Fleurs modernes à l'aquarelle : 3 façons

1. Fleurs modernes à l'aquarelle: Salut, je suis de retour pour un autre cours. Cette fois, je voulais parler des fleurs aquarelles dans Illustrator. Je fais beaucoup de fleurs. Certaines des techniques que nous allons couvrir sont très tendance. En fait, j'ai choisi trois styles qui sont très différents les uns des autres et pourtant très répandus en ce moment. Mais la classe est conçue pour rendre les peintures florales accessibles. Si vous voulez juste prendre le cours parce que vous voulez regarder les bonbons pour les yeux, c'est tout à fait correct aussi. Je comprends ça. Je suis Amarilys. J' ai été nommé d'après une fleur épelée en espagnol puis mal orthographiée. Je vais faire beaucoup de démos. Tu verras mes mains beaucoup peindre. Vous pouvez regarder la vidéo, ce sera court. Ensuite, asseyez-vous avec votre papier et vos peintures, et publiez votre premier exercice, qui est juste une petite peinture simple dont je parlerai à la prochaine session. 2. Parlons fleurs: Si vous ne m'avez pas suivi de cours avant ou si c'est la première fois que vous voyez mon visage, je suis Amarilys. Je suis illustrateur et je fais beaucoup de fleurs. Souvent, ils sont dans le fond d'une carte, ou ils sont à la limite d'une invitation de mariage, ou ce sont des pièces plus fines qui sont censées être reproduites et vendues dans les grands magasins. J' adore les caractéristiques des fleurs. J' adore les formes organiques et la façon dont ces plis vont ensemble les uns dans les autres. Je trouve ça hypnotisant. J' aime leur couleur, et j'aime aussi les feuilles. Les feuilles fournissent cette structure, ces éléments de conception, des silhouettes pour contraster la fleur frappante. Évidemment, j'aime vraiment les fleurs. J' ai toujours essayé de peindre mon homonyme. J' ai commencé très réaliste, très détaillé, et c'est vraiment une bonne façon de commencer. J' ai regardé mes tableaux il y a un an ou deux, il y a peut-être un an. J' ai vu la progression de la façon dont j'ai peint des fleurs, et comment j'ai commencé avec quelque chose de plus réaliste et où je suis maintenant. Bien sûr, j'aime le plus mon travail récent. Mais il est toujours bon de commencer par esquisser certains. Même si ce n'est pas ce à quoi ressemblera votre peinture finale, même si vous voulez quelque chose d'imaginatif, c'est génial de vraiment plonger dans ce à quoi ressemble le sujet avant de le décomposer en formes et coups de pinceau et les couleurs. Voici une rose. Lorsque nous peignons nos roses, elles ne vont pas nécessairement ressembler à ceci, mais nous le ferons dans trois styles différents. J' aimerais vraiment plus que tout, voir le style de tout le monde se développer comme ils peignent leurs fleurs. D' abord, je vais te demander de faire des croquis. Ce seront des études pour nous aider à remarquer comment ces pétales se forment, comment ils se plient dans une rose. n'y a rien de tel que de regarder une référence et de l'esquisser. Vous pouvez le faire avec un crayon ou un pinceau ou un marqueur. C' est juste pour toi de regarder de plus près. Dans la partie projet de classe de cette classe, vous verrez dans cette section qu'en bas il y a un téléchargement pour ce PDF. C' est une feuille de papier, pour la plupart vierge, mais il y a déjà une rose pour que vous puissiez l'utiliser comme référence, et pour commencer. Publiez votre projet dans la zone du projet de classe communautaire, prenez simplement une photo ou scannez-la, afin que nous puissions voir comment vos croquis influenceront plus tard vos peintures. 3. Fleurs déposées : Aperçu: D' accord. Parlons de ce que j'appelle les aquarelles tombées. Cette technique humide sur humide, peinture chinoise en a beaucoup. Tout d'abord, parlez des fournitures. Donc, le meilleur type de papier pour cette façon spécifique de peindre est plus lourd, mieux c'est. J' utilise donc du papier aquarelle Arches. J' utilise parfois une texture rugueuse juste pour la garder intéressante. C' est totalement à vous de voir. la mesure où l'aquarelle se peint, plus il est fluide, mieux c'est. Donc j'utilise ce genre d'aquarelles, sont les aquarelles concentrées radieuses du Dr PH Martin. Si vous avez suivi mon cours de calendrier aquarelle, vous l'avez déjà vu. J' utilise une goutte ou deux à la fois. Pour un pinceau, le type de pinceau que j'aime utiliser pour ce genre de peintures est en fait assez grand. J' aime utiliser un pinceau plus grand en raison de la variété de la qualité de la ligne que je peux obtenir. Donc, quand j'appuie, mes lignes deviennent plus épaisses, et elles sont aussi larges que ce pinceau est. Mais il pourrait en fait être aussi mince. Aussi, ma ligne pourrait être aussi mince que la pointe de ce pinceau. Ce genre de qualité de ligne est très important dans ce genre de peintures. Un cadre que vous pourriez voir, ce style de fleurs aquarelle utilisé dans beaucoup est sur les tissus. Donc, nous parlons de design de mode, beaucoup d'aquarelle fluide, motifs de motifs d'un floraux qui sont juste, ils peuvent être grands ou petits, mais généralement ils sont grands que vous pouvez vraiment obtenir le saturation de ces couleurs à travers. Parfois, vous verrez ce type d'art sur des peintures, sur des toiles reproduites. Je pense à Helen Dealtry et à ses foulards, puis à sa ligne chez Target récemment. Ce style se penche davantage vers une sensation d'art. Donc, ce sont les endroits où vous le verrez le plus. 4. Déposées : Pratique de peinture: Je vais d'abord vous montrer la pratique de base de la peinture comme celle-ci. Je commence par de l'eau. Mes eaux sont un peu sales en ce moment parce que je voulais que vous puissiez le voir à travers mon objectif. Maintenant, je