Film et flux de travail hybride : la photographie analogique à l'ère du numérique

1. Introduction: Bonjour à tous et bienvenue. Je m'appelle Martin. Je suis réalisateur, scénariste et photographe de Berlin, en Allemagne. Je suis obsédé par les images depuis 20 ans, depuis que mon père m'a donné ce premier appareil photo reflex analogique. Ma passion pour la photographie m' a amené à faire du cinéma. Cela m'a inspiré à déménager des pays et à aller à l'école de cinéma et à poursuivre mes rêves. À bien des égards. Cela m'a vraiment ouvert les yeux sur le monde qui m'entoure. Et cela a fait de moi une meilleure personne, et cela a fait de moi la personne que je suis aujourd'hui. Dans ce cours. J'ai travaillé pour la première fois, partage toute mon expérience et mon savoir-faire. Vous apprendrez de mes erreurs pour ne pas avoir à les répéter. Je vais essayer de vous inspirer à faire passer votre photographie de film au niveau supérieur. Mes approches pour vous offrir une vue d'ensemble condensée mais complète pour vraiment vous lancer. Il y a une tonne d'informations. Et il peut sembler assez accablant et intimidant de commencer la photographie analogique, je vais vous proposer ces informations regroupées en cinq leçons concises, soulignant différentes étapes à franchir, développer et présenter des films, des images. Joignez-vous à moi dans ce voyage. Il y a beaucoup d' informations à parcourir. Sans plus tarder. Commençons. 2. Pourquoi vous devriez filmer des films: Bienvenue dans la première leçon. C'est ici que vous présentez quelques pensées et concepts préliminaires afin que vous puissiez naviguer dans le reste des cours. Qu'est-ce que la photographie cinématographique ? Commençons par le début. En termes simples, c'est le processus qui consiste à capturer des images sur film photographique recouvert produits chimiques sensibles à la lumière dispersés à l'intérieur et d'émulsion, qui se trouve sur le dessus du film. Ces rangées, bandes et feuilles de film se sont ensuite développées dans des produits chimiques liquides spécifiques produisant des photographies négatives ou positives. C'est ça. Et cela n'a pas fondamentalement changé depuis près de 100 ans. Dans le passé. Bien sûr, il n'y avait évidemment aucun ordinateur ou processus numérique impliqué dans ce domaine. Il s'agissait d'un flux de travail purement analogique. Cependant, avec l'avènement de la photographie numérique dans les années 1990 et des ordinateurs un peu plus tôt, tout cela a changé. Quand vous tournez un film aujourd'hui. Vous avez une jambe dans le passé et l'autre dans le présent sans cesse accéléré de la technologie d'imagerie. Vous ajoutez une fois, en participant à un patrimoine qui vous permet vraiment comprendre d' où vient le médium et quels sont ses fondements. Mais vous êtes également obligé aujourd'hui, en 2022, de traduire ce patrimoine dans des contextes modernes et contemporains. C'est ce que ce cours essaie de vous aider à atteindre. Cela nous amène en fait au présent, le flux de travail hybride, vous l'ayez appelé qui ne le soit pas. Il est probable que si vous tournez des films aujourd'hui, vous participez à ce processus. Certaines personnes n'en sont tout simplement pas tout à fait au courant, ou elles y sont habituées, ou elles ne l'ont même jamais vraiment remis en question. Mais dans une certaine mesure ou dans une autre, nous utilisons probablement déjà un flux de travail hybride. À mon avis, il vaut mieux en prendre conscience et en prendre la main. En termes simples, le flux de travail hybride signifie simplement la combinaison de techniques numériques et analogiques afin d'obtenir nos images finales. C'est ça. Ce n'est vraiment pas la science des fusées avant d'entrer dans les détails. Nous examinerons donc dans ce cours les quatre étapes distinctes du flux de travail hybride. Il s'agit de la première étape, l'exposition, de l'étape vers le développement ou le traitement. Étape 3, numérisation et étape pour présentation. Vous pouvez vous demander pourquoi m'embêter si je peux simplement utiliser un appareil photo numérique et voir mon résultat instantanément ? Je peux réagir aux erreurs que je commets. Oui, les profondeurs sont vraies. Mais de nombreux créatifs sont toujours absolument engagés dans le tournage de