Fleurs vives et spontanées à l'aquarelle : apprendre à capturer vos émotions

1. Introduction: L'inspiration pour créer peut venir des choses les plus simples de la vie. Parfois, il suffit de cueillir et d'arranger un bouquet de fleurs pour commencer à ressentir de fortes émotions. Apprendre à exprimer ces émotions grâce aquarelle peut être un excellent moyen de se détendre, mais aussi de permettre à l'artiste qui sommeille en vous de gagner et d'enchérir plus que d'habitude m'appelle Jen, je suis une artiste professionnelle basée en Slovaquie, et c'est mon studio. Je peins presque tous les jours pour pouvoir envoyer mes œuvres à des expositions et les vendre. Mais la principale raison pour laquelle j'ai commencé à peindre il y a plus de dix ans était d' exprimer mes émotions. Le processus de peinture avec des pigments brillants apporte beaucoup de joie et de soulagement dans ma vie. Peu importe le niveau de stress que je ressens. La peinture m'aide toujours à me calmer et à voir le monde qui m'entoure sous un angle différent. Observez-le de loin. Mais à ma façon. Même si la plupart de mes œuvres sont des portraits, j'ai commencé à apporter des fleurs dans mon studio, les arranger plutôt qu'à en peindre des études plus rapidement. Au bout d'un moment, j'ai remarqué que ma technique s'est assouplie et que j'ai commencé à utiliser des couleurs audacieuses Dans ce cours, je veux vous montrer comment partir de zéro, arranger vos propres fleurs, prendre votre propre photo de référence et établir un lien avec le sujet d'une manière unique. Nous explorerons ensuite différentes manières de composer la pièce, ferons des croquis au crayon et explorerons les couleurs pour mieux convenir à l'œuvre finale Vous apprendrez les techniques de base de l' aquarelle pour rendre son processus plus rapide et plus facile, ce qui lui permettra de s'exprimer davantage Dans le cadre de votre projet de classe, nous créerons ensemble une aquarelle du début à la fin. Et une fois terminé, vous aurez une bonne idée de la façon d'appliquer ce processus à vos propres œuvres personnelles. Et j'ai hâte de te voir en classe 2. Orientation du cours: Bonjour et bienvenue dans la classe. Dans cette leçon, je vais passer revue le contenu de ce cours pour vous aider à vous y retrouver un peu plus efficacement. Dans la première partie de ce cours, je vais vous montrer comment je trouve l' inspiration et comment je crée mes propres photos de référence. Vous n'aurez pas besoin de cueillir vos propres fleurs prendre vos propres photos pour créer votre projet de classe Il est juste essentiel que je vous montre comment je m' y prends habituellement pour effectuer ces parties de mon processus de création en studio. Vous pouvez faire quelque chose de similaire vous-même lorsque vous en avez l'occasion. La deuxième partie de ce cours est la partie proprement dite de la peinture, et vous aurez besoin du matériel de peinture dont nous parlerons dans la troisième leçon. Votre projet de classe sera de créer une peinture à partir de la photo de référence fournie que j'ai choisie. Et pour le compléter, veuillez suivre les cours de dessin et de peinture. Nous allons le créer ensemble étape par étape. Si vous êtes un peu plus avancé et que vous souhaitez appliquer ce processus à une autre photo de référence qui peut également être votre projet de classe. Vous pouvez donc prendre une photo de cette peinture et la télécharger ci-dessous. Je dois souligner que lorsqu'il s'agit suivre des cours et de peindre, regarder les vidéos ne se traduit pas par des compétences réelles. Les leçons vous aideront à comprendre le raisonnement et les astuces qui sous-tendent la technique, mais seules votre pratique et répétitions vous permettront d'acquérir cette compétence. Veuillez donc terminer votre projet de classe. Vous aurez beaucoup de financement. Ce cours n'était donc pas censé être trop long, mais j'ai laissé la durée finale du cours refléter la réalité du processus de peinture. Parce que même les peintures spontanées et rapides doivent être réalisées avec soin. Et il y a certaines décisions que j'ai essayé d' expliquer en temps réel pendant le processus de peinture. Vous pouvez tirer parti de ce format de cours particulier. Vous n'avez pas à vous précipiter dans votre travail. Cela vous donnera de l'espace pour peindre à votre rythme. Lorsque vous aurez terminé votre projet de classe, veuillez le prendre en photo et le partager avec moi et les autres étudiants. Vous pouvez le télécharger dans l'onglet Projets et ressources ci-dessous. De cette façon, je peux vous faire part de mes commentaires et les autres étudiants seront également encouragés à y télécharger. N'hésitez pas à écrire quelques mots sur le déroulement votre propre processus et sur ce que vous avez découvert. Enfin, vous pouvez télécharger ci-dessous de nombreux supports, tels que des photos de référence, des documents, des PDF, etc. Comme d'autre part, toutes les informations importantes seront abordées . Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous passerons en revue les matériaux de peinture 3. Matériaux: Dans cette leçon, nous allons passer en revue tout le matériel dont nous aurons besoin dans ce cours. Comme il s'agit principalement d'un cours de peinture, nous allons avoir besoin d'outils de peinture. Je vais utiliser certains des matériaux que j'utilise actuellement dans mon studio. Mais vous pouvez toujours échanger ces matériaux contre quelque chose dont vous disposez ou ce à quoi vous êtes habitué. Vous n'êtes pas obligé d' utiliser les couleurs exactes ce qui concerne le papier, vous vous en sortirez toujours bien si vous pouvez obtenir du papier 100% coton pour aquarelle, préférence avec une certaine texture, la presse à froid est ma préférence J'utilise actuellement la marque Arches. Celui-ci est rude. Je vais utiliser celui-ci pour des croquis et pour aimer ces petites vignettes Mais si vous avez un papier 100 % coton, vous travaillerez un peu plus facilement car le papier coton permet de pardonner certaines erreurs et c'est généralement un matériau plus indulgent Le coton a tendance à être plus cher. Donc, si vous avez un papier en pâte, ce n'est pas grave, vous pouvez l'utiliser. Nous n'allons pas utiliser trop de couches de peinture. Le papier de note des étudiants fonctionnera également. Tu vas avoir besoin d'un crayon. Ce doit être un crayon. Je vais aussi utiliser du masking tape. Mais dans ce cas, comme mes blocs sont liés de tous les côtés, nous n'avons pas besoin de ruban adhésif Si vous travaillez avec un bloc de ce type parce qu'il retient votre papier, il restera étiré. J'utilise simplement du masking tape pour créer les bordures blanches. Cela encadre joliment le tableau. Je préfère donc que ce soit plus pour la décoration que pour la nécessité. Toutefois, si vous utilisez des feuilles de papier volantes et que vous les collez au tableau vous aurez besoin de ruban adhésif J'ai aussi des pièces de rechange, des bouts de papier aquarelle Ce ne sont que des croquis découpés et des peintures. Je l'utilise juste pour tester la peinture afin de ne pas avoir à gâcher mes blogs. Il y a un vaporisateur rempli d'eau propre. Je vais les utiliser pour rafraîchir ma palette, pour garder la peinture humide et douce quand il s'agit de pinceaux, je vais utiliser deux pinceaux pour les grands lavages. Voici Winsor Newton, aquarelle professionnelle, sable synthétique Il s'agit d'une brosse de lavage de 2 pouces et d'une brosse de 1 pouces. Vous n'êtes certainement pas obligé d' avoir ce genre de pinceaux. Si vous avez un pinceau plus gros, rond ou plat, il fera très bien l'affaire. C'est surtout pour arroser votre papier avant de peindre, l'ensemble du processus de peinture, généralement pour moi, implique ces deux pinceaux. Encore une fois, si vous avez des pinceaux ronds ou plats, vous pouvez utiliser la dose. Pour moi. Ces pinceaux sont très polyvalents. Je vais vous montrer pourquoi dans un instant. Ce n'est même pas une marque, c'est juste quelque chose qui est disponible dans le pays où je vis. C'est le numéro 6.12. Cela s'appelle simplement TDD, mais vous trouverez des pinceaux de ce type provenant de nombreuses marques à travers le monde Il vous suffit donc de vous rendre dans le magasin de fournitures artistiques le plus proche et de leur poser des questions sur les pinceaux qui se trouvent sur le côté, car ils sont vraiment parfaits pour les fleurs les paysages et même pour les portraits, comme pour tout. Parce que lorsque vous avez un pinceau comme celui-ci, allez rapidement vous montrer ce qui est possible. Vous pouvez essentiellement faire une ligne plate. Il fonctionne comme un pinceau plat, mais vous pouvez également utiliser uniquement la pointe pour créer de très petits détails afin de tracer des lignes. J'aime beaucoup quand je l' utilise sur le côté, la façon dont il permet de créer un pot à effet pinceau sec avec de l'eau propre, même deux pots si possible, car l'un sert généralement nettoyer le pigment sale de votre pinceau. Et puis si vous avez un réservoir d'eau propre qui vous aidera à rincer votre pinceau et à toujours mélanger vos couleurs avec de l'eau propre. C'est donc toujours une bonne idée. Des serviettes en papier ou même le recyclage de mes serviettes en papier Même si elles sont sales à cause du lavage de mes pinceaux, je vais les sécher puis les réutiliser à nouveau. Les serviettes en papier sont donc également utiles pour l'aquarelle. C'est une nécessité et un sèche-cheveux, C'est une nécessité et un sèche-cheveux car cela vous aidera à accélérer le processus de peinture J'ai vraiment essayé d'opter pour une palette minimale, mais cette fois j'ai utilisé sélection un peu plus large car je ne sais toujours pas à ce stade ce que je vais peindre et de quelles couleurs je vais avoir besoin. Ce type de palette est donc très, très polyvalent. Certaines couleurs ne sont pas obligatoires. Vous pouvez les mélanger comme la violette que j'ai cueillie. Vous pouvez facilement les mélanger à partir de l'outremer et lire ce que j'ai ici Et certains ne sont que des raccourcis, comme le vert, jaune peut être mélangé. Vous pouvez être plus rapide si vous savez que je vais utiliser plus de vert dans cette peinture. Le jaune vert peut donc être pratique car je n' ai pas à me rencontrer trop souvent. Encore une fois, je suis plus rapide dans mon processus. Payne est gris, même si tu ne pourrais pas mélanger tes noirs Nous avons juste ces couleurs. Si vous avez le gris de Payne, vous pouvez créer des zones foncées un peu plus profondes, ce qui peut être plus rapide, car mélanger les noirs peut prendre beaucoup de temps C'est un jaune citron. J'utilise des marques très différentes, mais ce sont toutes des couleurs de qualité artistique, à l'exception de Van Gogh C'est la classe des étudiants, mais elle a une très bonne pigmentation ne me dérange donc pas que la poupée l' utilise également dans des œuvres professionnelles. Je ne vais pas citer de marques parce que je trouve que, quelle que soit la marque utilisée, s'il s'agit d'une gamme d'aquarelle professionnelle, elle sera presque toujours pigmentée et rapide à la lumière la plupart, vous pouvez choisir n'importe quelle marque, comme j' ai des pistolets d'horreur rétractables, Mission Gold, Daniel Smith's et j' ai un professionnel de Winsor and Newton. Choisissez quelque chose que vous avez spécifiquement à votre disposition dans votre pays et vous vous en sortirez très bien tant que la couleur est pigmentée, celle-ci est permanente, Si vous avez acheté une palette en pack, vous avez probablement toujours deux jaunes sur votre palette, car l'un est jaune froid et l'autre est jaune chaud C'est plutôt une orange. jaune. Vous pouvez utiliser les deux car ils sont parfaits pour le mixage. Ensuite, nous avons la quinacridone, des rôles permanents, une belle couleur rose Nous allons l'utiliser pour le bail. Et puis j'ai fait lire à Hierald. Encore une fois, nous avons ici un rouge plus froid et un rouge chaud. Ensuite, nous en avons un bleu. C'est un bleu outremer français très pigmenté. C'est le bleu que nous allons utiliser le plus. Et puis je lui ajoute une couleur qui n'est pas vraiment nécessaire mais qui nous aidera avec certains tons. Voici le vendeur de Van Gogh. La lavande est une couleur qui contient de l'opacité. Ainsi, lorsque vous créez des mixages avec Love Vendor, ils ont tendance à être un peu plus opaques, un peu plus ceux de Castelli. Et je pense que nous pouvons l'utiliser en arrière-plan. Et lorsque nous peignons des ombres, nous pouvons utiliser cette couleur comme base pour nos mélanges. Une autre couleur qui n' est pas nécessaire, mais j'ai édité Quoi qu'il en soit, c'est de la couleur violette, c'est du violet clair vif. Nous pouvons mélanger cette couleur entre le bleu outremer et le rouge parallèle ou le bleu outremer et cette rose rouge en quinacridone rouge parallèle ou le bleu outremer et cette rose rouge en quinacridone Mais je l'ai toujours sur ma palette lorsque je peins des fleurs, les études l'utilisent beaucoup. Si vous n'avez que ces couleurs, ces 52 jaunes, deux rouges et le bleu outremer, vous vous en sortirez bien Par