fais ces coups, ces pétales dans l'eau. J' appuie pour obtenir ces larges coups de pinceau pour représenter la pédale. Ensuite, je les amincis sur les bords comme ils courbent. Si vous regardez mes rangées à gauche, vous voyez que ces ombres donnent une forme plus sombre. Maintenant, je vais entrer avec cette couleur et guider la couleur autour de la façon que je veux qu'elle aille. Mes échantillons de couleur là-bas sur la droite pour le garder droit de savoir quelles couleurs vont dans où. Je travaille avec une référence que je ne fais pas habituellement. Mais ça aide à en découvrir un peu plus et je deviens toujours plus sombre au centre. J' utilise beaucoup de peinture, tomber au milieu et je la laisse saigner dans ces petits pétales extérieurs de ce bol en forme de rose. Puis vers la fin, j'ajoute juste de l'intérêt. J' ajoute des couleurs différentes. Je les ai laissés au hasard juste pour apporter quelque chose d'un peu différent. Je pourrais ajouter quelques éclaboussures sur les bords ou quelques formes très pointues pour contraster ces saignements, les couleurs de la fleur elle-même. Cette fois, je ne vais pas regarder ma référence. Je vais juste prendre de ce que j'ai appris en peignant cette autre rose, ma première, et peindre loin de ce que je pense avoir vu ou de ce dont je me souviens. Remarquez comment je fais mes coups de pinceau. J' ai poussé vers le bas pour faire ces grands angles. Ensuite, j'utilise ma pointe pour affiner à ces pétales et travailler même manière et une fois que vous comprenez le langage de conception de ces fleurs, alors vous pouvez même pas avoir besoin d'une référence. Je vais apporter une autre couleur et je vais devenir beaucoup plus audacieux à mesure que je deviens plus sombre avec ces couleurs. Je ne sais jamais comment ça va sécher. Plus je fais ça, plus j'en ai l'impression. Mais une partie de cela est la surprise du processus. Maintenant, je commence toujours au milieu parce que ça me donne juste un bon point de référence. Une petite histoire triste sur moi, c'est que je peignais certains d'entre eux dans une fureur très créative. C' était une merveilleuse soirée. Quand j'ai fait ces deux tableaux, grandes peintures, j'avais mes peintures juste à côté de moi. Je faisais ces lavages aqueux et puis je suis tombé, renversé une partie de ma jungle verte. En fait, tout ça, c'était un énorme gâchis. Ils sont allés tout droit sur mon pied et sur toute ma peinture. J'ai été choqué. J' ai été un peu dévasté, mais à la fin de cela est assez belle et est allé avec elle. Dans Photoshop, je l'ai nettoyé, je l'ai enlevé, j'ai fait ce que je pouvais pour l'enlever. Mais la pièce d'art est encadrée et je l'ai eue à des spectacles. Je le montre juste comme ça parce que je l'aime vraiment. Quelque chose que j'aime vraiment dans cette feuille est en fait qu' elle joue le rose dans le vert. Cela devient très humide et c'est pourquoi nous utilisons ce papier épais avec les mêmes couleurs. Mais les mélanger est un excellent moyen de garder votre pièce unifiée. Je regarde constamment la silhouette de ceux-ci, et je pousse constamment la peinture là où je veux qu'elle aille. Je vais même déplacer le papier d'avant en arrière pour manipuler l'endroit où ces sombres atterrissent. 5. Déposées : peindre un bouquet: Maintenant, c'était amusant, mais peindre des roses et des feuilles ne va pas vraiment aborder la façon dont on va faire cette technique. Donc nous allons plonger dans différents types de fleurs maintenant. Tout d'abord, je vais mettre en place un cadre. Il est très facile de sortir du contrôle, submergé si nous n'avons pas de mise en page quand nous travaillons humide sur mouillé parce que nous devons travailler si vite. Donc, ce que j'ai fait, c'est que j'ai fait quelques indices de certains contours dans une aquarelle très légère ou très pâle, bien sûr, mais qui est ce que je vais utiliser beaucoup plus de. Tiens, je commence à m'allonger dans ces plis. J' utilise ma pointe pour faire ces contours et ensuite j'ai réellement plongé et poussé plus loin avec la brosse. Une fois que je sais que ces lignes ont l'air bien, je vais dans un peu plus épais pour certains de ces plis. On va travailler en couches. Donc je vais travailler d'abord partout. Je commence sur cette fleur en bas à gauche. Je mets dans ce lavage humide de tout le bol de l'intérieur de cette tulipe et puis je tombe dans les couleurs le long des bords de sorte que quand ils saignent, ils vont saigner dans ce bleu que j'apporte plus tard. Donc les violettes les plus saturées sont à l'extérieur et les riches blues sont à l'intérieur. Il y a aussi ces notes de rose que je vais juste mettre au hasard dans de très petites notes, nous ne voulons pas le distribuer tout autour. Ça devient assez humide, je vais devoir travailler sur autre chose très bientôt. Mais quelque chose d'autre que je veux souligner est l'extérieur de ce pétale sur le côté droit, j'ai une ligne dure là-bas. Je vais apporter mon pinceau qui est vraiment sec et je vais m'écrouler pour unifier ces deux couleurs. Je vais unifier ce pétale pour que j'obtienne un peu de dégradé de l'obscurité à la lumière. Maintenant, je vais laisser cette fleur tranquille parce que je veux garder certains de ces blancs. Avec cette façon de travailler, il est très facile de perdre le contrôle avec nos couleurs parce que nous bougeons si vite et nous voulons apporter plus de couleurs. Il est important de laisser ces blancs comme vous le faites dans la peinture à l'aquarelle traditionnelle. Alors c'est ma fleur préférée, ce sur quoi nous travaillons, puisque les fleurs sont belles et ouvertes, nous arrivons à travailler dans ces lames très progressivement. Encore une fois, je vais dans le mouillé, j'essaie