Fleurs sauvages à l'aquarelle et à l'encre : l'introduction à l'esquisse botanique

1. Introduction: Bonjour, je suis Julia, illustratrice et dessinatrice de terrain. Dans ce cours, je vais vous montrer comment capturer la beauté des fleurs sauvages et votre carnet de croquis. Les fleurs sont des sujets magnifiques et faciles que l' on peut trouver tout autour de vous. croquis botaniques sont une merveilleuse façon de s' inspirer de leurs couleurs et de leurs formes étonnantes. Nous allons examiner les bases du dessin et comment dessiner toutes sortes de fleurs sauvages uniques rapidement et facilement. Nous explorerons une variété de techniques de dessin et de peinture amusantes , notamment l'aquarelle et l'encre. Apprenez à mélanger les couleurs et à ajouter des ombres et des touches finales à des croquis floraux. Je partagerai des conseils pratiques tirés de mon propre domaine botanique, dessinant des gouttes, et je vous montrerai ce qui a le mieux fonctionné pour moi sur le terrain. Je dois vous apprendre comment vous pouvez faire en sorte que vos croquis restent souples mais précis. Vous pouvez choisir si vous préférez faire vos croquis à la maison ou si vous voulez essayer l'esquisse sur le terrain, ce que je recommande absolument. C'est un cours bien adapté aux débutants qui souhaitent développer leurs compétences en dessin, ainsi qu'aux artistes plus expérimentés qui souhaitent explorer le dessin de fleurs en particulier, vous aurez besoin d' un Sketching Kid était composé d'outils de dessin et de peinture, d'une petite sélection de crayons, stylos, d'encres et d'une petite palette d' aquarelles. Bien sûr, un carnet de croquis. J'espère que vous vous joindrez à moi pour ce cours afin d'explorer le monde du croquis botanique et d' apprendre à dessiner des fleurs sauvages. Alors allons-y. 2. Les outils dont vous aurez besoin: Jetons un coup d' œil aux outils que j'utiliserai pour ce cours et dont vous aurez besoin ici. Bien sûr, vous aurez besoin de quelque chose pour dessiner. J' apporterais un carnet de croquis ou une sorte de bloc-notes à dessin. J'aime utiliser du papier 100 % coton et mes carnets de croquis, et je préfère du papier pressé à chaud. Cela présente l'avantage de pouvoir faire très bonnes couches d'aquarelles. Et le papier pressé à chaud vous permettra de faire très beaux dessins au crayon et de vous ajouter de très beaux détails. Cela dit, tout carnet de croquis qui fonctionnera aquarelle, à l' encre et aux couches sera parfait si vous êtes habitué à un autre type de papier, peut-être du papier pressé à froid, alors utilisez-le absolument. Et si vous avez un carnet de croquis vide qui traîne, essayez simplement. Si vous pouvez le faire fonctionner pour ce type de croquis. Alors jetons un coup d' œil à cette pochette. C'est donc ce que j' apporte réellement à mes séances de croquis sur le terrain. Et je l'aime parce qu' il est très compact et que je peux voir tous les outils que j'ai emportés avec moi . Je peux donc simplement saisir et l'utiliser , puis le ranger à nouveau. Oui, commençons par les crayons. J'utilise donc des crayons mécaniques. Ils sont parfaits car ils sont livrés avec une gomme intégrée et vous n'avez pas à les aiguiser. Il vous suffit donc d'appuyer sur le dos plusieurs fois et vous êtes prêt à commencer et à dessiner. Vous pouvez bien sûr utiliser n'importe quel type de crayon avec lequel vous aimez travailler. Parfois, un crayon est tout ce dont vous aurez besoin. Donc, parfois, si vous ne faites qu'un croquis rapide, vous pouvez utiliser le crayon ou un seul crayon de couleur. Et en parlant de crayons de couleur. J'ai donc un assortiment de crayons de couleurs différentes avec moi. Quand je fais des croquis. Ils sont parfaits pour travailler en déplacement. Vous pouvez tout simplement dessiner des ions avec eux. Ajoutez donc de la couleur ou ajoutez un peu de détail et de texture. J'aime travailler avec ces différents médiums, en les combinant à l'aquarelle. Vous n'êtes pas obligé d'avoir une certaine sélection de couleurs pour cette classe. Apportez simplement ce que vous avez ou ce que vous pourriez trouver intéressant en tant que couleurs. Je recommande d'avoir quelques verts, puis peut-être quelques bleus, roses et violets intéressants. Ce sont probablement les couleurs dont vous aurez le plus besoin pour les fleurs sauvages ou les croquis floraux généraux. J'aime aussi les échanger de temps en temps. Peut-être quand les saisons changent. Ensuite, je vais regarder dans cette pochette et me dire quelles sont les couleurs dont j'aurais peut-être besoin quatre pour la saison prochaine. Voici ma palette d'aquarelles. Si vous avez déjà suivi l'un de mes cours, vous connaissez probablement cette petite palette. Je tiens une liste à jour des couleurs exactes que j'utilise pour cette pastille sur mon blog. Si cela vous intéresse, vous pouvez utiliser n'importe quel type de palette de base que vous pouvez vous procurer dans un magasin de fournitures artistiques ou tout type de palette bien équilibrée. Vous devriez donc avoir quelques tons jaunes , rouges, bleus et terreux et peut-être quelques verts. Donc, une palette complète qui vous permet de mélanger une grande variété de couleurs. Et, euh, oui, pour ce qui est de la taille, je préfère vraiment les petites pastilles, surtout quand je fais des croquis sur le terrain, mais aussi en studio. J'aime donc garder ma palette petite et portable. Et c'est essentiellement tout ce dont j'ai besoin. Ensuite, une sorte de peinture REG vous sera également utile. essuie-tout Parlons ensuite des pinceaux. Ils sont probablement beaucoup trop nombreux. Vous n'avez pas besoin d'autant de pinceaux pour ce cours. Je dirais au moins deux pinceaux, un plus grand et un plus petit. J'aime donc peindre beaucoup de détails dans mes croquis de fleurs sauvages. J'ai beaucoup de ces pinceaux très petits et fins qui me permettent d'ajouter ces détails. Mais oui, vous pouvez certainement vous en sortir avec un pinceau plus grand, peut-être un quatre ou six. Et puis nous avons ceci, peut-être que le plus petit est haut, c'est un ou deux. Cela fera une bonne paire pour plupart des croquis que nous faisons. Mais lorsque je fais des croquis sur le terrain, j'aime apporter une variété de pinceaux, donc peut-être un pinceau rond encore plus grand et aussi un pinceau plat pour ces différents types de marques que vous pouvez avoir dans ton carnet de croquis. Et voici un mélange pinceaux synthétiques et de pinceaux en sable. Encore une fois, apportez à ce cours ce que vous avez l'habitude d'utiliser, ce que vous aimez utiliser. Vous n'êtes pas obligé d'acheter de nouveaux pinceaux pour ce cours. Sauf que si vous n'avez pas ce genre de détails, un petit pinceau, alors apportez un pinceau de taille 1 ou de taille zéro à la classe. OK, pour passer à l'étape suivante, j'aime utiliser différentes encres dans les stylos à plume et dans mon carnet de croquis. Et ce, pour des raisons purement pratiques. J'aime donc beaucoup l' aspect des contours encrés. Vois si on peut en trouver ici. Et moi, comme j'aime travailler à l'aquarelle, j'ai besoin que les contours soient imperméables. Et comme j'aime beaucoup la qualité de la gamme, la qualité des stylos à plume, j'ai trouvé des encres imperméables qui peuvent être utilisées dans les stylos à plume. Donc, si vous ne voulez pas investir dans ces encres et dans des stylos-plumes, vous n'avez pas à le faire, vous pouvez simplement emporter n'importe quel crayon fin imperméable. Si vous voulez essayer cette technique, vous n'avez pas besoin d'utiliser de feutres fins colorés. Si ce n'est pas votre truc, vous pouvez également utiliser simplement un crayon à pigment noir ou un crayon fin que vous avez autour de vous. Et généralement, s'il contient quelque chose avec des pigments, il doit être imperméable et vous pouvez le recouvrir à l'aquarelle. Vous n'avez pas à investir d' énormes sommes d'argent dans ce genre de choses spéciales qui entrent dans la fabrication de stylos à plume qui seront imperméables plus tard. Mais oui, c'est quelque chose que je vais montrer dans ce cours et que je trouve vraiment intéressant à expérimenter. Si c'est quelque chose que vous voulez explorer, c'est génial. Si ce n'est pas le cas, vous pouvez tout à fait utiliser un crayon fin coloré ou noir pour cette classe. Et ce sont essentiellement tous les outils dont vous aurez besoin. Si vous voulez faire des croquis sur le terrain, vous aurez bien sûr une sorte de réservoir d'eau et quelque chose à transporter, quelque chose sur lequel vous asseoir. Mais j'y reviendrai dans une leçon supplémentaire plus tard, si vous êtes vraiment intéressé par l'esquisse de champs, et sinon, vous pouvez faire tous ces exercices en studio à la maison, où c'est agréable et douillet. 3. Pourquoi esquisser botanique + exemples: Discutons un instant de la raison pour laquelle vous dessinez des fleurs. Pourquoi ai-je suivi ce cours ? Qu'y a-t-il d'intéressant dans les études botaniques ? Je trouve donc des croquis botaniques ou des fleurs sauvages. Dessiner ou peindre des fleurs est un excellent moyen d'en apprendre davantage sur la diversité de la flore locale. Et les fleurs sont des sujets magnifiques et très faciles. Ils ne s'enfuient pas, ils attendent que tu sois peint. Et vous pouvez trouver une variété incroyable et les plus petites zones. Les fleurs sont donc vraiment accessibles partout. Ce sont des sujets très patients ils sont magnifiques et magnifiques. Et vous n'avez même pas besoin d'aller sur le terrain pour dessiner des fleurs, car les plantes et les fleurs sont partout. Cela pourrait donc être un parc local. Cela pourrait être votre balcon, peut-être le coin de votre rue. Les plantes et les fleurs poussent vraiment partout. Exploration des fleurs sauvages. Je trouve que c'est intéressant en soi, on peut en apprendre davantage sur les familles de plantes ou apprendre à identifier les fleurs sur le terrain. Vous pouvez également revenir dans une zone et suivre la croissance d' une espèce ou étudier comment ses couleurs changent au fil du temps et, une fois la période de floraison terminée, vous pouvez toujours découvrir des formes fascinantes de la mer des ports ou des capitules fanés qui ont également une beauté complexe. Et il y a aussi ça. Si vous regardez les mauvaises herbes et les herbes, elles ont presque cette qualité calligraphique. Je pense que dessiner des fleurs sauvages est généralement une activité merveilleuse qui ne s'ennuie jamais. Et j'ai appris tellement de choses sur botanique et la flore grâce à mes activités de dessin au fil des ans, que je peux vraiment les recommander à tout le monde. Comme vous pouvez le voir ici, vous n'avez pas à vous arrêter de dessiner les fleurs elles-mêmes. Vous pouvez également inclure la faune, comme les papillons ou les coléoptères, et tout ce que vous pouvez voir à l'extérieur. Vous pouvez également inclure des paysages, mais oui, c'est vraiment le sujet de ce cours. Je veux me concentrer sur les fleurs parce que, comme je l'ai dit, ce sont des sujets très intéressants et faciles. Et vous pouvez toujours vous diversifier à partir de là et explorer d'autres aspects de la nature de cette façon. Laissez-moi vous montrer quelques exemples. Vous avez déjà vu ces pages ici. C'est ainsi que j'aime travailler. Je choisis simplement un sujet, puis je l'ajoute, en incluant toutes sortes d'autres aspects dans mes carnets de croquis. Voyons ce que nous avons d'autre ici. Il peut bien entendu s'agir de techniques différentes. J'aime donc combiner des techniques comme ces traits de crayon très légers avec aquarelle, puis parfois avec un crayon de couleur. Cela peut vous donner une approche multimédia vraiment intéressante. Encore une fois, un travail au crayon très léger et fin que je trouve vraiment approprié pour ces fleurs printanières très délicates. Il a beaucoup d'aquarelles. Vous pouvez voir ici un exemple de la technique que j'ai mentionnée dans la section des outils où j'utilise des encres de couleur pour le contour et pour certains détails. Et cela vous donnera un travail de ligne très défini et net. Cela a donc presque ce type de qualité graphique. Et j'ai beaucoup aimé ça sur, dans les croquis de terrain. C'est quelque chose que j'ai beaucoup expérimenté et que j'aimerais aussi que vous essayiez quelques uns. Jetons un autre coup d'œil ici. Encore une fois, c'est un crayon et une aquarelle sur le dessus. Pour moi, ces études botaniques sont souvent des études préliminaires que je fais auparavant. Je dois créer une illustration plus détaillée, peut-être pour le travail du client ou pour des projets personnels. Et oui, ça m'aide. Il m'est très utile de comprendre la structure, les couleurs et la disposition des fleurs, mode de croissance caractéristique et la forme des feuilles. Et parfois, il peut être utile d'inclure la farine et deux petits paysages ou dans les environs. Et récemment, j'ai fait un grand nombre de ces croquis dans lesquels j'inclus un peu de l'environnement l'habitat dans le croquis. Et je trouve que c' est une façon très intéressante et magnifique d'inclure un peu d'environnement, un peu de paysage et montrer où pousse réellement la fleur. C'est donc une autre possibilité. Et bien sûr, vous pouvez également dessiner ces études botaniques classiques dans lesquelles vous montrez d' abord la fleur entière , puis vous concentrer sur différents aspects de la fleur et peut-être l'agrandir un peu mordez puis montrez, démontez et montrez le fonctionnement interne de la fleur. Et si vous continuez à observer un spécimen, une fleur sauvage, vous pouvez même y revenir plus tard, puis l' ajouter à différents stades de son cycle de vie. Alors peut-être que lorsqu'elle est flétrie, lorsqu'elle a des gousses, c'est toujours très intéressant et comme vous pouvez le constater, j'ai ajouté de nombreuses notes que j' ai recherchées ou que j'ai observées à propos de la fleur. Cela fait vraiment une différence pour moi. J'ai découvert que je pouvais identifier plus de fleurs dans le champ et que je suis devenu un meilleur jardinier en faisant cela. Et c'est aussi très amusant pour moi de vraiment me renseigner sur ces différents types de fleurs et d' en apprendre davantage sur la nature de cette façon. 4. Comment dessiner des fleurs : des formes de base: J'aimerais vous montrer une technique de dessin de base qui vous facilitera la vie lorsque vous essayez de dessiner des fleurs. Il peut donc être utile d' utiliser cette construction aborder et décrire la fleur à travers la forme géométrique la plus proche. Et c'est l'approche de construction. Très souvent, lorsque vous dessinez des fleurs, vous aurez des formes rondes. Très souvent, vous pouvez décrire la fleur par un cercle ou une ellipse. D'autres fois, vous pouvez utiliser ce cône. Eh bien, c'est le cône et voici le tube. Ces formes géométriques de base peuvent donc être utilisées pour décrire essentiellement tout ce que vous voyez. Vous pouvez ainsi décomposer des formes complexes comme celle-ci en formes géométriques plus faciles à voir. Et cela peut être utile pour tous les sujets de dessin. Voyons donc comment nous pouvons l' utiliser avec des fleurs. Très souvent, les fleurs des formes rondes et peuvent être décrites par un cercle ou une ellipse. Et je vais vous en montrer un exemple rapide. Donc, voici en fait les mêmes fleurs, de mon jardin. Et vous pouvez voir si vous le regardez d'en haut, alors vous avez ces belles formes rondes. Et lorsque vous commencez à le tourner, vous pouvez décrire le bord extérieur des pétales sous une forme elliptique. J'espère que vous pouvez le voir devant le fond blanc. Peut-être que je vais juste le garder ici. Encore une fois, vous voyez, si vous le regardez droit au-dessus, il formera plus ou moins un cercle. Si tu commences à l'éteindre. Si vous le regardez de côté, ces formes extérieures seront plus aplaties. cercle aplati peut être décrit par une ellipse. Et cela se reflète dans ce dessin. J'ai même certaines des lignes lumineuses ici. Je ne suis pas sûr que vous puissiez les voir qui montrent l'ellipse. Ensuite, j'ai en quelque sorte fait et mesuré ces empreintes et décrit les pétales. Vous pouvez l'utiliser en dessinant votre ellipse ou votre cercle, puis en comptant les pétales et en séparant votre cercle en segments. Et si vous dessinez ces lignes très légèrement ou dans une autre couleur, vous obtiendrez un bon cadre pour votre dessin. Il en va de même pour ces drapeaux ici. Encore une fois, vous avez une forme ronde, vous avez cinq pétales. Donc, si vous regardez cela légèrement de côté, vous pouvez dessiner votre ellipse autour de celle-ci, puis segmenter votre ellipse en cinq segments pour les pétales, trouver le point central, qui C'est aussi un point toujours important, car tous les pétales poussent en quelque sorte hors du centre. Ensuite, vous pouvez ajouter les formes individuelles des pétales dans votre dessin. C'est une approche vraiment très utile pour de nombreuses formes de fleurs. Et en fait, essayons-le dès maintenant. 