exemple, si vous n'avez que celles-ci, nous pouvons créer tout ce dont nous avons besoin à partir de ces couleurs, mais ce sont des couleurs supplémentaires et facultatives que vous pouvez ajouter pour être un peu plus rapide. Une autre galerie est donc jaune, verte, assez lumineuse. J'ai vraiment fait des modifications pour être plus rapide si je devais faire une démonstration et vous pouvez prendre l'ultramarine, vous pouvez prendre le jaune citron Et vous pouvez créer quelque chose vraiment similaire dans ce mélange. C'est un peu plus clair et je me sens un peu moins transparent, cette couleur en particulier a car cette couleur en particulier a également un peu d'opacité Mais encore une fois, c'est facultatif si vous avez quelque chose de similaire, vous pouvez l'utiliser pour être un peu plus rapide. Tu n'as pas à gagner autant. Et la dernière couleur que j' ajoute est le gris de Payne. Nous sommes à la fin de cette feuille de papier. C'est le gris de Payne. Comme cette couleur est si foncée, nous pouvons la mélanger avec d'autres couleurs, lui donner un sous-ton coloré, et nous pouvons créer mélanges les plus foncés très rapidement car nous les avons comme si je n'en avais pas besoin dans ces verts que nous venons de mélanger pour obtenir un magnifique vert qui ressemble au vert de Prusse J'aime l'avoir sur ma palette parce que je n'ai pas besoin de mélanger quoi que ce soit. Mais en plus de cela, vous avez rarement besoin plus de couleurs pour avoir une palette complète pour n'importe quel sujet. Deux ou trois autres peintures manqueraient peut-être. La liste complète de toutes mes couleurs et de mes matériaux, y compris les pinceaux, est disponible ci-dessous en téléchargement. Vous pouvez le trouver dans l'onglet Projets et Ressources. Dans la leçon suivante, nous allons récupérer des fleurs, inspirer et prendre belles photos de référence pour notre travail. Je vais voir s'il y a 4. Trouver de l'inspiration et prendre des photos de référence: Leçon, nous allons chercher de l'inspiration en cueillant des fleurs fraîches et en les arrangeant. Nous créerons ensuite des photos de référence qui serviront de base à notre aquarelle Je viens donc d'entendre quelques fleurs fraîches sortir de la floraison. Malheureusement, je n'ai pas de jardin, alors je dois aller chercher les fleurs et les fleurus Ils n'ont pas besoin d'acheter des fleurs. Tu peux juste en trouver à l'extérieur. Ou si vous avez des fleurs dans un pot, vous pouvez les disposer pour créer votre projet de classe. Ce n'est pas vraiment nécessaire pour aller cueillir vos propres fleurs car vous pourrez télécharger un tas de photos que j'ai prises pour créer ce projet et travailler vous-même sur des peintures similaires. Ou c'est juste pour vous montrer comment je crée habituellement mes propres références. Si j'en ai l'occasion et si j'ai du temps libre, ce sont des fleurs plus petites, alors nous avons des légumes verts. Comme ici. Nous avons de grandes fleurs. Je vais donc mettre de petites fleurs violettes ici. Ce sont des légumes verts qui sont très intéressants, mais aussi des petites fleurs rouges et jaunes qui lui donneront du peps. Et je vais mettre le côté vert. Ce sont des petites violettes, très belles. Nous avons un tas de couleurs ici, et je ne peux pas toutes les utiliser parce que ça va être un gâchis. Je dois donc choisir quelle combinaison, car j'ai particulièrement aimé la combinaison de rouges et de quelques notes froides, comme les violettes Ils ont si bien travaillé ensemble. Ou il pourrait y avoir du jaune avec des bleus ou des violets. Ça ressemble à de la magie. Je vais chercher des lis. Essayons de faire quelques arrangements maintenant, Green commence à ressentir cet arrangement avec eux. Puisque nous avons Lily's, nous pourrions nous procurer certaines de ces violettes, surtout celle-ci Oh, et j'ai adoré les touches de rouge. Je me demandais si ça ne serait pas trop. Je vais essayer de trouver quelque chose qui m'inspire vraiment. Peut-être pas comme ça. Maintenant, les rouges passent au rouge. Je voudrais utiliser la lecture des deux côtés de l' arrangement ici et ici. Je veux vraiment peindre ça. Je suis toujours à la recherche de grandes formes, de formes de taille moyenne et de petites formes pour équilibrer le tout. Créons quelques photos de référence matière de lumière. En ce moment, nous avons un peu de soleil. La lumière du jour vient de cette fenêtre. Nous sommes tout près de la fenêtre. Nous avons de la lumière naturelle. Les couleurs sont toujours en boucle. Le plus naturel à la lumière du jour. Parfois, je photographie l'ensemble de l'arrangement à partir de différents sites, puis je m'en rapproche et je fais des photos plus détaillées, essaie de rechercher des angles intéressants. Et surtout, j'aime plisser un peu les yeux et essayer voir toutes les couleurs et leur équilibre sur la photo, comme celle-ci, par exemple, quand je plisse les yeux, comme si je voyais trois formes rose pâle Voici une pincée de rouge et une pincée de violet, c'est assez équilibré. On pourrait peut-être le recadrer. Je vais donc maintenant changer l'arrière-plan pour le noir parce que d'habitude je le préférais. Cet angle est très intéressant. Je prends toujours des photos pendant la journée. Si je prends une photo sous cet angle, les lis ne sont pas tout à fait au centre parce qu'ils sont normalement assez grands, mais ils ont l'impression de se cacher un peu Mais je trouve cela intéressant et je veux explorer cela Essayons de faire une petite rotation. Nous avons ici une fleur de nénuphar centrale. Il y a trop de rouge maintenant. Il y a aussi le genre « je ne peux pas voir le coquelicot de ce côté Je dois donc réorganiser. Je vais juste jouer avec les personnes détestées la moitié de la journée, du moins les fleurs, elles ne survivent pas longtemps dans un vase, même demain elles seront moins belles Donc, prendre des photos m' aide vraiment , car je peux alors travailler pendant de nombreuses semaines tout en ayant encore de nombreuses photos de référence à partir desquelles peindre. Et c'est toujours ma fleur, donc elle me donnera toujours l'ambiance que j'avais aujourd'hui quand je les avais en studio Je vais donc jouer un peu plus longtemps avec ces photos et peut-être que je vais réarranger d'autres fleurs pour découvrir différentes combinaisons Et dans la leçon suivante, nous allons parcourir ensemble la pile de photos de référence. Nous allons en recadrer un peu, essaierons de trouver la meilleure composition qui conviendra à notre projet de classe 5. Choisir la bonne référence: Dans cette leçon, nous allons passer en revue les photos que nous avons prises précédemment et sélectionner la bonne photo de référence. Alors commençons. Je dois avouer que lorsque nous avons pris les photos de référence, j'en ai pris environ 1 000. De toute évidence, nous n' allons pas tous les passer en revue ici. Je vais faire une sélection parce que j'ai aussi fait plusieurs compositions florales et selon les préférences de celles-ci parce que les fleurs ne durent pas aussi longtemps. Je veux donc profiter de chaque fois que j' ai des fleurs fraîches en studio et des références créatives, etc., sur lesquelles je peux peindre et entraîner tout au long du mois , voire quelques mois. J'ai créé une sélection. Voici quelques photos que j'ai aimées. C'est le bouquet que nous avons arrangé ensemble. Nous devons les vérifier une par une et en choisir une à partir de laquelle nous allons peindre Pour créer une peinture intéressante, vous devez avoir une composition intéressante, c' est-à-dire différentes formes disposées dans un format qui la rend visuellement attrayante. Vous avez généralement besoin de grandes formes. Dans ce cas, nos formes les plus grandes sont les lis. Ensuite, vous avez besoin de formes moyennes. Je dirais que c' est une forme moyenne. Ensuite, quelques petites formes pour ajouter des détails et des intérêts visuels, comme des petites formes. Il peut s'agir de ces fleurs, ces petites choses vertes et d'un tas de détails à l'intérieur de la grande fleur également. Vous voulez donc que la peinture ne soit pas entièrement composée de formes petites ou moyennes. Vous voulez avoir une belle variété des trois tailles sans avoir à choisir la photo comme vous l'avez fait. Je fais toujours beaucoup de photos. Et puis je sélectionne, parfois je sélectionne un recadrage, comme vous pouvez recadrer cette image pour qu'elle soit encadrée de manière à la rendre intéressante. Cette image, par exemple, me semble très attirante. Il existe de grandes formes. Ces trois formes médianes sont de couleur neutre, comme le vert n'est pas la couleur principale de l'ensemble de la composition, très proches des comme le vert n'est pas la couleur principale de l'ensemble de la composition, violets et des bleus et les petites formes, ces petites fleurs, ces petites fleurs, elles se faufilent en quelque sorte et créent un moyen de contourner l' ensemble de la composition C'est comme une pincée de violet et de violet qui circule. J'ai beaucoup aimé cette pièce, et maintenant je parle de formes. Mais il y a une autre chose que nous voulons également équilibrer les couleurs. En tant que peintres, nous n' avons pas à essayer de copier exactement les mêmes couleurs que celles que nous avons sur la photo. Nous pouvons légèrement modifier les couleurs. Ou si j'ai l'impression que les couleurs ne sont pas équilibrées, exemple si je peux ajouter du violet , des toilettes ou une autre couleur que je trouve déséquilibrée sur une photo, je peux retoucher ma peinture comme cette pincée de rouge Cela a l'air très, très intéressant. Si je parlais d'une photo comme celle-ci, je trouverais qu'elle est déséquilibrée car les taches rouges n' apparaissent que dans ces coins. Donc, pour disposer quelques touches de rouge ici de ce côté lorsque nous sélectionnons une photo et cherchons à créer une peinture à partir de celle-ci, nous devons rechercher à la fois l'équilibre des que nous cherchons à créer une peinture à partir de celle-ci, nous devons rechercher à la fois l'équilibre des formes et l'équilibre des couleurs Il y a un troisième élément que nous voulons examiner, savoir certains espaces négatifs. Par exemple, ici, il y a des fleurs sur la photo, elles occupent donc la majeure partie de la pièce. Il y a un espace négatif qui leur donne plus d'air. C'est cette forme triangulaire, je dis triangulaire, mais c'est un terme vague car vous pouvez voir que la forme n' est pas exactement un triangle, mais c'est une forme négative. Est-ce la forme que l'arrière-plan découpe de la composition ? Il n'y a donc pas de fleurs ici. Voici une autre forme négative. Voici un autre Bud Light, car ce fond était clair, il y a une forme négative et ces formes négatives sont un peu plus foncées. Par exemple, celui-ci découpe vraiment la silhouette des fleurs. Voici également une forme négative. Donc, lorsque nous commencerons à faire des croquis et à faire du rose, je vais vous expliquer plus en détail parce que nous allons parler de ce que l' on appelle la peinture négative et qui fera directement référence à ces formes négatives Mais je commence à remarquer la composition qui a un peu d'espace. Ma peinture ne sera donc pas comme si elle ne laissait pas assez de place aux fleurs. Par exemple, ces arrangements sont vraiment magnifiques. Vous pouvez voir que les petits des couleurs sont harmonisés, mais il n'y a tout simplement pas assez de place pour les fleurs Il n'y a pas assez d'espace négatif. Voici juste un petit bout qui encadre les fleurs depuis le haut, mais voici juste un bordel, comme si les formes étaient déséquilibrées et que je n'avais pas assez d'espace négatif dans ce coin Donc, pour moi, c'est visuellement stressant. Cette partie est équilibrée, plus calme. Il y a une grande forme, forme moyenne quelques petites formes et un espace négatif qui leur donne de l'air. C'est juste un peu trop. Ce sont les choses que je recherche. Je cherche un équilibre. Plus vous prenez de photos, plus vous avez d'options. Et parfois, vous ne savez pas lequel fonctionnera si vous ne l'essayez pas. Et c'est sur cela que portent les croquis. C'est ce que nous allons faire très bientôt. Parfois uniquement lorsque vous l'esquissez, même si l'idée semble fonctionner comme une peinture. Lorsque vous l'esquissez, vous découvrirez s'il présente des problèmes. C'est une belle composition. Quand je plisse un peu les yeux, je vois cette pincée de violettes Il traverse le tableau en diagonale. Ensuite, il y a aussi un bel équilibre entre le rose clair. Le rose clair est ici et il est uniformément réparti sur l' ensemble de la pièce. Ces formes médianes sont également assez équilibrées. Je n'aime pas ça. Ils vont dans la même direction. J'aurais dû mieux les arranger, mais je peux leur donner une direction légèrement différente dans mon croquis. Ceux-ci peuvent également servir de référence à Mme. Certains espaces négatifs. Cela ne m'inspire donc pas beaucoup. Encore une fois. Je pourrais utiliser un peu d'espace pour les fleurs, donc ce n'est pas génial. Celui-ci est sympa en termes formes et de répartition des couleurs, mais je n'aime tout