Illustrer des personnages pour l'animation avec Adobe Photoshop

1. Bande-annonce du cours: Illustrer des personnages est l'un des éléments les plus remarquables de mon travail de concepteur d'animation. [MUSIQUE] Bien souvent essentiel fins de narration et de démonstration, personnages peuvent également ajouter une tonne de charme à une animation. En tant qu'illustrateurs, nous avons la capacité unique d' inventer des histoires de faits décalées, pousser les proportions corporelles ou même de concocter un personnage à partir d'une pomme pourrie ou d'une dent désincarnée. Hé, vous. Je suis Sarah Beth, et je suis directrice d'animation, illustratrice et designer. J'ai réalisé des publicités animées pour des entreprises telles que Bath and Body Works et Facebook, et j'ai récemment réalisé ma propre animation tournée avant-première dans des festivals de films du monde entier. J'adore insuffler des proportions abstraites uniques et des traits de personnalité inattendus à mes personnages. De travailler dans des studios de mouvement comme Scholar et Oddfellows à la réalisation avec Hornet, j'ai surtout eu l' occasion explorer des personnages de conception. Eh bien, je ne m' anime pas personnellement sur des projets, je dirige constamment de grandes équipes de designers et animateurs qui donnent vie à des illustrations fixes. Je conçois principalement des toiles de style dans Photoshop au début des projets, puis je transmets mes fichiers d'illustration à des animateurs talentueux. Mais pour faire passer ces conceptions facilement, il est toujours préférable de prendre en compte le processus d'animation complet. Dans ce cours, nous examinerons exclusivement le processus de prémotion de la conception de personnages pour l'animation. Je vais d'abord vous présenter le monde des personnages en mouvement, en mettant en valeur les personnages animés de cellules ainsi que les personnages truqués. Nous allons discuter de la façon dont les personnages peuvent être utilisés pour soutenir la narration animée. Je commencerai également à vous guider à travers les multiples étapes de la construction de votre propre personnage bidimensionnel dans Photoshop, de l'histoire à l' esquisse en passant par le design complet. Je vais vous guider à travers la proportion, la pose et plus encore. Le meilleur, c'est que nous entendrons un animateur talentueux, mon mari, Tyler [RIRES], qui vous donnera quelques trucs et astuces en cours de route. C'est tellement cool. Eh bien, sans plus tarder, créons un personnage ensemble, mais j'espère que ce n'est pas celui-ci. [MUSIQUE] 2. Projet de cours + matériel: [MUSIQUE] Dans ce cours, nous travaillerons ensemble sur un projet, concevant notre propre vignette de personnage unique. Ce ne sera que le design et nous aborderons ce projet comme si nous avions un animateur pour le transmettre comme font la plupart des concepteurs de personnages dans l'industrie du mouvement professionnel. La façon dont j'ai toujours abordé projets est dans un état d'esprit studio. J'ai toujours l'impression que ça me prépare au monde réel, aux vrais clients, aux vrais projets payants. Même si je travaille sur un projet passionné, j'ai tendance à mettre en place mes projets de la même manière que mes projets professionnels, car honnêtement, cela me permet de rester organisé. Cela étant dit, aujourd'hui, nous allons plonger dans un dossier client fictionnalisé pour structurer ce cours. Notre client est une boutique de souvenirs IRL appelée The Gift Stop. Ils se tournent vers vous et plusieurs autres artistes pour créer des publications carrées sur les réseaux sociaux mettant en leurs clients et produits étonnants. Ils ont également mentionné qu'ils transmettront votre dessin à un animateur de personnages, quel point c'est pratique, donc votre conception doit être configurée pour cela. Ne vous inquiétez pas, nous aborderons ce que le mémoire dit plus en détail un peu plus tard. Maintenant, pour aborder ce mémoire, nous allons évidemment créer un personnage à partir de zéro. Je vais vous guider tout au long de mon processus de création de mon propre personnage et vous pourrez suivre avec moi et créer le vôtre. En fin de compte, nous aurons tous les deux un caractère amusant et unique à utiliser dans nos portefeuilles, caractère amusant et unique à utiliser dans nos portefeuilles sur les réseaux sociaux ou où vous voulez le mettre. Tout au long de la classe, nous examinerons la conception, l' esquisse, la pose, prise d'une photo de référence, ajout de couleurs en détail et surtout configuration de votre personnage pour l'animation. Si vous rencontrez des difficultés à trouver votre propre personnage, j'ai également fourni cette liste d'invite pratique vous pouvez trouver dans le livret de classe téléchargeable, qui se trouve dans les ressources du projet ci-dessous. Ce livret de cours comprend également un aperçu de la classe et contient des trucs et astuces supplémentaires. Si vous envisagez de suivre le projet, veillez à ouvrir Photoshop et préparez-vous. J'utilise personnellement un Wacom Cintiq pour dessiner, mais une tablette fonctionnera également. [MUSIQUE] Vous pouvez également utiliser Illustrator ou Procreate. Mais je ne vais pas passer en revue de conseils spécifiques pour ces programmes car j' utiliserai Photoshop. Vous pouvez également potentiellement esquisser sur papier, puis prendre une photo de votre esquisse et la terminer dans Photoshop. Il y a donc beaucoup d'options. Ne soyez pas trop inquiet si vous avez des outils différents que moi, tout finira par être pareil. Sur ce point, je sais que beaucoup d' animateurs préfèrent les fichiers Illustrator et vous pourriez être confus quant à la raison pour laquelle j'utilise Photoshop. Personnellement, je trouve qu'en tant que designer, Photoshop est beaucoup plus libre pour les croquis et l'ajout de textures. Personnellement, je viens d' apprendre Photoshop en premier, donc c'est ce que je fais et c'est ce que je me sens le plus aise de partager avec vous. Tout le monde travaille différemment et je ne fais que partager mon propre processus. Enfin, si vous voulez tirer le meilleur parti de cette classe, je vous encourage à vous impliquer avec d'autres élèves et la communauté ici sur Skillshare. Vous pouvez inviter vos amis à l'emporter avec vous, poser des questions, collaborer, peut-être pourriez-vous commenter les projets d'autres étudiants pour améliorer le travail de chacun. Comme toujours, [MUSIQUE] veuillez poster dans l'onglet Discussions ci-dessous si vous avez des questions à me poser pendant que vous parcourez le cours. Je suis assez actif ici sur Skillshare, donc je vais probablement répondre rapidement. [MUSIQUE] 3. Introduction aux personnages en mouvement: [MUSIQUE] Dans cette vidéo, nous aborderons les aspects conceptuels et techniques de base aspects conceptuels et techniques de la conception de personnages à promouvoir. Je vais aider à répondre à des questions telles quelle est la contribution d'un personnage à un récit ? Ou comment configurer mon fichier de conception de personnages pour le processus d'animation ? Beaucoup de connaissances sur les personnages que j'ai collectées ont été en cours d'emploi chez Motion Studios. Il n'y a pas de moyen correct de commencer à concevoir un personnage. Les possibilités sont infinies. Bien que de nombreux autres animateurs et designers puissent faire les choses d'une certaine manière, je vais vous guider tout au long mon processus de création de personnages personnels. Nous nous concentrerons sur la conception réelle des personnages à partir de zéro. Cela implique beaucoup de choses, y compris le fondement de conception et de l'histoire des personnages. Vous ne ferez rien vous-même dans cette vidéo d'introduction, mais n'hésitez pas à prendre des notes ou à poser des questions dans l'onglet Discussions. C'est important de savoir avant commencer les croquis. Je vais vous présenter les principes fondamentaux de la conception de personnages pour le mouvement, jetant les bases du projet client. Je vais d'abord vous présenter différentes façons d'utiliser personnages pour soutenir la narration animée, regardant des exemples de différents types de personnages. Nous parlerons d'utiliser After Effects contre cel, de concevoir, de prendre vos propres photos de référence, croquis et d'abstraction. À la fin de la vidéo, je vais même ouvrir certains de mes propres fichiers de personnages organisés pour que vous puissiez les voir. Mais avant d'entrer dans la folie des personnages, c'est pourquoi vous êtes tous ici, je veux plonger dans mon histoire pour vous donner un peu de contexte, quelle expérience ai-je et suis-je qualifié pour enseigner ce cours ? Eh bien, j'ai toujours été intéressé à dessiner des gens. Cela a commencé avec ça, puis des personnages de mangas et d'anime quand j'étais à l'école primaire et j'ai lentement progressé à partir de là. Après avoir obtenu mon diplôme Design du Savannah College of Art and Motion Media Design du Savannah College of Art and Design, j'ai commencé mon premier emploi Motion Studio appelé Scholar à Los Angeles. C'est là que j'ai vraiment commencé à me lancer dans le mien avec le design de personnages. En fait, vous pouvez voir ici quelques-uns de mes premiers dessins de personnages créés chez Scholar. J'étais tellement frustré quand j'ai dessiné ça. J'avais vraiment beaucoup de mal avec les proportions et l'éclairage, etc., juste tout, mais j'ai réussi. Vers la fin de mon séjour chez Scholar, je devais mieux saisir proportions et créer des dessins de personnages charmants. Voici un extrait d'une série de spots que j'ai réalisés pour Nexium avant mon départ. Celle-ci a été animée par Chris Anderson. Je dois mettre en garde ici que je n'anime pas mes propres personnages. Je comprends les processus d'After Effects et de l'animation cel au niveau professionnel, mais je laisse à l'équipe d'animation le donner vie à mes créations. Tout ce que vous voyez dans cette présentation a donc été animé par un autre membre de l'équipe. Vous verrez tous ces crédits tout au long de la vidéo. Après Scholar, je suis passé au Motion Studio Oddfellows, où mes compétences de conception et de réalisation ont progressé. J'ai eu l'occasion de travailler sur des tonnes de styles différents et de variétés de personnages pour des clients tels qu'Adobe, Google, Airbnb, Capital One et plus encore. Voici une partie de mon travail collectif aujourd'hui en tant que réalisateur et illustrateur indépendant. J'ai conçu un large éventail de styles comme vous pouvez le voir. niveau du processus, je travaille principalement dans Photoshop et je transmets mes fichiers Photoshop à des animateurs. Je sais que les animateurs After Effects préfèrent parfois les fichiers Illustrator, mais personnellement, je n' ai jamais rencontré problème avec cela dans mon processus. Je crois que la chose la plus importante que nous puissions faire ici en tant que promotion de designers est de créer des personnages motivés et intrigants qui répondent à la demande d'un client ou d'un récit. Bien que je mette toujours l'accent sur l'importance de fichiers fonctionnels propres pour les transmettre à l'animateur, mon travail consiste moins à apaiser l'animateur et à faire en sorte que les personnages soient corrects pour le projet et client. Gardez cela à l'esprit pendant que vous travaillez sur votre personnage. Maintenant que nous avons appris à nous connaître un peu, commençons par ce que vous êtes tous ici. Maintenant, qu'est-ce qu'un personnage exactement  ? Aussi ringard que cela puisse être, voyons quelle est la définition classique d'un personnage dans le dictionnaire .com. L'ensemble des caractéristiques et des traits qui forment la nature individuelle d'une personne ou d'une chose. Je dois dire que dictionary.com n' est pas faux, mais cette définition est la définition la plus élémentaire et elle ne concerne aucune situation spécifique. C'est vraiment un peu difficile à lire. J'ai eu du mal à essayer de comprendre ce que cela signifiait. Essayons en quelques mots différents, mes propres mots. Dans le contexte du mouvement, je dis personnellement qu'un personnage est une personnalité vivante ou animée créée pour évoquer un message significatif. Un personnage pourrait être un père humain échevelé qui se précipite une école primaire pour aller chercher sa fille dans une agence de location de voitures. Au contraire, un personnage pourrait aussi être un sac dépressif de frites avec un visage dessus, assis seul dans le garde-manger de la cuisine. [RIRES] La vraie question est : qu'est-ce qu'un personnage apporte à une pièce ? Dans l'animation, les marques utilisent des personnages dans un but précis, pour donner vie à leur énoncé de mission. Ils les utilisent pour humaniser et fonder leur produit ou tout autre objectif. Les personnages ajoutent de la relatabilité, les gens aiment se voir dans des publicités ou des courts-métrages, ils ajoutent un sens attrayant et attachant à un récit. Découvrez cette pièce d'Oddfellows où ils prennent littéralement un vrai témoignage d' une cliente et donnent vie à ses mots à travers un personnage maladroit. L'Amérique adore Prego, mais ne nous croyez pas sur parole , prenez Treyes3. C'est littéralement la meilleure sauce de tous les temps. Je le boirais s'il était socialement acceptable. Allez avec une sauce que l'Amérique aime, allez Prego. Comme vous pouvez le constater, le personnage apporte beaucoup de choses à la table littérale. Elle fait paraître Prego amusant et alléchant, même s'ils vendent littéralement simplement des sauces tomate basiques. Nous voyons que les personnages utilisent maintes et maintes fois pour renforcer les marques et les donner vie. Une forme populaire est en fait de prendre la marque et de la transformer en personnage lui-même. Cette marque devient indiscernable d'une personnalité comme le GEICO Gecko ou vos M&M classiques. La plupart des gens associent désormais Geico à un gecko. Parfois, ils imaginent même manger M&M avec de petits visages, ce qui est en fait assez troublant. Pensez-y. Avant le gecko, il n'y avait rien d'excitant dans les compagnies d'assurance. Ils étaient ennuyeux. Le personnage gecko a ramené l'idée compliquée et ennuyeuse de l' assurance Terre et a donné envie aux téléspectateurs d'interagir avec la marque. Geico est devenu très mémorable. En plus du fait que les marques deviennent réellement des personnages, il y a l'utilisation plus courante des personnages comme renforcement. Ces chiffres n' incarnent pas réellement les qualités de la marque, ils aident simplement à raconter une histoire ou transmettre la mission de la marque, comme ce que nous avons vu sur cette publicité Prego . Il y a quelques minutes. voici un autre qui fait passer assez bien ce point pour Etsy. Ces personnages idiots renforcent le message de création et d'achat sur Etsy pour la Saint-Valentin. [MUSIQUE] Maintenant, je sais que tout n' est pas une question de publicité, donc si vous appliquiez ces deux types de personnages différents à la narration, vous pouvez dire qu'un personnage incarne en fait la concept global de votre récit, ou les personnages sont des éléments de soutien qui aident à représenter ce récit. Comme vous pouvez le voir dans quelques-uns des exemples que j'ai montrés, tous les personnages ne doivent pas nécessairement être humains ou impliquer des proportions semblables à celles de l'homme, alors quand et comment décidez-vous d'utiliser un personnage non humain ? Comme pour toutes les questions que je propose ici, ma réponse est simple. Faites-le quand cela a du sens conceptuel. Tout dépend vraiment de vous ou de l'objectif du client. Cette première petite animation à gauche était un personnage que j'ai créé pour incarner l' émotion de l'anxiété créative. Il était logique pour moi de créer un caractère griffonné, bancal, mais neutre pour cela. Si j'avais utilisé un personnage humain ici, je ne pense pas que cela se lirait vraiment comme l'émotion de l'anxiété en soi. Le personnage de droite est issu de la campagne d' animation Seed Matters de Buck. L'objectif de l'organisme à but non lucratif est d'augmenter le rendement et la variété des semences biologiques dans les fermes. Naturellement, il était logique d'avoir une véritable graine biologique indiquant au spectateur la queue de son point de vue. Cela a permis de commémorer une histoire captivante dont le spectateur se souviendrait. Je pourrais parler du but conceptuel des personnages toute la journée. Je pourrais même me lancer dans le développement de personnages pour des récits écrits, télé, des courts-métrages, etc. Mais vous êtes ici maintenant parce que vous avez un certain intérêt pour les personnages pour l'animation et le mouvement. Puisque je me suis spécialisé dans l'animation commerciale, je vais parler de ma propre expérience dans cette avenue. distinction la plus importante dans animation de personnages 2D mon expérience a été entre After Effects et l'animation cellule ou image par image. Il y a aussi des personnages animés en 3D, mais c'est totalement hors de mon entrepôt, donc je vais prétendre qu'ils n' existent pas pour l'instant. L'animation de personnages dans After Effects est radicalement différente des personnages animés cel. Je vais expliquer la différence maintenant. Les personnages After Effects sont généralement truqués pour l'animation, comme vous pouvez le voir ici dans ces exemples. Si vous n'êtes pas sûr de ce qu'est le gréage, ne vous inquiétez pas, vous n'êtes pas seul. C'est assez technique. Cela signifie essentiellement que vous configurez une armature ou un squelette de travail pour animer le design du personnage. L'animateur doit prendre votre dessin, le séparer membre par membre, même joint par joint, puis le relier même joint par joint, ou associer toutes ces pièces ensemble pour qu' elles réagissent l'un à l' autre le mouvement. Cette configuration prend un certain temps, mais elle donne à l' animateur le contrôle total du personnage une fois que la plate-forme est correctement configurée. L'inconvénient du trucage des personnages et des After Effects est qu' il y a moins de mouvements fluides. Techniquement, vous ne seriez pas en mesure de faire tourner complètement un personnage à faire tourner complètement un personnage l'aide d'une plate-forme car il vit toujours dans un plan 2D. Vous ne seriez pas en mesure de faire entrer un personnage et de faire un grand changement de perspective ou de conduire une transition, etc. Je dirais que l'animation des personnages After Effects est plus accessible aux masses, car l'animation image par image nécessite beaucoup de dessin et d'entraînement. animation After Effects à l'envers ne nécessite pas nécessairement que l'animateur soit bon pour dessiner. L'animation image par image est appelée animation cel-animation, car les animateurs traditionnels devaient dessiner chaque image sur une feuille transparente de celluloïd. Cel n'est essentiellement qu'un raccourci pour l' animation dessinée à la main. Cela demande beaucoup de pratique et de nombreuses écoles d'art possèdent diplômes en animation 2D traditionnelle auxquels vous pouvez participer. C'est aussi fou que ça semble littéralement. Essentiellement, l' animateur de cellules prendra conception de votre personnage et dessinera littéralement chaque version de chaque image que vous voyez à l'écran se reposant au fur et à mesure. Il existe aujourd'hui des programmes tels que TVPaint et Adobe Animate qui facilitent ce processus. Mais cela prend généralement beaucoup plus de temps et est plus minutieux. Il peut également être plus difficile de répondre aux commentaires des clients, car vous devrez tout redessiner. L'avantage est que les résultats peuvent être absolument époustouflants. Si vous ou quelqu'un de votre équipe êtes un excellent animateur de cellules, vous avez vraiment des possibilités illimitées. La seule contrainte réside dans votre main et les besoins du client. Comme vous pouvez probablement le constater à partir de toutes ces informations, c'est que la façon dont quelque chose doit être animé peut un impact considérable sur la façon dont vous concevez. Si vous deviez concevoir un personnage pour le gréage et After Effects, vous devriez être beaucoup plus technique quant à la façon dont vous séparez votre personnage et étiquetez vos calques. Vous voudriez vous assurer que des éléments comme la partie supérieure du bras et l'avant-bras trouvent sur différentes couches étiquetées, vous devrez probablement inclure des articulations arrondies pour rendre l' appareil moins évident. Vous devrez peut-être créer différentes versions du personnage pour différents plates-formes. Votre travail en tant que concepteur pour animation cel-animation peut consister à esquisser un personnage dans différentes poses ou à créer une feuille de retournement de personnage afin que l'animateur comprenne toutes ses proportions et angles. Vous devrez peut-être également illustrer différentes poses clés dans l'animation, afin que l'animateur sache comment dessiner le personnage pour différentes actions ou perspectives. Voici une liste des choses que vous feriez pour préparer votre fichier pour After Effects en animation cel-animation. Maintenant, je vais en parler beaucoup plus en détail à la fin de la classe après avoir fini notre conception de personnage. Mais voici une petite feuille de triche à regarder à l'avance. Voici un exemple de ce à quoi pourrait ressembler un retournement de personnage. C'est un revirement de caractère très aplati et très basique que j'ai fait pour un projet. Comme vous pouvez le voir, je l'ai aussi dans une tenue différente parce que cela pourrait affecter la façon dont elle bouge. Mais si vous travaillez sur un personnage d' animation de cel plus traditionnel ou sur un film narratif, vous demandera peut-être quelque chose plus détaillé comme celui-ci, où vous pourrez voir plus d' angles du vous pouvez voir plus de volume, plus d'ombrage et d'éclairage. Tout cela pour dire, c' est pourquoi je mets toujours l'accent sur la communication avec votre animateur dès le début. peut-être pas toujours possible de répondre à toutes ces préoccupations si l'équipe d'animation démarre après l'équipe de conception d' un projet spécifique. Mais il existe des moyens de le comprendre dès le début, parler à votre producteur ou directeur artistique et de demander si vous devez configurer le personnage pour le truquage ou si vous devez concevoir le retournement du personnage. pour l'animateur de cellules. Il ne fait aucun mal de poser des questions et cela permettra à l'équipe d'économiser beaucoup de temps et d'efforts plus tard dans la phase d'animation. Évidemment, si vous êtes l'animateur et que vous animez votre propre design, vous devriez probablement penser à votre technique avant de concevoir votre personnage. Assurez-vous de disposer des capacités nécessaires pour animer votre personnage comme vous le souhaitez. Cela dit, je ne veux pas trop me renseigner sur les mauvaises herbes sur la façon d' appliquer ces modifications que plus tard dans la classe. Mais je veux que vous les connaissiez dès le début. Il est maintenant temps de sortir de cette présentation pendant une seconde chaude et d'ouvrir Photoshop et de plonger dans certains fichiers de mes personnages. Ce premier personnage que nous allons voir est un personnage animé de Cel. [MUSIQUE] C'était animé par Tyler Morgan, à qui nous allons parler dans quelques minutes, et conçu par moi-même, également animé par d'autres personnes extraordinaires chez Oddfellows comme Josh Parker et Kavan Magsoodi. Mais