5. Flax 1 : esquisser des fleurs rondes: J'aimerais donc vous montrer dans cette démonstration comment j'utilise l'approche constructionniste dans une simple fleur ronde. Et j'ai choisi ce drapeau non seulement parce que c'est une très belle fleur, mais aussi parce qu' il a une forme simple et je trouve que c'est génial de le pratiquer comme plan pour débutants, pour ainsi dire. Ce drapeau est donc rouge. C'est une variété de jardin. Vous pouvez également le trouver à l'état sauvage. Très souvent, les drapeaux sauvages se déclinent en différents bleus. C'est donc une fleur très variée. Et ce que je fais ici. Tout d'abord, je vois cette fleur sous un angle légèrement différent de celui que vous voyez depuis la caméra située juste au-dessus. Je vois donc les choses sous cet angle. Cela signifie donc que ce que je dessine sera un peu plus incliné. J'essaierai d'ajouter une photo prise sous mon angle plus tard. Mais juste pour que vous ne soyez pas confus, lorsque mon angle, l'angle sous lequel je dessine la fleur, semble un peu différent de ce que vous voyez. OK, donc la première chose dont je veux m'assurer c'est que j' ai vraiment une belle vue de tout ça. Je dois donc décider de quel côté je dessine les appartements. Et évidemment, si j' étais sur le terrain, si j'étais à l'extérieur à le dessiner, je chercherais un bon endroit où m'asseoir. Donc oui, ça semble bien. Je commence par cette ellipse très légère. Et n'aie pas peur. Pour faire ces premières lignes. Vous pouvez effacer tout ce dont vous n'avez pas besoin plus tard. Je regarde donc ce bord extérieur ici, ce bord extérieur. C'est peut-être même un peu plus plat de mon point de vue. Et le centre se trouve quelque part ici. Donc, la première chose que je veux trouver le centre avec ces anthères ici. Ne vous inquiétez pas trop des termes botaniques que j'utilise ici. J'ai préparé une leçon ultérieure qui vous présentera certaines d'entre elles, mais vous n'en avez pas besoin pour dessiner de belles fleurs sauvages. Alors je prends des mesures et je dessine grossièrement les segments de tas des pétales ici. Je veux donc m' assurer de les dessiner au bon angle. Et une autre chose à laquelle je veux faire attention, c'est la tige. La tige s'attache à la fleur à partir du milieu. Vous pouvez le voir ici. Et même si je ne peux pas voir toutes les parties de cette tige ici, parce que je regarde la fleur d'en haut. Je veux quand même m'assurer qu'il se fixe au bon angle. Je veux donc l'inclure dès le début. OK. Et si je n'aime aucune des lignes que j'ai faites et que je ne peux pas les effacer ici et les rembourser. Je commence à examiner les formes individuelles des pétales. toujours attention à cette ellipse que j'ai un peu effacée, mais qui constitue quand même en quelque sorte le bord des pétales. Et certains d'entre eux le seront, sortiront légèrement de ce bord et certains des pétales resteront à l'intérieur de cette forme elliptique, et c'est tout à fait normal. C'est pourquoi je l'ai dessiné. C'est un excellent moyen de m'aider à voir ce qui se trouve devant moi. Et chaque ligne dont vous n' avez pas besoin, vous effacez simplement les pétales que je regarde de face ou légèrement raccourcis. Ils semblent donc plus courts que ceux qui vont en quelque sorte à l'arrière. OK. Ça n'a pas l'air trop mal, n'est-ce pas ? J'ajoute ces lignes ici pour les parties du milieu qui semblent un peu plus sombres. Ensuite, je peux m'occuper de ces petites feuilles ici et indiquer la tige. Et je vais peaufiner un peu mon dessin. Indiquez clairement à quoi ressemble la forme réelle de la fleur. Et c'est mon dessin terminé. Avec l'aide de la construction, nous approcherons. 6. Flax 2 : ajouter à l'aquarelle: J'aimerais vous montrer à quel point il peut être facile de donner de la vie et de la couleur à un dessin simple comme celui-ci. Finissons-en avec un peu d'aquarelle. J'ai donc mélangé ici ce rouge vif qui correspond à la couleur du flux. Et je vais juste appliquer la couleur avec soin à l'intérieur des lignes de chaque pétale. Il y a donc un certain éclat sur les feuilles. Et je peux y parvenir en utilisant un pinceau sec que j'ai tapoté sur mon chiffon à peindre. Ensuite, je peux enlever la peinture et obtenir ces sections plus claires. Ne le faites pas trop souvent si vous utilisez du papier à pâte de bois ou du papier bon marché. Parce que cela ne fonctionnera pas vraiment bien avec ce type de PayPal. Mais généralement, si vous le faites, si votre peinture est encore humide et si vous le faites immédiatement et seulement une ou deux fois, tout ira bien. Et pour les pétales plus foncés qui ne reçoivent pas autant de lumière ici, j'utilise vraiment beaucoup de couleurs. Je mets toutes ces couleurs ici. Plutôt de la peinture. Et tant que ma couche est encore humide, je peux facilement y déposer et y ajouter plus de peinture. Et cela fonctionnera à merveille. D'accord, je vais attendre que ça sèche. En attendant, je vais mélanger un peu de vert. Juste pour indiquer la tige. Je veux m'assurer que ces parties humides de la peinture de différentes couleurs ne se rencontrent pas car elles s' écouleront alors les unes dans les autres. Et ce n'est pas ce que je veux pour le moment. Je vais juste essayer de montrer un peu les feuilles. Cela n'a pas besoin d' être trop compliqué et détaillé juste pour montrer comment la plante est composée. Maintenant que ma première couche de peinture est sèche je voudrais ajouter ce cercle intérieur qui, je suppose, est une sorte de piste permettant aux insectes de trouver le milieu de la fleur. Beaucoup de fleurs ont en fait ce genre de rayures. Et j'ai mixé une version légèrement plus foncée de mon rouge. Et je pense en fait que je vais passer à l' un de mes petits pinceaux ici. Il s'agit donc d'un pinceau de taille 1. Et je pense que ce sera parfait pour cela. Je charge donc le pinceau avec pas trop d'eau, mais plus de peinture. Et je peins dans des zones rayées et je m' assure de garder ça au centre. Donc, chaque ligne que je peins doit pointer vers le centre. C'est le type de symétrie radiale que je souhaite obtenir. Attention à peindre en dessous ou en dessous de ces anthères ici. J'ajoute un peu plus de ces petites lignes délicates. Et comme toujours, c'est un peu difficile de parler et de peindre en même temps, mais je le fais quand même. J'ajoute également avec cette version plus foncée de la peinture. J'ajoute quelques ombres à l' endroit où apparaissent les feuilles sur les côtés. OK, et c'est essentiellement que ressemble mon croquis fini. Sans trop de rapidité, sans beaucoup de travail, vous pouvez obtenir de beaux résultats avec cette technique très simple. Nous avons donc vu que je peux utiliser cette approche de construction pour obtenir une ressemblance très rapide de cette fleur. Et puis, juste avec deux couches d'aquarelle, vous pouvez obtenir un beau croquis botanique rapide. 7. Cosmos 1 : dessins de cônes: Faisons une autre démonstration facile. Et pour celle-ci, j' aimerais utiliser à nouveau cette fleur du Cosmos, elle a une forme ronde, mais elle a une sorte de particularité car au milieu, vous pouvez voir cette structure ici. Et c'est en forme de cône. Et par exemple , vous pouvez parfois le voir avec ces parties centrales qui forment ici un cône. Avec d'autres fleurs. Tu verras le cône. Oups. Comme avec cette Xenia, vous verrez le cône en fait sous la fleur. C'est donc un peu comme une demi-sphère, mais plus longue et en forme de cône. Et il existe de nombreux autres exemples où vous pouvez voir des formes allongées et étroites qui ressemblent davantage à un tube. Un autre exemple de fleur en forme de cône serait une fleur en forme de cloche. Elle est très longue et étroite. Et puis, par exemple, les lis ont également la forme d'un cône. Donc, dans ce cas, vous devrez ajouter une autre forme de base au milieu de votre disque, et ce sera un cône. Encore une fois, essayez de concevoir cette forme en trois dimensions et entraînez-vous à faire pivoter vos volumes de base. Si vous avez une fleur de jardin disponible comme moi ici, vous pouvez réellement le faire en la faisant pivoter entre vos doigts et en la voyant et en la regardant de différents côtés. Si vous faites des croquis sur le terrain, je ne vous recommanderais pas de couper une fleur. Je voudrais juste changer la direction dans laquelle je le dessine parce que, je le dessine parce surtout avec les fleurs protégées, on ne veut pas les cueillir. Si vous avez des flux de jardin disponibles, il n'y a rien de mal à le prendre entre vos mains le tourner et à le regarder de différents côtés. Donc, en faisant pivoter et en pratiquant cette rotation des volumes de base, cela vous aidera vraiment énormément lorsque vous esquissez des fleurs. Je dessine donc à partir de photos quelque chose de complètement différent. Je vais faire une leçon supplémentaire à ce sujet. Mais si vous avez des fleurs fraîches disponibles, c'est vraiment la meilleure façon de pratiquer ce type d' aspects tridimensionnels. Encore une fois, je commence par cette forme elliptique. Celui-ci va être un peu plus grand. J'essaie de les garder proportionnés. Je veux donc que la taille de cette fleur soit vraiment un peu plus grande que celle que je dessinais auparavant. Et vous pouvez également voir que c'est un peu plus complexe. Il a plus de pétales, plus de pièces mobiles. Les pétales sont en train de se lever. C'est donc un bon matériel pour quelque chose d' un peu plus complexe. Voici donc le milieu de mon capitule. Je sais que le stock va sortir quelque chose comme ça. Ensuite, je veux montrer cet élément en forme de cône ici. Il est donc un peu plus petit et plus fin à la base. Et il grandit et devient un peu rond ici, au sommet. Et encore une fois, ne vous inquiétez pas pour aucune de ces lignes. Vous pouvez toujours les effacer plus tard. Cela peut paraître drôle au début, mais cela sera en fait très utile. La prochaine chose que je veux faire, simplement ajouter certaines de ces lignes qui décrivent les pétales qui sortent de cette partie centrale. Cela m'aidera donc à donner un sens à tous les pétales ici. Et je sais que rien ne peut vraiment aller de travers parce que j' ai ma forme elliptique qui décrit le bord extérieur des pétales. Maintenant, je peux vraiment commencer à étoffer les pétales individuels. Ce que je fais quand je fais des croquis, c'est que je pense à eux comme à un groupe. Alors laisse-moi te montrer rapidement. Cela figurera également dans les leçons sur les feuilles plus tard. Vous pouvez donc voir les pétales de cette rotation et de cette torsion un peu. Et si vous considérez cela comme un orchestre plat, vous pouvez décrire ces virages. Je superpose simplement les différentes lignes. Vous avez donc avez un côté puis il y a un virage, et puis vous avez l'autre côté ici. C'est essentiellement ce qui se passe ici. Je peux donc voir ce pétale avant. Je peux en voir les deux côtés. Et je veux y donner un sens en dessinant ces deux côtés. Donc ça arrive comme ça et ça continue comme ça. Et quand j'ai compris la forme du pétale, je pourrai commencer à ajouter ces petites indentations, ces petites lignes qui m'aideront à décrire comment la forme individuelle complexe du pétale et Ne le dis à personne. Mais l'autre avantage du dessin de fleurs sauvages, c'est qu'il n'est pas nécessaire d'être précis à 100 %. Je suis donc tout à fait favorable à production de dessins très précis et corrects. Mais s'il vous arrive de ne pas correspondre exactement au cintre de l'un de ces pétales, personne ne le verra. Vous pouvez vous en sortir avec de légères irrégularités dans vos dessins de fleurs. Et je pense que c'est une autre bonne chose pour les débutants qui viennent peut-être de commencer dessiner, car cela vous facilitera la vie et produira moins de frustration. Je prends mon temps à observer chaque angle de très près. Et je pense que j'ai peut-être ajouté un autre pétale ici par inadvertance parce que l'écart entre les deux était trop important. Donc je supprime simplement cette ligne et maintenant j'ai cette sorte de pétale géant ici, mais cela n'a pas vraiment d'importance. Maintenant, pour la partie conique au milieu, je ne veux pas exagérer ici. Je vais donc simplement indiquer certains de ces sentiers très fréquentés et les dessiner un peu plus en détail sur le recto. Et puis s'est progressivement évanoui dans le dos. Ainsi, vous ne submergez pas votre croquis. 8. Cosmos 2 : raffiner avec un crayon coloré: Une autre chose que je voulais vous montrer, si vous ne voulez pas utiliser uniquement un crayon, vous pouvez certainement faire un dessin plus raffiné sur le dessus avec un crayon de couleur. Et je vais juste le faire. Et pour cela, je vais effacer une partie de ce que j'ai fait. Essaie de garder certaines des lignes que j'ai faites. Et maintenant, je peux revenir avec mon crayon de couleur et créer ces belles lignes vraiment définies. Parce que je sais déjà ce qui se passe, comment la plante est construite, comment les pétales, où les pétales doivent aller. Ils ressemblent à. Et maintenant, je peux simplement faire ce très beau dessin au trait avec mon crayon de couleur. Et vous remarquerez que si vous utilisez des crayons de couleur pour cela, ils produiront une ligne plus intéressante parmi les lignes prononcées. Tu peux, tu peux essayer ça. Ayez des lignes très douces. Si votre crayon est très pointu, vous pouvez obtenir des ridules très fines. Et vous pouvez également réaliser ces lignes très épaisses et texturées. crayons de couleur sont donc de très bons outils pour dessiner. C'est vraiment intéressant. Vous devriez donc certainement les essayer si ce n'est pas déjà fait. Et je pense que, surtout pour les fleurs, elles ajoutent cette qualité intéressante, cette texture intéressante. J'ai essayé d'énoncer mes lignes un seul coup et d'un seul coup de liquide. Je ne veux donc pas trop de lignes brisées. J'ai déjà effacé mon ellipse, mais j'y pense toujours. Quand je regarde les lignes et les bords des pétales, j'essaie toujours d'y penser. Je vais passer à un crayon légèrement plus clair ici. Et cela dépend vraiment de vos préférences, de votre technique. Vous pouvez utiliser un crayon pour cela, vous pouvez en utiliser plusieurs différents. Donc, ce que je fais ici n' est rien à suivre. Absolument ou très précisément, vous pouvez adapter et mélanger ces techniques à votre guise. Ce ne sont que des exemples et des idées que vous pouvez modifier selon vos préférences. Ensuite, un beau vert pour la tige. C'est donc mon travail de ligne terminé et je veux quand même y ajouter de la couleur. Sortons donc les aquarelles. 