simplement pas la forme légale, je dirais cette tête de chiot, se trouve derrière les petites fleurs. Ça ne me semble pas bien. Celui-ci est vraiment très intéressant. C'est une vue de dessus, donc on a l'impression qu'elle est posée sur le sol. J'ai beaucoup aimé la diagonale. Ce sont les grandes formes. Ce sont les formes du milieu et une multitude de petites formes. Et il y a plein d'espaces négatifs. Si je devais faire une peinture à partir de ces références, je découperais certainement ici. C'est le bruit de fond qui n'était pas censé être là, mais il semblerait aussi que vous n'ayez pas à faire une photo parfaite. Il vous suffit de trouver des idées sur lesquelles travailler. Celui-ci est magnifique, vraiment magnifique. Oui, je trouve que c'est équilibré. Je trouve que celle-ci se démarque le plus de toutes, et je pense également que ce serait la photo de référence appropriée pour notre peinture aujourd'hui car elle ne montre pas autant de fleurs, donc ce sera un peu plus simple pour nous. Peut-être aurons-nous besoin d' un peu moins de temps pour créer une étude à partir de cela. Cela m'inspire donc vraiment beaucoup. Il y a cette grande forme qui domine dans notre composition, mais elle ne se trouve pas exactement dans l'oreille moyenne, légèrement décentrée Je n'aime pas la façon dont le centre de la tête de coquelicot est détaché du cadre photo. Donc, lorsque nous allons esquisser cela, nous devons le ramener et dessiner ce centre ici. Quand il s'agit d'espace négatif, il y en a assez. Et comme la lumière provient de ce côté, nous allons avoir un arrière-plan plus clair. Nous allons avoir un arrière-plan plus foncé ici. Nous serons également en mesure de travailler avec un peu de lumière et d'ombre grâce à cet arrangement. J'ai beaucoup aimé ces photos. Faisons un croquis à partir de celui-ci. Je vais l'enregistrer en haute résolution et je le mettrai ci-dessous dans les fichiers où vous pourrez les télécharger pour votre projet. Dans la leçon suivante, nous allons explorer les valeurs tonales et créer notre première esquisse Je te verrai là-bas. 6. Explorer les valeurs tonales: Dans cette leçon, nous allons explorer les valeurs tonales sur une référence et créer une simple esquisse au crayon de cette composition. Allons-y Il s'agit de la photo de référence sélectionnée. C'est le bloc Arches. C'est du coton brut, cent pour cent. Il est dans un format de très petite taille car je ne l'utilise généralement que pour des croquis et des vignettes en couleur, cette tête est suffisante Nous allons simplement explorer les possibilités de cette composition et essayer de déterminer si elle fera une belle peinture. Je vais juste créer un petit cadre. Chaque fois que je veux créer une aquarelle, je veux d'abord explorer les valeurs tonales puis vérifier si la couleur, l' harmonie et la combinaison de couleurs me conviennent , car c'est une chose de voir une photo Et je sais que ma peinture va vouloir représenter mes sentiments et que ce sera une impression, pas des copies exactes, juste une idée approximative. Parfois, la composition sous forme de photo est superbe, Bob Quand tu l'esquisses et que tu la colories , tu ne ressentiras pas la même sensation dans le croquis ou dans la peinture. C'est à cela que servent les croquis et ces petites vignettes Je tiens également à vous expliquer valeurs tonales représentent la luminosité ou l'obscurité relative de notre sujet à différents endroits Il y a donc les valeurs claires les valeurs sombres et les tons moyens. Vous avez peut-être entendu ce terme quelque part et nous voulons trouver un équilibre. Commençons par les formes. Je référencerai les valeurs une fois que l' esquisse préliminaire sera prête. Nous avons donc une grande forme. Lorsque vous commencez à esquisser ou à dessiner quelque chose, vous commencez toujours par de grandes formes. Comme ils sont de grande taille, leur position est immédiatement évidente lorsque le spectateur regarde la pièce. Nous devons donc d'abord y remédier. Lily sera notre plus grande forme, donc j'ai besoin de connaître sa position par rapport à tous les autres espaces disponibles ici dans ce tableau. Je sais donc que cela s'arrêtera là. Ça va être le point fort. Ça ne va pas exactement jusqu'à ce bord. Écoutez aussi qu'il laisse un certain espace, donc il ne peut pas aller plus loin que cela. Il y a comme un espace négatif triangulaire ici. Tu vois, je dessine le triangle, puis j'ai la position de ces deux pédales, non ? Il est parfois beaucoup plus facile que d'esquisser les pédales qui se sont échappées de l'espace négatif qui les séparait Et tu trouveras où se trouvent les pétales. Vous êtes aussi comme un petit triangle entre les deux. Il faut aussi faire attention à ces triangles ici et ici. Je pense que nous avons le lis. Nous continuons maintenant à ajouter des formes intermédiaires. C'est celui qui trouvera probablement le plus de facilité. Celui-ci, je n'aime pas le fait qu'il soit découpé. Je vais le déplacer un peu. Je vais le réduire un tout petit peu. Nous allons ajouter ce haut. Je vais l'ajouter ici. Nous n'avons pas à prêter trop d'attention à la nature exacte de Stoltz et à ses positions, mais vous pouvez mettre l'accent sur certains points si vous voulez simplement vous assurer que le spectateur sait que c'est vraiment une bonne idée Nous avons encore une forme intermédiaire et c'est celle-ci. C'est la vue de profil du lis. Ça va être une pédale. Voici une autre pédale. Un grand, 123 au milieu. Je pense que c'est assez équilibré. Il y a encore une forme de viande, celle-ci. Cette partie est un peu vide. Il possède un tas de branches et quelques feuilles. Nous pouvons les esquisser un peu. Maintenant, nous pouvons enfin prêter attention aux petites formes. Je veux dessiner tous ces petits bleus et violets. Vous n'avez pas besoin d' être précis, car même la façon dont nous allons peindre ne sera pas aussi précise. Nous ne voulons pas trop de détails, nous voulons juste que la couleur soit éclatante. Et il sera évident pour tous ceux qui regarderont le tableau qu'il s' agit de petites fleurs, même sans que vous soyez trop littéral quant aux détails. Ici, vous ne voyez que de petits morceaux de fleurs. Il va y avoir une pincée de rouge. Peut-être une pincée de rouge ici et là. Voici le sketch. Nous avons les formes ici sur. Nous n'avons pas encore le ton. Nous allons maintenant essayer de donner à ces compositions quelques valeurs tonales afin de voir si cela peut paraître intéressant à l'œil nu J'ai donc mentionné les valeurs tonales. Essayons d'être un peu plus précis. Ce sera donc la valeur tonale la plus légère. Quand il y aura de la lumière, nous allons omettre le livre blanc. Le papier blanc est le blanc le plus blanc. Tu vas l'avoir. Tout le reste va être légèrement plus foncé. Techniquement, il s'agit d'une teinte moyenne, la valeur suivante est un peu Cela peut aussi être une tonalité moyenne, comme un scalaire. Tu peux le partager. Vous pouvez le faire pour les valeurs, vous pouvez en définir six, mais ce sera toujours entre la lumière et l'obscurité. Ce dernier sera de couleur foncée, selon la composition. Mais si vous voulez avoir une certaine variété de valeurs tonales afin de rendre la peinture intéressante, attribuons les valeurs à ces compositions Et nous verrons qu'il est parfois plus facile de commencer par le plus sombre Ici. Par exemple, le lis ne sera pas foncé. Lily va être dans ces deux valeurs, elle va être notre centre, cette fleur, la partie la plus claire du lis va être presque blanche. Et il y aura une partie de ces valeurs tonales. ton moyen plus clair va représenter les ombres du lis parce que cet objet, même s'il est très clair lorsqu'il est dans l'ombre, en peu comme le ton moyen montre une certaine valeur Il va y avoir un certain ton, il va y avoir un traumatisme. Vous pouvez observer la photo. Ce qui m'aide, c'est de plisser les yeux pour voir la photo un peu floue, de sorte que vous voyez que cette zone du lis est presque entièrement blanche Et voici une sorte de demi-ton. Et voici aussi « just be », le terme micro. Voici le milieu de la ville, voici le ton moyen. Elle est également presque complètement large ici, soudainement attirée par de la viande ici. OK, donc ce triangle autour du lis va d'abord avoir le ton moyen le plus foncé Et puis il y a certaines parties qui sont complètement noires, presque noires, comme si nous n' allions pas peindre avec du noir, mais nous allons le rendre très sombre. Ces contrastes entre la lumière et l'obscurité ici au centre aideront notre peinture à être lisible. Le spectateur pourra immédiatement savoir que Volt nous intéresse Il y a des tons sombres ici. Certains détails vont également être très sombres. Trouvons les parties qui sont vraiment sombres. Ce coin est également incroyablement sombre. Cela peut être un ton moyen léger ici parce qu'il y a une autre Lily. Il y a aussi de la lumière. Mais comme c'est notre centre, nous devons faire en sorte qu'autour d'elle, il n'y ait pas trop de contraste et d'autres allumettes autour de celui-ci. OK, alors je vais passer à un ton intermédiaire. Nous avons besoin d'une certaine définition, mais pas beaucoup de contraste. Ici, il peut y avoir une touche de couleur. Et celles-ci, comme ce sera bleu, elles vont légèrement éclater. Ces deux formes vont être de demi-teinte. Peut-être pourrions-nous faire un surlignage, car ils sont de forme ronde et celui-ci aura de l'ombre ici. Ce sera un ton moyen, mais aussi un ton d'ombre ici. Pour que cela montre qu' il est ici. Nous voulons que le bleu soit dans une tonalité moyenne, mais entre les bleus, un bleu foncé pour briller Je vais donc nettoyer un peu ce croquis. Je vais donc simplement plisser les yeux et le regarder depuis l'est pour voir s'il est équilibré Ce n'est pas encore tout à fait équilibré. Comme s'il devait y avoir plus de définition ici. C'est encore plus dramatique dans ce centre. Il s'agit de l'esquisse des valeurs préliminaires. Je pense que je vais adorer cette composition. Je l'aime beaucoup de cette façon. Pour moi, il s'agit donc d'une harmonie et équilibre entre les ténèbres les plus sombres Vous pouvez y jouer autant que vous le souhaitez, autant que vous en avez le temps. Pour moi, c'est assez équilibré. J'ai une mise au point, mon plus grand contraste ici, autour du centre, et cela ressemblera davantage des tons moyens et à une pincée de lumière ici et là. Je vous encourage à faire ce type d'exploration chaque composition que vous allez peindre, car cela vous aidera vraiment à voir ce qui fonctionne ce qui ne fonctionne pas, et c'est une excellente préparation pour la couleur. Vous allez être beaucoup plus libre lorsque vous peignez. Vous n'avez pas à tout comprendre pendant le processus de peinture, car ce type de croquis ne prend pas beaucoup de temps, mais vous permettra de vous familiariser avec votre sujet Dans la leçon suivante, nous allons planifier nos couleurs et peindre une petite miniature à l'aquarelle Je te verrai là-bas. 7. Créer une vignette couleur: Dans cette leçon, nous allons explorer la couleur et créer une miniature en couleur Allons-y. Comme dans la leçon précédente. Dans cette leçon également, nous allons faire une esquisse rapide du tracé. Nous savons déjà comment procéder. Alors allez-y et cela ne devrait me prendre que quelques minutes car vous ne pouvez pas déjà préparer votre palette. Et un pinceau et je vais probablement utiliser un pinceau plus petit de la taille 6, parce que pour cette taille de vignette, ce sera suffisant Il y a une couleur par laquelle nous devons probablement commencer. C'est la rose permanente parce que ce sera la couleur du lis. Nous avons besoin du vert et peut-être d'un soupçon de jaune parce que ce seront les nuances qui ne sont pas trop de cette couleur On ne voit pas beaucoup de jaune dans cette composition. De plus, nous avons du rouge de pyrrole ici. Le rayon parallèle est d'un rouge éclatant et magnifique. C'est plus foncé, mais si vous voulez un ton orangé, vous pouvez le mélanger à l'un de vos jaunes et vous obtiendrez quelque chose comme ça, un orange vif et intense et ce rouge pyrrole pur que nous allons utiliser pour ces petites notes de J'ai aimé le pop sur le fond plus foncé, c'est Et puis nous avons aussi une palette cool pour les cool. Le plus évident est ce bleu, mais c'est du bleu violet. Nous avons donc du bleu outremer sur notre palette, mais nous n'allons pas l' utiliser directement comme ça parce qu'il est trop bleu. Eh bien, vous feriez l'affaire si vous preniez cet outremer et que vous y abandonniez une petite partie de ces rangées permanentes Et c'est le sous-ton que nous recherchons. Donc je veux toujours du bleu, mais je le veux un peu avec un soupçon de violet. Le vert de base que nous utilisons est donc celui-ci. Mais quand tu le mélanges avec du violet, tu vas faire quelque chose comme du vert olive. Je viens de le mélanger avec ça. Le vert mélangé à l' outremer a donc rendu un peu plus violet Et quand tu mélanges du violet avec du vert, tu vas le rendre plus gris. C'est donc du vert grisâtre. Je vais prendre ce vert de base et je vais y mettre un peu plus de bleu outremer, obtenir