de ne pas toucher les parties que je veux laisser un blanc croustillant, et je tombe dans les violets. Je vois comment ces violettes ont tendance à couronner dans ces tulipes, et pourtant il y a un bleu. Cette photo a été quelque peu manipulée, donc je ne pense pas que ce soit à quoi ils ressemblent naturellement, mais c'est ce que j'aime dans cette image. C' est pourquoi j'utilise cette référence. Maintenant que j'ai mes couleurs principalement posées, je vais les traîner un peu plus parce que maintenant je tire juste ces couleurs que j'ai déjà établies plus loin dans ce centre. Mais le centre a toujours ce blanc, donc je ne veux pas aller trop près du milieu. Pour changer un peu, je commence à travailler avec ces contours. Encore une fois, je passe de mouillé sur mouillé à des choses très humides à faire des contours et des allers et retours parce que je travaille pendant que l'eau sèche. C' est aussi très encourageant de voir ces contours donner vie à la fleur quand tout ce que je vois c'est un blob, pour l'instant, pendant que je travaille sur les choses. J' alterne mes couleurs parce que ça fait partie de ce que j'aime, une partie de ma signature. Donc, je ne dessine pas toujours avec la même couleur et je ne dessine pas toujours avec la même qualité de ligne, je veux varier tous ceux. Maintenant, celui-ci peut vraiment prendre vie parce que ce lavage vraiment humide a surtout séché. Ce n'est pas complètement sec, vous verrez qu'il saigne un peu, mais je suis d'accord avec ça. J' utilise des roses et des rouges, je ne les combine pas avant de commencer à peindre. Je suis resté dans la peinture aqueuse , puis j'ajoute plus de couleurs et je les laisse se fondre sur le papier. Je fais toujours attention à l'endroit où le plus de valeur est, où les couleurs les plus sombres sont parce que c'est là que je veux commencer. Ensuite, je fais glisser ma brosse qui est généralement sèche au moment où je pose ces couleurs pour créer ces dégradés de l'obscurité à la lumière. Depuis que je suis devenu un peu plus sombre, un peu lourd sur celui-ci, je vais aller plus léger sur celui-ci surtout se concentrant sur ces plis et ces contours et au centre, je laisse tomber un peu délavé et désordonné. Maintenant, si vous vous souvenez de ma pratique de peinture, j'ai fait les feuilles ou je les ai peintes en rose clair avant d'ajouter le vert. J' applique le même principe à cette fleur. Il va être violet, bleu, une couleur plus fraîche. Mais je voulais faire la sous-peinture dans ce rose clair, apportant un peu de ce bleu et ça va créer un violet gris unique et c'est ce que je vais faire. Au lieu d'utiliser une couleur directement de ma palette, je les combine. C' est une excellente technique à utiliser sur des couleurs plus claires que vous voulez ajouter de l'intérêt, mais vous ne pouvez pas trop toucher et les rendre trop sombres. Cette peinture a deux autres étapes. L' un est ceci, c'est le dernier à faire ces petites fleurs que nous bordons et ils fournissent un joli contraste de forme. Je suis vraiment créatif sur ce sujet, je ne travaille évidemment pas très fortement sur la référence. Je veux juste utiliser la forme de mon pinceau pour créer la forme de ces pétales. Je vais jouer avec quelques contours et quelques gradations de couleur pour créer un chemin où l'œil va du coin supérieur droit vers ce lourd côté gauche. Enfin, je vais apporter ces feuilles. Je te montre comment mélanger la cupidité pour ces feuilles, je ne veux pas que ce soit un vert saturé parce que ça va tomber dans la toile de fond. C' est un peu un remplisseur. Je veux qu'il soit tamisé et presque gris car le point focal sont ces couleurs vives des fleurs elles-mêmes. Quand je crée un bouquet dans ce style, ces feuilles viennent à la fin pour fournir une charge loin pour le spectateur de flotter le long de l'œil, et pour créer une toile de fond pour ces fleurs colorées. Il est temps de créer cette dernière étape qui frappe vraiment cette pièce. J' ai attendu qu'il sèche, donc tout est sec et maintenant j'arrive avec ces taches très sombres. J' ai peint des contours plus sombres, je fais de petites touches de couleurs contrastées pour le rendre intéressant. J' ai vraiment essayé de ne pas trop toucher à la paix à ce stade, mais en même temps, j'apprécie vraiment cette étape. Il fait passer la peinture de fleurs mouillées sur mouillé qui semble juste agréable à quelque chose qui pourrait se démarquer et paraître professionnel. 6. Fleurs vintage : Aperçu: Maintenant, nous allons parler de plus d' un style rétro vintage à faire nos fleurs aquarelles. J' ai retourné mon petit arrangement floral. Vous pouvez voir ceux-ci sont très populaires dans ce style. Juste pour clarifier, c'est ce dont nous parlons. Comme vous pouvez le voir, ces peintures sont minuscules par rapport à ce que je fais habituellement. Ce sont des peintures serrées. Ils sont généralement faits dans le lavage, couleurs très plates, ils sont cohérents. Comment ai-je fait paraître mes aquarelles comme ça ? Je voulais continuer à travailler dans mon propre milieu, à l'aquarelle, et donc la façon dont je travaillais était en ajoutant de l'encre acrylique. Je vais déposer un peu d'encre acrylique sur ma palette et c'est généralement quelque chose que je peux juste jeter parce que ce n'est pas quelque chose qui est facile à nettoyer, et il sèche très vite. Je vais gicler un peu de ces peintures à côté de ce blanc, et je vais commencer à me fondre et trouver la teinte parfaite. Il fournit une qualité pastel à mes aquarelles qui est plate, donc ce n'est pas le moment de vouloir faire des saignements dans mes peintures, ce n'est pas le but de ce style. En ce qui concerne le papier, vous pouvez être très flexible avec le