'autres nuances de rouge. Je veux vraiment que cette zone soit brillante et brillante. Je ne peux pas oublier la branche, donc j'ajoute quelques couches de maker ici aussi. Je ne suis vraiment pas trop inquiet du développement détaillé n'importe où à ce stade, car cela viendra plus tard avec les crayons de couleur. Alors maintenant, je suis en train de passer aux crayons de couleur. Je commence avec un type de crayon de couleur ici appelé le Verithin et ceux-ci sont fabriqués par Prismacolor. J' utilise un brun juste pour adoucir les bords de ces lignes sombres que j'ai faites avec un stylo Mangaka. J' utilise Verithin parce que comme leur nom l'indique ; ils sont très fins et délicats et parfaits pour le travail de détail comme celui-ci. Comme ils sont plus durs que les crayons de couleur standard, il est plus facile de créer lignes vraiment délicates et d'éviter de devenir trop sombre trop tôt. À ce stade, j'ai décidé de Pop-Peck en temps réel avec un marqueur. Je pourrais le faire avec quelques crayons de couleur, mais le fabricant est plus rapide et croyez-moi la possibilité d'ajouter plus de crayon de couleur sur le dessus plus tard. J' apporte aussi un crayon de couleur néon à ce stade. Cela colore mon arme secrète pour créer des lumines en rouge, je commence assez léger d'abord puisque je ne veux pas en faire trop. Maintenant, je continue juste à développer les détails. Je rebondit d'avant en arrière entre l'utilisation de crayons de couleur foncée sur les zones plus claires et les crayons de couleur claire sur les zones plus sombres. Pour le corps, il y a vraiment beaucoup de néons et la couleur que je n'ai pas pu bien développer avec un marqueur. Donc, avant même vraiment commencer à ajouter sur les détails structurels, je fais juste quelques glaçures minces avec un crayon de couleur pour modifier la couleur et la pousser dans la direction que je veux qu'elle aille. Ici, je veux que ce soit un vert plus chaud. J' utilise donc la peau de citron vert de Prismacolor et encore une fois, rebondissant entre la lumière sur l'obscurité et l'obscurité sur la lumière et la zone de la tête pour vraiment développer la structure dans une partie de la forme de ces plumes. Maintenant, passer à plus de peaufinage de couleur sur le corps. Cette zone est beaucoup plus fraîche que je ne l'avais initialement. La zone à l'arrière du dos. Maintenant, je commence juste à ajouter certains des détails à plumes. Je ne pourrai pas obtenir autant de détails que je le souhaite d'habitude puisque je suis limité dans le temps, mais je peux quand même donner une indication générale de certaines des plus grandes formes et de la structure des plumes. Même si j'utilise le stylo Mangaka pour définir les bords de certaines plumes sur la gorge et sur le bord de l'aile. Dans ce domaine, je veux que la définition soit beaucoup plus subtile. Donc, j'utilise juste des crayons de couleur de ton moyen pour définir les bords et garder à l'écart de toute encre ou marqueur. Maintenant utiliser un peu de lumière sur l'obscurité pour définir, puis entrer avec des sombres encore plus sombres pour marquer les ombres dans le dessous de l'aile ici. Maintenant, je suis de retour à utiliser leur Verithin, en les utilisant ici pour m'empêcher de devenir trop sombre et pour être en mesure d'ajouter une petite indication de l'endroit où se trouvent les bords des plumes. Plus de peaufinage et de développement de couleurs ajoutant un peu plus de luminosité à la gorge et quelques reflets sur le dos et les bords des plumes, simplement en utilisant un crayon de couleur blanche pour ces reflets. Maintenant, à ce stade, j'ai frappé un peu un accroc en ce que j'ai réalisé que je n'étais pas aussi dynamique qu'ils le voulaient sur le dos de l'oiseau. J' ai déjà utilisé beaucoup de crayon de couleur et comme c'est un papier pressé à chaud ou lisse, il n'y a nulle part ailleurs