un vert plus saturé Et maintenant, dans ce mélange, si vous voulez ajouter un peu plus de gris Payne, vous allez vraiment obtenir un magnifique vert foncé Si je le dilue dans de l'eau, on dirait du vert proustien, de beaux légumes verts OK, alors j'ai assez joué avec les couleurs. Une autre couleur que je souhaite utiliser est celle de ce vendeur légal. Mais je veux créer des ombres avec. Donc, pour la plupart du sable, je vais juste le mélanger avec d'autres couleurs et quand utiliser de la lavande comme base avec juste un soupçon de vert. Je vais me procurer quelque chose comme ça. J'aime beaucoup cette couleur, mais je voudrais y ajouter du violet. Je trouve cette couleur très intéressante. Je viens d'ajouter un peu plus de rouge, je suis juste en train d'expérimenter en ce moment Oui, quelque chose comme ça. Et je vais probablement l'utiliser ici pour les zones d'arrière-plan. C'est ainsi que je me familiarise habituellement avec ma palette de couleurs. J'ai essayé de l'explorer, le mélanger avant de commencer à peindre, parce que lorsque je commence à peindre, en particulier en utilisant la technique mouillé dans humide, il n'y a pas beaucoup de place à L'aquarelle va là où vous feriez mieux d'avoir déjà une miniature en couleur et vous feriez mieux de vous familiariser au moins un peu avec la couleur que vous voulez, où je veux mouiller le tout, juste Il ne s'agit pas d'une technique particulière. Nous allons juste tout colorier. Nous voulons donc commencer par la quinacridone rose. Vous devez le diluer avec plus d'eau, le rendre aqueux. Je le place donc simplement dans mon tableau où je vois la couleur rose présente Il n'est même pas nécessaire qu'elle soit bien distribuée, je veux juste savoir où cette couleur va. Alors ça va ici. Peut-être que maintenant, il y a juste plus de saturation. Ici. Juste un petit peu ici. Il n'y a plus de rôles. Je ne pense pas que ce soit le cas, mais nous pourrions juste trouver un équilibre. Nous pourrions en placer un petit peu ici juste pour équilibrer le tout. Maintenant, un soupçon de jaune chaud et peut-être un mélange de jaune citron et de jaune. Ça va ici. Et ici. Puis j'en vois un éclat. Voici juste les touches de jaune qui vont certainement ici. Je vois beaucoup de jaune vu de côté. Il y a plus de jaune ici. Et puis nous avons le vert , le jaune, le rouge va ici, le vert est saupoudré au bas de l'allèle Et là, je vois juste un bouquet comme une pincée de vert. Saupoudrez de vert ici. Les papiers déjà plus ou moins Dr, vont prendre un vert plus foncé et l' huile dessine les branches avec. Il nous faut de l'orange. J'utilise donc du rouge parallèle et je vais y mélanger du jaune pour créer un orange vif. Et l'orange y va. Du pyrrole, rouge, propre. Maintenant, parce que tu n'as pas parlé de ces paillettes rouges Tu vois, ça n'a pas besoin d'être précis. Comme si vous pouviez vraiment vous détendre avec ce processus d'esquisse parce que vous voulez juste connaître la distribution des couleurs Peut-être que cela ne ferait pas de mal si je remplaçais quelques paillettes ici, toutes les couleurs chaudes sont représentées Nous pouvons maintenant commencer à ajouter le bleu. Je me demande si je devrais abord ajouter le fond ou le bleu, mais je vais choisir le bleu. Je veux donc trouver l'Ultramarine. Il s'agit de l'outremer et nous avons dit que nous allions y ajouter quelques rôles, des rôles permanents pour le rendre moins bleu, plus violet, tout en restant suffisamment bleu Finissons-en. C'est pourquoi nous n' avons même pas besoin d'esquisser correctement, car nous allons simplement peindre ces points. Ce ne sera pas exact. Parfois, vous pouvez diluer la peinture un peu plus car celles qui exposées au soleil seront un peu plus claires et celles qui seront couvertes d'ombre seront un peu plus foncées. Cela affectera donc la couleur. Il devrait également y avoir une pincée de bleu de ce côté, juste un tout petit peu. Il va y avoir quelques détails. Les détails aideront à créer une balance des couleurs afin que nous puissions ajouter des paillettes Nous pouvons commencer à tout finaliser. Et sur le green, j'ai déjà mixé les greens ici alors que je jouais avec les mélanges il y a quelques minutes. Je vais donc ajouter le vert ici. Juste là où il y a de l'ombre. Je vais terminer. S'épanouir là-dedans. bleu fait une belle ombre à l'objet vert à chaque fois que vous le peignez, le voici. On pourrait peut-être le faire. Soulignez le gris de Payne. Je vais utiliser pour ajouter ces Dark. Ici, au centre. Il va faire nuit ici. Cela peut utiliser des touches de jaune et de vert, également encadrées comme la fleur de lys Je vais profiter de l'avantage de mon sèche-cheveux car il est trop humide pour ajouter plus de fond. Alors je vais conduire ça. Maintenant. Je vais chercher Love Vendor. Je vais donc créer une sorte de base grisâtre à partir de la lavande et ça ira dans ce coin Mais ici, je vais laisser l'orange derrière moi. Je vais juste peindre autour de cette fleur. J'ai vraiment beaucoup aimé. Qu'est-ce que Missing Hope of Red ? Je trouve le luego génial. Et maintenant je dois créer cette couleur verdâtre finale très foncée Je vais donc créer cette couleur à partir du gris de Payne. Nous y ajouterons du bleu outremer et du jaune, comme ici Nous devons encadrer cette Lily avec cette peinture finale. Encore une fois, nous n'avons pas besoin d'être précis à 100 % en ce qui concerne les formes ou quoi que ce soit d'autre. C'est comme une esquisse préliminaire. Nous voulons juste voir si les couleurs fonctionnent dans cette composition. C'est trop noir, donc je vais enlever certains pigments pour que ça ressemble toujours à de l'aquarelle Je veux qu'il soit plus aqueux, un peu plus transparent. Ici, nous allons séparer les petites fleurs. Et là encore, nous définissons cette forme. Depuis la forme du milieu. Et je vais me retrouver avec plus de lavande pour rendre certaines zones plus grisâtres. En gros, j'improvise à propos de la couleur ici parce que ce qui compte, ce sont les valeurs Nous n'avons donc pas besoin de trop d'obscurité ici, en laissant certaines parties de la couleur derrière la couleur précédente. Ici aussi. Je vais plisser les yeux maintenant, peut-être qu'ici, au centre du lis, nous avons besoin d'un peu plus de contraste Nous avons dit qu' il peut parfois y avoir trop de contraste, comme ici. C'est une partie de la composition qui ne peut pas être trop brillante. Nous allons donc supprimer un peu plus bas ici. Nous allons également impliquer légèrement la lumière et l'ombre. Je ne sais donc pas combien de temps il m'a fallu pour terminer cette miniature colorée, mais maintenant je vais observer. D' habitude, j'observe à habitude, j' distance parce que lorsque vous êtes assis, que vous regardez leur croquis ou la peinture, vous perdez l'objectif, l' apparence et Vous devez donc y jeter un œil sous un nouvel angle. Je préfère donc généralement le mettre quelque part et m'éloigner lorsque je plisse les yeux J'ai besoin de voir clairement quel est le point central de ma peinture Et je pense que j'ai réussi à faire comme si cette couleur la plus saturée et qu'elle était également claire par rapport aux arrière-plans foncés. Donc, il se démarque un peu même de loin. Mais je ne pense pas qu'il y ait encore trop d'harmonie entre les décors. Comme s'il y avait trop de bruit. Je ne sais pas ce que j'ai fait de mal, mais peut-être que nous pourrions procéder comme ça. Peut-être pourrions-nous réduire le nombre de ces distractions rouges. Je vais donc en laisser quelques-unes ici et là. Je l'aime un peu mieux. Maintenant aussi, je vais prendre un peu de vert plus frais. Et ce vert frais aidera certainement ma peinture à se démarquer, même ici, comme je l'ai dit, à savoir que ce lis crie trop mais qu'il prend beaucoup trop de retard Maintenant, j'ai fait en sorte que les parties centrales soient un peu trop sombres. Lorsque je peins la peinture elle-même, je dois m'assurer qu'elle est légèrement plus claire, en particulier sur celle-ci, afin que cette zone ne soit pas entièrement dans l'ombre. C'est donc autre chose. À part ça, Lily se démarque un peu. Deux ou trois d'entre eux ont essayé de trouver l'équilibre parfait, mais personnellement, je n' aime pas perdre autant de temps là-dessus. J'aime réserver un certain niveau d'exploration à la peinture elle-même. Dans la leçon suivante, nous allons nous familiariser avec les techniques de base de l'aquarelle Je t'y verrai. 8. Techniques de base de l'aquarelle: Dans cette leçon, nous allons explorer certaines des techniques de base de l' aquarelle Alors commençons. L'aquarelle est un médium très expressif Comme nous voulons créer des œuvres d'aquarelle dynamiques et spontanées, œuvres d'aquarelle dynamiques et spontanées, nous voulons le plus souvent travailler rapidement, en particulier nous voulons laisser à l'aquarelle une certaine marge de manœuvre pour créer son propre mélange Et ces petits accidents confèrent à ce médium un caractère spécifique. Si nous le voulons, nous pouvons avoir le contrôle. Je vais donc vous montrer quelles techniques et comment travailler lorsque vous voulez avoir contrôle et donner un peu plus de liberté à l'aquarelle Nous commençons généralement par , plus les techniques sont expressives in Wet », plus les techniques sont expressives et libres. Et cela se produit lorsque vous mouillez votre surface pour la première fois. Je vais juste vous montrer ici en très petite taille , puis vous allez prendre de la peinture. Tu as essayé de peindre dedans. Essayons d'ajouter quelques couleurs supplémentaires. La fleur est rose, mais vous devez la mettre entièrement dans le linge humide. Ça va saigner, les couleurs vont saigner. Ce n'est pas nécessairement une mauvaise chose. Les couleurs qu'ils créent, ces mélanges qui semblent très naturels, très beaux d'une manière que vous pouvez toujours contrôler, c'est juste que ces bords sont flous ou doux Cela vous aidera donc à créer des arrière-plans. Cela vous aidera à créer de belles fusions de couleurs. Imaginez que vous avez un pétale de fleur. Voici mon pétale de fleur. J'ai commencé avec Wet background. J'ai mouillé la surface, c'est bien d'y avoir une ligne, mais l'aquarelle s'en fout Je vais commencer par cette couleur rose. Vous l'avez vu lorsque nous avons créé Thumbnail et que la peinture est omniprésente à ce stade Je n'ai pas vraiment à me soucier du fait que la couleur . Je n'ai pas vraiment à me soucier du fait que la couleur ignore les bordures, car dans cette première étape, vous pouvez simplement tirer parti de la capacité de la peinture humide pour créer de magnifiques mélanges Vous pouvez donc ajouter des nuances de Rosie. Vous pouvez créer des sous-tons verts ici dans la base. Vous pouvez même prendre un pigment plus épais, le mettre ici. Quoi qu'il en soit, laissez-le saigner. Cela créera une longueur de couleur qui sera vraiment magnifique. Vous ne pourriez pas obtenir cet effet si vous essayiez de tout contrôler et cette peinture qui a laissé vos bords, nous nous en occuperons plus tard. Wet in Wet est donc une technique que vous souhaitez pratiquer. Quelques conseils. Tu ne peux pas faire de flaques d'eau. Si votre eau est présente partout, vous allez ressentir ces effets. À mon avis, ils sont intéressants et beaux, mais il se peut que vous ne les achetiez qu' à un moment précis pour les éviter. C'est une très bonne idée d'incliner votre planche, car lorsque vous l'inclinez, lorsque vous placez de la peinture, elle commence à couler lentement. Cela crée donc également de beaux effets. Vous pouvez utiliser l' arroseur pour créer ces mélanges de pâleur à l'aspect maussade et magnifiques D'habitude, je les enlève simplement avec mon pinceau comme ça pour qu'il n'y ait pas d'excès d'eau, surtout pas lorsque vous laissez la peinture sécher. C'est donc la raison d'être de Wet on Wet. Comme si tu devais vraiment jouer avec ça. Certaines personnes, lorsqu'elles veulent se détendre et peindre, cherchent le contrôle. L'aquarelle ne consiste jamais à contrôler 100 % de votre peinture Vous pouvez avoir un certain contrôle, mais l'aquarelle ne sera jamais aussi belle si vous contrôlez tout La deuxième technique est donc Wet on Dry. Et c'est essentiellement lorsque vous travaillez sur une surface sèche comme celle-ci, sur une surface sèche, que vous pouvez avoir ces traits de peinture à l'aquarelle C'est bleu, un, vert à côté. Si les traits se touchent, alors vous avez l' effet Wet in Wet car là encore, vous devez mouiller les traits qui se touchent. Donc c'est vous qui saignez ici. Mais s'il y a du papier sec à côté du trait, cette arête restera nette. Cela ne brouille pas Si vous voulez que cela soit flou, vous devrez utiliser l'arroseur Comme ici. Vous pouvez ajouter un tas de traits. Cela me donne donc un contrôle total, comme ici. J'ai un contrôle total sur l'aquarelle. Il ne saigne nulle part, il reste ici. C'est ainsi que vous réglez les détails. Dans la peinture à l'aquarelle, tout consiste à trouver un équilibre entre les bords mouillés sur mouillés et les bords nets mouillés sur secs Je vais donc sécher ceci afin de pouvoir vous montrer comment créer une deuxième