Histoire d'aquarelle : pratiquer les bases

1. Introduction à l'histoire de l'aquarelle: Aquarelle. C'est si populaire. N'est-ce pas magnifique ? Tu as peur de détester ça. Ce qui est génial dans ce moyen rapide, c'est que vous pouvez aussi apprendre assez rapidement. Je vais t'apprendre de la seule façon dont j'ai su comment. Tu vas le faire pour ta première fois avec moi. À travers mon histoire d'aquarelle, je répondrai à vos questions. C' est un joli petit tour. Je vais vous donner des leçons en chemin. On apprend en faisant, non ? Nous allons faire différents exercices avec des sujets de tendance très bizarres. Je veux que tu t'amuses autant avec ça que moi. Je veux juste vous inspirer à créer la vôtre, à commencer la vôtre, à continuer dans votre propre histoire d'aquarelle, et à dire, « Yay, j'ai fait ça ». Commencez votre histoire d'aquarelle. 2. Types de peinture: Donc je me souviens avoir commencé à peindre à l'aquarelle au lycée, et Mme Wagner, avec les bras un peu pliés, le bout de ses lunettes dans sa bouche, ce très studieux vous a fait sentir que c'était une critique d'art totale. Elle m'a encouragé à continuer dans une semaine. Donc c'était l'ensemble d'aquarelles que j'ai acheté. Cela m'a averti que ce n'était pas la meilleure qualité avec la marque très fade. Mais j'étais juste amoureuse du nombre de couleurs. Quand il s'agit d'acheter votre premier jeu d'aquarelles, voici quelques conseils. Il existe trois types de peintures à l'aquarelle. Tubes. Vous giclez la peinture sur votre palette, comme vous le feriez pour n'importe quelle autre peinture, la différence est que vous la combinez avec de l'eau. Aquarelles fluides, aussi appelées aquarelles concentrées. Ceux-ci sont sous forme liquide et vous aurez besoin d'un compte-gouttes s'il n'est pas déjà livré avec la peinture. Glissez-le sur votre palette, vous la mélangerez avec de l'eau et c'est idéal pour créer de grandes peintures qui coulent et saignent. Poêles, ce sont des aquarelles qui sont cuites dans les tampons carrés. Quelle est la différence ? Tous les trois doivent être activés par l'eau. D' abord, j'essaye les aquarelles de tube. C' est bon si vous voulez faire une grande peinture. Les aquarelles fluides et les aquarelles tubulaires sont parfaites pour cela. Les casseroles vous réduiront un peu autant que la quantité de peinture que vous pouvez utiliser. Donc, quand vous regardez une peinture, surtout, pensons à un tube de peinture, pour le rendre fluide, pour le faire fonctionner comme une peinture, il y a beaucoup de liants et ce sont juste les choses qui tiennent le pigment, la couleur ensemble. viscosité est cette combinaison de la façon dont le pigment et le liant fonctionnent ensemble. Peintures de qualité supérieure. Ces deux éléments vont se lier mieux. Peintures de qualité inférieure. Vous remarquerez qu'il y a parfois une rupture de la viscosité. Donc, quand vous peignez avec une aquarelle moins chère, vous avez l'impression que vous étirez littéralement un morceau de plastique de platon à travers la page. Cela signifie que la viscosité n'est pas si grande parce que les liants sont de faible qualité et peut-être que les pigments sont de faible qualité, ils ne se mélangent pas vraiment bien. Quand vous regardez des peintures et que vous vous demandez pourquoi certains sont plus chers que d'autres ? C' est pareil avec la nourriture. Donc, vous avez une meilleure qualité des choses. Ce sont les choses à considérer lorsque vous regardez des peintures, au moins pour mieux comprendre pourquoi certaines choses sont plus chères que d'autres. Quand les gens me demandent, ai-je besoin d'obtenir des peintures coûteuses ? Je leur dirais d'obtenir la meilleure peinture qu'ils peuvent se permettre. 