pour que le pigment de crayon de couleur aille. J' ai donc besoin d'utiliser un média plus lourd qui collera bien sur le crayon de couleur. C' est donc un excellent exemple de résolution de problèmes de médias mixtes en action ici. À ce stade, je pourrais utiliser quelque chose comme gwash, car c'est vraiment brillant et opaque. Mais la chose la plus simple serait juste d'utiliser des pastels de cire, puisque j'ai déjà les couleurs exactes dont ils ont besoin. Ils sont similaires aux pastels à l'huile, mais ils sont beaucoup plus secs et la cire est soluble dans l'eau, si vous en avez besoin. Je le tape juste sur les bords des plumes le long du dos où je veux une couche de couleur plus brillante, plus opaque. Maintenant, si je n'utilisais pas plusieurs médias si j'essayais vraiment de faire ce 100 pour cent de marqueur ou 100 pour cent de crayon de couleur, j'aurais été coincé ici. Mais parce que j'ai cette ouverture à intégrer un nouveau média même si ce n'était pas dans mon plan initial, je suis vraiment capable de pousser cette pièce dans toute la direction que je veux qu'elle aille, même dans le court laps de temps. Enfin, j'ai décidé d'utiliser le stylo Sharpie pour les petits reflets opaques. J' ai fini par opter pour ça plutôt que Gwash, qui était mon plan initial. Parce qu'à ce stade, je peux voir que mes points forts seront tous très petits et blanc pur, donc je n'ai pas besoin de mélanger une couleur personnalisée qui fait du stylo de peinture l'outil le plus efficace pour le travail. C' est généralement ma règle lorsque je choisis l'outil que je vais utiliser, celui qui est le plus efficace pour faire le travail exact. Donc c'est la pièce. [ MUSIQUE] Ça a fini par me rapprocher de 90 minutes plutôt que de 60. Mais c'est encore assez rapide pour moi et dans l'ensemble, je suis vraiment content de la façon dont il s'est avéré. [ MUSIQUE] 8. Démonstration : rouge-gorge: D' accord. Je me prépare à commencer la deuxième démo ici. Je vais travailler sur le même papier, le Fabriano pressé à chaud. Mais cette fois, au lieu d'un colibri, je vais peindre un robin. Ce petit gars juste ici. Pour celui-ci, je tire de l'aquarelle, mon aquarelle hydre, l'aquarelle liquide, qui est le média que nous avons évalué plus tôt dans la classe. J' opte pour utiliser l'aquarelle hydre cette fois au lieu de marqueurs ou au lieu d'une autre aquarelle, car avec l'eau, je vais pouvoir obtenir un effet plus doux que je pourrais avoir avec des marqueurs. Surtout si vous regardez la zone dans le robin, la zone de la poitrine, je veux être en mesure d'utiliser un peu humide sur les techniques humides là-bas pour vraiment indiquer une partie de cette sensation douce et plume à elle. Les plumes de cet oiseau semblent beaucoup plus délicates, beaucoup plus moelleuses et douces pour moi que celles du colibri. aquarelle semble être le meilleur média à utiliser pour cela. J' ai la même palette que celle que j'ai montrée plus tôt et j'ajoute juste du jaune chaud. On l'appelle jaune gamboge, mais c'est assez semblable à un cadmium. J' ajoute cela à ma palette, puis je le teste à nouveau sur un autre morceau de papier aquarelle Fabriano. Tout comme avec le marqueur, il est assez important de tester les couleurs que vous utilisez rapport à votre référence pour vous assurer qu'elles sont ce que vous cherchez. Ici, je veux commencer avec un joli jaune sous ton, même si je vais finalement le pousser vers l'orange rouge parce que certaines des zones plus claires des plumes ne vraiment lire comme jaune. Je travaille à poser ça avec mes aquarelles et à l'obtenir assez agréable et uniformément humide. Puis je vais entrer avec un peu de mouillé sur humide et une couleur plus orangée dans cette orange que j'ai mélangé juste en faisant un rouge chaud dans mon jaune chaud, juste un petit peu de rouge chaud. Ensuite, je développe juste un peu de détails structurels, pas