papier que vous utilisez. Vous pouvez même utiliser du stock de cartes. J' utilise des brosses beaucoup plus petites pour cette technique. Ce sont les matériaux dont vous aurez besoin. Certaines peintures que, espérons-le, vous pouvez gicler sur une palette simplement parce que si vous mélangez cette encre blanche acrylique avec une peinture qui est dans un puits, il va sécher et laisser un peu de couverture plastifiante dessus et il va compromettre la qualité de vos peintures à l'aquarelle. Ces fleurs vintage serrées, vous les verrez sur la papeterie et de beaux petits produits en papier. La clé de ces peintures est bien sûr de rester en phase avec leur style. Mais plus que tout, ce sont ces palettes de couleurs, même si nous utilisons des verts de menthe, des pêches et des jaunes clairs. Cela fera une énorme différence dans vos peintures pour être cohérent avec ces couleurs. 7. Vintage : pratique de la peinture: Travaillons sur ces couleurs. La première chose que je fais est de sortir mon encre blanche et j'en ai fait une ligne pour que je puisse mélanger mes couleurs avec le blanc et qui contamine beaucoup le blanc. Avec cette technique, vous allez jongler trois médiums : le pâté, l'eau et l'encre blanche. Mais vous pouvez également utiliser de l'aquarelle blanche. Je trouve que l'encre est beaucoup plus opaque et laisse un résultat plat agréable. Si vous voulez plus de couleur, vous ajoutez plus d'aquarelle. Si vous voulez que votre couleur soit plus claire, vous ajoutez l'encre blanche et si vous voulez qu'elle coule mieux sur votre pinceau, alors vous ajoutez un peu d'eau. Maintenant, commençons à peindre. Je aime commencer ces fleurs, puisque la couleur est si important avec le vert, il donne le ton pour le reste des fleurs et les feuilles vertes dans ces peintures ont tendance à créer un look unique.Cette couleur que j' utilise en ce moment est en vert olive mélangé avec du blanc et un peu d'eau. Doodle différentes formes. Ce qui est important ici, c'est la silhouette, peu comme la technique humide sur mouillé dont nous avons parlé auparavant. Il s'agit de ce contour, de la forme, et quelque chose qui est vraiment amusant avec ce médium est que vous pouvez commencer par l'obscurité et aller à la lumière. C' est en fait un luxe que nous n'avons pas beaucoup à avoir à l'aquarelle. Je fais ces feuilles. Certains d'entre eux sont ce vert clair, je joue avec un indigo mélangé avec le blanc et l'eau. Changez la forme de vos feuilles, mais assurez-vous toujours qu'elles sont opaques, qu'il y a des lignes nettes à l'extérieur et qu'elles sont très simples. Ne regardez pas vos peintures comme si elles étaient trop simples, c'est la nature de ce style. Ensuite, nous ajouterons des détails qui le donneront vie. Un autre élément de design qui est beaucoup utilisé dans ces peintures sont des points. Ils peuvent venir sous la forme de baies ou comme bourgeons habituellement ou ils sont juste placés au hasard, ces petits pois. Je veux m'assurer que j'inclue cela comme une touche fantaisiste qui aide à donner à ces gros blocs fleurs et laisse un peu de grâce, peu de mouvement, rendre la peinture plus dynamique. Maintenant, on va commencer à peindre des fleurs. Je fais tout ça, c'est juste une course d'entraînement et comme avant, nous allons rester avec des roses juste pour que vous puissiez voir le contraste de chaque style en utilisant la même fleur. Les roses sont très simples dans le style. Ce ne sont vraiment que des ellipses, des cercles, des ovales. Ils peuvent avoir un peu plus de forme pour eux, mais surtout ils sont très arrondis et vous n'avez pas besoin de vous soucier des pétales et de la façon dont les choses se plient les uns dans les autres à ce stade. Ces peintures sont faites en couches. Tout d'abord, nous allons juste faire ces formes de cercle. Je vais aussi parfois faire certains qui tourbillonnent autour et ne sont pas totalement plats dans la nature. J' aime juste me rappeler à quoi ressemblent ces formes et c'est juste amusant. Si je le gâche, je le remplis et la transforme en une rose plate que j'apporterai plus tard les pétales. Maintenant, je vais faire quelque chose d'un peu inattendu. Mais une fois que vous regardez autour de vous, vous verrez qu'il y a beaucoup de fleurs colorées fraîches dans ces arrangements floraux. J' utilise ce vert émeraude pour faire une fleur. Il fait vraiment sombre. C' est quelque chose que je ne fais pas habituellement à l'aquarelle, mais encore une fois, ce qui est génial de travailler avec ce combo d'encre, c'est que je peux travailler de l'obscurité à la lumière, alors qu'à l'aquarelle, je dois toujours travailler de la lumière à l'obscurité. Pour réaliser cette même couleur, je vais aussi apporter une partie de ce feuillage dans la même couleur. Maintenant vient la partie amusante quand vous commencez à voir les choses se rassembler et cela ressemble en fait à des fleurs et pas seulement à des gribouillis. Je mélange cet ambre brut avec le blanc. Les fleurs elles-mêmes ont tendance à être une couleur vive, le fond de ces roses, disons. Mais alors les lignes à l'intérieur ont tendance à être des couleurs très insaturées. Ils peuvent être des indigos, des marines, des bruns, des couleurs très neutres, et ça garde ce tableau comme si c'était encore un retour au style vintage. C' est la clé. Les couleurs sont très importantes dans la façon dont vous les utilisez ici. Comme vous le voyez quand je commence à taper dans ces points centraux, vous avez vraiment une idée de ce à quoi ressemblent ces fleurs avant qu'elles ne soient que des blobs. Ceux qui avaient un peu de blanc en eux sur lesquels j'ai fait ces mondes. Je pense qu'ils ajoutent un peu plus de dimension, mais ils craignent un peu du style original. Donc c'est juste moi qui apporte mon style dans ce tableau. Maintenant, je vais apporter ces touches légères sur la fleur foncée. Où sont les verres de corail rose étaient légers et puis les lignes sur le dessus sont sombres, j'ai fait l'inverse pour les verts émeraude en mettant un peu de menthe sur le dessus. Je pense que c'est essentiel pour capitaliser ce qui est génial dans l'utilisation de ce médium et deux, il apporte juste un aspect caractéristique. Encore une fois, j'apporte ce vert moyen, juste un peu de couleur bleu clair, quelques brindilles, tous ces détails vintage qui rendent ces peintures si amusantes. Ensuite, je les ai effectivement pris dans Photoshop et les ai rassemblés pour voir à quoi ils ressembleraient, assemblés comme un bouquet. 