9. Cosmos 3 : ajouter à l'aquarelle: Je suis donc allé de l'avant et j'ai mélangé une belle orange intense. Donc, en fait, j'ai simplement utilisé la peinture orange pour ma palette ici. J'ai également ajouté un peu de ce rouge chaud à ma palette parce que je peux voir certaines zones striées sur le bord extérieur des pétales sont légèrement plus foncées et je ne suis pas sûre que je Je vais l'ajouter à l'aquarelle. C'est également un excellent quartier. L'élément idéal à ajouter avec des crayons de couleur. Je vais peut-être m'en servir comme deuxième étape. Pour l'instant. Je veux juste ajouter cette orange très intense. Et, euh, oui, alors allons-y avec une aquarelle, en commençant par le dos, rendant un peu plus claire. Vous pouvez donc obtenir un effet tridimensionnel de diapositive si vous affichez le dos de la fleur avec plus de détails, avec des couleurs plus claires. Je prends mon temps pour rester dans les limites de ces pétales. Je peins chaque pétale petit à petit, et là je commence à ajouter de la peinture. Je sais donc que les bords extérieurs seront légèrement plus foncés. J'ajoute un peu de peinture rouge sur ces bords. Et cela m'aidera à définir les zones les plus sombres de la fleur. Je dois être un peu prudent avec ce pétale en particulier car le dessous est légèrement plus clair. Je dois attendre que cette zone sèche avant d' ajouter de la peinture sur la face inférieure. Et je pense que ce serait bien d'avoir la même couleur que celle-ci ici pour le côté inconnu. Et encore une fois, je recharge un peu avec une peinture plus foncée, avec une peinture rouge. Et je pense que cela donne déjà un très bel effet. Vous verrez la peinture couler un peu tant qu'elle est humide. Le pétale est sec et je peux ajouter le ton plus clair sur la face ulnaire. Et maintenant, pour cette partie centrale, pour cette partie conique, j'ai mélangé de l' ocre jaune avec du jaune pur, juste un peu d'orange. Et c'est la couleur que je veux appliquer ici au milieu. Et je voudrais faire en sorte que ce côté du cône soit plus sombre pour indiquer un peu plus sa tridimensionnalité. Je suis en train de réfléchir à la façon dont la lumière pourrait tomber dessus. ce moment, j'ai l'éclairage de mon studio En ce moment, j'ai l'éclairage de mon studio qui est en quelque sorte en train de tout aplatir. Mais si je devais le faire à titre illustration scientifique avec un éclairage toujours très neutre, mais un peu de tridimensionnalité et d'ombrage. Alors je le ferais aussi comme ça. Et maintenant que les couches du sac sont déjà sèches, je peux simplement y retourner avec mon crayon de couleur et ajouter un peu de texture, ajouter un peu de rayures ici, juste pour donner un petit peu plus d'intérêt. C'est donc une technique très simple et une bonne raison d'utiliser des crayons de couleur et votre dessin. Vous pouvez bien sûr aussi le faire avec un pinceau fin. Mais je trouve souvent que l'utilisation de crayons de couleur pour ce type de zones est un peu plus rapide et un peu plus facile. Et surtout lorsque vous dessinez à l'extérieur. Il apprendra à vraiment aimer ces techniques qui vous faciliteront la vie. Dans les zones où j'ai appliqué beaucoup de pigments, le crayon n' ajoute pas vraiment beaucoup de texture car ce papier est pressé à chaud, donc il ne présente pas ces bosses dedans. Et il est donc un peu difficile d'ajouter ces détails. Et pour ces zones, je peux simplement revenir à ma technique de brossage et ajouter quelques-unes de ces lignes très fines avec mon pinceau. Et n'exagérez pas ces détails. C'est vraiment agréable de le faire de se perdre et d'ajouter des détails. Mais il ne faut pas ajouter de rayures partout. La base de ce cône apparaît donc presque un peu verte. Je vais donc ajouter cette année. Et de la même manière, je vais également ajouter un peu de vert pour la tige. Si vous trouvez que vous avez besoin d'une deuxième couche quelque part, n'ayez pas peur de la parcourir. Je trouve donc que la partie avant et la partie arrière de la fleur ne s'accrochent pas très bien, alors nous allons ajouter un peu plus de peinture. Juste une très fine couche d'orange. Et comme j'utilise des crayons de couleur ordinaires ici, il y a donc des crayons comme celui-ci, qui sont des crayons à aquarelle qui se dissolvent lorsque vous ajoutez de l'eau. Mais celui que j'ai utilisé ici n'est pas soluble. Ainsi, les lignes resteront simplement en place lorsque j'ajouterai de l' aquarelle dessus. C'est un autre aspect très intéressant à leur sujet. Oui, je pense que l'un des principes fondamentaux ces croquis de fleurs est de ne pas faire trop, de ne pas les surcharger. Vous devez trouver le point où vous vous arrêtez. Et je pense que c'est l'endroit idéal pour s'arrêter. Nous avons un croquis de cette magnifique fleur du Cosmos. Je vous l'ai montré à nouveau, ce principe de construction géométrique avec le cône au milieu plutôt que la forme elliptique qui l'entoure. Et comment trouver les différentes formes de pétales à partir de là. 10. Utiliser des espaces négatifs pour trouver des angles: J'aimerais vous montrer une autre technique de dessin qui fonctionnera bien pour les fleurs sauvages qui semblent un peu plus compliquées. Comme cette fleur très délicate avec beaucoup de petits détails. Et c'est l'utilisation de formes négatives. Nous avons donc parlé ces récipients géométriques tels que des formes elliptiques et des cônes qui vous aideront à voir la forme extérieure réelle de la fleur. Vous pouvez également utiliser des formes négatives pour affiner ce formulaire afin de trouver l'angle correct de l'aspect de l'élément que vous souhaitez dessiner en plaçant une forme géométrique de base sur votre papier, puis mesurant la forme réelle par rapport à celle-ci lorsque vous placez votre ligne. Donc, si vous avez une fleur très complexe ou des chemins qui se chevauchent, il peut être utile d'utiliser un cadre extérieur, exemple en le plaçant à l'intérieur d'un triangle, puis examinant les formes qui se forment à l'intérieur de la forme extérieure. . Vous pouvez donc voir ces triangles intérieurs et ces angles intérieurs se former à l'intérieur de cette forme extérieure ici. C'est donc aussi un moyen utile de trouver les bons angles pour trouver une bonne composition. Essayons-le ici. Et c'est juste une sorte de mauvaise herbe de jardin que j'ai cueillie au hasard. Mais oui, vous pouvez faire en sorte que cela fonctionne avec n'importe quelle fleur. Vous pouvez également l'utiliser pour ces lignes très détaillées et délicates ici. Donc, les formes négatives, si vous commencez à les chercher, elles apparaîtront partout. Comme je suis confiante, je voudrais également vous montrer une autre technique, celle du dessin à l'encre au stylo-plume. Dans ce cas. Vous n'avez pas à passer directement de cette étape de croquis très lâche à un dessin à l'encre. Si vous n'avez pas d'expérience, vous pouvez certainement abord passer à l'étape du crayon comme je l'ai fait dans ces derniers dessins , puis peut-être la passer en revue avec de l'encre. Si, si, si cela vous aide à créer, à créer un travail de ligne meilleur et plus confiant. Mais je pense que je peux y arriver ici. Je vais donc essayer de commencer par cette forme de feuille ici, puis voir où cela me mène à partir de là. Et comme je veux me concentrer sur les formes négatives, je regarde l'angle entre les éléments ici et j' essaie de trouver une ligne précise à partir de là. Et je peux toujours retourner un peu mon spécimen pour voir ce que je dessine réellement, car les pièces sont si délicates et si petites que cela m' aidera à le faire. Et encore une fois, je me concentre sur l'espace entre les éléments réels de la fleur. C'est pourquoi on l' appelle forme négative. Je ne me concentre donc pas sur les éléments eux-mêmes, sur ces petits boutons floraux, mais sur les espaces qui les séparent. Et j'essaie de trouver le bon angle ici. OK, en continuant à partir de là, encore une fois, je regarde cet espace entre ici, ce très grand espace blanc, ces formes négatives. J'essaie de trouver un bon angle pour la feuille. Et faire ces croquis spontanés à l'encre peut être très relaxant en fait. Comme je l'ai dit, vous n'avez pas à le faire, avec ces croquis de fleurs, vous n'avez pas à faire correspondre tous les angles exacts. Ce n'est donc pas un visage humain. Ce ne sera pas si évident si vous vous trompez sur l'une de ces feuilles. Cela peut être une technique très rapide et facile si vous souhaitez simplement dessiner au trait. Encore une fois, ce que j'ai examiné ici, c'est la zone entre ces deux éléments. Je voulais donc trouver le bon angle. Et encore une fois, je regarde cette forme négative ici pour obtenir l'angle de ce petit capitule précisément dans la bonne direction. C'est déjà le dernier. Comme vous pouvez le constater, l'utilisation d'un crayon fin ou d'un stylo-plume avec encre peut être un moyen très rapide d'obtenir un beau croquis sur la page. J'aime beaucoup la simplicité de ces croquis, si souvent les fais quand je ne veux pas sortir l'intégralité de mon kit d'aquarelle. Quand peut-être je n' ai pas beaucoup de temps et que je pourrai toujours ajouter de la couleur plus tard, mais je vais en rester là maintenant. J'espère donc que vous avez remarqué à quel point cette utilisation de formes négatives peut simplifier des dessins qui semblent très compliqués. L'avantage de cette approche est donc que si vous avez beaucoup de pièces qui se chevauchent, cela facilitera le placement des différents éléments. Donc, si vous deviez dessiner la plante de cette façon avec ces nombreuses parties qui se chevauchent, les formes négatives sont une très bonne technique pour trouver le bon angle en mesurant ces formes entre éléments. 11. Alyssum 1 : explicitement pour les précurseurs: Nous avons déjà vu comment la forme que vous décrivez pour dessiner une fleur change lorsque vous modifiez la perspective à partir de laquelle vous regardez la fleur. Il s'agit donc d'une perspective de base ou d'un raccourcissement de base. Cela signifie simplement que la largeur et la longueur des pétales changent lorsque vous voyez la fleur sous un angle différent, il s'agit essentiellement d'une distorsion visuelle. Ainsi, lorsque vous regardez la fleur par le haut, vous verrez un cercle. Et plus vous la tournez, plus cette forme se transformera en ellipse jusqu'à ce que, si vous la voyez strictement de côté, vous obteniez cette forme elliptique très plate. Si souvent, vous verrez différentes étapes de raccourcissement lorsque vous avez une grappe de fleurs. J'ai un très petit cours. J'espère que vous pouvez voir toutes ces petites fleurs sur cet énorme bouquet capitules pointant dans une direction différente. Et pour certains d'entre eux, vous les examinerez directement. Et certains d'entre eux ont déjà ces formes elliptiques. Vous les regardez donc dans cette étape abrégée. Chacun d'entre eux peut donc être vu sous un angle différent. Et plus la farine pointe vers le côté, l' ellipse sera étroite et la largeur, la longueur et la longueur des pétales changeront. Si vous observez attentivement cet effet et que vous dessinez vos formes en conséquence, vos formes rondes et vos cercles se transforment en ellipses. Cela vous aidera à produire un dessin plus réaliste. Essayons-le maintenant. Lorsque vous vous approchez d'une grappe de fleurs comme celle-ci, je trouve toujours utile de commencer par l'avant et de vous frayer un chemin jusqu'à la rive. Donc, dans un premier temps, je vais simplement déposer très librement les endroits où ces fleurs simples sont placées. Et je pense déjà à la tridimensionnalité. Cela ressemble à une sphère qui copie en quelque sorte la fin d'ici. Et chacune de ces petites fleurs, fleurs de cette grappe, est en quelque sorte tournée dans un plan différent. Et je veux refléter ceci et mon dessin. dessinant les petites ellipses, chacune d'elles est tournée vers l'extérieur. Et je pense que c'est peut-être un autre excellent endroit où je peux utiliser mon stylo-plume. Je vais donc simplement le démontrer avec un stylo plume. Maintenant que j'ai placé l'endroit difficile où se trouve chaque fleur, je peux me concentrer sur l'ajout du capitule individuel. Et comme elles sont si petites, je n'ai pas à passer trop de temps sur les fleurs individuelles. Je veux juste que la forme soit plus ou moins précise. Et bien sûr, vous pouvez y entrer avec des loupes. C'est toujours un bon moyen de mieux connaître la fleur que vous dessinez. Mais dans ce cas, je suis content et content de cette façon plus schématique de dessiner. Par exemple, j'ai ici ces deux fleurs qui pointent vers l'arrière. Et je vais essayer de les ajouter très légèrement. Et pour le reste, je vais juste utiliser mon stylo plume vert. Et encore une fois, j'utilise les formes négatives ici. Mon dessin qui m' aidera à distinguer les différents angles et les différents espaces entre les éléments. 12. Alyssum 2 : ajouter de la profondeur à la couleur: J'ai donc terminé mon croquis à l'encre, et pour l'instant, il me semble toujours un peu plat et simple. Et je voudrais ajouter de l'aquarelle. J'ai donc essayé de me rapprocher de la couleur de cette fleur, ici violette avec bleu céruléen et un peu de quinacridone, du rose. Ça ne correspond pas exactement, mais oui, je pense que ça ira. Il y aura une leçon sur le mélange de couleurs pour les fleurs sauvages et les croquis botaniques plus tard dans le cours. Donc, si vous avez besoin de quelques conseils mélanger les couleurs et obtenir des couleurs éclatantes, jetez un œil à celui-ci. Souvenez-vous donc de ce que j'ai dit à ce sujet, à propos de la réduction, de la démonstration de cette tridimensionnalité. Avec cette dense grappe de fleurs, je veux juste montrer ce que je veux montrer le plus de détails au premier plan. Je veux montrer les couleurs les plus sombres au premier plan. Ensuite, il suffit de suggérer le reste. Cela revient en quelque sorte à contourner le formulaire. Je souhaite poser ma candidature. couleur la plus vive ici au premier plan. Et comme les fleurs sont si petites, même mon pinceau est presque trop grand. Donc, si vous trouvez que vous avez trop de peinture sur votre pinceau simplement débiter votre chiffon de peinture. Donc, pour ces fleurs et le devant, je veux que le violet soit assez intense. Ensuite, en revenant à l'arrière, au sommet, je peux simplement utiliser la peinture qui est encore sur mon pinceau. Et il sera légèrement plus léger. Et je ne peins pas dans les formes aussi exactes pour que cela paraisse un peu plus sommaire. Et je peux même, ce n'est pas vraiment dans la fleur elle-même, mais je peux même ajouter des fleurs supplémentaires et des endroits pointés vers l'arrière. Et cela lui donnera un bel aspect tridimensionnel arrondi. On peut également ici intensifier les fleurs au premier plan. Je ne veux pas trop ajouter à cette fleur très légère et délicate. Peut-être juste un peu de renforcement pour ces lignes vert clair. Ici, la tige. OK, je pense que ça suffira. Et si je regarde de plus près, je peux voir ces points jaunes, cette partie intérieure jaune de la fleur. Je vais devoir attendre que ça sèche. Et puis j'en ai deux qui ajoutent très délicatement des éléments jaunes. Et je vous montrerai, une fois que tout cela sera sec, comment je fais. Pendant que cette partie était en train de sécher, j'ai ajouté quelques feuilles supplémentaires pour rendre le croquis un peu plus intéressant. Passons maintenant à ces petits éléments jaunes. Je suis donc passé au plus petit pinceau que j'ai ici dans mon outil de dessin. Ce que je veux faire maintenant, c'est ramasser un peu de cette peinture jaune ici. Et c'est un pigment qui est en fait légèrement opaque. L'aquarelle est transparente, mais certains pigments ont des qualités légèrement opaques. Cela signifie qu'ils couvriront ce qui se trouve ci-dessous. C'est important car dans ce cas, le jaune, qui est plus clair que le violet, doit se superposer. Ce que j'ai peint auparavant, et j'espère que cela fonctionnera avec cette peinture jaune ici. Ce que je fais, c'est ramasser le jaune sans trop d'eau. J'essaie de mettre une peinture très épaisse sur mon pinceau. Et bien sûr, ça aide si ton jaune est pur et pas sale comme mon stylo ici. Mais je le prends de ce côté, qui est bien, pas aussi vert que les autres. Je veux donc avoir une couleur très pure et épaisse sur mon pinceau. Et je n'ai qu'une seule chance d'ajouter ces petits points jaunes ici. Je veux donc être aussi précis que possible. Et encore une fois, comme pour bon nombre de ces peintures et techniques de croquis, je ne veux pas les ajouter partout. Juste dans les zones où je peux voir la fleur pointée vers moi. Et je pense que cela suffit à IndieCade qu'il y ait un centre jaune au milieu de la fleur. Et je voudrais vous parler d' un dernier aspect concernant les fleurs raccourcissantes et en forme de cône. Donc, si vous avez une fleur en forme de cône comme celle-ci, avec cet aspect tubulaire très long, alors le centre de la fleur est plus bas, donc elle pénètre profondément dans ce cône. Et lorsque vous le dessinez dans une vue raccourcie, vous verrez généralement une plus grande partie du cône et la face inférieure des pétales, ainsi que l' ensemble de cette structure conique