couche. Maintenant, j'utilise le sèche-cheveux pour sécher la première couche. Je peux maintenant vous montrer comment créer certains détails dans une deuxième couche, exemple si vous voulez créer des ombres. Je peins maintenant sur une surface sèche. Oui, il y a déjà une couche de peinture, mais cela n'a pas vraiment d'importance car elle est maintenant imbibée dans le papier. Et la deuxième couche est essentiellement créée sur une surface sèche maintenant. Et tu peux te procurer plus de peinture. Et vous pouvez apporter certains détails afin développer un peu plus ce pétale de fleur Parfois, vous pouvez utiliser une technique appelée brosse sèche. Il est également utilisé sur un papier sec et c'est à ce moment-là que vous vous débarrassez de l'excédent de peinture sur mon essuie-tout. Ensuite, je le fais glisser sur un papier texturé et cela crée cet effet. J'essaie de ne pas exagérer cet effet, mais c'est vraiment magnifique Vous ne connaissez pas le mouillé sur le mouillé et le mouillé sur le sec, ce qui est assez simple. Si vous connaissez ces deux techniques, si vous les pratiquez, le développement votre peinture consiste principalement à penser quand les utiliser. Par exemple, dans notre composition, nous devons absolument utiliser Wet on Dry ici. C'est le cœur de notre composition. Nous voulons des arêtes vives ici, nous devons donc travailler sur sec sur sol humide pour obtenir ces arêtes vives. Mais entre ces couleurs, nous voulons que les mélanges soient créés humide sur humide et que les mélanges mouillés sur mouillés soient également magnifiques en arrière-plan. Il vous suffit donc d'élaborer une stratégie pour savoir quelles parties nous voulons garder un peu plus nettes et quelles parties vous voulez flouter lors de la prochaine aquarelle, ce qui est beaucoup plus amusant, du moins pour beaucoup plus amusant, du moins Ensuite, il y a un aspect spécifique de la peinture à l' aquarelle que vous devez vraiment pratiquer un peu plus intensément, mais cela rend ses peintures si belles C'est ce qu'on appelle la peinture négative. Merci de m'avoir déjà vu l'utiliser lorsque nous développions la vignette couleur Et la peinture négative fait essentiellement référence au fait que lorsque nous peignons un objet comme ce pétale de fleur, je veux le peindre, mais j'ai peint en peignant le fond qui l'entoure Quand je peins l' arrière-plan ici. Maintenant, peut-être que je veux me débarrasser de ces bords. Vous voulez utiliser l'arroseur pour éliminer ces bords. Et vous voulez simplement garder ces arêtes nettes. Maintenant, nous avons peint la pédale d'une manière négative, c' est-à-dire que nous avons peint un fond plus foncé afin la pédale montre ce que Dieu n'a pas vraiment de peinture blanche. Vous pouvez trouver de l'aquarelle blanche opaque. Mais l'idée principale est que chaque fois que vous avez des parties plus blanches, des parties plus claires de la peinture à l' aquarelle sont de plus en plus claires Vous laissez le papier derrière vous comme si vous ne peigniez pas le blanc avec de la peinture blanche. Tu laisses le blanc du papier derrière toi. J'utilise ici la technique de la peinture négative pour peindre tous les triangles dont je vous ai parlé lorsque je peins la forme négative foncée ici, et j'ai peint ici et ici. Il y a un autre triangle ici et là, je peins en négatif le lis qui se trouve ici. Cette technique ne vient pas naturellement si vous utilisez l' aquarelle pour la première fois, elle n'a pas besoin de pratique Il faut s'y habituer. Cela rend leur peinture si belle. C'est ce qui nous permet de faire lavages humide sur mouillé sur la première couche, puis d'utiliser simplement peinture négative pour nettoyer tous les bords qui, dans la première couche, ne sont pas pris en la Il suffit de prendre une feuille de papier pour aquarelle. Vous avez essayé les techniques les plus anciennes que je vais utiliser en jouant un tout petit peu avec la couleur. Cela vous aidera à réchauffer votre main pour le processus de peinture proprement dit. Dans la leçon suivante, nous allons créer un croquis pour notre projet de classe final. Je t'y verrai 9. Projet de cours - croquis: Nous sommes sur le terminer notre projet de classe et dans cette leçon, nous allons créer un croquis ensemble. Alors commençons. C'est le bloc de papier que je vais utiliser. Il s'agit du papier aquarelle Arches. Il s'agit d'une presse à froid de 300 GSM. Il est 100 % coton. Je veux que ma peinture soit au format portrait comme celui-ci, tout comme ma photo de référence et les vignettes que nous avons créées Et une remarque importante avant de commencer à esquisser même si l' esquisse est libre, j'aime rester debout. Je n'aime pas m'asseoir quand je dessine. Je suis debout même lorsque je peins. Et c'est parce que je peux voir mon croquis, une petite chambre lorsque vous vous asseyez et que vous avez votre planche à dessin à plat sur la table, cela fait légèrement pencher votre point de vue, et c'est pourquoi vos proportions n'ont pas besoin d'être précises. De cette façon, j'ai plus de contrôle, c'est juste un et c'est pourquoi vos proportions n'ont pas besoin d'être précises. De cette façon, j'ai conseil, comme si ce n'était pas pour tout le monde Si vous décidez de vous asseoir, vous pouvez utiliser une boîte ou quelque chose pour incliner votre planche. De cette façon, vous pouvez voir plus précisément même lorsque vous êtes assis. La façon dont j'esquisse sur un papier aquarelle est à peu près la même que lorsque nous créions les vignettes Je cherche les espaces négatifs. fait d'avoir déjà esquissé ces compositions à deux reprises m'a vraiment aidée déjà esquissé ces compositions , car je sais déjà ce que je veux faire Je vais donc laisser cela ici à titre de référence. Il y a un autre triangle ici. J'aimerais voir un peu plus de ce pétale. Voici les principaux détails du genre. Plus d'informations sur les pétales individuels plus tard, nous devons d'abord créer la composition. Je vais maintenant esquisser la seconde qui est montrée de côté sur notre photo de référence Ici et ici. Juste pour mémoire, vous pouvez effacer sur du papier aquarelle, mais assurez-vous que la gomme que vous utilisez est douce Celui-ci est exempt de poussière et il ne détruit pas vraiment la texture des papiers. Mais je n'enfonce toujours pas trop le crayon dans le papier car cela provoquerait ces références dans le journal, ce que nous ne voulons pas Donc, avec le papier aquarelle, vous devez vous comporter un peu plus doucement 12 puis les deux formes secondaires. Celui-ci ici. Vous pouvez être brut et expressif avec votre croquis. Vous n'avez pas besoin d'être précis à 100 %, même lorsque nous travaillons à plus grande échelle. En fait, j'ai oublié les bords nets. C'est quelque chose dont il faut se souvenir. Je vais donc simplement enregistrer. Il n'est pas encore trop tard, car je n'ai pas encore fait trop de Sketching. Ce n'est pas une nécessité, surtout lorsque vous travaillez sur un bloc comme moi, parce que votre article n'est pas envoyé au corps enseignant. Mais je veux juste que ces bords soient beaux et nets, c'est super. Si vous voulez appliquer du ruban adhésif sur les bords avant de commencer à dessiner, vous devrez ainsi tenir compte du petit espace que vous allez perdre Ce n'est toujours pas trop mal, mais je vais quand même apporter quelques corrections. D'accord. Nous continuons le sommeil que je viens de dormir. Mais c'est ce qui arrive. Voici la forme du milieu et voici une autre forme du milieu. Mais nous avions besoin d'en révéler un peu plus sur celui-ci. J'aime déjà ça. C'est l'essence de ma composition. C'est ainsi que se trouve l'organisation principale des formes grandes et moyennes. Il y en a un autre que nous devons ajouter ici, très vaguement. Et puis le reste, ce ne sont que de petites formes et lignes qui représenteront les branches. Donc, quelques succursales ici. Une succursale ici. Ça a l'air bien. La dernière partie consistera à ajouter quelques-unes de ces petites formes, des violets, des feuilles Nous n'avons pas vraiment besoin de dessiner comme si ce n'était que de la texture et des coups de pinceau individuels qui représenteraient nos convictions Esquisser, c'est comme cartographier des choses. vous voulez cartographier votre territoire, votre lieu, les principaux points de repère afin de savoir quelles parties vous devez recouvrir de votre couleur une fois que quelles parties vous devez vous avez peint Lorsqu'il s'agit de dessiner et de peindre, peintures vraiment détaillées, il faut un état d'esprit différent pour le faire. Et je pense que lorsqu'il s'agit de mon propre processus, cela me permet généralement de m' exprimer de cette manière J'essaie donc vraiment d'assouplir mes limites et de travailler plus rapidement, ce qui me laissera moins de place pour trop réfléchir Et en gros, cela ne donne pas à mes peintures un aspect trop rigide. Je suis donc en train de cartographier certaines des fleurs bleutées violacées, en ajoutant peut-être certains de ces éléments rouges et ici aussi, celle-ci est Et j'en ai dessiné une ici et peut-être juste quelques feuilles. OK, c'est le sketch avec lequel nous pourrions déjà travailler. Nettoyons-la un peu. Toutes les lignes qui sont trop raides ou que je souhaite corriger, je peux les effacer un tout petit peu. Mais ce que j'aime faire, à la fin du processus d' esquisse, ne me dérange même pas que les lignes soient plus foncées parce que la peinture que j'utilise est très saturée Je vais donc tout couvrir, surtout lorsque je travaille avec une couronne un peu plus foncée, comme si nous allions certainement travailler avec des couleurs plus foncées. Mais je vais passer en revue certaines marques importantes recherchant les endroits où le contraste est le plus élevé. Comme ici, les contrastes sont très élevés et je veux les définir. C'est donc là que ma ligne va être un peu plus lourde. Ici aussi, juste un tout petit peu. Ne vous souciez pas vraiment de l' ombrage ou du dessin tous les plis de ces pédales car ce n'est pas vraiment important Peut-être que celui-ci est un peu plus important, même si je ne veux pas qu'il soit trop foncé car il est de couleur très claire. Il n'y a pas beaucoup de contraste. Il suffit d'en tenir compte. Aux endroits où vous souhaitez un plus grand contraste, vous pouvez autoriser un trait plus épais. Et à certains endroits, il y a des zones où vous ne voulez pas que le contraste soit trop important. Utilisez simplement votre gomme pour éclaircir un peu cette ligne. Je pense que nous en avons fini avec l'aquarelle, il faut qu'elle soit fraîche et que votre croquis doit l' être également Voici donc mon croquis final. Je vais également prendre une photo de ce croquis. Vous pourrez le télécharger à partir des ressources ci-dessous si vous souhaitez, pour une raison ou une autre, utiliser mon croquis, si votre propre esquisse ne s' si vous souhaitez, pour une raison ou une autre, utiliser mon croquis, est pas si bien déroulée, ou si vous n' avez pas assez de temps, vous pouvez simplement le télécharger, puis le tracer sur votre papier aquarelle et continuer avec cette ligne de travail C'est ce que je vais faire. Dans la leçon suivante. Nous allons continuer à créer notre projet de classe ensemble et peindre la première couche d' aquarelle. Allons-y 10. Première couche : mouillé sur mouillé: L'étape suivante consiste à réaliser la première couche de notre aquarelle aussi spontanément que possible Je ne travaille pas sur la première couche pendant plus de 10 minutes, peut-être 15 Bob, je vais utiliser comme référence et la photo de référence que nous avons faite, mais aussi l'esquisse des valeurs et l'étude des couleurs que nous avons faite. J'aurai donc les deux sur ma table à côté de mes dessins pour pouvoir les voir. Ils peuvent s' y référer si je ne suis pas sûr, je vais utiliser ces gros pinceaux pour tout arroser. Ce sera la première étape, travaillez dans Wet, dans Wet, sous mon bloc d'aquarelle, j'ai ce bœuf pour créer une inclinaison, afin que le bloc d'aquarelle ne repose pas à plat sur la table Il est incliné et cela empêche les flaques d'eau de se développer et de créer ces accidents d'aquarelle, vous pourrez toujours faire de beaux saignements entre les La technique n'est pas difficile. Le défi, c'est de ne pas paniquer. Les gens paniquent à ce stade parce qu'ils voient la couleur Ryan est partout et que c'est juste une grosse masse. Cependant, dans la deuxième étape vous pourrez nettoyer une grande partie de ce désordre en ajoutant de la peinture plus foncée, en encadrant les fleurs Cette couche est celle qui développera la peinture jusqu' à sa forme finale. Donc, peu importe ce qui se passe ici pendant la phase mouillé, ne paniquez pas, ne jetez pas votre peinture Nous allons tout relier dans la couche suivante. Donc je vais tout mouiller. En général, j'attends cette partie avec impatience car c'est la partie la plus libre de mon processus La couche suivante sera plus contrôlée. Alors j'apprécie vraiment celui-ci. J'observe simplement les couleurs, ce qu'elles font, comment elles se mélangent les unes grandes surfaces sont les premières que je souhaite couvrir