3. Types de papier: Quelque chose qui a toujours apprécié à propos du médium est la rapidité avec laquelle vous devez travailler. Probablement, ne vient pas comme une surprise que je n'étire pas souvent mon papier. étirement de votre papier est un processus où vous trempez votre papier aquarelle, l' étirez sur une planche, sur une surface, l'enfoncez. Il aide votre papier à être plus réceptif à l'aquarelle une fois qu'il est sec. Il aide également à ne pas boucler, courber et se lier lorsque vous peignez. Personnellement, je ne le fais jamais, mais ce que je fais souvent c'est, j'utilise du ruban adhésif et je vais mettre du ruban adhésif sur les bords si je sais que je vais peindre toute la feuille de papier aquarelle. Cela aide juste à maintenir une partie du flambage qui se produit. Ça a l'air cool, ça a l'air vraiment professionnel. Tu sais quoi, pendant qu'on est là, parlons de papier. Je vais vous montrer mon papier recommandé. C' est un papier que je n'utilise pas tout le temps, mais j'aime vraiment la texture. Il est très bon marché et c'est la marque Master Touch et il se vend à 350. abord, j'aime ce format carré, il n'y a pas trop de carrés là-bas, et j'aime que c'est une texture plus rugueuse. Il est toujours cool pressé, mais il a un peu de dent. Je vais vous montrer un échantillon tout de suite. Vous pouvez voir qu'il y a une grille il chaque fois que je fais ces formes simples. Il laisse un peu de, c'est presque comme une craie, craie blanche est passée sur cette sorte de texture. Le papier que j'utilise le plus, c'est la marque Canson. J' aime que c'est un blanc assez brillant. Il est également peu coûteux, n'a pas beaucoup d'une dent à elle, Il est cool pressé, c'est mon tout autour aller au papier. Ce sont mes papiers préférés. Je vais vous présenter un autre genre de papier. papier Arches est la marque de fabrique, papier aquarelle impressionnant tel qu'il est. Ils viennent aussi dans de grandes feuilles, ils vendent des tampons qui sont liés ensemble, vous attendez que cela sèche, vous utilisez une lame exécutive pour le couper et là vous avez votre papier. J' aime vraiment l'idée des blocs, ces tampons et puisque j'ai ce rôle énorme d'Arches, papier rugueux alors, je l'utilise dans différents de mes grands tableaux. On va s'y attarder maintenant. Je veux que tu te saches des choses et que tu ne te sentes pas intimidée, utilises ce que tu as. C' est mon papier Arches, arrachez-le, vous voulez ce bord et ensuite enfoncez-le. Prenez n'importe quel pinceau que vous avez un tout ce que je veux que vous voyez faire cet exercice, prenez n'importe quel papier que vous avez, je veux que vous voyez l'effet que ces papiers ont pour que vous puissiez voir comment cette texture rugueuse est relayée ici sur ce papier. Avec cela, je peux continuer, je peux continuer à ajouter des couleurs. J' ajoute de la couleur dans cette partie humide de mes coups de peinture de beaucoup de couleur, parce que je veux que tu vois comment ça se trouve sur le papier. Maintenant, je vais utiliser juste un morceau de papier cartonné. Cette fois, je vais aller avec le bleu et je veux vous montrer comment fonctionnent ces papiers. C' est la carte est sombre, et vous pouvez voir que les couleurs ne sont pas trempées dans aussi bien qu'elles sont brillantes sur le papier. Je vais faire la même chose en ajoutant une autre couleur sur le dessus. Vous pouvez voir que comme il s'agit d'un papier très lisse, papier cartonné, vous pouvez comparer comment ces bords sont très rugueux et ce même pinceau a créé ces différents bords en fonction du papier avec lequel il est en contact. Son saignement un peu sur les bords parce que les grains du papier ne sont pas compacts ensemble sur un papier de carton et pourtant ils sont