8. Vintage : peindre un bouquet: Je recommence avec mon blanc. Cette fois, je vais assembler mes fleurs. Je commence par un croquis. Donc, je pose ma fleur principale que je veux être le point focal, j'ai un cercle sur la fleur indicateur droit, un sur la gauche, donc il y a un équilibre. Je voulais que ce soit en forme de croissant, et je suis allé de l'avant et j'ai tracé cette forme. Puisque nous allons utiliser des couleurs opaques, nous pourrons effacer ces lignes plus tard. Sur les extrémités, j'ajoute certains de ces bourgeons qui aident à créer cette forme de croissant tombant, quand je n'avais pas commencé à poser dans des couleurs plates. Ces deux formes de corail sont à côté de l'autre, j'aime ajouter juste un peu de différence pour qu'elles se démarquent les unes des autres, et donc on a un peu plus de jaune, on a un peu plus de rose. Mais encore une fois, j'utilise ces mêmes couleurs encore et encore, je les mélange ensemble pour faire de nouvelles combinaisons. Mais de cette façon, mon schéma de couleurs est très unifié et il reste très assemblé. Avec ces peintures, il y a toujours un schéma de couleurs limité, et vous voulez donc garder cela. Si vous utilisez de la gouache, il est beaucoup plus facile de s'en tenir à ce jeu de couleurs car vous utilisez probablement simplement cette couleur d'une manière plate. En ce moment, je regarde constamment comment va ma composition. Avec un bouquet, vous voulez combler tous ces petits espaces supplémentaires, et la chose la plus difficile est quand vous avez quelques lacunes restantes. Bien qu'avec ce support plat, nous pouvons travailler sur le dessus, travailler la superposition d'une manière que vous ne pouvez pas avec un support translucide. J' ajoute quelques feuilles. Comme je l'ai dit, les feuilles m'aident toujours à garder le schéma de couleurs unifié, cela crée un rythme, un motif tout au long du bouquet. La première chose que je voulais faire juste pour examiner était que j'ai mis dans les fleurs que je veux comme les caractéristiques focales les plus importantes, puis j'ai chargé quelques feuilles, certains éléments pour aider à appliquer la forme que je veux de mon bouquet. Une fois qu'ils sont dedans, j'ajoute quelques fleurs secondaires. Ceux-ci vont être dans la couleur la plus brillante, ou la couleur la plus claire que j'ai. Ils ne sont pas le point focal, mais comme ils se chevauchent et sortent de derrière ceux qui sont, ils peuvent se tenir bien seuls comme des jaunes clairs. Ce qui est génial dans ce style de travail, c'est que vous pouvez travailler à nouveau de l'obscurité à la lumière, donc je suis en train de combler certaines de ces lacunes en vert foncé pour que j'aie ce bouquet plein, vous donnant une pause de l'hyper lapse. Mais maintenant, je remplis de fleurs encore plus petites, ces petites marguerites. Ils sont utiles comme remplisseur et c'est pourquoi ils sont la dernière chose que je mets. Maintenant, nous arrivons à ajouter dans ces détails qui font que cette peinture ressemble à un floral et un peu plus professionnel. Ce que je veux que vous remarquiez avec les lignes que j'ajoute sur le dessus, sont des motifs de conception très simples, et encore une fois, j'utilise un très petit pinceau. Mais ce que j'ai remarqué, c'est que la couleur de fond, il a tendance à être lumineux et vibrant, très amusant, puis les couleurs sur le dessus ont tendance à être en sourdine. Donc ce sont des ocres jaunes, ils ont marron ou ils sont de la marine. Avec ces petits coups que vous apportez, ces bourgognes, ces ocres, ces marron, vous apportez la dimension de ces pétales dans les fleurs. C' est une affaire en un seul coup, et donc vous pourriez ressentir beaucoup de pression, mais vraiment il est conçu pour vous sentir amusant. Comme je l'ai déjà dit dans un autre cours que j'ai enseigné ici sur Skillshare, combien de plaisir vous le mettez dans un morceau montre vraiment, et c'est ce que les gens veulent acheter et veulent regarder. Ces lignes que vous ajoutez, ce sont de simples petits tourbillons, vous voulez utiliser une qualité de ligne différente. Si vous regardez cette fleur bleue inférieure droite sur laquelle je travaillais, certaines de ces lignes sont épaisses et d'autres sont plus minces. C' est cette variété qui crée de l'intérêt pour votre pièce. J' ajoute des lumières sur les sombres et juste ajouter des lignes partout. C' est vraiment ce qui donne vie à ces pièces. Puis après ça, j'apporte quelques sombres pour le tirer d'avant en arrière, donc les yeux vont et viennent, regardant dedans et regardant dehors. Aussi ce qui est amusant est d'utiliser des couleurs inattendues, en utilisant le corail sur le dessus du vert ou vice versa, c'est un schéma de couleurs limité, mais vous pouvez l'utiliser comme vous le souhaitez. Une des dernières choses que je fais ici est d'entrer dans une couleur sombre et neutre comme le bleu marine ou un browner et ocre, ajouter dans toutes les dernières silhouettes de fleurs, de feuilles, des choses qui le gardent plus à la terre. Avant cela, il ressemblait juste à des fleurs et des feuilles. Il y a quelque chose à ajouter une petite touche inattendue de marine ou de gris en forme de silhouette et de petites touches à la fin pour rendre la pièce plus professionnelle et un peu inattendue. 