lorsque dois utiliser le flacon pulvérisateur pour rafraîchir la peinture de ma palette. Assurez-vous que vos extrémités sont préparées avant de commencer à peindre. C'est donc la rose permanente, et je vais simplement en couvrir certaines zones. Donc, le Lily a certaines zones presque blanches. Cette partie de la pédale, est elle qui capte la lumière. Ensuite, c'est cette zone de cette pédale. Et sur ce coup-ci, c'est cette zone. Pourquoi ne faisons-nous pas l' étude, l'étude de valeur ? Nous avons un peu marqué ces zones comme étant très claires, donc je ne vais pas vraiment les aborder avec de la peinture Cette zone sera également un peu plus claire. Maintenant, j'ai mélangé une couleur un peu plus intense, la même couleur, des rôles permanents. Et je veux juste ajouter aux parties du lis qui semblent avoir une touche de couleur par ici. Celui-ci a une touche de couleur et vous pouvez simplement l'y ajouter, puisque notre surface est humide, il fera tout seul son travail. La couleur se répandra comme elle le souhaite. Tu peux laisser ça. Tu n'as pas à contrôler ça. Ici. Juste ici. C'est comme si vous preniez des notes ici. Je vais lire, lire, brosser, enlever une partie de l'excédent de peinture, mais à part ça, vous n'avez pas vraiment à tout contrôler. Je ne vais donc pas prendre ce pinceau et je vais essayer d'ajouter un peu de jaune, peut-être du jaune citron sur ma palette, mélanger avec le vert et de créer cette couleur jaune-vert. Je vais maintenant modifier les endroits où je vois que couleur ici est même du vert pur. Juste comme des indices. Et je vois des indices ici. Ces veines sur les pétales semblent être de cette couleur, d'accord, du jaune citron pur va ici. Et j'ai dit que cette zone allait être très claire. Je vais mélanger le jaune, attendez, un peu de rose permanente. Et c'est la couleur de ces pièces. Et je voudrais aborder ce domaine parce que c'est un autre domaine dans lequel Rose va se tourner. Donc ici, ici, une note un peu plus claire, tellement saturée, nous n'allons pas y mettre trop de couleur de rôles saturés, peut-être juste des indices ici. Et juste pour équilibrer le tout, je vais mettre un soupçon de couleur rose ici, jaune, vert. Il faut que je l' adoucisse un peu. Et il y a beaucoup de jaune vert ici. Bien plus encore puisqu'il s'agit de la fleur vue de côté. Et pour le plus petit pinceau, je vais prendre plus de vert. Et il semble qu'il y ait des veines plus vertes ici sur les photos de référence je vais juste y remédier. Je vais donc simplement passer couleur par couleur et modifier là où je le vois. La référence. Comme nous avons du vert sur notre pinceau, nous pouvons ajouter du vert à ces formes centrales. Ce sont les chiots. On dirait qu'il y a beaucoup de vert ici et du jaune chaud qui va ici. Et vous n'avez vraiment pas besoin d' être précis dans cette couche. Nous construisons simplement une base. Regardez ce qui est arrivé à nos rôles permanents , comme si cette fleur avait presque disparu. Il faut donc parfois vérifier toutes les zones et revenir en arrière. Eh bien, l'aquarelle ne reste jamais aussi éclatante et foncée que vous le dites quand il est mouillé Elle perd généralement 40 à 50 % de son intensité pendant le processus de séchage C'est autre chose : lorsque vous peignez à l'aquarelle pour la première fois, vous pensez que l'aquarelle crie, mais quand elle sèche, vous perdez toutes vos couleurs et vous devez ensuite appliquer une autre couche, comme une couche supplémentaire si vous voulez une certaine intensité de couleur Vous devez donc vraiment être intrépide avec vos couleurs lors de la première couche, je garde déjà à l'esprit qu'une partie de ma peinture va s'estomper Encore une fois. Ici. Il n'y a plus de règles. À moi d'y aller plus saturé pour qu'il y reste. Je veux passer au rouge vif maintenant, c'est le rouge parallèle et je vais utiliser le rouge pyrrole pour dessiner quelques-unes de ces toutes petites plantes Et j'avais un peu de rouge ici, juste une touche de rouge ici et il y en a peut-être là pour équilibrer un peu. Pour l'essentiel, nous sommes prêts à mixer cet outil. Nous n'avons pas encore fait le truc à l' orange. Donc le rouge avec le jaune chaud, on les mélange pour créer de l'orange. Peut-être mon plus petit pinceau, le numéro six, et je vais prendre plus de ce jaune et de ce vert Et nous allons essayer d'ajouter ces parties ici. Comme mon jaune a disparu de celui-ci, nous allons récupérer du jaune citron pur et le modifier à nouveau. Même si cette couleur saigne, cela n'a pas vraiment d'importance Les morceaux d'orange vont ici. Et la partie jaune, la partie jaune-verte, elle va ici. Que je suis plutôt des boules jaunes ici. Et le vert pur commence à ajouter du bleu pour rendre le vert un peu plus foncé. Et nous irons ici. Maintenant, c'est l'heure du blues. Nous avons donc placé toutes les couleurs chaudes et nous devons créer du bleu. Ici. Je vais ajouter le mixage profond ultramarine. Et comme ce ton doit être un peu plus violet, je vais ajouter du violet, ou vous pouvez simplement ajouter un soupçon de rose permanente pour obtenir les nuances violettes Nous ne voulons pas que ce soit aussi violet, nous aurons besoin d'être bleu, violet. Je vais donc mélanger et équilibrer un peu ce mélange. Obtenez le document de test. C'est la bonne couleur, peut-être un peu plus bleue. J'avais donc toujours besoin du bleu, juste du bleu plus chaud. Je crois que nous en avons déjà parlé dans les vignettes en couleur, mais c'est la couleur bleue normale et c'est en comparaison, le bleu que nous recherchons pour vendeurs les plus disponibles lorsque vous l'édulcorez, pas du bleu brillant, mais du bleu plus chaud, je vais peindre que la partie supérieure est, la partie Mais ensuite je vais prendre le petit pinceau avec ces pinceaux jaunes-verts. Et je vais également le connecter à la branche ici. C'est donc légèrement plus détaillé que ce que nous avons fait lors de la miniature colorée Ici aussi. De l'eau propre, faites glisser un peu cette peinture avec de l'eau propre. On obtient donc une couleur intense et crée un dégradé avec de l'eau propre vers une couleur un peu moins intense. Il est donc édulcoré de ce côté et plus saturé de ce côté. Parce qu'il y a toujours un côté qui capte un peu plus de lumière. Je vais le relier au vert et peindre une branche. Il faut les laisser saigner un peu. Cette couleur a besoin de saigner un peu J'aime beaucoup la façon dont elle est apparue ici Tellement plus clair, plus foncé. Je suis très lâche avec cette couleur. Maintenant, je ne travaille qu' avec de l'eau propre et sur mon pinceau, il reste encore de la peinture bleue Et j' ajoute simplement des nuances de bleu au hasard à ma peinture pour m' assurer que la couleur est plus ou moins répartie Comme si je voulais être équilibrée. Je dois encore saisir ce gras vert clair et dessiner ces branches. Nous allons faire de la peinture négative dans la deuxième partie du processus de peinture ici. Et la peinture en négatif aidera cette branche plus claire à ressortir un peu plus, mais je veux juste voir où se trouve la branche. Ma surface est déjà sèche , alors je vais passer à l'arroseur, pour qu'elle soit un peu plus humide Nous devons mélanger un peu plus de cela. Du vert plus foncé, nous avons donc du vert clair ici, donc je vais l'utiliser et nous allons y ajouter plus de bleu. Nous allons le rendre un peu plus foncé avec le gris de Payne. Lorsque vous ajoutez le gris de Payne, obtenez vraiment cette nuance verte plus foncée Alors je veux ce vert. Et je voudrais peindre quelques de pinceau lâches qui ressembleront à des feuilles, ici et là. Et maintenant je vais ajouter un peu plus de jaune citron et de bleu outremer pour obtenir un mélange avec un sous-ton légèrement différent, je ne sais pas si c'est plus foncé et un peu Nous ne voulons pas encore faire trop nuit. Nous allons faire nuit dans la deuxième couche. Peut-être que ce bourgeon a besoin d'un peu plus de jaune. Ici, la surface est déjà sèche. Je voulais juste créer un fond vert. Ici. Nous allons travailler là-dessus un peu plus tard. Comme c'est déjà sec, vous pouvez voir que la peinture forme des G plus durs, mais ce n'était pas prévu. Cela se produit simplement lorsque le linge sèche plus vite que vous ne travaillez. Une dernière couleur parce que je pense que nous pouvons ajouter au reste des couleurs, peut-être, peut-être ici juste un peu de vert. Le reste des couleurs peut être ajouté avec technique de peinture négative au deuxième tour. Mais il y a encore une couleur, la couleur de fond de cette pièce, j'ai besoin de lavande pour cette base. Voici donc ma lavande et elle est d'une belle couleur. Je vais donc le rendre un peu plus violet en ajoutant la rose permanente, mais j'en ai ajouté trop. Faisons des essais avec une couleur. C'est donc la couleur que j'ai, genre Snug Bad, mais j'ai besoin de quelque chose de plus grisâtre, pas trop saturé, alors ajoutez un peu de vert Voyons ce que le vert fait à ce mélange. Cela le rend plus gris, alors c'est ce que je veux. Ajoutons maintenant un peu de jaune. Le jaune le rend vraiment plus gris. Vous devez faire attention à la quantité de jaune que vous ajoutez. Je vais m'en servir pour ce coin. Je ne voulais pas faire un lavage ici qui soit plus gratuit, donc plus d'eau, c'est censé être encore un peu humide. Les batteries se déchargent très rapidement. Comme cette couleur, elle semble neutre. Et je pense que même les rôles se démarquent très bien. Je vais l'ajouter ici à propos du fait que la peinture n'est pas trop épaisse pour pouvoir faire la couche suivante, opter pour une couleur plus foncée plus tard. Certains ajoutent de l'eau ici. Nous allons laisser la peinture couler et se décomposer un peu. Je vais contourner le blues. Je ne veux pas gâcher la couleur de la dette. Une chose très importante que nous n'avons pas encore beaucoup coloriée, ce sont ces têtes de coquelicot Nous devons encore y retourner et utiliser certains des verts les plus brillants. Laissez volontairement la peinture s'écouler un peu. Peu importe, tout ira bien même ici. Ne t'inquiète pas vraiment pour le bordel. Nous serons en mesure de le nettoyer. Et je pense que c'est plus intéressant de peindre que lorsqu'on n'est pas trop précieux. Je suis en train de me débarrasser des gouttes en excès. Mélangons certains de ces verts, dorés ou jaunes, verts et finissons-en. Il faut donc vraiment les peindre, les mouiller. Vous pouvez les laisser saigner, fusionner avec l'arrière-plan À ce stade. Bien. Ici, dans cette zone, vous devez ajouter du bleu pour décider de l' endroit où il doit y avoir de l'ombre ici. Et c'est ce que nous allons faire ici également. Mais seulement cette partie, comme l'autre partie qui fait face à la lumière, reste plus claire. Je veux trouver Love Vendor. Parce que ce que j'ai remarqué et j' aime beaucoup la lavande avec un peu de bleu sur cette photo, ce sont ces reflets et pointe de bleu autour de cette couleur jaune. Je veux ajouter cela à ma peinture ici, ici aussi. Et maintenant, nous en avons toutes les couleurs. J'ai vraiment hâte de voir la suite. Dans la prochaine leçon, nous allons nettoyer le tableau. Nous ajouterons quelques zones plus définies que cela et vous verrez ce qui en émergera. Je te verrai donc dans la prochaine leçon. 