Illustration numérique : communiquez avec les couleurs, les motifs et les textures | Brad Woodard | Skillshare
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Illustration numérique : communiquez avec les couleurs, les motifs et les textures

teacher avatar Brad Woodard, Illustrator + Graphic Designer

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Leçons de ce cours

    • 1.

      1. introduction

      15:24

    • 2.

      2. Faites des ébauches

      11:13

    • 3.

      3. La puissance de la couleur

      11:45

    • 4.

      4. Illustrator 101 [FACULTATIF uniquement pour les débutants]

      14:18

    • 5.

      5. Passer au numérique - Partie 1

      9:24

    • 6.

      6. Passer au numérique - Partie 2

      14:22

    • 7.

      Facultatif : vidéo de Q&R enregistrée précédemment

      33:10

    • 8.

      7. Les formes vectorielles naturelles

      9:25

    • 9.

      8. Créer des motifs dans Illustrator

      12:42

    • 10.

      9. Pinceaux et motifs de texture personnalisés

      11:59

    • 11.

      10. Textures bitmap

      6:57

    • 12.

      Facultatif : session finale de Q&R

      20:19

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

13 277

apprenants

495

projets

À propos de ce cours

Ce cours vous apprendra à redonner vie à vos propres illustrations numériques en utilisant quelques éléments de conception de base. 

Apprenant, projet de Jesper Bertelsen.

Ce cours est destiné aux débutants en illustration numérique ou aux personnes expérimentées qui souhaitent améliorer leur capacité à incorporer des couleurs, des motifs et des textures dans leurs œuvres. Du concept à la réalisation, vous sortirez de ce cours avec une œuvre d'art magnifique, à accrocher à votre mur.

Ce que vous apprendrez

  • Développement du concept.  Vous allez créer une illustration numérique avec votre interprétation du mot « calme » ou « bruyant ».
  • Comprendre les couleurs.  Vous allez apprendre la théorie des couleurs et les principes essentiels de la conception.
  • Mise en page et composition.  Vous allez organiser une image du début à la fin. 

 « Voilà où j'en suis actuellement avec ce salon calme du milieu du siècle. » -Dominic Flask, apprenant et instructeur Skillshare

Ce que vous ferez

Dans ce cours, vous allez créer une illustration numérique pour représenter votre interprétation visuelle d'un adjectif. Vous aurez le choix entre deux adjectifs : « calme » ou « bruyant ». Pour cela, vous utiliserez des motifs, des textures et des couleurs. Votre illustration peut être aussi abstraite ou littérale que vous le souhaitez. Au début du cours, vous déciderez comment vous souhaitez visualiser le mot. En fonction de vos idées et du brainstorming, vous choisirez ensuite vos orientations les plus fortes. C'est le moment idéal pour demander l'avis de vos pairs afin de voir si vous communiquez comme vous le souhaitez. 

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Brad Woodard

Illustrator + Graphic Designer

Enseignant·e

 

I am a graphic designer and illustrator raised in the Great Northwest, now living in Boise, Idaho with my wife and two little kids. After graduating with a BFA in graphic design, I started my career as an information designer and illustrator at Column Five Media. The digital illustration courses I took in college paid off, as I found that more and more clients were requesting illustration work in their designs. Merging both skills together I have been able attract all types of work, including my work in advertising at Arnold Worldwide.

Now, my wife and I run our own design and illustration studio full-time, named Brave the Woods. We also started the company Artists for Education, which brings artists together to create beautifully designed, educational artwo... Voir le profil complet