ce que je voulais vous montrer ici, c'est qu' il y a tellement de poses différentes dans lesquelles nous voyons ce personnage. Puisque tout est rapide et rapide, il serait peut-être difficile d' essayer de truquer chaque pose. Ce qui signifie simplement que vous devez tous les installer, membre par membre et les animer comme une marionnette, alors nous avons décidé de le faire en animation cel-ci . J'ai ici quelques exemples de fichiers différents du personnage. Je voulais juste vous montrer rapidement comment cela serait mis en place. Je sépare toujours la tête et les bras et tout ça, juste pour que l'animateur puisse travailler avec ça. Bien qu'ils ne l'utilisent pas nécessairement, il sera vraiment utile qu' ils puissent y aller plus tard et ajouter de la texture et des trucs. Par exemple, toute cette texture, probablement pas étiquetée à 100 %, comme je le voudrais. Il s'agit d'un ancien dossier. J'aime toujours garder ces couches de texture séparées. Tous les détails et tout au cas où l'animateur aurait besoin d' entrer et de saisir cette texture pour cartographier le personnage. Ensuite, parce que nous avons ce personnage et un tas de poses différentes, ce sera une tête différente pour chaque personnage, un bras différent, un angle différent, une perspective différente. Tout est rompu différemment. Ensuite, l'autre chose importante que je voulais vous montrer ici était, comme vous pouvez le voir dans la vidéo à la fin, nous voyons le personnage passer par toutes ces perspectives et poses différentes quand elle traverse ce champ de papier. Pour que l'animateur du personnage puisse réellement donner vie à l'aide de cel, il doit voir toutes les différentes poses. Nous avons donc notre personnage principal ici, mais il y a toutes ces différentes poses qui ont été dessinées afin montrer comment le personnage se déplacera tout au long de l'animation. Nous en avons tous ici pour que l'animateur puisse les dessiner avec succès tout en continuant. Maintenant, c'est probablement plus de travail que vous n'auriez à faire. plupart du temps, l'animateur de personnages comprendra lui-même. Mais si vous voulez que votre personnage reste vraiment précis, vous allez vouloir dessiner les poses pour lui, car vous ne voulez pas qu'il se trompe dans les proportions ou quoi que ce soit de ce genre. Le deuxième que je voulais vous montrer était une animation de personnage After Effects. [MUSIQUE] Qu'est-ce que les brûlures d'estomac ? Les brûlures d'estomac sont une sensation de brûlure inconfortable dans la poitrine ou la gorge. Il se produit lorsque l'acide gastrique sort de l'estomac et irrite l'œsophage. Cela peut être aussi irritant que les doigts le long d'un tableau noir où ces doigts sont en feu, et le tableau noir est en fait votre œsophage. brûlures d'estomac fréquentes sont des brûlures d'estomac qui surviennent plus de deux fois par semaine ou plus de quatre fois par quinze jours si vous êtes britannique. Pour en savoir plus sur les brûlures d'estomac la page YouTube Nexium 24HR. Comme vous pouvez le voir, il y a différentes poses pour ce personnage, mais il y a beaucoup plus minimes et le personnage elle-même est plus robotique, je dirais. animation de personnages After Effects ne correspond pas toujours à la robotique. Mais on peut dire que les pieds sont décalés avec le pantalon, et je pense que celui-ci a été animé un peu plus rapidement, donc il n'était pas aussi raffiné. Mais vous pouvez voir que tout est fait plus avec les images clés qu'avec les images dessinées image par image. Ce que j'entends par là, c'est le gréage After Effects, qui est un outil très utile. Nous avions deux poses pour ce personnage. Nous avons eu la pose ambulante au début et la pose push-in où nous regardons son œsophage, où la caméra zoome sur elle. Vous pouvez voir tout cela, le personnage a des textures et tout. Mais parce que je sais que cela allait être brisé joint par articulation, je devais m'assurer que l'avant-bras était séparé du coude et que la partie supérieure du bras se trouvait derrière la chemise et peut-être la frange est même séparée pour que l'animatrice puisse animer ses cheveux en mouvement. Il y a juste beaucoup d'éléments. Une autre chose que vous voudriez garder à l'esprit est que s'ils font un cycle de marche comme celui-ci, vous voudriez séparer les jambes de sorte que lorsque vous éteignez la jambe avant, vous pouvez toujours voir le jambe arrière. Vous ne voulez pas simplement le dessiner pour qu'il ne soit pas là derrière. Mais c'est à peu près comme ça que vous configureriez votre personnage pour l'animation After Effects. Vous voudriez être très précis en nommant chaque calque, c'est ce que j'ai fait ici, par opposition à l'animation cel-que je n'ai pas vraiment trop précise avec tout mon calque. nommer parce que l'animateur n'utilisera probablement pas autant mon fichier. Ils vont juste le retracer. Mais ici, nous voulons que les sourcils soient étiquetés, les yeux et les différentes parties de la tête. Il en va de même pour cette autre version de la fille. Tout est étiqueté correctement, a des textures masquées. Les textures sont toutes séparées, donc si l'animateur veut enlever la texture et se redessiner ou l'animer lui-même, il a la capacité de le faire. En gros, vous voulez simplement qu'ils puissent briser tout ce dont ils ont besoin et l'utiliser à leur avantage. Maintenant que j'ai montré comment mes propres fichiers de personnages sont configurés et que vous avez une connaissance pratique des fondamentaux des personnages. Discutons également avec un animateur professionnel de son propre processus. [MUSIQUE] 4. Conseils d'un animateur, Partie 1: [MUSIQUE] Notre animateur invité spécial n' est autre que Tyler Morgan [RIRES]. Vous pensez peut-être que je parle juste parce que c'est mon mari, mais non, sérieusement, il est incroyable dans ce qu'il fait. L'animation de personnages n'est qu' une de ses nombreuses compétences. Principalement, il fait l' animation cellulaire et Photoshop à l'aide d'une tablette Wacom Cintiq, ce que j'utilise également. Il sait aussi animer des personnages après effets. Quelle meilleure personne pour discuter de toutes vos questions d'animation de personnages brûlantes. [MUSIQUE]. Bonjour, quel est votre nom ? [RIRES]. [inaudible] [RIRES] tellement cool. Je suis animateur, alors venez en tant que Tyler dans le cadre du projet après avoir été intégré par le réalisateur et je prends généralement les ressources des designers et je les ferai bouger pour transformer le design original et les planches en vidéo. J'anime et vend généralement des animations ou image par image. Si nécessaire, je fais aussi des animations de personnages après effets. Avec sell, vous dessinez littéralement chaque cadre semble généralement plus naturel. C'est beaucoup plus chronophage et c'est là que l'animation de personnages après effets brille, c'est pour les calendriers budgétaires avec toutes les choses avec des animations de personnages après effets que vous ne pouvez pas mais je préfère image par image, personnellement. [MUSIQUE] Je dépend peut-être largement des projets, le studio a un processus différent partout. Parfois, vous avez introduit projet antérieur pour aider à embarquer auquel cas vous auriez une relation morale avec les concepteurs au fur et à mesure que les choses sont créées. Parfois, vous êtes amené lorsque le design est complètement terminé et que vous ne parlez même pas aux designers. On vous remettra les dossiers et on vous demandera de le faire bouger de cette façon. Si j'ai la possibilité de communiquer avec le concepteur au fur et à mesure que le design se déroule, c'est le meilleur scénario, car je peux demander des détails. Je relaie mes propres préférences lorsqu'il s'agit de transférer des fichiers, suggérer des poses ou des compositions pour créer une animation dynamique ou créer une animation plus facile en fonction de la chronologie. Que veut le client ? Quelles sont nos limites ? C'est ce que je peux faire en animation et cela peut aider à éclairer la conception. Peut-être qu'il y a un buisson devant un personnage, par conséquent, puisque le designer était pressé, ce personnage n'a pas jambes si je désactive la couche de buisson. Peut-être que le personnage et le design regardent la caméra, mais j'ai besoin de me retourner et de m'éloigner ou de prendre quelque chose d'une étagère. Je ne sais pas nécessairement à quoi ressemble cette information. Idéalement, il y a un concepteur qui créé un revirement ou dessiné un actif supplémentaire, c'est dans un fichier séparé du genre : « Oh, eh bien, c'est à quoi ressemble la main ? » Même s'il est hors cadre en ce moment, mais nous aurons besoin qu'il entre dans le cadre [MUSIC]. En termes de dossier et de structure, je dirais, non. Idéalement, le fichier est organisé avec différentes structures de dossiers, avec les couches. Tout est nommé, rien n'est aplati, qu'il s'agisse de textures, de lignes pour remplir le tout sur différents calques et étiqueté si possible. Parfois, il n'y a pas vraiment temps pour cela quand il est remis, mais il s'agit simplement de faire plus de travail pour l'animateur. Dans tous les cas, pour vendre ou après effets, cela se résumera davantage à composition et au design en ce sens, où si vous animez un personnage et des effets de suite, vous pouvez faire certaines choses pour le design pour faciliter la tâche sur l'animateur. Alors qu'avec sell, puisque l'animateur va dessiner le personnage, encore une fois, essentiellement, il y a un peu moins de limites quant à la façon dont vous concevez le personnage [MUSIQUE]. plupart du temps, lorsque vous créez des actifs différents pour les membres ou les parties du corps, ils seront tous divisés et quelque peu parentaux les uns aux autres. S'ils n'arrivent pas à une articulation qui constitue un cercle parfait, dès que vous voyez que le bras commence à tourner, partie de la couche pourrait commencer à se détacher du coude [MUSIQUE]. Le numéro 1 est important, c'est la communication. Vous pouvez laisser des notes dans un fichier si vous le souhaitez. Vous pouvez masquer un calque et écrire une petite note. Vous pouvez créer les revirement sur les ressources et les masquer dans le coin ou envoyer un fichier séparé avec votre conception finale. Sinon, organisez votre fichier et n'aplatissez rien. C'est le plus gros transfert à faire. [RIRES] [MUSIQUE] Il est maintenant temps de créer de nouveaux personnages ensemble. Passez à la vidéo suivante pour consulter le dossier du projet et commencer avec des idées pour votre croquis. [MUSIQUE] 5. Décomposer le dossier: [MUSIQUE] Préparez votre stylo, votre papier ou votre tablette parce que nous sommes sur le point d'y creuser. Dans cette vidéo, nous allons travailler ensemble pour analyser le mémoire client que je vous ai fourni à partir de l'arrêt des cadeaux. Que demande le client ? Comment devrions-nous l' interpréter pour une animation ? Quels personnages répondront aux brèves stipulations ? Notre faux dossier client vient évidemment de l'arrêt cadeau. Je n'arrête pas de dire cela, mais c'est très pour ce que serait un vrai mémoire client puisque je ne veux pas trop me concentrer sur l'aspect commercial des choses, nous ne voulons pas parler de budget et d'autres choses. Nous sommes là pour les personnages. Mais c'est une bonne pratique d' essayer de concevoir un sujet plutôt que de commencer complètement à zéro. Imaginez que cette entreprise vous ait contacté avec ces informations par e-mail. Lisons-le ensemble attentivement. Qu'est-ce que l'arrêt cadeau ? Le coffret cadeau est votre guichet unique pour tous vos besoins en cadeaux. Qu'il s'agisse d'un anniversaire, d'une fête des mères ou d'une fête de fierté, nous avons tout pour vous. Tout ce qui est vendu dans chaque emplacement est local, biologique ou fait main. La mission. Nous prévoyons de publier une série de publications carrées sur les réseaux sociaux présentant la variété et la diversité de nos clients. d'un père célibataire, de drag-queens, de promeneurs de chiens, d' ouvriers de la construction, d'artistes et plus encore, nous accueillons tout le monde. Pour ce projet, nous avons contacté une poignée de designers de personnages comme vous pour illustrer un client de son choix. Notre seule exigence est que vous incluez un cadeau ou un produit dans votre conception. Peut-être quelqu'un qui prend un livre sur une étagère ou qui vérifie au registre. Nous pourrions même imaginer que quelqu'un s'éloigne du cadeau s'arrête avec son achat, heureux comme une palourde. Une fois que vous aurez terminé la conception et nous le transmettrons à notre animateur interne pour le donner vie. C'est l'arrêt des cadeaux. Alors que j'ai commencé à plonger dans la conception des personnages pour cela, je vais idéer et dessiner en direct sur mon écran ici pour que vous puissiez suivre. Vous aurez également l'occasion de conceptualiser et d'esquisser votre propre personnage. N'hésitez pas à suivre exactement ce que je fais ou à proposer vos propres idées. C'est toujours amusant de voir de nouvelles choses. J'aimerais bien voir ce que vous venez de proposer. Je l'ai évidemment introduit dans Photoshop parce que je veux le décomposer manuellement. Ce que je veux dire par là, c'est simplement souligner et mettre en évidence visuellement des choses qui, selon moi, sont importantes pour le mémoire. Je le fais avec tous mes projets clients. Personnages ou non et en plus de rendre notre personnage amusant et unique, nous devons nous assurer de rester sur bonne voie avec les objectifs du client. Avant de dessiner, demandez-vous : « Qui est le public ? Quelle est l'ambiance ? » Commencez par cela comme point de départ. Qui est notre public ? Commençons par là. Nous voulons vraiment que ce soit sur les réseaux sociaux, c'est pourquoi nous avons cela en tant que public. Nous allons le présenter pour aimer les gens d' esprit basés sur un algorithme, des trucs comme ça. Nous voulons également cibler tous nos clients en montrant toute cette diversité. Nous voulons nous assurer que c'est inclusif et que tout le monde se sente vu. De toute évidence, cela va se faire sur une collection de personnages différents. Mais pour notre personnage, essayons simplement de les rendre amusants et uniques. Alors, quelle est l'ambiance ? concerne l'humeur, nous voulons absolument nous assurer que la personne qui fait ses courses à l' arrêt cadeau est heureuse comme palourde. Nous sommes heureux, ils doivent posséder un produit ou acheter. Nous savons également qu'il faut l' animer et ce n'est pas vraiment l'ambiance. Je lui ai vraiment acheté ça ici, mais vous comprenez l'idée. Ce n'est pas vraiment l'ambiance, mais nous devons nous assurer que notre fichier est configuré pour l'animation. plan conceptuel, nous savons que notre personnage doit être unique d'une manière ou d'une autre, mettant en valeur leur clientèle diversifiée. Nous savons, à des fins techniques , que cela doit être carré, et c'est par le biais des médias sociaux, qui sont une plateforme numérique. Cela signifie que nous devrons travailler en 72 ppp avec des couleurs RVB. Allons de l'avant et faisons une composition. Je vais commencer par dire 2 000 pixels sur 2 000 pixels, car c'est ce que je fais avec mes compositions lorsque je les fabrique pour mes réseaux sociaux, mais vous pouvez agrandir ou réduire. Je dirais également que nous gardons notre résolution à 72 ppp. Je sais que si vous êtes un concepteur d'impression, vous avez tendance à travailler à 300 ppp, surtout si vous souhaitez imprimer votre illustration en bas de la ligne. Mais pour l'animation, il est préférable de le conserver à 272 ppp pour réduire la taille de votre fichier numériquement. Si vous allez utiliser l'itinéraire 300 DPI, ce que je fais parfois, assurez-vous de réduire cette résolution plus tard une fois que nous avons fini dans Photoshop. J'ai tendance à utiliser DPI pour mon propre travail parfois parce que je peux augmenter davantage une animation avec cette résolution supérieure, ou je peux la convertir en fichier d'impression si nécessaire. Je retourne toujours dans le fichier à la fin lorsque j'en fais une copie et que je crée une version 72 ppp pour l'animateur. Je veux absolument vous assurer que nous utilisons la couleur RVB, c' est-à-dire pour les écrans numériques. 8 bits devraient suffire à moins que vous n'ayez vraiment envie d'utiliser beaucoup de dégradés. Si vous utilisez beaucoup de dégradés, je dirais que c'est 16 bits, et c'est à peu près tout. J'allais simplement appuyer sur « Créer ». Maintenant, nous avons la configuration de notre fichier, donc je m'assurerais d'aller avant et de l'enregistrer où que vous le souhaitez sur votre propre ordinateur, simplement parce que nous voulons pouvoir appuyer sur « Command S » pendant que nous travaillons, Je vais juste nommer ce personnage 01. Nous avons préparé notre dossier, [MUSIQUE] nous avons décomposé notre mémoire. [MUSIQUE] Nous savons ce que nous devons faire ici, alors passons la phase de conception dans la prochaine vidéo. [MUSIQUE] 6. Conceptualisation rapide: [MUSIQUE] Nous avons déjà notre toile. Nous allons maintenant nous pencher sur un peu de conceptualisation de nos personnages. Puisque ce cours porte moins sur la conception que sur les détails techniques, je vais le faire rapidement. N'hésitez pas à vous préoccuper de cet aspect vous-même tout en travaillant sur votre devoir entre les sessions. J'ai également cette liste de traits de personnages pratiques dans le livret de classe téléchargeable que vous pouvez utiliser pour lancer quelques idées. Attention, ils sont plutôt maladroits. Je pense que ce serait amusant de voir peut-être relier une princesse à une boule de peluches. Parce que j'ai ça là-dedans, un morceau de peluche floue. Je ne sais pas pourquoi j'ai fait ça. Mais de toute façon, il suffit de le vérifier et j'espère que cela vous aidera avec quelques idées. Si je pars complètement de zéro, je commence toujours par une histoire de fond. Vous avez besoin d'un cadre de référence pour commencer à créer votre personnage. Si le client ne vous a fourni aucune de ses informations, vous pouvez envisager de créer votre propre histoire. Cela ajoutera de la profondeur et de la personnalité à conception de votre personnage et peut également le rendre assez amusant et original. Qu'est-ce que votre personnage a vécu dans la vie ? Quelle est leur situation ? Quel est leur travail ? Sont-ils couronnés de succès ? Sont-ils stressés ? Sont-ils déprimés ? Et la question la plus importante comment votre personnage s'intégre-t-il dans votre histoire et quel est son rôle ou son but dans l'histoire ou, dans ce cas, le bref client ? Cela aidera à définir quelle tenue porte votre personnage ? Quelles sont leurs idiosyncrasies ou comment ils réagiront à certaines situations ? Cela vous donne évidemment beaucoup de contextes pour ce que vous pourriez ajouter à votre personnage afin de rendre son design plus unique. Voici le livret téléchargeable. Nous avons la page de titre, un petit blurb de classe, puis l'invite, puis cette liste d'invite et quelques trucs et astuces supplémentaires que nous pourrons consulter plus tard. J'ai eu beaucoup de plaisir à faire ça et c'est tellement stupide. Je pense vraiment que vous aimerez peut-être faire des personnages à partir de ça, comme peut-être qu'il y avait peut-être une cutie cottage mange des céréales pour toujours. Elle a un petit bébé mouton à ses côtés ou peut-être qu' on a une sorcière qui aime ramasser des champignons et elle joue au basket. [RIRES] Je ne sais pas, ils sont tous tellement bêtes, mais je pense que vous pourriez utiliser cela pour mélanger et faire correspondre, créer des idées. Mais je vais commencer complètement à zéro ici parce que j' ai juste une idée et je veux l'exclure et je veux voir ce que je peux en faire. Je pense que dans cette situation, nous pouvons rester simples. Je vais juste commencer à faire un remue-méninges avec une carte mentale. Parfois, je n'écris que des choses pendant que je pense à eux. Changeons un peu notre police ici pour qu'elle ne soit pas aussi difficile à lire. Ensuite, je vais commencer à écrire des choses. Mon idée est que je suis personnellement une dame folle et que je suis obsédée par mon chien. Je vais apporter un peu de ma propre personnalité dans son histoire. Si vous ne savez pas par où commencer, je dis toujours que c'est personnel. L'art est toujours meilleur lorsque vous puisez dans la vérité, lorsque vous utilisez des expériences réelles pour ajouter des subtilités et des détails. Cela vaut également pour les personnages ici. Utilisez une partie de votre propre histoire comme point de départ pour l' histoire de votre personnage et réf à partir de là. Comme je l'ai dit, je veux faire une dame de chien, alors quand nous venons de recevoir notre pansement pour chiot il y a environ quatre ans. J'ai toujours voulu lui habiller des bandanas. Je lui achète toujours trop de jouets. Commençons par là, en le rendant personnel. J'adore quand mes polices font ça. Faire une dame de chien folle personnelle, un bandana pour chien. Avoir le chien avec son bandana et peut-être qu'elle est un peu folle. Cela affecte la façon dont est mon personnage. Quels que soient les bras empilés haut de jouets et ils tombent partout et son chiot a un petit bandana, renifle joyeusement les jouets. J'essaie juste d'imaginer à quoi ressemblerait cette scène. Elle est peut-être un peu échevelée, s' emparant d'un bras plein de jouets. Le chien est mignon et renifle. Cela peut sembler aussi stupide que vous le souhaitez ce moment, car c'est juste pour vous. Vous n'êtes pas obligé de partager ça. De plus, j' aimerais aussi lui donner un petit quelque chose de plus unique puisque j'ai impression que c'est basique et je ne veux pas que le personnage soit seulement moi. Je veux lui ajouter un peu plus de brillance . Je suppose que vous pourriez le dire. Je pense que ce serait amusant d'ajouter à sa maladresse chaotique en ajoutant une paire de patins à roulettes ou une planche à roulettes ou quelque chose comme ça. Peut-être que ses cheveux sont un peu échevelés aussi parce qu'on peut dire qu'elle est pressée. Je vais juste dire «  Rollerblade » en précipitation. Si je pars de moi, je suppose que je ne suis probablement pas une excellente représentation de la clientèle diversifiée. Peut-être que je vais la changer un peu pendant que je travaille. Peut-être qu'elle a une coiffure plus fraîche que moi ou qu'elle a plus de tatouages et de piercings. Quelque chose qui la rend un peu plus intéressante pour l'œil commun. Si je regarde cette liste que j'ai faite et que vous pouvez créer une carte mentale comme je l'ai dit ou ce que vous voulez faire. Mais j'aime vraiment écrire des choses. Si nous examinons cette liste, elle est renvoyée aux cases du client qu' il voulait cocher. Elle est intéressante, nuance. Elle a plus à son histoire qu'une simple femme au hasard regardant une étagère et plus vous ajoutez d' histoires de fond, plus les idiosyncrasies intelligentes et les détails réfléchis que vous pouvez ajouter dans lesquels vous pouvez ajouter brillez dans vos créations. Je ne vais pas encore commencer à esquisser parce que je veux aller un peu plus dans la proportion des personnages et comment nous allons créer ces esquisses gestuelles en premier. Mais il est toujours bon d'avoir votre intention en tête avant de commencer. Commençons ça dans la vidéo suivante. [MUSIQUE] 7. Théorie : Proportions de personnages: [MUSIQUE] La proportion est essentielle pour rendre un personnage unique. Vous avez toujours