11. Deuxième couche - partie 1: Dans cette leçon, nous allons commencer à peindre la deuxième couche et à ajouter plus de définition pour créer une fleur centrale. La peinture est donc maintenant complètement sèche. J'utilise le sèche-cheveux pour accélérer le processus. Lorsque vous plissez les yeux sur la photo de référence, vous verrez qu' il y a une ombre, ça ne va pas être trop foncé, mais il y a une ombre, donc nous devons la peindre J'ai également préparé certains de ces tout petits papiers parce que je voudrais peut-être faire référence à des couleurs un peu plus riches que je mixe. Nous devons toujours commencer par une couleur que nous avons déjà. La fleur est donc la couleur des rôles. Nous allons donc commencer par une couleur rose, et je vais ajouter à cette couleur un peu de lavande. Cela nous donne donc cette sorte de couleur grise, mais je vais la désactiver avec un peu de vert Et nous aurons probablement une couleur qui sera meilleure, qui représentera plus précisément les zones d'ombre. Je pense que celui-ci sera encore plus léger. Ajoutons donc un peu plus de rouge. Oui, c'est ainsi que je recherche une couleur dérivée. Comparez-le avec la référence. Je vais donc utiliser ce pinceau si c'est le plus grand. D'après mes références, il y a une ombre ici. À l'heure actuelle, nous peignons à l'état humide sur sec. Surface si sèche. Et la zone d'ombre est là. À propos de. Au fur et à mesure que je me dirige vers le haut, nous ajoutons un peu plus d'eau, ce qui crée un dégradé. Et l'ajout d'une couleur rose un peu plus pure nous donne un peu de pop Et voici un dossier. Je vais donc uniquement peindre l'intérieur de cette pédale. Et nous ajouterons un peu de lavande aux endroits que je vois les plus sombres comme ici, ici et ici cette zone est maintenant humide Je vais ajouter un peu de vert parce que cette couleur continue, elle tend vers le vert ici aussi il y a un peu plus d'ombre. Cette zone. Je vais juste les intégrer à la zone. Alertez un tout petit peu les bords. Ces petites fleurs qui ont ces nervures, mais je ne veux pas qu'elles soient trop visibles. Donc, comme de la peinture très diluée et vous pouvez en faire certaines, juste un soupçon Vous pouvez les voir sur la photo de référence. Les lignes que nous aimerions voir comme vendeur m' aideront à tracer quelques lignes ici. Je continue de remarquer ces petites choses, mais elles ne sont pas trop détaillées. Ce ne sont que des suggestions de ce que je vois sur la photo. Maintenant, je veux continuer ici, alors je contourne très, très prudemment cette partie jaune. Il s'agit de la technique de peinture négative. Il y a plus d'ombre dans cette zone. Et avec cette peinture que j'ai sur mon pinceau, nous devons également diviser ces parties du centre. Le pétale suivant est celui où je vois une couleur rose un peu plus intense Mais ici, elle évolue vers l'amour Andrew, comme une couleur ténébreuse Je ne pense pas que nous en ayons besoin de plus. Il faut que je m'éloigne un peu. J'essaie toujours de m'éloigner de mes œuvres, puis de revenir et d' ajouter ce que je pense avoir oublié. Je pense donc que j' ai raté quelques conférences selon lesquelles le Lilly peut le faire avec ces pinceaux secs et leur donner une meilleure définition L'essentiel pour peindre cette fleur, c'est de ne pas perdre en peindre cette fleur, c'est de ne pas perdre légèreté car elle doit tout de même être très légère. Et cela arrive parfois si nous ajoutons trop de peinture. Fais donc attention à ça. Faisons ce pétale ici. L'ombre est un peu bizarre parce que je la vois ici. C'est un peu cassé, un peu comme ça Et je la vois ici, disparaître dans des rôles tels que cette couleur c'est Rosie, cette couleur est une ombre un peu plus froide, et ici aussi on l'appelle l'ombre Mais j'ai besoin d'adoucir un peu ces bords. Je vais juste faire quelques éclaboussures, des éclaboussures aléatoires de couleur orange parce que c'est ce que je vois Ce sont les parties les plus sombres du lis qui sont, encore une fois, plus foncées ici. C'est donc expressif lorsque vous le faites rapidement et que vous ne faites que le but, comme si vous ne vous intéressiez qu'au contraste, aux parties les plus importantes. Encore quelques lignes de ce type. Je pense qu'ici, dans ce coin, l' ombre doit être légèrement plus intense parce que lorsqu'elle sèche, comme maintenant, elle sèche un peu et je constate qu'il n'y a pas assez de contraste à cause de la couleur qui s'est estompée. Il faut faire attention et peut-être revenir sur certaines zones si nécessaire Ici, c'est juste que plus de contraste est soudainement nécessaire. Heureusement, vous pouvez toujours en ajouter. Le problème, c'est que lorsque vous découvrez que vous avez perdu la lumière, ce que vous ne pouvez pas vraiment réparer à l'aquarelle, elle est vraiment réparer à l'aquarelle, plus foncée et ici nous avons besoin de plus de vert Il y a du vert. Et puis c'est vert, pas comme une veine verte. Et ici, c'est à peu près Rosie. Parce que je ne vois pas à quoi ressemble ce contraste. Je vais prendre un sèche-cheveux et nous allons le dessiner très rapidement. Ensuite, je vais m' éloigner de l'œuvre et voir le contraste. Vérifiez le contraste. Je pense que nous allons dans la bonne direction. J'utilise donc juste une charnière du Payne's Grey. Je ne veux pas un ton complet comme le noir, mais j'ai besoin d'un ton plus foncé. Ce que je suis mitigé en ce moment, c'est quelque chose comme ça. Peut-être même plus c'est foncé, plus c'est rouge dedans, quelque chose comme ça. Et je vais l'utiliser pour créer les parties les plus sombres, comme lorsqu'une pédale touche l'autre, en dessous, il y a un rythme sombre qui définit cette pédale Alors faisons-le. Je vais juste faire un petit tour par ici. Avec de l'eau propre, nous devons dissoudre et contrôler le bord final qui doit être tranchant de ce côté, mais lisse de l'autre. Donc, le cœur noir ne va pas trop loin. Ça ne marche qu'un peu, un tout petit peu. Maintenant, nous pouvons clairement voir cette pédale un peu plus clairement qu'auparavant. Et cela nous aidera négativement à définir ces parties pour les faire ressortir un peu plus. Cette partie aussi. Je pense donc que lorsque je regarde de loin, maintenant que la fleur entière commence à montrer des contours plus nets. Je vais mélanger de l' orange parce que j'ai perdu l'orange ici et nous devons la peindre à nouveau. Je vais donc peindre ceci encore un peu ici , puis une partie très sombre ici, puis une partie très sombre comme s'adapter, en dessinant à partir de la photo de référence, la façon dont vous vous asseyez. Et celui-ci va être très sombre. Et maintenant, j'essaie même d' utiliser un peu cette technique du pinceau sec. Et ici, celui-ci brille. Je vais donc utiliser un peu plus de jaune dans le mélange, du rouge. Lorsque vous utilisez le jaune, il est plus clair que le vert. Du jaune, du vert ici. Et ce sera rouge vif. Je viens d'ajouter une rose plus permanente ici. J'ai eu l'impression que la couleur s'y est trop estompée. Et ici aussi, quand ça va sécher, ça va devenir plus pâle. Je ne veux pas perdre de couleur. Dans ces zones. J'ai l'impression que cette zone est également censée être rose vif. Je te promets que peu importe le temps que nous avons passé sur ces Lily, l'arrière-plan sera beaucoup plus facile. C'est donc le centre, le point central de notre peinture. Et nous devons vraiment y accorder plus d'attention qu'à d'autres domaines. Et encore un soupçon de rangées ici. Voici également une ombre. J'aimerais donc peindre l'ombre ici. Je vais utiliser un sèche-cheveux pour sécher, puis nous allons faire du Wet on Dry avec des pépites d'orange pour obtenir cette texture craquelée Et je pense que pour l'essentiel, nous en avons fini avec le centre. Et je vais juste utiliser mon doigt pour créer ces petites gouttes de peinture orange. Et ça, je pense que c'est cours sur Internet suffisant et nous allons terminer la deuxième couche ensemble. Je te verrai là-bas. 12. Deuxième couche - partie 2: Dans cette leçon, nous allons terminer la deuxième couche de notre peinture à l' aquarelle Faisons maintenant attention à d'autres zones du tableau, comme ici et reposons-nous. Je vais commencer par l'autre Lily que nous sommes censés observer de côté. Je vais donc juste ajouter un peu plus de couleur très claire aux rôles et nous allons simplement faire ces petits plis. C'est juste Wet on Dry, en gros du dessin. Et il y a comme d'autres couleurs de rôles dans certaines parties de cette pédale. Je vais donc simplement y ajouter cette couleur. Et là, je ne fais qu' adoucir les choses. C'est tout ce dont la pédale a besoin. Il s'agit d'un pli plus léger, et ce n'est pas notre point central. Cette pièce doit vraiment être lâche. Cette partie de la fleur est plus jaune. Ici. Je vois plus de jaune, un peu de jaune, de vert. Je vais donc y aller de quelques coups. Et attention à ces bords. Comme si nous ne voulions pas trop d'arêtes. Cette tige va être d'un vert plus foncé. Et c'est tout ce dont nous avons besoin pour peindre. Vraiment, pas trop moi, je vais ajouter plus d'orange à cette partie. Puisque nous en éditons déjà certains au centre. Ensuite, nous avons une partie verte, une feuille verte ici, peut ajouter plus de peinture et plus de jaune ici. Elle est plutôt de couleur orangée et plus définie que la tige. Rien de plus que cela ne sert à rafraîchir la couleur. Il y a quelques parties bleues, mais je vais juste ajouter des touches de bleu. Prenez un peu de ce bleu, et nous verrons s'il serait bon d'ajouter certaines des parties les plus sombres en tant que deuxième couche à ces fleurs bleues. Mais pour résumer, pas pour tous. Je pense que cela rend ce formulaire un peu plus lisible. Pas pour toutes les filles. Il y aura un fond sombre dans ces zones et nous les perdrons si elles sont trop sombres. Nous avons donc une forme secondaire ici et voici les formes médianes. Nous devons y prêter attention. Et nous allons commencer par le vert. Je vais mouiller cette forme en entier. Et je dois ajouter plus de Love Vendor. Et voilà, donnez-lui un peu d'ombre. L'ombre peut être teintée de rose. Il peut s'agir de lavande mélangée couleur si rose parce qu'elles sont essentiellement disposées à côté du lis que la couleur de l'encre se reflète Mais alors j'ai vraiment besoin de vert foncé pour les migraines. J'ai mélangé le gris de Payne pour pouvoir peindre ici, cette partie centrale sombre Et puis autour de lui, il faut que ce soit plus jaune ici. Et puis, avec un pinceau plus petit, de couleur bleue, je mélange Love Vendor avec mon bleu et des migraines, ces toutes petites références qui donnent une définition Et c'est un peu le détail que nous aimerions inclure, je vais le dessiner ici. Maintenant, nous allons faire celle qui se trouve en dessous de cette Lily. Voici un peu de ce battement jaune et vert de la largeur du vendeur d'amour ci-dessous. Ici. Ici, nous voulons peindre en négatif autour du centre. Et maintenant, ces références, quelles qu'elles soient, sont plus sombres parce qu'elles sont à peine visibles Mais maintenant, le centre, le centre sera vraiment sombre. Je vais donc utiliser plus de Payne's Grey. Je vais peindre le centre sombre. Et maintenant, avec du vert, avec un peu de vert, je vais peindre ces petits triangles qui vont vers l'extérieur C'est ainsi que je le vois sur la référence. C'est ainsi que j' interprète cette forme. Une ombre plus foncée ici. J'aime bien cette couleur bleu lavande. Je vais donc l'utiliser même ici dans les zones d'ombre. Je pense que ça ira bien sur un fond sombre. Nous sommes sur le point de finaliser ces peintures, même si elles n'en ont pas l' air Mais dans quelques instants, lorsque nous ajouterons les Dark les plus sombres, vous verrez comment tout se Alors, attendez. Je viens de le décider, même si les écrans deviennent un peu ennuyeux. J'ai donc remarqué que je pouvais remplacer le mélange de lavande dans certaines parties de la peinture ou les verts, ce qui créerait plus de variété. J'ai perdu ces greens à certains endroits, dans des zones où les greens sont perdus. Donc, pour créer d' autres greens, vous avez l'impression de les avoir perdus, vous pouvez les réinscrire. Ici, j'ai eu l'impression que la somme des tiges se rapproche encore plus du jaune que du vert réel. Donc je l'utilise maintenant pour tout reconduire. Et je te verrai dans la prochaine leçon. Et dans cette leçon, nous ajouterons les Dark les plus sombres et relierons le tout ensemble . Je te verrai là-bas. 13. Les ombres les plus sombres et les touches finales: Dans cette leçon, nous allons tout relier entre eux. Nous allons ajouter les parties les plus sombres de notre peinture et, espérons-le, terminer ces 0. Alors commençons. Tout d'abord, je dois déterminer la couleur que nous voulons utiliser. Je ne veux pas qu'ils soient noirs comme sur l'étude des couleurs, mais plutôt du vert pollution, ce serait génial. Ou une couleur foncée qui ressemble plus un Thompson bleuté pour mélanger un peu, comme j'ai des verts ici Alors peut-être que nous aimerions utiliser ces légumes verts. J'aime travailler avec ce que j'ai déjà sur ma palette. Et un peu plus de bleu outremer dans le mélange, plus d'eau également avec plus de cette couleur violette Au fait, ce violet foncé n'est pas du combat, donc, oh, oui, ça pourrait vraiment marcher. Payne est gris. Nous allons l'assombrir davantage et ça a l'air bien Je pense que c'est essentiellement à moi de passer au vert foncé. Notre objectif, le violet foncé, je pense que nous allons l'utiliser comme du violet foncé. Je pense que ça ira. Je vais donc utiliser le plus gros pinceau. Peut-être que nous allons commencer ici. Il y avait de la peinture foncée ici, un peu plus. Ici. Vous aurez probablement besoin de changer de brosse, vous pouvez même raccourcir cette pagaie comme ça. Il va y avoir des morceaux de vert. Et ici, je ne fais qu'ajouter de l'eau, comme de l'eau propre. Parce que je ne veux pas que ce triangle soit entièrement noir. Il peut encore y avoir des notes de couleur, mais maintenant notre lis est joliment encadré de ce côté. Passons donc à Explorer. Et nous devrons certainement mieux l'encadrer ici. Comme ici. Nous séparons la flaque d'eau de cette forme centrale. Et ici je vais ajouter le vert. Voici le vert. C'est la peinture négative que j'ai mentionnée et que nous avons déjà pratiquée dans la leçon précédente. Et là, j'ai envie de peindre comme ça. Ce sont les touches de rouge que je voulais inclure. Je vais donc peindre avec eux. Peut-être qu'il suffit d'ajouter un peu plus de rouge foncé pour lui donner certaine forme, car ce rouge peut sembler un peu plus plat. Alors voilà, faites attention aux tiges car nous voulons préserver ces tiges et je vais peindre autour d'elles ici. Ici. Essentiellement, même cette partie fait vraiment ressortir ces petites fleurs bleues. Je vais essayer de contourner ça. Et ici, je peux utiliser l'arroseur pour créer des bords souples et laisser cette couleur s'estomper. Nous n'avons pas besoin d'avoir