9. Illustratif : Aperçu: Maintenant, nous arrivons à peindre dans le style que je peins le plus souvent, et c'est une approche illustrative. Nous commencerons par des lavages légers, mis dans quelques détails. Mais le cœur de ces floraux est qu'ils sont imaginatifs, ils utilisent des principes de conception tels que le rythme et le motif et la ligne et la couleur plus que, disons, des qualités picturales, ce qui serait d'avoir ces flux de lumières aqueuses à saignements sombres et des choses comme ça que nous avons couvert dans le segment qui était sur le style des aquarelles abandonnées. Les matériaux dont vous aurez besoin sont des aquarelles et des peintures, sons très redondants. Voici ma palette. Tu le vois assez souvent sur ma photo. Quand je fais des illustrations, j'ai tendance à utiliser ce papier aquarelle de marque Canson. C' est juste le bon poids, c'est juste le bon prix, c'est un blanc vif, il ne se déforme pas beaucoup, donc c'est génial pour mon travail d'illustration. En ce qui concerne les pinceaux. C' est amusant d'avoir une variété de tailles. Vous voulez faire une variété de formes pour vos fleurs. J' aime vraiment les pinceaux plus fins et je vais vous montrer comment je les utilise à la fin. La force de ces peintures réside dans leur imagination. Vous verrez ces fleurs dans des cartes de vœux avec du lettrage à la main. Vous les verrez avec des articles de papeterie et des produits. Ils ont tendance à être plus du côté des choses que vous gardez, comme les cahiers, les journaux, les dossiers et autres choses comme ça. Ils seront sur des calendriers ou dans des livres d'images. Je vois aussi ces fleurs utilisées beaucoup dans la décoration de la maison. Ils se concentrent sur les couleurs qui sont souvent utilisées dans la décoration de la maison. Donc, vous voulez regarder ces tendances, ces schémas de couleurs, parce que si cela ne correspond pas à ce qui va se vendre l'automne prochain ou quoi que ce soit, il ne sera pas acheté. 10. Illustratif : pratiquer la peinture: Maintenant, j'ai choisi de vous montrer illustrer des fleurs à la fin, parce que maintenant vous avez probablement envie de faire des fleurs à votre façon. Je fais des roses. Encore une fois, ils ne sont pas ma fleur préférée, mais nous allons juste être cohérents. Comme vous pouvez le voir, j'utilise un pinceau arrondi à la fin. Ce n'est pas un pinceau rond, et ça m'aide à créer ces pétales, et j'exploite totalement la forme du pinceau lui-même pour créer ces fleurs. Maintenant, avec ce genre de peinture, nous allons devoir attendre beaucoup que les couches sèchent, parce que nous ne laissons pas tomber dans plus de couleurs pendant que les choses sont encore mouillées. Parfois, je vais ajouter comme je le ferai avec ces feuilles vertes, je vais ajouter un peu de bleu et le laisser faire son truc. Mais la partie amusante, la grande partie, arrive vraiment vers la fin quand je viens avec des pinceaux plus petits. Tu le vois encore, j'utilise la forme du pinceau pour faire ces fleurs. n'y a pas de mauvaise façon de faire ce style. Tout cela est au sujet de votre style. Je vous montre juste la façon dont j'aborde ces fleurs illustratives. J' ai cherché des formes et des choses que j'aime chez les illustrateurs travaillant pour la deuxième étape, où j'utilise un pinceau à doublure et un petit pinceau rond. C' est là que les roses prennent vraiment vie. J' utilise beaucoup des mêmes principes que ces roses vintage, faisant beaucoup de tourbillons et de choses qui montrent la forme des pétales qui circulent. Celui-ci a été un peu mouillé alors je vais étaler cette eau et laisser celle-ci sécher. C' est un style très simple. Encore une fois, vous aurez votre propre façon de faire ce genre de fleurs. Vous pouvez voir avec les feuilles, je suis entré avec le pinceau, et j'ai, fondamentalement, tracé des silhouettes sur une approche picturale pour faire ces feuilles. Juste pour le plaisir, j'ajoute des lignes, des tirets et des points juste parce que je peux, et ça fait qu'il se sent plus vivant et plus vivant. Nous apprendrons des approches plus créatives pour peindre vos fleurs illustratives lorsque nous plongerons dans la réalisation d'un bouquet dans la prochaine session. 11. Illustratif : peindre un bouquet: Une chose que j'aime conseiller est de diriger avec vos forces. J' aime faire ce type de forme de fleur. est très droit, à plat, ce n'est pas quelque chose de très spécial, juste beaucoup de formes de diamant assemblées. Mais comme un échauffement, j'aime commencer avec mes forces et commencer par quelque chose avec lequel je me sens à l'aise, et cela me laissera plus libre d'être créatif avec plus d'approches. J' ajoute des couches, une couleur complètement différente à une autre couche peut-être de ces pétales. Je n'utilise pas de référence, mais je me concentre vraiment sur la forme ce que les couleurs font les unes aux autres. Que ma brosse fonctionne bien, que j'utilise cette forme de pinceau à mon avantage et que je fais de mon mieux pour ne pas trop y penser. Je me suis suffisamment réchauffé, il est temps d'être audacieux et je dessine ma longue lignée de feuilles de vigne. Encore une fois, c'est quelque chose avec lequel je me sens assez à l'aise. Je continue avec ces formes, mais maintenant je l'essaie un peu différemment. Ce sera certainement un défi à peindre et je le sais. Je pense que je dois parfois