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Transcription

1. 1. introduction: Hey, les gars et bienvenue en cours. C' est le premier jour de notre cours Skillshare, qui communique avec la couleur, le motif et la texture. Je veux juste vous remercier tous de vous être inscrits. Il y a eu beaucoup d'entre vous, beaucoup plus que ce que je pensais. Donc si je parle plus vite, si je ne sais pas quoi faire de mes mains ici, c'est parce que je n'ai jamais essayé une de ces choses avant et il y a tellement d'entre vous les gars, donc je ne veux pas vous laisser tomber. Mais merci à tous de m'être joint et de m'aider à promouvoir ce cours tout au long du mois dernier. Cela a été très amusant de rassembler ce programme et d' entendre vos questions sur le fait de vouloir l'obtenir, comment se passera le flux de travail pour ce cours et vos commentaires sur ce que vous aimeriez voir et ce que vous aimeriez sortir de cette Bien sûr. espère que j'ai fait un bon travail pour que vous puissiez réellement ajouter à vos connaissances et je sais que vous avez tous vos propres processus uniques que vous suivez ou processus créatifs uniques que vous suivez et j'espère juste ajouter à cela. Je ne veux pas dire que c'est la bonne ou la mauvaise façon, mais je suis flatté que vous soyez intéressé par la façon dont je pense et comment je crée mon illustration. Donc, je suis extrêmement heureux de pouvoir vous les montrer et montrer mon processus et oui, alors allons de l'avant et décomposer ça dans un aperçu du cours. Nous y voilà. L'unité 1 est là où nous en sommes. C' est l'étape du développement du concept et c'est là que nous avons mis en place nos illustrations où nous allons commencer à sortir toutes les idées de nos têtes et à les jeter sur papier. C' est génial d'être analogique en ce moment. Je n'ai pas à m'inquiéter de monter sur l'ordinateur et de commencer à dessiner. La prochaine vidéo sera sur comment et pourquoi je croquis. Je te promets que ce ne sera pas ennuyeux. Je vais montrer quelques exemples de mes terribles compétences en esquisse. Mais comment le transformer en quelque chose de beau. Donc, c'est une super histoire et il y a quelques trucs et trucs cool qui seront certainement utiles pour nous tous. Je sais qu'il y a un large éventail de niveaux d'expérience dans cette classe. Je sais qu'il y a certains d'entre vous qui sont super novices et certains d'entre vous qui ont été autour du pâté de maisons beaucoup plus longtemps et beaucoup plus de fois que moi. Donc, toutes ces choses que j'ai pris en charge tout pour s' adapter, d'avoir des informations qui aideront toutes les gammes et tous les niveaux d'expérience. C' est ce que sera l'unité 1, c'est que nous allons juste développer nos idées, définir le mot fort ou silencieux, celui que vous choisissez et vraiment apprendre à prendre un concept et l' amener jusqu'au bout illustration. Espérons que quelque chose sera passionnant et plus profond que ce que nous avons créé auparavant. Alors l'unité 2, c'est la viande de toute la classe. C'est génial. Ce sera la mise en page et la composition, qui bien sûr, nous allons passer un peu de ça pendant que vous esquissez. Vous allez mettre en page et, espérons-le, penser à votre composition au fur et à mesure que vous esquissez. Mais l'unité 2 abritera ces choses spécifiques. Donc, il abritera une vidéo sur l'apprentissage de la façon d'établir une palette de couleurs. Je sais que beaucoup d'entre vous avaient des questions sur la couleur et ils disent que je voulais savoir comment j'ai fait des choix de couleurs ou comment construire ces palettes. Beaucoup de fois, nous sommes coincés surtout quand nous allons à l'ordinateur pour une raison quelconque, c'est vraiment facile à. Nous n'avons pas de texture ou quoi que ce soit, c'est vraiment plat. Donc c'est encore pire et nous ne pouvons pas obtenir ces couleurs correctement et donc nous avons des objets plats et la couleur est des couleurs plates. Donc on va régler ça sur notre théorie des couleurs. Je sais que si l'un d'entre vous dit en ce moment, « La théorie des couleurs, je dessine , je l'illustre depuis si longtemps. Je connais ces choses à l'envers et à l'avant. » J' ai de nouveaux conseils pour vous et je suis sûr que vous n'avez pas suivi de cours de design et de couleur depuis votre première année de fac. Au moins, c'était comme ça pour moi, alors supporte avec moi. Il y a des idées vraiment cool et comment je suis juste unique à moi-même et comment je crée ces couleurs. J' aime les couleurs et je pense en couleurs et je compose tout avec ces couleurs à l'esprit. Donc vous verrez que je commence vraiment à pousser les couleurs tôt, juste après avoir esquissé en fait. Donc ce sera une section géniale. En outre, nous allons passer en revue un peu les principes du design, seulement deux en particulier, l'unité et la variété et la répétition. Ensuite, nous parlerons également de la façon dont j'ai configuré mon espace de travail numérique et je vous le montrerai. Tellement grandes choses à venir. L' unité 3 est la touche finale. Ce sera un tas d'une série de tutoriels que je vais créer et ce sont ceux qui sont tous uniques à ce cours Skillshare. Donc vous ne trouverez pas que sur YouTube, vous ne trouverez pas ça dans aucun, eh bien, peut-être que quelqu'un d'autre l'a déjà fait avant, je ne les ai pas trouvés. C' est juste moi qui travaille, mais sentez-vous spécial parce que c'est pour vous. Même les vidéos que vous n'entendez pas ma voix, sont en fait des professeurs à moi et j'ai demandé de les faire sur mesure pour vous les partager. Donc, des trucs vraiment géniaux sur la façon de finir nos illustrations et de les prendre de ces compositions plates dans quelque chose de très vivant, et ajouter plus de profondeur et de dynamisme à ces pièces. Oui, je pense que c'est ce qu'on veut tous. Donc, nous allons certainement passer en revue quelques conseils et astuces pour unifier la palette de couleurs. Une fois que nous avons même créé la palette de couleurs, nous allons trouver des moyens de l'unifier encore mieux dans les tours de finition, ainsi que quelques petits conseils à faire dans votre vecteur, encore un peu plus tangible, plus réel et moins dur et numérique. Donc nous allons faire des choses comme ça et ensuite nous allons faire d' autres textures Photoshop, numériser et salir les mains. Donc plein de trucs amusants à venir, je suis vraiment excité. Dans cette petite diapositive juste pour vous montrer pourquoi j'ai divisé la classe en trois unités. C' est parce que je vois le processus d'illustration comme la construction d'une maison, peu ringard, mais ça m'aide à me souvenir du processus dans lequel je dois suivre. Donc l'unité 1 sera comme notre fondation, l'unité 2, le cadre de la maison, l'unité 3, en mettant tous les détails, le bardage, le toit, toutes ces choses amusantes. garder dans cet ordre va certainement vous aider avec vos illustrations. La vue d'ensemble du projet est donc assez simple. Je ne sais pas si c'était logique ou pas dans le Skillshare. Qu' est-ce que c'était ? Description de la classe, mais choisissez de représenter visuellement soit le mot silencieux ou fort. C'est clairement à vous de décider. Je voulais laisser le soin à votre interprétation parce que ce cours est axé sur le plaisir, l'expérimentation et l'apprentissage. J' ai pris ces deux mots qui sont très ouverts et qui sont très ouverts à votre propre interprétation. Alors définissez les mots dans votre propre esprit, puis pensez à une façon de le représenter visuellement dans une illustration. Illustration doit être 8 sur 10 soit paysage ou portrait, à vous, et juste s'amuser avec elle. Il y a beaucoup de choses que tu peux faire. Je ne voulais pas trop entraver votre créativité alors allez-y et commencez à penser à vos idées maintenant. C' est de ça qu'il s'agit. Juste quelques autres choses à penser avant de sauter dans votre esquisse, qui sera la prochaine vidéo, et de comprendre pourquoi vous créez cette illustration. Beaucoup de fois, je sais que celui-ci est parce que c'est un cours et c'est pour s'amuser, mais comprendre quel que soit ce concept que vous venez avec. Essayez de mettre en place quelques paramètres et de dire, eh bien, c'est ce que je veux accomplir avec cette illustration, pas seulement commencer cette illustration et juste voir où elle vous mène. Essayez de vous fixer des objectifs et de savoir ce que vous voulez accomplir. Je sais que quelques-uns d'entre vous m'ont déjà envoyé un e-mail ou un OneNote essayant de me dire ce qu'ils voulaient de ce cours de conception et beaucoup d'entre vous, ou certains d'entre vous parlaient de la façon dont vous vouliez qu'il ne se sentait pas si carré, ou vous le vouliez pour se sentir superposé, ou quoi de plus. Tous sont de grandes choses, alors gardez cela à l'esprit lorsque vous créez ceci. Lorsque vous travaillez sur un projet pour un client, vous devez garder une trace des raisons pour lesquelles vous créez cette illustration. Il est facile de se laisser emporter par les textures et les couleurs et de commencer à devenir vraiment expérimental et ensuite vous commencez à entrer dans cette œuvre d'art qui est seulement bon pour vous et vous ne pouvez qu'interpréter. Donc, si c'est pour un client ou quelque chose, régnez-le en arrière et regardez continuellement en arrière pourquoi vous créez ce qu'est le concept. Il y a aussi une super vidéo Jack White. Il s'agit d'une interview avec Jack White sur son propre processus créatif et sur la façon dont les limitations engendrent la créativité. Je suis entièrement d'accord avec tout ce qu'il dit dans cette vidéo et je l'applique à mon propre processus de conception. Vous avez donc tout un monde d'opportunités pour concevoir tout ce que vous voulez. Lorsque vous avez des ressources illimitées pour faire ce que vous voulez, parfois c'est plus difficile de prendre votre décision et de réellement s'engager à quelque chose et commencer travailler, alors vous ne commencez jamais et vous procrastinez et vous êtes sur une date limite folle et travailler toute la nuit. Alors ne vous laissez pas prendre dans ça. Essayez de restreindre ce que vous voulez faire. Affinez votre attention et décidez de ce que vous voulez faire. Peut-être que c'est une certaine palette de couleurs dans laquelle vous voulez travailler, peut-être que c'est un certain format que vous voulez faire, peut-être que vous voulez vraiment appliquer ce type de texture. Alors traitez vos illustrations à cela, vos concepts à cela. Alors rappelez-vous, définissez simplement ces mots, selon celui que vous voulez, silencieux ou bruyant, et utilisez cela dans une illustration. Une petite chose pour vous aider, est une astuce spéciale de Brad Woodard que je ne connais pas trop d'autres personnes qui font vraiment ça, mais j'écris une liste de mots, et ce sont toutes les choses que vous faites avant de dessiner. Alors que j'écris une liste de mots qui m'aidera à définir quel que soit le mot ou quel que soit mon concept, juste beaucoup de mots de soutien. C' est juste un moyen de faire sortir mes pensées. Voir ces mots me rend beaucoup plus facile parce qu'ils sont plus difficiles à mal interpréter. Par exemple, une autre grande ressource consiste à utiliser des choses comme des tableaux d'humeur. Fondamentalement, si vous ne savez pas ce qu'est une planche d'humeur, c'est essentiellement une planche Pinterest. Oui, je suis un gars et oui, j'utilise Pinterest, tout comme beaucoup d'autres designers et illustrateurs qui sont des gars, alors ne juge pas. C' est génial parce que vous pouvez être en mesure de garder un catalogue de toutes vos images inspirantes que vous trouvez et c'est donc l'idée. Recueillir toutes ces images, les amener, il suffit de référencer des références sur la couleur, votre texture ou la composition, tout ce que vous ressentez. C' est peut-être une certaine période de temps. Peu importe ce que vous pensez comme votre concept, trouvez des images inspirantes appropriées et construisez cela. Donc, prendre ces images et les associer aux mots, avoir les deux de chaque côté de votre travail pendant que vous esquissez pourrait vraiment vous aider à rester ancré et concentré sur votre concept. Comme je l'ai dit tout à l'heure, quand vous avez ce mot là, c'est beaucoup plus difficile que parce que quand vous entrez dans vos photos ou dans votre tableau d'humeur, beaucoup de fois vous allez être un peu balancé et commencer à devenir fou parce que je trouvé cette nouvelle texture que j'ai aimé sur cette image et maintenant je vais commencer à essayer de le faire et l'ajouter dans mon illustration. Mais maintenant mon illustration va vraiment loin du concept que j'avais à l'origine, ou de la définition de ce mot pour qu'il ne visualise plus cela. Vous pouvez regarder une de ces images et vous l'aimez pour sa texture, mais le sujet n'a rien à voir avec ce que vous faites. Alors comptez sur cette liste de mots que vous créez pour vous aider et vous garder à la base sur le chemin que vous vouliez. C' est un petit conseil. Espérons que ça t'aide. Aussi, une dernière chose dont je viens de me souvenir serait une petite activité rapide. Pas rapide. Vous pouvez le faire quand vous. Vous pouvez le faire maintenant ou vous pouvez le faire plus tard. Mais juste un grand exercice est néanmoins de trouver un excellent travail, quelque chose qui vous inspire, une illustration qui vous inspire et démonter, puis le prendre dans votre ordinateur et en faire une réplique. Je ne tolère pas le vol ou quoi que ce soit comme ça ou en fait l'utilisation, mais vous pouvez le prendre et vraiment analyser toutes les pièces. Quand vous recréez quelque chose, vous devez le regarder de très près, et quand vous commencez à enlever des éléments de cette illustration, vous commencerez à remarquer, oh, quand je sortirai ça, toute la composition se sent un peu déséquilibrée ou autre chose, et donc vous le remettez et vous sortez un autre morceau, comme, oh, ça remonte, ça ne marche pas. Je ne peux même pas les réorganiser quand vous essayez de le recréer, ou bien ça se sent mal et vous commencez réaliser que tout a été placé là pour une raison. Comprendre ces raisons est vraiment clé, donc cela vous aidera dans vos propres illustrations, dans vos propres compositions en particulier. Je vais arrêter de parler. C' est excitant. Je répondrai à toutes les questions que vous avez, alors n'hésitez pas à les poser. Je vous verrai dans la partie croquis, qui est la suivante. Espérons que vous cliquez dessus juste après cela. Merci. Au revoir. 2. 2. Faites des ébauches: Hé, les gars. Bienvenue en classe, c'est la deuxième partie de notre première unité et nous allons faire des croquis. Je sais que certains d'entre vous roulent probablement les yeux et se demandent comment nous allons faire un segment entier sur le simple croquis, mais supporte avec moi, j'ai des conseils et des choses réellement valables de ma propre pratique de croquis que nous espérons vous aider et vous aider dans votre propre processus de création de cette illustration et vous préparer à la prochaine étape qui est de faire un numérique. Nous voulons vraiment mettre en place cette fondation correctement, donc la façon de le faire est de sortir toutes les idées que nous pouvons, et la façon la plus rapide de le faire serait de faire des croquis, avec un stylo et du papier ou un crayon et du papier. Je veux aller de l'avant et vous emmener à travers mon propre carnet de croquis et je discutais de savoir si je devrais ou non, si je devais utiliser quelques beaux exemples en ligne d' si je devais utiliser quelques beaux exemples en ligne d' autres artistes dont l'art ou dont les croquis ne ressemblaient pas à un jardin d'enfants les a dessinés. Les miens sont assez mauvais, mais pas mal d'une manière conceptuelle, juste mauvais dans le rendu réel d'eux. Mais c'est bon, donc si vous n'êtes pas un artiste, c'est une bonne nouvelle pour vous, ou si vous sentez que vous n'êtes pas un grand tiroir, ne vous inquiétez pas à ce sujet. Ces croquis sont juste pour obtenir vos propres idées là-bas pour vous, Si vous avez besoin de prendre un peu de temps et de les nettoyer et de les préparer pour un client, vous pouvez le faire évidemment. Mais en ce moment, nous allons juste dans le prototypage rapide et sortir toutes les idées que nous pouvons. S' ils ont l'air moche, peu importe, tant que vous pouvez déchiffrer ce qui est sur cette page, et vous verrez quelques exemples de cela arriver ici dans une seconde. Eh bien, commençons. Laisse-moi ouvrir ça. Eh bien, je voulais commencer par ce petit spécimen ici et je me demandais si l'un d'entre vous savait quel langage cela pourrait être. Eh bien, vous savez peut-être déjà, certains d'entre vous le savent peut-être, mais c'est en fait anglais, c'est l'anglais et c'est juste un raccourci qu'ils avaient l'habitude, avant les ordinateurs ils devaient prendre des notes rapides qui seront pour le travail de secrétariat ou les journalistes essaieraient de faire tomber leurs idées rapidement, c'est à ça que cela ressemblait. Si le tien ressemble à ça où personne d'autre peut déchiffrer que toi, c'est parfaitement bien. J' ai dû jeter ça là-dedans parce que ça me fait me sentir mieux avec mes propres affaires. Voici un exemple de mon carnet de croquis, je veux juste passer brièvement, passer par ceux-ci et scanner à travers. Comme vous le remarquerez à gauche, comme je l'ai dit dans la dernière vidéo, je fais une liste de mots et certains meilleurs que d'autres, mais il y a généralement des mots à gauche expliquant ce que je dois faire à droite pendant mes croquis, et j'ai généralement mon ordinateur juste au-dessus de cela et ouvert au tableau d'ambiance que j'ai créé de toutes les images comme inspiration. Voilà, ceux-ci sont en fait un peu mieux, icônes que je créais et en quelque sorte ils ont fini par paraître décent pas incroyable, mais décent. Mais voici un exemple, je veux vous expliquer comment chacun de ces croquis m'a aidé. Dans celui-ci, j'essaie juste de trouver beaucoup de petites idées de type différent et j'ai dû écrire le mot complètement là-bas pour voir comment ces lettres seraient corrélées ou pourquoi pas, alors vous jouez avec des idées comme ça. Parfois, vous faites un tas d'éléments différents, tout dépend de votre illustration, mais sur celle-ci , vous pouvez voir que je suis devenu vraiment paresseux. Vous pouvez voir que la liste de mots est assez hagard là-bas. Je ne sais pas si tu peux le lire. Mais ces illustrations étaient vraiment, très rapides, rugueuses et sales, juste assez pour me faire savoir ce que j'avais besoin de dessiner dans la forme de base. Une fois que vous allez dans le numérique, vous pouvez les nettoyer, mais c'est vraiment agréable de les avoir à un moment où vous pouvez les prendre, les scanner, puis créer votre art vectoriel au-dessus d'eux, parce que souvent je ne serai pas capable de, spécialement sur celui-ci, prendre tous ces éléments et être en mesure de les organiser comme je veux les autour. Celui-ci autour de mot. Juste parce que je bouge tellement que ce ne serait pas pratique de continuer à tout redessiner. Quand vous êtes à ce point, attendez juste de monter sur l'ordinateur, mélangez simplement les choses autour, sortez simplement les formes et les idées de base. Voici un autre exemple juste, c'est un peu mieux de passer par et de prendre tous les différents éléments, peut-être juste les différents, c'est un sceau, alors comment ces lettres jouent les unes avec les autres. Comment interagiraient-ils ? Peut-être quel était le sentiment que je voulais aller ? Quelle est la bordure ou les bords de ce sceau, et comment cette forme serait-elle ? Alors peut-être dans certains comme je joue avec la forme, quand j'essaie de faire des personnages et il semble que je dessine exactement la même chose, mais chaque fois que j'essaie de découvrir, quel point je peux aller exagérer cette partie du corps que ce chat était censé être, remontant, et plus tard, il devient un chat vraiment en colère. Vous verrez ça à un autre moment. Mise en page, donc juste quelques idées rapides sur ce qu'il est. Maintenant, en voici quelques avant et après, j'ai dû mettre celui-ci ici parce que j'aime vraiment le résultat à droite, mais le croquis était juste horrible. Cet énorme pouce de Frankenstein, il y a ces doigts, je ne sais même pas comment ils hyper étendus pour aller comme ça, vous avez quelques choses ici dans son dos et je ne suis pas sûr, mais je pense que c'est un visage, juste des trucs horribles. Mais parce que je faisais des expériences, j'avais en fait quelques autres pages avec des choses comme ça, j'ai pensé vous épargner, vous les montrant toutes. Mais ce que je veux prouver avec ça, c'est que c'est vraiment important juste de faire connaître vos idées. Ils n'ont pas besoin d'être vraiment beaux, il suffit d'obtenir votre mise en page, et vos idées, et certaines des formes de base et vous êtes prêt à partir. Comme celui-ci, celui-ci a juste fini par être sur le point que je l'esquissais, peut-être le prendre et je voulais juste le montrer parce qu'il y a le velum de croquis là que j'avais, le papier calque pour le rendre un peu [inaudible ] que dans un peu mieux, et nettoyer les bords pour que je puisse l'amener sur l'ordinateur, scanner et mettre l'art vectoriel au-dessus de lui. Numériser définitivement vos croquis. Celle-ci, c'est la dernière, et je voulais juste te montrer parce que j'étais, encore une fois, vraiment content du résultat dans le labo, mais ça m'a rendu beaucoup plus facile de le faire parce qu'à gauche, on voit que j'ai vraiment traitait de la composition. J' avais une toute autre page de seulement les éléments, peut-être juste les petits parasols qui étaient sur la plage, et ces voiliers, et ces arbres, et bien d'autres choses. J' avais ces éléments et puis sur cette page, je les ai simplement jetés ensemble dans un peu d'une composition et comment je voulais équilibrer certains des éléments là-dedans. Comme vous pouvez le voir, c'est assez proche du résultat final, donc ça m'a fait gagner beaucoup de temps une fois que je suis monté sur l'ordinateur. Une autre méthode, si l'un d'entre vous a fait du design web, je suis sûr que vous êtes familier avec la méthode filaire de la boxe grise. Fondamentalement, où vous prenez juste pour chaque section de votre site Web, vous allez de l'avant et faites une boîte grise là et bloquez cette zone pour ce contenu, sorte que vous savez où sont les choses, quelle est la hiérarchie des tailles, et les choses par rapport à d'autres choses, donc juste vous aide. Pensez à cela lorsque vous faites vos croquis, surtout si vous avez beaucoup d'éléments, commencez à les placer là où vous les voulez, cela vous fera gagner beaucoup de temps sur la route. Je pense que c'est tout ce que j'ai pour ça, mais juste avant que je te laisse partir, juste quelques pensées. Je suppose un conseil rapide. J' aime écrire quelques fois où j'aime esquisser parfois avec juste un stylo et ne pas utiliser un crayon, et la raison pour laquelle c'est parce que quand j'écris avec un stylo, Il est certainement plus permanent et donc je dois garder ces idées dehors là. Quand j'ai des idées qui sont juste super génériques ou juste, je ne sais pas, même si j'ai fait un mauvais travail dessinant et que j'avais l'impression que ça ne représentait pas ce que je fais du tout, je l'effacerais ou si je commençais même sur l'ordinateur, J' allais juste appuyer sur Commande+Z, et c'était vraiment facile. Ensuite, je n'avais aucune archive de tout le travail passé que j'ai fait parce que j'ai tout effacé, j'ai tout effacé, et ces idées étaient toujours coincées dans ma tête et je continuais à y revenir. Donc, une façon de le faire est d'essayer d'écrire avec un stylo ou d'esquisser avec un stylo, et de sortir vos idées et de les sortir de votre tête sur le papier, afin que vous puissiez les voir, vous l'avez fait. Vous pourriez dire à votre cerveau, je les ai déjà sortis de ma tête, ils sont là, maintenant je peux travailler sur la prochaine idée et ne pas rester coincé. C' est certainement l'une des plus grandes idées que j'aimerais partager avec vous, et j'espère que cela vous aidera dans vos esquisses. Aussi, si vous allez faire des motifs, je voulais juste dire que, ce n'est pas le moment d'entrer dans vos textures et vos couleurs. Nous le ferons tout de suite dans la prochaine unité. Mais en ce moment, nous venons juste de trouver des concepts et différents éléments et formes de ces éléments que nous allons inclure dans notre illustration. Ne vous inquiétez pas de ces autres choses comme vos couleurs et vos textures. Si vous faites vos propres modèles, évidemment, allez-y et esquissez-les et trouvez comment vous voulez les montrer. Je pense que c'est tout, je vais te laisser partir. Encore une fois, vous n'avez pas besoin d'être un artiste, un bon tiroir fou pour pouvoir bien esquisser, mais j'espère que ces idées vous aideront, et j'ai hâte de voir tous vos premiers croquis. Merci. Au revoir. 