films. Pourquoi est-ce que c'est ? À mon avis, le défi de tout cela fait simplement de vous un meilleur photographe. Il vous oblige à prendre des décisions éclairées en cours de route, avec seulement 36 clichés sur un rouleau de film standard de 35 mm et même moins que le format moyen. Vous voudrez prendre chaque exposition et image avec soin et délibérément. Cela peut avoir un effet vraiment bénéfique sur votre résultat final. Contrairement à la prise de vue numérique où vous pouvez capturer des centaines de photos et les trier plus tard. Mais il y a aussi d'autres raisons, en plus pratiques, pour lesquelles vous voudrez peut-être photographier des films. Et le principal d'entre eux est la qualité esthétique du médium. Le regard du film, nous en avons tous entendu parler. Il offre quelque chose que vous ne pouvez tout simplement pas reproduire avec un appareil photo numérique. Offrant une excellente latitude, une texture et une structure de grain naturelles et agréables, ainsi que des tons de peau excellents, riches et flatteurs qui offrent un antidote bienvenu à la une netteté extrême du numérique. Imaginez photographier une image du soleil à l'aide d'un appareil photo numérique et d'un appareil photo analogique. Vous seriez très étonné. Le film analogique est capable de mieux gérer cette luminosité extrême. Il peut afficher de nombreuses nuances de blanc. Avant d'entrer dans un blanc pur. Un capteur numérique se clipsera beaucoup plus tôt dans un blanc pur. C'est une chose appréciée par les créateurs d'images du monde entier, particulier dans la réalisation de films et dans le cinéma. La proximité de la photographie analogique au cinéma est un autre avantage pour nous, photographes car elle nous offre une entrée dans un univers esthétique chéri par les cinéastes hollywoodiens dans l'État. Même aujourd'hui, le meilleur GPS au monde, les meilleurs créateurs d'images au monde choisissent de filmer leurs films sur celluloïd. Pourquoi ne s'agit-il pas simplement d'une pure nostalgie ? Je suis convaincu que ce n'est pas le cas. C'est précisément ce look de film que nous venons de discuter, même jusqu'aux années 2000, sociétés telles que Fuji et codec, nous recherchons et développons leurs stocks de films et les améliorons constamment afin de suivre le rythme de la photographie numérique. Cela signifie qu'aujourd'hui, vous avez accès aux meilleures stocks de films disponibles. C'est super excitant à mon avis. Et n'oubliez pas que le codec continue de produire des films cinématographiques ainsi que des films d'images fixes jusqu'à ce jour. Je dirais que la photographie analogique ainsi que la cinématographie sont bien vivantes en 2022 et pour de bonnes raisons. Maintenant, voici un dernier mot sur une idée quelque peu romantique la photographie de film que vous avez peut-être rencontrée. Vous entendez souvent que les images du film doivent être floues, défocalisées, imparfaites, pleines de saleté, poussière et de rayures. Vous obtenez la photo. Eh bien, oui, si c'est votre goût, allez-y et faites-vous plaisir. Je pense à plus de pouvoir pour vous. Mais il n'y a pas vraiment de honte à poursuivre une sorte d'excellence technique avec votre photographie analogique. Souvent, les photographes axés sur une telle excellence technique sont un peu mal mal mal vus parce qu' ils ont prétendument démystifié le processus créatif ou trop analytique. Il suffit de sortir et de tirer. Bien sûr. Mais à mon avis, plus vous en savez, plus vous pouvez apprécier la beauté et d'une certaine manière, plus le mystère grandit, on peut dire que c'est tout. Je sais que tout n' arrivera jamais à la fin de la journée, la créativité implique aussi de l'artisanat, et j'espère améliorer la vôtre lors de ces prochaines leçons. Avec ces réflexions préliminaires, examinons les quatre étapes du flux de travail hybride. En commençant par la capture de vos images. Allons-y. 3. Exposition: Bonjour et bienvenue à la première étape de l' exposition au flux de travail hybride. C'est généralement ainsi qu'il démarre une caméra analogique, une vieille caméra qui vous a été donnée par vos parents ou grands-parents, ou que vous l'avez trouvée dans le grenier ou lors d'une visite au marché aux puces. Cela, ainsi qu'un rouleau de film, sont tout ce dont vous aurez