quelque chose de trop raffiné. J' essaie juste de marquer où sont les zones les plus sombres et où sont les zones plus légères. Ensuite, je le développerai plus tard avec des crayons de couleur, et ensuite j'utilise ce même rouge orangé sur la queue du robin. J' ai en fait ajouté un petit peu plus rouge à cela parce qu'il semble juste plus pinky d'être ainsi poussé plus dans la direction rouge. Maintenant, je commence à marquer où certains des bords de la plume, la plume brune. Je vais certainement le pousser vers l'extrémité brune du spectre, mais parce qu'il a un sous-ton orangé, j'utilise cette orange pour aider à indiquer où sont les petits détails et où sont les éléments structurels. Je suis passé à un pinceau beaucoup plus fin. Il s'agit d'un pinceau, et je l'utilise pour me permettre de mettre une indication très fine détaillée de certaines des plumes grises et du bord de l'extrémité de l'aile. Ensuite, puisque j'ai déjà sorti le pinceau, je vais ajouter des plumes plus raffinées sur le dessus aussi. Ici vous pouvez voir pourquoi j'aime travailler avec les aquarelles hydre. Je suis capable d'aller juste au-dessus de ces petits détails que j'ai mis bas, et je ne perds aucun des détails. Il aide juste à rassembler tout cela dans ce lavage sur le dessus. Encore une fois, une autre raison pour laquelle j'aime vraiment les aquarelles hydre. D'accord. Maintenant, un peu plus de détails et de développement de la structure autour de l'œil. Je fais en fait un développement un peu plus détaillé avec une couleur d'eau qu'avec le marqueur. À ce stade, je me prépare à faire cette technique humide sur mouillé que j'ai mentionnée. J' ai juste un pinceau à plumes saturé, assez gros, et je le fais juste sur la poitrine du robin. Ensuite, j'ai mélangé un gris chaud et j'ai juste un petit peu sur mon pinceau et je suis juste en tapant sur la zone humide pour créer ces très beaux saignements plumeux. Ensuite, j'ai pris un peu avec une serviette en papier aussi. C' est quelque chose que tu me verras faire périodiquement avec de l'aquarelle si jamais je deviens trop sombre. Juste très rapide et essayer de tamponner une partie avec de l'aquarelle. À ce stade, je me sens trop chaud avec le gris. J' ai essayé de mélanger une glacière, plus bluey gris. Je l'utilise pour continuer avec le développement humide sur humide de la région de la poitrine. À ce stade, je commence à essayer d'indiquer un peu plus de la forme et de la structure dans le sens des plumes. Maintenant, je fais un peu plus humide sur mouillé ou je me prépare à faire un peu plus humide sur mouillé. Le robin, comme vous pouvez le voir, est assis sur un morceau de mousse. J' ai juste mouillé toute la zone et je vais faire la même chose que j'ai fait avec la poitrine du robin. Je suis juste en train de tamponner des petits morceaux de peinture et de la laisser sortir des plumes. Au début, je pensais qu'il allait peut-être aller pour ce look drippy où la peinture est plus lourde dans certaines zones, plus légère et d'autres et dégoulinant vers le bas. C' est ce que j'essaie de faire ici. J' ai fini par changer d'avis et décider juste de le ramener au bord. Je suis aussi en train de l'adoucir un peu avec une serviette en papier. Je ne veux pas que ce domaine attire trop l'attention sur lui-même, car ce n'est pas vraiment le sujet principal de la pièce. D' accord, à ce stade, j'ai passé à un stylo Mangaka. Je n'avais pas l'intention de l'utiliser au départ. Je pensais que j'allais faire les détails sombres avec de l'aquarelle, mais l'aquarelle a complètement séché ici et c'est vraiment la façon la plus simple de le faire pour ce sujet. Je l'utilise dans certains des mêmes domaines. J' ai utilisé le Mangaka sur le robin, dans le contour des yeux et le bec. Maintenant, je suis prêt à passer aux crayons de couleur, une divulgation complète. J' ai fait sécher ça un peu pour le