fondamentalement des lignes propres. Je vais ajouter la même couleur ici pour que vous puissiez comparer la luminosité ici. Cette couleur est un peu plus brillante que ça. Encore une fois, vous voyez pourquoi le papier aquarelle est du papier aquarelle. C' est le Canson, c'est la marque Master Touch qui a un peu plus d'une dent à elle. Quand vous regardez votre journal, il y a un bon et un mauvais côté. Rappelez-vous que si elle a un peu plus d'une texture, ce sera le bon côté, le dos est très bien pressé ensemble. la même chose avec ce journal. Faisons la même chose. Je prends beaucoup de peinture, je veux vraiment vous montrer à nouveau la texture que vous voyez comme mon pinceau devient plus sec que vous voyez beaucoup plus de cette texture ajouter plus d'eau. Vous pouvez également apprécier la quantité d'eau qu'il faut et il fait, c'est un peu plus difficile à voir. Son éclat sur le siège, mais avec le temps il va tremper dans, celui-ci maintenant, l'aquarelle cool press Canson. Il y a les deux 140 livres, donc ils ont tous les deux la même épaisseur. C' est vraiment plus une question de dent, de texture. Le livre ici, c'est le sujet, les journaux. Vous pouvez voir que les couleurs sont très brillantes sur ces deux. Je vais ajouter un peu d'orange ici, ajouter une autre couleur, ajouter plus de choses, voir comment le papier tient debout. Je vais mettre une tonne de couleur là-dedans. Vous pouvez voir un saignement joliment, magnifique, ce qui se passe, est beau. Faisons la même chose avec ce type. Je mets beaucoup de peinture parce que ces pièces sont déjà mouillées, donc je n'ai pas besoin d'ajouter beaucoup d'eau et là vous l'avez. Ce sont ces deux papiers. Ma vérité, c'est que tu prends tous les papiers que tu as et je veux que tu essayes cet exercice. Créer des rayures de différentes couleurs. Si nous voulons créer des exercices et expérimenter, mais j'aime avoir quelque chose à montrer pour elle à la fin de la journée. Nous allons faire de ces métiers une belle pièce finie que vous aimerez peut-être beaucoup mieux. jamais laisser rien gâcher, je vais faire beaucoup de ces petites peintures rayées que nous avons faites. Vous pouvez coller le vôtre comme vous voulez, mais j'ai A5 par sept cartes. Je vais en faire un petit gâteau d'anniversaire. Ce qui est amusant avec les gâteaux est, il ya tellement graphique, tout le monde sait déjà ce que c'est à partir de quelques détails pour le rendre amusant. 4. Ratio eau-peinture: Je me souviens de ma première peinture à l'aquarelle, d'un nageur sous l'eau et vraiment je jouais avec des lavages. Ce que j'essayais de faire avec cela était de jouer avec un fond vraiment humide et bien, avec le portrait, je nouveau que je devais obtenir beaucoup plus de contrôle avec mon rapport eau/peinture afin que je puisse rendre les visages et je ne serai pas un bordel blobby. Combien d'eau utiliser ? Combien de peinture utiliser ? C'est la même question. Je vais vous montrer et vous a conduit dans un exercice pour sentir combien d'eau et combien de peinture à mettre. On va créer un arbre à partir de gouttes. La première chose que nous voulons faire est de dessiner un cercle. Prenez un crayon et faites votre cercle très léger. Je vais utiliser un très gros pinceau pour qu'il puisse contenir beaucoup d'eau. Vous pouvez utiliser le pinceau que vous voulez, je veux juste que vous puissiez voir combien de peinture et d'eau j'utilise. Juste dans mon arbre, je vais commencer à créer des cercles, et je veux que tu vois que je fais ça maintenant avec juste beaucoup d'eau. Faisons un vert. C'est très humide et je veux que vous ayez juste une idée de la quantité de peinture par rapport à l'eau que nous utilisons. Je n'ai pas eu plus de peinture, je suis juste en train