besoin pour débuter dans la photographie cinématographique. Une fois que vous avez chargé votre film dans votre appareil photo, vous êtes prêt à prendre vos premières photos. En termes de photographie cinématographique, c'est ce qu'on appelle faire une exposition. Pourquoi cette terminologie ? En fait, vous exposez les produits chimiques contenus dans le film à la lumière. Cette exposition conduit à une image dite latente. Image latente. C'est comme un œuf qui doit être élevé avant de pouvoir éclore. Dans notre cas, les images latentes capturées sur le rouleau de film doivent être développées avant de pouvoir obtenir vos négatifs. Et tout comme un œuf, images latentes sur film sont vraiment fragiles. Parce que le film est non seulement sensible à la lumière mais aussi à d'autres influences physiques. principaux d'entre eux sont la chaleur, le rayonnement et l'humidité. Cela explique pourquoi le film est souvent stocké dans des réfrigérateurs ou même des congélateurs pour assurer une dégradation aussi faible que possible par la chaleur et la lumière. Parlons maintenant de la capture de photos. Plus précisément, en discutant d'un concept crucial, vous en avez peut-être déjà entendu parler auparavant. C'est le triangle d'exposition redouté. Le triangle d'exposition est un modèle simple de la façon dont trois valeurs principales déterminent la quantité de lumière qui atteint le film ou le capteur numérique. La combinaison de ces valeurs donnera une exposition correcte, espérons-le. Le triangle s'applique à l' ensemble de la photographie et réalisation cinématographique. Il se compose de trois points interdépendants. Tout d'abord, l'ouverture ou l' arrêt f de votre objectif. Deuxièmement, l'ISO ou la sensibilité de votre film ou de votre capteur. Et trois, la vitesse d'obturation. Comme je l'ai dit, ce concept est valable pour toutes les formes de photographie et de cinématographie. Une fois que vous l'aurez compris, c' est un outil extrêmement puissant, car en principe, vous pourrez utiliser n'importe quel appareil photo. Sachez simplement qu'il est à la fois trompeusement simple et pourtant profondément complexe. Il m'a fallu de nombreuses années pour le saisir pleinement, ainsi que ses effets et ses implications sur mes images. Cependant, je vais y aller. Je vais essayer de le décrire dans les termes les plus simples auxquels je puisse penser. Ici, l'ouverture décrit la taille, la taille physique de l'ouverture de l'objectif et la quantité de lumière qui peut le traverser. Une grande ouverture laisse traverser beaucoup de vol. Une ouverture plus petite laisse passer moins de lumière. Iso décrit la sensibilité à la lumière de vos films. L'émotion et la vitesse d'obturation décrivent enfin la durée de l'exposition. C'est ça. Voici quelques bonnes nouvelles en photographie analogique. Le choix du film se fait à l'avance une fois que vous avez chargé votre appareil photo. Par conséquent, il suffit de prendre en compte les deux autres valeurs. Une fois que vous êtes en train de tirer. Nous avons parlé d'obtenir une exposition correcte à l'aide de ces variables. Mais comment le saurais-tu ? Comment connaîtriez-vous une exposition correcte et quelles valeurs composer ? Eh bien, c'est un art et une science. Et c'est le moment où quelque chose comme ça s'avère utile. Il s'agit d'un luminomètre. Maintenant, il existe différents types de batteurs nocturnes. Il existe des compteurs de lumière réfléchissants ou des compteurs de lumière incidente comme celui-ci. Ces deux éléments vous aident à déterminer la bonne exposition de votre image. compteurs lumineux incidents tels que celui-ci mesurent la lumière qui tombe sur ce demi-cercle appelé sphère lumineuse. Il mesure toute la lumière qui frappe les points de la surface. Il a une forme semi-sphérique qui ressemble à la forme typique de la tête humaine, c'est pourquoi elles sont très populaires dans la photographie de portrait. Vous pouvez mesurer la lumière à n'importe quel point physique ou à n'importe quel endroit, mais vous devez toujours pointer l'hémisphère vers votre appareil photo, car c'est de là que vous allez prendre l'image. Mais comme je l'ai dit, la beauté de tels appareils que vous pouvez mesurer. Différents points, différentes parties d'une pièce, par exemple, et