3. 3. La puissance de la couleur: D' accord, on l'a fait. Nous sommes maintenant dans la deuxième unité du cours et nous l'avons fait à travers l'étape de l'esquisse et de la conception, et j'espère, cela s'est bien passé, et les conseils que j'ai partagé leur aide. Maintenant, nous allons sortir de la scène en noir et blanc et entrer dans la couleur, la partie amusante, et une partie que je sais que beaucoup d'entre vous ont attendu et vu. Nous allons commencer à obtenir ces trucs, nos croquis et nos idées maintenant solidifiés et j'espère que nous le faisons grâce à l'obtention de commentaires dans le forum là-bas, et je ferai de mon mieux pour tendre la main et essayer de donner commentaires individuels du mieux que je peux avec une si grande classe. Mais oui, maintenant nous sommes dans le numérique, créant une version numérique de notre travail et en entrant dans les couleurs. Permettez-moi de vous expliquer comment je vois la couleur, parce que la couleur peut être effrayant d'approcher juste parce qu'il ya tellement d'options et de variables impliquées dans le choix couleurs et la prochaine vidéo sera en fait spécifiquement. Regardez en fait la vidéo suivante, juste après celle-ci, parce que je vais faire une étape dans Illustrator sur la configuration de mon espace de travail, mais aussi sur la façon dont je crée des palettes de couleurs et des petits trucs et astuces que je fais dans Illustrator pour me contenter d'un palette de couleurs que je pense est appropriée à mon illustration et concept. La puissance de la couleur, la raison pour laquelle je pense que nous sommes tous accrochés à la création de palettes de couleurs et ce qui le rend si difficile, c' est à cause des différentes variables comme la couleur est très émotionnelle. J' ai grandi à Seattle, il faisait gris, sombre. C' était facile d'être déprimé quand tu marchais dehors, mais dès que c'était ensoleillé et lumineux, c'était vraiment un changement d'humeur là-bas et tu étais plus heureux et oui, ton esprit nous sommes plus élevés. Emotionnellement, la couleur joue un grand rôle. C' est aussi descriptif, si vous deviez penser à quelque chose. Nous avons affaire à un monde d' illustration et parfois les formes sont un peu plus abstraites. Étant très descriptif comme dans, par exemple, vous essayez de montrer la différence entre un ours noir et un ours polaire, vous ne saurez pas cette différence si nous n'utilisions pas les bonnes couleurs. Sauf si vous avez fait cette forme, ou dans des contextes ou quoi que ce soit, mais certainement, la couleur peut aider à décrire choses et ils peuvent aussi pointer vers une époque de l'histoire, dont je vais parler dans un peu. Ils sont vraiment descriptifs et ils sont relatifs à l'endroit où ils sont assis, peu importe où ils sont à côté, où ces illustrations ou où vivent ces couleurs, ils sont très relatifs à leur environnement, éclairage, toutes sortes de choses. Cela le rend difficile, et puis évidemment c'est fonctionnel. C' est certainement quand vous commencez à composer votre travail, vous allez penser à votre couleur et la couleur jouera un grand rôle dans l'équilibre, dans la composition que vous créez. Tout simplement parce que des choses comme les valeurs plus sombres étant plus lourdes, et les valeurs plus légères étant plus légères sur la page, visuellement plus légères et visuellement plus lourdes, peuvent vraiment faire une différence sur votre page et sur votre concept. Toute la liste des raisons pour lesquelles la couleur peut être si difficile. Ce n'est pas seulement vous, il est vraiment difficile de choisir une palette de couleurs. On va corriger ça dans la prochaine vidéo, mais ici, je veux juste te ramener à la Color 101. Nos bases de couleur et la compréhension de cela. Je vais vous faire passer ça très vite, et je vais vous montrer quelques exemples de mon propre travail. Nous avons la roue des couleurs. Si vous n'êtes pas familier, ce sont les couleurs primaires. Ce sont les couleurs secondaires. Les couleurs complémentaires, et ce qui est intéressant à ce sujet, c'est que vous avez, j'ai remarqué que quand je travaillais, sont des opposés complets et ils peuvent être super vibrants les uns à côté des autres, mais presque trop vibrants et un peu trop dans votre visage, la combinaison de couleurs de vos couleurs gratuites. Faire des choses comme utiliser le proche opposé au lieu de l'opposé direct de celui-ci dans la roue de couleur, peut rendre vos combinaisons un peu plus subtiles et cela peut être une touche agréable et agréable à ajouter à vos couleurs. Vous avez vos couleurs tertiaires, qui est évidemment la combinaison entre votre bleu et votre vert rend votre couleur sarcelle ici, et ensuite vous obtenez votre vert citron venant du jaune et du vert, et ainsi de suite. Vous avez des couleurs analogues, qui sont mes préférées, parce qu'elles sont juste à côté de l'autre et vous pouvez faire beaucoup avec eux. Ils sont tous similaires dans la teinte, mais ils varient également en valeur. Ils peuvent devenir plus sombres là-bas et vous pouvez faire beaucoup de choses avec eux comme je l'ai fait avec cet extrait. J' ai fait cette bannières web pour extrait, et j'ai pu réaliser beaucoup de profondeur et de dimension dans mon travail, uniquement en utilisant ces différentes teintes des mêmes couleurs et ces couleurs jaunes analogues, comme un moyen rapide d'ajouter une certaine profondeur et quand je l'ai vu, il peut certainement être utilisé. Juste la couleur a beaucoup d'influence dans votre travail. Juste pour revenir aux termes de base, juste pour que nous soyons tous sur la même page. Peut-être que vous ne l'avez pas vu depuis un moment, donc vos teintes, vos couleurs, votre intensité, c'est la luminosité ou la ternesse de la couleur. Vous pouvez voir ici, mais il pénètre définitivement dans vos nuances et vos teintes où vos nuances, ou quand vous ajoutez du noir à votre couleur, teint votre ajout de blanc, et c'est là que vous perdez juste la couleur réelle, cette couleur orange s'estompe, et vous perdez la pureté de cette couleur. Ensuite, vous avez votre valeur, qui est comme votre luminosité, votre luminosité et votre légèreté, ou quoi que vous vouliez dire cela dans votre travail. Tu dis si c'est plus clair ou plus sombre, donc tu dirais plus clair ou plus sombre, je pense que c'est la façon la plus simple de le dire. Oui. Jouer avec ceux-ci est très important parce que des choses comme ça, j'ai pris une illustration et vous pouvez réellement voir la vraie illustration sur mon site Web avec leurs vraies couleurs parce que ce sont juste pour la présentation et ils ne sont pas fantastiques, mais ils travaillent pour cela. Si vous regardez ces valeurs proches sont égales à des bords souples et souples. Si vous regardez ici dans la vache, vous verrez que vous perdez ces taches ici juste parce que la valeur est si proche ensemble, mais cela peut devenir agréable si vous les séparez. C' est sympa, ça ajoute un peu de variation, variation subtile, qui se démarque vraiment dans une pièce que je pense. En prenant la même illustration, vous obtenez des valeurs contrastées égales à des arêtes vives, que peut-être vous les cherchez, peut-être que vous avez vraiment besoin de définir cette partie ici, vous voulez voir ces taches, mais peut-être de retour ici par exemple, c'est un peu trop fort, et ce n'est pas super important que ces palettes soient dans un tel contraste, elles se sentent un peu disparates les unes des autres où, comme ici, je me sentais comme un solide chose. Comment allons-nous le faire ? Il suffit de savoir les valeurs proches égale douce, et ces valeurs contrastées égale forte, ce qui est une chose importante à savoir et c'est une bonne façon dire est de plisser à votre travail. Pendant que vous y travaillez, allez-y et plissez sur votre travail. Vous pouvez voir sur la gauche là, les couleurs vives et les couleurs ont des valeurs différentes. Lorsque vous avez des valeurs plus claires ou plus sombres, vous pouvez voir ces formes beaucoup plus que lorsque vous numérisez vers la droite, vous perdez des choses, les choses deviennent un peu boueuses. Cela pourrait être un bon indicateur pour vous, que vous voudrez peut-être modifier certaines des valeurs de couleur afin que vous puissiez obtenir un peu plus d'une composition équilibrée. Relativité en revenant à cela, j'ai senti quand j'ai fait cet art de motif, il était super lumineux et coloré, quel genre de est. Mais vous voyez ce fond et ici sur mon site, c'est un peu plus sombre, et vous pouvez dire que les couleurs commencent à devenir vraiment ternes. Cette couleur bronzée commence à devenir vraiment terne dès que vous mettez même un petit gris clair en arrière-plan. En voici un autre sur mon curseur là-bas, sur ma page d'accueil de pause les bois. Vous pouvez le voir, mais alors c'est juste à côté de celui-ci, et celui-ci est si brillant. Je pensais que le premier est vraiment brillant et dynamique jusqu'à ce que je vois ça à côté, donc c'est certainement à côté. Voyez où vous allez vivre et assurez-vous que ce n'est pas à côté de quelque chose qui va l'émousser ou pas, mais voyez le dans son contexte. Il suffit de le regarder dans le contexte et les couleurs changent quand elles sont à côté d'autres couleurs, et un bon exemple de cela est ici. Vous pouvez voir ces trois boîtes de couleurs différentes, mais elles ont exactement la même boîte de couleur au milieu, mais vos yeux font des choses funky lorsque vous jumelez certaines valeurs ou certaines teintes ensemble. Ici, vous obtenez un beau contraste, mais il semble à cause de cette lumière, vibrante, vert jaunâtre, il a rendu cette boîte de bronzage sombre. Ça ne ressemble pas à celui-ci, celui-ci semble beaucoup plus léger juste parce que ces deux-là sont si proches. Regarder les couleurs à côté d'autres couleurs peut vraiment vous aider. Cela vous aide à construire votre palette. Enfin, je voulais juste dire que la partie de l'histoire que j'ai mentionnée tout à l'heure, c'est juste connaître votre histoire. J' ai mis un lien vers le livre, le livre Pantone, qui traverse toutes les différentes décennies et explique tous les différents mouvements culturels et artistiques de l'époque, et les palettes de couleurs Pantone qui ont accompagné ce mouvement. Vous pouvez voir ici avec cette histoire que j'ai mis ici, vous pouvez voir comme le Mouvement Constructivistes Russes va avec ces couleurs. Si vous commencez à utiliser ces couleurs, assurez-vous de ne pas créer ces formes super géométriques, sauf si vous voulez qu'elles commencent à ressembler à ceci. Sauf si vous êtes à la recherche d'un mouvement parfait, utilisez ces couleurs. Comme l'art dévorer et ensuite vous avez votre cuisine des années 50, et vous utilisez vos couleurs pastel et commencez à leur donner les mêmes teintes et tout cela. Connaissez juste votre histoire, vous savez juste que ça pourrait être un avantage pour vous de le connaître et pour deux raisons. D' abord, que vous savez éviter certaines choses si vous ne voulez pas que ça ressemble à ça, cela ne va pas faire avancer votre concept. Mais si cela va faire avancer votre concept et que vous voulez qu'il ressemble à un rapport ou comme cette certaine période de temps, connaissez votre histoire, et faites correspondre votre palette de couleurs à quelque chose comme ça. Cela peut vous aider à décider très rapidement quelles couleurs vous allez utiliser. Mais oui, j'espère que cela a aidé. Je ne veux pas marcher trop longtemps, je sais que les derniers sont longs, mais j'ai divisé ça délibérément pour t'aider. La prochaine, c'est que je vais travailler dans l'espace numérique et vous montrer autour d'Illustrator, toutes les choses que je peux faire avec la couleur et la fabrication palettes de couleurs et toutes ces choses amusantes. Restez à l'écoute. Merci. Au revoir. 4. 4. Illustrator 101 [FACULTATIF uniquement pour les débutants]: Hé, les gars, bienvenue à Illustrator. J' ai fait cette petite vidéo en option rapide pour tous ceux d'entre vous qui êtes tout nouveau à Illustrator, ou peut-être même un peu balisé dedans, mais ne vous sentez pas encore super à l'aise. Ce sera une excellente évaluation des outils et fonctions de base disponibles dans Illustrator qui peuvent vous aider à réaliser ce que vous cherchez à réaliser avec votre illustration en la tournant vecteur. Il s'agit de la partie Illustrator. ce moment, j'ai un croquis, disons que j'avais pour un autre projet. Je vais juste te montrer comment je peux faire partie de ce vectorisé. Comme je le fais, au cours de ce processus, je vais aller de l'avant et vous montrer tous les outils et, espérons-le, quelques touches de raccourci sur le chemin pour vous faire gagner beaucoup de temps en emportant votre croquis dans un lieu numérique. Maintenant, nous sommes ici en regardant ce croquis et je veux dessiner là-dessus. Je vais traîner ça parce que je ne garderai pas ça longtemps. Je veux juste que ça soit une référence. Donc je vais faire sauter un peu ça et je vais dessiner ce type ici. Ce que je vais faire, c'est que je veux juste aller dans une autre couche. Tout ce que je mentionne, n'importe lequel des mots, recherchez-les dans Aide si vous ne pouvez pas les trouver au même endroit que je les trouve parce que ma trousse d'outils peut être configurée un peu différemment de la vôtre. Si vous allez ici dans vos couches, vous verrez que vous êtes sur la couche 1 en ce moment. Vous allez ajouter un autre calque, mais pour l'instant, assurez-vous d'avoir toujours cliqué sur le calque 1. Cliquez sur ce gars, donc calque 1 et puis nous voulons nous assurer que cela est renversé un peu dans l'opacité, juste assez pour que nous puissions le voir, mais pas assez pour que nous ne voulions pas qu'il distraire trop des formes que nous sommes va construire sur le dessus de cela. Tout comme le traçage, ce sera beaucoup plus facile, mais pas tout à fait si tricher parce que c'est tout à vous. Bon, alors maintenant on peut retourner dans tes couches et verrouiller la couche 1 pour qu'on ne puisse rien y faire. Maintenant, nous allons à la couche 2, cliquez dessus. Je vais zoomer, Commande plus est de zoomer, Commande moins est de zoomer. Je veux choisir le vaisseau. Donc disons que je vais faire ce cercle d'abord. Je vais dessiner dessus, alors laissez-moi juste m'assurer que j'ai une bonne couleur ici. Maintenant, ici, vous pouvez le changer juste ici, ou vous pouvez le changer juste ici. Mais c'est la couleur de remplissage et c'est votre couleur de ligne, votre trait. Laisse-moi aller par ici. Je vais me débarrasser de ma couleur de course. Chaque fois que je clique dessus, c'est juste aucune, donc je prends cette attaque. Je veux remplir, disons le bleu et remets-le. Maintenant, je vais aller dans mon panneau par ici, mes deux serrures, et je vais cliquer et tenir. Cela ouvrira toutes les autres options disponibles dans cette forme. Toutes ces petites flèches noires dans le coin, cela signifie que si vous cliquez et maintenez dessus, il y aura plus d'options. Donc, je veux regarder le cercle sur chacun avec l'outil Ellipse. Alors je vais cliquer. Donc, je vais cliquer et je vais maintenir l'option « Shift » enfoncée et cela va l'échelle à partir du milieu. À partir de l'endroit où vous avez cliqué, il sera mis à l'échelle vers l'extérieur. Raison pour laquelle c'est cool parce que si vous ne le faites pas, si vous cliquez simplement et faites glisser, il sera à l'échelle partout. Vous pouvez maintenir Shift pour le garder comme un cercle pendant que vous faites glisser et je n'ai pas encore lâché. Vous pouvez créer votre forme, mais c'est dur parce que, disons, je veux la mettre juste là. Je veux dessiner ce cercle, donc je dois dessiner dans le coin et c'est juste plus difficile. Donc, c'est beaucoup plus facile si je viens de cliquer juste au milieu de cette forme, de le rendre beaucoup plus rapide et que vous maintenez Alt ou option, c'est ce que ce bouton est, ou de changer pendant que vous maintenez, en cliquant lorsque vous n'avez pas lâché encore. Ensuite, vous faites glisser et lâchez les trois, et voilà. Donc c'est un petit conseil rapide. Donc j'ai cette forme. Maintenant, peu importe quelle couleur est, j'essaie juste d'obtenir les formes vectorielles, donc je vais cliquer dessus d'ici. Vous avez vos flèches noires. C' est d'abord votre sélection générale et que tous ces petits points ici sont tous appelés points d'ancrage. Il les sélectionnera tous en même temps si vous utilisez la flèche noire, qui est généralement ce que vous voulez utiliser. Si vous voulez zoomer et zoomer sur votre écran, évidemment j'ai dit que vous pouvez faire Commande plus ou moins, mais si vous voulez simplement faire glisser votre art autour de sorte que vous pouvez aller à un point où vous en avez besoin, maintenez votre barre d'espace , puis cliquez et faites glisser. Il vous donne beaucoup de contrôle et vous pouvez passer à travers et voir votre art. Donc, si je veux cliquer, faire glisser, et que je veux regarder par ici. Ça vous fait gagner juste une tonne de temps. Donc c'est un autre petit conseil rapide. Donc, je vais zoomer, c'est Commande plus, et puis je veux aller ici dans ma palette et je veux obtenir un outil de stylo. Je vais cliquer. Je vais commencer à faire des points, des points d'ancrage. Donc, je vais cliquer sur un autre point d'ancrage ici, puis cliquer, puis cliquer, et maintenant je remarque que c'est sur le remplissage. Donc je vais revenir à ma flèche de sélection. Cliquez sur la chose. Ce n'est pas sélectionné. Donc maintenant, si je retourne en arrière et que je vais remarquer que c'est mauvais. Donc je veux juste les échanger, en fait je vais descendre ici en bas à gauche. Vous pouvez cliquer sur ce petit bouton et il va échanger ou vous pouvez appuyer sur Maj x, vous faire gagner beaucoup de temps. Mais maintenant je vais retourner à mon outil de stylo, puis je vais cliquer sur ce point et vous verrez qu'il y aura une ligne là, une petite barre oblique. Cela signifie que vous êtes prêt à continuer sur cette ligne. Si vous allez faire un plus n'importe où, vous voyez ce signe plus, cela ajoutera un point que vous pouvez déplacer sur votre ligne pour cliquer autour de votre ligne. La façon dont vous pouvez attaquer un seul point est d' aller à votre flèche blanche et vous pouvez cliquer dessus. Vous pouvez voir que c'est la seule mise en surbrillance et maintenant vous pouvez le déplacer afin de pouvoir faire glisser et vraiment obtenir des formes personnalisées là-dedans. Donc je vais retourner à mon stylo. Cool, laisse-moi juste essayer de continuer, passer, de continuer. Maintenant, j'ai une forme ici, et vous pouvez remarquer que ça va être symétrique ici. Donc, je peux juste cliquer directement vers le bas, ne vous inquiétez pas à ce sujet, cliquez juste ici. Fermez le chemin, et vous avez un petit bout de cercle, cela signifie que vous fermez votre chemin, et ensuite je peux appuyer sur Maj X, ou je peux revenir ici et recommencer. Maintenant, j'ai cette forme vectorielle mais comme ça va être la même des deux côtés, je pourrais juste effacer un de ces côtés juste au milieu, donc si je tiens ça, je vais aller à l'outil Gomme, alors je vais zoomer [inaudible] Puis vous pouvez modifier la taille de votre brosse sur votre gomme en utilisant les boutons de support de votre clavier. Celle de gauche, le rendre plus petit ; celle de droite, le rend plus grand. Jouons avec ça. Ensuite, si je maintiens Maj et puis je clique et fais glisser vers le bas, il efface en ligne droite. C' est ce que je fais un peu. Je vais y aller, cliquer sur Maj, donc maintenant j'ai ça. Je veux faire cette forme, je veux répéter cette forme. Donc, je vais copier cela, vous pouvez commander C, puis commander V, qui serait ceci, commande C, commande V, c'est hors du côté, mais je veux le faire au même endroit, donc ne pas gâcher avec ça. Je commande C, commande F. Cela colle le nouveau droit en place. Si je devais traîner ça, tu as un nouveau, juste au-dessus de ça. C'est parfait. C' est exactement ce que je veux. Donc, si je maintiens Shift, ça n'ira nulle part quand je le fais glisser, ça restera en ligne avec elle. Laissez-moi voir si je peux le faire glisser, puis si je clique avec le bouton droit sur ma nouvelle image, je peux aller à Transformer, alors je peux aller à Reflect. Alors je peux faire vertical, ce qui veut dire que je le glisserais, comme ça. Horizontal, ça ira par là. Nous pouvons prévisualiser à quoi cela ressemblera, et il semble parfait. Alors je peux frapper « Ok ». Alors j'ai l'autre forme. Maintenant, je maintiens la touche Maj et cliquez, l' amène et le faire correspondre. Joli. Maintenant, tout est symétrique, génial. Si je mets en évidence les deux, et que j'ai une fonction vraiment cool ici dans vos outils Pathfinder, ils s'unissent, vous jouez avec eux, ils font toutes sortes