me donner des défis et il va y avoir des défis quand nous présentons un bouquet. Je pense que ça peut être assez intimidant parce qu'il y a tellement de chevauchement dans une fleur, encore moins dans un arrangement floral. Mais vous devez commencer par ceux que vous voulez être en vue à l'avant. Avec cette technique, vous le traitez essentiellement comme un puzzle. J' ai tous ces espaces blancs que je crée à partir de ne pas avoir quelque chose peint là-bas et je vais devoir contourner ça. C' est vraiment pourquoi j'aime utiliser ces pinceaux ronds parce que j'ai un point sur lequel je peux jouer à la pointe, et pourtant j'ai une certaine flexibilité pour faire quelques grandes formes. Un schéma de couleurs habituel pour moi est ce vert sauge, un turquoise et un rose opéra. Je vais avec un mouvement de signature ici et honnêtement, je ne sais pas où cela mène, mais je sais ce que j'écoute, c'est ce dont cette pièce a besoin. Je sais qu'il a besoin de contrastes. Je vais utiliser la fleur qui a un bourgeon fort, ou je sais que je dois rompre avec ces mêmes formes de feuille de diamant. Je vais essayer une autre forme de feuille. Je remarque que, maintenant que j'ai fait cette fleur ici, c'est un peu de lumière, je dois apporter un peu de lumière ailleurs. Je pense constamment à l'unité et quand je regarde le travail d'autres artistes, je me rappelle que nous devons tous nous soucier moins choses que nous ne pouvons pas faire et nous concentrer sur ce que nous sommes bons et continuer à travailler là-dessus. Je jette quelques succulents, ils sont très difficiles à distinguer à ce stade. Le vert en bas à gauche, le violet en haut à droite et maintenant cette turquoise sourdine que j'ai en bas ici. Je suis vraiment juste en train de créer des contours très aqueux, je travaille de la lumière à l'obscurité comme vous feriez traditionnellement avec l'aquarelle et puis vous verrez une deuxième couche de plus sombre sur la lumière que je travaille sur cette succulente pourpre. Encore une fois, je ne fais pas de contours, je regarde les ombres. À ce stade, j'utilise une référence parce que les plantes succulentes sont tellement confuses, la façon dont elles se plient les unes dans les autres et qu'elles sont debout au milieu, et ensuite elles sont allongées à plat. Ces pétales sont allongés à plat à l'extérieur. J' ai mis cette deuxième couche et ensuite je passe à autre chose. J' ai reçu des questions sur Instagram au sujet des pièges de peinture réguliers avec des fleurs. L' un d'eux travaillait sur quelque chose de trop ou était trop mouillé, c'est pour ça que tu me vois travailler tout au long de la pièce. Pendant que les choses sèchent, je travaillerai sur une fleur différente ailleurs et parfois j' aurai trois pièces sur ma table que je fais tourner. Je me souviens que ma prof d'art au lycée m'a suggéré de le faire et j'ai pensé que c'était ridicule et je n'ai pas suivi son conseil et maintenant je le donne. Maintenant, j'apporte cette troisième couche sombre, cette troisième couche dans cette plante succulente qui commence à prendre forme, elle est encore assez aqueuse. Je pensais essayer très simple fleur un look bourgeon avec les cercles et ensuite j'utilise mon pinceau qui est très imprévisible, mais fournit ces très belles lignes fines comme presque comme ils sortent de cette vigne. Une autre chose que je vais faire est que je vais décrire beaucoup de ces formes amorphes que j'appelle fleurs et c'est la partie la plus importante. Quand vous avez un pinceau plus petit, que vous travaillez d'un gros pinceau à un petit pinceau, lumière à l'obscurité, il s'agit de ces derniers détails qui deviennent de plus en plus importants. Je viens maintenant avec un gros pinceau, et la raison pour laquelle je fais cela est parce que je dois remplir l'arrière-plan de ce bouquet et je veux vraiment me détendre. Je change constamment les choses en ce qui concerne cette variété. Si je vais imiter un plus grand pétale, une plus grande feuille, je vais utiliser un pinceau plus grand, même si c'est très difficile. Si vous vous sentez plus à l'aise avec une petite brosse, vous pouvez l'utiliser dans ces petites bombes nucléaires qui ont besoin d'une couleur de fond. C' est la partie clé pour le rassembler en un bouquet cohésif. Imaginer quelques grandes feuilles, quelques bons arrière-plans et unifier les choses avec une certaine couleur. À ce stade, j'avais l'impression que cette pièce se noyait dans des directions différentes. J' ai apporté ce vert qui a un peu bleu en essayant d'attacher en deux couleurs que j'ai déjà dans ma palette et mettre ceux en arrière-plan et j'espère broyer ce bouquet de fleurs sauvages. Enfin, je veux vous montrer comment je finis cette violette succulente en haut. J' utilise à nouveau ce bleu turquoise que j'utilise pour unifier cette pièce et c'est inattendu mais les plantes succulentes ont tendance à être plusieurs couleurs de toute façon. Je le dessine pour qu'il se démarque un peu et pourtant je ne veux pas non plus décrire toutes les formes pour qu'il soit encore suggestif et mène beaucoup à l'imagination. On va changer les engrenages en une peinture différente. Je voulais vous montrer comment j'ajoute différents détails et formes dans les fleurs pour les rendre pas si étouffantes, pas si prévisibles. Encore une fois, j'utilise ce pinceau de doublure et j'ai été inspiré par ces perles que j'ai, là dans la section de perles, mais de toute façon, ils semblent être des pendentifs d'une sorte ou d'une autre pour colliers. J' adore ce design larme et ils aiment apporter des lignes angulaires. J' ai tellement de formes organiques rondes qui se passent dans mes fleurs que c'est vraiment amusant d'apporter ces lignes, c'est quelque chose que je fais assez récemment pour juxtaposer les fleurs. J' espère que vous gagnez des idées sur différentes façons d'apporter éléments de griffonnage vraiment au sommet de vos peintures dans cette dernière couche pour en faire la vôtre. Quelque chose dont nous, illustrateurs, nous parlons beaucoup, c'est le style et la volonté de créer votre propre style et de craindre que vous regardiez vers le grand public, mais pourtant nous devons suivre les tendances. Faire ces peintures, ajouter ces détails sont le genre de choses qui font un artiste reconnu à part entière. Tu me verras ajouter quelques détails ici aux feuilles, et je vais te montrer à quoi ça ressemble quand ils ont tous été finis. 