obtiennent la bonne exposition la luminosité à cet endroit physique. Encore une fois, n'oubliez pas de pointer la sphère cinglée vers votre caméra. Aujourd'hui, de nombreuses caméras analogiques, comme celle-ci, contiennent leurs propres luminomètres. Il s'agit de systèmes de mesure de lumière réfléchissante. Ils mesurent la lumière qui rebondit des objets que vous photographiez. Plutôt que, comme c'est le cas avec un indicateur de lumière incident, de mesurer la lumière qui tombe dessus à l'endroit. Les applications lumineuses pour smartphones utilisent également la méthode réfléchissante. Maintenant, les deux types de compteurs ont leurs avantages et leurs inconvénients, mais ils ont aussi quelque chose en commun. Et c'est qu'ils mesurent le gris moyen. Vous en avez peut-être entendu parler, mais quel est le **** gris moyen ? Cela signifie que les luminomètres, à fois incidents et réfléchissants, mesurent toujours une exposition correcte pour ton gris qui reflète 18 % du spectre de lumière visible. Pourquoi 18 % ? Eh bien, c' est la science. Dans ce cas, 18 % de la réflexion signifie exactement à mi-chemin entre les parties les plus sombres et les plus brillantes d' une image est uniquement liée à notre perception visuelle humaine. D'où le terme gris moyen. Cela signifie le point à mi-chemin entre le noir pur et le blanc pur. L'idée sous-jacente est que si vous pouvez déterminer correctement l' exposition pour un ton aussi beau, les autres zones de votre photographie de luminosité et obscurité tomberont également au bon endroit. Maintenant, il est gris moyen. Qu'en est-il de la photographie couleur ? Eh bien, en couleur, il y a des nuances de couleurs que vous pouvez assimiler au grade moyen. Par exemple, la couleur bleu profond. Le ciel est très proche luminance et de qualité réfléchissante au gris moyen. Il s'agit également d'un ton de couleur à mi-chemin entre le noir pur et le blanc pur. Ainsi, même dans la photographie couleur, le gris moyen s'applique. Et ces diapomètres, bien sûr, capables de mesurer la lumière pour la photographie en noir et blanc et en couleur. Ça semble compliqué. Eh bien, c'est un peu le cas. Mais donnons un exemple. Cette image que vous voyez en ce moment est une image numérique. Mais par souci d' explication, c'est utile. Permettez-moi de vous montrer ce que mon luminomètre indique lorsque je le tiens ici près de mon visage. J'ai donc déjà composé mon ISO, qui est 800, soit le Canon R5, l'ISO et le LAG-3. Ensuite, j'ai distribué mes 25 images par seconde et ma vitesse d'obturation, ce qui correspond à un 50e de seconde. Maintenant, le luminomètre indique une ouverture de f quatre ou f 3.5, selon l'endroit où j'ai pointé. Je saurai donc qu' à ce stade, notre gris moyen serait correctement exposé à ces réglages de F4, ISO 850e de seconde. Cependant, dans ce cas, je veux vraiment exposer correctement mon type de peau. Et donc ma couleur de peau, qui est assez brillante, est plus brillante que le gris moyen. Je vais donc prendre cette exposition de F4 et je reviendrai ici, nous avons les quatre confirmations devant mon visage. Et au lieu d'utiliser un quatre, j'utiliserai exactement un point de lumière de plus pour exposition correcte de mon teint car il est plus lumineux que le gris moyen. J'ai exposé cette image à 850e de seconde ISO, vingt-cinq images par seconde à 2,8 F. Et cela me donne l'exposition que vous voyez en ce moment. Un peu de conjectures sur mon site, en ajoutant un point de lumière. Mais j'espère que cela vous a illustré le concept de mesure du gris moyen. Cependant, si vous ne pouvez pas dégager l' argent supplémentaire pour un tel luminomètre, il y a une petite astuce que je peux partager avec vous. Vous pouvez utiliser un luminomètre réfléchissant tel que celui de cet appareil photo ou même une application pour smartphone, et simplement pointer directement sur votre peau. Comme ça, que se passerait-il ? L'ensemble du cadre est maintenant rempli par votre peau. L'appareil photo mesure uniquement la lumière réfléchie par votre peau. Dans ce cas. Avec cette méthode, vous pouvez tromper et tromper le système et bouleverser obtenir une mesure précise du teint. Encore une fois, la caméra mesurera également le gris moyen. Si je devais pointer cela exactement sur mon