la possibilité d' aller plus réaliste avec vos proportions et de rendre votre design ou animation fidèle à la réalité. Souvent, de plus en plus de publicités d'entreprise aimeraient ce type de personnages, ceux qui se sentent plus réalistes comme de vrais humains. Mais si vous cherchez quelque chose d'amusant et de décalé, nous passerons à l' abstraction, à la déformation et à l'étirement de vos personnages dans ces prochaines vidéos. Gardez cela à l'esprit lorsque vous travaillez ici et que vous créez vos personnages au mieux de vos capacités. Ici, nous resterons semi-réalistes avec nos personnages, en les gardant humains et proportionnels. Nous allons aborder plus de stylisation dans les prochaines leçons. Avant de commencer à dessiner un personnage humain ou un personnage d'ailleurs, nous devons comprendre les bases de l' anatomie et les proportions du corps humain. J'ai trouvé cette belle image de stock et il fait le travail. Ce n'est pas la chose la plus idéale pour enseigner. Pour le temps, et parce qu'il ne s'agit pas d'un cours d'anatomie, je n'irai pas trop loin dans les détails. Mais c'est essentiellement ainsi que la forme humaine est rompue. La forme humaine est généralement de sept têtes et demie. Évidemment, je ne le fais pas exactement à 100 % parce que la forme de la tête est un peu désactivée, mais on peut voir que c'est environ sept têtes et demie. agit d'une forme adulte et cela s'applique à la fois aux hommes et aux femmes. Mais comme vous pouvez le constater avec un enfant, la tête est un peu démesurée par rapport au corps parce que vous grandissez encore dans votre forme. Habituellement, les enfants ont une tête plus grande. Dans cette classe, nous essayons de rester semi-réalistes avec nos personnages. Je n'aborderai pas autant les personnages non humains car je pense que c'est un excellent point de départ. Nous les garderons plus humains et proportionnels, et nous entrerons dans la stylisation plus tard. Il est toujours bon de garder quelque chose comme ça à portée de main pendant que vous dessinez. Honnêtement, je les recherche sur Google Images , puis j'en dépose un dans mon fichier pour l' avoir sous la main. Pour les proportions typiques des hommes, chez les hommes, les épaules sont larges et les hanches sont généralement plus affleurantes avec le torse et le bassin devient plus petit. En général, chez les hommes, nous avons plus une forme de triangle à l'envers, puis avec les femmes, c'est en fait le contraire ou plus carré. Les hanches sortent généralement d'une taille plus petite. En fait, c'est là que vous obtenez votre forme de sablier. Comme je l'ai dit, si vous dessinez un enfant, ils verront souvent leur tête agrandie par rapport aux adultes. Pour cette raison, si vous voulez que quelque chose plus ludique ou enfantine, essayez simplement d'agrandir la tête. Même si j'agrandis cette tête ici, vous pouvez voir qu'elle ressemble déjà à un dessin animé. C'est plus ludique et plus enfantine, même si c'est déjà un enfant, mais on arrive d'où je viens. Je voulais également partager ce site que j'ai trouvé avec vous car je pense que c'est super utile. Son anatomy4sculptors.com. Si vous voulez devenir vraiment réaliste avec vos proportions humaines, ils ont ce calculateur de proportions humaines. Vous pouvez choisir un homme ou une femme. En plus de cela, vous pouvez également choisir partie du corps que nous regardons, la tête ou le pied, ou quoi que ce soit de ce genre. Ensuite, vous pouvez également choisir l'âge. Vous verrez comment ils progressent en vieillissant. Ce sont des images très flatteuses, mais je pense que c'est super utile et vous pouvez même taper des proportions si vous voulez bien le faire. En plus de cela, également sur leur site Web, si vous accédez à la page de l'article, ils ont des informations vraiment utiles. Ils ont ce modèle d'anatomie 3D que vous pouvez utiliser pour retourner sur leur site Web. Si vous accédez à cet onglet, vous pouvez voir la forme humaine sous différents angles. Malheureusement, je pense qu'ils n'ont qu' une seule partie sculptée. Mais vous pouvez faire des têtes et des oreilles, et différentes parties du corps. Si vous vouliez dessiner quelque chose un angle intéressant, vous seriez en mesure d'utiliser quelque chose comme celui-ci pour comprendre à quoi ressemblent ces proportions dans cette perspective. Mais revenons à mon document ici, je veux simplement faire un aperçu et dire que créer un personnage comme celui-ci dans une pose de bras devant debout est le meilleur pour les animateurs, surtout si vous êtes faire des animations cellulaires pour qu'ils puissent voir clairement ces différentes parties du corps. Mais parfois, j'aime commencer par mettre mon personnage dans une certaine pose parce que cela m' aide à m'enthousiasmer à l'égard du personnage et m'aide à imaginer le personnage dans une situation. Honnêtement, parfois il suffit de voir ce personnage dans cette pose. Par exemple, si nous allons sur mon site Web et que nous regardons mon film, ici, nous allons juste regarder un peu le teaser. Par exemple, dans ce cliché, écrivez ici, nous n' aurons besoin que de voir ce personnage de côté, et nous n'aurons besoin que de voir le personnage de l'arrière ici. Évidemment, j'ai dû faire un peu de retournement de personnage à un moment donné pour montrer à quoi ressemble ce personnage sous différents angles. Mais l'animateur ne va animer qu'un enfant à la fois. Vous n'avez pas toujours besoin de voir toutes les parties du corps tout le temps. Il n'est pas toujours pratique de concevoir votre personnage et de s'opposer ou de retourner, surtout si le personnage ne sera pas vu plus d'une fois. Peut-être que nous ne voyons un personnage de côté qu'un instant. Nous n'avons pas besoin de les dessiner tous ces angles différents. Mais même si vous voulez poser votre personnage dès le début, essayons au moins de le garder en perspective plane tout en esquissant et ne vous inquiétez pas trop de la façon dont nous verrons le personnage sous un angle bas ou haut, donc en les voyant davantage de la pose directe comme nous le voyons ici avec ces personnages. Si nous revenons sur mon site Web, nous pouvons en consulter quelques-uns. Quand je dis une pose directe, je veux dire quelque chose comme ça, ou ces personnages qui marchent, plus comme une perspective graphique plate. n'est que mon aperçu rapide des proportions de personnages. Je pense qu'il sera utile suivre un cours de dessin de figure ou de faire plus de recherches en ligne sur le fonctionnement des proportions de personnages. Mais parce que je fais cela pour l'animation et pour un look et une sensation plus stylisés, je pense que c'est un très bon petit aperçu ce que sont les proportions des personnages. À partir de là, je vais simplement passer aux gestes d' esquisse dans la prochaine vidéo. [MUSIQUE] Nous expliquerons plus en détail comment rendre vos personnages plus réalistes avec des photos de référence dans quelques vidéos. 8. Esquisser des gestes: Ici, il se décompose que vous attendiez tous , en dessinant. [RIRES] N'hésitez pas à suivre avec moi ici ou simplement à regarder. À ce stade, vous n'avez pas encore trop à vous soucier de l'animation. Ce ne sont que les lignes de base. Nous allons travailler sur notre pose grossière et idée de base et nous n' utiliserons pas ces lignes pour l'animateur. Je suis ravi de commencer à me lancer dans des croquis miniatures avec vous. La seule chose que vous pourriez envisager à l'avance est concevoir une animation cellulaire ou un personnage d'animation After Effects qui sera truqué ? Comme nous l'avons dit dans une vidéo précédente, ceux-ci vont être configurés différemment. Gardez cela à l'esprit pendant que vous travaillez. Je veux dire, je pense pour celui-là, puisque le personnage ne sera probablement dans une seule pose compte tenu du bref client et de ce qu'ils ont mentionné sur le fait qu'il s'agit d'un simple post Instagram, je Je ne pense pas que nous devons trop nous inquiéter à ce sujet. Mais il s'agit d'un cours pour apprendre comment l'animation interagit avec vos illustrations , il est donc vraiment bon de continuer à y penser pendant que vous travaillez. Évidemment, si vous ne savez pas certitude comment elle sera animée, ne vous inquiétez pas encore. S'il s'agissait d'un vrai projet client, vous voudriez probablement en savoir plus. Mais je ne suis pas trop inquiet à ce sujet en ce moment. Surtout quand on ne fait que dessiner des gestes, ce n'est pas encore une énorme affaire. Personnellement, je vais supposer que mon personnage va être plus dynamique et avoir plus de flexibilité. Je vais simplement supposer que ce sera animé cellule image par image à la main, ce qui vous donne beaucoup plus de flexibilité pour faire ce que vous voulez avec la pose. Si vous souhaitez créer quelque chose qui sera animé directement dans After Effects, vous pouvez envisager de dessiner un personnage comme dans une pose de marche ou une pose plus rigide avec un clair. joints qui peuvent être facilement gréés. J'ai ici mes idées, ma silhouette et tout et je vais commencer à faire quelques croquis gestuels. Dans cette phase, ne vous inquiétez pas si elle semble super rugueuse, notre prochaine étape fera ressortir beaucoup de raffinement. Restez simple pendant que vous commencez à dessiner ici et pensez à la silhouette. La façon technique appropriée de commencer à concevoir un personnage est de créer une silhouette claire. Voyons quelques exemples ici. Nous avons les proportions de nos personnages, dont j'ai parlé dans la dernière vidéo. Mais la silhouette d' un personnage est ce que l'œil reconnaît immédiatement lorsqu'il regarde un personnage. Vous voudrez probablement commencer par vous assurer que les membres sont séparés et éloignés du corps afin de pouvoir définir ces formes. Déterminer la silhouette vous aidera également à poser et à faire des gestes plus tard. Je voulais juste vous montrer quelques exemples de silhouettes. Comme je l'ai dit plus tôt, un personnage humain masculin aura une épaule plus large. Si vous voulez que votre personnage soit encore plus fort, vous lui donnerez une épaule géante et une taille minuscule. C'est ce que cette personne a fait avec la silhouette ici. Avec celui-ci, nous avons une très belle séparation des membres. Nous pouvons voir les deux bras travailler séparément, et tous sont très stylisés. Quand je parle de stylisé, cela signifie vraiment aller dans la silhouette et réduire la tête vers le bas ou allonger les jambes ou autre. Cela arrivera un peu après que nous ayons fait nos gestes. Mais ce sont des exemples amusants à garder à l'esprit. Comme vous pouvez le constater, sur celui-ci, nous avons une certaine séparation entre la taille et les bras. Beaucoup de poses vraiment jolies avec de l'espace négatif pour que vous puissiez voir la silhouette claire de la figure. Tous ces éléments sont très différents, mais vous pouvez vraiment dire que la silhouette a été prise en compte. Même ici, nous pouvons voir une variété amusante de silhouettes, et comme je l'ai dit, personnages aux têtes plus grosses semblent plus enfantines. Par puéril, je ne veux pas dire immature, mais je veux dire plus innocent et plus infantile. Je pense que cet exemple le montre vraiment. Les petites têtes semblent évidemment un peu plus adultes, à mon avis. Nous garderons cela à l'esprit, avoir une silhouette claire pendant que nous dessinons ici. Puisque nous commençons par la forme générale, ne soyez pas trop pris dans les détails maintenant, expérimentez, ne tombez amoureux d'aucun personnage pour l'instant. Vous devez être prêt à jeter un dessin s'il ne sert pas assez bien le but de l' histoire. Essayez de ne pas être trop frustré. Je vais juste utiliser une couleur amusante pour commencer à dessiner ici à l'aide de mon pinceau à taches d'encre mince, mais vous pouvez utiliser ce que vous voulez ici. J'aime utiliser les pinceaux de Kyle Webster comme je le dis toujours et tous mes cours. Je vais commencer par utiliser des formes vraiment basiques pour la tête, donc comme un cercle pour la tête est toujours standard quand je ne fais ces gestes lâches vraiment abstraits. Je sais que je veux qu'une femme soit sur des patins à roulettes. Elle est peut-être échevelée, s' emparant d'un bras plein de jouets. Il y a un chien. Gardons tout cela à l'esprit alors que nous dessinons ici. Elle est également censée ramasser quelque chose une étagère ou quelque chose dans les magasins. Je vais juste deviner à quoi ça ressemblerait. Peut-être qu'elle tend la main et qu'elle est sur une paire de rollerblades. Évidemment, c'est super hors de proportion mais peut-être que sa jambe se lève pour un peu de plaisir. Peut-être que ses bras tendent quelque chose sur une étagère. Vous avez cette étagère légère derrière elle. Dans cette perspective plate, peut-être qu'elle a son chien qui la regarde, voulant obtenir le jouet qu'elle cherche. Peut-être qu'elle cherche un bol d'os de chien ou quelque chose comme ça. [RIRES] Je ne sais même pas ce que c'est, les friandises pour chiens. Comme vous pouvez le constater, c' est très rude. Passez 1 à 2 minutes sur chaque croquis et ne vous y attachez pas. Peut-être qu'elle se penche sur le sol, en position accroupie, ce qui, à mon avis, serait probablement très difficile à faire sur les lames à rouleaux, mais voyons simplement. Peut-être qu'elle se penche pour attraper quelque chose d'une étagère dont nous voyons le côté. De toute évidence, j'aurais besoin trouver comment créer réellement ces poses. Mais je pense que nous sommes prêts à quelque chose. Nous allons bien commencer ici. Peut-être que le chien arrive l'autre côté de cette étagère. Je tiens également à souligner ici que lorsque vous pensez à des silhouettes, pensez à une ligne d'action. Il s'agit d'animations, nous allons donc réfléchir à la façon dont le personnage se déplace. Quand je dis ligne d'action, pensez à une seule ligne gestuelle qui traversera l'ensemble du personnage. Nous avons peut-être cette ligne ici, et pour celle-ci, nous avons une ligne courbée ici. Si je fais un troisième croquis, je veux peut-être que ce soit cette courbe. Vous pouvez toujours tracer la ligne d'action en premier. Peut-être qu'elle atteint le sol pour attraper une balle pour son chien ou quelque chose comme ça. Nous avons les jambes ici qui la stabilisent. Je ne sais pas si cela laisse de la place au chien. Peut-être que le chien est assis sur son dos. Mais j'aime vraiment utiliser cette ligne d'action car elle montre potentiellement à l'animateur comment le personnage va bouger. Pour celui-ci, peut-être que le personnage se lance comme ça et que nous utilisons cette ligne d' action pour créer ce mouvement. C'est vraiment agréable d'avoir cette ligne visuelle claire pour créer un intérêt dynamique à l'œil. Ce sont des croquis très rugueux. Je dois m'assurer qu'en plus du personnage, je prends également en considération la boutique entoure car si nous regardons le bref client, nous voulons vraiment nous assurer que le personnage est heureux. Nous voulons nous assurer que si c'est dans une publication carrée sur les réseaux sociaux, nous voulons nous assurer que le personnage tient le produit et tout ce qui est pour le cadeau s'arrête. Je prendrai peut-être cela un peu plus en considération. Nous entrerons plus en détail plus tard, mais peut-être qu'elle tient un sac ici, peut-être qu'il y a un tas de choses entassées dans une épicerie puis au sol, ou peut-être dans celle-ci qu'elle a d'autres choses s'entassaient dans ses bras. Peut-être que l'un des bras est en fait baissé. Peut-être que c'est celui-là, peut-être que ce bras est baissé et qu'elle a un tas de jouets là-dedans et le chien essaie de les atteindre. Je pense qu'il y a beaucoup de choses que nous pouvons faire. C'est très rude, mais vous pouvez voir ce que je veux dire quand je dis, ce n'est vraiment pas forcément parfait. C'est juste pour vous. C'est juste pour vous de faire sortir ces idées, puis vous en choisirez l'une, créez une photo de référence et créerez une esquisse plus raffinée à partir de là. Je pense que c'est un excellent point de départ. Assurez-vous simplement d'essayer d' insuffler de la vie à votre personnage dans ces premières étapes avec des traits rapides et des lignes énergiques. Ne vous inquiétez pas trop des accessoires ou des détails inutiles. Essayez de garder les choses simples et de vous en tenir aux bases. Maintenant, c'est à ton tour. Prenez 5 à 10 minutes pour esquisser grossièrement compositions et des formes gestuelles très rapides pour votre personnage. Il devrait s'agir de miniatures de base, ne soyez pas trop détaillées ou ne vous inquiétez pas de leur apparence tout à fait. C'est vraiment juste jeter les bases pour vous, comme je l'ai dit plus tôt. Allez-y et faites-le et je vous rencontrerai dans la prochaine vidéo. 9. Prenez votre propre photo de référence: [MUSIQUE] Ce prochain conseil est mon conseil préféré pour illustrer des personnages humains. Prenez vos propres photos de référence à l'aide de la cabine photo ou de votre téléphone. Je veux dire, qui savait que c'était si simple ? Je prends généralement des photos de référence après avoir esquissé mon idée ou mon personnage lâche afin de savoir de quelle pose je dois prendre une photo. Quand j'ai commencé à dessiner des personnages pour le design de mouvement pour le travail personnel, j'ai vraiment eu du mal. D'abord, je n'étais pas très bon en perspective. Donc, voir mon personnage sous un angle bizarre ou autre chose que face à l'avant était presque impossible à imaginer. Deuxièmement, j'ai eu du mal à dessiner des personnages en général et à faire paraître les proportions correctes. J'ai commencé à prendre des photos de moi-même Tyler ou même de mes collègues ou de mon chien pour bien faire les choses. Prendre mes propres photos aide surtout avec les mains car les mains sont probablement la partie la plus complexe du corps à dessiner et une tonne de personnes se battent avec les mains. Sachez juste que vous n'êtes pas seul là-bas. Je prends toujours mes propres photos de référence à 100 % pour obtenir des poses plus intéressantes. Ce sont des poses que je n'aurais pas pu trouver sans photo. Pas quelque chose que je pouvais simplement rechercher sur Google et trouver instantanément. Je pense que cela vous sera vraiment utile. Comme je l'ai dit, j'adore prendre mes propres photos de référence. Je le fais tout le temps, surtout pour les animaux. Je vais prendre des photos de mon chien, etc. et j'en ai quelques exemples ici. Cela va reculer un peu , mais je voulais illustrer un renard pour cette prise de contrôle que je faisais pour Panimation. Je ne savais pas vraiment comment obtenir une pose unique pour un renard parce que si vous cherchez comme une pose de renard ou quelque chose comme ça, il y a des photos et des trucs vraiment sympas , mais je voulais quelque chose d'un peu différent. J'ai pris une photo de mon chien et vous pouvez voir le processus ici. Juste une photo de mon chien plié [RIRES] en jouant avec son jouet. Mais je pensais que c'était une ligne d'action amusante. Comme nous l'avons parlé dans la dernière vidéo, il y a cette belle courbe dans son corps. Je l'utilise pour dessiner mon renard. Puis j'ai joué un peu avec proportion, ajouté quelques ailes et créé cette version de conte de fées de lui. quelques autres exemples : j'ai Voici quelques autres exemples : j'ai fait cet exercice où je voulais faire des échauffements et je ne me suis donné que 20 minutes pour les terminer. J'ai pris des photos maladroites de moi et je les ai utilisées comme référence. Dans ce cas, je n'aimais pas vraiment trace de quoi que ce soit parce que je voulais jouer davantage avec l'abstraction et tirer parti de ma vision. Mais je me suis amusé à en faire deux versions différentes et elles sont devenues vraiment abstraites et amusantes, ce que j'ai adoré. Mon dernier exemple en est l'illustration que j' ai eue au sujet de l'anxiété. J'avais en tête cette idée que j'ai dessinée vraiment, vraiment basique. Comme vous l'appelez mon croquis gestuel que j'ai illustré dans mon petit carnet de chevet [RIRES]. C'est juste une idée qui m' était venue. Alors j'étais comme, eh bien, je sais que je veux quelqu'un dans cette pose, alors j'ai demandé à mon mari de prendre une photo de moi avec les ciseaux et la brosse [RIRES] qui est devenue un miroir et des ciseaux. Je suis allé de là, et vous pouvez voir que je commençais par les cheveux longs, mais je voulais rendre le personnage différent, alors j'ai joué avec des idées de croquis et de proportions différentes en changeant tout pour se sentir un peu plus ludique, moins réaliste, plus stylisé. Vous pouvez voir que c'est comme ça que mon croquis s'est déroulé. Ensuite, je suis allé à Procreate et ajouté comme l'éclairage et les choses qui n'étaient certainement pas dans ma photo de référence originale , mais l'avoir là comme base était super informatif. Comme vous pouvez le constater, j'adore utiliser des photos de référence. Pour celui-là, je me suis évidemment dit, faisons de ce chien une dame folle qui est sur des lames à rouleaux. J'étais comme, tu sais quoi ? Pourquoi ne pas simplement essayer d'utiliser lames à rouleaux réelles pour faire ces poses pour voir si elles sont exactes. Attention, je ne suis pas un excellent roller roller. [RIRES] Je viens de recevoir ces lames à rouleaux récemment. Mais j'étais comme, tu sais quoi ? Pourquoi ne pas m' embarrasser ? J'ai pris une vidéo de moi-même rollerblading, deux captures d'écran et des poses. [MUSIQUE] Ici, je suis extrêmement mauvais au roller. [RIRES] Je m'entraîne, je vais aller mieux. Mais j'ai joué avec quelques poses donc je vais juste faire captures d'écran qui pourraient potentiellement fonctionner. De toute évidence, je fonde toutes ces poses sur les esquisses gestuelles que j'ai déjà faites. C'était vraiment bien d'avoir fondement de ce que je voulais avec ma ligne d' action, puis j'ai pu essayer d'imiter cela dans mes poses. J'essaie quelques choses différentes ici. Il est évident que ce n'est pas trop génial faire cela sur les lames à rouleaux. Voyons où nous finissons. Il y en a d'autres ici que je promets. [RIRES] C'était moi essayais de faire la pose agenouillée, mais c'était en fait beaucoup plus difficile qu'il n'y paraît parce que je ne suis pas encore assez stable sur mes lames à rouleaux. Très belles poses ici. J'ai eu une deuxième vidéo. Laissez-moi essayer de trouver quelque chose ici. Voici le penché au-dessus d'un. Quelle belle ligne d'action. J'adore ça, la taille se plie à 90 degrés juste là. [RIRES] Je voulais aussi obtenir l'un d' eux par l'arrière, alors je l' atteignais avec mon bras avant. J'ai d'autres photos ici. Mon Dieu, la chose la plus flatteuse que j'ai jamais vue. J'en ai quelques-uns là. Mais je tiens aussi à souligner que vous n'avez pas à être aussi gênant que moi. Vous pouvez simplement aller sur la cabine photo et prendre des photos fixes. Ceux-ci sont aussi semi gênants , mais j'étais comme si je devais l'essayer sans la lame de rouleau, je pourrais aussi bien essayer quelques choses différentes. [RIRES] Posant à l'arrière. De toute évidence, je fais beaucoup de pose. [RIRES] Maintenant, j'ai beaucoup de choses que je peux utiliser, alors je vais tout simplement les faire glisser. Bon sang, je crée un dossier appelé photos de référence et j'ai mis tous mes vieux trucs de conception dans ce dossier de conception. J'aime vraiment rester organisé pendant que je travaille parce que les choses peuvent devenir vraiment désordonnées dans Photoshop. Je suis