et moins la face supérieure de la fleur. N'essayez pas de faire l'erreur de montrer tout le centre de la fleur comme on peut le voir ici, car nous la regardons d'en haut. Si vous le dessinez de côté, vous ne pourrez pas voir l'intérieur de la fleur. Si vous dessinez une fleur en forme de cône comme celle-ci, de côté ou même de dessous. Soyez donc très conscient des parties de la fleur qui peuvent être vues du point de vue de votre dessin. OK. 13. Snapdragon : des fleurs symétriques à l'échelle bilatérale: Jusqu'à présent, nous avons dessiné des fleurs qui peuvent être dessinées à l' aide d'un cercle. Mais il existe également des fleurs qui ne rentrent pas vraiment dans un cercle ou une autre forme de base, comme par exemple les gants de renard sont des pois sucrés ou comme le muflier ici. Et ces fleurs ont une lèvre supérieure et une lèvre inférieure, comme vous pouvez le voir, en quelque sorte ces deux moitiés que vous pouvez plier ensemble. Donc, pour ces fleurs, je trouve utile de garder une trace des X du milieu. Et c'est ce que j'ai essayé de respecter ici dans mon sketch. Comme vous pouvez le voir de côté, ils ont l'air complètement différents, étranges. Il n'y a aucune symétrie. Il suffit donc de prendre des angles différents peut-être en mesurant un peu. Donc, ce que je fais ici, c'est faire croquis rapides au crayon et renforcer mon travail au trait avec un crayon de couleur. Je veux juste que vous vous souveniez que lorsque dessinez ces fleurs, je trouve qu'il est utile d'imaginer une ligne qui passe par le centre, par le centre vertical de la fleur. Et puis, à partir de ce milieu, les deux côtés de la fleur sont symétriques l'un par rapport à l'autre. Vous pouvez donc également utiliser légères lignes parallèles sur le devant de la fleur pour vous aider à garder les deux moitiés symétriques. J'y suis toujours avec mon crayon de couleur, donc j'utilise les couleurs correspondantes ici pour m'aider à dessiner, pour que les contours soient un peu plus définis. Vous pouvez également le faire avec de l'encre. C'est également une excellente technique. Ou vous pouvez simplement laisser les lignes du crayon telles quelles. C'est donc vraiment votre préférence. J'aimerais savoir ce que j' aimerais faire dans ce cours. Je vais vous montrer différentes techniques pour dessiner des fleurs que j'aime beaucoup. OK, passons donc à la partie aquarelle. Donc, ce que je fais avec cette fleur très délicate et douce, c'est mouiller le papier avant d'appliquer n'importe quelle couleur, et cela aidera la peinture à s'étaler milieu de cet effet très doux. Et c'est une technique avec laquelle vous obtiendrez les meilleurs résultats si vous utilisez du papier coton. Pour le papier cellulosique et les papiers moins chers, cela se traduit souvent par des bords durs lorsque la peinture sèche, mais il est possible d' obtenir cet effet faisant un peu attention avec la quantité d'eau que vous ajoutez. J'ai donc mélangé un joli violet ici, ou du moins j'ai essayé de le faire parfois, c'est difficile de se déplacer. Couleur violette. C'est juste une réalité que vous devrez accepter une aquarelle violette, et les véritables périphériques de la nature ne correspondront jamais tout à fait. Mais j'ai fait de mon mieux pour mélanger le bleu cobalt et le rose VLAN chronique ici pour obtenir une approximation de cette couleur violette. Je laisse tomber la peinture car elle est encore humide. À l'étape suivante, je peux renforcer mes couches et ajouter une deuxième couche sur les zones que j'ai déjà peintes. J'ai attendu qu'ils sèchent pour pouvoir ajouter une deuxième couche. Je passe à un pinceau plus fin pour ajouter ces zones jaunes très douces et intéressantes à la fleur. Encore une fois, avec beaucoup d'eau pour obtenir cet effet dilué très doux. Tout ce qui concerne cette fleur me semble doux, délicat. Et je prends mon temps pour déterminer où doit aller la couleur. Et comme c'est en train de sécher, je peux m'occuper de la tige des parties vertes de la fleur. Je prends également mon temps pour cela. Très souvent, ces parties, ces cartes inintéressantes comme les feuilles et les tiges, peuvent être négligées lorsque vous faites des croquis botaniques, mais je les trouve tout aussi importantes, même si les feuilles sont aussi petites que sur ce bouton floral. Hum, vous devez appliquer le même soin et la même précision que vous appliquez aux autres parties de votre peinture. Je peux suivre les contours de mon crayon de couleur ici et c'est très utile pour moi car j'ai déjà une sorte de guide de couleur. C'est à peine visible, c'est un vert très clair, mais c'est vraiment utile pour moi. Et comme toujours, laissez les couches sécher puis ajoutez la couche suivante. Cette plante a un éperon assez long. C'est une partie de la fleur elle-même. Et maintenant, j'ajoute un peu de texture. Il y a ces nervures qui pointent vers le centre de la fleur. Je les ajoute à l'aquarelle. Vous pouvez également les ajouter avec votre crayon de couleur en fonction de ce que vous préférez et de ce qui vous donne les meilleurs résultats. J'ai oublié un aspect de la fleur, c'est cette couleur jaune vif, orange. Au milieu, c'est en quelque sorte le point d'entrée des le point d'entrée insectes lorsqu' ils partent à la recherche de la Pologne. C'est une partie très importante de la plante. Ajoutez-le très soigneusement avec ce pinceau très fin, un pinceau rond. Il ne me reste plus qu'à réparer quelques zones que j'ai oublié de peindre auparavant. Et encore une fois, en renforçant une partie de la ligne avec un crayon de couleur. C'est donc une excellente dernière étape. Je trouve. n'y a pas de véritable règle. Quel type d'outil vous devez utiliser en premier et que vous devez utiliser plus tard, parfois des crayons de couleur ou un peu difficiles à peindre. C'est donc quelque chose à prendre en compte. Mais ceux que j'utilise, je n'ai jamais eu de vrais problèmes. Oui, donc c'est essentiellement mon croquis fini. J'espère que cela vous a été utile pour dessiner des fleurs symétriques sur le plan bilatéral. Il suffit d'ajouter quelques derniers aspects de la fleur. Et même en y retournant avec un pinceau pour étaler un peu plus sur les parties jaunes. OK. Mais c'est ça. 14. Mélanger de grandes couleurs pour les fleurs: Dans cette leçon, je voudrais parler un peu plus couleurs lorsqu'il s'agit de mélanger des couleurs avec de l'aquarelle. À quoi faire attention lorsque vous faites vos croquis botaniques et que vous mélangez couleurs qui doivent correspondre à la couleur de la fleur. aquarelles sont donc un excellent ajout pour tout enfant qui fait des croquis sur le terrain pour des croquis botaniques. Et j'aime apporter cette petite pastille qui compte une vingtaine de couleurs. Et cela me permet de mélanger facilement la plupart des couleurs de la nature. Et quand j'ai le temps, comme vous l'avez vu, j'aime ajouter ma couleur directement à partir de l'observation car cela donne les meilleurs résultats. Mais si vous n'avez pas le temps, il est également possible de faire quelques échantillons de couleurs sur le terrain ou à partir de la photo, puis de terminer le croquis plus tard. J'ai essayé de me rapprocher le plus possible de ces couleurs. Mais les violets et les magentas particulièrement vifs sont difficiles à obtenir avec les pigments habituels que vous pourriez avoir. Cette année. Je peignais beaucoup de fleurs magenta et violettes sur le terrain, alors j'ai ajouté des pigments supplémentaires à ma palette. Comme vous pouvez le voir ici. C'est toujours mon moment, mon été mis en place pour ainsi dire. Certaines, certaines couleurs sont vraiment difficiles à corriger. Et je trouve qu'il est souvent plus important d'obtenir l' apparence et la sensation générale d' une fleur sauvage que de choisir exactement la couleur. La nature possède donc une telle abondance et des couleurs si vives qu'il ne s'agit souvent que d'une approximation très grossière ce que nous pouvons obtenir de nos pigments ici. J'aime donc travailler avec des pigments résistants à la lumière et souvent, en particulier dans les gammes magenta et violet, vous pouvez obtenir des pigments très vifs et brillants, mais ils ne le seront et je n' aime pas utilisez-les. Ce n'est donc qu'une mise en garde. J'ai donc déjà parlé d'une palette équilibrée, et je trouve qu'il est avantageux de créer une palette d'aquarelle qui valorise des versions froides et chaudes des couleurs primaires. Et ça serait jaune. Donc un jaune chaud et un jaune plus froid que le rouge ou le magenta. Si chaud et si frais. Du rose, du rouge et du bleu. J'ai donc un bleu chaud et froid dedans. Et puis j'ai aussi quelques légumes verts, mais pas trop car j'aime mélanger mes légumes à partir de zéro si possible. Et si vos tons naturels sont également très, très utiles. Les noirs, je n'en utilise pas beaucoup pour les croquis botaniques. Parce que si vous n'avez pas un objet comme une baie noire qui soit vraiment noire, il est souvent plus avantageux de le mélanger à partir des autres couleurs existantes que vous avez. La plupart des palettes de base que vous pouvez acheter suivent cette approche. J'en ai également partagé beaucoup sur mon blog et dans d'autres cours. Donc, si vous souhaitez créer votre propre palette personnalisée, vous pouvez certainement trouver de nombreuses informations. Je voudrais donc m'intéresser un peu plus au mélange de couleurs pour les croquis botaniques. Ce que je trouve généralement, c'est que les dernières couleurs que je combine, j'obtiens des mélanges meilleurs et plus lumineux. Jetons donc un coup d'œil à cela. Comme beaucoup de gens ont du mal avec les violets, je voudrais commencer par cela. Et je commence généralement par un de mes blues ici. Donc, par exemple c'est du bleu cobalt. Et si vous voulez obtenir un violet très doux, vous pouvez simplement utiliser, acheter et utiliser un pigment très proche de ce que vous pouvez obtenir. Mais comme je l'ai dit, certains pigments ne résistent pas à la lumière et vous ne voudrez probablement pas emporter tous ces pigments car la peinture peut coûter assez cher. Je suis donc tout à fait d'accord pour pouvoir mélanger la plupart des couleurs avec cette palette de base. Pour obtenir un violet très doux, j'essaie toujours de les mélanger et d'ajouter beaucoup d'eau au cours du processus. Bleu moyen ou moyen, avec ce rose. Et c'est en fait du rouge de quinacridone. C'est un pigment qui sera appelé différentes choses de différents fabricants. Parfois, on l'appelle rouge rubis ou rose permanente. Par exemple, il y a une certaine clochette de la paupière. Quelque chose que vous pouvez obtenir en ajoutant très peu de cette rose permanente ou de cette rose ronde chronique au mélange. En fait, un peu plus, du bleu cobalt. Ce n'est pas vraiment un violet vif ou quoi que ce soit d'autre, mais je pense qu'il correspond assez bien à la couleur de la farine d'archet. Et si j'ajoute plus de rose, j' obtiens un violet plus chaud parce qu'il y a plus de rouge dedans. De cette façon, vous pouvez ajuster et essayer différents mélanges et voir s'ils correspondent à votre fil dentaire. Donc, ce que je ferais, c'est prendre ma fleur et, soit dit en passant, je n'ai qu'une petite fleur qui a une couleur violette assortie, puis commencerais à mélanger et à faire ces différents échantillons et Espérez simplement la fleur à côté, ou arrêtez l'échantillon à côté de la fleur si vous ne voulez pas la cueillir ou ne pouvez pas la cueillir, puis voyez ce qui se passe et sachez simplement que plus vous ajoutez de pigments. Je viens donc d'ajouter un peu de mon bleu céruléen. Plus les pigments peuvent devenir obscurs. Et certains mélanges, en particulier lorsque vous utilisez du blues, contiennent des pigments granulants. Je dois dire que pour les croquis botaniques, je n'ai pas vraiment besoin ni envie de l' effet granulé, car il ajoute souvent beaucoup de texture lorsqu'il n'y en a pas autant dans les fleurs elles-mêmes. Voyons donc ce qui se passe lorsque je fais le mélange violet avec ce bleu très foncé. C'est donc du bleu outremer, et je vais juste y ajouter un tout petit peu de rose quinacridone. Cela donne donc un bleu beaucoup plus vif. De cette façon, vous pouvez tester votre palette et voir quel type de couleurs différentes vous pouvez en tirer. 15. Mélanger des verts naturels et des neutres: J'aime aussi mélanger mes propres légumes verts possible parce que je trouve cela beaucoup plus naturel que si je devais simplement utiliser un vert de sève donné ou un vert prémélangé. J'ai donc un vert sève sur ma palette. Voilà à quoi ça ressemble. Et souvent, ces légumes verts prémélangés ou pratiques, comme on les appelle aussi, seront assez durs et un peu trop criards. Et un remède instantané que vous pouvez trouver est de mélanger un peu de rouge ou d'orange au vert. Et puis cela enlèvera juste ça, cette vivacité, cette intensité, juste un tout petit peu. Pas trop, sinon vous obtiendrez une couleur brunâtre ou grise. Mais je trouve que c'est beaucoup plus intéressant à regarder. Essayons maintenant de mélanger notre propre vert. J'ai donc mon jaune pur ici. C'est un jaune assez intense, donc c'est assez opaque. En fait, je n' en ai pas besoin de beaucoup. Et puis j'ai mon bleu cobalt ici. Regarde ce qui se passe quand je mélange les deux. Il y a donc beaucoup de bleu maintenant, ce mélange, donc c'est un vert plutôt frais. Mais je peux soit l'appliquer avec beaucoup de pigment, soit appliquer comme un nettoyant très doux et regarder à quel point la verdure naturelle est douce. Et si je mélange plus de jaune, puis bien sûr le vert, on aura plus de jaune. Et selon la couleur de votre feuille, vous pouvez obtenir toutes sortes de légumes verts différents grâce à ces expériences de mélange. Et bien sûr, vous pouvez également mélanger des verts avec d'autres bleus. Donc, si vous utilisez du bleu outremer, qui a un bleu plus foncé, vous obtiendrez des verts plus foncés. Ajoutons simplement un peu de bleu outremer à ce mélange vert existant. Vous pouvez voir instantanément que le vert est beaucoup plus foncé et aussi beaucoup plus frais car j'ai ajouté du bleu. Et si je rajoute du jaune, alors nous aurons un autre intérêt en vert. Donc, comme je l'ai dit, j'aime faire ces tests de mélange, les échantillons, pour décider quel type de green je veux utiliser. Dans certaines zones, vous pouvez ajouter simplement une ombre claire, et en particulier pour les fleurs blanches, vous ne voulez pas être aussi puissant, alors n'utilisez pas simplement votre taux noir ou préexistant, ou plutôt vous devrait mélanger le vôtre. Et un moyen simple de le faire est d' utiliser une lecture de terre comme cette sienne brûlée, puis d'y ajouter du bleu. J'aime utiliser un bleu moyen, un bleu cobalt. Et si vous mélangez les deux dans la bonne combinaison et que vous y ajoutez beaucoup d'eau, vous obtenez ce beau gris doux qu'il peut utiliser comme ombre. suffit donc de le diluer suffisamment pour qu'il soit très léger. Et cela ne remplacera pas certaines des fleurs très douces et délicates que vous pourriez avoir envie de peindre. Et d'autres fois, vous voudrez peut-être mélanger une couleur très foncée qui ressemble à un gris foncé ou à un noir. Et ce que je fais ensuite, c'est un autre mélange assez classique, j'utilise du bleu outremer, qui est ce beau bleu foncé. Et puis j'ajoute de la terre de Sienne brûlée. Vous pouvez également utiliser une ombre brûlée si vous le souhaitez, ou différents tons de terre. Et si j'ajoute suffisamment la bonne combinaison, alors j'obtiendrai ce beau gris foncé presque noir si vous l'appliquez de manière très concentrée. Et je trouve que ce genre de tons neutres sombres le sont. Presque les noirs seront plus intéressants à regarder. Ils donnent un peu de texture et ils ne sont pas aussi morts que ces pigments noirs. Si vous voulez le rendre encore plus foncé, j'ai un autre pigment ici, le mélange de violets Perlin. Cela dit, le mélange deviendra encore plus sombre. Donc bien sûr, aussi un peu plus rouge car je viens d' ajouter un pigment rouge. Expérimentez cela et voyez quel type de résultats vous pouvez obtenir. Voyez à quoi il ressemble lorsqu'il est dilué. Ce sont quelques-uns des rayons les plus naturels et les plus beaux. Ils sont très différents de tout type de MakeGray