de choses avec deux chemins quand vous mettez deux formes vectorielles l'un sur l'autre. Mais celui-ci va unir ces formes, alors vous n'aurez pas ça dans une grande forme heureuse. Alors cliquez sur ça, vous y allez. Maintenant, ils sont unis, et nous avons ce petit, évidemment n'est pas droit au fond. Mais si tu te débarrasses de ce point d'ancrage, ça ira tout droit. Voyons voir là. On peut retourner à notre stylo. Si vous passez la souris dessus, ça me donnera une option. Ça sauvera ça, tu verras un petit signe négatif. Ça veut dire que ça va se débarrasser de ce point d'ancrage. Cliquez dessus. Oh, il y a des multiples, oh non. Cliquez sur, cliquez sur. Cliquer gros, je les ai tous, et maintenant c'est droit. Il y a quelques conseils utiles pour vous. Maintenant, ajouter une courbe sur une ligne. Si j'allais cliquer et dire, faisons cela, cliquez, cliquez, cliquez, cliquez, cliquez, cliquez, cliquez, [inaudible] pour créer ceci. Mais je veux m'assurer que cela est passé à la ligne. Je peux frapper celui-ci ici, cette sélection directe, qui est juste en cliquant sur l'un de ces points d'ancrage, je peux les faire glisser. Ils vont ajouter comme une courbe ou quelque chose comme ça. Vous avez votre main Béziers, c'est ce que vous voulez sortir. Cela se passe si vous voulez cliquer et maintenir l'outil Plume. en bas, vous avez un point d'ancrage converti, et cela fait ressortir votre main Béziers, que vous verrez en seulement une seconde. Alors cliquez dessus, puis faites glisser dans l'une de vos directions. Maintenant, vous verrez que ça ira, ça va coïncider l'un avec l'autre et vous rendre la vie plus facile, et lâcher prise. Maintenant, vous avez cette belle courbe. Mais si vous avez cliqué sur un seul de ceux avec cet outil de sélection directe, vous pouvez passer par, et vous pouvez aller de l'avant et voir ici, vous pouvez changer un peu les formes. C' est un autre très utile. Tu peux jouer avec ça. Jouez avec tous ces différents ici dans le Pathfinder. Vous pouvez rechercher des tutoriels en ligne sur la façon d' utiliser cela un peu mieux et il y a toutes sortes d'options que vous pouvez faire. Mais j'espère que certaines de ces petites choses aident. Vous pouvez y aller et, comme je l'ai dit, vous pouvez aller ici et changer vos couleurs. Je vais aller plus sur la façon de configurer la couleur [inaudible] ou autre chose, ou en fait, vous avez probablement déjà vu cela. Ne vous inquiétez pas pour ça. C' est une des vidéos de cette unité. Vous pouvez donc changer vos couleurs. Ici, vous pouvez voir, vous pouvez copier ça. Alors choisissons un. Alors disons ici que je peux changer l'opacité, je vous l'ai montré. Ici, je peux voir toutes les choses que j'ai appliquées à cela. Vous pouvez monter et vous avez des effets comme nous le faisons dans Photoshop. La même chose avec Stylize quelque chose. J' ai des Ombres tombantes, peu importe. Vous pouvez vraiment entrer dans beaucoup d'options ici avec ces formes vectorielles. Votre outil de gomme coupe encore juste votre chemin, alors vous avez deux formes différentes, ce qui est soigné. Oui, je ne vais pas continuer à marcher. Je pense que c'est assez pour vous faire commencer. Si vous cliquez et maintenez votre doigt, vous avez vos options ici. Vous avez vos lignes, commencez à jouer avec. Si vous avez des questions, vous pouvez m'envoyer un e-mail directement. Ce n'est pas une introduction à la classe Adobe Illustrator, donc je ne vais pas aller trop loin là-dedans, mais j'espère juste que cela a aidé un peu. Vous travaillez sur une toile. Cette toile ici est votre tableau d'art, c'est ce qu'on appelle, juste ici. Donc, tout art qui est suspendu sur le côté, chaque fois que vous enregistrez votre fichier, il ne va pas s'en débarrasser, mais vous ne le verrez pas quand vous l'enregistrez en JPG, PDF, quoi que ce soit, il sera parti. C' est votre espace de travail et vous pouvez aller dans la configuration des documents ici. Vous pouvez éditer ce tableau d'art, vous pouvez soit le redimensionner, soit ici, vous pouvez faire des tailles spécifiques, vous pouvez changer en portrait, paysage, vous pouvez cliquer dessus et en ajouter un autre. Donc beaucoup de petites opportunités là-bas, mais maintenant vous êtes dans ce mode, donc vous pouvez cliquer dessus en revenant à votre outil de sélection. Voilà, tu y vas. Espérons que cela a aidé. Faites-moi savoir comment ça se passe pour vous, et j'ai hâte de voir ce que vous venez avec. Merci. Au revoir. 5. 5. Passer au numérique - Partie 1: Hé les gars, et bienvenue en classe. Espérons que vous venez de sortir de la partie théorie des couleurs et maintenant vous êtes tous maîtres de la couleur, et comprenez les théories et les complexités de celui-ci et vous n'avez plus besoin de mon aide. Si c'est le cas, allez-y et éteignez cette vidéo maintenant et vous avez terminé. Mais si vous avez encore des réserves sur votre connaissance et l'application de la couleur, alors c'est une vidéo parfaite pour vous. J' espère pouvoir ajouter à votre connaissance des couleurs et vous aider à construire belles palettes qui aideront vos concepts et renforceront les concepts que vous avez créés dans vos croquis. On reprendra quelques choses de composition plus tard. L' essentiel est de prendre ces idées que vous mettez sur le papier et numérisées, et de les prendre dans Illustrator ici. C' est ainsi que je travaille dans Illustrator, puis pour la dernière touche, je l'ai mis dans Photoshop. Je vais vous emmener à travers ce voyage, en prenant ces images numérisées et en les introduisant dans ce monde numérique et en faisant des graphiques vectoriels. Faire de cette composition numérique est assez simple, et tout le monde a une façon différente de le faire. Je ne vais pas passer trop de temps à te montrer comment faire ça. Mais c'est mon espace de travail, comme vous pouvez le voir, mon établi, mon établi numérique, et j'aime garder tout à ma disposition autour de ma toile ici, mon espace de travail. Vous pouvez voir, à partir de la gauche, voici mon image numérisée de mon croquis. J' utilise une référence. J'ai mes textures, j'ai mes couleurs. On va voir comment mettre ces couleurs. Voici des échantillons et vous le savez probablement, mais je vais juste vous montrer très rapidement les avantages de le faire et d'utiliser certains de ces autres outils ici pour la couleur. Ensuite, j'ai construit quelques éléments qui en sont venus, et j'ai ceux-ci comme images de référence ici qui m'ont aidé à créer ces choses ici. C' est ce qui se passe une fois que je recréerai mon travail ici. C'est ce que j'ai. Pour obtenir cela, j'ai juste pris cette image et je suis allé à la transparence, à opacité et je l'ai juste fait tomber un peu juste assez pour que je puisse encore la voir. Mais c'est à peine là, et je vais de l'avant et je ferme ça. Je peux soit prendre ceci et ouvrir le panneau Calques et le faire sur un nouveau calque, soit je peux appuyer sur « Commande-2", et cela va simplement verrouiller cet élément, pas le calque entier qui a tous ces éléments, ce qui est pratique. Command-2 est une astuce petite astuce. « Commande-Option2", c'est comment vous le déverrouillez, et il déverrouillera tout ce que vous avez verrouillé sur la carte, mais c'est tout. Donc, « Commande-2", verrouillez juste cet élément ou vous créez un calque différent, et c'est bien parce que je peux construire ces éléments juste au-dessus de mon esquisse, donc je peux garder cette composition dehors. C' est l'avantage d'étoffer vos esquisses au début de cette phase d'esquisse lorsque vous les numérisez afin que cela vous fasse gagner beaucoup de temps ici numériquement. Tu peux le faire. Une fois que j'ai construit toutes mes différentes pièces ici, puis je les ai rassemblées comme un gros puzzle dans ma composition, et je peux maintenant jouer autour. La meilleure partie du numérique est que vous pouvez aller de l'avant et simplement prendre ces formes et bouger et trouver la combinaison parfaite et l'équilibre que vous pouvez être à la recherche. J' y reviendrai plus tard. Maintenant, nous savons comment j'ai configuré mon espace de travail numérique et introduit mon croquis. Maintenant, je veux parler de palettes de couleurs. C' est juste une affiche que j'ai faite pour un client, et encore une fois, j'ai ma palette de couleurs assise ici. Mais d'abord, lors de la création d'une palette de couleurs, allez-y et basez-la simplement d'une couleur. Construisez le reste de la palette à partir d'une couleur, couleur principale que vous choisissez. Avoir quelque chose avec lequel vous commencez. Dans ce cas, c'était sympa parce que le client a dit qu'ils voulaient cette couleur bleu sarcelle, et donc je suis allé de l'avant et j'ai juste construit une palette autour d'elle. Selon notre classe de théorie des couleurs que nous venons d'avoir avant cela, vous pouvez voir comment j'ai une belle gamme de valeurs ici. Ceux-ci sont similaires en valeur, mais j'ai ces deux autres options, donc j'ai comme cette couleur bronzée pour aider, et aussi ce contraste vraiment élevé, cette valeur plus foncée pour ajouter un contraste à la palette afin que je puisse équilibrer mon pièce. C' est agréable d'avoir tous ces éléments de soutien dans ma palette. Jumons là-dedans. Vous avez votre palette, je garde la mienne ici pour que je puisse les voir ou vous pouvez les mettre ici dans votre panneau d'échantillons, et c'est assez facile à faire si vous ne l'avez pas fait très vite. Tout ce que vous avez à faire est de le prendre, de mettre en surbrillance les couleurs que vous choisissez, puis d'aller dans vos échantillons, puis de dire simplement que vous voulez ajouter un autre groupe de couleurs et vous dites, tester. Tout va bien, et dis juste, « OK ». Vous avez maintenant créé un nuancier et un petit dossier juste pour cette illustration sur votre illustration ici. Vous pouvez passer par et dire, je veux changer cette couleur, maintenant j'ai déjà cet ensemble donc je peux juste cliquer et changer cela à la bonne couleur. Je ne perdrai pas de temps là-dessus. Avez-vous déjà utilisé un outil de guide des couleurs ? Maintenant, si vous ne l'avez pas fait, c'est assez incroyable, et je pense que c'est un petit bijou que les gens oublient souvent. Il y a un tas d'options différentes ici, ce moment c'est mis en marche. Donc, quand j'ai cliqué dessus, c'est mis sur des nuances et des teintes. Laisse-moi ouvrir. Disons juste que je vais choisir une couleur d'abord et qu'on s'en aille. Laisse-moi choisir un bleu, puis entre ici. Maintenant, il me montre toutes sortes de nuances et de teintes et je peux aller ici et personnaliser ce que je veux voir. Si je veux voir des versions chaudes et fraîches de cette couleur, ce qui est vraiment soigné. Je peux passer par et je peux voir cette gamme de valeurs et voir sa couleur complémentaire de l'autre côté. Vous pouvez définir et jouer avec ça juste ici dans le coin supérieur, vous avez vive ou sourdine. Il enlève juste la saturation. C' est juste sympa, une fois que tu as cette couleur. Peut-être que je devrais utiliser cette couleur juste pour ne pas nous confondre. Mais c'est bien, j'ai commencé à choisir mes palettes de couleurs. J' ai ma seule couleur et je vais dans le Guide des couleurs. Maintenant, je peux commencer à voir certaines des couleurs qui vont avec elle. Je suppose que je voyais à quoi ça ressemble si c' était plus silencieux et je pourrais peut-être en retirer plusieurs et les utiliser dans une composition et une palette. Mais si je clique sur, laissez-moi vous montrer à nouveau, je vais cliquer sur ce bouton ici, l'éditeur ou Appliquer les couleurs. Maintenant, je travaille avec cette couleur, et j'aime la regarder ici. C' est ce que nous devrions être familiers. Nous venons de passer en théorie des couleurs, vos couleurs complémentaires, vos deux complémentaires, et donc il vous montre toutes les différentes combinaisons de couleurs qu'il a là dans la roue de couleur pour vous aider, pour donner vous un guide rapide. Couleurs correspondant en valeur. Il montre vos couleurs analogues ici, juste un petit bijou que beaucoup de gens ne connaissent pas et il peut vous aider à décider quelle est votre palette de couleurs parce qu'ils ont quelques belles couleurs. Si vous allez opter pour une palette complémentaire, cela a déjà quelques idées pour vous. Si je veux regarder ces couleurs, je peux passer par, et c'est comme ça que je veux voir cette couleur. J' aime utiliser celui-ci juste parce que c'est beaucoup plus facile pour moi de comprendre. Juste des couleurs simples et je peux passer à travers, et je peux voir qu'ils sont tous affectés, certaines de ces couleurs restent, ce qui est dans cette file d'attente et tout ce qui n'est pas. Beaucoup de couleurs. Vous pouvez voir quelques couleurs vraiment soignées. Vous pouvez réellement voir comment le mien s'est avéré en raison de jouer avec ces outils. Vous pouvez voir toutes les barres de couleur qui se forment déjà pour vous. Donc, un outil très pratique et il fait beaucoup de travail pour vous. Je dirais certainement, vérifiez cela et explorer plus loin, et vous pouvez également prendre ceux une fois que vous créez dans cette palette ou celle que vous avez ici, et vous pouvez simplement en faire une nouvelle, cette petite option de dossier, il en fait une nouvelle nuance de couleur. Vous pouvez dire « OK », et maintenant vous allez dans vos échantillons, et maintenant vous avez une nouvelle palette de couleurs. C' est une grande aide, je crois. Au moins, ça m'a été d'une grande aide. 6. 6. Passer au numérique - Partie 2: C' est un outil vraiment cool, je ne sais pas combien d'entre vous l'utilisent, qui est l'outil Blend. C' est vraiment cool parce qu'il vous donne un aperçu rapide de certaines gammes de couleurs, je suppose. Vous pouvez réellement spécifier les étapes que vous souhaitez voir entre les deux. Donc disons, je veux voir toute la progression de la couleur entre cette sarcelle et ce jaune, mais je veux le voir par étapes. Je ne veux pas voir juste un grand gradient, ce que je peux aussi faire, mais peut-être que je ne veux pas voir ce gradient, je veux voir dans des étapes spécifiques. Je veux trois pas entre les deux. Trois couleurs en fait, donc un, deux, trois, je veux le voir comme ça, mais je veux que ça progresse. Je vais enlever ça. Je peux aller ici, voici votre outil Blend, double-cliquez dessus et choisissez Étapes spécifiées. Je pourrais choisir, je veux trois pas entre les deux alors je clique sur trois. Je clique sur « OK », maintenant, mon outil est maintenant l'outil de mélange donc je clique sur celui avec lequel je veux commencer et celui avec lequel je veux finir. Là, vous l'avez. Maintenant, il est pris ceci et il montre la gamme de couleurs qui peut aller au fur et à mesure qu'il convertit de cette couleur à cette couleur. Parfois, certaines palettes de couleurs peuvent venir et vous pouvez réellement en sortir. Si je mets en évidence ceci, je veux frapper Objet, Développer, et maintenant, je les ai en tant que pièces individuelles et je peux les dissocier, et je peux les déplacer. C' est un moyen rapide de regarder quelques couleurs aussi. Vous pouvez également les voir à l'aide d'un outil Mélange. Si double-cliquez sur cela, vous ne pouvez pas faire des étapes spécifiées, mais vous pouvez faire la couleur lisse, et cliquez sur « OK » et cliquez sur le premier, cliquez sur le second, et vous pouvez voir une transition vraiment soignée là, qui est votre dégradé par rapport à cette couleur. Mais la partie cool est, si vous faites l'objet développer. Maintenant, ce sont un tas de couches de cercles les uns sur les autres. Vous pouvez effectivement prendre quelques commandes Shift G, qui dissocie ces éléments. Maintenant, vous pouvez aller de l'avant et prendre des couleurs individuelles, ce qui est une option soignée pour, sinon pour quoi que ce soit, mais juste pour jouer avec, je suppose. Mais parfois je peux vous aider à déterminer certaines couleurs que vous voulez choisir, alors vous continuez à les retirer ou celle si nous le voulions. Continuons. Vous avez l'outil Mélange, vous avez ici, vous avez votre guide de couleurs à utiliser pour construire votre palette. Comme vous le faites, il y a aussi d'autres ressources que j'ai répertoriées et qui sont en ligne que vous pouvez utiliser et en fait, elles sont intégrées à Illustrator et Photoshop, qui est Kuler, KU-L-E-R. Vous pouvez créer des objets en ligne ou importer des palettes en ligne que d'autres personnes ont créées et les utiliser ici dans votre illustration. Certaines personnes trouvent que cela n'est pas super utile. Donc ces autres idées que je viens de partager avec vous et l'idée de sélectionner une couleur, puis aller jusqu'ici et jouer avec elle et trouver des couleurs complémentaires, couleurs analogues est beaucoup plus utile. Alors trouvez votre couleur de point de saut et partez de là. Juste une chose que je pense serait vraiment utile pour vous. Maintenant, une fois que vous avez créé votre illustration et que vous avez cet ensemble complexe d'éléments, si vous voulez changer votre palette de couleurs globalement, disons, je veux changer cette sarcelle, mais je ne veux pas que ce soit sarcelle, je veux que ce soit cette couleur bleu clair, je n'ai pas besoin de cliquer à travers chacun de ces. Je suis juste aller de l'avant et cliquez sur vous voulez, allez-y et allez à Sélectionner, allez à Même, puis allez à vos Couleurs de remplissage. Tu veux trouver la même couleur sarcelle qui va à ça. Maintenant, tous ceux avec la même couleur sont mis en surbrillance, tout l'est. Vous pouvez aller de l'avant et changer cela, et cela changera partout. Cela vous permettra d'économiser des heures, des heures et des heures de clic, et de déplacer et de cliquer, et d'essayer de mettre en surbrillance toutes ces différentes, et de trouver toutes les instances de cette couleur. C' est un moyen rapide de changer vos palettes de couleurs. Je peux rapidement cliquer sur cela, Sélectionner, Même, Couleur de remplissage. Peut-être que je veux faire ça plus comme des violets, des rouges et des roses. Je peux le faire très rapidement en utilisant cet outil. C' est une autre astuce que j'utilise et ça vous fera gagner du temps. Mais créer une palette de couleurs, c'est beaucoup d'aller avec votre instinct aussi, savoir ce que vous voulez dire, ce que vous voulez que les gens ressentent quand ils voient votre travail et si cela correspond à votre concept, alors allez avec votre instinct sur ces couleurs et utilisez ces outils pour vous aider à y arriver. N' ayez pas peur d'utiliser beaucoup de couleur. Utilisez des couleurs que vous ne seriez normalement pas jumelées. Ce sont assez élémentaires, appariement de couleurs, mais parfois vous pouvez devenir un peu fou et c'est expérimental, et ils fonctionnent parce qu'il y a un contraste, et il y a dans les valeurs, et même s'ils sont des teintes similaires ou Ce n'est pas vrai. Il y a beaucoup d'options. Amuse-toi bien avec ça. Incorporez ceci dans votre ensemble, votre illustration ici que vous créez. Laissez-moi revenir ici, et je veux parler un peu de composition. Maintenant, j'aime utiliser ceci comme exemple parce que c'était essentiellement une étude de test, si vous voulez, pour moi sur la composition. C' était essentiellement une leçon pour moi pendant que j'ai traversé ça. Donc je veux juste le décomposer et vous montrer pourquoi j'ai fait ce que j'ai fait, et comment je me sens fini par être et dans une composition équilibrée et intéressante. ce moment, vous voyez, tôt, je viens de rassembler tous les éléments que j'avais créés. J' ai commencé à le remettre ensemble comme un puzzle, comme je l'ai dit. mettre là, ce n'est pas mal. Ce bleu est un peu autoritaire. C' est une grande forme, c'est une grande masse qui prend beaucoup de revenus, mais aussi parce qu'il le fait, ça attire mon regard sur elle, mais ce n'est pas beaucoup de détails aussi, ce n'est pas nécessairement la seule chose que je veux que les gens Regardez. Ça devient un peu ennuyeux, vous avez les trois arbres, et pas beaucoup d'intérêt visuel. Ça devient un peu inintéressant ici juste à cause des détails, mais c'est ce que vous voudrez regarder de toute façon. J' ai dû faire en sorte que ce sentiment soit un peu plus équilibré dans l'ensemble. Ils scanneraient à travers. Mon idée était que je voulais que les gens regardent de haut en bas. Je vais y aller. Le calque suivant que j'ai ajouté était cette texture ici et j'ai utilisé ce blanc pour l'alléger. Je l'ai teintée essentiellement avec un motif. C' est certainement une bonne façon d'y aller et un moyen facile de briser cet espace. Ensuite, je suis allé de l'avant et j'ai ajouté ces petites vagues, petites casquettes blanches ici, et je les ai étalés à travers pour que je puisse briser cet espace un peu plus dans l'arrière-plan et le mettre vers le bas pour que je ne doivent juste voir ce grand espace. Ensuite, l'étape suivante est que j'ai commencé à combler quelques lacunes, J'ai ajouté dans ces oiseaux parce qu'ils se sentaient comme avant, c'était un peu déséquilibré peut-être parce que j'avais le reste de cette chose rempli, donc ça me sentait bizarre d'avoir cet écart ici et j'étais manque un peu de noir. J' ai juste eu du noir ici. C' est aussi une grosse chose avec ta couleur. Répartissez votre couleur. Je l'ai fait, je suppose que je vais revenir rapidement ici et vous pouvez voir la palette de couleurs que j'avais à l'origine. On y va. Vous pouvez voir comment j'ai divvié cette sarcelle et je ne voulais pas que tout soit en un seul endroit parce que la couleur certainement, certains de ces jaunes pourraient attirer beaucoup d'attention peut-être. Mais je ne veux pas que ça, je veux que tu regardes tous les éléments pour que je puisse étaler cette couleur et m'assurer qu'elle ne se sent pas trop lourde par endroits. C' est ce que j'ai essayé de faire ici, j'ai essayé de dévier ça. Ensuite, j'ai ajouté quelques petits détails supplémentaires pour le briser un peu plus loin et pour l'amener parce qu'il semblait qu'il y avait beaucoup plus de blanc ici qu'il n'y en avait ici, donc j'ai amené ceux ici. Puis la finale vraiment subtile, je vais revenir en arrière et le faire à nouveau. Vous verrez sur les arbres, la corvette, ces parasols que maintenant j'ai ajouté une autre texture là-dedans et allégé ceux à cause de cette texture. C' est une belle façon d'alléger les choses. Vous pouvez utiliser exactement la même couleur. Vous n'avez même pas à changer la valeur, il vous suffit d'ajouter une texture et de laisser l'arrière-plan blanc et ce ne sont que des lignes au-dessus de l'arrière-plan blanc. Il le renverse un peu pour que vous puissiez voir que tout ça commence à prendre forme. À l'origine, il ressemblait à ceci, et lentement il s'est transformé en ceci et c'était le rendu final que j'avais. Je sens qu'il est un peu équilibré. Juste quelques choses dont vous vous souvenez, les couleurs