visage, j'aurais une mesure gris moyen pour cette partie de l'image. Je devrais alors simplement ajouter un point de lumière parce que je veux qu'il soit plus lumineux que le gris moyen pour ma peau. Enfin, examinons une recommandation générale parfois lue sur Internet. C'est l'idée que vous devriez toujours surexposer images de vos films comme pratique habituelle de deux arrêts. Je peux vous dire que cela ne correspond pas vraiment à mon expérience. Bien que certains films puissent bénéficier d'une surexposition, je ne le recommanderais pas sans m'attendre à expérimenter un peu et à faire vos propres tests. Je vais suivre à l'avenir un cours détaillé sur des familles de films spécifiques et sur familles de films spécifiques et façon dont elles réagissent à la surexposition et à la sous-exposition. Alors restez à l'écoute pour ça. Bien sûr, la performance du film dépend toujours fortement du développement. Cela nous amène à notre prochaine leçon, élevage, à l'éclosion, à nos images latentes. Allons-y. 4. Développement: Bienvenue à la deuxième étape du flux de travail hybride, développer vos images de films. abord, un petit avertissement. Je ne développe actuellement pas mon propre film chez moi. Et mon intention ici n'est pas de vous donner les recettes exactes, les temps de développement, etc. Mon objectif est plutôt de vous donner un aperçu de ce qui compte le plus dans le développement. Mais évidemment, il y a beaucoup d' informations si vous voulez rester coincé dans le développement personnel à la maison. Cependant, la façon la plus conventionnelle reste vous permettre d'exposer des films à un laboratoire pour réaliser cette étape à votre place. La technique de développement utilisée dépend de votre film spécifique. Il existe différents processus qui nécessitent différentes étapes et différents produits chimiques. processus les plus courants Les processus les plus courants sont ceux que j'ai ici avec moi sur la table lumineuse. Il s'agit du premier traitement négatif couleur C41. Vous avez probablement déjà vu une telle bande de film. Ils sont en quelque sorte orange. Oui. Vous les avez déjà vus parce que la plupart des photos de notre enfance ont été prises sur ce type de films. C'est un vrai classique. Ensuite, nous avons du noir et blanc. Comme vous pouvez le voir, les bandes de film sont en quelque sorte violettes, grisâtres. Ce sont de véritables films monochromatiques. Ici, il existe une grande variété de produits chimiques en développement que vous pouvez utiliser. Ils peuvent être dilués ou concentrés pour modifier le contraste final et également le grain de vos images. C'est assez incroyable car le même film peut avoir une apparence totalement différente selon le développeur noir et blanc utilisé, sa richesse vaut la peine d'être explorée. Et si vous développez avec un laboratoire, je vous recommande de leur demander quel développeur ils utilisent. Ensuite, nous avons des films E6, ou aussi connus sous le nom de film DR. Positive. Comme vous pouvez le voir ici. La bande de film contient déjà toutes les informations sur les couleurs. C'est pourquoi c'est positif. Il n'a pas besoin d'être inversé ni de traitement des couleurs. C'est un excellent choix pour les photographes TOC, mais il est également notoirement difficile à exposer. Il est encore plus difficile et plus coûteux de bien numériser, et il a beaucoup moins de plage dynamique couleur négative et le film noir et blanc. Il existe également un processus appelé traitement croisé ou X Pro. C'est à ce moment que les produits chimiques utilisés pour film négatif couleur C41 sont utilisés pour développer de chers positifs, ou vice versa. Produits chimiques pour E6 utilisés pour développer des images C41. Cela donne un look unique et expérimental avec des couleurs très asymétriques. Que ce soit votre goût, vous devez le découvrir par vous-même. Enfin, il existe également un processus appelé ECN pour le développement, qui est devenu très populaire récemment. Il est synonyme de traitement négatif de couleur Eastman. Et il vient du monde de la cinématographie. Il est vraiment similaire au C41, mais il contient quelques étapes supplémentaires, est pourquoi tous les laboratoires ne peuvent pas simplement développer ECN deux s' ils développent C41. Vous devrez