de les retravailler. Remplissage, évidemment, les couleurs plus claires et l'aquarelle ont plus d'eau. vous vouliez sombre, plus vous utilisez de pigment, plus vous utilisez de peinture. Mais l'erreur la plus courante pour les débutants est d'utiliser trop d'eau. Ceux qui avaient beaucoup d'eau, si vous voyez qu'il y a des anneaux sombres autour ces cercles parce que la peinture séchée, elle s'est dispersée. Si vous pensez à une bulle, le point le plus élevé étant au milieu, et c'est là que la peinture est poussée à travers, donc la peinture sort du milieu, du centre, et sort sur les bords et c'est pourquoi vous avez vu des bords plus sombres. Si tu aimes ça, c'est comme ça. Vous ajoutez trop d'eau et attendez beaucoup temps pour vous assurer qu'il sèche. Tout est sec. Je vais effacer ce cercle qui m'aidait à guider mes yeux. J' ai juste utilisé une gomme pétrie parce que vous pouvez effacer un peu ou beaucoup en fonction de la pression que vous mettez dessus. La brosse que je vais utiliser pour faire le tronc de l'arbre est une ronde de huit. Pour le tronc d'arbre, je vais commencer par le milieu. Je le fais dans un style plus graphique et j'essaie de rendre mes bords très nets. Je lave ma brosse, je vais utiliser un brun différent juste parce que je peux, et avec l'arbre, le centre, le tronc va être ta partie la plus épaisse. Ensuite, à partir de là, la tige, les branches de taille moyenne, puis elles deviennent de plus en plus petites à mesure qu'elles se ramifient. Je travaille du grand au petit. Pour m'assurer que tout cela se marie bien, j'ajoute beaucoup d'eau et je la pousse vers l'avant , je l'écrase pour faire une transition agréable. 5. Toutes les couleurs: Ça a été très confortable avec la couleur. Enfant, j'ai adoré Lisa Frank, ces cahiers sauvages avec toutes les couleurs que vous pouvez imaginer, surtout si c'était n'importe où près du néon. Dans ce segment, nous allons explorer la couleur. Mais d'abord, on va commencer par un crayon. Ça n'a vraiment pas besoin d'être quelque chose de fantaisie. On va juste dessiner un ovale. Ce serait génial si j'avais une référence devant moi en ce moment pour faire cet ananas. Mais pour le faire juste, parfois, vous devez juste oublier tout le référencement. C' est de ça que parle ce cours. Je veux que tu le fasses, même si ce n'est pas parfait. On va faire une grille ici sur l'ananas, et la grille sera diagonale. Donc je fais passer mes lignes du coin supérieur droit au coin inférieur droit. Je vais faire la même chose en haut à gauche en bas à droite. Tout ce que j'essaie de faire ici, c'est de créer beaucoup de petites sections, de petits carrés intéressants, parce que c'est là nous allons poser toutes les couleurs que nous voulons, les étiqueter, et nous aurons notre nuancier sur papier. Nous saurons à quoi ressemble chaque couleur sur le papier. Mais ça aura fière allure et ce sera quelque chose que nous voulons vraiment raccrocher dans notre espace créatif. Quelle que soit la peinture que vous avez, faites-les sortir. Nous allons simplement créer une pièce qui dit, sont les couleurs que j'ai. Je vais garder ces pièces ici pour être les pièces neutres. Donc on va commencer par là. Commençons par les couleurs neutres. Maintenant que nous avons fait les neutres puis la couronne de cet ananas, nous allons commencer avec ces formes, et c'est la partie amusante. Je vais commencer par les jaunes, puis passer des jaunes aux oranges, aux rouges, aux violettes, au bleu, au vert. Que ces lignes de crayon soient des limites que je ne laisserai pas toucher les couleurs. Je ne veux pas qu'ils saignent ensemble parce que je veux vraiment que chaque forme soit cette couleur. Donc nous avons ici ce qui ressemble à un ananas portant un pull bizarre