ont un poids visuel en fonction de leur valeur et aussi si vous allez aller de l'avant et que vous avez tous ces différents éléments ici, une bonne façon de briser cela, comme je l'ai dit, est d'utiliser certains de vos éléments de conception, qui sont votre couleur et votre motif. Cela vous aidera à établir une hiérarchie sur ensemble de votre pièce et où vous voulez que les yeux des gens aillent. Hiérarchie comme dans la mise en avant de certaines choses, certaines choses de retour à l'attention et attirent l'œil. Laissez-moi vous montrer ici, je suppose que la répétition en est une autre. Je vais passer en revue quelques principes de conception, en plus de ça, ces parapluies ici. Ils étaient d'abord tout de même couleur, alors j'ai décidé de le briser et j'ai commencé à ajouter couleur différente pour le rendre un peu plus intéressant puis j'ai ajouté certains d'entre eux avec des textures. C' est ce que vous appelez l'unité et la variété. La variété comme dans vous avez le même type d'objet, mais vous ajoutez une variété de couleurs et de formes et textures à l'intérieur ici qui peut vraiment faire cette chose prendre vie et sauter dehors. étaient généralement que de petits triangles, mais maintenant ils ont un peu plus de vie pour eux et ils peuvent tenir leur propre sensation de l'œil. C' est certainement un bon principe à suivre est la répétition en général. Parce que la répétition, il peut juste un, unifier votre travail en utilisant la même couleur que je passe ici et distribuer cela pour ajouter de l'équilibre à votre travail, mais il l'unifie parce que maintenant je l'ai ici, la forme est ici et ici, et peut-être que je suis resté avec quelques autres comme ce maître ici. J' ai donc fait ça une fois, cette sensation organique parmi ces autres sensations très géométriques. Mais cette sensation organique, si je ne l'ai fait qu'une fois, ça se sentira bizarre ou si je l'avais seulement ici et puis dans cette forme majeure et alors tout cela était super géométrique. J' ai ajouté cette petite masse terrestre ici qui était aussi organique. C' est utiliser la répétition et cela unifie votre pièce. Pensez à ça. petites choses aussi qui peuvent rendre votre composition intéressante est de laisser votre œil se briser, mais aussi de lui donner un peu de plaisir quand quelqu'un regarde cela et il y a des choses comme des formes perdues et trouvées. Vous pouvez voir ici que je vais zoomer sur cette maison. Je l'avais en fait comme une couleur rouge et c'était juste trop dur alors je suis allé de l'avant et sorti et juste laissé et quand j'ai pris cette forme, il ne laissait aucune forme et ça me sentait mieux parce que mes yeux reliaient ces lignes automatiquement juste à cause de la relation qu'il a avec ces autres maisons et ce que vous avez vu ici. Il complète automatiquement cela et vous n'avez même pas besoin de mettre une forme là. Donc, une petite touche comme ça et des choses comme ces petites casquettes blanches aident quand quelqu'un veut se rapprocher de votre travail et le voir. Il y a quelques surprises à regarder beaucoup plus, beaucoup plus profond qu'il ne semble de loin. J' espère que c'était d'une certaine valeur pour vous. Nous avons passé en revue la composition, nous sommes allés sur la façon de créer des palettes de couleurs, et nous sommes allés sur la façon de prendre vos croquis et de les mettre dans un format numérique. La prochaine unité sera sur l'application de ces types de choses, la texture et les moyens d' apporter vos propres textures ainsi et de les scanner et il y aura beaucoup de tutoriels. Ce sera probablement un tas de tutoriels vidéo, des tutoriels plus courts que vous pouvez parcourir et flâner à votre guise. Merci. J'espère que ça aide et je te verrai dans la prochaine classe. 7. Facultatif : vidéo de Q&R enregistrée précédemment: Hé, les gars. Maintenant, c'est nos sessions en direct. Désolé pour vous tous qui êtes dans une autre partie du monde ou dans un fuseau horaire différent en général et qui ne pouvaient pas voir cela en direct. Heureusement pour vous, [inaudible] cela comme un enregistrement maintenant, et vous pouvez le voir sur YouTube, qui devrait en fait y avoir un lien dans le programme. C' est beaucoup plus nerveuse d'avoir à faire ça en direct. Donc je m'excuse si je bégaie ou autre chose. Je m'excuse aussi si je vous ai envoyé, je ne vous ai pas envoyé spécifiquement, mais si Skillshare vous a envoyé environ sept e-mails concernant cette session Google Hangout, je suppose que dans une demi-heure. Je redémarre parce que mon navigateur était gelé. Je m'excuse à l'avance pour cela, pour les courriels de spam qui ont pu vous arriver. Mais allons-y et répondons à quelques questions. Je tiens à vous remercier d'avoir envoyé tant de questions et d'avoir ensuite soulevé ça pour que je puisse déterminer celles que j'allais voir avec vous. Un autre problème que nous rencontrons avec Google Hangouts est qu'il ne me permet pas de partager l'écran. Heureusement, beaucoup de questions que vous avez posées, j'ai déjà fait des tutoriels pour. Je ne les ai pas encore partagées parce que je vais les mettre en place juste après ce lieu de rencontre. Ne vous inquiétez pas pour ça. Je m'assurerai de garder ce bref et à certaines de ces questions que vous avez. Si j'ai besoin d'utiliser des visuels, je vais m'assurer et les envoyer à votre façon dans la partie ressources de votre programme pour l'unité 3. Donc la première question ici. En fait, celui-ci est spécifiquement ce que je viens de faire l'autre soir dans quelques tutoriels, qui ajoute de la texture. Est-il plus efficace dans Illustrator ou Photoshop ? Ça dépend de ce pour quoi vous l'utilisez. Il peut certainement être plus efficace dans Illustrator juste parce que, comme pour moi parfois si vous voulez l'utiliser dans Illustrator, je n'ai pas l'impression que vous avez autant de contrôle sur la façon dont je l'aborde, donc je dirais que j'aime Photoshop parce que vous pouvez le contrôler un peu plus. Mais dans Illustrator, c'est bien parce que vous travaillez toujours avec des formes vectorielles. C' est donc l'avantage de ça. Mais alors vous verrez que j'ai une vidéo pour cela spécifiquement, et ensuite comment faire en sorte que tous se sentent plus naturels et ne se sentent pas si informatisés. J' espère que ça aide. Une autre question ici était s'il vous plaît aperçu quelques tendances et les styles qui sont populaires dans l'illustration numérique moderne. Il y a beaucoup de styles qui se passent, mais un que j'ai remarqué, et bien, je suppose qu'il y en a deux. Il y a celui qui semble très Web 2.0, très pétillant, mais il y a aussi des objets plats très vectoriels. Ensuite, l'autre côté est que les gens essaient de faire tout semble très fait à la main et soit peint ou ils essaient de le faire juste comme si c'était fait à la main ou découpé à la main ou si elle était juste imprimée ou sérigraphiée. Les gens adorent ça, et je pense que c'est juste le résultat du fait que tout le monde est fatigué de voir, maintenant que nous avons tous ces moyens numériques, ces façons de créer des choses numériquement, abord quand il était en marche, je pense que nous avons surutilisé et maintenant, nous commençons à réaliser que nous voulons qu'ils intègrent un vrai métier dans notre travail, et bien des fois, le faire paraître un peu plus réel comme si nous avons réellement fabriqué ces choses à la main et non pas simplement les créer sur un ordinateur est un beau look. [ inaudible] discutant de la façon d'ajouter de la texture dans Illustrator, alors ne vous inquiétez pas à ce sujet. C' est dans la vidéo. Art aligner travail, arêtes et formes va également être dans la vidéo ? En voici une bonne. Rachel Neighbors l'avait demandé. Si tu regardes, voilà. Vous aviez dit que vous aviez eu un problème où vous laissez la toile très vierge ou vous avez toujours l'impression qu'il doit y avoir plus d'une charge ou un arrière-plan ou quelque chose comme ça. J' ai certainement ce problème. C' est juste une question de savoir quand arrêtez-vous de travailler avec votre illustration, ou comment comptez-vous l'intégrer dans l'espace que vous recevez ? Je pense que ce sont toutes des questions importantes à poser, et je vais m'assurer d'ajouter des ressources que vous pouvez examiner à ce sujet. Mais souvent, quand il s'agit de ça, suffit de penser à ce que vous essayez de faire. Parfois, si vous avez de grandes formes audacieuses et que vous vous demandez si elle a l'air un peu trop plate ou trop grande et alors vous essayez juste d'ajouter un peu d'intérêt, une façon de le faire sans remplir tout l'arrière-plan avec quelque chose est de simplement faire toutes les formes que vous avez dedans un peu plus excitant et/ou la composition de ces formes autrefois excitante la forme de votre illustration. Si vous avez un tas d'éléments différents qui se rassemblent, demandez-leur de faire une certaine forme ensemble et non pas seulement être vos éléments disparates sur toute la page. Essayez de les regrouper et essayez de les faire en sorte qu'ils soient une forme en eux-mêmes. Cela peut vous aider à encadrer votre travail, et vous n'aurez pas à vous soucier de l'espace qui l'entoure. Mais les motifs et les textures peuvent être un très bon moyen d'être ce que vous appelez un remplissage ou tout simplement parce qu'il peut, selon les couleurs que vous choisissez, si vous choisissez des couleurs qui sont similaires en valeur, et si vous frappez comme un rouge et rose ensemble, ils sont assez similaires ensemble. Si vous pouvez choisir un qui rend les valeurs similaires, c'est un motif vraiment subtil que vous pouvez mettre sur quelque chose et ce n'est pas trop distrayant, mais en même temps si vous le regardiez, vous aurez l'impression qu' il y a plus de détails en cours, Et quand on regarde de plus près, c'est une belle surprise. C' est comme ça que je combat un remplisseur. Si j'en ai besoin pour remplir un peu d'espace, ou je mets juste un motif de lumière en arrière-plan. C' est une autre façon de le faire, ou des blocs de texture. Un bon exemple de cela serait de regarder Charley Harper, ses illustrations, ou Alvin Lustig. Ils en ont de très bons exemples. Vraiment, ce sont les illustrateurs modernes du milieu du siècle qui font vraiment le travail à ce sujet. Ce sont donc de bonnes recherches, et je m'assurerai qu'elles sont dans le programme. Alors quels types de projets recommanderiez-vous à un concepteur débutant cherchant à ajouter du travail à son portefeuille et quels types de travail les gens recherchent généralement. Les gens cherchent tout. Maintenant, je sais que pour moi, les gens recherchent des choses spécifiques à cause de ce qu'ils voient dans mon portefeuille. Je ne suis pas convaincu qu'il y ait une chose qui soit un type d' illustration qui est la bonne façon d'obtenir le plus de travail. J' en connais une qui est une illustration très populaire, et je sais qu'il est aussi designer ici. Il connaît la conception d'applications et le travail de type web. Je sais que c'est très bouffant maintenant, mais pour moi ce n'est pas mon genre de travail préféré. Donc ce que j'ai mis dans mon portefeuille est très planifié. J' ai beaucoup de travail sur le Web, mais vous ne le savez pas parce que je ne le mets pas dans mon portefeuille parce que je ne veux généralement pas de ce genre d'emplois. Donc je vais les prendre parce que, évidemment, parfois, vous avez juste besoin de payer les factures. Mais en général, remplissez votre portefeuille avec le travail que vous voulez, les clients que vous voulez attirer. Mettez le travail qui les exciterait, et faites-le. Je pense que ça a beaucoup à voir avec le style. Maintenant, je sais que quelques-uns d'entre vous ont demandé d'avoir un style spécifique aussi dans votre œuvre d'art. Ma réponse à cela est que vous aurez toujours votre propre style passer par tout ce que vous faites. Tout ce que tu fais est à toi. Tout ce que vous faites aura votre style dedans. Même si j'essaie de faire le style d'un autre artiste, j'essaie d'imiter la façon dont ils font leurs nuages ou autres illustrations, sera toujours un nuage par Brad Woodard parce que c'est comme ça que j'ai créé. C' est comment mon esprit fonctionne et comment je visualise les choses. Alors ne vous accrochez pas trop à un style parce que quoi que vous fassiez sera à vous. Mais je pense que ce qui est important à faire, c'est de réaliser que si vous avez quelque chose de spécial ou quelque chose qui attire vraiment les gens, ou quelque chose qui vous attire, soulignez cela et jouez vraiment de cela. Ce sont des choses parfaites sur lesquelles travailler et les mettre dans votre portefeuille, et j'espère que vous obtiendrez beaucoup de travail pour cela parce que les gens veulent venir voir les gens pour des choses précises. C' est mieux d'être vraiment bon dans une chose que d'être d'accord pour une tonne de choses. C' est la philosophie que je dois suivre juste parce que je sais d'abord que j'ai essayé de tout faire, et que j'ai essayé d'inclure tout dans mon portefeuille. Mais le problème avec cela était que vous êtes toujours critiqué et jugé par votre pièce la plus faible de votre portefeuille, alors rappelez-vous cela aussi. Si vous avez toutes ces pièces si si vous n'êtes pas trop satisfait mais que vous le mettez là parce que vous voulez montrer un large éventail de styles, ou un large éventail de types de travail que vous pouvez faire, cela peut être plus préjudiciable à votre processus que tout. Continuer à expérimenter par tous les moyens. Je ne dis pas que du tout, je dis que ce que vous mettez dans votre portefeuille devrait certainement être un travail que vous essayez d'obtenir.. Espérons que cela répondra à votre question. Cela a été un peu dans mon esprit, et chaque fois que je retourne sur mon site Web, je vais certainement passer par et nettoyer la maison, et prendre beaucoup de l'ancien travail, et il faut du temps pour construire jusqu'à ce que je comprends. Quand tu sortiras de la fac, peut-être que tu dis, « Eh bien, peut-être que je n'ai que cinq pièces à l'intérieur. Je ne veux pas tout jeter par la fenêtre. » Tu n'as pas à le faire. Au départ, je dirais de construire vous-même. Mais quand vous commencez à avoir assez de pièces, commencez à les remplacer, le travail que vous avez là qui n'est pas vraiment le type de travail que vous voulez faire, ou n'est pas le meilleur affichage du type de qualité que vous pouvez faire maintenant. Enlevez-les et remplacez-les par de meilleures choses. Parce que la seule façon de vous améliorer est le kilométrage, et que vous continuez à créer et à travailler sur votre soi-disant style, cela commencera à évoluer aussi. Encore une chose à ce sujet, je pense que c'est de faire attention aux modes à la mode dans votre style. Peut-être que vous faites quelque chose d'une certaine façon, et vous remarquez que tout le monde le fait de cette façon, et c'est juste le style et ça vous attire beaucoup d'affaires peut-être, ou du moins l'attention tout de suite. Mais attention à ne pas rester coincé et pigeonholed dans ce style. Parce que pendant que vous allez de l'avant, vous ne voulez pas simplement vous arrêter et ne pas progresser, et que tout le monde vous demande ce style, et ne jamais avoir à changer quelque chose et à faire une formule pour votre travail. Continuez à apprendre, continuez à développer et à élargir le style que vous avez, et assurez-vous que c'est quelque chose qui est intemporel et de bonnes idées et bonnes solutions créatives basées sur l'artisanat. Bonnes idées et compréhension de l'histoire et du contexte historique du travail que vous faites. Continuez. Je pense que j'ai eu assez de temps à propos de ça. Alors que vous vous interrogiez sur certaines de mes références, certains livres que j'avais, j'ai mis beaucoup plus là-dedans. Fondamentalement, ma liste de souhaits Amazon est là et d'autres livres que j'ai. Je sais que vous avez remarqué que les gens aiment le livre Alvin Lustig et que celui-ci est incroyable. Il a de grands exemples de textures et de motifs, et l'utilisation de la composition des couleurs. Tout y est juste vraiment bon travail, et c'est une bonne étude pour votre composition afin de s'assurer que les choses sont équilibrées. Il serait une bonne personne à regarder. Il y en a un autre, j'ai mis dans Alexander Gerard, un livre sur lui et Charley Harper. Mary Blair, de Disney. Elle a des illustrations étonnantes et l'utilisation de la couleur et de la texture. Regardez-la si vous ne savez pas déjà qui elle est. C' était une époque incroyable pour l'illustration dans les années 50, 60, milieu du siècle, alors jetez un oeil à celles-ci comme une référence. C' est d'où proviennent la plupart de mes influences. C' est un hybride de conception avec l'illustration, c'est pourquoi je l'aime. Je joue avec les calques et l'illustrateur. Je ne suis pas la meilleure personne à poser des questions sur les calques et l'illustrateur. Je t'ai appris cet outil de commande à clé fou, qui est de verrouiller tes couches. Eh bien, pas verrouiller vos couches, verrouiller les éléments dans une couche, et que j'utilise peut-être trop souvent, je l'utilise comme une béquille. Je vais juste verrouiller un tas de couches dans mon dos, je veux faire ma couleur de fond, je vais le verrouiller, et je vais tout construire dessus. Tout est dans la même couche souvent. Mais si ça doit être vraiment, vraiment complexe, juste pour vous assurer que vous nommez vos couches et que vous travaillez dessus. Je sais que c'est un peu plus de temps, mais quand vous devez faire des modifications et revenir en arrière, vous allez vraiment vouloir voir ces couches parce que vous pouvez désactiver quelques couches, et peut-être juste allez dans le calque de texture, allez dans les calques de caractères, et peut-être que vous avez un travail de ligne qui était au-dessus de ce que vous enregistrez ou autre. Mais oui, je n'ai pas de meilleur moyen que de les nommer et de les suivre, et de les faire si vous faites vraiment quelque chose de grand et de robuste. Voyons entendre un peu plus sur le fait de gagner de l'argent. C' est une bonne chose. « S'il vous plaît, parlez de transformer ça en pain et beurre. » J' aime ça. Finalement, nous devons gagner de l'argent de tout notre travail si nous voulons faire de cela notre carrière, donc c'est une bonne question. Je l'ai fait un peu différemment, je ne pense pas qu'il y ait une formule magique pour obtenir du travail, mais cela vient certainement d'être persistant et à jour. Ce que j'ai fait depuis avant de quitter l'université, j'ai commencé à créer un blog, commencé mon site Web et j'ai commencé à poster du travail. Mon travail n'était pas génial et peut-être que mes compétences en écriture n'étaient pas si géniales quand j'ai commencé à bloguer pour la première fois. Mais les choses que j'ai faites, j'ai en fait contacté une tonne d'illustrateurs différents que j'admirais, beaucoup de designers différents que j'avais admirés, et qui étaient des designers et des illustrateurs professionnels. Au début, je ne pensais pas qu'ils me répondraient jamais. Mais j'ai vite découvert que la communauté du design était très ouverte et disposée à aider d'autres designers et illustrateurs, alors gardez cela à l'esprit. Attendez la main aux gens que vous admirez. Je veux dire, il y a de bonnes chances qu'ils vous reviennent. Peut-être que cela prendra quelques semaines après qu'ils l'aient trouvé dans leur dossier de spam ou quoi que ce soit, leur boîte de réception a été bondée. Mais en général, ils me sont revenus. Quand ils le font, ils sont plus qu'heureux de vous donner des conseils. C' est une bonne façon d'apprendre de quelqu'un comme un professionnel, c'est d'aller et de leur envoyer un courriel. Une autre façon que j'ai pu attirer leur attention était, je publiais leur travail sur des sites de médias sociaux comme Twitter, Facebook. Quand je l'ai posté, je leur ai aussi attribué ce poste ou quoi que ce soit. Je les ai marqués dans ce post, pour qu'ils le voient. Aussi, je leur ai demandé si je pouvais faire des entrevues avec eux, comme des entrevues par courriel. Surtout pour moi, pour que je puisse choisir leur cerveau. Mais aussi, je leur ai dit que je le mettrais dans mon blog et tous mes téléspectateurs, je ne me souviens pas combien j'en avais à l'époque, peut-être six, pourraient aller de l'avant et apprendre de vous aussi, donc ils sont plus que heureux. cool, c'est que quand ils sont heureux et excités de partager cette information avec vous, j'ai pu obtenir des informations de leur part. J' ai été en mesure de le mettre sur mon blog, donc j'avais un contenu vraiment intéressant sur mon blog qui aurait vraiment incité les gens à vouloir venir sur mon blog. Mais la meilleure partie est que ces professionnels ont commencé à tweeter. Quand vous mettez le blog, vous leur dites, j'ai mis le blog, votre interview est là. Si ça ne vous dérange pas de le partager à vos amis. Vous n'aurez pas à leur dire cela parce qu'ils le partageront parce qu'ils ont été présentés sur le blog. Maintenant, vous avez des gens de haut niveau, des gens avec beaucoup d'adeptes, gens influents dans le monde des médias sociaux qui tweetent et aiment, et partagent vos informations ou partagent votre blog, et donc votre nom sort là. Tout ça, c'est ce que je dis. Tout ça se transforme en pain et en beurre ici en une seconde. Il y a beaucoup de choses à construire. Obtenir votre nom est essentiel, entrer en contact, entrer dans ces communautés est la clé parce que maintenant beaucoup de gens que je croyais être ces designers intouchables, et illustrateurs que je ne pourrais même jamais aspirer pour être, maintenant je suis de bons amis avec quelques-uns d'entre eux. En fait, je les ai rencontrés, je suis allé leur studio, et nous partageons même le travail. Si je suis trop occupé avec ce client et que je reçois un autre travail, je suis capable de partager le travail avec eux et, de même, ils partageront le travail avec moi, et recommanderont les clients vers moi. Être proche de la communauté du design a ses avantages. Cela ne vous rend pas seulement meilleur, mais il peut aussi vous faire travailler. Cela étant dit, si vous êtes allé à l'université pour le design ou l'illustration, restez près de vos copains d'université, de vos camarades de classe. Pas seulement dans vos cours, mais plus spécifiquement dans vos cours parce que les avoir vraiment de bons amis avec vous est une bonne chose parce que si vous êtes à la recherche d'un emploi, ou si vous êtes à la recherche d'un travail supplémentaire sur le côté comme je l'ai dit c'est la même chose que je disais tout à l'heure. On a du travail supplémentaire. Une fois que vous commencez à travailler, vous obtenez beaucoup de travail. Quand ce travail arrive, la meilleure chose, au lieu de simplement le refuser, c' est beaucoup plus facile pour moi et j'aime mieux que je puisse aller de