faire sécher plus vite puisque je travaille dans cette contrainte de temps. Pour cette pièce, j'utilise des crayons de couleur Caran d'Ache Luminance. Ils sont globalement un peu plus durs. Je sens qu'ils sont un peu plus durs que les Prismacolor. Certaines personnes se sentent différemment, mais d'après mon expérience, elles sont un peu plus fermes que Prismacolor. Ils vont donc être un bon équilibre entre le Verithin et le noyau souple de Prismacolor que j'ai utilisé pour le robin. Je commence dans la zone de la tête, la zone orange rougeâtre de la tête. Et je développe juste quelques détails, j'utilise une couleur de type sienne brûlée autour de l'œil pour obtenir une partie de cette structure. Puis rebondir d'avant en arrière entre cela et quelques oranges et jaunes différentes pour essayer de vraiment amplifier certains des détails et nuance la couleur un peu. Je peux déjà dire que je suis allé un peu trop sombre sur la queue, donc je vais juste entrer avec un crayon de couleur blanche pour essayer d'égayer ça un peu, et puis j'utilise ce même crayon de couleur blanche sur la poitrine du robin pour essayer d'indiquer certaines des zones plus légères des plumes. Dans l'ensemble, il n'y a pas autant de variété de couleurs dans cette pièce que dans le colibri. Donc je reste vraiment dans cette maison de roue marron, orange , jaune, crème de la plupart du haut de l'oiseau. La plume, la tête et le cou. Vraiment la seule zone où il y a une couleur significativement différente est la poitrine, qui est plus de ce gris frais. À ce stade, j'essaie d'amplifier certains des éléments structurels des plumes qui vont le long des bords pour vraiment montrer où elles se chevauchent. Ici, j'ajoute un peu d'ombre sous la plume principale qui descend sur le corps de l'oiseau. Ensuite, je veux aussi ajouter un peu plus d'ombre à la zone de la poitrine car il me semble un peu plus sombre dans la référence, et je veux donner le sens que les plumes orangées chevauchent les plumes grises. Pendant tout ce temps, je travaille soit en petits traits circulaires, soit en diagonales, des traits côte à côte, vraiment minuscules pour essayer d'indiquer la forme d'une plume. D' accord, et maintenant j'ajoute des détails initiaux aux zones de mousse, un développement initial de couleur et de valeur, juste en utilisant un vert moussant. À ce stade, j'ai l'impression que la pièce a besoin d'un peu de douceur, en particulier dans la poitrine de l'oiseau. En fait, j'apporte des pastels doux. Depuis que j'ai une bonne quantité de ces crayons de couleur espace de travail posé. Je peux poser une légère couche de pastel doux, même si c'est un papier lisse et mélangé un peu avec une brosse totalement sèche, juste pour ajouter un peu de douceur. Encore une fois, je pourrais le faire avec un crayon de couleur, mais je trouve juste que c'est plus facile à faire avec du pastel doux. Donc, je choisis le meilleur outil pour le travail et je profite vraiment des médias mixtes. Depuis que j'ai les pastels doux dehors, j'ai décidé de les utiliser sur cette petite zone mousseuse. Une façon que je peux l'obtenir pour ne pas se démarquer trop est simplement l'avoir vraiment développé très délicatement, très doucement et ne pas avoir trop de détails évidents sur elle. Je passe juste avec quelques couches de pastels doux, verts mousseux, du jaune vif, puis un vert menthe plus frais, presque vraiment pâle. J' utilise des crayons de couleur juste dans quelques domaines pour ajouter de l'ombre dans le développement. Ici pour le surligneur blanc opaque, j'ai sorti mon Dr. Ph. Martin Bleedproof White. Je l'utilise juste sur un pinceau carré plat pour ajouter très beaux reflets blancs brillants sur le dessus de la jambe de l'oiseau, et puis je vais dans un peu en forme de V ici à travers la poitrine de l'oiseau pour indiquer les bords des plumes . Bien sûr, j'ai ramené mon stylo