sûr que vous le savez. J'ai de belles poses de référence là-bas. J'ai aussi les lames à rouleaux qui sont très utiles. Ensuite, je vais aussi prendre quelques photos de ces cabines photo parce que je pense qu'elles pourraient être amusantes à jouer et peut-être un peu plus faciles à lire. Voyons voir. Celui-ci pourrait être amusant ou peut-être celui-là. Rappelez-vous que je veux avoir les cheveux échevelés, je veux avoir mon personnage avec son chien aussi, et aussi penser à l'étagère et à l' endroit où tout est placé, alors prenez toutes ces choses dans considération. J'ai également une vidéo que j'ai filmée avec mon chien en train de jouer. Je vais entrer là-dedans un peu plus tard dans une vidéo bonus mais je voulais m' assurer d'avoir quelques images de lui se déplaçant pour que je puisse l'utiliser. Je ne sais pas si j'ai les bonnes images parce qu'il n'était pas très coopératif. Mais c'est juste quelque chose à garder à l'esprit pendant que je vais de l'avant. [RIRES] Il est essentiellement juste debout et regarde ce petit [inaudible]. Je dois juste mettre ça là-dedans. C'est juste quelque chose de bon à avoir au fur et à mesure que je vais de l'avant. Maintenant que j'ai toutes ces poses, je vais les regarder objectivement par rapport aux poses que j'ai esquissées et voir laquelle pourrait être la meilleure ligne d'action. Si vous êtes vraiment préoccupé par la motion, je parlerais pour illustrer que, quelle est cette ligne d' action et laquelle pourrait avoir le plus de succès ? En regardant cela, je me sens comme le plus amusant juste sans même la ligne d'action, pourrait être l' une de ces personnes assises parce que je pense que la pose est vraiment intéressante et elle va en fait prend vraiment bien le cadre carré. Si je réfléchis à la façon dont il s'agit d'un message sur les réseaux sociaux et à la façon dont je veux réellement prendre la majorité du cadre carré et m' assurer qu'il s'adapte correctement, je vais probablement opter pour l'un des ces poses assises pour que je puisse éteindre celles qui se tiennent debout. Je pense que celui-ci est toujours intéressant, mais c'est gênant. Comme qui tire quelque chose d'une étagère comme ça ? De toute évidence, pas moi. Nous allons simplement utiliser l'un de ces trois. Parce que je veux vraiment inclure le roller là-dedans, je pense qu'il serait préférable d'utiliser l'un de ceux avec la lame à rouleaux. Je vais m'en tenir à celui-ci pour l'instant. Lorsque vous effectuez des esquisses susceptibles de changer, vous pouvez choisir une autre photo, vous pouvez en faire beaucoup abstraction de votre photo afin votre illustration ne finisse pas par ressembler à cela à la fin. Mais maintenant que j'ai choisi celui-ci, je peux passer à l' esquisse dans la vidéo suivante. Maintenant que je me suis complètement embarrassé devant vous, vous pouvez aussi vous embarrasser. [RIRES] Bien que ce soit bien que vous n'ayez pas à partager vos poses avec le monde comme moi , c'est un avantage, je suppose. Ouvrez la cabine photo ou votre téléphone, prenez votre photo et commencez à l' illustrer, décomposant l'image section par section. Tout le monde n'est pas à l'aise de prendre ses propres photos alors vous pouvez demander à un membre de la famille ou à un ami de le faire ou vous pourriez essayer d'utiliser Unsplash pour photos de référence, bien que je ne dirais pas que c'est comme images faciles à ressourcer en ligne. Il est toujours préférable de prendre vos propres photos et beaucoup plus rapidement. [MUSIQUE] Choisissez vos photos préférées et déposez-les dans votre fichier Photoshop pour la prochaine leçon où nous commencerons à créer ces personnages. 10. Ébaucher votre référence: [MUSIQUE] Maintenant, nous allons utiliser nos photos de référence pour vraiment entrer dans l'ennui de poser notre personnage. Nous allons diviser votre photo en formes géométriques de base. Vous pouvez utiliser l'outil de forme ou vous pouvez les dessiner à la main. J'utilise généralement les deux honnêtement. La plupart des fois, je vais retracer la photo de façon plus proportionnelle et ensuite commencer à faire abstraction au fur et à mesure. J'aime utiliser un équilibre homogène de courbes et de droits pour rendre mon personnage plus géométrique. En fait, j'ai tout un cours basé sur la décomposition des photos, vies mortes, en formes géométriques. Il s'appelle Jouer avec des formes dans Procreate. Il peut être utile de suivre ce cours également pour en apprendre un peu plus. Mais je vais vous montrer ici ce que je veux dire. Dans cette vidéo, je vais commencer à faire un croquis grossier de ma référence. Vous pouvez également suivre cela, assurez-vous de remonter la photo de référence que vous allez utiliser et de l'apporter dans Photoshop. Je fais généralement un dossier appelé croquis grossier. Ce que je fais, c'est que je le transforme une faible opacité et que je commence à dessiner. L'un des conseils que j'aime commencer, car commencer une esquisse peut être très intimidant, c'est que j'essaie de décomposer c'est que j'essaie de décomposer la photo en formes géométriques de base. Vous pouvez le faire à l'aide l'outil de forme ou vous pouvez les dessiner vous-même. plupart du temps, je vais tracer la photo de façon plus proportionnelle, puis je commencerai à l'abstraction au fur et à mesure. Je vais changer la couleur ici. Peut-être que je vais juste faire un cercle pour la tête et nous avons deux rectangles [RIRES] pour le bras. Vous voulez simplement les décomposer en formes les plus élémentaires. Cela vous aide à tout simplifier. Je veux également avoir cette ligne d'action là-dedans. [RIRES] C'est comme une version abstraite décomposée de mon personnage. C'est l'une des façons dont vous pouvez le faire et ensuite vous pouvez le transformer en une faible opacité. Retournez-le ou peut-être dupliquez-le, appuyez sur Commande E pour l'aplatir. Alors tu es comme, tu sais quoi, je veux qu'elle se penche plus donc je vais l' avoir comme ça. Vous pouvez simplement jouer avec l'arrangement de tout. Personnellement, j'utilise ce conseil. Parfois, c'est agréable de pouvoir voir, peut-être que le bras pourrait être droit au lieu d' avoir cette courbe du coude dedans. Ou peut-être que les jambes sont très nettement carrées à un angle de 90 degrés. Mais personnellement, [RIRES] J'aime bien faire une combinaison de traçage et d'abstraction. J'adore ces bras droits. Je vais peut-être commencer par tracer mon visage de façon lâche. Je veux simplement dire que le traçage ne devrait jamais avoir lieu si vous n' utilisez pas votre propre photo de référence. Je crois sincèrement que nous ne devrions pas copier le travail de quelqu'un, même s'il s'agit d'une photo ou d'une illustration de quelqu'un d'autre, vous ne voulez certainement pas retracer cela, mais parce qu'il s'agit d'une photo vous avez pris vous-même, il n'y a aucun mal à l'utiliser comme référence de traçage, car c'est techniquement votre travail. C'est vous [RIRES] ou une photo de quelqu'un que vous avez pris, donc il n'y a aucun mal là-dedans. Cela étant dit, je vais juste là-dedans. Je veux avoir une allure plus courbée à ce personnage. Rendez-la un peu plus organique, moins rigide. Je vais ajouter un peu plus de courbe là-dedans au fur et à mesure que je travaille, ajouter un peu plus d'angle. Mais vous pouvez déjà dire que je pense à cette cuisse comme un rectangle. Ensuite, cette partie de la jambe serait un autre rectangle. Ensuite, nous avons la chaussure qui descend en angle. Ensuite, si nous essayons de garder tout plus plat, je pense peut-être aux roues d'un point de vue avant plutôt que dans cette perspective inclinée qu'elles sont ici. Je vais juste les ajouter comme ça. Ils peuvent être vraiment simplifiés. Peut-être que pour cette jambe, je fais aussi deux rectangles. Parfois, il est amusant d'appuyer simplement sur Maj et une ligne droite et de voir où cela vous mène. Cela rend ce pied très large, mais je l'aime bien. Ensuite, je vais ajouter ces trois roues à nouveau, et peut-être pourrais-je faire les bras droits, donc je me sentirais très rigide comme ça. Je pourrais aussi exagérer la courbe de mon bras et le faire descendre un peu plus bas , puis garder celui-ci droit. Il y a un beau mélange d'abstrait et d'organique dans leur. Les mains sont toujours la chose la plus difficile à faire, donc je vais les ignorer pour l'instant. Mais si je désactive ma référence, vous pouvez voir que j'ai déjà quelque chose de bien façonné ici, un peu plus raffiné [RIRES] que les gestes que j'ai eus auparavant. Mais je veux aussi expliquer une autre façon d'aborder les choses. C'est en fait quelque chose que j'ai dans l'une de mes autres classes de Skillshare, s'appelle Playing with Shapes in Procreate : Illustrate a Graphic Still Life. Je sais que c'est fait dans Procreate, mais il utilise beaucoup les mêmes principes de base. Ce que j'adore faire, c'est prendre cette photo de référence, évidemment, ne jamais retracer une copie de la photo de quelqu'un d'autre. Mais en prenant cela, puis en le décomposant en formes simples, pour que vous puissiez voir ici, j'utilise des ellipses, des rectangles et des triangles pour créer ces formes. J'ai même cette leçon appelée la courbe vers le tour droit, que je vous encourage vivement à vérifier. Nous allons en parler un peu ici, mais je ne veux pas nécessairement m'y attarder , car il y a déjà un cours pour cela. Mais quelque chose que j'aime faire, c'est d'avoir un équilibre homogène entre courbes et droites. Comme il est dit ici, les lignes droites semblent plus angulaires et créent une sensation plus dramatique ou de colère, et les lignes courbes organiques plus douces et amicales. Gardez cela à l'esprit lorsque vous créez votre personnage, car nous voulons créer une sensation neutre pour cela ou même un personnage plus heureux. Nous voudrions peut-être être un peu plus courbés car même en regardant cela, ce personnage se sent comme un robot qui me fait penser au froid et à la rude. Je ne veux vraiment pas ça. C'est pourquoi je commence à ajouter certaines de ces courbes ici. Mais comme je l'ai dit, un équilibre uniforme des courbes et des droites que j'ai ici, j'ai cette courbe, j'ai la courbe du genou qui rencontre la courbe droite. Un exemple classique de courbe à droite que j' aime vraiment n'est qu'une jambe humaine de base. [RIRES] Nous avons une droite, puis nous avons la cuisse et le mollet, puis cela fait juste une jambe immédiatement, mais c'est très simplifié. Vous avez la droite d' un côté et la courbe de l'autre. Il crée simplement ce look et cette sensation géométriques abstraites cool sans vraiment se sentir trop géométrique comme ça. [RIRES] Si je voulais le faire ici, je pourrais même faire tout le côté supérieur de la jambe de ce personnage courber tout le côté supérieur de la jambe de ce personnage et ensuite faire en sorte que la partie inférieure soit droite ou je pourrais demander à ces deux droites de rencontrer un puis faites-les courber en dessous. Évidemment, j'ai l'impression que tout ce qui a un virage pointu va paraître un peu trop intense [RIRES] pour ce que je cherche ici. Mais c'est votre règle de base pour les courbes et les droites. Je vais en parler plusieurs fois, je vous recommande vivement de le faire vous-même. Commencez par l'abstraction de base des formes, puis apportez votre croquis de trace. À partir de là, vous pourriez même le pousser plus loin. Peut-être que je vais en faire une seconde où je vais encore plus courbée parce que dans le bref client, dit que nous voulons qu'elle soit heureuse en tant que palourde, donc peut-être la rendre encore plus amicale. Peut-être que nous voyons plus de taille ici et que des courbes plus voluptueuses se produisent ici. Si vous voulez créer une sensation plus géométrique comme avoir un pied plat ou quelque chose qui rencontre un plan plat sera vraiment agréable et aidera à le rendre plus plat. On pourrait même prendre ce genou ici et le faire plat. Cela crée davantage une sensation géométrique. Nous pourrions avoir le pied droit et peut-être une jambe courbée, mais peut-être même le rouleau est droit au sol, ce qui n'a pas vraiment de sens. Mais vous pourriez potentiellement l'avoir comme ça. De toute évidence, il n'est pas nécessaire que ce soit réaliste. Si votre pose que vous avez faite ne fonctionne pas et que vous ne l'aimez pas, hésitez pas à vous en débarrasser ici. Je vais juste continuer. Peut-être que nous définissons un peu plus l'épaule et la rendons-nous plus sinueuse de cette façon. génial avec les photos de référence est qu'elles vous montrent vraiment comment chevaucher vos membres et vos trucs. Parce que parfois, je me dis, attendez, la ligne se passera-t-elle cette façon ou va-t-elle se passer de cette façon ? [RIRES] Donc, en ayant cela comme référence, vous pouvez voir la manche de ma tenue, cela aide vraiment. Je vais garder le bras droit ici aussi et les faire se rencontrer. Nous aurons juste quelques mains de gants pour l'instant. Mais j'aime vraiment comment cela se passe. Si nous revenons à nos esquisses gestuelles, nous avons cette belle ligne d' action qui apparaît ici. Ce n'est pas forcément votre ligne d'action de base, mais c'est peut-être un peu swoopy. [RIRES] J'ai l'impression qu'il a une belle composition. Si nous prenons ce croquis grossier et que nous l'agrandissons, est-ce qu'il rentre dans le cadre ? Eh bien, peut-être potentiellement, c'est là que le chien serait plus tard quand on repassera ça, donc prend plus de place dans le cadre. Peut-être que le chien attrape le butin comme les chiens. Je plaisante. Je ne sais pas pourquoi j'ai dit ça. [RIRES] Mais nous pouvons garder cela dedans. Oui. Évidemment, je suis très bien pour dessiner des chiens grossièrement. Vous le savez. Il a déjà l'air parfait, donc plus de travail n'est nécessaire. [RIRES] Mais si nous réfléchissons aussi à l'aspect que j'ai eu, si nous revenons à notre conception, saisir un bras plein de jouets, pressé, échevelé , il y a tous ces détails supplémentaires. C'est quelque chose que nous allons continuer à ajouter. Mais je veux faire un peu de place pour cela ici. Peut-être que la laisse du chien est dans son bras et qu'elle se retourne au chien, et peut-être qu'elle a et peut-être qu'elle a son sac ou son sac à main ou son sac à provisions d' épicerie, peu importe ce qu'il accroche son bras et peut-être Il y a une balle ici et elle est juste entourée de jouets et d'autres choses. Alors peut-être que si on la rend un peu plus petite, on peut ajouter une étagère derrière elle. C'est peut-être plutôt une étagère aplatie. Eh bien, je ne veux pas simplement en voir le côté parce que je pense que c'est ennuyeux et ce ne serait pas aussi excitant pour le client de voir ses produits. Peut-être qu'il y a cette étagère qui occupe la moitié du cadre et nous y voyons des objets. Peut-être qu'elle cherche les biscuits pour chiens comme je l'ai dit plus tôt. [RIRES] C'est juste une version très rugueuse de l'esquisse, mais je garde tout sur des calques séparés. Si je veux revenir en arrière et ajuster les choses ou abstrait le personnage comme nous le ferons dans la prochaine leçon, j'ai cette capacité là. Je pense que nous sommes en train de bien commencer. Je vous encourage à aller l'avant et à essayer différentes façons d' esquisser votre personnage , puis nous entrerons dans les détails plus raffinés. [MUSIQUE] À l'aide de votre photo de référence préférée, créez 1 à 2 croquis rapides. Nous allons les affiner dans la prochaine vidéo. Honnêtement, j'ai hâte de voir ce que vous avez imaginé. Faites une explosion et je vous y rencontrerai. [MUSIQUE] 11. Théorie : Abstraction et exagération: [MUSIQUE] Dans cette vidéo théorique, je vais plonger dans les façons dont je vais plonger dans les façons dont vous pouvez rendre vos créations de personnages plus uniques en poussant les proportions. Nous utiliserons l'abstraction, l'exagération et la distorsion pour transmettre différentes choses. Par exemple, si nous voulons qu' un personnage soit très fort, vous voudrez peut-être lui donner épaules irréalistes, ou un truc que j'aime toujours utiliser est de faire la tête et les yeux beaucoup plus gros qu'ils ne devraient l'être pour créer un sentiment de jeunesse ou d'innocence. Vous pouvez même devenir fou et faire quelque chose qui ne se présente même pas comme humain. C'est une partie très amusante du processus de création de personnages pour moi, et je pense que vous apprécierez cela aussi. De toute évidence, la modification de toutes ces proportions affectera également la façon dont les personnages sont animés. Si quelque chose a des pieds énormes, leur biodynamique et leur cycle de marche seront très différemment pondérés d'un cycle normal. C'est certainement quelque chose à prendre en compte lorsque vous résumez votre propre croquis dans la prochaine leçon. Si vous travaillez avec un animateur super expérimenté, vous serez peut-être à l'aise de devenir fou avec les proportions. Mais si vous n'êtes pas sûr, il est toujours bon de profiter du doute et ne pas aller trop fort avec l'abstraction. Nous en sommes à ce stade de notre illustration, qui consiste à écrire la phase d'esquisse approximative. C'est là que nous voulons obtenir, un peu plus unique avec nos personnages. Évidemment, j'ai déjà implémenté une certaine abstraction en faisant cette courbe en recourant à tour droit et en faisant quelques formes géométriques et en aplatissant tout. Mais il y a encore beaucoup de choses que nous pouvons faire. Je vais vous en montrer une partie maintenant. J'adore utiliser l'abstraction, l' exagération, proportions poussées pour rendre mes personnages plus uniques, et pas seulement mes personnages, mais aussi mes créations en général. Par exemple, si nous regardions ces lunettes ici, une vraie paire de lunettes, la perspective ne ressemblerait pas à cela et elle ne serait pas si parfaitement droite et à angle plat comme ça. Mais je voulais vraiment les rendre géométriques et simplifiées, alors je viens littéralement de faire quelques lignes droites, une courbe et deux cercles, et cela devient vraiment abstrait. Nous pouvons appliquer ces mêmes principes aux personnages. Par exemple, ici, avec le bras vers le bas, j'ai créé deux lignes droites, les reliant à une courbe et créé plus d' angles de 90 degrés partout. Vous pouvez en fait commencer à voir une partie de cette abstraction, ainsi que la distorsion et l'exagération. Ce que je veux dire par là, c'est que les pieds sont vraiment minuscules comparés aux jambes, ou ici, la tête du personnage est très petite comparée au corps. Il suffit de prendre ces éléments du corps, les rendre plus grands ou plus petits, les déformer un peu, peut-être de les incliner et de trouver différentes façons de les visualiser. personnages. Si nous passons par mon Pinterest, qui est toujours mon endroit préféré, n'hésitez pas à y suivre car j' adore peindre tout le temps. Mais vous pouvez voir que beaucoup de personnages que j' ai enregistrés ici sont exagérés. Les pieds de ce personnage sont 50 fois plus grands que sa tête. C'est exagéré, mais vous savez ce que je veux dire. Cela le rend plus ludique et amusant. Ces personnages ont une perspective aplatie vraiment intéressante, et leurs têtes sont vraiment minuscules, mais leurs mains sont énormes. Pour celle-ci, par exemple, c'est comme une perspective aplatie où la main est au premier plan, mais elle semble géante par rapport au corps parce qu'elle est aplatie. Ce que je dirai, c'est qu' utiliser l'abstraction et l'exagération et pousser cette proportion peut créer un autre type d'ambiance pour votre personnage. Comme je l'ai dit plus tôt, les enfants ont tendance à avoir de très grandes têtes dans les illustrations. Même si nous regardons les illustrations suggérées ici, vous pouvez voir que ces personnages sont enfants et qu'ils ressemblent à des enfants parce que leur tête est massive par rapport à leur corps. Même ici, par exemple, c'est un projet que j'ai réalisé, Odd Fellows, et nous voyons ce personnage féminin plus sophistiqué et réaliste. Elle est définitivement un peu abstraite, mais elle a des proportions humaines plus réalistes, tout comme sa famille. Au cours de la phase de développement, vous pouvez voir différentes itérations de cela. Ce personnage, ici au milieu gauche, est beaucoup plus réaliste. Sa tête est plus proportionnelle à son corps, même chose que celle de l'autre en bas à gauche. Mais celui-ci ici que j'ai dessiné, et ceux au milieu où nous l'avons fait, ont des têtes légèrement plus petites et des bras et des jambes allongés. Même s'il ne s'agit pas d'une proportion humaine réaliste à 100 % , vous pouvez toujours les identifier comme humains. Ils ont beaucoup plus de personnalité devant les tribunaux pour eux. Maintenant, je ne dis pas que vous ne devriez pas utiliser proportions humaines réalistes parce que c'est un regard. C'est une ambiance. [RIRES] Certaines personnes veulent aller avec des trucs plus réalistes et parfois votre client le demande. Mais cette classe consiste à simplifier l' animation et à créer un personnage stylisé. Si on regarde cette animation 3D du livre, c'est super mignon, mais on peut dire qu'ils essaient d' être plus ludiques parce que les personnages ont des têtes énormes et des yeux énormes. Ils se sentent presque comme des jouets. Changer les proportions et tout peut vraiment donner à votre illustration une ambiance totalement différente. De plus, la modification des proportions affectera la façon dont vos personnages sont animés. Par exemple, comme ce personnage de dinosaure a de petites jambes et de petites armes , et la façon dont il est animé réagit à sa forme. Je suppose que c'est probablement la meilleure façon de le dire. Il s'agit de prendre en compte le poids du personnage. Ce n'est peut-être pas exact à 100  %, mais j'aime penser que les jambes sont longues et que le cou est un peu trop long, donc il semble vraiment déséquilibré, et donc cette goutte ne fait que culbuter. Alors ce personnage se sent beaucoup plus fidèle à la vie. Nous avons plus de ce mouvement réaliste qui se produit, vent très stylisé et tout. Mais vous pouvez vraiment voir qu'il y a beaucoup de poids dans le personnage. J'ai aussi aimé celui-ci comme exemple, car la tête du chien est énorme, donc il se sent un peu déséquilibré lorsqu'il court. Celui-là est juste stupide. Cela n'a pas de sens. J'adore Charles Huettner et je ne sais même pas si c'est comme ça que tu le dis. Si ce n'est pas le cas, désolé, Charles. Mais j'ai juste adoré [RIRES] comment la tête semble plus lourde avec les fesses renversées. Les proportions affectent vraiment tout et vous devez garder cela à l'esprit lorsque vous dessinez car votre personnage sera animé. Maintenant que nous avons examiné quelques exemples d'abstraction, réfléchissant un peu toutes les différentes proportions des personnages, façon dont nous pouvons les modifier et ensuite prendre en compte en considérant l'aspect animation de celui-ci, j'aimerais plonger dans notre propre conception dans la prochaine leçon et appliquer certaines de ces caractéristiques à cela. [MUSIQUE] 12. Abstrait votre croquis: Mettons en action ces indicateurs de proportion que nous venons d'apprendre. J'ai une pose et un croquis de mon personnage que j'aime vraiment. Elle est toujours basique, donc je n'ai pas encore eu à m'attacher à quoi que ce soit. Cette partie est vraiment amusante pour moi. Nous avons déjà parlé de ce à quoi ressemblent les vraies proportions humaines. Je veux faire passer ces techniques au niveau supérieur en analysant les proportions, l' échelle