l'avant et partager ça avec un autre ami à qui j'ai confiance est talentueux, et un Beaucoup de ces gens sont mes amis de la fac que j'ai vu, et je connais leur éthique de travail et tout ce genre de choses. Ne sous-estimez jamais la puissance de vos relations et de vos amitiés. peut vous faire travailler aussi. J' ai parlé de blogs, obtenir des designers de haut niveau, d'illustrateurs, partager vos informations, de partager votre blog, et c'est aussi bénéfique parce que vous essayez de construire votre nom. Lorsque vous construisez votre nom en ligne, cela prend beaucoup de temps, et cela prend du bon contenu. Vous ne pouvez pas simplement mettre en place un tas de contenu, et vous attendre à ce que ce soit ce contenu minable, mais vous en mettez juste beaucoup. Ça ne marche pas. Aussi, si vous essayez d'obtenir des commentaires sur les blogs des gens, rendez-le significatif. Donnez vos commentaires, posez des questions sur votre blog et essayez d'obtenir une réponse, et commencez à ouvrir quelques discussions. Pensez à des façons où vous pouvez vous promouvoir vous-même. Je ne veux pas que tu sois comme sans vergogne pour te promouvoir soi-même, mais vraiment sortir. Chaque fois que vous faites un nouveau projet, allez là-bas et partagez-le. Trouver des sites comme Dribbble. Dribbble est un grand. Je reçois quelques projets chaque mois de Dribbble seul juste parce que j'utilise le statut pro là pour qu'ils puissent aller de l'avant et cliquer dessus. Une meilleure histoire de réussite est mon travail à temps plein que j'ai ici à Boston vient de mon travail Dribbble. C' était là. Ils ont parcouru mon profil Dribbble et ont vu mon travail, m'ont contacté et m'ont offert un emploi ici à Boston. Donc c'était le plus grand révélateur pour moi. Aussi la plus grande histoire de réussite que je pense pouvoir partager est les gens vont commencer à venir à vous si vous pouvez obtenir votre nom là-bas et que vous faites du bon travail. Je ne peux pas insister assez sur le bon travail. Assurez-vous que c'est de la qualité. La seule façon de le faire est de créer et d'apprendre continuellement de vos erreurs, apprendre des autres, de faire des recherches et d'obtenir de l'amitié avec des gens qui sont meilleurs que vous. C' est toujours le meilleur scénario. Donc quelque chose d'autre ? J' essaie de réfléchir à la façon dont je gagne de l'argent. C' est à peu près comme ça que je gagne ma vie, c' est juste de l'attention que j'ai pu me mettre en ligne. C' est un autre, vous pouvez envoyer votre travail dans des blogs. Blogs que vous suivez pour l'illustration ou le design ou ce qui n'est pas. Allez-y et allez les voir, envoyez-leur des courriels, envoyez-leur du travail. Beaucoup de fois, ils veulent juste le fichier prêt, peut-être même voir quelle est la taille du travail qu'ils affichent dans leur blog, comme la largeur de leur blog est et la taille des images, et enregistrer une image pour cela prêt pour le Web afin qu'ils n'ont même pas à le redimensionner. Envoyez-leur et dites : « Hé, je pensais que ce serait une bonne chose à mettre sur votre site. Je pense que cela va de pair avec les autres types de travail que vous y consacrez. » Tu peux leur envoyer ça. Ça vaut le coup de feu, juste tirer dehors. J' ai eu quelques fois où mon travail a été présenté sur des blogs à cause de cela, et parce qu'ils ont été mis en vedette sur des blogs, tout ce trafic est renvoyé à mon chemin et mon nom est encore plus loin. C' est comme ça que je fais. Je ne peux pas vraiment partager trop d'autres exemples parce que c'est la seule façon que je puisse vraiment gagner de l'argent avec cela, c'est juste d'obtenir mon nom là-bas. Alors commencez maintenant. Si vous n'avez pas de site Web, démarrez un site Web. Je recommande fortement un blog juste pour vous aider à apprendre. Les gens commenceront à le voir et ils commenceront à entrer dans la communauté et à savoir ce qui se passe. Espérons que ça aide. Cela a été une longue réponse à cela, mais j'espère que cela a aidé en ce qui concerne votre question d'argent. Est-ce que je fais des croquis sur une tablette Wacom ou un iPad ? Non. Eh bien, une tablette Wacom, oui. J' utilise le stylo pour la tablette Wacom. Je l'utilise seulement quand je suis dans Photoshop pour une raison quelconque. Je ne l'utilise pas si souvent. Je suis devenu un pro en pointant et en cliquant avec ma souris. Toutes ces formes uniques se produisent en fait parce que j'ai utilisé l'outil lisse. Je n'ai pas fait de vidéo là-dessus et je ne pense pas avoir le temps de le faire, mais je vais vous dire où c'est. Donc, quand vous allez dans Illustrator, allez à votre outil de crayon, cliquez dessus et maintenez, et il devrait y avoir un crayon blanc rayé regardant chose. C' est juste votre outil lisse. Donc, si vous avez une forme et qu'elle semble trop angulaire, donc vous allez de l'avant et cliquez autour et essayez de faire cette forme spécifique et il a tous ces points donc c'est déchiqueté, la façon dont je les fais paraître un peu plus organique cet outil lisse et vous cliquez et vous venez de râper sur ces points, les différents points d'ancrage, et juste râper sur cette forme et vous verrez qu'il va commencer à lisser. Il ajoutera malheureusement plus de points d'ancrage, mais il va lisser ces bords et il va commencer à ajouter ces formes plus organiques pour vous. Donc, c'est ma façon de tricher de le faire souvent et c'est comme ça que je me débrouille. Donc ça finit par être un heureux accident avec moi quand j'ai une forme vraiment cool et je m'arrête juste là et j'utilise ça. Mais oui, pour le stylo Wacom, je l'utilise pour Photoshop parce que j'aime contrôler mes textures ou mes lignes. Mais d'habitude, je scanne ça de n'importe quelle façon. Assez à ce sujet. Je suis sûr que beaucoup d'entre vous utilisent une tablette Wacom et c'est génial. J' aimerais les utiliser plus. Je devrais probablement essayer de l'utiliser un peu plus. Décider des couleurs ? J' ai ça dans les vidéos. Mais en général, une chose de plus sur les couleurs est juste aller avec votre instinct. plupart du temps, c'est comme ça que je dois y aller. Utilisez toutes les choses que j'ai expliquées et partagées avec vous dans la deuxième unité, en passant sur la couleur. Ce sont d'énormes aides. Ils ont été d'énormes aides ici moi. Mais rappelez-vous des choses comme la valeur. Oui, peut-être que les couleurs sont géniales, mais les valeurs sont trop similaires et ça a l'air génial si vous mettez la palette ensemble, mais quand vous la mettez dans votre illustration, vous êtes comme, non, ça a l'air un peu sec ou un peu sourd ou boueux. C' est parce que vos couleurs sont trop de la même valeur et qu'il n'y a pas de contraste. Comprendre que les couleurs ont, comment dites-vous, ils ont un poids visuel pour eux. Donc, des valeurs plus sombres avec des couleurs le rendent plus lourd et plus prononcé. Soyez donc prudent de l'endroit où vous les mettez et assurez-vous que ceux-ci sont bien équilibrés sur votre page. Mais en ce qui concerne simplement les couleurs, j'aime essayer différentes couleurs. Vous verrez que j'utilise beaucoup des mêmes couleurs. J' aime les oranges, les roses et les rouges, tous ensemble. J' adore cette harmonie. Juste parce que c'est vraiment amusant de faire illustrations à partir de ça parce que c'est une chose subtile que vous pouvez avoir là-dedans. Je ne sais pas comment expliquer ça, mais allez avec vos tripes et utilisez ces règles. C' est là que je suis. Assurez-vous simplement que cela fonctionne pour votre illustration. Owen, tu m'as demandé, est-ce que je pense à la roue de couleur dans mon esprit ? Je ne pense pas exactement à la roue de couleur, mais je fais référence à beaucoup de travail du passé. Par exemple, de Mary Blair. Par exemple, j'aime regarder en arrière et voir comment elle fait fonctionner les couleurs et transférer cela à la vôtre. Comme je l'ai dit, allez-y et casser une de ces illustrations, obtenez cette illustration et apportez-la dans Photoshop ou Illustrator, l' une des illustrations réussies, puis allez-y et laissez tomber toutes les couleurs de cela, et que vous pouvez vraiment voir quelles couleurs vous utilisez et comment cela fonctionne avec leur composition. Une autre question est que faites-vous quand vous êtes coincé ? Quand tu es coincé, je fais beaucoup ces toiles de mots. Mais quand je suis coincé sur une illustration, j'aime me tenir debout. J' aime le laisser. Si tu peux et que tu as le temps, je le laisserais pour une journée. Parfois, je dois juste me lever et juste m'éloigner de l'ordinateur. Je pense que c'est mieux sous la douche. Je ne sais pas. Je suis presque sûr que je ne suis pas le seul à faire ça. Mais n'importe quoi, promenez-vous, éloignez votre esprit et vos yeux de l'ordinateur et fixez la même pièce. Beaucoup de fois plus vous regardez quelque chose, plus il semble juste faux. Laisse-le tranquille. Laissez quelqu'un d'autre le regarder. J' utilise ma femme tout le temps pour ça. Je dois lui montrer mon travail et lui dire : « Qu'est-ce qui se passe ? » Je me dis : « La jambe de ce chat a l'air foirée. » Je dis : « Ça n'a pas l'air bien. Je ne sais pas pourquoi. J'en ai besoin pour avoir l'air accroupi, et elle dit  : « Oh, peut-être parce qu'un chat fait telle ou telle épaule, c' est que tu ne fais pas ce que ça devrait être. Il devrait baisser un peu plus. » Habituellement, obtenir un nouvel ensemble d'yeux dessus peut être d'une grande aide. Mais aussi juste laisser vos yeux aussi, juste leur donner une pause et revenir. Beaucoup de fois, tu le verras. Parfois, je vais imprimer mon travail, le mettre sur le mur, et juste le regarder pendant un jour pendant que je passe et faire autre chose, je vais revenir de temps en temps, regarder et faire une note dessus, puis continuer. Mais oui, c'est une grande façon de se débloquer. Ensuite, si tout cela ne fonctionne pas ou une autre façon de le faire serait juste de continuer à regarder certaines références et de voir comment d'autres personnes les ont fait, voir comment elles ont réussi. Eh bien, je pense que je vais répondre à une autre question parce que je suis déjà à une demi-heure, donc je ne veux pas que tu t'accroches ici. Voyons voir. Oh, Jay a posé une question rapide sur est-ce que je travaille principalement en CMJN ou RVB ? RVB pour le web et CMJN pour l'impression. C' est traditionnellement comme ça que ça se passe. D'accord. Donc, si je n'ai répondu à aucune de vos questions, vous avez spécifiquement une question à laquelle vous voulez répondre ou je ne suis pas descendu à la vôtre dans la liste ici, c'est bon parce que je vais essayer y aller et essayer de répondre à ceux du mieux que je peux sur le forum de discussion. Mais aussi, si l'un d'entre vous connaît les réponses ou a des réponses à ces questions, allez-y et aidez vos camarades de classe. Je vais faire de mon mieux pour communiquer avec tout le monde et je m'excuse de ne pas avoir été en mesure de donner des commentaires directement à tout le monde. Ce cours a été génial parce qu'il y a tellement de gens et j'ai remarqué que vous avez tous fait des groupes et j'ai essayé de donner des commentaires à tout le monde. Merci beaucoup d'avoir fait ça. Ça me rend la vie plus facile et me permet de me concentrer davantage sur réalisation de ces tutoriels, conférences et autres choses comme ça pour vraiment vous obtenir l'information que vous cherchez les gars. Mais j'espère que tout cela aide. Juste après cela en fait, je vais poster tout le contenu pour les textures et les motifs et les touches de finition ici sur vos illustrations. Ensuite, je vais faire de mon mieux parce que j'ai une semaine pour voir si je peux donner des commentaires directs sur beaucoup de votre travail. Mais merci et passez une bonne nuit. 8. 7. Les formes vectorielles naturelles: Beaucoup d'entre vous, je connais, m' ont demandé comment mes images vectorisées semblent moins vectorielles et informatisées. Tout le monde cherche à s'en débarrasser. Ces bords parfaits ici sur nos formes et les rendre un peu plus imparfaits ou plus imprimés, ou faits à la main. Il y a certainement un moyen de le faire ici dans Illustrator et de le garder comme une image vectorisée. De plus, ici sur ces lignes, ils ont tendance à être lorsque vous utilisez l'outil plume, ils ont l'air très informatisés car il n'y a pas de variation dans la largeur de la ligne. Ces lignes sont quelque chose que nous aimerions aussi changer. Mais en utilisant cette dinde comme sujet de test, je vais aller de l'avant et vous montrer ces deux choses. Alors commençons par les lignes, nous allons « Zoom avant » ici, maintenant c'est quelque chose que vous « Mettez en surbrillance » votre section ici, vous pouvez aller ici où ils viennent avec le caractère de votre ligne. Vous pouvez changer, à quoi ça ressemble ici, la nature de cette ligne. Parfois, cela fonctionne et souvent ce n'est pas parce que vous n'avez pas vraiment trop de contrôle sur la façon dont il change cette ligne. J' aime le garder uniforme, mais en fait utiliser ici ma barre d'outils. Cliquez sur l'outil « Largeur ». Ce que cela fait, c'est que je peux aller de l'avant et cliquer n'importe où sur cette ligne. Beaucoup de temps pour essayer de faire sur ces « points d'ancrage » si je peux. Mais je peux aller de l'avant et changer la largeur manuellement, pour que je puisse aller plus grand. Si je clique et « Drag », allez dans, je peux le rendre plus petit ou si je clique dessus et sortir, je peux le rendre plus épais. Mais je veux juste obtenir une variation très subtile dans cette ligne. Je ne veux pas que ce soit trop extrême. Donc peut-être ici, rendre ça un peu plus petit. Donc vous pouvez vraiment voir la différence, oups, et j'ai cette ligne plus épaisse juste ici, et ensuite elle devient plus mince quand on fait le tour de cet os. Faisons la même chose ici. Nous allons de l'avant et revenir à l'outil « Largeur ». Nous pouvons agrandir un peu ce côté, parce que nous voulons juste le rendre un peu plus naturel. Comme un coup en fonction de la pression que vous mettez sur une épingle et plus cette ligne sort. Nous avons rendu ces lignes un peu plus organiques. Mais parfois vous obtenez ces choses comme le coude, ces petites articulations droite qui se détachent un peu trop pointues et déchiquetées. Une bonne façon de le faire est de cliquer sur votre « Ligne » ici et d'aller à votre « Stroke ». Ensuite, vous avez le « Coin ». Ce sont ces choses ici. Ensuite, votre « Cap », c'est ceci à la fin ici que nous pouvons aussi travailler avec. Allons juste entendre pour le coin maintenant, allons-y et terminons ça. Cliquez sur celui-ci au milieu, et il enlève ce bord, quand vous êtes assez loin quand vous « Zoom Out » ici, vous n'allez vraiment pas voir que les bords arrondis, juste va avoir l'air beaucoup plus naturel. Mais peut-être que ce sont des cadeaux morts que c'est une ligne informatisée. Alors allons de l'avant et changez les « Caps » sur ceux-ci. Changeons ceux en arrondi aussi. Peut-être qu'ils se sentent encore un peu trop uniformes. Retournez à votre « Outil Largeur ». Maintenant, allons cliquer sur celui-ci et je peux les rendre un peu plus étroits. Donc, quand je « Zoom Out », oui, c'est beaucoup plus naturel maintenant. Je peux faire la même chose et aller de l'avant, et le faire avec la plaque et faire tout se sentir un peu plus cohésif. Mais nous allons juste nous arrêter là pour le bien de ce tutoriel. Je pense qu'on l'a. Maintenant, nous l'avons fait. Allons-y et faisons une copie de ceci, parce que ce que nous allons faire ensuite est quelque chose dont nous ne pouvons pas revenir en arrière. Alors allons de l'avant et je vais juste « copier » ceci sur le côté pour que j'ai un autre fichier pratique ici, que je peux utiliser. Ce que je vais faire, c'est que je vais « mettre en évidence » tout et je vais « Objet » « Développer l'apparence ». Je clique dessus une fois et il élargit tous ceux. Mais parfois, dans ces lignes, cela ne les élargit pas tous. Vous devez revenir en arrière « Objet », puis appuyez simplement sur « Développer » cette fois parce que « Développer l'apparence » n'est plus disponible. Il suffit de cliquer sur « Développer ». Il dira, « Voulez-vous remplir « Fin » ou « Stroke ». Alors tu dis, oui, « OK ». Maintenant, tout ici est étendu, qui signifie que ce ne sont plus des lignes avec des points d'ancrage. Maintenant, il est converti ceux en formes, que vous pouvez remplir avec des blocs de couleur pas traiter avec des lignes. Maintenant, nous avons cela, vous allez continuer à mettre cela en évidence et nous allons aller dans « Effet ». Ensuite, nous allons descendre dans « Distort and Transform », aller plus loin et dans « Rughen ». Maintenant, je vais vous montrer, et ça va regarder, je vous avertirai quand je clique pour la première fois sur « Ok », et utiliser l'outil « Rughen » ça va avoir l'air assez mauvais. Mais c'est bon parce qu'on va arranger ça. Mais passons à « Aperçu ». Ça a l'air vraiment monté en ce moment et on va régler ça un peu. J' aime toujours le garder sur « Smooth » et ensuite je dois le garder sur « Absolute ». Alors ce que je fais est, donc c'est le niveau de détail, niveau de complexité de ces formes ici, ce qu'il va faire la ligne. Donc, vous pouvez voir que c'est vraiment en train de jouer avec ça. Je ne veux pas avoir de super détails parce que je veux que ce soit subtil. Juste un peu ici. Alors la taille est à quelle hauteur, quel point ils vont être extrêmes. Peut-être que cette taille est, non. On ne veut pas trop faire, parce que ça va devenir trop fou. C' est la partie que vous devez finesse pour chaque illustration différente. Mess avec la taille et le détail. Après un certain temps d'utilisation, vous découvrirez ce qui fonctionne le mieux pour quelle taille d'une image. Mais puisque c'est une si petite image en fait sur cette grande toile, ça devrait être correct. Alors cliquez sur « OK » et c'est fini. Regarde ça. C'est juste une belle forme organique. Pour de vrai, ça a l'air terrible. Mais ce que nous allons faire maintenant, c'est « mettre en évidence » tout. Faisons commande « G » qui regroupe ceci, tous ensemble. Maintenant, je clique dessus, tout est ensemble. Je vais « Zoom Out », parce que ce que je vais faire maintenant, c'est appuyer sur « Command Shift ». Je veux dire « Option Shift », et allez-y et « Faites glisser » ceci et « Agrandir » ceci. Maintenant, je peux voir que ça a l'air beaucoup mieux qu'il ne l'était, beaucoup mieux. Je veux agrandir un peu plus pour le rendre un peu plus subtil. Puis une fois que j'ai agrandi à la taille que je veux, je vais aller « Objet », « Développer » une fois de plus. Ce que cela fait, c'est qu'il élargit tous les points que vous aviez créés, toutes les marques déchiquetées. Maintenant, il est étendu et maintenant tous ont leurs propres points, donc ils sont tous des « points d'ancrage » modifiables. Maintenant, on va aller de l'avant et rétrécir ça. Donc, vous maintenez « Shift Option » et la ramenez à la taille d'origine, juste là. « Zoom avant » et voir ce que nous avons fait. D' accord. C'est un peu tremblant ici. Eh bien, disons que si ça va être si grand, maintenant tu comprends ça, même tu peux comparer les deux ensemble et voir que c'est beaucoup plus. Voyez ces bords ici, maintenant ils sont arrondis dans certains endroits. Ce n'est plus cette forme lisse ici. Maintenant, vous avez ce petit bord subtil et déchiqueté, surtout ici sur ces lignes. Certainement, il lui donne l'impression d'être beaucoup plus naturel et main sur. Même ce modèle ici, ces cercles ne sont plus tous uniformes. Ils ont tous leurs propres formes personnalisées. Il y a des variations de ces cercles là-dedans. C' est l'outil « Rughen » et c'est ce qu'il peut faire. Maintenant, comme je l'ai dit, c'est vraiment pénible donc tu dois jouer un peu avec ça. Mais la clé à emporter pour tout ça, c' est qu'une fois que vous l'avez élargi et que vous l'avez fait, et que vous l'avez réglé sur le réglage que vous voulez pour le Roughen, il ne sera pas parfait tout de suite. Mais allez-y et agrandissez un peu l'image, développez-la une fois de plus, puis réduisez-la à la taille que vous voulez. Il sera beaucoup, beaucoup mieux que ce que vous avez cliqué à l'origine lorsque vous avez cliqué sur « Roughen ». Ici, tu y vas. J'espère que cela vous aidera et c'est la fin de ce tutoriel. 9. 