des Dark partout. Nous ne pouvons l'utiliser que de manière stratégique pour encadrer certaines parties du tableau. D'autres peuvent être laissés comme ça. J'aime bien l'effet saignant. Nous n'avons pas terminé parce que, de ce côté-ci, nous devons encore travailler. Alors ici, ici, le rouge foncé. Juste en l'ajoutant d'un côté pour montrer un peu le forum, je vais ajouter un soupçon de vert. Et là, j'ai l'impression que la peinture est un peu trop épaisse, alors je vais en enlever une partie et nous la laisserons s'écouler J'aime bien cet effet. Ça commence à être vraiment beau, intéressant. Peut-être, puisque c'était un peu plus clair que ce que je pensais, cela va ajouter quelques notes de plus, quelques zones plus sombres. Juste pour souligner le décentrement. Cela va avoir à voir avec la couleur foncée, encore une fois, le violet foncé que nous avons mélangé. Encadrez, quelques parties supplémentaires de ce tableau, comme ici. Par exemple. Enlevez l'excès d'eau ici. Peut-être que nous allons même les conduire pour faire passer la planche de l' autre côté et la laisser saigner vers l'autre côté Je vais donc me procurer un sèche-cheveux et nous allons le faire très rapidement. Cette pièce est donc sèche maintenant, mais ce ne serait pas nécessaire, mais je voudrais laisser la peinture dans une direction différente maintenant pour plus de sécurité Alors maintenant je vais jouer un peu avec ça. Je vais à nouveau récupérer la peinture foncée sur mon pinceau. Et nous allons en quelque sorte contourner cet espace comme ici. Nous voulons encadrer la partie supérieure. Il n'est pas nécessaire qu'il y ait un contraste total , car nous pouvons diluer légèrement la peinture. J'aimerais laisser un peu plus d'espace à cet enlisement. Ici. Je peux également encadrer cela ici. N'oubliez pas celui-ci. Ici. Peut-être utiliserons-nous du vert dans ces zones. OK, c'est beau de voir comment la peinture saigne. Elle créera la sienne. Il faut juste travailler sur le contraste. Nous nous battons donc à nouveau pour ce contraste. lumière des bougies, la technique du pinceau sec dans ces zones parce qu'elle me donne un plus beau rendu Ensuite, s'il ne s'agit que d'une découpe de la silhouette de cette fleur, elle ne fait que l' encadrer plus joliment Et dans ce domaine, j'adore vraiment la texture. Je ne veux pas le détruire. Je vais juste travailler très prudemment. Ici. Nous devons utiliser la peinture la plus foncée. Encore une fois. Voyez comment Lily coupe et crée un magnifique contraste autour de celle-ci. Et voici ce dont vous avez juste besoin. Et là, j'aimerais utiliser l'arroseur pour me débarrasser des bords trop durs. Nous avons donc besoin d'arêtes précises ici. Et vous pouvez voir comment cela fonctionne. Deux, en plus, l'essence de cette fleur centrale. Mais dans ces domaines, nous ne voulons pas le même contraste. Sinon, la peinture ne sera pas claire quant à la partie qui a été notre principal objectif ici. Le rouge était un peu trop fort. Et dans ce domaine, j' aimerais y ajouter un peu trop de détails. Et je ressens la même chose à propos d'un autre domaine. Celui-là. Je pense que c'est un peu plus clair. Utiliser l'arroseur dans ces zones pour la même raison : éliminer les bords trop rugueux. Je voulais juste adoucir un peu ce bord. Et là aussi, je trouve que c'est trop dur. Cela semble plus naturel. Je vais les sécher maintenant car il est parfois dangereux de les laisser sécher tout seuls. Ce que j'aime comme ça, préservons ce berger nous aidera J'ai donc tout essayé et je veux maintenant aborder certaines des touches finales qui, selon moi, manqueraient à ce tableau. Et comme la couleur verte que j'ai ici est un peu opaque, elle peut fonctionner un peu avec du LEA opaque. Je pense que cela me permettra d'ajouter quelques détails supplémentaires comme ici et là. Par exemple ici, peinture humide sur sèche. Quelques autres ici. Et ces tiges et comme de minuscules parties de la fleur verdâtres, plus claires, nous devrions pouvoir les dessiner, leur donner quelques touches de couleur ici et là Quelque chose qui serait beau ? Fais-les. Ici, j'ajoute simplement la texture sèche du pinceau, le vert clair. Mais lorsque vous utilisez la technique du pinceau sec, vous pouvez ajouter des touches de couleur qui feront ressortir un peu l'ensemble de la forme. Vous pouvez utiliser de l'eau pour diluer certaines parties. Si je n'aime pas, l'effet final ne fonctionne pas toujours à 100 %. Parfois, j'aime masquer l'autre côté et ressentir davantage. Juste des papas. Encore quelques notes de jaune. Puisque nous avons ajouté des notes de vert, j'aimerais également ajouter des notes de bleu. Je vais donc mélanger le type de règle que nous voulions utiliser. Il s'agit du bleu outremer avec des notes de violet pour le rendre plus chaud Et je pense qu'il nous manque encore quelques parties. Nous avons donc perdu des commandes plus nettes, ce qui n'est pas si mal, mais rien qu'à entendre, c'est bien d'en avoir Maintenant j'aimerais que tu vives mieux. Il suffit donc de procéder à ces toutes petites corrections pour voir ce qui pourrait fonctionner. Il s'agit toujours d'essais et d'erreurs. Ce n'est pas comme si vous ne pouviez pas être sûr que ce que vous faites ne fonctionnera pas. Mais la créativité, c'est aussi l'exploration. Ainsi, plus vous explorerez, plus vous acquerrez de l'expérience, plus vous saurez intuitivement ce que nous allons travailler dans vos futures peintures Je ne veux utiliser aucun droit, mais autre chose, je voudrais ajouter d'autres espaces négatifs, certains, encore une fois en mélangeant de la peinture foncée entre certaines de ces tiges. J'ai beaucoup aimé cet effet. C'est comme délavé. Il y a de la lumière qui passe et comme elle est douce. Tout cela est très beau. Mais je dois juste découper quelques zones supplémentaires entre ces timbres. Et peignez en noir entre les tiges les plus grandes pour faire ressortir les timbres un peu plus Je ne sais pas si cela ne détruira pas la lumière qui entoure le tableau. Mais j'ai juste envie d'explorer cela. Parfois, il vaut mieux arrêter. Et parfois, je suis prête à risquer la destruction du tableau pour découvrir de nouvelles méthodes. N'ayez donc pas peur d' expérimenter car vous pourrez réellement développer votre technique et la rendre originale en prenant ces risques et en expérimentant davantage Parfois, il faut un tableau cassé, comme parfois vous le détruisez en cours de route et vous ne pouvez pas le regretter. Si vous le faites, vous apprenez quelque chose de nouveau, quelque chose d'inestimable lorsque vous avez peur de prendre des risques, c' est-à-dire lorsque vous ne découvrirez jamais de nouvelles voies. Donc tu ne devrais pas t' inquiéter à ce sujet. J'arrête maintenant. Je veux faire sécher ça. Nous allons retirer le ruban ensemble. Je sais que j'ai dit que nous allions retirer la cassette, mais je voulais juste faire une dernière chose. Il s'agit de faire certaines de ces éclaboussures de bleu dans ces zones parce que j'aime vraiment façon dont cela ajoute un intérêt visuel supplémentaire Et parfois, quelques zones peuvent faire tourner une petite poupée lorsque vous optez pour une approche mouillée dans humide. Je pense donc que les éclaboussures sont un excellent moyen d'enrichir car elles ajouteront cette perte d'intérêt. Immédiatement, même les plus légères, je ne sais pas si cela va durer Elle est sèche. Si ça doit être aussi clair, mais c'est tout. C'est tout Je vais sécher. Et nous retirons maintenant le ruban adhésif pour révéler les bords, ce qui encadrera très bien la pièce Nous allons maintenant effacer ces bribes de croquis que nous avions sous le ruban. Pas beaucoup. Et ce qui manque, c'est la signature, alors je vais prendre un peu de peinture avec mon pinceau. Voici donc la dernière pièce, la dernière devant nous. Comme je travaille avec des blocs d'aquarelle, il y a généralement qu' un seul côté du papier détaché Je dois donc découper le papier du bloc. Et voilà mon tableau. Je peux poursuivre une autre étude. Et voici le produit final. Nous avons encore une leçon à tirer. Et dans la leçon, je vais vous montrer comment prendre une photo rapide de votre œuvre d'art, jouer un peu avec les réglages pour découvrir quelles parties vous auriez pu peindre un peu mieux. Nous allons réfléchir à l'ensemble du processus. Alors je te verrai là-bas. 14. Réfléchir: Dans cette leçon, nous allons prendre une photo rapide de ces peintures finales et nous l'ajouterons, un peu avec notre téléphone pour éventuellement tirer des leçons des erreurs que nous avons pu faire pendant le processus de peinture. Je ne suis pas content à 100 % de cette pièce. Il est difficile de revenir sur un procédé d'aquarelle lorsqu'on perd de la lumière Je pense que c'est l' erreur que j'ai commise ici. J'ai perdu un peu plus de lumière que je ne voulais pour préserver certaines zones, comme ici Mon Sketch en couleur d'origine ressemblait un peu plus à une pincée de lumière ici et à de la lumière saupoudrée ici C'est donc une chose à laquelle je dois vraiment être attentive et je vais passer à l'article suivant. Nous ne pouvons donc pas essayer d' apporter beaucoup de corrections à la pièce elle-même. Mais ce que nous pouvons faire, c'est prendre une photo et vérifier avec notre téléphone si les paramètres nous permettent baisser ou d'augmenter le contraste et de jouer un peu avec ceux-ci. Je vais donc juste prendre une photo rapide avec mon téléphone. Et maintenant, j'ai une photo de l'œuvre d'art. Je vais juste recadrer la photo. Je veux surtout ne pas avoir les bords blancs, mais juste y peindre de l'art de la peinture. Il est intéressant de voir votre peinture sur un téléphone car elle est beaucoup plus petite Il est donc plus facile de l'évaluer en termes de valeurs tonales Je peux donc dire que ce que j'aime, ce sont ces effets hémorragiques. Et j'ai beaucoup aimé les couleurs, la façon dont elles se répartissent sur le tableau, mais j'ai perdu de la lumière. Je dois accéder à mes paramètres et je veux essayer de jouer un peu avec eux pour ajouter plus de lumière. Ce réglage me permettra de foncer dans les tons foncés ou de pousser les tons foncés vers les tons moyens. C'est pour faire correspondre un peu plus de ces tons foncés que l'on pourrait pousser vers les tons moyens, et maintenant la peinture semble un peu plus équilibrée C'est la lumière. Ajoutons plus de lumière. Par exemple, lorsque nous en ajoutons trop, vous voyez ce qui se passe. Nous devons ajouter un peu de lumière pour que la peinture brille encore plus. C'est un autre réglage qui m'aidera à jouer avec les tons sombres les plus foncés et à les pousser légèrement vers les tons moyens s'agit de réglages de contraste, nous pouvons donc jouer avec eux pour voir ce qui est possible C'est une sorte d'exploration qui vous apprend beaucoup de choses. Cela ne prend que quelques secondes ou minutes pour les parcourir. Peut-être faites quelques copies numériques de votre peinture avec différentes valeurs tonales et vous verrez ce qui vous intéresse le plus visuellement La prochaine fois que tu vas peindre, tu voudras évidemment y réfléchir. Mais ce type de réflexion est devenu une part importante de mon processus de peinture et je crois que cela a vraiment aidé mes peintures à se démarquer davantage. Une autre chose que je veux vous montrer, c'est quel point il peut être utilisé. Un filtre noir et blanc, il peut vous montrer et vous pouvez le comparer à votre valeur Sketch. Comment sont réparties vos valeurs tout au long de la pièce ? Et je sais que c'est si mauvais que ça, je trouve que c' est assez équilibré. J'aime beaucoup les tons clairs, la touche foncée ici. Il est vraiment très beau en noir et blanc. C'est donc un encouragement, car je ne changerais pas grand-chose dans cet article en ce qui concerne les valeurs, j'étais sur la bonne voie. Ce que je dois faire, c' est simplement conserver un peu plus de lumière et papier blanc la prochaine fois que je peindrai C'est l'ensemble du processus que j'ai l'habitude de suivre lorsque je peins spontanément à partir d'une référence que j'ai moi-même créée dans mon atelier 15. Réflexions finales: Félicitations, vous avez réussi jusqu'à la fin de ce cours. J'espère que vous avez pu apprendre quelque chose de nouveau et vous avez également trouvé l'inspiration pour vos futurs travaux. Avant de vous dire au revoir, je vous encourage à prendre une photo de votre projet de classe et à la télécharger ci-dessous. Vous pouvez également écrire quelques mots sur votre propre usine de traitement et sur votre propre expérience. Je me ferai un plaisir d'y jeter un coup d'œil et de vous faire part de mes commentaires. Je sais que cela peut être effrayant de montrer son travail aux autres, mais cela peut faire beaucoup pour la communauté, encourageant d'autres étudiants à partager leur travail et à obtenir davantage de commentaires. Vous pouvez également me suivre ici sur Skillshare et être averti lorsque je télécharge un nouveau cours Vous pouvez également me suivre sur Instagram ou YouTube pour voir sur quoi je travaille actuellement. Et je vous verrai très bientôt dans mon prochain cours, je l'espère.