et la distorsion à l'aide de l'outil de transformation. Parce que nous utilisons l' illustration ici, nous avons la licence nécessaire pour étendre les limites de la réalité. Vous pouvez utiliser le contraste d'échelle et de forme pour ajouter de la stylisation à votre travail. Dans de nombreux cas, selon la façon dont vous utilisez ces techniques, des proportions exagérées peuvent rendre vos personnages plus relatables ou uniques. Cela dit, examinons quelques façons dont nous pourrions techniquement exagérer notre personnage. Je vais désactiver ces couches supplémentaires et utiliser ce calque principal. Je vais juste le dupliquer et désactiver mon calque d'esquisse pour l'instant. Ce que j'aimerais faire la plupart du temps, c'est simplement créer une version plus petite de mon personnage et créer des itérations. De toute évidence, ce ne sont que des formes en ce moment. Mais je vais entrer et me dire, et si elle avait une très grosse tête ? Cela me semble plus puéril et pas nécessairement la seule façon d'être décalée. Vous pourriez aussi lui donner une petite tête. Cela peut sembler plus ludique d' une certaine manière parce que c'est déséquilibré. Les pieds sont peut-être massifs. illustration que je regardais plus tôt avait de très grands pieds et j'ai aimé le fait qu'elle se sentait plus amusante et ludique. Je vais faire cette aversion et je vais faire une itération à partir de là. Une autre chose que nous pouvons faire est peut-être que vous pouvez sélectionner votre personnage, puis cliquer dessus avec le bouton droit de la souris, et vous disposez de tous ces outils tels que distorsion, perspective, mise à l'échelle, rotation. J'aime utiliser l'outil de distorsion parfois, et je vais juste faire glisser les coins autour et être comme, peut-être que je veux que sa ligne d' action soit plus forte, alors je la pousse plus vers la gauche parce qu'elle est penché vers la gauche. Cela le rend un peu plus intéressant et attire l'œil de l'autre côté du cadre parce qu'elle pointe vers elle. J'aime ce que ça ressent. Peut-être que ses jambes sont encore plus allongées, alors je vais juste sélectionner une des jambes à la fois et les faire glisser et remplir les blancs. Peut-être que celle-ci est plus longue de cette façon. Vous allez devoir faire des ajustements au fur et à mesure. Mais ça commence à devenir quelque chose d'un peu plus unique et intéressant. Déjà si vous regardez au-dessus l'esquisse sur laquelle je travaille actuellement et que vous voyez l'original, on impression qu'il y a plus de mouvement. C'est déjà plus animé. Plus nous pouvons animer nos personnages avant même qu'ils ne soient mis en mouvement, plus ils auront un élan visuel. Personnellement, j'aime bien celle-ci, mais voyons d'autres façons de déformer les choses. Si on reprenait cette originale, si on veut qu'elle paraisse vraiment forte, on pourrait exagérer et déformer les épaules. Comme je l'ai dit, avoir ces épaules massives va la rendre plus buff, plus macho. Elle a peut-être un petit chapeau. Ses déchets sont plus petits, donc ils ressemblent davantage à la proportion masculine. Peut-être que nous avons ici un personnage masculin ou un caractère non binaire ou sans sexe. Vous pouvez également rendre les jambes super minuscules et vous y pencher un peu plus. Je pense que cela semble vraiment idiot, mais si nous pouvions faire quelques ajustements, cela pourrait fonctionner. Peut-être que les jambes s' éteignent de cette façon. Je veux dire que c'est juste ridicule. Je veux probablement aller avec ça et la fin, mais j'ai mon propre style et vous avez probablement votre propre style et ce n'est pas le même. Je vous encourage à jouer avec les proportions de votre personnage. Je pense qu'il est vraiment important d'abstrait et de voir différentes itérations au fur et à mesure pour vous assurer que vous êtes aise avec la conception des personnages dans laquelle vous finissez par colorier. Une fois que j'ai terminé l'abstraction, je veux prendre ce petit peu de temps pour affiner un peu plus notre esquisse. Nous allons bientôt entrer dans les visages et ajouter de la couleur dans les détails, etc. Mais avant d'y arriver, nous devons évidemment avoir un croquis plus raffiné. Je vais choisir le croquis que j'ai le plus aimé, qui était celui-ci, et je vais prendre du temps pour le donner vie. Je vais juste créer ce dossier appelé esquisse raffinée. Commencez par ça. C' est mon croquis grossier. Je peux nommer cette couche. Ces calques ne seront pas encore utilisés pour l'animateur. Ne vous inquiétez pas trop de l' organisation de vos couches. Mais il est toujours bon de voir semi-organisé parce que vous avez quelque chose à regarder facilement et vous pouvez fermer les dossiers et regarder en arrière vos progrès. Je vous encourage vraiment à rester au moins semi-organisé ici. Cela ne signifie pas nécessairement nommer chaque couche, mais rester plus organisé en général m'a toujours aidé. Maintenant que je regarde ça, je me rends compte que notre personnage pourrait être un peu trop long pour le cadre parce qu'on voit que c'est carré, mais on veut quand même avoir ces autres trucs autour d'elle. Disons qu'il y a exactement comme cette étagère rectangulaire. Alors, potentiellement, nous voulons avoir le chien ici. Nous avons tout cet espace supplémentaire en haut et en bas, et j'essaie de l' adapter plus proportionnellement parce que le client a spécifiquement dit qu'il voulait que ce soit un message carré sur les réseaux sociaux. Il ne sera vraiment utilisé dans aucun autre contexte. Je pense qu'il est normal de se pencher sur cette forme carrée. Je vais juste jouer à nouveau avec cette abstraction et essayer de l' amener un peu plus. Peut-être qu'elle n'est pas aussi allongée que je l'avais auparavant. Peut-être que sa tête est un peu plus grande pour qu'elle prenne plus de place sur le dessus. Peut-être que ça la rend un peu plus amicale. Peut-être que ses avant-bras ne sont pas aussi longs et peut-être qu'elle n'est pas aussi penchée qu'avant. C'est une très légère différence, mais je pense que ça va aider. De plus, nous pourrions rendre la partie inférieure de la jambe un peu plus courte et même rendre son pied plus grand et plus grand. Mais il est parfois amusant d'ajouter un peu plus de personnalité à votre personnage. La voilà. Elle prend la plus grande partie du cadre. Je veux avoir cette étagère, mais je vais peut-être lui donner un peu plus d'espace de respiration. C'est comme encadrer notre personnage, qui est vraiment agréable en composition. Ensuite, lorsque nous arriverons à la partie chien plus tard, je veux juste avoir un peu de forme de blob ici pour me donner une idée de l'endroit où ce chien va être. Dog, c'est peut-être le nez, et il a quelques petites pattes. Ça a vraiment l'air mal de pied. C'est quelque chose sur lequel nous pouvons travailler. Comme elle est penchée à gauche, elle se sent très lourde à gauche. Je vais juste la renverser un peu. Si elle n'est pas techniquement centrée, elle peut encore être centrée visuellement. C'est ce sur quoi je veux vraiment me concentrer. Je vais peut-être donner quelques étagères. Assurez-vous de supprimer les pièces que vous ne voulez pas vraiment se chevaucher. Je vais faire un petit time-lapse ici affinant ce personnage. Ce que je veux dire par affinage, c'est de créer des lignes épurées et des formes épurées que je peux retracer dans ma phase de blocage des couleurs, de sorte que j'ai une silhouette plus géométrique et plus nette sur laquelle travailler. n'y a pas grand-chose à ça. Il s'agit simplement d'ajouter des détails, s' assurer que nous obtenons ces lignes très droites. Ce n'est plus aussi esquissé. S'assurer que nous ajoutons les choses qui se trouvent sur les étagères, en ajoutant ces cheveux échevelés au personnage et à tout. Je pense qu'il sera vraiment utile de regarder comment je fais ça. Ensuite, lorsque nous entrons dans la phase de blocage des couleurs, nous pourrons parler davantage de ces détails et de la façon dont ils ajoutent au concept. que je fais généralement, c'est que je prendrai tout le dossier et j'appuie sur la commande E et cela mettra tout sur un calque car il est plus facile garder mes esquisses sur un seul calque. En général, nous ne voulons pas aplatir les choses en animation, mais nous n'y sommes pas encore. Je vais baisser l'opacité. Je vais créer un autre dossier. Je vais juste commencer à plonger là-dessus. Un conseil à garder à l'esprit si vous utilisez Photoshop et surtout Procreate, cela fonctionne également sur Procreate, c'est de garder cet outil de lissage à l'esprit. Si vous voulez obtenir ces lignes plus épurées et rendre vos lignes moins banales, je mets généralement mon lissage à 15-20 %. Avec le lissage, il rend tout simplement vraiment beau. Ensuite, si je désactive le lissage, c'est plus déchiqueté. Je recommande vivement d'utiliser le lissage. C'est vraiment bon pour esquisser et rendre des choses un peu plus raffinées. C'est ici que j'ai fini avec mon croquis raffiné. J'y ai fait beaucoup de choses. J'ai veillé à ce que les courbes et les lignes droites soient plus nettes sur notre personnage. Je suis retourné et j'ai regardé notre conception, cela semble fou en ce moment, mais je regarde juste cette liste ici. On voulait vraiment qu' elle soit échevelée, rollerblade, pressée. En fait, j'ai oublié d' ajouter dans son sac et des trucs, alors laissez-moi faire ça maintenant. Je voulais vraiment qu' elle se sente plus comme si elle était échevelée. Peut-être qu'elle a d'autres jouets dans son bras ici. Il y a peut-être une petite balle au sol un petit bloc ou quelque chose comme ça. Une autre façon dont je voulais vraiment lui apporter une vie personnalisée était potentiellement en ajoutant des motifs à ses vêtements. Considérez votre esquisse brute comme votre croquis de figure de base. Imaginez que vous n'y ayez pas encore attaché de vêtements, il s'agit plutôt d' un modèle en plastique. Ensuite, dans cette section, lorsque nous sommes en train de peaufiner, j'y vais ajouter un peu plus d' intérêt et de détails. C'est pourquoi j'ai ajouté la jambe du pantalon. Il serait un peu plus rigide si tout était exactement à la ligne du corps, tout serait serré pour la peau et ce n'est pas vraiment réaliste. Tout le monde ne s'habille pas ainsi. Je voulais juste lui ajouter un peu plus de flair et de personnalité. Peut-être que même quand je vais en couleur plus tard, elle peut avoir un petit tatouage sur le bras ou des boucles d'oreilles cool. Il y a une infinité de possibilités de ce que nous pouvons ajouter à nos personnages. Plus vous ajouterez, plus cette personne sera unique. C'est là que je me dirige avec ça. J'ai laissé cet endroit à sa droite pour mettre le chien dedans. J'ai vraiment envie un peu plus tard parce que je veux vous parler un peu de personnages non humains animaux et de choses comme ça. Ensuite, cela nous donnera également un petit rappel de la façon dont nous avons fait ce premier personnage. Je me sens plutôt bien avec ce croquis raffiné. Je me suis assuré d'utiliser mon tour recourbé et droit, mon abstraction. Je suis resté fidèle à ma silhouette. Nous voyons donc beaucoup d'espace négatif entre toutes les pièces de notre personnage. Elle est très claire et facile à lire. Cela me donne l'impression que je suis presque prêt à passer à la prochaine leçon, dans laquelle nous parlerons un peu visages et des expressions faciales. 13. Visages et émotions: [MUSIQUE] Souvent, vous n'avez peut-être pas besoin d' expressions faciales très détaillées pour vos personnages. Parfois, ils n'ont peut-être même pas besoin visages du tout, mais d'un autre côté, vous voudrez peut-être que l'émotion soit le facteur moteur de votre personnage. Je ne sais pas exactement où j'ai entendu cela, mais je sais que les humains sont scientifiquement enclins à repérer les visages et les émotions chez les gens. animaux domestiques, les animaux et même la nature, c'est probablement pourquoi je vois toujours un visage fantôme effrayant lorsque je regarde de trop près mes planchers en bois. Mais l'émotion a une tonne de relatabilité et d'intérêt pour un personnage et peut intriguer les spectateurs à regarder plus attentivement votre travail, peut-être même à lui donner un deuxième coup d'œil. Comme je l'ai dit, j'adore parler un peu plus d' émotions, d' expressions faciales de caractère et de tout. Si nous regardons évidemment le mémoire, ils veulent que cette personne soit heureuse. Tout le monde sait dessiner un visage souriant. Je pense qu'on pourrait littéralement juste avoir un sourire sur ce personnage et elle se sentirait complète. Parfois, nous n'avons pas besoin de montrer ces visages pour surmonter l'émotion que nous ressentons. Si on voulait exagérer ça plus, elle pourrait avoir son petit œil renversé ou elle pourrait juste avoir un petit œil circulaire, elle pourrait même avoir un sourire latéral sournois et tout comme ça. Mais pour réduire ces expressions faciales de base, il est toujours bon d'examiner références de la vie réelle afin de savoir exactement ce que nous faisons. J'ai pensé que ce serait bien de regarder certaines de ces expressions faciales. Je viens de les retirer de Google. Je ne sais malheureusement pas d' où ils viennent exactement, mais je pense que regarder un vrai visage va beaucoup aider. Une chose qui est très utile à remarquer lorsque nous regardons ces personnages et les gens dans la vie réelle, c'est que les sourcils ajoutent beaucoup d'expression. La largeur des yeux et l'anxiété, la colère et la peur sont presque exactement les mêmes, mais les sourcils font des choses totalement différentes. Vous pouvez vraiment voir que les personnages illustrés sont plus nombreux , comme lorsqu'ils sont exagérés, car pour l'animation en particulier, l'animateur va exagérer ces faciaux des expressions pour les rendre plus visibles dans l'animation. Ils utilisent ces techniques appelées étirement et courge, qui aident à exagérer ces émotions en fonction de l'émotion que vous essayez de dépeindre. C'est pourquoi certains d'entre eux semblent beaucoup plus exagérés que votre visage humain typique. Je pense que c'est un très joli exemple de la façon dont les yeux deviennent plus petits par expression. C'est vraiment bon de garder cela à l'esprit. Mais quand on y arrive et que tu veux vraiment simplifier les choses, tout ce dont tu as vraiment besoin, c'est honnêtement, tu n'as même pas besoin d'un nez. Tout ce dont vous avez vraiment besoin, c'est des yeux , une bouche et des sourcils. Parfois, on peut même juste avoir des yeux et une bouche, comme je vous l'ai montré il y a un peu. Mais les sourcils sont d'une grande aide pour dépeindre cette émotion. C'est en fait issu d'un projet que j'ai dirigé vers Odd Fellows pour Google et c'était vraiment amusant de concevoir ces personnages à partir de zéro. Nous avons travaillé avec des designers incroyables, Odds a vraiment été celui qui a conçu le système. Mais comme vous pouvez le constater, nous avons passé par de nombreuses itérations simplifiées et plus réalistes des personnages. Ensuite, nous avons pu concevoir cycles de marche et des revirements, et tout cela. Il s'agit juste d'une belle feuille d'expression de caractères simplifiée. Ensuite, si vous allez sur la page de mon site Web, nous avons des exemples capillaires de différents types de personnes, races, de nationalités, tout cela. En plus de cela, nous avons également cette feuille d'expression, qui est ce que j'ai à l'écran derrière moi ici. Mais comme vous pouvez le constater, poser les sourcils va paraître plus en colère ou irrité. Si vous soulevez les sourcils, cela aura l'air plus joyeux ou surpris. Si vous avez les sourcils renversés, cela vous sentira plus triste ou anxieux. Je peux vous montrer instantanément à quoi cela ressemblerait à ce personnage ici. Si on voulait qu'elle se sente juste heureuse, ça va être difficile de bien faire ça sous cet angle, mais elle a les yeux levés là-bas, peut-être qu'elle a même un grand sourire sur le visage. Mais instantanément, si je fais ça, elle va avoir l'air en colère parce que ses sourcils sont baissés. Ou si on fait ça, elle est comme, je suis un peu inquiète, peut-être qu'elle a un peu de sueur, larme qui se passe là. Comme je l'ai dit, vous pourriez simplement utiliser une bouche si vous le vouliez. Je ne dirais pas que c'est un flic, car je pense vraiment qu'il y a certaine beauté à sa simplicité. Mais j'aime toujours en ajouter un peu plus. Pour elle, je peux avoir ses deux yeux donc on le voit sur le bord et peut-être qu'elle a ce petit regard surprise sur son visage. [RIRES] Elle pourrait se tourner un peu vers la caméra. Vous pouvez également prendre cette expression et déplacer sur le visage et voir à quel point elle se sent différente. Même si vous coupez ça et que vous voulez peut-être ajouter un nez et que le personnage commence à se sentir un peu différent avec le nez, alors vous voulez jouer avec l'expression faciale. Il y a tellement de possibilités et il suffit d'un simple balayage d'une ligne pour la rendre différente, car en tant qu'humains, nous essayons de trouver des émotions et expressions faciales dans tout. Même en ajoutant juste une petite ligne au hasard, comme même si vous mettez sa bouche ici et que vous posez ses sourcils vers le bas, elle aurait l'air frustrée. Ou si vous mettez ses sourcils vers le haut, elle est comme plus légèrement et curieuse ou presque inquiète. Peut-être qu'elle a une expression baissée et qu'elle est inquiète ou qu'elle est absolument surprise. Mon Dieu, regarde cette nourriture pour chiens, c'est fou. J'adore tellement ça. [RIRES] Il y a beaucoup de façons d'aller avec votre expression faciale, mais je vous encourage à jouer et simplement vous amuser avec elle. Je pense que personnellement, je vais juste opter pour un simple sourire doux. Peut-être qu'elle a un petit sourcil là-dedans et j'aime vraiment avoir le nez dessus parce que je pense que ça donne plus de définition à son visage. Vous pouvez même jouer avec ce à quoi ressemble le nez ou à quel point il change le visage. Peut-être que c'est juste un petit nez boutonné ou peut-être que c'est un gros nez qui a plus de personnalité ou peut-être que nous avons un petit nez arrondi. Vous pouvez également revenir dans l'esquisse et supprimer la ligne supplémentaire pour qu'elle soit plus finie. Mais j'aime bien ce petit nez pointu que j'ai eu plus tôt. Je ne veux pas qu'elle ait l'air trop inquiète, alors rendons ses sourcils plus heureux. Vous pourriez y ajouter un vrai œil si vous le vouliez. Il lui donne juste un aspect et une sensation totalement différents. Mais je suggère fortement peut-être d'essayer différentes choses que vous voyez sur Pinterest ou d'aller sur un tableau de personnages et simplement voir quels types de visages différents existent. Nous avons des yeux plus réalistes, nous avons d'autres yeux à pois, nous avons ces grands yeux ronds et googly. Je ne dirais pas nécessairement prendre exactement ce que quelqu'un d'autre a et faire cela pour le visage complet, mais prenez des morceaux de cela et appliquez-le à la façon dont vous dessinez vos personnages. Je veux peut-être que les yeux soient plus à moitié réalistes, comme ceux-ci. Peut-être qu'on a cette ligne supérieure et l'air un peu sournois et qu'elle regarde en arrière son chien. J'aime bien ce qui s'est passé. Je vais vraiment quitter celui-là. Une fois que nous aurons ajouté le chien là-dedans, il aura un peu plus d' interaction, je pense. Quoi qu'il en soit, c' est quelque chose avec lequel vous pouvez facilement jouer car il est si petit et interchangeable et qu'il change toute la direction de votre illustration. Assurez-vous de prendre le temps d'y entrer et de jouer avec ces expressions faciales. [MUSIQUE] 14. Conseils d'un animateur, Partie 2: [MUSIQUE] Après avoir finalisé notre esquisse, nous allons poser les calques avec lesquels l'animateur utilisera réellement pour animer. Je pense qu'il est important que nous revisitions le processus d'animation avec notre animateur invité, Tyler. Je lui ferai décomposer une de ses animations pour vous donner une meilleure idée de ce à quoi vous aurez besoin de faire attention tout en ajoutant de la couleur, de la texture et des détails. Vous devrez également prêter une attention particulière à façon dont vous organisez vos couches et ne pas aplatir les choses [RIRES], bien sûr , pour qu'il y revienne un peu aussi. C'est moi, Tyler. Maintenant que vous avez esquissé à quoi ressembleront votre personnage et votre fichier, il est important de garder à l'esprit comment vous allez structurer les remplissages et les formes lorsque vous l'affinez dans la finale design. Il y a des choses importantes que vous devez garder à l'esprit lorsque vous le faites. [MUSIQUE] C'est une animation que Sara et moi avons fait. C'est le dossier qu'elle m'a donné. C'est surtout génial et je vais passer en revue certaines des raisons pour lesquelles cela a bien fonctionné pour moi et il y quelques choses qui manquaient qu'à la fin, en tant qu'animateur, je devais juste prendre ces décisions parce qu'elle n'a pas eu le temps de créer des actifs supplémentaires pour moi. Personnellement, j'utilise Photoshop pour animer de toute façon, donc l'utilisation de PSD directement des concepteurs tendance à être une remise assez facile. Ce n'est certainement pas la façon traditionnelle et populaire de faire de l'animation cellule ou image par image, mais c'est exactement comme ça que je l'ai appris et c' est ce que je fais toujours. d'abord, je vais immédiatement aller directement dans le panneau Calques et voir ce qui se passe ici. En règle générale, je suppose que plupart des calques désactivés ne seront probablement pas importants, donc je vais commencer à effacer le fichier par souci de simplicité pour moi, je n'ai pas besoin de l'esquisse, J'ai besoin de remplissages. C'est le design final. Curieux de savoir ce qu'il y a sous les remplissages, c'est un autre croquis. Je n'ai pas besoin de ça. C'est un autre élément d'esquisse et puisque l'arrière-plan est intégré dans ce dossier de remplissage, je n'ai pas non plus besoin de ce calque. Allez-y et dissociez tout cela personnellement pour que je puisse le voir plus facilement. La neige tombe, c'est assez clair. Avec la neige, ce sera probablement comme bâtir , puis descendre et disparaître à nouveau. Avec ce genre de mouvement, soyez fastidieux de le faire et donc pour chacun d'eux quand je pourrais faire beaucoup plus facilement dans After Effects. Je vais juste éteindre ça pour l' instant et y réfléchir plus tard. Je passe par là. Ils sont tous assez clairs. Pour ce truc, je vais probablement juste aplatir ça. Encore une fois, je suis l'animateur dans cette situation et il est très utile pour moi d'avoir ces deux couches éventuellement. Peut-être y aurait-il une situation où j'ai besoin que ces tas de neige soient séparés, mais dans mon esprit, je n'ai pas besoin qu'ils soient, alors j'irai juste aplatir ça pour moi-même. J'ouvre ces petits champignons. Je dois encore passer par là, allumer et éteindre. Vous pouvez savoir ce que c'est en regardant la vignette ici. Mais je suis toujours en train de vérifier ce que c'est. Alors que s'il s'agissait motif rouge champignon ou même s'il ne s'agissait pas seulement de chiffres. C'était avant, centre, champignon, haut, arrière, champignon. Bon, un petit champignon. De cette façon, ce n'est pas beaucoup plus descriptif et peut-être un peu excessif. Mais si vous avez le temps, cela permet d'économiser de la puissance cérébrale [RIRES]. Quand je