et très coloré ; de petites formes, ces petits diamants. Donc j'ai sorti cette palette, je suis sûr que vous l'avez vue ou peut-être que vous l'avez vous-même. Donc je voulais vous donner une chance de le voir en action. Si votre palette de peinture est comme la mienne et qu'elle a différentes couleurs se mélangeant, grattez-la, mouillez, activez-la, puis lavez-la. Puisque ces peintures n'ont pas de noms sur elles, alors je vais lui donner un nom de grille. Pense au cuirassé. Il y a un ananas fou. Quand je cherche la bonne nuance de quoi que ce soit, je peux aller à ce tableau funky et dire, oh, j'aimerais vraiment utiliser celui-ci, et nous allons découvrir le nom de celui-ci et utiliser exactement cette forme. Maintenant, pour le mélanger, je vais apporter en somme un noir très foncé et esquisser mon ananas pour en faire une pièce vraiment amusante à raccrocher dans mon studio. 6. Mélange de couleurs: Pour explorer certains schémas de couleurs et limiter ma palette de couleurs, et quelque chose que je devais faire moi-même. Mais j'en ai beaucoup appris. Je vais vous guider dans la création d'un jeu de couleurs. Je vais sélectionner quatre couleurs, deux couleurs chaudes et des couleurs trop fraîches. Ce sont les seules couleurs que je vais utiliser pour cette pièce. Nous allons faire des fleurs, qui ne sont pas aussi effrayantes que ça en a l'air. Nous allons les rendre très simples. Je fais ces formes de pétales inclinées. Ils sont presque comme des astérisques glorifiés, juste un peu plus gros. Puis sur le dessus je fais cette première couleur qui est en bas là-bas avec quelques points et je vais embellir un peu. Quelque chose que je vais devoir faire est de travailler un peu sur humide, ce qui signifie que ces couleurs pétales, ces nuances roses ne sont pas sèches, mais je vais tamponner un peu de couleur en eux pour qu'ils saignent naturellement. Les couleurs fraîches seront mes feuilles, très simples conceptions de feuilles. Nous allons pour un look très simple parce que nous voulons vraiment explorer ce que c'est d'utiliser un jeu de couleurs limité. Ici, je finis en utilisant les quatre couleurs que j' ai dans cette conception simple de deux fleurs. Maintenant vient la partie amusante. Je vais mélanger le numéro 1 avec le numéro 3, sorte que la première couleur et cette première couleur fraîche et cela signifie que c'est gris très foncé. Permettez-moi de faire la même chose avec ces deux couleurs qui sont restées. La deuxième couleur chaude et la deuxième couleur fraîche, et vous voyez la combinaison qu'il crée. Je mélange ici sur mon papier. Vous pouvez le faire sur une palette. Mais tout à coup, j'ai deux autres couleurs, sinon quatre, en dessous d'eux. Je les ai juste fait un peu plus léger pour que vous puissiez voir la différence. Je mélange ici sur mon papier juste pour que vous puissiez vraiment apprécier comment ces couleurs se mélangent. C' est le plus sombre que j'utilise pour les détails. Combiner les couleurs que vous avez aide vraiment à unifier votre pièce. Tu as pris mes fleurs, donc tu m'as entendu dire ça avant. détails font la pièce, et c'est exactement ce que nous allons faire. Nous allons ajouter un petit vase, juste pour lui donner un peu de contexte pour le fondre un peu, et le faire sentir fini. Maintenant, comment cela fonctionnerait-il avec des couleurs différentes ? Je vais te donner une autre prise. On va faire exactement la même chose. Je vais choisir quatre couleurs, deux chaudes, deux fraîches, et commencer à faire un floral à partir de là. Plus tard, nous allons mélanger le premier chaud et le premier refroidir ensemble, deuxième chaud et deuxième refroidir ensemble, et faire deux nuances neutres. La raison pour laquelle j'utilise chaud et cool