gratuit. Laisse-moi juste te montrer. J'ai ce petit stylo de, je ne sais même pas ce que c'est. C'est peut-être le gris de Payne. Et si je mets ça à côté de mon gris mixte, tu peux voir, eh bien, oui, c'est gris, mais ce n'est pas très intéressant. Je n'utilise donc généralement ces couleurs dans mon carnet de croquis que pour les croquis de la nature lorsque je veux peindre quelque chose de vraiment noir, comme un oiseau noir ou un BlackBerry. Comme je l'ai dit. D'habitude, j' essaie plutôt de me tourner vers ces grades plus naturels. Elles sont donc bien plus intéressantes. Je pense Il y a une autre petite astuce que je voudrais vous montrer pour ajouter des reflets à vos mixages ou plutôt à vos calques. Et c'est ajouter de la gouache blanche. Je vous ai donc déjà montré ceci et l'une des leçons. Mais je voulais en reparler parce que cela fait partie intégrante de mes activités de dessin. Donc, lorsque vous remplissez le stylo de gouache et de badigeon, vous devez le mouiller à nouveau de manière à obtenir un mélange très épais sur votre pinceau. Donc, pour l'instant, il a une consistance très épaisse une consistance très épaisse et c'est exactement ce que je veux parce c'est ainsi que vous obtiendrez une application opaque sur n'importe lequel de vos mélanges. Donc, oui, essayons ça. Vous pouvez toujours éliminer un peu d' humidité lorsque vous le mettez sur votre chiffon à peindre de la manière suivante. De cette façon, il deviendra encore plus épais. Oui, et lorsque vous souhaitez ajouter des reflets sur l'une de vos couches, essayez simplement de le surligner. Avec cette peinture très concentrée. Si vous le souhaitez, vous pouvez le faire même directement depuis le tube. Donc, si vous voulez emporter un petit tube de gouache blanche avec vous ou l' avoir sur votre bureau. Ensuite, le meilleur moyen est d'entrer directement dans le tube avec un pinceau, légèrement humide, et de ramasser le pigment. De cette façon, vous obtiendrez couches de peinture épaisses très concentrées. Mais sachez également que cela, dans cet état, est difficile à répandre. Vous pouvez donc bien sûr avoir des effets différents avec cela. Et une autre technique intéressante, si vous en retirez une grande partie de l'eau, vous pouvez obtenir ce type d'effet de brosse sèche. Cela demande donc un peu de pratique. Je ne suis pas très doué pour le montrer en ce moment. Mais si vous avez plus de pigment sec que d'eau sur votre pinceau, vous pouvez obtenir ces textures intéressantes. Mais le rapport entre peinture et l'eau votre pinceau doit être absolument correct pour cela. Il est donc parfois utile de tamponner un peu le pinceau. Et puis vous pouvez obtenir ces textures très intéressantes qui peuvent décrire en quelque sorte ce large film laineux sur les feuilles que vous pouvez parfois voir ou texturer sur des fleurs. J'aimerais vous encourager à essayer différentes choses avec votre palette. Mélangez différentes couleurs, essayez d'obtenir couleurs exactes de la nature. Donc mélangé directement. Qu'est-ce qui donne la couleur exacte que vous voyez devant vous et voyez jusqu'où vous pouvez aller avec votre pastille ? Si vous n'arrivez pas à faire correspondre exactement la couleur, vous devez peut-être ajouter un ajout à votre palette. J'espère que cette exploration vous a été utile. Ce ne sont là que quelques-unes des façons dont vous pouvez obtenir différents mélanges et différentes couleurs à partir de votre palette d'aquarelles. 16. Ajouter des ombres convaincues: Parlons de la façon d'ajouter des ombres. En esquisse. Très souvent, vous pouvez voir des peintres utiliser des couleurs d'ombre à base de pigments bleus et terreux. Et nous en avons parlé lors de la leçon de mixage. Et celles-ci sont d' une variété intéressante allant du froid au chaud et peuvent produire des ombres très sombres. Et pour les ombres projetées par des bâtiments, des arbres ou quatre études, elles sont parfaites. Vous pouvez voir que l'ombre sous ce lézard est une autre combinaison de ces éléments. C'est un peu bleuté ou violacé. Et je trouve que cela fonctionne très bien pour donner à l'animal une ombre convaincante. Mais pour les croquis botaniques et ombres qui apparaissent directement sur l'objet plutôt que quelque part à proximité. Je trouve que je préfère souvent une ombre moins visible parce que vous ne voulez pas remplacer votre délicat croquis de fleurs sauvages par une ombre bleu foncé ou une ombre violette. Et j'utilise souvent ce que j' appellerais une ombre botanique. Cela signifie simplement une version légèrement plus foncée et plus intense de la couleur de la plante elle-même. Pour un capitule rose, il peut s'agir d'un violet ou d'un rouge plus foncé, comme vous pouvez le voir ici et ici. Et pour une fleur jaune, cela peut signifier un jaune plus foncé ou même un ocre légèrement jaune mélangé. Ensuite, si nous regardons des verts, cela peut être un vert légèrement plus foncé et intense. Voici une plante bleue et vous pouvez voir que j'ai placé des couches de bleus légèrement plus foncés pour intensifier les zones de la plante et donner l'apparence de différentes situations de lumière et d'ombre qui se produisent. Voici un autre exemple de fleur de pommier presque blanche très délicate. Et j'ai en effet utilisé une ombre légèrement violette pour indiquer les fleurs qui sont dans l'ombre ici. Mais j'ai aussi ajouté le moindre soupçon de rose rosé pour montrer qu'il ne se passe pas que cette ombre bleutée. Et pour ce genre de fleurs délicates, il faut vraiment faire attention. Si vous utilisez une version plus foncée de la même couleur, cela donnera une certaine luminosité à votre croquis. Et au lieu de simplement l' aplatir et d'y ajouter des zones sombres la plante aura une sensation plus tridimensionnelle. Voici un autre exemple avec une page de ces fleurs printanières vraiment délicates qui ont ces ombres vraiment subtiles. Et j'ai essayé d'y ajouter des tons moins durs, donc juste un violet légèrement plus foncé. Et il se trouve qu'il me reste un croquis qui est en quelque sorte inachevé. Et j'aimerais vous montrer comment j' aborde maintenant l'ajout d'ombres à ces croquis. J'ai donc commencé par mélanger un mélange violet très subtil, légèrement plus foncé, qui correspond à la couleur de la fleur. Pendant que je l'applique, je pense à ces lignes douces que vous pouvez voir sur la fleur. Et je tiens à respecter cela et à en tenir compte dans mon sketch. Lorsque j'applique de la peinture, je n'ajoute pas simplement des zones plus sombres. Je veux créer ces ombres. Je veux aussi qu'ils ne soient pas trop intenses et trop sombres. Parce que c'est une fleur printanière très délicate, comme je l'ai dit à plusieurs reprises. Et vous pouvez le voir sur le côté gauche, je trouve presque que la concentration du pigment est trop foncée et trop forte. Et en fait, notre effacement s'est fait un peu plus tard. Pour l'instant, j'applique la peinture en mouvements de scintillement pour vraiment faire passer les lignes douces et délicates. Je fais le tour de la fleur, en ajoutant plus d'intensité à certaines couches, puis en retirant, j'ai tracé un peu la peinture sur la gauche. Et dans l'ensemble, je pense que cela donne à la fleur un aspect beau et réaliste sans la submerger de peinture foncée. Voici un autre exemple, et je l'ai choisi car ajouter des ombres au jaune peut être un peu délicat. Je mélange donc de l'ocre jaune et un peu de jaune pur. Et j'applique la peinture presque avec un pinceau sec. Donc très, très soigneusement pour ne pas surcharger le croquis déjà existant. Et j'essaie aussi de faire correspondre mes mouvements de pinceau à la forme de la plante. Je pense donc à la rondeur lorsque j'applique la peinture en cas de doute, sans trop en ajouter au début. Vous pouvez toujours intensifier la couleur plus tard. Et c'est ce que je fais à l'ombre verte ici pour la faire correspondre à l' ombre jaune plus intense du croquis. 17. Exemples de textures différentes: Je voudrais également vous montrer comment obtenir des textures intéressantes dans vos croquis. La texture peut donc vous aider à affiner votre croquis de fleur et à le rendre plus intéressant. Ne vous contentez pas d'ajouter des détails partout, uniquement dans les domaines sur lesquels vous souhaitez vous concentrer ou que vous souhaitez rendre plus intéressants et attirer sur lesquels vous souhaitez vous concentrer ou que vous souhaitez rendre plus intéressants et attirer l'attention du spectateur. Les textures peuvent donc être obtenues à l'aide outils de dessin ou de peinture, et suivent souvent cette approche technique mixte et utilisent ce qui me donne le meilleur effet, que ce soit de la gouache blanche ou de la couleur. crayon, ou peut-être même simplement différentes couches d'aquarelle. Je vais utiliser de l'encre et un crayon pour un dessin au trait très net et aquarelle pour ajouter de la couleur. Et puis j' ai souvent un crayon de couleur ou un stylo gel ou un peu de badigeon pour les reflets et les textures. Et vous pouvez le voir sur ce croquis, j'ai simplement oublié certaines zones pour obtenir l'illusion d' avoir une feuille brillante sur la fleur. Vous pouvez donc également utiliser des reflets bleus ou blancs. Comme je l'ai fait dans ce sketch. J'ai ajouté un peu de blanc, je crois que c'était un crayon de couleur. Montrez que cette feuille est brillante et présente des reflets et que plus CRISPR, les reflets sont brillants, plus la feuille est brillante. Voici un autre exemple de méthode très simple pour montrer la texture en faisant quelques coups de crayon simples pour montrer la pilosité de la tige. Vous pouvez également le faire en ajoutant un effet de pinceau sec si vous avez très peu de peinture sur votre pinceau , puis en effectuant ces petits mouvements avec un pinceau. Vous pouvez également montrer la sécheresse d'une zone, d' une feuille ou d'une tige. Une autre chose que vous pouvez montrer est la bosselure de la feuille. Donc, si vous peignez dans les ombres causées par les bosses et que repérez que quelques reflets le long du bord ou sur la feuille, vous ne repérez que quelques reflets le long du bord ou sur la feuille, la feuille apparaîtra bosselée et structurée et attention à ne pas l' appliquer partout. Cela aura l'air légèrement mécanique si vous le faites. C'est vraiment le cas pour toutes ces textures que vous pouvez ajouter. Soyez très prudent avec le type d'effets spéciaux. Une autre chose que j'aime souvent inclure est de montrer des feuilles abîmées , fanées ou grignotées parce que cela rend le croquis plus intéressant. Et ils peuvent également vous donner des informations sur d'autres espèces ou sur d'autres animaux qui vivent dans les environs, ou peut-être même sur la saison. J'ai trouvé qu'il y a bien plus intéressant que de simplement dessiner une fleur parfaite. 18. Feuilles : dessiner des bases de l'utilisation: Parlons du dessin de feuilles. est donc assez facile de dessiner une feuille plate comme celle-ci. Vous commencez en quelque sorte une ligne centrale ici avec cette veine médiane. Ensuite, vous essayez simplement d'ajouter les pièces autour du côté gauche et du côté droit, souvent symétriques. Et à partir de là, vous pouvez ajouter d'autres veines qui sortent de la veine moyenne. Et si vous dessinez des feuilles, vous n'avez pas toujours besoin d' ajouter chaque veine Il est donc normal d'en dessiner quelques-unes et de laisser le cerveau s'occuper du reste, pour ainsi dire. Et si, si vous avez ce schéma approximatif, vous pouvez également ajouter les petites indentations que vous pouvez voir. Affinez un peu le contour, en fonction de l'apparence réelle de la feuille. Il n'y a donc pas trop de bosses et de dentelures, mais je suis sûr que vous avez compris l'idée. Alors dessinez et partez d'en haut. Dessiner une feuille plate est assez facile. Mais qu'en est-il des feuilles sous différents angles, comme cet arrangement ici ? Cela pourrait en fait être un peu plus compliqué. Et ce que je trouve utile c'est de regarder la ligne centrale de la feuille. Donc, cette veine médiane ici. J'essaie de voir cela comme une ligne se déplaçant dans un espace tridimensionnel. Lorsque je dessine des feuilles, j' aime bien commencer par ceci, par cette veine centrale, par une veine centrale, comme je l'ai fait pour la feuille plate. Ensuite, j'ajoute les formes et les courbes simples qui l'entourent pour indiquer la direction de la feuille. Alors laisse-moi te montrer ce que je veux dire. Je commence par une ligne centrale. Par rapport à cela. J'ajoute les deux côtés de la feuille. Et puis à partir de là, je peux ajouter les autres feuilles. Il y a donc une grande feuille derrière. Et encore une fois, je vais commencer par la ligne médiane. Ensuite, je peux ajouter du côté gauche et du côté droit, et peut-être même des veines plus petites. Ainsi, après avoir placé ces formes principales, vous pouvez continuer à ajouter des indentations, des bosses ou des bords dentelés plus petits , comme je l'ai fait pour cette feuille ici. Et faites également très attention à la ligne centrale des feuilles pliées ou raccourcies comme celle-ci. Je peux donc voir un peu la face cubitale de cette feuille et je sais que c'est la ligne centrale, donc elle vient vers moi. Et je dois trouver comment le dessiner. Cette ligne centrale de veine médiane doit être un trait continu, même si vous ne pouvez pas tout voir. Je trouve utile d'imaginer qu'on peut voir à travers les différents plans d' une feuille pour voir le cubitus et le reste de la feuille, puis construire le bord de la feuille autour de celle-ci. Vous pouvez toujours l'effacer plus tard. Je sais donc que je peux voir la face ulnaire, je peux voir la veine centrale et je sais que cela continue ainsi. Maintenant, je peux le dessiner dans la face interne qui correspond au reste de la veine centrale ici. Ensuite, je peux ajouter le reste de la feuille, comme ça. Ça me paraît bien. Maintenant, il y a une autre feuille plus petite que je vais insérer. C'est assez simple. Ensuite, je devrai trouver comment placer cette feuille. Donc, cela vient aussi un peu à ce que je veux dire. Je me demande où placer. C'est peut-être comme ça. Et encore une fois, je vais commencer par la veine centrale. Et je vais en faire une mesure parce que c'est assez court, donc ça vient vers moi. Je dois le montrer d' une manière ou d'une autre dans mon dessin. Ne vous laissez donc pas berner par la durée réelle de la croyance lorsqu'elle est raccourcie, il se peut que ce soit une ligne très courte que vous tracez. Il y a un petit côté grignoté ici. Et puis ça continue quelque chose comme ça. On peut voir un peu de la tige puis le reste de la feuille en continu. Dessinons donc la prochaine paire de feuilles. J'ai donc de nouveau ma ligne médiane. Et de là, je peux voir la face supérieure de la feuille. Et de mon point de vue, juste un peu plus bas. Je dois donc respecter cela. Je sais que ma ligne centrale disparaîtra quelque part ici, qu'elle se chevauchera. Je sais que ça doit continuer comme ça. Si je dessine aussi l'autre côté de la feuille. Alors faisons-le encore une fois. Pas dans le cadre de ce complexe, en forme de feuille, mais en tant que feuille unique ici. Vous commencez donc par votre veine médiane, puis vous ajoutez l'un des côtés. Et peut-être ajouter la partie de l'autre côté où elle se chevauche. Et n'oubliez pas que toutes les lignes doivent se rejoindre à ce stade, à la fin. C'est ici que vous vivez, où tout doit se réunir à la fin. Ensuite, lorsque vous aurez terminé avec cette structure principale, vous pouvez la renforcer en ajoutant de la texture, de la couleur. Les feuilles sont généralement un peu plus claires sur la face inférieure. Cela peut donc vous aider si vous ajoutez de la couleur. Il suffit donc d'en être conscient. Lorsque vous dessinez des feuilles pliées ou raccourcies, la nervure médiane doit toujours être d'un trait continu, même si vous ne pouvez pas toujours la voir. 19. Feuilles : ajouter une couleur réaliste: Ensuite, je veux vous montrer comment j' ajoute de la couleur à mes feuilles et je veux que cela reste beau et souple. Je veux donc vraiment profiter de la technique de l' aquarelle ici. J'ai prémixé quelques tons verts différents. Un modèle légèrement plus chaud et plus jaune, mais qui peut être ajusté