reçois un fichier complexe comme celui-ci, où cette souris va faire quelque chose qui où cette souris va faire saute et qui va derrière et à cette fin, elle va faire quelque chose comme celle-ci et celle-ci et cette souris va se retourner et nous sourire. Il y a juste beaucoup de choses à penser et à supprimer cette étape consistant à passer par et à organiser les choses. Cela va rendre l'animateur beaucoup plus comme vous et il est allé travailler à nouveau avec vous et recommander ainsi que toutes ces choses heureuses. Voici un bon exemple de conception derrière des couches. Ces deux souris vont bouger. Supposons que votre croquis ait été construit sur le manche de la souris et qu'il est sur le fromage. Vous allez le remplir, puis vous n'avez qu'à remplir cette forme brune pour la souris. Vous revenez en arrière et vous ne dessinez cette forme verte que derrière la souris comme ceci. truc moche et maladroit là-bas. Quand la souris bouge , je n'aurais pas cette information derrière tout cela qui se trouvait derrière la souris. Si vous ne l'avez pas rempli, alors je devrais juste deviner et redessiner et éventuellement créer la mauvaise chose donc peut-être que l'animation reviendra plus tard et la souris a sauté et il y a un motif de feuille maladroit qui ne correspond pas et l'animateur était confus. Ce n'est pas tout à fait correct. Dans de nombreux cas, la demande générale de l'animation est qu'un personnage s'éloigne, puis l'animateur aura besoin informations pour ce qui cache derrière les pièces et se déplace. Cette animation, j'ai eu l'idée que cette souris en bas à gauche rebondissait haut en bas et nous voyons cette fourmi ici. Il est probablement en train de ramper de cette façon. Mais cette souris adore son fromage. Il va gifler la fourmi dès qu'elle arrivera ici. Il tirait ici et frappait cette petite neige parce que c'est maladroit. Il y a beaucoup de choses là-dedans parce que ce sera amusant de voir le visage de la souris. Heureusement, j'ai une autre souris à l'angle que le visage serait. J'ai vu si Sara avait une préférence sur ce à quoi devrait ressembler cette souris en bas à gauche quand il se retourne et gifle et fait toutes ses choses idiotes. Mais elle n'a pas eu le temps de dessiner ces poses. Je viens de faire référence au visage de celui-ci ici. J'ai généralement saisi ce à quoi ressemble ce gars de ce profil, puis je l'ai retourné et ça a marché. Puis quand j'ai animé entre les deux et que je le poste pour regarder vers le bas la fourmi et puis il a ce petit bras par ici et il gifle la fourmi. Mais la plupart du temps, l' animateur n'aura pas inutilement les informations telles une autre souris qui est posée comme vous le souhaitez, vous devrez peut-être fournir cette information, en particulier dire il n'y avait qu' une seule souris là-dedans. Ensuite, l'animateur est comme, la souris doit regarder la caméra. Ensuite, il y a beaucoup d'informations pour l'animateur puisse se trouver lui-même. Comme à quoi ressemble l' œil ? L'animateur pourrait leur donner un peu d'yeux maladroits qui ne sont pas aussi mignons et qui ressemble une petite souris à œil effrayante maintenant. Parfois, vous n'en voulez pas. Peut-être que tu le veux. Mais encore une fois, c'est une conjecture pour l'animateur. Je voulais juste vous montrer à quoi ressemblait mon fichier et à quoi ressemblait l' animation finale. Ce n'est pas vraiment en temps réel en ce moment. Voici la dernière animation. Tout cela a été fait dans Photoshop pendant un temps décent. Il y a beaucoup de textures, d'animations, et l'animation des personnages n'était pas la plus simple. Mais je peux voir à quoi ressemblent ces couches. Mais il peut s'agir de beaucoup d'informations à prendre en compte avec la chronologie de Photoshop, que vous ne regarderez probablement pas beaucoup dans ce cours. Cette chronologie ici est une autre façon d'examiner les calques qui sont également disposés ici. Je vais d'abord faire des lignes avant d' y aller et de faire des remplissages. Mais si nous regardons la texture de cette souris, vous pouvez voir comment j'ai redessiné la texture tous les trois cadres et la décision que j'ai prise avec Sara était de ne pas avoir la texture sur la queue de cette souris parce qu'elle n'était pas sur celle-ci et cela m'a rendu la vie un peu plus facile d'avoir une chose de moins à dessiner et à couper le dessin un peu cohérent et c'est tout. Peut-être qu'un jour, ce ne sera pas un cours d'animation Photoshop. Mais ce n'est pas aujourd'hui. [MUSIQUE] 15. Blocs de couleurs: C'est là que nous, concepteurs, devons vraiment commencer à prendre conscience du processus d'animation comme nous l'avons appris de Tyler. En remplissant les couleurs, c'est ainsi que je commence à bloquer mes créations pour l'animation après avoir terminé la phase d'esquisse. Nous allons creuser là-dedans. Avant de revenir dans le blocage des couleurs et notre fichier Photoshop réel. Je vais juste parcourir quelques règles à garder à l'esprit lorsque vous créez ces fichiers pour l'animation. J'aime toujours garder ces trois règles cardinales à l'esprit pour mettre votre design dans n'importe quel état prêt à l'animation et j'aimerais que vous les gardiez à l'esprit lorsque vous travaillez à ajouter de la couleur et de la texture. à votre design. Le numéro 1 est clairement étiqueté. Si vous possédez Photoshop, si vous avez Procreate, si vous avez Illustrator, assurez-vous d'étiqueter chaque couche ou chaque objet, quel que soit votre travail. Peu importe où, assurez-vous simplement de l'étiqueter. Le numéro 2 n'est jamais aplati. Quand je dis aplatir, si vous n'avez pas utilisé Photoshop ou Procreate beaucoup auparavant, cela signifie simplement prendre ces calques individuels et les écraser en un seul calque afin que vous ne puissiez pas modifiez plus longtemps chacune de ces couches individuelles. Je vais passer par là pendant que je suis en train de concevoir. Mais la troisième consiste à supprimer les calques cachés, vides ou inutiles. C'est quelque chose que vous pouvez faire à la fin. Mais j'aime toujours simplement supprimer mes calques vides au fur et à mesure parce que c'est vraiment ennuyeux de devoir passer à la fin et simplement supprimer un tas de choses. Quoi qu'il en soit, vous avez le temps de le faire avant de le transmettre à l'animateur. D'autres choses à garder à l'esprit lorsque vous ajoutez de la couleur ici, After Effects ne fonctionne qu' avec une résolution de 72 ppp. Mais comme je l' ai déjà dit, si vous souhaitez utiliser 300 DPI pour imprimer une illustration, vous pouvez également convertir la résolution une fois la conception terminée. Assurez-vous de travailler en couleur RVB 8 bits 16 bits si vous souhaitez utiliser des dégradés. N'aplatissez pas vos calques et ne rognez aucun de vos éléments hors du cadre. Supposons que nous ayons un personnage derrière un bureau ou quelque chose comme ça, et que vous ne dessinez pas la partie du personnage qui se trouve derrière le bureau, lorsque l'animateur éteint le bureau ou si le mouvement caractéristique n'importe où, il va manquer une pièce du personnage. Nous voulons nous assurer que tout est là pour utiliser une animation. Il est maintenant temps de concevoir. Revenons au processus de conception et intégrerons ces idées au fur et à mesure. J'irai également plus loin dans la décomposition de votre fichier pour l' animation une fois que nous aurons fini avec les couleurs en détail. Je voulais juste vous montrer ce que je voulais dire par là, dire qu'il y a un bureau devant notre personnage ici. Peu importe la couleur que c'est. Mais en tant qu'illustrateur, ce bureau faisait partie de l'illustration et je me disais ce bureau faisait partie de , oh, je n'ai pas besoin, peut-être que vous éteignez le bureau et il n' y a aucune information pour l'animateur pour vous. Et si le personnage doit se lever ou qu'il est comme glisser et que vous êtes comme, attendez une seconde. Je n'ai pas de jambe là-bas. Que vais-je faire ? C'est pourquoi vous voulez vous assurer de disposer toutes ces informations supplémentaires pour l'animateur lorsque vous le faites passer. Comme par exemple, dans cette illustration, nous avons quelques carrés et objets derrière notre personnage. Nous voulons nous assurer que ces objets sont entièrement illustrés. Quand notre personnage se déplace. n'y a pas que des pièces bizarrement manquantes des étagères. J'espère que cela vous aidera un peu lorsque vous travaillez ici. Je commence toujours par poser toutes les couleurs principales puis j'ajoute ensuite des textures et des détails, ce que nous allons faire dans une vidéo séparée. organisation est un élément clé à garder à l' esprit. Un animateur ou vous en tant qu'animateur aura beaucoup de mal à passer au crible un fichier et après les effets si tout est appelé couche 5, couche 253, etc. Au fur et à mesure que je travaille, j'aime m' assurer que tout reste bien organisé dès le début afin de ne pas avoir à y retourner et à faire des conjectures plus tard. Nommez tout au fur et à mesure. N'aplatissez pas les choses. Évidemment, nous supprimerons ces calques inutiles au fur et à mesure que nous avançons. Cependant, il existe certains outils dont nous avons besoin pour commencer, comme pour toutes les illustrations. Nous avons notre croquis, qui est la partie la plus importante qui est probablement la phase qui me prend le plus de temps. La partie coloriage est vraiment amusante. Dans le livret de cours que j'ai pour vous, j'ai également ces pages avec palettes de couleurs limitées à utiliser et des pinceaux suggérés. Pinceaux, j'aime parfois avoir un bord texturé à certains de mes pinceaux pour que mon personnage ait un peu de texture et champ organique pour le personnage et voici quelques palettes de couleurs limitées. ma classe de palette de couleurs et je ne veux pas continuer à brancher mon cours toute la journée, tous les jours. Mais si vous prenez ma classe de jeu avec les formes et de procréer, il y a en fait une ressource téléchargeable ici appelée jouer avec des formes, des palettes de couleurs, et c'est ce que j'ai inclus pour vous ici. Les mêmes palettes de couleurs. Pour cette illustration, je vais utiliser une palette de couleurs limitée, qui comporte six couleurs ou moins. Ils sont parfaits pour les illustrations graphiques et vous obligent à simplifier votre portée, rendre tout plus plat. Je suggérerais simplement que si vous ne savez pas où aller avec votre palette de couleurs, suffit de saisir l'une d'elles il suffit de saisir l'une d'elles comme la capture d'écran ou tout ce que vous voulez faire et de la placer dans votre illustration. Je vais prendre cette deuxième palette de couleurs et la déposer ici. J'aime placer mes palettes de couleurs haut et les garder là, nommer leur palette de couleurs, sorte qu'elle soit visiblement séparée et que l'animateur n'ait pas à l'animer. Personnellement, je vais simplement utiliser un pinceau à stylo à bille ici parce qu' il est propre, facile à lire et je ne m'inquiète pas texture ou d'aspect organique pour celui-ci. De plus, j'aime vraiment utiliser des calques de formes. Ils ont l'air plus propres, mais ils ne seront pas nécessairement traduits comme modifiables et After Effects comme plupart du temps si vous avez un fichier Illustrator, ils pourraient, mais avec Photoshop ici, laissez-moi montrer vous à quoi ressemblerait un fichier. Voici juste un PSD vide avec une couche d'ellipse réelle et un calque texturé dessiné à la main. Ce n'est qu'une couche raster de base. Si je l'apporte dans After Effects, vous allez pouvoir voir que ce calque de texture n'est qu'un petit objet. Vous pouvez vous déplacer. Vous ne pouvez pas l'agrandir. Il va commencer à devenir plus flou. Un calque de forme et des effets secondaires ressemblent à ceci. Couche de forme, puis vous saisissez l'outil de forme et dessinez dessus. Vous avez en fait une ellipse avec son tracé, son trait, elle remplit tout ce que l' animateur peut travailler. Mais le calque d'ellipse de mon document Photoshop est en fait qu'un calque avec un masque. Fondamentalement, c'est juste un écran noir géant comme celui-ci avec un masque circulaire dessus. C'est un peu différent. Il est encore plus modifiable que d'utiliser une forme dessinée à la main, mais elle ne fonctionnera pas toujours pour l'animateur. Je voulais juste vous donner un petit aperçu de la façon dont cela fonctionne. Cependant, comme je l'ai dit, je vais vous apprendre ce que je sais. Je travaille généralement avec des couches raster. Parfois, mes calques ne seront pas modifiables par l'animateur. Cependant, comme Tyler et moi le disons toujours, communiquez avec votre animateur. Si vous êtes sur une chronologie très serrée et que vous avez besoin de tout dans les calques de forme, votre animateur va probablement vous demander de travailler dans le vecteur pour assurer que vous êtes réellement répondre à ces besoins dès le départ, au lieu de demander à l'animateur de convertir votre illustration en vecteur lui-même. Mais notre travail consiste aussi à créer un personnage vraiment charmant et amusant sans trop se soucier des limites. Je veux juste que tu t' amuses avec ça ici. Restez définitivement organisé. Mais si vous vous inquiétez des calques de formes à ce stade, vous n'aurez pas autant de plaisir à créer vos personnages. Je dirais qu'il suffit de préparer vos couleurs, préparer votre croquis, préparer vos pinceaux. Plongeons simplement dans la conception de ce personnage. Ce que je vais faire, c'est que je vais réduire l'opacité de mon calque d'esquisse raffiné. En général, je passe à environ 10 %. Ensuite, je créerai un dossier qui indique Couleur ou quelque chose dans ce sens. Ensuite, je vais créer une couleur d' arrière-plan. Peut-être que je veux que ce rose ma couleur d'arrière-plan pour commencer. J'aime généralement commencer par une couleur d'arrière-plan pouvoir ajouter des couleurs au fur et à mesure. Cela ne finira pas nécessairement par être les couleurs que j'utilise à la fin, mais c'est amusant pour moi de voir comment cela évolue au fur et à mesure que je travaille. Je veux vraiment renommer cet arrière-plan. Débarrassez-vous de ce calque supplémentaire et du dossier de référence et commencez peut-être à travailler d'abord sur le corps de notre personnage. Je vais juste créer un groupe appelé Character. Ensuite, au sein de ce groupe, je vais créer une couche appelée Head. C'est ainsi que je travaille tout au long du processus, je m'assure de rester organisé au fur et à mesure. Je n'ai pas vraiment une belle couleur de peau à choisir ici. Je vais juste en inventer un pour accompagner cette palette. Ce faisant, je viens de choisir une variation de la couleur d' arrière-plan. Une autre chose que je vous aime vraiment à garder à l'esprit lorsque vous créez couleurs de peau et que vous travaillez avec les couleurs ici est de penser un peu à la diversité. Nous voulons être inclusifs, aussi inclusifs que possible. Ajouter chez les gens ont une couleur de peau différente, car les gens ont des formes de corps différentes, les gens ont différents types de cheveux est une chose très importante à prendre conscience de nos jours. Pas seulement de rendre une personne bleue parce que vous voulez qu'elle soit représentative de toutes les couleurs de peau, de races et de cultures différentes. En fait, en pensant intentionnellement à l'arrière-plan des personnages, si vous changez la couleur de leur peau, réfléchissez également à la façon dont leurs traits peuvent être différents et à la façon dont leurs cheveux peuvent être différents. Ne vous contentez pas de leur donner une couleur. Soyez un peu plus intentionnel quant à ce que vous créez, qui vos audiences et à être plus inclusif en général. Je vais commencer par créer des couches de tête en forme de personnage parce que je pense que ça va paraître beaucoup plus beau et plus propre. La façon dont j'aime ajouter de la couleur à la plupart de mes illustrations, en particulier aux personnages, consiste clipser des masques sur les formes de base. Utiliser la silhouette du personnage, puis appliquer couleur ou de la forme au-dessus de celle-ci et l'attacher au calque de base. Nous créons un design plus élégant. Mais en gros, le masque fait que je puisse utiliser cette forme de tête et ensuite mettre des détails dans la forme de la tête sans avoir à m'inquiéter de ces points extérieurs. Parce que si je le dissocie, ça ressemble juste à une forme de rectangle bizarre, mais nous avons la tête là, donc cela nous aide à cartographier un peu cela . Je vais juste vous montrer un peu ce que je fais , puis je vais faire un time-lapse pour que vous puissiez voir comment je travaille et quand nous aurons fini, je vais passer en revue toutes les petites choses que je gardais à l'esprit pendant que je travaillais, des choses qui pourraient potentiellement vous aider. Mais pour le blocage des couleurs, nous voulons simplement ajouter ces formes principales. Ne vous inquiétez pas trop de détails tels que ces poils supplémentaires. Ne vous inquiétez pas des yeux des motifs sur la chemise et des choses comme ça. Assurez-vous simplement de commencer placer tout ce qu'il faut. Par exemple, cette épaule chevauche la tête J'ai donc veillé à garder le cou plus longtemps que l'épaule, de sorte que lorsque je laisse tomber l'épaule par-dessus, nous avons une illustration complète. Je vais supprimer l'accident vasculaire cérébral et j'espère qu'il ne sera pas là. Évidemment. J'ai des doigts gênants ici avec lesquels je peux entrer et jouer avec moi-même et faire paraître un peu mieux. Mais nous n'allons pas nous inquiéter d'ajouter tous les détails comme les lignes entre les doigts et autres choses. En ce moment, nous sommes en train de tout mettre en ordre. Dis que je veux que sa chemise soit blanche. Je peux le masquer son haut et puis ça ira juste là-dedans. Je vais m'assurer de tout étiqueter. Torse du bras avant, chemise, torse. Ensuite, derrière le bras avant, je mettrai le bras arrière. Parce que j'essayais d'être vraiment géométrique avec ça, je n'ai qu'un bras rectangulaire ici, que je peux créer en illustrant le dos de la main ici. Nous voulons nous assurer que la main est toujours là lorsque l' animateur désactive ce calque avant. Si le personnage n' attrape pas encore ce pot, vous allez vouloir voir au moins la paume de ses mains quand il s'anime. Nous pouvons assembler ces deux couches, rectangle 7 et la forme 3. Si vous appuyez sur Commande E, ils prendront la même forme. Ils sont connectés maintenant. On peut appeler ce bras arrière. Ensuite, entre le bras arrière et le bras avant, on peut mettre ce pot. Maintenant, j'aime le pot un peu plus gros pour que vous puissiez voir une séparation distincte entre les mains. En fait, je me rends compte que j'ai besoin de relayer ou d'autres choses. Ce bras arrière va devoir passer derrière la tête car maintenant vous pouvez voir qu'il se chevauche avec la tête et nous ne voulons pas le voir. Mettons-le derrière la tête, nommons le bras arrière. Ensuite, ce torse peut être séparé du pot. Maintenant, nous avons toutes ces couches très faciles et joliment séparées. C'est ainsi que je vous encouragerais à travailler. Assurez-vous que tout est étiqueté. Le pot n'est pas encore étiqueté. Je vais m'assurer de l'ajouter là-dedans. Ajoutez ces petits détails. Assurez-vous de saisir votre palette de couleurs à l'aide de l'outil Pipette. Comme vous pouvez le constater, c'est comme ça que je vais créer le tout. Une fois que vous aurez terminé, vous aurez un personnage très joli en plusieurs couches qui sera vraiment facile à naviguer. De plus, je tiens simplement à souligner que vous n' avez pas à faire exactement le même processus que moi. Si vous souhaitez dessiner vos calques au lieu d'utiliser le calque de forme comme moi, n'hésitez pas, car comme je l'ai dit précédemment, ils sont identiques lorsque vous les importez dans After Effects, ils sont les deux couches raster. Je préfère simplement utiliser l'outil Calque de forme car j'aime l'apparence de ces bords propres, mais c'est juste ma préférence. Si vous souhaitez ajouter de la texture à votre personnage à l'aide d'un pinceau texturé pour dessiner. Vous devriez y aller de l'avant et le faire. Il existe d'innombrables possibilités de configuration. À ce stade, vous pouvez être, Sarah, pourquoi dessinez-vous tout et façonnez-vous des calques, si cela ne se traduit pas en After Effects en tant que vecteur. Eh bien, c'est un bon point. C'est ce que je fais parce que j'aime l'apparence de ça. Je ne suis pas aussi bon chez Illustrator. C'est de là que je viens avec tout ça. Mais j'adore la façon dont je peux combiner lignes épurées à l'aide de mon outil de forme Photoshop. Ensuite, je peux également saisir une texture vraiment amusante et l'appliquer avec un masque de découpage à mes personnages ici. C'est quelque chose que vous pouvez vraiment faire aussi dans Illustrator. C'est la raison pour laquelle j' aime vraiment utiliser Photoshop. Je vais juste faire un petit time-lapse maintenant de mon travail et nous allons le regarder ensemble une fois que j'aurai fini Surprise là-bas. Je ne pensais pas que vous m' entendiez parler du time-lapse, et bien, je suis là. C'est la future Sarah qui parle ici. Je voulais juste souligner certaines des choses que j'ai faites pendant que je travaillais, il y a beaucoup de choses que je retournerais et que je réorganiserais. Je me suis assuré de désactiver mon calque d'esquisse de temps en temps pour m'assurer que tout allait bien et propre sans ce calque dessus. J'ai aussi foiré de nombreuses fois et j'ai dû bouger les choses. Puis, surtout lorsque je travaillais sur les étagères en arrière-plan, une chose sur laquelle j'ai vraiment essayé de me concentrer était de m'assurer que toutes les couleurs s'emboîtaient, mais elles n'étaient pas trop distrayantes par rapport à notre personnage. Comme vous pouvez le voir, j'utilise une version ombrée de la couleur de fond et j'en ai fait les étagères et j'en ai fait les étagères pour qu'elles se sentent un peu décolorées et qu'elles n'étaient pas trop intrusives avec notre composition. Ce vase est assez sombre. À la fin, j'y suis retourné et je l'ai fait un peu plus. J'ai essentiellement essayé de garder ces formes plus poussées en arrière-plan. Une chose à laquelle je pensais aussi pendant que je travaillais, c'est que nous prévoyons toujours d'y ajouter un petit doug. Je voulais m'assurer que ces formes ne sont pas trop complexes derrière le doug. Il se peut qu'il y ait des choses que je dois supprimer plus tard car je travaille avec cette composition de Doug. Mais pour l'instant, j'ai senti que c'était dans un bon endroit et je bloquais toutes les couleurs que je me sentais bien avec la façon dont la composition est en ce moment. C'est l'usure, et je suis vraiment ravi de parler plus en détail des textures dans les prochaines leçons. Maintenant, j'aimerais que vous alliez dans votre fichier et que vous commenciez ajouter de la couleur à votre personnage et à votre illustration générale. Assurez-vous de garder ces trois règles cardinales à l'esprit pendant que vous travaillez. Étiquetez tout clairement, jamais aplati et menez les calques cachés, vides ou inutiles au fur et à mesure. 