est que lorsque vous les combinez ensemble, ils font une couleur neutre désaturée. Ce sera un brun ou un noir, quelque chose qui peut être utilisé pour être un terreau pour ces couleurs très vives. Je pourrais très bien créer plus de combinaisons de ces couleurs. Il y a quatre couleurs. n'y a pas de recette spéciale à utiliser le premier, ou le second, ou le troisième. Je suis juste en train de le garder cohérent pour vous, et nous ne pouvions pas continuer à explorer le mélange de couleurs avec des rapports différents, peut-être plus de cette couleur et moins de celle-ci. Mais cela vous donne déjà beaucoup de couleurs avec lesquelles travailler pour une seule pièce. Encore une fois, il crée un look très unifié, et vous créez des couleurs que vous n'auriez pas attendu à utiliser, et elles sont merveilleuses avec votre pièce. Je vais ramener ce vase à nouveau. Essayez un peu différent cette fois. Voici mes deux mini bouquets que je pourrais facilement donner à un ami. Je ne suis pas vraiment entré dans la façon dont je crée des fleurs. Vous êtes invités à consulter ce cours pour plus d'informations à ce sujet. 7. Étude de la valeur: Je me souviens avoir suivi ce cours horrible que tout le monde à l'école d'art devait suivre. Je n'ai pas adoré parce que nous devions travailler en échelle de gris pour la meilleure partie du semestre et j'aime tellement la couleur. Donc c'était douloureux pour moi. Mais le projet final, c'était ce que j'ai appris le plus et j'ai choisi de peindre, je pense que c'était un portrait de trois pieds par quatre pieds du visage de mon grand-père et il imitait le style de peinture de Chuck Close. Gros plan, tu ne vois vraiment pas grand-chose. Vous voyez les petits éléments de design vraiment pixélisés. Quand vous partez, vous voyez cette pièce entière se rassembler parce que vos yeux se concentrent sur ces lumières et ces sombres. La valeur étant de la lumière à l'obscurité. On n'utilisera qu'une seule couleur. Nous allons utiliser le bleu prussien parce que nous voulons nous concentrer sur la lumière et les sombres. Je vais vraiment mouiller mon pinceau parce que je veux commencer par la lumière. Encore une fois, c'est mon huitième tour, je vais faire une forêt. Vraiment simplement, je vais juste faire quelques formes en V et partir de là, sans ajouter de peinture à mon pinceau. Je travaille avec des couleurs très claires, plus d'eau. Ce sera une peinture très simple, mais au fur et à mesure que nous superposons, il aura l'air de mieux en mieux. C' est ma première couche. Je vais m'arrêter là et je vais le laisser sécher. La prochaine fois, je vais utiliser un peu plus de peinture pour faire, fondamentalement, la même chose sur ce prochain palier. 8. Techniques de résistance: aquarelle est si polyvalente et je continue d'expérimenter avec elle. À l'université, nous devions faire cette tâche artistique ridicule où nous devions faire un autoportrait grandeur nature de la tête aux pieds. Ça ressemblait un peu à l'école maternelle quand tu te traces sur une grosse feuille de papier et maintenant je ne sais pas quoi faire avec ça. Maintenant, nous sommes devenus un peu plus familiers, nous allons jouer autour. Nous allons explorer une résistance très simple en utilisant des crayons. Peut-être que vous l'avez déjà fait auparavant, mais je pense que combiné avec ce sujet, il va être vraiment à la mode et vraiment pertinent pour quelque chose que vous pourriez concevoir ou utiliser plus tard. Je vais utiliser juste un simple crayon. J' utilise un crayon émoussé parce que je veux avoir des lignes plus épaisses. Je sais que c'est dur pour toi de voir ça, mais je fais des grains de bois. La façon de le faire est de commencer par un cercle et d'étendre vos lignes à partir de