très facilement avec un peu de bleu cobalt. Ensuite, j'ai un mélange légèrement plus léger et plus frais, pour la face inférieure des feuilles. Et souvent, le dessous des feuilles a une couleur plus claire. Bien entendu, cela dépend en grande partie de la lumière et de l'ombre et façon dont elles tombent sur vos feuilles. Vous pouvez voir que j'ai juste ajouté un peu de bleu cobalt pour obtenir un ton vert plus foncé et plus froid. Et de cette façon, j'essaie de peindre avec un lavage très, très humide. J'ai essayé de peindre l' intérieur de ma feuille. J'essaie de laisser la nervure médiane blanche pour qu'elle soit un peu plus claire que la couleur des feuilles environnantes. Ce que je veux réaliser dans cette première étape, c'est avoir une bonne première approximation, un premier lavage agréable et intense sur lequel je peux m'appuyer. Je ne prévois pas de faire trop de couches pour ces feuilles car je ne veux pas les surcharger. Je veux que tout reste vraiment souple. Et pour cela, j'utilise beaucoup de couleur dès le premier lavage. Vous pouvez donc me voir faire des lignes étranges avec mon pinceau. Et ce sont les bords les plus foncés de la feuille et les renflements du milieu vers le haut , puis vous obtenez une partie plus claire de la feuille. Ce type de changement de couleur est important pour montrer où se trouvent ces renflements et ces ondulations sur la feuille . Et j'ai essayé de l'inclure dès la première couche. Bien entendu, les pigments pour aquarelle feront toujours leur travail et les choses auront probablement un aspect un peu différent lorsque la couche de peinture sera sèche. Mais j'ai toujours cette bonne couche de base sur laquelle je pourrai travailler plus tard. J'essaie donc d'avoir quelques zones plus sombres et des zones plus claires. Et si c'est quelque chose que je peux voir une fois que la peinture les a séchées, c'est une excellente base de travail. J'ai ajouté plus de jaune à mon mélange vert. Donc, en gros, j'ajuste mon green au fur et à mesure. Non, j'utilise rarement des légumes verts prémélangés et si c'est le cas , je m'assure d'y ajouter du jaune et du bleu, et souvent juste un peu de rouge ou de brun. Et cela a pour effet que le vert aura un aspect un peu plus naturel si vous réduisez un peu l'intensité de la peinture. Je profite de l'occasion, la peinture est encore humide, donc je peux ajouter plus de pigment, ce qui rend certaines zones un peu plus foncées et un peu plus froides à cause du bleu. Pendant que je peins, je veille à ne pas peindre deux zones à côté de l'autre qui sont encore humides parce que je ne veux pas qu' elles se mélangent. Je laisse donc les choses sécher avant appliquer la couche de peinture sur la face inférieure de la feuille ou sur les petites feuilles du milieu et aussi pour la tige. De cette façon, je peux m' assurer d'avoir beaux bords nets et c'est ce que je veux que mes feuilles soient lisibles comme des feuilles individuelles. Pour ces zones plus claires. J'utilise le mélange léger que j'ai préparé et j'y ai ajouté du titane chamois, qui est une couleur crème claire légèrement opaque. Et cela donne à ces zones cet effet doux et sourd que je recherche ici. Et encore une fois, je laisse tout sécher. Et comme dernière étape, je veux juste renforcer certaines lignes avec un crayon de couleur. Je pourrais y revenir à l'aquarelle. Mais comme je l'ai déjà mentionné, le crayon de couleur et la pointe fine me permettent de préciser où j'ajoute de la couleur, où je veux renforcer les lignes. Je suis un grand fan de cette approche technique mixte pour le sketch. Je change mon crayon de couleur en vert légèrement plus foncé pour montrer les bords, les bords des feuilles au premier plan. Et cela contribue également à la tridimensionnalité. J'ajoute également les petits épis sur le côté de la feuille, ce qui donne à l'ensemble de la structure un peu plus de texture un peu plus d'intérêt visuel. Je fais des allers-retours entre un crayon de couleur et des couches d'aquarelle supplémentaires ici. Et ce que je voudrais faire à cette étape c'est souligner un peu plus les verts foncés. Et je le fais avec un mélange assez concentré d'un vert foncé frais, auquel j'ai ajouté beaucoup de bleu. Et je passe en revue les zones où je vois des ombres, où je vois cette couleur verte plus foncée. Je fais attention aux petites veines que je peux voir sur les feuilles. Je sais que je pourrai faire ressortir cet effet un peu plus tard avec un crayon de couleur. Mais si je suis conscient de ces domaines maintenant, cela me demande un peu de travail supplémentaire. Et dans certaines zones de la feuille, il y aura bords doux et des dégradés doux. Et j'essaie de les mélanger avec un pinceau propre qui répartit le pigment jusqu'à ce qu'il n'y ait que le bord doux et pas vraiment le bord dur. Je me fraie un chemin sur toutes les feuilles avec cette technique. J'ai essayé de garder mes coups de pinceau frais et spontanés afin d'éviter tout excès de travail. Cela représente toujours un danger lorsque vous travaillez sur des feuilles car elles présentent de nombreuses lignes, pompes et textures complexes . Mais je ne veux pas que ce soit trop dur et trop travaillé. Enfin, encore une fois, tout est sec. J'ajoute un peu de glaçage jaune. Et avec cela, je veux juste faire ressortir un peu plus les zones claires des feuilles. Encore une fois, je prends du temps pour chaque feuille et je l'observe de très près. Et maintenant, comme dernière étape, je passe à nouveau à mon crayon de couleur. Et je veux juste faire ressortir certains bords, certaines des zones les plus définies pour m'assurer qu'ils sont vraiment nets. Je veux aussi ajouter un peu de texture, renforcer certaines veines que je peux voir. Dans cette étape, j' ajoute des détails et intérêt à ma peinture de feuilles ici. Je ne veux pas mettre l'accent partout. Je voudrais simplement souligner quelques domaines qui, à mon avis, pourraient être intéressants ou des domaines qui se situent au premier plan qui devraient attirer l' attention, pour ainsi dire. Et donc oui, juste certains des domaines qui nécessitent un peu plus de travail. ce stade, il est important de trouver un point où vous devriez vous arrêter, car c'est vraiment très amusant d'ajouter toutes ces textures. Mais vous devez tout de même vous assurer de ne pas trop travailler sur votre croquis. 20. Wild Oregano : lâche mais précise: Dans cette démo, je veux vous montrer un autre exemple de fleur qui semble très complexe, mais qui peut également être esquissée de manière très lâche. Et voici de l'origan sauvage. Il s'agit d'une fleur sauvage qui possède de nombreuses grappes denses de très petites fleurs. Et, euh, oui, au lieu de dessiner chaque petit détail et chaque petite fleur, j'opte pour une approche plus souple. Je regroupe les éléments. Et oui, comme vous pouvez le voir, je suis passé du crayon au crayon de couleur comme je le pense. Cela accélérera également un peu plus le processus. Je dessine mes contours avec différentes couleurs. Et dans l'ensemble, j'essaie juste de bien comprendre les caractéristiques de cette situation. Et cela peut être réalisé de la meilleure façon en étudiant le fonctionnement des fleurs, disposition de ces grappes et la manière dont les éléments individuels sont construits. Pendant que je dessine cela, je pense toujours à la rondeur de ces grappes de fleurs, au premier plan et à l'arrière-plan. Ce que je veux apporter à l'avant, ce qui devrait rester dans le sac et peut-être être plus pâle. Donc, petit à petit, je développe mon travail hiérarchique ici. Et j'essaie d'être précis mais je perds quand même. Je ne m'inquiète donc pas pour chaque forme individuelle. J'essaie juste d'obtenir la ressemblance des formes. Et pour être honnête, ce qui m'aide ici c'est que j'ai déjà dessiné cette fleur en particulier quelques reprises et que ma référence n'est pas vraiment bonne. Je le dessine à partir de la même référence que vous pouvez voir dans le coin supérieur. Et ce n'est pas vraiment centré sur les détails. s'agit donc pas d'une macrophotographie et je peux tourner la fleur dans ma main pendant que je dessine et regarder de plus près ces très petites parties de fleur simples et délicates. Je dois donc me contenter cette approximation de la fleur que je peux donner ici dans mon croquis. Aussi précis que possible. Je mélange maintenant mes couleurs de peinture et je passe à la première couche d'aquarelle. J'ai essayé de prémélanger la plupart des couleurs dont j'aurais besoin. Un vert plus froid, un vert plus chaud, puis ce vert rouge sourd fait à partir de violet pérylène et du vert existant que j'ai. Jusqu'à présent, ces petits stocks, j'utilise mon tout petit pinceau. Et c'est un autre concept que je voudrais vous faire connaître. Pour les croquis lâches, vous n'avez pas toujours d'utiliser de très gros pinceaux. Je fais tout cela avec un pinceau de taille 1 ici. Cela est également dû, bien entendu, à la nature très délicate et complète du plan que je suis en train d'esquisser. Donc, dans l'image de référence, il y a beaucoup de soleil, beaucoup de contraste. Mais je ne veux pas que ça apparaisse dans mon croquis. Je veux unifier un peu plus les couleurs. Donc, par exemple j'utilise le même vert pour presque toutes les feuilles que je vais peindre. Cette sorte de vert pâle qui se trouve plutôt sur le côté bleu. Et il se trouve que c'est la couleur que vous obtiendrez pour cette plante sous un éclairage neutre et sans beaucoup de soleil. C'est donc ce que je cherche ici. Et deux ou trois feuilles peuvent paraître un peu différentes, peut-être un peu plus chaudes. Je suis en train de peindre ça en ce moment. Et ce n'est pas grave, mais je ne veux pas ces arêtes dures que vous pouvez voir dans la référence. Lorsque vous mélangez et appliquez Green's, je trouve toujours utile d'ajouter un peu de rouge ou un peu de terre ou d'orange pour réduire la luminosité et le caractère criard de la couleur verte. En particulier lorsque vous utilisez des légumes verts prémélangés. Je peins ici dans les parties les plus sombres de la grappe de fleurs. Donc ces petits sépales contiennent à peu près violet de Perlin dilué. Comme je l'ai dit, c'est une couleur vraiment utile. En faisant cela, j'essaie de réfléchir à la forme que je connais de ces éléments, mais je vais aussi essayer de rechercher formes intéressantes que je peux voir dans mes références. Je ne veux pas que ça ait l'air collé. J'ajoute également quelques zones plus contrastées pour obtenir à nouveau ce type d' effet tridimensionnel. Une couche, puis laissez-la sécher , puis ajoutez une autre couche par-dessus. Je fais cela pour tous les éléments. Le stock, bien sûr, qui a également les mêmes tons de rouge inconnus. Et je passe un peu plus de temps là-dessus et encore une fois sur les feuilles. Ensuite, je suis prête à peindre dans les fleurs. Ce n'est qu'une de mes stratégies personnelles. J'essaie toujours de laisser la partie la plus amusante pour la fin, afin d'avoir quelque chose à attendre avec impatience avec mon sketch. J'y vais avec un mélange de roses très dilué ici et avec, comme pour les autres zones, je construit les parties les plus sombres en plusieurs couches, petit à petit, et j'essaie aussi de laisser autant d'espaces blancs et de perdre autant que possible parce que je ne veux pas peindre en fleurs simples. Je veux montrer l'ensemble de la grappe de fleurs. Et pendant que je regarde ma référence, je serre légèrement les yeux. Cela permet de voir plus facilement les zones claires et sombres et les contrastes. fur et à mesure que j'ajoute des couches sur le dessus, j'utilise une peinture plus concentrée afin que les zones situées à l'avant et légèrement dans l' ombre apparaissent plus foncées. C'est donc ce que je veux atteindre. Je veux généralement plus de détails et plus de contraste. Le devant puis les zones plus diluées, les zones moins détaillées à l'arrière de la fleur. Et cela donne un très bel effet tridimensionnel. Le croquis semble donc toujours assez lâche. Et j'aime bien ça. Je voulais rester comme ça, mais je veux ajouter quelques derniers détails avec des crayons de couleur. Je vais entrer ici avec ce crayon jaune et ajouter juste un tout petit trait pour ajouter quelques contrastes et éléments à regarder plus intéressants. C'est donc en gros ça, l'origan sauvage dans un style aquarelle très lâche. 21. Extra : termes botaniques: Dans cette leçon, je voudrais vous présenter quelques termes botaniques. Et j'ai inclus cette partie comme leçon supplémentaire parce qu'il n'est pas absolument nécessaire de connaître des termes botaniques pour produire un bon croquis. Mais cela peut être très utile. Et généralement, il y a une section devant la plupart des guides de terrain qui explique termes botaniques et peut vous aider à identifier fleurs sauvages et à les différencier des fleurs similaires. Et comme vous pouvez le constater , il s'agit d'une grande variété de formes de feuilles et de fleurs que vous n'avez pas à mémoriser. Cependant, quelques connaissances sur les parties de base d'une plante vous seront utiles. Les plantes se présentent dans une incroyable diversité formes, de tailles et de couleurs. La majorité des plantes sont donc plantes à fleurs appelées angiospermes. Les plantes à fleurs ont généralement une partie au-dessus du sol, qui est la goulotte composée d' une tige et de feuilles, de bourgeons et de fleurs, et une partie souterraine, qui est le système racinaire. Il existe de nombreuses variantes de cette structure de base, que vous pouvez voir ici. Ainsi, la structure d' une fleur peut être décomposée comme ceci. Il y a les sépales, qui sont une série de feuilles modifiées, souvent vertes. Et c'est cette partie ici, cette partie, et aussi cette partie. Et ceux-ci sont destinés à la protection de la partie interne de la fleur. Ensuite, il y a les pétales. Ce sont également des feuilles modifiées et elles sont généralement colorées et constituent la corolle. Et c'est ce que nous appellerions classiquement la fleur elle-même. Donc, cette partie colorée, ce sont les pétales. De nombreux pétales sont colorés et présentent des lignes ou des points proéminents pour attirer les pollinisateurs. Ce genre de pistes d' atterrissage qui mènent au centre de la fleur. C'est là que se trouvent les organes producteurs de nectar au bas des pétales. Ensuite, nous avons les étamines. Ce sont les organes mâles de la fleur. Et chaque déclaration indique la Pologne à l'extrémité, qui forme les anthères des parties fertiles de l'étamine. Et puis vous avez ce stock, c'est ce qu'on appelle le filament. Ensuite, nous avons les organes féminins des fleurs, on appelle les carpes. Ils sont composés d'un ou de plusieurs ovules dans un ovaire. Ensuite, nous avons un stock qui s'appelle style. Et au sommet, il y a un tube réceptif appelé stigmate. Et c'est la partie qui recueille le pollen des anthères lors de la pollinisation. La pollinisation est généralement réalisée par insectes et même des oiseaux ou des chauves-souris. Et c'est ce qui détermine la production de graines et le mouvement. Toute la fonction de la fleur, si tu veux. polynômes sont souvent attirés par la vue ou l'odorat et le nectar des fleurs peut être une importante source de nourriture pour eux. Pendant le processus d'alimentation, les pollinisateurs transportent par inadvertance le pollen d'une fleur à l'autre, et c'est ce qui déclenche la pollinisation. De plus, lorsqu'elles pollinisent les plantes, elles n'ont pas besoin de belles fleurs ni de nectar, et elles ont perfectionné leur structure pour se disperser et récolter la Pologne par le vent. Les anthères, les parties mâles de ces plantes, produisent de grandes quantités de pôles lumineux qui peuvent être transportés par voie aérienne. Et la partie féminine, le stigmate, est souvent assez plumeux, ce qui est une immense surface pour recueillir le pollen et les herbes et de nombreux arbres en sont un exemple. Il existe une incroyable variété de formes de feuilles que je n' essaierai même pas d'expliquer. Vous pouvez également vous référer aux guides de terrain pour en savoir plus. Tous les noms y sont expliqués et vous n'avez pas besoin de mémoriser chaque nom pour dessiner des feuilles. Eh bien, mais si cela vous intéresse, il est certainement possible que vous puissiez apprendre tous ces différents noms. Néanmoins, les feuilles ne sont certainement pas à négliger car elles peuvent souvent donner des indices très importants pour identifier un plat. De plus, ils sont amusants à dessiner. La chlorophylle, un pigment vert, absorbe la lumière du soleil et produit des glucides, qui sont du sucre par photosynthèse. Il s'agit d'un processus fascinant. Sur certaines feuilles, vous pouvez voir le pigment vert car il est masqué par des pigments rouges ou oranges, comme chez cette plante ici. Et ce sont aussi des plantes de couleur blanche ou crème qui ne produisent pas du tout de chlorophylle. Ces plantes dépendent d'une relation parasitaire avec d'autres espèces de champignons : les arbres et les feuilles sont souvent plates, avec une nervure centrale à partir de laquelle des nervures supplémentaires se ramifient , formant un réseau dense qui peut distribuer de l'eau et de la nourriture. De cette façon, les instructions peuvent être difficiles à afficher et il n'est souvent pas nécessaire de les afficher dans leur intégralité, mais simplement de les indiquer. De nombreuses feuilles ont des faces supérieure et inférieure d'apparence différente et peuvent souvent s' enrouler pour éviter la perte d'eau. Et de cette façon, montrez les deux faces à l'observateur. La feuille est reliée à la tige par le pédoncule. Et souvent, il y aura un petit bourgeon juste au point de connexion. Mais comme les feuilles et les plantes sont si différentes, il existe vraiment, c'est vraiment la meilleure stratégie qui consiste à observer de très près chaque plante à laquelle vous avez affaire. 