16. Ajouter de la texture et des détails: [MUSIQUE] Pour plus de détails, ajoutons quelques éléments qui pourraient ajouter à l' histoire de notre personnage. Peut-être qu'un modèle aiderait à définir les intérêts de nos amoureux des chiens. Peut-être qu'elle a un motif Paul sur son chandail ou quelque chose comme ça. textures sont cependant l'un des plus grands obstacles pour les animateurs et elles peuvent être une véritable agitation, alors soyez conscients de cela lorsque vous plongez dans After Effects vous-même ou remettant votre fichier à un autre. animateur. Dans cette phase de texturation et de détails, je veux prendre une petite seconde pour m'assurer que nous restons sur la bonne voie et que nous reprenons notre mémoire. C'est juste pour s'amuser, ça n'a pas autant d'importance. Mais je veux juste m' assurer que vous regardez continuellement le mémoire afin de vous assurer que vous suivez votre intention initiale. Je pense que c'est le cas. Si on regarde en arrière notre phase de conception, on va ajouter ces détails d' elle étant échevelée, on va faire d' elle une dame de chien. Une chose que je n'ai pas ajouté tout de suite, c'est le bras plein de jouets. Je voulais qu'elle ait un peu plus look et une sensation frénétiques donc je vais inclure le bras des jouets dans ma couleur dans la phase de détails. Je vais juste réactiver ce croquis raffiné que nous puissions voir ces petits détails. Mais je veux aussi vous parler un peu des textures en termes d'animation, je l'ai utilisé pour une présentation Adobe il y a quelque temps, mais j'ai pensé que cela serait vraiment utile ici. Il existe différents types de textures dans l'animation. Voici quelques exemples ici, des textures qui se déplacent avec l'émotion de l'objet animé, c'est comme si la texture était effectivement collée à la surface. Si nous avons un tissu qui comporte un motif ou une ombre qui pousse avec l'objet, les textures connectées sont évidemment quelque chose que j'ai inventé, mais je pense que c'est un bon moyen de décrire ce type de texture. Ensuite, nous avons également des textures indépendantes. Il s'agit de textures qui, soit A, ne bougent pas avec un objet, soit B, se déplacent indépendamment d'un objet. L'objet se déplace pendant que la texture reste en place derrière lui ou vice versa. Comme vous pouvez le voir avec ce poisson ici, le poisson coule juste au-dessus de cette texture donc il a ce semblant de bouger, la même chose avec l'œil. Ensuite, nous avons enfin des textures en mouvement. Ce sont les textures qui sont réellement animées elles-mêmes. Ils ne bougent pas seulement avec le mouvement de l'objet, ils sont animés séparément des objets. Celles-ci peuvent être connectées ou indépendantes. Dans la plupart des cas, vous allez probablement supposer que tout est cette texture connectée donc si nous dessinons ce motif sur son pantalon ou quelque chose comme ça, vous allez juste avoir l'animateur probablement supposer que ça va bouger avec elle. La texture peut également être définie comme l'un des éléments suivants : éclairage que vous ajoutez aux formes, ombrage que vous ajoutez, texture brute globale ou textures d'arrière-plan. Je pensais que ce serait un bon exemple d'une pièce texturée que j'ai faite. Il est clair que celui-ci n'a pas été configuré pour l'animation, et c'est pourquoi tout a mauvais noms de calques et que les ombres sont séparées. On pourrait dire que cette couche ici était une texture, disons qu'on regardait juste son casque ou quelque chose comme ça. Vous considéreriez cette texture en haut à gauche comme un ombrage. En dessous, nous avons des ombres comme celle-ci qui sont reliées aux jambes proprement dites. Si nous les désactivons, vous pouvez voir cette définition entre les formes. Ensuite, il y a aussi des détails tels que le trait sur les chaussures et j' appellerais presque cela une texture en soi parce qu'elle va bouger avec l'objet comme cette texture de connexion. Une autre chose est que vous ne voudriez jamais vraiment aplatir vos textures à votre objet et je sais que je viens de dire ne jamais aplatir en règle générale, essentiellement une texture aplatie. Cette couche 110 est une texture, puis la couche 95 est sa jambe. De toute évidence, ils seraient étiquetés. Mais quand je dis aplati, je veux dire que tout est sélectionné dans la plage de jambes, puis vous appuyez sur Commande E, ce qui signifie que c'est un seul objet maintenant. Si nous voulions que son ombre sur sa jambe se déplace comme si elle bougeait sa jambe d'avant en arrière, vous ne seriez pas en mesure de le faire dans After Effects parce qu'elle serait liée à la forme. Vous ne seriez pas en mesure de l' isoler et de le déplacer. Vous voulez vraiment pouvoir séparer ces textures, surtout pour les animateurs. Appliquons une partie de cela à mon illustration ici. Assurez-vous de garder ces couches séparées de la couche de base. Disons, par exemple, que nous avons ici la jambe du pantalon. Je vais appuyer sur Option cliquez pour ajouter ce masque de découpage et je vais écrire la texture des jambes de pantalon. À partir de là, je vais choisir une texture que j'aime. J'aime diviser tous mes pinceaux de façon amusante. Peut-être que nous utilisons, voyons voir. Il s'agit d'un grand travail carré au charbon de bois pour la texture. Je me suis déjà trompé de jambe de pantalon, alors revenons en arrière et mettons-le sur la jambe arrière du pantalon [NOISE]. Est-ce que ça a l'air beau ? Oui, je pense que c'est un pinceau à texture amusant. Je pense que c'est l'un des pinceaux secs de Kyle Webster. J'ai pris la couleur de fond et je l'ai mise en multiplication pour créer cette texture et cela crée une belle séparation entre les jambes. Là, je vais baisser l'opacité pour qu'elle ne soit pas aussi forte, puis juste pour m'assurer que tout va bien. Je vais éteindre ce croquis raffiné. Nous avons notre premier morceau de texture là-dessus. La texture peut définir votre illustration. Mais je peux aussi être comme une grosse texture picturale, dire que vous vouliez que son pantalon ait ce motif cool dessus. Peut-être ajoutez-vous simplement des motifs amusants, qui peuvent aussi être une texture. Bien sûr, faites probablement ça avec les cercles que vous voyez sur son pantalon ici. Vous voulez toujours vous assurer que ces calques sont nommés évidemment parce que l'animateur ne saura pas ce que c' est s'il s'agit simplement d'un petit calque raster apparaît dans After Effects. Dire que la texture du pantalon ou l'éclairage du pantalon aidera vraiment beaucoup le processus. L'autre chose que je voulais vraiment vous montrer, c'est avec des motifs. Supposons que vous ayez créé un motif à pois ou quelque chose comme ça, il est préférable de ne pas les clipser complètement. Ce que je veux dire quand je dis cela, c'est dire que vous avez un motif de cercle et que vous voulez qu'il ne soit qu' à moitié visible sur le pantalon et que vous vous dites : « Ça semble très bien quand je l' attache à la jambe du pantalon. » Mais en réalité, nous allons vouloir avoir tout le cercle là, puis l'attacher à la jambe du pantalon pour que l'animateur puisse réellement y entrer de sorte que lorsqu'il aura le fichier, il puisse déplacer les choses. autour et il y aura encore une texture complète. Assurez-vous donc de compléter ces textures et ces motifs pendant que vous travaillez. Potentiellement, vous pourriez simplement créer un motif géant pour l'animateur. Dans ce cas, je vais probablement faire un tas de cercles, ajouter l'outil ellipse et les mettre dans leurs taches, et me rappeler que chaque jambe aura une texture différente faire un tas de cercles, ajouter l'outil ellipse et les mettre dans leurs taches, et me rappeler que chaque jambe aura une texture différente. car c'est l'élément séparé. Pour cette jambe avant, je vais mettre le motif [BRUIT] et faire la même chose. Si vous le vouliez, vous pourriez simplement créer un motif de répétition géant alors peut-être que vous avez juste un tas de pois partout et que vous le transformez en un motif pour qu'il puisse potentiellement bouger beaucoup. Je ne sais pas pourquoi vous voudriez le faire avec ce pantalon [RIRES], mais vous ne savez jamais. Il y a peut-être une animation vraiment amusante et chaotique que l' animateur peut faire avec elle. Je vais aller de l'avant et je vais ajouter ces petits détails comme les lignes et les expressions faciales que nous avions déjà et toutes les textures et je veux vraiment assurer que j'ajoute tous ces éléments supplémentaires dans son bras comme nous l'avons dans le sketch parce que j'ai totalement oublié de le faire dans la dernière vidéo. La phase détaillée est un excellent endroit pour ajouter cela. [MUSIQUE] Je me sens plutôt bien dans la phase de détails. Une chose à laquelle je pensais et que j'essayais de garder à l'esprit pendant que je travaillais ici était de garder les choses assez simples. Vous n'avez pas besoin d'être trop hardcore dans tous les détails, vous pouvez garder des pièces avec un espace négatif comme ce vase. J'ai aimé qu'il n'y ait rien dessus et que certains objets comme cette boule blanche n' aient aucune texture supplémentaire sur eux. Je pense vraiment que c'est quelque chose à garder à l'esprit, être intentionnel avec vos textures et vos détails parce qu'ils vont signifier quelque chose pour l'animateur et ils vont être un peu difficile à utiliser pour eux, alors utilisez-les peu si vous le pouvez. Évidemment, si le projet exige plus de textures, utilisez plus de textures. Mais si nous pouvons être clairsemés et intentionnels, je pense que cela contribuera vraiment à ce processus [MUSIQUE]. 17. Bonus : Dessiner un animal: Qui n'aime pas un animal de compagnie ? Honnêtement, personne. Maintenant que nous avons appris toutes les compétences nécessaires à la conception d'un personnage, je vais tout résumer rapidement concevant un animal de compagnie pour notre personnage, de l'esquisse rapide à la référence, en passant par la conception complète design de couleur soufflée. Comme je l'ai dit, nous allons aller de l'avant et concevoir le chien que j'ai prévu d'avoir dans ce cadre. Si nous revenons à l'esquisse raffinée et à la phase d'esquisse précédente, j'avais ici ce petit indicateur de l'inclusion du chien, donc je sais où je veux que le chien aille, donc je peux désactiver ce croquis raffiné. Ensuite, si nous regardons en arrière la conception, nous pouvons voir que nous voulions le bandana pour chien, nous voulions qu'elle soit une dame de chien folle, donc je pense qu'avoir ce chien ici va vraiment ajouter un peu plus de personnalité, et l'histoire de notre personnage, donc je vais aller de l'avant et illustrer un chien du début à la fin. Évidemment, nous avons déjà eu notre esquisse rapide, nous regardons la conception, nous avons quelques exemples de ce à quoi ressembleront ces esquisses gestuelles, je peux juste rapidement ruiner cela à l'intérieur de mon illustration couleur. En fait, j'ai créé un dossier appelé chien, et je vais rapidement déterminer ce que je veux que la pose soit. Je veux que le chien soit curieux savoir ce que le personnage saisit, et vous pouvez voir qu'elle a un petit œil latéral, elle interagit avec son chien, elle sait que son chien est là, donc je vais attraper juste mon pinceau à croquis fin, et fais un peu de pose. Je pensais que le chien pourrait l'atteindre. Je ne sais pas exactement à quoi cela ressemble, donc c'est là qu'une photo de référence va entrer, mais imaginez quelque chose comme ça, et vous pouvez voir à quel point mes croquis sont rugueux. De toute évidence, ce n'est pas exactement ce à quoi je veux que ça ressemble, mais c'est peut-être un bon point de départ, et parce que je savais que j' allais y aller, j'ai cherché des références. photos de mon chien Badnit, et attention, la vidéo que j'ai prise plus tôt que je vous ai montrée n'avait pas vraiment de bons exemples de lui s'étirant comme ça, mais j'ai trouvé cette photo ridicule de lui. Allez, c'est tellement stupide et mignon, donc je vais m'en servir. Ensuite, vous ne pouvez pas vraiment voir la vue latérale de sa tête ici, alors j'ai trouvé une autre photo adorable d'ailleurs, du côté de sa tête, et donc je vais faire correspondre ces deux photos ensemble comme si je Je les ai pris pour ma photo de référence aujourd'hui. On y va, c'est un petit Badnit mignon. Alors évidemment, il n'est pas dans la bonne posture, mais je pense que cela nous fera du bien. Je vais juste le retourner horizontalement, augmenter un peu la taille, et le mettre en contexte. Je vais simplement combiner ces deux calques, en appuyant sur « Commande E », de sorte que nous avons une image facile à utiliser, puis en abaissant l'opacité ici. Maintenant évidemment, on dirait juste qu'il s'empare de ses fesses, donc je vais probablement faire monter les bras un peu, mais je pense que c'est un bon point de départ. Ce que je peux faire, c'est ce que nous avons fait plus tôt, c' est-à-dire l' esquisse grossière où nous passons la photo avec les proportions de base, donc je vais juste tracer comme je l'ai fait auparavant, et cela donnera Je suis une bonne idée de l'endroit où aller avec mon abstraction. C'est un garçon si long, j'ai l'impression que ça va avoir l'air vraiment bizarre, donc je vais devoir jouer un peu avec les proportions. Regardez combien de temps il est, oh mon Dieu. Ça a l'air fou. Est-ce qu'un vrai chien ressemble à ça ? Apparemment, mais je ne pense pas que les gens vont tomber dessus. Je vais jouer un peu avec les proportions, donc c'est plutôt la phase d'abstraction et de distorsion que nous avons déjà traversée en classe. Tout d'abord, je veux fixer la pose pour qu'elle ressemble davantage à mon croquis, alors peut-être que nous prenons la tête, et nous l'inclinons un peu vers le haut. Ensuite, je voulais que ces bras soient orientés vers le haut, alors voyons ce qui se passe quand je commande X, que je les découpe, les colle et que je les fais pivoter vers le haut. Je pense que cela va vraiment marcher. Cependant, je veux que ce bras arrière soit de l'autre côté de notre personnage, donc il y a plus de superposition, il semble un peu plus réaliste, et je pense qu'il va falloir qu'il y en ait peu travail effectué ici pour que cela paraisse réel. Je pense que les jambes sont un peu longues, ou que le torse est un peu long, donc je vais le faire monter un peu, évidemment mon chien n'a pas vraiment de queue, mais je vais en ajouter une, Fais-lui un peu joyeuse queue wag. En tant que je dessine ici, je tiens simplement à souligner que dessiner un humain et animer un humain va être un peu plus facile que d'animer un quadrupède, alias n'importe quel animal qui a quatre pattes pour marcher. Dans un cycle de marche, au lieu d'animer deux jambes comme vous le feriez avec un humain, il faudrait animer les quatre jambes, et c'est un peu plus complexe, cela donne beaucoup plus à l'animateur . travaillez, alors soyez attentifs à cela lorsque vous dessinez vos personnages. S'il n'est pas nécessaire d'avoir un chien et que vous êtes dans une chronologie serrée, n'ajoutez probablement pas ce chien. Mais pour l'amour de ce cours, je voulais que vous jouiez avec un animal ou un autre personnage qui a peut-être des proportions différentes, donc c'est normal de l'ajouter ici. De plus, ce chien va être dans une posture fixe si nous l'animons, il se peut qu'il ne soit pas obligé de bouger beaucoup plus que de se contenter de se tenir là. Je pense que j'ai décidé que je voulais que les pattes du chien soient derrière le personnage, donc nous n' aurons peut-être même pas besoin de voir ces pieds, à moins que cela ne paraisse bizarre quand on le dessine. Je suis allé de l'avant et j'ai ajouté plus de courbes aux droites, plus de lignes droites par elles-mêmes. J'ai travaillé sur le raccourcissement du corps pour mieux paraître dans l'illustration, on peut aller encore plus loin avec abstraction en rendant peut-être cette jambe arrière complètement droite, peut-être qu'elle est plus haut, donc c' est un peu moins gênant. évident que ce chien est beaucoup plus grand que mon chien, mais il n'est pas forcément mon chien. Je me suis également connecté à mon petit exemple ici, que les oreilles pointaient vers le haut, donc je vais jouer avec ça, peut-être que ça me paraît un peu plus ludique à mon avis. À partir de là, nous pourrons entrer dans la phase d'esquisse raffinée. Je vais activer cela avec une faible opacité et créer un croquis plus propre. Cela inclut des détails comme l'expression faciale, peut-être quelques taches sur le chien ou quelque chose du genre. Je vais juste faire un petit time-lapse ici en ajoutant ces détails. Je pense que mon croquis raffiné est bien placé. Maintenant, je vais aller de l'avant et faire ce blocage de couleur. Pour ce faire, je vais m' assurer que mes étiquettes sont superposées. Ce sera un croquis de chien. Ce sera ma photo de référence. Je vais simplement regrouper tous ces éléments en tant que croquis de chien, puis je le mettrai au-dessus ma section de couleurs pour que l'animateur n'ait pas à l'utiliser. Ensuite, c'est là que je vais ajouter le blocage de couleur. Je vais simplement faire le devant de ce chien en une seule forme parce que j' ai dit que cela serait probablement vendu animé. Cependant, vous pouvez probablement une image-clé, c'est aussi un effet after. Mais comme j'ai ces lignes épurées partout ailleurs, je veux également utiliser l'outil Bézier ici. Cela peut être un peu plus facile de travailler avec After Effects. Je ne dirais pas. Il est toujours idéal de mettre tout le devant d'une personne ou la silhouette d'une personne sur une seule couche. Mais j'ai cette expérience que si quelqu'un anime un chien ou un quadrupède, comme je l'ai déjà dit, il va généralement utiliser l'animation cellulaire. Mais dans ce cas, disons simplement qu'ils utilisent After Effects et que le chien se tient littéralement en place et simplement sa queue et haletant ou quelque chose comme ça. Dans ce cas, il vous suffit de séparer la queue et la langue ou la queue dans l'oreille arrière. C'est ce que je vais faire ici. Peut-être que les jambes restent en place et que les bras restent en place ou je suppose que les pattes avant, quel que soit le nom d'un chien. Ensuite, nous avons une couche distincte pour la queue et la jambe arrière. Vous voulez toujours séparer ces couches de, surtout si elles se chevauchent. Même dans ce cas, nous devrons peut-être mettre une couche derrière ce personnage. Peut-être que nous avons un chien devant, puis derrière notre personnage principal, nous avons le dos du chien. Il sera à cheval sur notre personnage, auquel cas vous vous assurez de séparer toutes ces pièces. Comme je l'ai dit, on ne veut jamais simplement avoir une jambe qui n'a ni forme ni définition derrière d'autres objets. Je m'assure d' y inclure toute la jambe au cas où le personnage bouge d'une manière ou il est donc plus facile de le faire si vous éteignez simplement vos couches et que vous pouvez voir où tout est aligné. Maintenant, nous avons sorti cette couche. Ensuite, je vais remettre la jambe du chien en arrière, assurer d'étiqueter les choses au fur et à mesure. Silhouette avant de chien. Ensuite, sur cette couche arrière de chien, je vais aussi ajouter la queue que l'animateur veuille peut-être simplement déplacer la queue séparément. fait de le séparer pour eux sera vraiment utile. Je vais aussi mettre le dos ici sur ce calque ou dans ce groupe, peut-être pour m'assurer que tout va bien sans l'esquisse. Mettez aussi le bras arrière, dos, la jambe avant, mais je vais juste appeler ça un bras, que c'est derrière notre personnage ici. Nous voulons également nous assurer qu'il est complet. Lorsque nous éteignons notre personnage, vous pouvez toujours le voir. Juste au cas où vous ne le sauriez jamais. C'est comme notre principal blocage des couleurs. J'ai également voulu ajouter quelques taches au chien. Comme vous pouvez le voir, j'ai dessiné ici, donc je vais juste ajouter ceux avec un masque de détourage. Comme je l'ai dit, oubliez pas de ne pas utiliser de masque de découpage sur un groupe, mais vous pouvez l'utiliser sur un calque de forme ou un calque régulier. Il devrait toujours se traduire par After Effects. Je vais ajouter un peu de couleur à l' oreille interne et à la langue. Je pense que je vais simplement utiliser cette couleur, rester dans notre palette de couleurs et utiliser cette couleur pêche que nous avons en arrière-plan. La couleur de l'oreille est un peu claire pour moi, donc je vais utiliser une version ombrée de cette couleur et utiliser la même couleur pour la langue. Si nous allons dans le processus dans lequel nous avons dessiné ce personnage, il serait temps d'ajouter des détails, des textures, des ombres et tout cela. Je vais y aller de l'avant et ajouter cela ici aussi. Je pense que la meilleure façon de le faire est d' utiliser les mêmes pinceaux que ceux que nous avons utilisés sur ce personnage. Pour l'ombrage de ma jambe arrière, je vais utiliser le même pinceau et le mettre en multiplication. Baissez l'opacité un peu comme nous l'avons fait avec le personnage, même que la queue et l'oreille arrière. N'oubliez pas d'étiqueter ces ombres ou ces textures. Maintenant, je vais ajouter ces petits détails faciaux, en utilisant cette couleur plus foncée que nous avons utilisée sur notre personnage. Nous avons le petit nez et la petite bouche, ainsi que quelques taches de moustaches. J'avais aussi une ligne pour l'oreille afin de créer un peu plus de séparation. J'aime aussi ajouter un peu de détails avec les pieds. Peut-être qu'un petit peu de lignes Paul peut aussi ajouter celles ici. De plus, j'aimerais aussi éteindre mon personnage et ajouter ces lignes aux deux jambes arrière, ne veux pas les oublier juste au cas où elles seraient nécessaires. Il est toujours préférable de ne pas avoir à à l'animateur de vous le demander. S'il est déjà dans le dossier, cela va beaucoup aider. J'ai évidemment fait le chien, mais revenez à notre conception et nous avions parlé d' un bandana sur ce chien. Je vais juste aller de l'avant et ajouter ça très vite. Je pense que nous serons dans un bon endroit avec notre papa chien. En fait, je viens de revenir du toiletteur il y a une heure. Il a un petit bandana et il y a la chose la plus mignonne que j'aie jamais vue. Nous voulons nous assurer d'avoir ce petit bandana là-dedans. Peut-être ajoutez-y un petit motif. Juste quelques croustilles. J'ai l'impression que c'est dans un bon endroit. En plus d'avoir le chien superposé avec notre personnage ici, il ajoute plus de personnalité à la scène. Nous avons également fait en sorte qu' ils s'intègrent bien dans la composition. Si vous éteignez le chien, chien devant et le chien en arrière, il y a évidemment encore des trucs derrière le chien, mais cela ne se croise pas trop avec la composition. Nous avons toujours un bon flux de tout. Je pense que cela vient compléter notre conception pour cette phase. Dans les prochaines vidéos, je vais préparer votre fichier pour l' animation et revoir les étapes des prémolaires. 