là. Je vais prendre un très gros pinceau et il va être très mouillé et avec beaucoup de peinture dessus. Tu commences à voir ça résister. Tu commences à voir mes marques de crayon. Je disperse mes marques parce que j'apporte aussi d'autres couleurs et je veux qu'elles se fondent sur elles-mêmes. Je travaille très humide avec trois couleurs, un ocre, une sienne et un brun pour les combiner dans cet effet de grain de bois. C' est à ça qu'il a l'air quand il est sec. Tu m'as vu l'utiliser dans un tableau d'aquarelle. C' est essentiellement un médium de ciment en caoutchouc vraiment [inaudible]. J' utilise cette marque, Dr Ph. Martin. Cette marque ne m'a pas laissé tomber alors j'ai pensé que je l'achèterais à nouveau. Il y a plusieurs marques et ça ira mal rapidement. Par je rapidement, je veux dire après un an ou deux, probablement besoin de le remplir et comme il sèche si vite et il va sécher épais, alors vous ne pouvez pas l'utiliser pour toujours. C' est triste mais vrai. J' utilise une brosse que je jetterai après avoir fait ça. Je fais n'importe quel petit design, juste des petites lettres pour que tu vois comment ça marche. Je l'ai allongé, je le laisse sécher complètement. Il est très important qu'il soit complètement sec avant de commencer à peindre. Je peins un désordre sur le dessus, ça a l'air assez fou, mais une fois que la peinture sera sèche, je pourrai décoller ce liquide de masquage et les zones que j'ai peintes avant seront laissées blanches. Le liquide de masquage est souvent utilisé pour masquer les zones blanches qui doivent rester des reflets blancs. Pour cela, je l'ai juste utilisé pour un appel graphique. 9. FAQ: Ici, alors que nous terminons, je voulais couvrir quelques FAQ qui sont souvent abordées. L' une est de quelle couleur utilisez-vous là ? La peinture que j'utilise est Mijello Mission. La marque de brosses que j'utilise est typiquement Master Touch. On le trouve au Hobby Lobby, ici aux États-Unis. Ils ne sont pas très haut de gamme. Les aquarelles fluides que j'ai montrées sont le Dr PH. Martin, et le papier que j'utilise est Canson. Il y a quelques choses que je n'ai pas couvertes dans cette classe parce que je les ai couvertes ailleurs et l'une serait Brosses. Si vous voulez en savoir plus sur les pinceaux, consultez cette classe. Une autre classe de la série d'aquarelles confiantes que j'ai fait est appelée, « Faire face aux erreurs », et c'est super utile parce que nous les fabriquons tous. Un de plus. Je pense qu'un excellent suivi de cette classe serait Start With A Shape. Cela vous donnera vraiment quelque chose à faire tous les jours si vous avez besoin d'un défi, si vous avez besoin d'un peu de conseils sur ce qu'il faut faire ensuite, comment vaincre ces peurs, s' amuser et explorer votre créativité. Peut-être que vous venez juste de regarder ce cours et que vous êtes trempé dans certaines de ces idées et que vous n'avez pas encore vraiment sorti quoi que ce soit. Tu voulais juste voir de quoi il s'agissait, et si c'était pour toi. J' espère que vous avez trouvé que c'est pour vous et peut-être que l'un de ces exercices vous aiderait vraiment juste ne pas savoir combien vous pouvez apprendre une petite ceinture de peinture jusqu'à ce que vous lui donniez un coup de feu. Publiez celui dont vous êtes le plus fier ou dont vous apprenez le plus. J' aime entendre comment vous avez pris ces petites vidéos que j'ai mises là-bas et ai pris à cœur et en ai appris quelque chose. Vous avez juste à commencer et à peindre beaucoup et à faire toutes ces autres suggestions inutiles que les gens vous donnent parce qu'elles sont vraies, c'est vrai. J' ai vraiment l'impression qu'ils ont beaucoup de possibilités. Commencer ou continuer ? Votre histoire d'aquarelle.