22. Esquisse de terrain vs références photo: Dans cette leçon, je voudrais expliquer un peu pourquoi je fais des croquis alimentés. Beaucoup de personnes m'ont posé cette question parce qu' il peut sembler illogique de sortir, s'asseoir dans un endroit inconfortable soumis au vent et aux intempéries, puis d'essayer de dessiner cette petite plante minuscule devant vous pendant que vous êtes mordu par des insectes et brûlé par le soleil. Pourtant, une grande partie de mes croquis de fleurs sauvages se fait sur le terrain directement devant la fleur. Et dessiner sur place est pour moi une activité à la fois exaltante et très apaisante, si vous pouvez le croire. Et j'ai beaucoup de merveilleux souvenirs et de nombreux carnets de croquis de mes journées passées à dessiner à l'extérieur. Je me rappelle chaque jour où je regarde mes carnets de croquis, le vent et les sons qui m'entourent, la sensation d'être entourée par la nature. C'est tout simplement ce qu'il y a de mieux. Étudier les fleurs, m'en rapprocher en dessinant, c'est inestimable pour moi. Vous n'avez donc pas besoin d' aller bien loin pour l'essayer pour vivre ces petites aventures de croquis. Si vous voulez essayer cela, essayez simplement une séance dans le parc, apportez votre carnet de croquis, apportez un crayon et rendez-vous dans un champ à l'extérieur de votre ville. Cela fera également l'affaire. Ce sont des fleurs sauvages à découvrir partout et souvent dans les endroits les plus insolites. Et j'aimerais également plaider en faveur d'un croquis directement à partir d'une plante et d'un ensemble de croquis à partir d'une photo. Donc, si vous travaillez uniquement à partir de photos à la maison, ce qui est très bien, c'est très confortable, très pratique. Je le fais souvent lorsque j' illustre un plan. Cela peut avoir ses inconvénients. Les photos peuvent donc apporter des distorsions à fois en perspective et en couleurs. Et vous ne pourrez pas faire pivoter votre sujet pour regarder de tous les côtés comme je l'ai fait. Et de nombreuses démonstrations où je vous ai montré à quel point fleurs peuvent avoir une apparence différente si vous les retournez. Comme c'est formidable de pouvoir faire une telle chose, comme regarder de plus près, tourner un pétale. C'est vraiment inestimable. Si vous avez la fleur directement devant vous, il peut faire toutes ces choses. On ne peut pas faire ça avec une photo. Vous obtiendrez simplement la meilleure compréhension d'une fleur en la dessinant à partir de la vie. Je voudrais donc vous encourager à l'essayer si ce n'est pas déjà fait. C'est une activité vraiment amusante. Je vais partager quelques conseils pratiques supplémentaires pour faire des croquis sur le terrain et une autre leçon. Mais permettez-moi d'ajouter que je ne trouve rien de mal à travailler à partir de photos. Si vous, si vous gardez certains aspects à l'esprit. Comme je l'ai dit, je travaille tout le temps à partir de photographies lorsque je dois terminer des illustrations de plantes qui ne sont peut-être pas de saison ou d' animaux que je n'ai jamais vus. Cela se produit tout le temps. Il vous suffit donc d'être conscient des problèmes que peuvent poser les photos et de la manière d'éviter de les copier dans votre croquis. Et même si tu fais ça, ce n'est pas la fin du monde. Donc, apprécier le processus de dessin est vraiment la chose la plus importante, et c'est vraiment ce qui compte, je pense. Donc, si vous avez commencé votre croquis sur le terrain et que vous n'avez plus de temps, prenez des photos de la plante que vous avez esquissée ou faites ces petits échantillons de couleurs comme je l'ai fait ici. Ensuite, il vous suffit de terminer le croquis chez vous en toute tranquillité à votre bureau. Quelles photos ou plus sont des détails et des textures. Elles sont souvent plus faciles à voir à partir de photos de référence. Donc, si vous avez une photo de près ou une macrophotographie du détail d'une plante qui, en réalité, n'est que aussi petite que c'est souvent le cas avec ces poches très détaillées, comme sur cette page, alors vous serez Je suis content que tu aies une photo que tu peux faire exploser en grand. Ensuite, vous pouvez voir des détails que vous n' auriez pas découverts sans elle. Soyez donc conscient des possibilités et des limites que la photographie de fleurs peut apporter. Et soyez conscient de ce que vous copiez dans vos croquis. 23. Esquisse de terrain pt1 : Bellflower: C'est censé être un lac ici. Jetons un coup d'œil. Oui. En fait, c' est très beau ici. Regarde tout ce truc vert. J'ai décidé de m' asseoir ici sur une bûche près du lac et d'esquisser certains des flux de travail locaux qui m'entourent. Et je pense qu'ils s'intégreront parfaitement au reste de la page. Ensuite, je vais faire cette belle présentation avec ces deux paysages et ensuite quelques fleurs locales. Cela a donc fonctionné sans même que j'y pense. Je vais donc remplir cette partie de la page avec certaines de ces belles fleurs qui se sont abandonnées autour de moi. Ok, juste un tout petit peu de couleur ici. J'ajoute juste une couche très légère que je vais laisser sécher. Ensuite, je passerai à nouveau en revue les zones les plus sombres. Faites ressortir un peu plus la tridimensionnalité de cette chose. Les bourgeons. Nous allons juste obtenir un tout petit peu de couleur. Et je pense que ce ne sera pas facile à voir pour vous, alors je m'excuse pour l'éclairage. J'ai donc pensé que ce serait bien d'avoir un peu plus de précision et définition dans le tracé. J'ai donc sorti mon, l'un de mes stylos à plume que j' avais moi. Je n'arrive pas à l'atteindre. Et j'ai ajouté quelques lignes. J'ai ajouté un peu d'encre. 24. Esquisse de terrain pt2 : Clover: Sur la fleur suivante. Ce n'est pas à moi de choisir celui-ci pour rendre les choses un peu plus faciles. Maintenant, il va falloir que je trouve une bonne perspective. Que diriez-vous de ça ? Si je mets celui-ci ici, je pourrais le placer en troisième position. Tu sais quoi ? Il se peut que j'essaie. Comme j'ai mon stylo plume jaune sur moi, je me suis dit que ça pourrait être sympa. Il suffit de l'utiliser pour les contours. De cette façon, je n'aurai pas besoin d'effacer quoi que ce soit. Je veux vraiment que je trouve des lignes. C'est donc un type de trèfle dont je ne connais pas le nom anglais, mais qui est très apprécié des papillons. Je ne pense pas que je verrai de papillons aujourd'hui à cause de la météo. Malheureusement, j' ai aussi un stylo plume vert. Très pratique, je dois dire. Et bien sûr, le grand avantage de dessiner directement, même si c'est directement dans la vie, c'est que si vous avez votre sujet devant vous, vous n'avez pas à cueillir la fleur pour le faire. Vous pouvez simplement le tourner légèrement regarder de plus près et voir comment il est construit. Et vos croquis auront beaucoup plus de sens si vous le faites. Je te promets que ça vaut vraiment le coup. OK, je vais raccourcir un peu la tige pour pouvoir montrer la feuille. C'est donc le seul inconvénient de l'encre. Que vous ne pouvez pas vraiment apporter de corrections. Cela vous oblige à être très précis dans votre travail de ligne dès le départ. Et là encore, je ne veux pas en faire trop. Je veux juste ajouter très peu de peinture pour ne pas trop travailler. L'avantage de ce croquis maintenant, c'est que j' ai des lignes très nettes et claires. En fait, je dois en faire trop. C'est presque comme peindre par numéros. Maintenant, comme ces parties inférieures du trèfle qui sont légèrement moins intenses. Et puis ces magnifiques tops jaunes dorés. J'assombris légèrement les feuilles avec un mélange de jaune ultra marin et pur. 25. Esquisse de terrain pt3 : fraise sauvage: Et le dernier élément que je vais esquisser est quelque chose de très beau que je viens de rencontrer alors que j'étais assise ici. Ici de la fraise sauvage. Et je n'ai pas de stylo plume rouge sur moi. Je vais donc faire ce croquis avec mon crayon. Il y a un petit élément que j'aimerais changer. Je vais mettre la baie de ce côté parce que je trouve juste qu'elle sera plus belle si la baie pointe vers Ward plutôt que vers l'extérieur. Je vais donc faire demi-tour, tenir comme ça, et ensuite je pourrai vous faire une très bonne idée quoi cela ressemblerait s'il était coincé dans l' autre sens. N'ayez donc pas peur de faire de petits ajustements comme celui-ci. Si ça rend ton croquis meilleur que ça, c'est tout à fait normal. Donc, bien sûr, le plus important ici est le rouge. Je n'ai pas vraiment d' endroit sympa pour mettre des mots. Je dois nettoyer une zone. C'est très intense, n'est-ce pas ? Oui, faisons en sorte que ce soit un peu plus sombre. C'est très agréable. Et comme pour les autres croquis, je vais m'en tenir à ce qui est assez vague. Je veux tirer le pigment sur le côté droit parce que c'est ce qui pointe vers le bas. C'est donc façon subtile et subtile de montrer une ombre et une tridimensionnalité. Maintenant pour celui-ci, oups, je vais juste faire un lavage vert clair. Je n'ai pas vraiment de beau green ici en ce moment, donc je vais devoir faire du snap moi aussi. Oui, je pense que ça va faire l'affaire. Je vais juste ajouter un lavis vert très pâle. Et quand c'est sec, je peux ajouter quelques points rouges dessus. Il faut faire attention car la peinture saigne un peu. Encore une fois, pour ces parties vertes, je pourrais sortir mon stylo plume vert. Pour être honnête, je ne suis jamais trop paresseux pour faire ça en ce moment. Il faudrait que je change de vitesse, que je mélange et que je monte haut. Mais ne le faites pas, je suis content que la caméra soit là où elle se trouve. OK. J'espère que c'est suffisamment sec pour que je ajouter un peu de contraste ici et là. OK. Je pense que ça suffira. Vous montre la page entière. Je pense que j'en suis content. Euh, euh, oui, je vais manger cette fraise maintenant. Délicieux C'est ainsi que la page s'est affichée. Je pense que je vais ajouter quelques textes et une description et peut-être quelques notes quand je serai de retour à la maison. Mais pour l'instant, je vais m'en tenir à ça. 26. Extra : conseils pratiques pour le croquis de terrain: J'ai probablement déjà mentionné quelques conseils pour faire des croquis sur le terrain ici et là avant les leçons, mais je pense que c'est une bonne chose de les réunir tous en une seule leçon. Et en passant, j'avais prévu de faire cette leçon l'extérieur et directement sur le terrain. Mais en tout cas, le temps a été horrible et il a plu. Eh bien, il a enfin plu, ce dont je suis très content. Mais cela signifie que je devrai enregistrer cette leçon en studio à la maison. Je vais vous montrer mon équipement que j'apporte pour chaque sortie de croquis sur le terrain et vous montrerai également quelques trucs et astuces qui me simplifient la vie lorsque je fais des croquis à l'extérieur. Ce sont toutes les choses que je propose. Séance de croquis typique dans la nature. Et je vais passer en revue chaque détail dans une minute. Je veux juste vous faire comprendre que si vous allez faire des croquis dans la nature, ce n'est pas la même chose que de faire des croquis à la maison, dans votre studio ou à votre bureau où vous avez tous vos outils à proximité ce n'est pas la même chose que de faire des croquis à la maison, dans votre studio ou à votre bureau où vous avez tous vos outils à proximité. vraiment confortable. Alors, asseyez-vous. Vous devez donc vous préparer un peu pour que cette expérience soit amusante. Si vous vous préparez vraiment bien, vous aurez plus de temps et d'énergie pour créer de superbes croquis, et c'est ce que nous voulons tous au final. est donc relativement facile de dessiner des fleurs, je dirais parce que les fleurs se trouvent vraiment au même endroit. Ils ne s'enfuient pas. Ils attendent patiemment que vous ayez terminé votre croquis. Néanmoins, vous avez besoin d'un peu de préparation pour réussir en tant que dessinateur de terrain. Ainsi, lorsque vous choisissez votre sac à croquis ou votre sac à dos, le défi consiste à inclure tout ce qui peut le défi consiste à inclure tout ce qui peut être pratique, mais qui peut contenir trop de choses. Je vais vous montrer le sac à dos que j'apporte, et ce n'est pas un grand sac à dos, c'est un sac à dos de jour, donc il ne peut pas contenir trop de choses. Et j'en suis très content, car cela signifie que je n'apporte pas de choses inutiles. Il est donc préférable d'apporter des matériaux qui vous plaisent et avec lesquels vous êtes à l' aise et vous ne devriez pas ajouter trop d' outils en pensant, oh, j'en ai peut-être besoin. Parce que d'abord, vous n'en aurez probablement pas besoin. Ensuite, vous pouvez toujours essayer de nouvelles choses à la maison. J'ai fait l'expérience que je n'ai généralement besoin que d'un équipement très minimal, ou je vous ai déjà montré mes outils et la section des outils. C'est à peu près tout mon matériel de peinture. Je l'ai mis dans le petit sac à dos que je viens de vous montrer. Et oui, je veux dire, ce sont mes objets de peinture, un réservoir d'eau et ma palette. Ce porte-crayon contient tous mes crayons, mes pinceaux et quelques stylos supplémentaires. Je vais donc très rapidement vous montrer à nouveau que ce sont tous mes outils qui sont utilisés pour peindre et dessiner à l'extérieur. Et le reste des choses que j'apporte juste pour me faciliter la vie. Je viens de me rendre compte en montant cette vidéo que j'avais oublié. L'outil le plus important de tous, c'est mon carnet de croquis. Imaginez que cela soit inclus avec tous les autres outils de la table. Il s'agit d'un grand carnet de croquis de Roger. Il fait presque quatre. Je pense que c'est à peu près la taille d'un iPad. Et comme vous l'avez vu lors de mes séances de croquis, me permet d'ajouter cela me permet d'ajouter des croquis assez détaillés et j'y ai beaucoup de place. J'ai beaucoup aimé ce carnet de croquis. C'est fait maison. C'est juste l'ajout que je voulais apporter à section lutéale, car sans carnet de croquis, le kit de croquis ne serait pas complet. Le reste c'est juste pour me faciliter la vie. Alors, qu'est-ce que j'apporte d' autre à boire et à manger, parce que lorsque vous êtes dehors, lorsque vous vous déplacez, vous avez absolument besoin d'un peu d'eau, surtout lorsque vous dépensez quelques heures à l'extérieur au soleil, puis vous aurez besoin de boire et de vous nourrir un peu. Une autre chose que j'utilise chaque fois que je suis dehors, c'est ce peu fou. Donc, en gros, il s'agit simplement d' un tapis de couchage isolant sur lequel je m'asseyais lorsque je suis un pré ou parfois même lorsque je suis sur un banc lorsqu'il fait humide. Cela m'a