8. Créer des motifs dans Illustrator: Ce didacticiel porte sur la création de motifs dans Illustrator. Les modèles personnalisés que vous créez et qui sont complètement vectorisés. Nous allons faire en sorte qu'ils soient sur l'échantillon et donc automatiquement carrelés. Cela vous permettra d'économiser une tonne de temps plutôt que de simplement les créer et de copier toutes vos formes encore et encore, puis de les utiliser, vous allez réellement la créer en tant que nuancier. L' importance des motifs, nous avons déjà parlé de pouvoir ajouter un peu d'intérêt visuel supplémentaire à votre image, mais aussi de pouvoir l'utiliser comme un outil pour établir une hiérarchie dans votre composition, être capable de désouligner certains des vos éléments sur votre page, et/ou les mettre en valeur en fonction de la façon dont vous utilisez ces textures. Ils sont super importants. Je veux les voir et vous montrer comment faire ça. Maintenant, j'utilise Adobe Illustrator CS5, mais si l'un d'entre vous est dans CS6, je sais qu'il existe un outil qui fait tout cela pour vous. Mais la raison pour laquelle je vous montre ceci est toujours, une, parce que je n'ai que CS5, mais aussi, je veux vous montrer comment un modèle est construit pour que vous ayez déjà cette connaissance et je pense que c'est important pour comprendre comment cela fonctionne. Tout d'abord, lorsque vous voulez créer un carré, vous créez toujours un motif dans un carré afin qu'il puisse être carrelé. Allons de l'avant et faites juste ce 300 pixels par 300 pixels. Faisons juste ce fond, je vais aussi prendre ce fond juste là. Maintenant, déplacons ça ici pour que je puisse voir mes couleurs, je veux utiliser. L' idée est, disons que j'ai une forme ici, tout ce qui est en dehors de ce carré, si quelque chose vient de l'extérieur, il doit être dupliqué de l'autre côté et il doit s'enrouler autour. C' est juste la nature d'un motif et il doit être capable d'être transparent. On va aller de l'avant et prendre ça, envelopper ça de l'autre côté si ça traîne. Cela vaut pour tous les autres éléments ici. Nous commencerons par verrouiller réellement cette couche d'arrière-plan parce que nous n'en avons pas besoin dès cette seconde. Faisons la commande 2, et cela verrouille juste un élément dans n'importe quelle couche, puis l'option de commande 2 déverrouillera cela. Allons le verrouiller. Commandez 2 et commençons à construire nos modèles. Si vous en avez déjà peur ou si ce qui vous empêche de créer des motifs dans Illustrator est lié aux mathématiques, ne vous inquiétez pas. Illustrator est en maths pour vous et je vais vous montrer comment ça marche. Disons juste que nous essayons de construire ce modèle, je vais prendre cette forme et ce cercle et le mettre juste au coin de la rue. Ce n'est même pas, alors on va le mettre juste ici. Je veux qu'il réfléchisse à tous ces quatre coins, mais je ne peux pas juste le faire au hasard parce que ça doit être exact. Ce que je fais est la commande C, puis vous appuyez sur « Commande F », et après que vous l'avez copié et maintenant vous l'avez collé en place. C' est passé en plus de ça parce qu'on va l'utiliser et le déplacer ici. Lorsque vous allez sur votre axe X, qui est celui-ci, horizontal, vous pouvez effectivement monter et cliquer juste après les chiffres, vous pouvez ajouter un signe plus, puis un 300. Nous travaillons déjà en pixels, donc nous savons déjà qu'il sera plus de 300 pixels. Ensuite, vous cliquez sur le côté et il l'a déjà déplacé là-bas. Aussi facile que cela, donc je peux aller de l'avant dans la commande C, sur les deux de ces commandes C puis commande F, et maintenant je peux les amener sur l'axe y juste ici, le vertical, cliquez plus 300 parce que je connais la taille de ce carré et il va le déplacer parfaitement là-bas. Impressionnant. Maintenant, nous avons la forme par ici, faisons une forme de diamant ici. Donc les formes de diamant, pour une raison quelconque, vous ne pouvez pas juste aller de l'avant et prendre un carré pour en faire un diamant. Si quelqu'un a une solution de contournement, s' il vous plaît faites-le moi savoir. Mais pour l'instant, c'est ce que j'ai à faire. Je prends juste une autre forme, n'importe quelle forme, l' amène à l'intérieur d'ici, puis je les prends tous les deux et je les unit. Je vais à mes outils Pathfinder et je les unit ensuite. Alors maintenant, je suis capable de mettre ça en forme de diamant. Je ne sais pas pourquoi il fait cela, mais il pourrait être corrigé à nouveau dans la version plus récente si vous avez la chance d'avoir cela. Mais c'est ce que je dois faire pour l'instant. Allons de l'avant et utilisons une couleur différente. Disons que je veux ça ici et que je vais en mettre un autre ici. Je vais les avoir pour la plupart [inaudibles] plus petits, je vais essayer de les centrer, mais je vais les faire compenser un peu juste pour montrer ce que nous pouvons faire. En fait, faisons-le juste ça. Je joue trop, laisse-moi juste aller à la poursuite ici. Maintenant, vous pouvez faire toutes les autres formes que vous voulez mettre ici. Juste votre carré normal, maintenant je l'ai mis ici à nouveau, il doit être de l'autre côté, donc commande C, commande F, va à l'axe X plus 300. Allons le déplacer là-bas, peut-être que nous l'avons fait. Eh bien, ça va faire plus de démonstration. Laisse-moi juste effacer ces choses. Je veux déverrouiller l'option de commande 2, déverrouiller ce carré, le garder là où il est, mais enlever la couleur. Vous n'avez pas besoin de colorier de cette façon. Vous voulez enregistrer ce motif comme quelque chose de transparent, moins que vous ne vouliez cette couleur là, très bien. Je ne le fais pas parce que ça ressemble généralement à un petit bord là-bas. Il suffit de retirer tout cela, puis d'aller dans le panneau des nuanciers, mettre tout en évidence, de tout prendre le faire glisser directement dans les nuanciers, puis de supprimer tout cela. Très cool, parce que maintenant je peux aller de l'avant et prendre ça. Je vais faire un cercle et cliquer dessus, j'ai cette couleur là. Maintenant, j'ai mon motif, maintenant j'ai un motif répété, sans couture que je viens de créer comme une nuance et je peux cliquer sur comme je le ferais n'importe quelle autre couleur pour remplir n'importe quelle forme que je crée. Cela vous fera gagner une tonne de temps et il est évolutif. Vous pouvez vous demander comment, parce que quand je vais comme ça, je peux le changer, mais peut-être que je veux garder la forme de la même taille. Je ne veux pas avoir à bouger toute ma forme pour faire grandir ou rétrécir le motif intérieur. Nous ne voulons pas qu'elle soit petite, mais je veux ça, les modèles. Je veux ce grand, la forme grande quand je veux modéliser à l'intérieur petit. Nous pouvons réellement changer cela en entrant dans votre objet, transformer, mettre à l'échelle. Maintenant, il change automatiquement, il est cliqué sur vos objets. Vous ne voulez pas que l'objet soit mis à l'échelle, vous voulez juste le motif à l'échelle. Cliquez dessus, et oui, j'avais déjà fixé à 50, mais si c'est à 100 et vous pouvez voir ce que nous avons normalement, mais vous pouvez réduire cela et c'est un 10. C' est en fait beaucoup plus cool quand il est beaucoup plus petit. C' est ainsi que vous pouvez modifier l'échelle du motif réel dans vos formes. Vous ne voulez pas déplacer vos formes. Ensuite, vous pouvez simplement cliquer sur « OK ». Il ne le change pas réellement pour le motif lui-même dans les nuanciers, car lorsque vous cliquez dessus, il reviendra à la taille normale. La mise à l'échelle se fait simplement individuellement pour vos différents besoins. Une autre chose cool, c'est que je n'ai pas à rester avec ces couleurs. Si je veux changer ces couleurs, vous pouvez cliquer sur cette nuance que vous aviez ici. Cliquez dessus, faites-le glisser, tirez-le ici, et voilà. Maintenant, vous avez ça, votre œuvre d'art originale. Cliquez hors de là, dégroupez tout, commandez Shift G car tout est groupé, puis vous pouvez cliquer sur ces éléments individuels. Je veux changer les quatre en rouge, mais je veux les faire comme une couleur jaune. En fait, cliquez sur l'un d'eux, sélectionnez « Même », Couleur de remplissage, et je veux qu'ils soient jaunes. Puis quand j'en ai fini avec ça, prenez-le, coloriez tout, faites-le glisser ici et maintenant j'ai une version jaune. Je peux effacer ça, effacer ça, étaler le triangle, et je vais l'utiliser avec la version jaune. J' ai les versions dérivées maintenant. Vous pouvez modifier la couleur, modifier l'échelle, et c'est maintenant un échantillon, un moyen très simple de créer des motifs dans Illustrator. Laissez-moi vous montrer une chose de plus pendant que je suis ici, parce que je pense que ce serait super important pour vous aussi de le savoir. Peut-être que je veux prendre ce modèle, mais je veux l'appliquer uniformément, le répartir uniformément entre un tas de formes différentes. Disons que j'ai cette forme ici, je vais aller de l'avant et changer ça en jaune. Alors disons que j'ai un polygone par ici, puis un cercle par ici. Aucun d'entre eux n'est connecté de quelque façon que ce soit, mais je veux que le modèle aille spécifiquement. Je veux qu'il se pose, même si je ne veux pas avoir à faire tous ces éléments individuellement. Peut-être que la meilleure façon de vous montrer cela est avec un type différent de motif, peut-être les lignes. Je veux que toutes les lignes s'alignent complètement. Si je devais tracer une ligne juste ici, je veux qu'elle continue jusqu'ici. Je ne veux pas avoir, si je faisais ce motif de ligne ici et ensuite je l'appliquais séparément à cette forme, vous auriez des lignes ici et les faire correspondre, mais je veux qu'elles correspondent toutes. Pour vous montrer ce que je veux dire, vous avez en fait beaucoup plus d'options qui sont prédéfinies dans Illustrator. Si je vais dans mes échantillons, je peux aller directement dans le coin supérieur, et cliquer dessus, et je peux ouvrir une bibliothèque de nuances. Maintenant, il y en a des meilleurs et d'autres, mais vous pouvez descendre à vos motifs et aller à vos graphiques de base, et vous avez des points, des lignes et des textures. Juste si vous ne le saviez pas, ça vous donne votre look à mi-temps, remplissez les points et ensuite vous avez les lignes. Je vais utiliser les lignes pour ça et te montrer exactement ce que je veux dire. Je veux utiliser ça. Voilà, tu y vas. Je veux que ces lignes soient là. Mais si j'ai fait ces lignes, et je décalé cela, et je clique dessus, si je déplace cette forme, je peux déplacer ceci, et maintenant vous pouvez voir que cette ligne ne continuerait pas dans ce cercle. Je veux qu'ils s'alignent parfaitement, mais je ne veux pas bouger toute ma forme. Pour que ceux-ci s'alignent, ce que je peux faire est de les prendre, je vais mettre en évidence tous ceux-ci, je vais aller à l'objet, et je vais les convertir en chemin composé. Cela signifie qu'ils ne seront pas unis dans les formes, mais tout ce que j'ai appliqué à cela arrivera dans les trois. Par exemple, je vais faire, donc maintenant ce chemin composé, si je clique dessus, et je clique sur cette texture, maintenant ceux-ci sont parfaitement alignés avec mon motif et mes formes. Si je voulais individuellement même simplement déplacer cela, vous remarquerez que la texture sera toujours alignée parfaitement avec ces formes, peu importe où je les fais glisser. C' est une petite chose cool si vous voulez que cette texture s'harmonise spécifiquement avec des lignes, pour ressembler à ce que vous ayez appliqué cette texture sur l'ensemble de la pièce d'art et non seulement sur des éléments individuels. J' espère que cela a du sens. Je suis impatient de voir tous les motifs merveilleux que vous créez. Espérons qu'ils étaient plus beaux que ceux que j'ai créés aujourd'hui pour cet exemple, mais j'espère que cela aide. Merci. 10. 9. Pinceaux et motifs de texture personnalisés: Donc, pour ce tutoriel, nous allons passer en revue l'outil Définir un motif. Il y a quelques bonnes utilisations pour ça, et je l'utilise tout le temps. Je suis reconnaissant de l'avoir appris dans mon seul et unique cours d'illustration numérique que j'ai repris à l'université de Scott Francine. Je vais mentionner son nom juste parce que vous avez peut-être remarqué qu'il est dans notre classe et que j'espère juste regarder et ne pas critiquer mes capacités d'enseignement ici. Mais c'est lui qui m'a transmis ces connaissances sur l'utilisation de l'outil Définir des motifs et bien d'autres choses que je vous ai partagées aujourd'hui et tout au long de ce cours. espère que maintenant j'ai cette occasion de transmettre clairement comment cet outil fonctionne, et merci à lui. Allons-y et commençons. La grande partie de l'outil Définir des motifs est que vous pouvez apporter vos propres textures personnalisées ou celles que vous trouvez en ligne et les transformer en motifs ou en brosses sans soudure pour plus de précision, ce que j'aime faire une beaucoup de temps. Alors allons de l'avant et double-cliquez ici, faites-en une couche. Nous allons passer en mode image, assurez-vous qu'il est en niveaux de gris. Ensuite, une fois qu'il est en niveaux de gris, allez à Réglages et vos niveaux. J' aimerais ajouter un peu de contraste là juste pour que je puisse voir un peu plus de ce grain. J' aime voir ce regard grineux parce qu' il apparaît bien dans les illustrations. Cliquez sur « OK » et voici l'outil. C' est Modifier, Définir le motif. Appelons ça test1 et appuyez sur « OK ». Ensuite, nous allons dans Nouveau Document pour que je puisse vous montrer comment ça s'est passé. Allons à Effets, Overlay de motifs. S' il vous plaît, n'utilisez pas ces bulles. Je ne sais même pas pourquoi ils sont là. Mais peut-être juste pour vous montrer qu'il y a des modèles, probablement personne ne devrait jamais au moins les utiliser. Allons de l'avant et voyons ce que nous avons créé. Donc c'est ce qu'on a fait. Vous pouvez voir le problème que nous rencontrons ici est qu'il y a cette limite ou que les bordures de notre texture que nous avons numérisées sont très visibles lorsque nous commençons carreler et vous pouvez voir où il fait sombre et cette lumière ici. Donc, nous voulons en quelque sorte les mélanger ensemble au moins un peu pour qu'il soit plus facile travailler avec comme un pinceau dans un motif plus tard dans notre art. Maintenant que nous avons vu cela, revenons à notre texture et faisons quelque chose appelé offset. Allons à Filtre, vers Autre, et vers Décalage. J' ai déjà fait bouger ces curseurs, mais quand ils sont à zéro, vous ne voyez aucun emballage. Mais si vous cliquez sur « Wrap Around », ce que vous verrez est le bas de cette texture ici. Le haut de cette texture arrive sur le fond et s'enroule autour, et quand je déplace les curseurs horizontaux, vous pouvez commencer à voir ces bords, la droite et la gauche commencent à s'enrouler autour. C' est donc la même texture continue, mais c'est ce que nous voulons voir. Alors continuez à glisser jusqu'à ce que vous voyez ce réticule ici et c'est ce que nous voulons éliminer. Donc, si vous allez à votre outil de brosse de guérison spot. C' est ce qu'on appelle le pinceau ponctuel parce que nous voudrions vraiment l'utiliser uniquement dans ces endroits courts juste pour obtenir un meilleur résultat. Mais je veux passer par ici et commencer à brouiller ces lignes ici. On ne veut pas qu'ils soient aussi coupés et secs ici. Donc, si on peut passer et nettoyer ces lignes comme la première chose que nous devons faire, et je laisse ça ici pour que vous puissiez voir. Donc, en fait, si nous allons à Filtre, une fois que vous avez l'impression que vous avez terminé cette vue, si vous allez à Filtre, vous verrez que le décalage est maintenant en haut là-bas, et cela va simplement répéter la fonction. Alors cliquez dessus et vous serez en mesure de voir qu' il est décalé une fois de plus et de déplacer les choses. Maintenant, vous pouvez voir qu'il y a des lignes dont je dois me débarrasser à nouveau. Ce ne sera pas parfait, mais ce sera assez bon pour ce qu'on va faire. Alors appuyez sur « Offset » une fois de plus. Voyons s'il y a des lignes. Essayez juste de vous débarrasser de l'un de ces bords. Puis une fois que vous vous sentez à l'aise avec cela, une fois que vous vous sentez à l'aise avec ce que vous avez fait ici et éliminé ces bords, revenez en arrière et redéfinissez ceci comme un motif. On appellera ce test2. Alors on y retournera et je te montrerai ce qu'on a fait. Je vais vous montrer ce qu'on a fait en premier. C' est donc ce que nous avons fait au départ. Ces lignes dures et c'est ce que nous venons de faire. Vous pouvez voir que c'est beaucoup moins dur. Il a enlevé ces bords là-bas et vous pouvez voir qu'il y a encore des zones sombres. Si je passais plus de temps ici, je pourrais aller à travers et éclaircir et assombrir certaines zones pour rendre cela complètement transparent. Mais pour ce tutoriel, cela fera l'affaire, et je vous laisserai aller plus loin dans les détails si vous choisissez. Allons de l'avant et voyons comment cela se passe réellement. Alors je vais aller de l'avant et faire un cercle ici. Je vais aller de l'avant et le remplir avec cette couleur bleue. Je vais entrer dans mes couleurs. Va à ton pinceau. Donc, vous pourriez prendre ce modèle que nous venons de créer et faire ce que j'ai fait et aller à vos effets et faire une superposition de motif et il superposerait ce modèle ici. Comme vous pouvez le voir, voyons. Je vais juste te montrer. Vous pouvez superposer ceci et je peux réellement appuyer sur Command Shift I, et il sélectionnera toutes les zones autour de cela car j'ai toujours gardé cette sélection. Vous pouvez supprimer cela et vous verrez qu'il a juste cette texture disponible maintenant. Je vais changer ce fond en blanc. Je vais te montrer ce que j'ai fait. Allons de l'avant et créons une autre couleur ici. Maintenant que j'ai une couleur différente derrière, je vais vous montrer ce qu'on peut faire. Donc, vous pouvez en fait ne pas soutenir l'opacité et vous pouvez le multiplier sur n'importe quelle surface sur laquelle vous êtes et vous pouvez avoir cette texture là. Mais ce que j'aime faire plus que ça, j'ai fouillé ça parce que ce n'est pas vraiment comme ça que je travaille. Plus comment je travaille, c'est ça. Laissez-moi les supprimer. Je vais juste vous montrer avec cette image que j'ai déjà créée. Allons au pinceau et maintenant nous pouvons voir notre texture que nous avons faite. Nous l'avons défini comme un motif et maintenant nous pouvons voir nos nuances ici pour nos textures de pinceau. Ainsi, lorsque vous cliquez sur les brosses choses, l'outil Pinceau, vous pouvez aller et cliquer sur « Texture ». Assurez-vous que ces autres sont retirés sauf si vous utilisez spécifiquement la tablette Wacom. Mais vous pouvez passer par ici, définir la texture que nous avons dans notre nouvelle texture. Ça devrait être bon. Donc, ce qui se passera si vous importez vos images vectorisées, vous les avez placées dans Photoshop, car ce sont des formes vectorielles, vous allez devoir, je clique juste sur B pour mon pinceau, puis je clique sur l'image et alors il vous demandera cet objet intelligent doit être rasterisé, vous voulez le faire ? Cela veut dire que ça va le faire maintenant que ce sont des pixels. Assurez-vous donc qu'il est assez grand pour ce que vous allez l'utiliser parce que maintenant vous allez ajouter cette texture à cette nouvelle taille et qu'elle ne sera pas complètement évolutive car elle ne sera pas vecteur plus. Assurez-vous donc que cette image est assez grande pour que vous puissiez l'imprimer. Alors cliquez sur « OK ». Donc maintenant je peux voir cet ours ici et je veux ajouter cette texture. Donc la chose cool que nous venons de faire depuis que nous avons cette texture, nous pouvons en fait faire dans la couleur que nous voulons, même si c'est juste noir. Je vais aller de l'avant et juste mettre en évidence juste cette partie de l'ours avec l'outil de baguette magique et ensuite je vais retourner à mon pinceau, qui est B et vous pouvez jouer avec soustraire, sombre, et inverser. Vous pouvez voir quel est le meilleur résultat. Mais comme vous pouvez le voir en descendant ici, je peux juste assombrir dans des zones spécifiques de cet ours et peut-être que je veux fermer et le rendre un peu plus subtil afin que je puisse aller sur les bords là-bas et vous pouvez changer la taille de la brosse. Pas la taille de la brosse, c'est l'échelle de la texture. Donc si je deviens très petit, tu pourras voir que ça se répète. Tu ne veux pas faire ça. Assurez-vous qu'il est réglé un peu plus haut afin que vous ne voyez pas ce bord répétitif là. Même si nous avons pu le brouiller un peu, c'est encore assez perceptible pour que vous vouliez vous en débarrasser. Parfois, j'aime faire est que je voudrais prendre la couleur et juste faire une version plus sombre de la même chose. Je vais avoir ce brun et la rendre plus sombre version et ensuite je vais faire ce brun, je suppose que les fesses juste là sur cet ours. Donc, si cela ne ressemble pas à ce que vous voulez, si ces bords sont trop lisses, vous pouvez réellement aller ici, Mode et aller à Dissoudre. C' est un que j'aime faire, surtout si je garde ça assez petit. Si vous effectuez un zoom avant, vous verrez qu'ils sont pixélisés. Mais loin, tu ne le sauras jamais. On dirait que c'est juste [inaudible] là-dedans, presque comme un peu de brosse à souffler ou tout ce qui n'est pas tout pulvérisé là-dessus. Donc c'est une façon que je l'utilise pour mon observation et pour le faire sentir un peu plus dimensionnel. Utilisons cette couleur et assombrissons juste un peu et peut-être que vous pouvez utiliser un jaune. En fait, si je dois faire ça, je vais devoir changer cette couleur. Je vais le rendre un peu plus sombre que ce que j'ai déjà. Donc, j'ai mis en évidence autour de cette horloge. Je vais juste faire le tour de ce bord ici et automatiquement il ajoute un peu de profondeur à elle sans en faire juste une ombre portée et l'air super informatisé. Vous pouvez le faire sentir bien, puis frais et fait à la main. Ainsi, vous pouvez aller de l'avant et jouer avec eux toute la journée et vous pouvez changer cela à votre outil de baguette si vous voulez sélectionner une certaine zone. Tu peux retourner dans le contigu. Vous pouvez cliquer dessus une fois de plus et nous allons parcourir toutes les zones. Si vous décliquez dessus, lorsque je sélectionne, il ne sélectionnera qu'une seule zone, pas partout où c'est cette couleur. Cela pourrait vous aider dans votre processus de texturation de votre illustration. C' est ainsi que vous apportez une image vectorisée à l'intérieur et que vous utilisez l'outil Définir un motif pour créer des pinceaux pour vous-même. Donc j'espère que cela aide et c'est la fin de ce tutoriel. Merci. 11. 