Sharpie à nouveau. Encore une fois, j'aurais pu utiliser la preuve de saignement blanc ici, aurait pu faire ressortir sont vraiment minuscules pinceau, mais j'avais déjà une brosse sale et juste garder un oeil sur l'horloge et essayer de le faire aussi efficacement que possible. Le stylo à peinture Sharpie sera une fois de plus un bon choix, pour ajouter ces petites lignes fines et les petits points dans les reflets autour de l'œil et de l'œil lui-même. Je trouve que le stylo Sharpie est un bien meilleur outil pour moi que n'importe quel stylo gel. J' ai testé plusieurs stylos gel, mais si vous pensez que vous voudrez peut-être utiliser cet outil, je ne peux pas recommander assez le stylo à peinture Sharpie. C' est juste beaucoup plus opaque que les mains de travail. Il dure plus longtemps, ne se bouchent pas comme le font les stylos gel. C' est vraiment un outil fabuleux. D' accord. Voici la pièce finie. J' ai fini par utiliser de l'aquarelle, des crayons de couleur, pastels doux, du blanc anti-saignement et du stylo de peinture Sharpie. Cette pièce m'a pris plus de temps que prévu. Je visais pendant une heure et c'était presque une heure et demie encore une fois. Je suppose que je sais que le plus rapide que je puisse faire un oiseau est dans environ une heure et demie, et j'aurais pu obtenir beaucoup plus de détails à ce sujet si j'avais passé deux, trois, quatre fois plus longtemps, mais vu que c'était un petit robin rapide, Je suis vraiment content de la façon dont ça s'est passé. 9. Conclusion et projet du cours: C' est maintenant à votre tour de rassembler toutes les pièces, prendre tout ce que vous avez appris dans les leçons précédentes et de créer votre propre peinture mixte. Après la troisième partie du projet de classe, qui est ce que nous avons abordé il y a quelques leçons, prenez votre image de référence et la liste d'approvisionnement du plan que vous avez mis en place et exécutez réellement la peinture, et une fois que vous avez terminé , veuillez partager votre travail terminé dans la section projet de classe ainsi que toutes les images de travail en cours. Je sais que je reçois des commentaires tout le temps de gens disant combien ils aiment voir des images de travail en cours. Si vous publiez dans la section des projets de classe, n' hésitez pas à les partager également. C' est si utile et intéressant de voir travail d' un autre artiste quand il est au milieu de la scène et qu'il n'est pas complètement terminé. Il soulève un peu ce voile mystérieux. Ici va pour que nous puissions tous voir et apprendre, et par tous les moyens s'il vous plaît faire partager sur les médias sociaux aussi, vous pouvez me marquer, Je suis à Kendall Hill Haggis sur Twitter et Instagram. J' aime voir ce que vous créez et j'aime les partager, soit en les retweetant, soit en les mettant dans mes histoires d'instance, et bien sûr, si vous avez des questions, hésitez pas à me le faire savoir dans la section discussion en classe, Je ferai de mon mieux pour y répondre. Si vous voyez une question posée par un autre élève sur laquelle vous avez d'autres réflexions ou sur laquelle vous avez des commentaires, hésitez pas à laisser cette sagesse là aussi. J' espère que la discussion en classe peut être une véritable discussion, un lieu où les gens peuvent partager certaines de leurs idées et apprendre les uns des autres. D' autant plus que les médias mixtes, comme nous l'avons discuté, peuvent être si subjectifs et peuvent varier d'un artiste à l'autre en fonction de leur pratique. Merci beaucoup d'avoir pris ce cours, j'apprécie vraiment que vous veniez avec moi et que vous me laissiez partager quelque chose qui m'excite, si passionné avec vous. J' espère, avec la pratique et le temps, que vous viendrez apprécier et valoriser les médias mixtes comme un outil autant que moi. et je suis tellement excité de voir ce que vous en faites.