12. Synthèse: J' espère que vous avez apprécié ce cours. J' aime certainement sauter dans l'aquarelle florale avec vous. Juste quelques choses avant que je te laisse partir, je veux que tu publies ton projet. Je sais que ça peut être intimidant pour beaucoup de gens. Je pense qu'une adepte sur Instagram, c'est une amie Insta. Elle dit souvent qu'afficher ses œuvres est comme marcher nue dans la rue, et c'est ce qu'elle ressent à ce sujet. Mais cela devient plus facile et nous voulons voir vos progrès. Alors montrez-nous vos petits croquis d'exercice et votre bouquet. Si vous en avez un, votre arrangement floral. J' aime donner des commentaires si vous avez suivi l'un de mes cours, vous savez que je commente à chaque fois, et je veux entendre de vous. Je pense que l'un des points forts du partage des compétences est la façon dont les gens interagissent les uns avec les autres, et il y a une culture professionnelle à cet égard. Je pense que les médias sociaux, l'enseignement en ligne, tout ce que nous faisons à travers les interwebs ne vaut pas grand-chose à moins que nous interagissions les uns avec les autres, alors faites-le. J' espère que j'ai clarifié certaines choses pour vous. Si vous avez des questions, n' hésitez pas à poser, poster une discussion. Je vous souhaite le meilleur. J' aimerais savoir quel style vous aimez faire le plus, quel style vous espérez faire, et celui que vous trouvez le plus difficile. Jusqu' à plus tard, faites-moi savoir quels cours vous pourriez être intéressé à me prendre. J' ai mes propres idées, mais j'adore vous entendre. Le meilleur de vous, au revoir. 13. BONUS : Blocages courants: A propos du dépannage. Il est inévitable que vos pièces ne soient pas parfaites. C' est bon, et c'est une bonne chose. Commencez par esquisser, familiarisez-vous, et vous vous sentirez plus confiant de peindre. Je le fais souvent quand je me sens intimidée. L' autre chose que je fais, c'est que je vais faire des lavages très légers. Je vais faire un croquis très léger parfois juste pour avoir l'idée et ces lavages m'aident à cimenter, « Ok. Je vais le faire », et cela me donne confiance pour aller de l'avant. Parfois, je ne fais même pas de croquis, je vais juste ruiner la toile parce que je veux enlever cette intimidation. Ensuite, je deviens plus serré et plus serré, et chaque couche détient moins de pression parce qu'elle se construit sur la dernière. Quand la forme de la fleur est quelque chose que vous n'aimez pas, je suggère d'en élever d'autres autour pour faire un bouquet. Ne le mettez pas au centre, mais peut-être quelques plus petits ici et quelques plus gros morceaux là-bas, et tout revient à l'arrière-plan. Ça fera toujours partie de votre pièce, ça ne sera pas gaspillé. Mais de cette façon, vous aurez l'occasion de continuer. Si vous trouvez que vous mettez beaucoup trop d'eau dans vos formes, prenez une brosse sèche et effacez la. Ça va juste le sucer, ça ne fera pas une tonne. Vous pourriez avoir l'impression qu'il est encore mouillé. Ensuite, séchez ça, nettoyez votre brosse, rangez ça, prenez un autre pinceau pour le tremper. Vous pouvez également le faire avec une serviette ou une serviette. Vous n'avez peut-être pas utilisé la pointe de la brosse, mais plutôt le corps de la brosse trop ou vice versa. C' est vraiment important de pratiquer ça. Parfois, quand vous peignez de cette façon pour qu'il soit plus épais et de cette façon quand il est plus mince, et faites quelques exercices où vous faites des lignes et des pinceaux et vous avez une idée de la différence entre ces formes avec ce même pinceau. Si cela ne fonctionne pas, utilisez un autre pinceau. Lâchez tout, et commencez à utiliser une autre brosse, et vous verrez que votre main commence à faire les choses différemment, puis revenez à la brosse que vous utilisiez auparavant, et vous aurez plus de flexibilité avec elle. Les schémas de couleurs peuvent être délicats, mais puisque nous avons affaire à des fleurs, ils ont déjà de si belles couleurs. Si vous utilisez ce style illustratif où vous essayez d'imaginer des fleurs, utilisez de vraies fleurs pour vos combinaisons de couleurs. Si tout le reste échoue, utilisez des couleurs complémentaires comme celles-ci, des rouges et des verts. Je vais te ramener à ce succulent croquis que j'ai fait. La façon dont j'aborde l'ombrage est que j'ai d'abord bloqué dans certaines de ces couleurs, certains des blancs très clairs à milieu de gamme de contraste. Je vais avec ces couleurs et je pose ces extrémités comme un puzzle. Puis je suis entré avec la deuxième couche et est allé dans les plis et peint dans ceux. Notez que beaucoup de fois, nous avons tendance à penser que s'il y a un pétale triangulaire ici, alors les ombres devraient être tout autour. Ce n'est pas le cas, c'est seulement frapper sur certaines parties. Portez une attention particulière au sujet que vous utilisez. À la toute fin, j'ai ajouté plus de couleur pour qu'il ne ressemble pas à un très bien rendu, plat, succulent. Je voulais ramener ces couleurs vives.