10. Textures bitmap: Les fans d'Illustrator, celui-ci est fait pour vous. J' ai soigneusement choisi ce tutoriel garder tous les fans d'Illustrator à l'esprit parce que je suis définitivement dans ce camp. J' aime garder autant que possible dans Illustrator juste parce que j'aime travailler avec des vecteurs. Mais le problème est quand j'essaie d'apporter mes textures numérisées, les tailles de fichier sont trop grandes et elles rendent toute mon expérience de travail dans Illustrator beaucoup plus lente, mes tailles de fichier sont énormes, et c'est vraiment difficile d'aller dans et personnalisez mes textures ou la couleur de ces textures que j'apporte. C' est pour vous les gars, et cela va vous montrer comment prendre cette taille de fichier et le réduire considérablement en les convertissant en images bitmap et en les enregistrant en tant que TIFF. Voici une image numérisée et nous allons de l'avant et assurez-vous, oui, c'est un calque. Allez en mode image, mettons en niveaux de gris ceci. Nous traiterons des couleurs dans Illustrator. Ensuite, nous voulons revenir à l'image. Une fois qu'il est mis à l'échelle de gris, je passe aux ajustements de seuil, au seuil. Ça enlève tous les gris, donc tu es juste noir et blanc. Allez-y et jouez avec cela jusqu'à ce que vous ayez l'impression que votre texture est au point où vous voulez qu'elle soit. Je pense que c'est bien. Vous pouvez nettoyer les bords avec l'outil crayon ici. Assurez-vous qu'il est juste sur le blanc et que vous pouvez nettoyer n'importe lequel de ces bords. Il y a des petits petits points. Ils sont tous de ce côté, donc je peux nettoyer ça, peu importe. J'ai ça ici. Allons-y maintenant que nous avons ceci. Allez à votre image, votre mode, et mettons ce bitmap, aplatir les calques, oui. Je le mets habituellement 300 pixels par pouce carré, mais vous pouvez aller de l'avant et changer cela en fonction de la taille de votre illustration. Cliquez sur « OK ». Maintenant, nous avons ces bitmaps, mais nous allons les enregistrer en tant que TIFF. Alors allons à Save As, peinture roulée. C' est génial. Bureau, oui. Je vais le sauver. Il s'enregistre généralement en tant que Photoshop, suffit de descendre à TIFF, puis de cliquer sur « Enregistrer », « OK ». Maintenant, vous voyez, donc ce qu'on avait avant était une texture de six mégaoctets. Voyons maintenant à quoi vont nos nouvelles tailles. Cliquez avec le bouton droit, allez obtenir des informations. Maintenant, il ne fait que 385 kilo-octets, beaucoup plus raisonnable, beaucoup plus facile à utiliser dans Illustrator. Ici, je veux m'ouvrir et j'ai une image vectorisée d'un piano. Très Picasso comme piano à ça. Ces couleurs sont odieuses et je les ai faites comme ça, parce que je voulais te montrer quelque chose. Je ne voulais pas avoir à passer un tout nouveau tutoriel à ce sujet. Mais si vous avez du mal à unifier une palette de couleurs une fois que vous l'avez mise dans votre œuvre et que ces couleurs ne sont pas trop agitées et que vous voulez qu'elle soit là comme une palette plus chaude et que vous vous sentiez plus unifiée ou même comme une palette plus fraîche, allez-y et mettez juste une boîte autour de tout ça. Vous pouvez le changer pour votre refroidisseur ou votre couleur plus chaude. Disons juste que je veux utiliser cette couleur ici. J' ai utilisé l'orange, jaune-orange. Je vais aller à ma transparence et descendre jusqu'à la couleur. Maintenant, appliquons cela sur toutes ces différentes couleurs. Donc, il distribue également cette nouvelle teinte dans toutes les autres teintes que j'ai dans ma palette, ce qui est que je ne sais pas si c'est un super truc à suivre, mais il est certainement envie de m'aider à avoir une idée de ce que mon palette de couleurs pourrait être et commencer à unifier juste un peu plus. Peut-être que ce jaune ne fonctionne toujours pas pour moi, je pourrais travailler avec ça. Mais maintenant, cela va juste vous aider à voir les possibilités et peut-être que c'est trop fort. Vous pouvez commencer à voir que ces couleurs sont un peu plus unifiées qu'elles ne le seraient normalement. C' est un petit truc que j'utilise parfois pour unifier ma palette de couleurs. On va travailler avec ces couleurs nocives, c'est bon. Allons de l'avant et prenons ça. Allons à Dossier, Place. Maintenant sur notre bureau, nous avons la peinture de route TIFF. Allons de l'avant et poussons « Ok ». Ici, c'est. Ce petit fichier minuscule, vous pouvez réellement utiliser copier, copier et utiliser tous ces tout au long de votre image et il sera certainement toujours une taille de fichier plus petite que ce que vous auriez été si vous aviez glissé dans cette pleine image numérisée directement à partir de Photoshop. Ce que vous pouvez faire, c'est que j'utilise habituellement des masques d'écrêtage. Si je veux que cette forme ait ce bord grungy dessus, je peux aller de l'avant et cliquer dessus, Commande C, puis une fois que j'ai frappé Commande C, je ramène ça juste pour que vous puissiez voir le bord ici, et puis je ferai la Commande F, qui est coller en place. Mais dans la commande Z, il suffit de le coller ailleurs. Mais je veux frapper le Commandement F, donc c'est là exactement au même endroit. Alors je mettrai en évidence les trois choses. Vous pouvez voir qu'il y a des multiples de cela maintenant. Il y en a un tout en bas. Vous êtes en sandwich à cette texture entre les deux. Je veux capturer les trois, juste ces trois, et ensuite je vais faire un clic droit et faire un masque de coupe. Maintenant, cette texture est prise en sandwich entre les deux. Si je double-clique dessus, je peux déplacer juste la texture par elle-même et je peux rétrécir cette je peux déplacer juste la texture par elle-même et je peux texture et je pense que sur les bords que je veux, je peux faire pivoter ma texture pour voir peut-être que c'est un peu trop un bord plat. Peut-être que c'est un peu mieux et je peux l'agrandir. Cliquez sur le côté ici. Voilà, tu y vas. Maintenant, je peux ajouter efficacement les textures scannées dans Illustrator, qui est un excellent outil. Une autre chose, avant de vous laisser aller, c'est que si vous double-cliquez dessus, vous pouvez réellement changer la couleur de cette texture tout ce que vous voulez. Laisse-moi prendre cette couleur ici. Maintenant, c'est la même couleur. Un peu plus sombre. Mon petit truc que j'aime faire, juste pour qu'il soit subtil. Voilà, tu y vas. Vous pouvez changer la couleur aussi facilement que n'importe quelle autre forme vectorielle, mais vous pouvez changer la couleur de votre texture, ce qui est génial et incroyablement utile. Espérons que ce tutoriel a été incroyablement utile et je vais vous laisser partir. C' est ça. Merci. 12. Facultatif : session finale de Q&R: Eh bien, c' est notre séance de questions-réponses d'adieu. J' ai suivi tous vos nouveaux messages là-bas dans les projets et j'ai été super impressionné par le travail que vous avez tous produit ici avec ces illustrations. Cela a été tellement amusant de voir la progression depuis le début de ceux-ci, juste des croquis conceptuels et même des listes de mots, puis de voir ceux visualisés et manifestés de la façon dont vous avez les gars à travers le format numérique et ajouter les motifs et les textures. Il a été bien de voir comment vous avez interprété mon cours, en particulier ces tutoriels, et il a été soigné de voir différentes façons de les utiliser et d'exécuter ces outils. Ça a été soigné et ça a été un excellent outil d'apprentissage pour moi. Je ne suis pas sûr, je sais qu'ils ont fait beaucoup et beaucoup de changements différents dans toute la classe sur l'interface. Je suis désolé si certaines de ces choses vous sont perdues. Ils changent pour le mieux, ce qui a été vraiment sympa. Beaucoup de petites choses pour m'aider à trouver votre travail et à voir vos projets. Donc ça a été génial. Mais supporte les gens de Skillshare. Ils ont fait beaucoup pour arriver au point où il en est, et il se trouve que nous sommes dans cette période transitoire où ils essayent de récupérer ces choses. J' ai remarqué qu'il n'y a que quelques questions ici qui nous sont posées pour cette séance de questions-réponses, ce qui est parfaitement bien parce que j'ai l'impressionque vous avez fait un qui est parfaitement bien parce que j'ai l'impression excellent travail et beaucoup d'entre vous m'ont envoyé directement par e-mail et demandé de l'aide et ça a été très bien aussi. J' espère que j'ai répondu à vos questions. Allons de l'avant et je vais passer en revue certaines de ces questions qui m'ont été posées ici, puis nous allons de l'avant à partir de là. Tout d'abord, Linda est allée de l'avant et a posé quelques questions et très bonnes questions. Le premier était : « Pensez-vous que vous seriez prêt à enseigner un autre cours ? » La réponse est oui. J' avais déjà planifié quelques autres cours qui se sont développés dans mon esprit depuis peu et je vous tiendrai tous au courant de ceux-ci. Celle-ci s'est bien mieux passée que je ne l'aurais jamais cru. Pas seulement parce qu'il y a beaucoup d'entre vous, mais ça a été vraiment soigné de voir combien de croissance s'est produite et ça a été une très bonne expérience pour moi, si quoi que ce soit. Je veux vraiment enseigner ce cours à nouveau aussi. Je l'espère dans un proche avenir, j'enseignerai à nouveau ce cours. Si l'un de vos amis essaye de le prendre et n'a pas eu le temps, ce serait le moment idéal pour leur parler. Mais aussi, je pensais aussi, celle-ci Linda a demandé si nous pouvions faire un cours de base de données, et c'est quelque chose que j'avais pensé. Donc je vous tiendrai au courant. J' avais aussi pensé à d'autres options comme juste l'iconographie en général rétrécir cela à partir non seulement de la base de données, mais de l'iconographie réelle parce que ces ensembles peuvent être utilisés pour quelque chose comme le travail d'illustration éditoriale. Beaucoup de fois, ils demandent que la conception de l'application, la conception de site Web, et tous ces logos et logos ensembles ou ensembles d'icônes peuvent certainement être une classe vraiment robuste et je vais vraiment avoir besoin d'être en mesure de distiller ces images. Donc c'est un autre. Aussi ma femme et moi étions en train de penser à l'équipe de tag en enseigner un. Elle est écrivaine et rédactrice en chef d'Illustrator. Elle pensait faire équipe avec moi et enseigner un cours sur la façon dont nous pourrions braver les bois. Le nom va là-bas et mon travail va là-bas et tout le processus derrière cela et le développement de la présence sur les médias sociaux et autres. Beaucoup de trucs amusants à venir. Oui, il y aura certainement plus de cours à venir et toutes les suggestions que vous pourriez avoir, s'il vous plaît les tirer à mon chemin soit dans le forum de discussion ou vous pouvez me contacter directement si vous aimez cette classe. Une autre question, « J'ai remarqué que presque tout le monde ici a fait une pièce figurative. Nous avons trouvé ce concept de la classe, vous attendiez-vous à ce nombre de pièces figuratives ou pensez-vous plus abstraites ? » Personnellement, j'ai gardé mon esprit ouvert, donc je me fichais de ce qui était représenté. Pour moi, j'aurais probablement été abstraite si tu me demandais personnellement ce que j'aurais fait. Seulement parce que j'ai l'impression que c'est ma seule chance de faire du travail abstrait parce que je ne comprends pas ça. Je ne reçois pas de commission pour faire des travaux abstraits très souvent. Si jamais, ce serait ma chance d'expérimenter là-dedans. Mais j'ai été merveilleusement surpris et de voir comment vous pouviez prendre ces textures et motifs et les incorporer dans une pièce aussi littérale et figurative. Ça a été vraiment soigné de voir tout ça. Rien n'est des pièces figuratives et il s'est avéré grand. « Qu'avez-vous tiré de l'enseignement de ce cours C'est ce que je disais. C' était juste soigné de voir tous les styles que vous apportez à la table. C' est cool de voir la gamme aussi, parce que beaucoup d'entre vous sont super talentueux pour illustrer et esquisser et tout l'aspect fait main de celui-ci. C' est super motivant pour moi d'aller mieux à mes croquis, m'améliorer à mes figures en direct et autres choses. Vous m'avez vraiment montré un peu. Ensuite, ceux d'entre vous qui sont nouveaux, c'est vraiment soigné de voir ceux qui sont flambant neufs utilisant ces outils et comment ils les utilisent. Il y a des choses que je n'aurais pas généralement pensé sur les couleurs ou les combinaisons de couleurs ou simplement comment représenter une illustration en général. Ça a été cool de voir toutes ces interprétations différentes. Pour moi, ça vient d'apprendre de vous les gars et ça aide toujours quand je parle à haute voix. Pour moi de comprendre les choses, c'est que si je peux aller de l'avant et l'expliquer à quelqu'un d'autre, chaque fois que je l'explique, je trouve quelque chose de nouveau. J' ai appris quelque chose de ce que je dis, ou si je commence à parler et que je n'arrive pas à comprendre ce que je dois dire, alors c'est généralement un signe que j'ai besoin d'étudier un peu plus. Ce fut donc un très bon moment pour moi de partager ce que j'ai appris tout au long de mes propres erreurs et de mes études, ce que j'ai l'impression d'avoir appris un peu, mais je n'ai pas été capable de le faire. Il semble juste devenir la seconde nature maintenant une fois que vous l'avez utilisé si souvent, tous ces principes et éléments de conception, il est donc amusant de les enseigner et de les refaire sur eux. De grandes questions, Linda, et j'espère que d'autres ont le même genre de question. Christine avait aussi cette question sur les cours. Juste une petite prise pour Oliver. Il m'a envoyé beaucoup de notes pour rappeler à tout le monde qu'il a créé un groupe Facebook. Vous pouvez passer en revue les notes, les questions et réponses, et les forums de discussion. Voici mettre le lien là. Juste pour ceux qui voulaient se reconnecter après le cours Skillshare, je sais que certains d'entre vous ont l'impression que vous aimeriez rester en contact ou continuer à travailler sur vos pièces et à recevoir des commentaires les uns des autres, donc c'était une façon de le faire. Je pense que quelques autres personnes ont également essayé de mettre en place des groupes Facebook. Faites attention à ceux-là. Oliver a son installation sur le forum de discussion. Il l'a prête pour vous les gars. Oliver avait de bonnes questions à poser, particulier sur la tarification de votre travail et sur le moment où les choses fonctionnent, et en ce qui concerne votre expérience, comment le timing et la tarification fonctionnent ? J' espère que je ne saute rien de tout ça. En termes de tarification, il n'existe pas de formule réelle pour savoir combien vous devriez facturer vos clients. Maintenant, il y a parfois de l'industrie comme des choses de type standard qui ne sont pas des prix généraux pour des choses comme des magazines éditoriaux, articles éditoriaux, ou des illustrations éditoriales, ceux-ci ont tendance à être assez fixés. Mais pour la plupart des choses, cela dépend non seulement de votre expérience, mais aussi du temps dont vous disposez ou de la taille de leur entreprise. Ce sont toutes les choses qui prennent en compte lorsque vous fixez des prix pour le travail. Je sais qu'Oliver parlait de ne pas avoir beaucoup d'expérience dans le design, et beaucoup d'entre vous peuvent avoir l'impression d'être dans le même bateau ou l'illustration. Ce que j'ai fait pour la tarification, c'est que j'ai ajouté progressivement à mon prix et facturé un peu plus que mon expérience a commencé et que j'ai l'impression de grandir, donc c'est quelque chose à prendre en compte. Assurez-vous que vous ne gardez pas seulement vos anciens prix parce que c'est ce qui a fonctionné à l'époque, mais vous pouvez continuer à ajouter à ces choses et continuer à augmenter vos prix avec l'expérience que vous avez et ajouté des connaissances que vous avez parce que je ne vais pas prix le même pour une petite entreprise maman et Pop, je peux les facturer beaucoup plus bas pour être en mesure de travailler quelque chose avec eux. Mais je pourrais être un peu plus libéral dans ma citation lorsque je cite pour une grande société ou société. Des choses à prendre en compte. Ce n'est pas seulement votre expérience et ce n'est pas seulement votre temps. Mais si vous cherchez à donner comme un prix de base pour un devis, j'aime d'abord penser à combien mon temps vaut. Je ne charge jamais toutes les heures, je charge par projet. Mais l'heure que je pense est pour moi d'obtenir juste une base pour ce que le prix serait, donc je peux deviner, est au moins combien d'heures cela prendra et si je mets un prix à chaque heure, c'est ce que j'ai comme base. Mais ensuite je prends effet, comme je l'ai dit, qui est la compagnie ? Quelle est la chronologie ? C'est un morceau précipité ? J' ai beaucoup d'autres clients, et ça va être précipité ? Alors ça va être plus cher et autre chose. Tu dois juste penser à ton temps et à ce que ça vaut, et je pense que c'est une bonne façon de commencer. Qu' est-ce qu'il a demandé d'autre là-dedans ? Désolé, je ne veux pas passer ces questions. Si vous ne voulez pas révéler du temps passé, [inaudible] je suppose que j'ai couvert ça. Le timing est tout. Comme pour la vitesse des différents projets, j'ai trouvé que je suis cohérent dans le temps qu'il me faut pour différents projets ; Comme cette affiche, il m'a fallu quelques soirées pour assommer cette affiche, juste parce que beaucoup de fois j'aime la laisser et revenez ensuite à elle. C' est à vous de décider. Je ne spécifierai pas précisément ce que vous devriez être pour le temps. Vous le découvrirez au fur et à mesure. Vraiment vite, je vais juste sauter dessus, il disait que dans un sélecteur de couleurs, dans une des vidéos, j'ai suggéré que vous preniez morceau d'art célèbre ou l'art de quelqu'un d'autre que vous aimez vraiment, leur couleur , et vous l'apportez et vous passez par le sélecteur de couleurs et retirez toutes ces différentes couleurs et voyez comment cela a été inventé, comment il a été fait. Je ne t'encourageais pas à voler des palettes de couleurs et à utiliser ça, mais je t'encourageais à expérimenter. En ce moment, nous expérimentons, ce n'est pas du travail client. Ce n'est pas une mauvaise idée juste d'aller prendre certaines de ces pièces que vous respectez ou admirez et de les démonter et de voir ce que sont tous les éléments. Dans la palette de couleurs, démontez et voyez ce que sont toutes ces couleurs différentes dans cette palette, et vous serez en mesure de voir comment cela a été fait et pourquoi il est efficace et de l'essayer en bouche. Habituellement, cela changera la plupart du temps : comme neuf fois sur 10, vous ne reviendrez même pas avec la même palette de couleurs, même si vous l'avez apportée directement à partir de celle-ci, parce qu'elle ne correspond pas à ce que vous essayez de faire. Vous allez vous sentir comme, « Oh, eh bien, j'avais besoin d'une couleur plus claire parce que j'ai cet élément ici. Je dois apporter un peu plus de contraste ici. » Je ne m'inquiéterais pas trop à ce sujet. Je ne dis pas voler, je dis juste apprendre de ça. En outre, l'autre question était quand êtes-vous satisfait de votre travail ? Parce qu'il dit qu'il se sent comme beaucoup de fois, juste après avoir fait la pièce, une fois que ça arrive comme un an plus tard ou, pour moi, même comme des mois plus tard, j'ai l'impression que je n'aime pas ce travail que j'ai créé quelques mois retour ou il y a un an. La grande façon pour moi de lutter contre cela est de parcourir mon travail assez fréquemment sur mon site Web, mon portfolio, et de voir ce qui fonctionne encore, ce que j'aime toujours et ce qui est encore approprié. Beaucoup de fois, je vais travailler. J' en ai parlé la dernière fois. Il y a beaucoup de travail là-dedans que je pense être fort à l'époque, mais j'ai grandi. Ou bien le type de travail que je veux n'est pas le type de travail que j'ai inclus, mais je l'ai simplement inclus parce que je n'avais pas beaucoup de choses dans mon portefeuille, alors je les retire. J' ai l'impression que, maintenant, je suis à un point où je suis content du style dans lequel j'ai commencé à tomber, et je comprends vraiment ce que j'aime et ce que je cherche. Je suis beaucoup plus heureux avec ce que je fais maintenant. Je suis sûr que dans un an, je vais passer par le même processus et lancer toutes les choses que vous voyez là-dedans maintenant et commencer par tous les nouveaux projets que j'ai. C' est juste le processus de l'avancer, et ce n'est pas une mauvaise chose. Un portefeuille plus petit vaut mieux qu'un grand portefeuille. Un portefeuille plus petit avec un travail plus fort est beaucoup mieux qu'un portefeuille encombré de travaux inférieurs à la moyenne, alors n'oubliez pas cela. Je pense que ce sont toutes les questions que vous avez posées. Je ne veux pas traîner ça trop longtemps pour toi, s'il n'y a pas d'autres questions. Mais je veux juste te remercier encore une fois. J' ai eu l'impression que si l'un d'entre vous n'avait pas eu la chance d'obtenir des commentaires directs de ma part, que vous m'avez contacté ou que vous m'avez demandé spécifiquement sur le forum de discussion ou que vous m'avez contacté par e-mail, j'ai fait de mon mieux. Je pense que tous ceux qui m'ont contacté, j'ai pu me connecter et donner des commentaires. Je suis presque positive, mais si je ne l'ai pas fait, et vous êtes cette personne qui se sent négligée, s'il vous plaît n'hésitez pas à m'envoyer un e-mail. Je ne voulais pas en parler au milieu de la classe parce qu'il y a trop de choses qui se passent avec moi en essayant de créer ces cours et autres choses. Mais maintenant, si vous regardez en arrière sur la classe et que vous avez l'impression que vous n'avez pas reçu de commentaires, si vous êtes l'une de ces personnes, et que vous avez besoin de conseils supplémentaires pour finir votre pièce et vous ne sont pas tout à fait fini là, allez-y et vous pouvez m'envoyer un e-mail directement et je vais essayer d'y arriver dès que je peux et vous donner des commentaires. Parce que j'ai l'impression que si vous payez pour ce cours, vous devriez, au moins une fois, obtenir des commentaires directs de l'enseignant. Je suis désolée, encore une fois. La classe était si grande. Il y a des avantages et des inconvénients à ça. Le pro est que vous avez tant de travail d'autres personnes à vous inspirer. Vous avez fait un excellent travail en commentant le travail de l'autre, ce qui a été extrêmement utile pour moi, mais aussi gratifiant pour moi de voir les commentaires. C' est en fait une bonne rétroaction, et vous avez grandi et vos morceaux ont été meilleurs pour ça. Merci d'avoir créé cette communauté que cette classe devrait avoir. C' est vraiment amusant et amusant à observer, aussi. Si vous avez besoin de commentaires, il n'a pas l'impression que vous ne l'avez pas eu dans cette classe, ne vous sentez pas mal, contactez-moi spécifiquement. Comme à la toute fin du programme, la dernière chose est de terminer la classe, et il vous demandera de donner un soutien ou une rétroaction à un enseignant ou les deux. Je souhaite la bienvenue aux deux. S' il y a des commentaires que vous avez pour la classe, positifs ou négatifs, s'il vous plaît laissez-moi savoir. J' aimerais améliorer ce cours pour la deuxième fois que j'enseigne ça, et vos opinions comptent vraiment, et vos expériences comptent. N' hésitez pas à me faire savoir s'il y a quelque chose que vous avez besoin de changer dans ce cours. Je sais que vous m'avez donné tant de mots aimables tout au long de cette classe. Si cela ne vous dérange pas de les mettre comme un soutien, aussi, et simplement de les mettre là-haut comme un témoignage afin que d'autres personnes qui viennent à la classe et qui s'intéressent à la classe puissent être influencées pour rejoindre la classe et en profiter autant que vous l'avez. Je vous remercie tous d'avoir soumis, et de tout votre travail acharné que vous avez mis dans ce projet. Ça a été tellement amusant. Je vais certainement enseigner ce cours à nouveau et essayer d'enseigner d'autres cours comme celui-ci, et je vais vous tenir au courant. Vous pouvez trouver sur mon site web, bravethewoods.com, en bas de la page, sur la page d'accueil, vous pouvez voir que vous pouvez vous abonner aux newsletters. Je n'envoie pas de newsletters. Je n'en ai même pas encore envoyé, mais je ne les envoie que pour des événements, comme si j'enseigne un cours où il y aura quelque chose de nouveau dans le magasin, ce que vous avez remarqué, le magasin est en construction en ce moment. Donc, vous n'aurez probablement rien tout de suite pour ça. Je ne vous bombarderai pas d'e-mails et de pourriels. Si vous vous abonnez, ce serait bien parce que alors vous pouvez avoir une tête sur le cours. Aussi, sur ma page d'accueil, il y a une page de fans Facebook pour Brave the Woods que vous pouvez aller à. Une dernière prise, il y a le blog. Je sais que beaucoup d'entre vous ont regardé le blog, et je vous ai envoyé là-bas pour une des ressources. Il y a un autre bon endroit pour s'inspirer. Toutes les choses que je suis inspiré par, je vais poster dans le blog, et toutes les pensées que j'ai. C' est peut-être une façon de s'inspirer continuellement. Merci beaucoup d'avoir participé. Si vous avez d'autres questions, mettez-les simplement dans le forum de discussion. Je vous souhaite bonne chance. Merci.