18. Théorie : Les 3 rangées de la préparation: [MUSIQUE] En plus des trois règles cardinales que nous avons passées en revue, il y a beaucoup d'autres choses que nous pouvons faire en tant que concepteurs de personnages pour aider l'animateur. Les personnages sont beaucoup plus complexes qu' une conception basée sur des formes standard pour After Effects. Je voulais partager quelques options différentes avec vous. Comme je l'ai toujours dit, je m' assurerais d'exécuter ces idées par l'animateur pour voir si elles sont réellement nécessaires. Il arrive parfois que l' animateur préfère faire certaines de ces choses par lui-même. J'ai divisé ces idées en trois niveaux de préparation d'animation, afin que vous puissiez personnaliser l' expérience en fonction de votre propre fichier. De toute évidence, il n'existe aucun moyen de configurer votre fichier Photoshop pour une animation. Les utilisateurs ont des processus différents et vous pouvez utiliser Illustrator ou tout ce que vous avez fini par utiliser. Mais pour moi, j'ai élaboré ces sept étapes vers un PSD convivial pour l'animation et je vais juste aller de l'avant et vous les lire ici, en parler un peu. Dans la vidéo suivante, je vais les appliquer à mon illustration que je viens de terminer. Je dis toujours de sauvegarder votre fichier et de créer un nom de fichier étiqueté en double ou quel que soit le nom de votre fichier, soulignez l'animation points PSD. Si vous avez un fichier séparé, cela signifie que vos esquisses d'origine et tout ce qui est toujours inclus dans votre fichier d'illustration, mais votre fichier d'animation sera plus propre et aura moins de choses supplémentaires. pour l'animateur. Je recommande également de supprimer ce tableau d'ambiance de palette de couleurs d'esquisse ou le calque vide que vous avez là-dedans. Pour le numéro 3, je dissocierais les dossiers inutiles en groupes , puis je me débarrasse des masques non essentiels. Si vous avez quelque chose de masque de découpage dans un dossier, vous voulez absolument savoir comment vous en débarrasser et nous allons examiner cela dans un petit peu. Mais vous voulez également vérifier les barrages routiers d'animation, ce qui serait quelque chose comme peut-être que jambe de votre personnage n'est pas finie derrière quelque chose ou que le motif n'est pas complètement terminé à l'intérieur de Le sweat-shirt de votre personnage ou quelque chose comme ça En outre, vous voudriez également vous assurer que votre résolution et votre espace colorimétrique sont de 72 ppp et de couleur RVB. Enfin, numéro 7, enregistrez votre fichier de projet et préparez-vous à animer ou à transmettre votre fichier à l'animateur. En plus de cette préparation de fichier After Effects de base de la diapositive précédente, il y a beaucoup plus de choses que nous pouvons faire en tant que concepteurs de personnages pour aider l'animateur. Les personnages sont beaucoup plus complexes qu' une conception basée sur des formes standard pour After Effects. J'ai mis au point ces trois niveaux de préparation, ne sont que mes niveaux, choses que j'ai imaginées avec différents niveaux de façons de préparer votre fichier pour l'animation. Mais j'ai l'impression que c'est un moyen utile de le diviser pour que vous sachiez ce que vous devez faire. Pour le niveau 1, il s'agit d'une animation After Effects de base. Vous pouvez voir dans les exemples de droite, il y a des personnages dans ces animations, mais ils ne bougent pas vraiment n'y a pas de cycle de marche, ils glissent simplement sur le cadre ou la tête s' écroule de haut en bas. Il ne nécessite pas nécessairement une animation cellulaire ou quelque chose de compliqué. Il s'agit de votre animation After Effects de base. Il n'a pas besoin de gréage ou de quoi que ce soit, tout ce que vous aurez à faire serait supprimer des couches inutiles. N' aplatissez aucun élément étiqueté sur tous vos calques et n' appliquez pas de masques de calques. Quand je dis Appliquer des masques de calque, je veux dire, si vous masquez quelque chose l'aide d'un masque de calque normal, vous allez vouloir vous débarrasser de ce masque de calque afin qu' il ne gâche pas lorsque vous importez-le dans After Effects. Je vais vous montrer pourquoi cela ne fonctionne pas dans une seconde ici. Mais le niveau 2, je dirais, c'est plutôt comme l'animation de cel, vous feriez tout ce que vous avez fait sur la dernière diapositive, mais alors vous pourriez aussi inclure quelques revirement de personnages ou alterner. poses de personnages. Vous pouvez voir des exemples de cela à droite ici. Si vous ne voyez votre personnage que angles bizarres ou maladroits, vous ne voudrez peut-être pas le montrer à plat comme dans la première illustration, mais vous devrez peut-être le voir. depuis une vue de haut en bas ou quelque chose comme ça. C'est alors que vous incluez ces poses de personnages alternatifs. Gréement After Effects de niveau 3, je dirais que c'est la préparation d'animation la plus importante que vous aurez à faire. Vous devez vous assurer d'effectuer toutes les tâches de niveau 1 et de niveau 2. Mais vous voudriez également faire des choses comme vous assurer que vos motifs sont suffisamment grands pour fonctionner avec l'animation. Assurez-vous également que vos textures sont séparées et organisées et potentiellement plus grandes qu'elles ne doivent l'être pour que l' animateur puisse les déplacer. Vous voudrez également séparer les membres et les appendices. Si vous regardez cette illustration animée en bas par Robin Davey, vous pouvez voir que les personnages sont truqués, signifie que leur armature est configurée à l'endroit où l'avant-bras se connecte au haut une partie du bras, qui se connecte à l'épaule que l'animateur va configurer dans After Effects. Mais ils doivent avoir le fichier configuré d'une certaine manière, vous voulez vous assurer que tous ces appendices sont placés sur des couches distinctes, étiquetées, potentiellement même transformées en fichier vectoriel car vous n'avez jamais sachez parfois que l' animateur des effets secondaires peut demander cela s'il a une chronologie d'animation plus courte. Mais comme je l'ai dit, communiquez toujours avec votre animateur. Celle-ci dépend. J'ai aussi mis ici un petit astérisque d'étoile qui dit que vous n'avez peut-être pas toujours besoin de ces retours et de poses comme vous le feriez au niveau 2. Dans le niveau 3, vous pouvez simplement voir quelqu'un comme dans ces personnages de Robin Davey juste de côté et c'est la seule fois où vous les verrez, donc vous n'auriez pas nécessairement besoin de voir le dos de ou la version de profil de ceux-ci. J'ai ici cette jolie petite feuille de triche pratique, qui se trouve également dans le livret de classe téléchargeable. ne s'agit là que d'une comparaison de tous ces différents niveaux de préparation. Nous avons une animation AE Cell de base et un gréage AE. C'est quelque chose à faire référence lorsque vous n'êtes pas sûr de ce que vous devez faire pour la préparation de votre fichier. Il s'agit d'un aperçu très basique de la façon dont nous aurions configuré nos fichiers, mais nous devons réellement mettre cela en action et je vais appliquer certains de ces outils ici dans mon fichier dans le prochain vidéo. Je vous rencontrerai là-bas. [MUSIQUE] 19. Préparer votre conception pour l'animation: Auparavant, je travaillais d'une manière typiquement conviviale, en regroupant tout et en ajoutant des masques. Mais ce sera mieux pour l'animateur et ce processus si nous supprimons certains éléments inutiles une fois votre conception terminée. Cela vous facilitera beaucoup la tâche si vous animez ou pour quiconque anime votre travail. Voici la meilleure façon d'y parvenir. J'ai configuré mon fichier ici, et j'ai effectué quelques ajustements en interne pour vous donner quelques exemples de la façon dont je vais changer les choses. Mais ma première règle, comme toujours comme je l'ai dit dans la dernière vidéo, était d' abord de créer une copie de votre fichier et d' effectuer des ajustements. Je vais faire Command Shift S pour enregistrer sous. Je vais juste appeler ça l'animation de personnage GiftStop. Ensuite, vous devez vous assurer que votre fichier est dans la bonne résolution. Pour les besoins de cette vidéo, j'ai créé mon fichier 300 DPI, mais j'ai vraiment besoin qu'il soit 72 DPIS. Je vais rééchantillonner à 72 pixels et pouces, ce qui correspond à ma taille initiale de 200 x 200 pixels. Parfois, si vous ne le laissez pas rééchantillonner, il devient vraiment maladroit avec tout. Vous voulez vous assurer d'avoir la taille de l'image. Ne décliquez pas sur « Rééchantillonnage » et laissez-le partir de là. Assurez-vous que le rééchantillonnage automatique est activé. ajustement de la taille de votre image peut prendre quelques secondes , mais il devrait être aussi net qu' à l'origine, juste à la taille de pixel dont vous avez besoin et à la résolution dont vous avez besoin. Ne soyez pas alarmé s'il fait un zoom arrière comme ça, il sera toujours en pleine résolution. Ensuite, vous devez également vous assurer que votre mode d'image est réglé sur couleur RVB et huit bits par canal. Si ce n'est pas le cas, assurez-vous d' ajuster ce dont vous avez besoin ici. Comme je l'ai dit, si vous utilisez quelque chose avec plus de couleurs et de dégradés, peut-être voulez-vous utiliser 16 bits par canal, mais ce n'est vraiment pas nécessaire si vous faites quelque chose de graphique comme moi. Comme je l'ai déjà dit plusieurs fois, dans cette classe, vous ne voulez pas couper quelque chose à un groupe. Je vais vous montrer pourquoi maintenant, je vais introduire ce fichier dans After Effects et simplement vous montrer ce qu'il advient. Je vais le faire glisser, et surtout, lorsque vous faites glisser un fichier Photoshop dans After Effects, vous voulez vous assurer qu'il s'agit une composition qui conserve la taille des calques et que vous voulez vous assurer que le les styles de calque sont modifiables. Ce qui signifie qu'ils sont réellement séparés, ils ne sont pas comme une seule couche. Parce que ce style de calque fusionné dans métrage signifie essentiellement qu'il va tout aplatir. Vous voulez juste appuyer sur « OK ». Nous avons apporté notre dossier ici et j'avais ajouté un masque de détourage à mon chien, et comme ce masque de découpage s'est fait sur un groupe et pas seulement sur une couche individuelle, il ne fonctionne pas. Si vous allez dans le dossier des couleurs, où j'ai toutes mes informations, le masque de détourage a complètement disparu. Il n'y a plus cette ligne tordue que j'avais coupée dessus, donc elle a complètement disparu. Si vous voulez que cette information soit présente, vous devrez en faire autre chose . Débarrassez-vous complètement ou appliquez le masque de détourage directement à la chose à laquelle vous souhaitez l' attacher, pas seulement au groupe. Cela s'appliquerait peut-être à la silhouette du chien, au lieu de tout le groupe. N'utilisez pas de masques de découpage sur les groupes, ils n'apparaîtront pas. De plus, vous voudrez également vous assurer que vos masques sont aplatis. J'ai dit ne jamais aplatir, mais c'est une exception. Vous devez vous assurer que ces masques de calques sont appliqués aux formes réelles. Cela signifie simplement masquer cette partie masquée dans la forme raster réelle, et qu'elle doit être importée correctement dans After Effects maintenant car il ne s'agit que d'une forme raster et qu'elle n'a pas de masque dessus. Mais [BRUIT] il existe un autre moyen facile de le faire, donc si vous avez un tas de masques de calque comme celui-ci et que vous ne voulez pas tous les faire, ce qui pourrait prendre beaucoup de temps, il y a en fait un Un petit script pour ça. Si vous accédez au fichier, aux scripts et que vous cliquez sur aplatir tous les masques, il parcourra votre fichier et le fera pour chaque masque de calque que vous avez là-dedans, et il conservera toujours les masques de découpage, car quand il s'agit de masques, il s'agit simplement de masques de calque, pas nécessairement de masques d'écrêtage. Gardez cela à l'esprit. Cela a traversé et a fait tout cela pour moi, ce qui m'a épargné tant de travail. Évidemment, il y a beaucoup de saloperies supplémentaires ici que je n'ai pas besoin d'utiliser. Nous n'avons pas besoin de l' animateur. Je vais juste aller de l'avant et supprimer tous ces éléments car nous sommes maintenant dans notre fichier d'animation de personnages. Nous pouvons simplement supprimer tous ces groupes supplémentaires. Je n'ai même plus besoin de cet arrière-plan, je n'ai pas besoin de ce masque. Je n'ai pas besoin de beaucoup de choses qui sont déjà ici. J'ai juste besoin des bases et, en fait, je n'ai même pas besoin de cela pour faire partie d'un groupe. Si nous revenons au fichier After Effects, vous verrez que chaque fois qu'il y a un groupe, il crée une nouvelle composition dans After Effects. Une composition ressemble essentiellement un calque imbriqué dans un calque d'un calque. [RIRES] Plus vous avez de groupes, plus il sera compliqué pour votre animateur d'entrer dans chacun et d'animer chaque chose. Parfois, il est beaucoup plus facile de ne pas avoir autant de groupes là-dedans. Je vais simplement dissocier ce groupe principal, puis au sein de chacun de ces groupes, comme dire que votre animateur voulait toujours que le visage du chien le personnage et tout cela soit à lui seul. groupe ou composition dans After Effects, vous pouvez les laisser tels quels. Mais vous voudrez peut-être entrer en disons le personnage et dissocier la section du torse, et dissocier la section des bras, le pot et tout cela pour que vous puissiez facilement voir tous les éléments. de ce personnage dans une seule composition, au lieu de devoir entrer en groupes et les animer, et je reviens au groupe et tout ça. Je vais juste le faire pour tout ça ici. Cela peut vous paraître fou dans Photoshop, mais cela pourrait en fait aider beaucoup le processus d'animation. De plus, vous ne souhaitez pas avoir de calques vides masqués ou inutiles. Une autre façon de vous débarrasser de les calques vides qui n'ont rien du tout, consiste à aller dans le fichier, les scripts, puis supprimer tous les calques vides, et cela éliminera tout vide calques que vous avez dans votre composition Photoshop. Il y a beaucoup de petits scripts astucieux que vous pouvez utiliser ici. Je viens à peu près d'utiliser les masques aplatis, supprimer tous les calques vides et parfois j'utilise les effets de calque. Mais souvent, je n'ajoute aucun effet de calque, et ce que je veux dire par effets de calque, c'est juste lorsque vous créez des styles de calque et vous ajoutez comme des ombres intérieures ou traits que l'on appelle un effet de calque. Si nous introduisons cette nouvelle version dans After Effects, vous verrez que nous n'avons toutes ces couleurs d'esquisse de chien de référence supplémentaires, plus toutes ces couleurs d'esquisse de chien de référence supplémentaires, proportionnent les choses là-dedans. Nous avons juste les choses séparées qui doivent être animées, puis si vous allez dans le fichier des personnages au lieu de tout casser, comme nous l'avons fait ici. Voici à quoi il ressemblait avant. C'était le torse, le pot, la tête, le bras arrière. Tout ce que l' animateur veut peut-être pouvoir tous les voir au même endroit. Il n' apparaît même pas sur mon ancienne version, mais dans la nouvelle version, vous avez le bras avant et le torse ensemble et vous pouvez voir toutes ces pièces individuelles, et il pourrait être plus facile de l' animer de cette façon. Comme je l'ai dit, communiquez toujours avec votre animateur. Ils peuvent trouver cela gênant, mais c'est généralement ce que je ferai pour configurer mon dossier. Ce dossier a l'air et se sent plutôt bien. Si je revenais à cette liste que j'avais, je faisais essentiellement cette configuration d'animation After Effects de base configuration d'animation After Effects parce que j'ai supprimé tous les calques inutiles. Je n'ai rien aplati. J'ai étiqueté tous mes calques et j'ai appliqué tous ces masques de calques. De plus, j'ai renommé mon fichier, j'ai supprimé les couches supplémentaires qui n'étaient pas nécessaires. J'ai dégroupé les choses, je me suis débarrassé des masques non essentiels, vérifié les barrages routiers d'animation, vérifié la résolution et l'espace colorimétrique, et je suis prêt à animer maintenant. Je transmettrais ça à un animateur prêt à utiliser mon fichier à ce stade, ou je l'animerais moi-même. [BRUIT] Je suis de retour et je suis ici pour juger le dossier de Sarah. L'ouverture de Sarah est un dossier ici, décemment nommé jusqu'à présent. Je vais juste faire mes mêmes vieux bouleversements pour voir ce que nous regardons. Voyez comment les noms correspondent. C'est bon qu'ils ne font pas partie d'un groupe de bandana. Puisqu'en tant que calque d'éclipse, lorsque je l'importe dans After Effects, ce calque de motif et ce bandana seront immédiatement enfoncés dans une pré-composition, et ils seront essentiellement regroupés pour moi. C'est bon de regarder ça comme ça et de ne pas avoir absolument tout regroupé. Personnellement, je n' aborderais pas cela avec un état d'esprit de phoque parce que immédiatement ce chien supplie avoir une certaine attention de la part de cette fille, et je dirais que la fille doit absolument faire un tourner complètement vers, je ne sais pas, tapoter son ventre alors qu'il roule sur le sol ou quelque chose comme ça. Mais cela ne signifie pas que vous ne pouviez pas faire quelque chose avec ce fichier dans After Effects. Mais en regardant comment les choses sont construites, il y aurait du travail pour l'animateur, mais ce ne sera pas la fin du monde. Par exemple, cette couche de torse du bras avant n' aurait pas besoin de plusieurs couches pour After Effects avec de petites articulations et des pièces séparées comme ce bras. Il s'agirait d'une couche d'avant-bras. Il s'agira d'une couche de main. Être le haut du bras, le tout au-dessus d'un torse séparé. Mais oui, c'est plutôt bien dans l'ensemble. Je n'ai pas de choses horribles à dire. Tout est étiqueté, et tout est séparé. Ce ne sont pas des mathématiques folles dont je dois m'inquiéter. Je pense que ce fichier lui-même [MUSIC] serait très facile à utiliser et à animer immédiatement. [MUSIQUE] 20. Théorie : Communiquer avec les animateurs: Je sais que nous avons déjà beaucoup discuté de la façon de transmettre nos créations aux animateurs, et nous avons même parlé à Tyler, qui avait beaucoup de bons conseils. En toute confiance, je crois que si vous êtes arrivé jusqu'ici, vous savez probablement déjà ce que vous devez faire pour transmettre votre dossier. Mais je veux également résumer brièvement ce que nous avons appris pour rappeler à quoi vous attendre lorsque vous êtes sur un projet avec une équipe complète de designers et d'animateurs. Chaque projet, studio, client , etc. sera différent. Parfois, la chronologie peut avoir un chevauchement entre les concepteurs et les animateurs, et parfois vous ne pourrez même jamais discuter de choses avec l'animateur. En fait, vous ne savez peut-être même pas qui va animer la conception de votre personnage. Ce que je dis toujours, c'est de faire de ton mieux. Si vous ne savez pas qui va travailler sur votre projet, gardez simplement votre fichier de personnages aussi propre que possible. Assurez-vous de prêter attention à ces trois règles cardinales et aux trois niveaux de préparation de l'animation. Si vous pouvez savoir si un animateur vendeur After Effects donnera vie à votre personnage et basera votre structure de fichiers à partir de cela. chose la plus courante que j'ai entendue lorsque j'ai discuté ce sujet avec n'importe quel animateur est qu'un fichier de conception propre est toujours apprécié. Cependant, si vous avez le temps de discuter avec l'animateur, il est préférable de lui montrer votre fichier et de lui dire comment vous l'avez configuré. Vous pouvez même leur demander comment ils veulent le mettre en place, mais vous n'aurez pas toujours le temps d'y arriver correctement. Les délais peuvent être très serrés. C'est tout à fait acceptable si votre fichier n'est pas parfait, l'animateur le comprendra. Mais pour faciliter l'ensemble du processus , la communication est essentielle. Créer un fichier convivial pour les animateurs est un atout merveilleux à avoir en tant que concepteur. Cela pourrait potentiellement vous donner un coup de pouce sur d'autres pigistes et vous sécuriser des emplois. Gardez tout cela à l'esprit lorsque vous travaillez sur des projets clients, et bonne chance pour vous. [MUSIQUE] 21. Célébrez et transmettez votre fichier !: [MUSIQUE] Vous êtes arrivé jusqu'à présent. Sérieusement, il est temps de célébrer votre personnage. [MUSIQUE] Vous devez imprimer votre personnage, le mettre sur un mur, faire de votre personnage une épingle, la queue sur le jeu d'âne, gribouiller partout sur votre personnage jusqu'à ce qu'il disparaisse pour toujours. Mais si vous travaillez sur un projet un studio d'animation en ce moment, vous seriez dans une phase où vous transmettriez votre fichier à l' équipe d'animation pour le donner vie. Mais, nous ne sommes pas vraiment dans un studio d'animation, n'est-ce pas ? Peut-être faites-vous cela simplement pour vous amuser et animer vous-même votre personnage, ou peut-être collaborez avec un ami qui veut l'animer. Il n'est pas toujours nécessaire d'être aussi formel dans la finalisation de votre dossier. Il y a un moment et un endroit pour cela, mais au moins, vous savez maintenant exactement ce que vous devez faire si jamais vous êtes concepteur de personnages sur un projet de mouvement ou d'animation. À ce stade, il serait agréable pour vous de poster votre personnage dans la galerie du projet, de partager votre processus, votre photo de référence, vos croquis gestuels, croquis gestuels, tout ce que vous vous sentez à l' aise. J'ai hâte de voir vos personnages. Si vous avez des questions, veuillez les laisser dans l'onglet Discussions et je répondrai dès que possible. [MUSIQUE] 22. Merci !: [MUSIQUE] Encore une fois, merci d'avoir suivi ce cours. Ce fut un réel plaisir partager mes connaissances de personnage avec vous. Je ne conçois peut-être pas les personnages de la même manière que les autres, mais ces conseils m'ont beaucoup aidé au fil des ans. J'ai tellement grandi en tant que designer tout en apprenant à concevoir des personnages et je sais que vous le feriez aussi. N'oubliez pas de consulter l'onglet Ressources ci-dessous pour télécharger le manuel de cette classe, qui comprend le plan, les instructions et les conseils et astuces. Si vous avez le temps, j'adore que vous partagiez ce cours avec vos amis, ou vous pourriez même suivre un autre de mes cours ici sur Skillshare. J'en ai quelques-uns qui fonctionneront probablement très bien en tandem avec cette classe, comme ma classe de palette de couleurs ou ma classe de formes. Merci encore d' être arrivé jusqu'ici. Je suis très fier de toi. voit bientôt. [MUSIQUE] 23. Bouillons :): Je vais voir pourquoi les motifs peuvent être un tel tracas. N' utilisez pas la dernière ligne. [MUSIQUE] Rendre la partie inférieure de la jambe un peu plus courte et même rendre son pied plus grand et plus grand. Elle a [RIRES] les pieds massifs. Mais tu sais quoi ? Certaines personnes ont des pieds massifs, et c'est très bien et c'est génial. [MUSIQUE] Comment iriez-vous les animer ? [MUSIQUE] Je veux animer un personnage. [MUSIQUE] Naturellement, il était logique d' avoir une véritable graine biologique. Mais ces conseils savants ont, oh appris. Est-ce qu'une boutique IRL s'appelle l'arrêt cadeau. Le cadeau s'arrête. [BRUIT] Désolé. [BRUIT] À ce stade, vous pourriez dire : « Sarah, pourquoi utilisez-vous Béziers si vous ne pouviez pas le mettre dans Illustrator ? » C'est une excellente question. Nous allons y arriver dans une minute. Mais avant que tu ne te fâches contre moi [RIRES] ou quoi qu'il arrive, qui n'aime pas un animal de compagnie ? [RIRES] Maintenant que nous avons tous. [RIRES] Je pense que j'avais mis un chien ici, n'est-ce pas ? [MUSIQUE] Si je ne l'ai pas fait, ce qui semble ne pas l'avoir fait, je peux juste rapidement ruiner ça à l'intérieur. Voici la vidéo 22 et il y a un camion fort. Heureusement, je suis juste à côté d'un poste de police, donc c'est toujours bon. [MUSIQUE] Vous voulez que ce soit comme ça. [MUSIQUE]