vraiment été utile et je suis vraiment content de l' avoir emporté avec moi. C'est très léger. Je n'ai donc même pas besoin d'y réfléchir à deux fois avant de l'apporter. Un autre outil vraiment utile est ce parapluie. Et chaque fois que le soleil se lève et que je dessine pour le signer, j'ouvre généralement ce parapluie et je m'assois en dessous. Et ce n'est pas tant pour moi parce que j'ai toujours cette tête allumée quand je suis au soleil. Et vous devez certainement également l'emporter avec vous lorsque vous êtes à l'extérieur pour dessiner. Mais ce parapluie protège mon papier des rayons du soleil. Et c'est pour que mes yeux n'aient pas à s'adapter à la lumière intense du soleil. C'est-à-dire que lorsque le soleil frappe le papier, les choses deviennent vraiment lumineuses et cela peut être très irritant lorsque vous dessinez à l'extérieur. J'aime donc protéger mon papier du soleil chaque fois que je peux. Parfois. C'est aussi une option qui permet de s'asseoir dans l'ombre et vous n' aurez pas ce problème. Mais bien sûr, le parapluie peut également vous aider à vous protéger de la pluie. Mais comme je l'ai dit, j' ai déjà la ferme intention de le faire. Et une autre chose que j'apporte généralement même en été est une veste de pluie très légère. Ensuite, j'ai aussi ce petit sac banane et j'y transporte généralement mon téléphone ou mon appareil photo et mon argent. C'est donc pour accéder rapidement à toutes les choses dont je pourrais avoir besoin soudainement lorsque je suis dehors, que je marche ou que je m' assois pour dessiner. C'est essentiellement ça. Ce sont tous les outils que j'apporte généralement à une séance de croquis. J'ai entendu dire que moins vous avez à emporter, moins vous avez de décisions à prendre sur le terrain, et plus vous pouvez concentrez-vous sur votre sujet, sur l'œuvre d'art. Et vous aurez également moins de risques de perdre quoi que ce soit. perdu des objets sur pour cette raison que je n'apporte jamais de pinceaux et de crayons coûteux lors de sorties scolaires, car j' ai le terrain et ce n'est pas une expérience très agréable. Et un autre facteur important pour moi est de m'assurer que je suis à l'aise. J'apporte une protection contre les intempéries, j'apporte de la nourriture et de l'eau, et j'appelle le personnel médical, surtout parfois je porte même un de ces petits tabourets pliants. Je trouve qu'en été, je ne les rencontre pas aussi souvent, mais si vous avez problèmes avec vos genoux ou vos articulations et qu'il n'y a pas beaucoup de bancs dans la zone où vous voulez dessiner alors l'un de ces petits tabourets pliants vaut bien le poids que vous devez transporter. Une chose intéressante à propos du dessin à l'extérieur est que cela vous fera prendre conscience que vous êtes entouré par la nature très, très rapidement. Et il y aura des insectes , du vent, du soleil et la pluie, des souches d'arbres inconfortables et une lumière changeante. Vous l'avez peut-être remarqué dans certaines de mes leçons de croquis sur le terrain où j'ai dû parier toutes ces choses et en plus, j'ai dû filmer certaines de ces choses. Et c'est la réalité. Mais vous pouvez planifier à l'avance et rendre l'expérience aussi confortable que possible en vous préparant bien. Un autre conseil que j'ai à propos toute cette aventure de croquis sur le terrain est que j' essaie toujours de commencer et de terminer au moins un croquis très tôt dans la journée ou pendant la session de dessin. De cette façon, je me détendrai ensuite et pourrai explorer le reste de la journée et essayer de nouvelles choses. Et cela n'a pas autant d'importance parce que j'ai un sketch, j'ai gagné une chose terminée. Cela signifie que je serai plus naturellement attirée par le fait de dessiner davantage, mais cela n'a pas vraiment d' importance parce que j'ai, mais cela n'a pas vraiment d' importance parce que j'ai, entre autres choses, combiné mes croquis ce jour-là combiné mes croquis avec un peu de marche ou de randonnée. Quand j'ai fini de dessiner ou de terminer une page entière , j' explore souvent la région à la recherche d'endroits plus sympas. Pour la Russie vous-même si les circonstances vous empêchent de terminer votre croquis. Nous avons donc parlé de méthodes qui peuvent vous aider à terminer des croquis chez vous, en prenant des photos ou en créant des échantillons de couleur. Et vous pouvez toujours terminer votre croquis à la maison. Vous n'êtes pas obligé de tout faire sur le terrain si les conditions extérieures ne le permettent pas. J'aimerais aussi dire qu'il est tout à fait normal de ne se concentrer que sur un seul sujet, une fleur ou peut-être un seul aspect de celui-ci. Il peut être amusant de revenir au même endroit quelques semaines plus tard, d'y ajouter des informations et de découvrir comment la fleur a changé. C'est très bien et surtout, essayez de faire en sorte que le dessin des champs soit aussi relaxant et amusant que possible, car c'est le moment de vous connecter à la nature et de faire partie de celle-ci. Et c'est ce qui en vaut vraiment la peine. 27. Extra : croquer des fleurs de cerisiers: Dans cette vidéo, je vais vous montrer comment je dessine cerisiers en fleurs au crayon et aquarelle dans un style très décontracté. Et je commence ici par l' approximation de la feuille. Je note donc ces traits libres pour mieux comprendre les contours et la disposition approximative de la structure de la feuille. Je prends le temps d' observer attentivement et je garde mes lignes claires. Et à un moment donné, je me lance et je m'engage à adopter des lignes plus audacieuses, comme pour ces fleurs suspendues ici. Et j'ai essayé de considérer ces fleurs comme des disques qui pointent dans deux directions. J'essaie donc d'imaginer comment ils fonctionnent dans l'espace. Je dessine donc ces cercles et ces différentes perspectives qui, dans DKA, représentent la forme ronde de la fleur. Et en visualisant comment ces volumes se situent dans l'espace et peuvent être traduits sur la page. Je peux donner une meilleure idée de la perspective et de la tridimensionnalité de ces fleurs. Et cela peut sembler insignifiant car ce sont des formes organiques. Ce ne sont pas des maisons ou des rues où j'ai besoin de garder une certaine perspective pour les faire fonctionner. Mais cela fait vraiment une différence. Et c'est une bonne pratique de le faire même pour ce type de sujets. Cela aide donc vraiment à éliminer davantage les feuilles. L'ajout de petites dentelures sur les bords des feuilles permet également de les définir et de montrer de quelle espèce il s'agit réellement. Petit à petit. Je suis en train d'observer et d'explorer l'intégralité du réglage de Cherry ici. Et maintenant, je commence à observer d'un peu plus près comment ces pétales se chevauchent réellement. Donc, mon cercle, mon cercle libre m'aident un peu à rester à l'intérieur de la forme. Et je peux juste faire ces lignes de crayon très lâches ici. Souvent, lorsque ces éléments se chevauchent, il peut être utile de travailler de l'avant vers l'arrière afin de dessiner abord les éléments de devant , puis d'ajouter progressivement ceux qui se trouvent à l'arrière. Et de cette façon, vous n' avez pas à effacer autant de choses. Vous allez simplement renoncer ces lignes qui se trouvent dans le sac et que vous ne pouvez pas vraiment voir. Mais au stade de la planification, c'est très bien de créer toutes ces formes lâches et de les superposer. Cela ne pose généralement aucun problème. Oui. Et ici, vous pouvez voir que je suis refaire ce mouvement circulaire, comment j'essaie de compléter le cercle et d'y insérer la fleur. Et je le fais pour toutes les fleurs que je veux ajouter à ce croquis. Celui-ci est donc un peu plus visible de face, ce qui me permet de dessiner plus facilement. Je peux également voir plus d' informations sur la fleur. C'est donc aussi très amusant à dessiner et à ajouter de nombreux détails. Essayez également de faire attention à la qualité du trait dans cette esquisse. Donc des lignes plus audacieuses à l'avant, des lignes plus délicates à l'arrière. Et là où je peux voir, la forme est peut-être influencée par la lumière ou elle est très, très délicate, comme dans ces fleurs ici. C'est également une bonne stratégie à garder à l'esprit pour vos croquis. mon dessin au crayon terminé, je peux passer à l'aquarelle et la première chose faire est de mélanger du vert pour les feuilles. Je veux un vert clair jaunâtre. Pour ce faire, je mélange du vert sève et du jaune Winsor pour obtenir ce beau vert printanier pour les feuilles de cerisier fraîches que j'ai. Et quand je commence à l' appliquer avec une sorte de pinceau de taille moyenne, peut-être un pinceau de taille 4. Et j'essaie de rester dans les limites mes lignes de crayon pour ne pas paraître trop bâclée, lâche, mais pas bâclée et précise jusqu'à un certain point. Et j'essaie déjà de voir quelles feuilles se trouvent à l'arrière, qui sont peut-être un peu plus sombres et plus sombres. Et tant que la peinture est lavée à l'eau, les couleurs se fondent bien les unes dans autres, ce qui me permet de déposer cette fine couche, cette première couche mince. Une autre chose que j'ai essayé de faire ici est laisser quelques zones blanches dans mon lavis afin de ne pas simplement remplir tout le contour ou l'intérieur du contour avec de la peinture, mais d'essayer de laisser des zones blanches ou plus claires où je peux voir la lumière du soleil frapper cette feuille ou là où il doit y avoir un surlignage. Et puis j'y vais avec cette sorte d'orange sourde , avec un peu d'ocre jaune, et j'ajoute. Et ceci est pour ces conseils pour. Juste des feuilles de cerise fraîchement dépliées. couleur très intéressante que l'on ne voit pas si souvent et les feuilles, les tiges sont également de ce vert clair et le milieu de la fleur. Au fur et à mesure que je progresse, j' ajuste un peu mon mélange de vert pour que ces feuilles soient légèrement plus foncées, ombrées. J'ai donc ajouté un peu de bleu cobalt au mélange. Et essaie juste de garder les choses vraiment souples, vraiment ludiques. Je ne veux pas les surcharger. Lorsque la première couche est sèche, je peux y revenir avec une couleur légèrement plus intense J'ai donc ajusté la dilution de la peinture. J'ai ajouté un peu plus de pigment et aussi un pigment plus foncé. Encore une fois, j'utilise la sève verte et peut-être un peu moins jaune. Ensuite, je peux entrer et structurer un peu leurs feuilles , montrer les nervures et montrer les zones intéressantes. Peut-être là où il y a une ombre ou là où il y a une arête que je veux distinguer. Je fais des allers-retours entre les différentes zones de mon croquis, en l' ajustant au fur et entre les différentes zones de mon croquis, à mesure que je le compare à la référence ici. Encore une fois, je prends mon temps pour cela, ce n'est pas parce que c'est lâche que vous devez appliquer la peinture rapidement ou de manière négligente. Cela signifie simplement que vous pouvez être un peu plus attentif à la façon dont vous appliquez votre douleur et à la façon dont vous utilisez le pinceau. Je suis passé aux zones rouge foncé des fleurs. Et c'est un mélange de violet de pérylène sur ma palette et d'un tout petit peu de rouge sur les rangées. J'aime donc le contraste entre les fleurs de cerisier de cette base qui ont ce ton rouge foncé et le rose clair des fleurs. Et je veux m' assurer que cela apparaîtra vraiment dans Sketch. Encore une fois, j'ajoute cette couleur partout dans mon croquis où je peux la voir. Un peu comme une peinture à chiffres. Mais oui, dessiner et peindre, c'est toujours observer, puis réajuster ce que vous avez peint et observer encore et encore, et ce va-et-vient. C'est un processus continu et parfois vous allez un peu trop loin dans une direction et vous devez ensuite ajuster à nouveau votre peinture. Ce terme a également cette couleur violette pérylène. Et après avoir tout laissé sécher, je suis maintenant prête à mélanger la couleur rose des fleurs. Donc, je les utilise juste autour du cou avec beaucoup d'eau pour les rendre beaux et doux. Et encore une fois, j'essaie de laisser certaines zones blanches. Je ne me contente pas de recouvrir toute la fleur de peinture, mais j'ai essayé de laisser des reflets et zones plus claires et d'ajouter des zones plus sombres, comme ces fleurs non ouvertes qui ont cette sorte de couleur rose plus foncé. J'ajoute donc ici du lessive moins dilué avec un pigment rose plus intense. Encore une fois, je me fraie un chemin sur toute la brindille avec un lavis dilué très lâche et beaucoup d'espaces blancs. Et dans certaines zones un peu plus sombres, j'applique de la peinture qui s' étale bien et lâchement. Et dans d'autres zones déjà sèches. J'ajoute une deuxième couche plus foncée pour mieux montrer les bords et le chevauchement des pétales. Et aussi les zones plus sombres où j'ajoute plus de contraste en ajoutant de la peinture plus foncée. Et je définis un peu plus les bords des chauves-souris. Et dans l'ensemble, l'esquisse prend vraiment une belle forme. Cela semble tridimensionnel, on dirait que les zones claires et sombres sont bien définies et j' aurais aimé m'arrêter là, car maintenant je vais définir quelques ombres supplémentaires. Comme vous venez de me voir mélanger une couleur d'ombre avec du bleu cobalt et du rouge moyen. Maintenant, je l'applique aux zones où je me trouve, où je peux voir ton ombre. En y repensant et en voyant le résultat plus tard, je ne suis pas totalement convaincu que c'était la bonne chose à faire. Peut-être que c'était juste la couleur de l'ombre ou peut-être la décision complète d'ajouter une ombre. Mais je ne l'aime pas vraiment autant que la version contrastée et vibrante que j'ai eue ici, à ce stade. Je continue à vous le montrer parce que je veux vous apprendre que nous commettons parfois ces erreurs et qu'il est toujours possible leçons et de les adapter pour le prochain tableau que vous ferez. Je ne pense donc pas que ce soit un sketch raté ou quoi que ce soit d'autre. Mais je sais maintenant que je dois faire un peu attention à ce genre d' ombres pour les fleurs très délicates. Donc, une autre chose que j'ajoute à ce jaune presque opaque, ce sont les parties médianes de l'étamine des fleurs, qui sont jaune vif. Je le trouve vraiment dans toutes les parties des fleurs où je peux le voir. Et ajoutez également un peu plus d'opacité avec cette zone blue young. Pour redéfinir ces parties internes, ces parties très délicates de la fleur. Et après séchage, j'ajoute un peu plus de contraste avec des parties plus sombres. Encore une fois, il faut constamment jongler pour ajuster le contraste d'une peinture et la structure des valeurs en les comparant et en observant encore et encore comment ces différentes valeurs jouent ensemble. De plus, pour ces gousses rouge foncé, j'ajoute encore une autre couche et juste quelques zones. intéresse particulièrement, ce sont ces sortes de plis sombres dans les fleurs elles-mêmes, que je peux voir dans les plis des pétales. Et la dernière étape que je fais est de trouver un peu plus mes traits de crayon et reformuler certaines de ces lignes dynamiques intéressantes que prennent le bail et les fleurs. Oui. Et voici le croquis terminé. 28. Votre projet + vos réflexions finales: J'adorerais voir vos croquis botaniques et vos fleurs sauvages. Créez un projet avec l'une des techniques ou des idées que j'ai présentées en classe et téléchargez votre travail dans la galerie de projets pour partager vos résultats avec les autres étudiants. Et avec moi. J'espère que vous vous êtes bien amusé dans ce cours et que vous avez trouvé beaucoup d'inspiration pour dessiner des fleurs sauvages. Dites-moi ce que vous préférez et quels types de fleurs sauvages sont actuellement en fleurs dans votre région. Et comme idée, ce serait cool de créer une sorte de bibliothèque botanique dans la section projet, où chacun pourrait partager son croquis de sa fleur sauvage locale préférée. Si vous souhaitez être informé d'autres cours de ce type, suivez-moi ici sur Skillshare. Je serais également heureuse si vous laissiez un commentaire positif à la classe, car vos commentaires comptent vraiment beaucoup pour moi. Merci beaucoup. J'espère que ce cours vous a été utile et je vous verrai très bientôt. Au revoir.