donc vérifier ces étapes supplémentaires. Par exemple, un pré-bain qui enlève la couche de jet de bélier noir sur le film. La couche de jet de bélier sur ECN deux films est une couche à l'arrière du film émotion qui réduit les relations de réflexion et également l'accumulation de films réduit les relations de réflexion et également cinématographiques statiques . Ces deux films ECN offrent un contraste légèrement plus plat car ils sont destinés à l'étalement des couleurs. Et aussi le grain final puis C41. Et ils sont également disponibles Color Balanced pour les lampes artificielles en tungstène, ce qui est vraiment utile. Pour être honnête, vous devriez certainement essayer cela. Aujourd'hui, le processus de développement actuel se compose de différentes étapes. Il doit être réalisé dans l'obscurité totale. Il peut être fait soit à la main, soit par grosses machines qui effectuent automatiquement les étapes. L'eau, ainsi que les températures chimiques, doivent rester stables et constantes tout au long du processus pour obtenir les meilleurs résultats. Les produits chimiques doivent également être frais afin d' obtenir d' excellentes images avec eux. Malheureusement, ces produits chimiques vont très vite mal. Le processus peut donc paraître simple, mais il implique en fait beaucoup de maîtrise pour en tirer une image vraiment, vraiment bien développée. Maintenant, comme vous pouvez le constater sur ma table lumineuse, ne sont pas seulement différents types de films qui nécessitent différentes techniques de développement, mais également des formats de films différents. Nous avons d'abord parlé d'un film de 35 millimètres, qui se trouve dans le coin droit, qui est en fait de 36 sur 24 millimètres, avec un rapport d'aspect de trois par deux. Mais il existe également des formats plus grands, dont le principal est le moyen format. Tous ces autres types de négatifs et de positifs. Vous pouvez voir ici notre format moyen. Les films de moyen format sont connus sous le nom de 120. Les formats moyens courants se trouvent juste en face de vous. Il y a six centimètres sur 4,5 centimètres plus bas dans le coin droit avec un rapport hauteur/largeur de quatre sur trois. Il y en a six sur six, ce qui correspond à un format carré de un à un. Il y en a six ou sept dans le coin supérieur gauche avec un rapport hauteur/largeur d' environ quatre sur cinq, ou un à 1,2. Maintenant, il y a aussi six caméras sur 86 sur neuf, mais elles sont un peu moins courantes. Pour tous ces appareils photo moyen format, vous pouvez charger les mêmes 120 films. La seule différence sera nombre d'expositions que vous obtiendrez d'un seul objectif. Pourquoi est-ce que c'est ? Eh bien, c'est parce qu'un côté de l'objectif de l'image reste toujours le même. Six centimètres. Jetez un coup d'œil. Si je les empile les uns sur les autres, vous pouvez voir que les films de moyen format ont tous la même largeur de six centimètres. C'est pourquoi 120 films peuvent être chargés dans différents appareils photo moyen format. Or, ces six centimètres sont en fait un peu plus proches de 56 millimètres de largeur réelle. Une fois que vous soustrayez la bordure et que vous arrivez à la zone exacte de l'image est plus proche de 56 millimètres, mais c'est le genre de technicalité. Et cela dépend un peu de votre appareil photo. Tout format plus grand que format moyen est connu sous le nom de films grand format. s'agit en fait de simples feuilles de film dont la taille varie d'une dizaine sur 13 centimètres à 20 x 25 centimètres. peu près la taille de cette table lumineuse que vous voyez devant vous. Ils sont énormes. Tout ce qui est encore plus grand est considéré comme un format ultra grand format. Pour développer ces images de moyen et grand format, vous avez besoin de réservoirs et de conteneurs plus grands pour contenir les morceaux de film de grande taille. C'est pourquoi le développement pour le moyen format et le grand format doit être réalisé avec différents équipements jusqu'au développement de 35 millimètres. Dans notre leçon précédente, nous avons parlé de l'exposition correcte du film. Examinons un peu plus attentivement une bande de film et comment le développement et l'exposition vont de pair. J'ai sélectionné trois négatifs pour vous ici pour illustrer cela. L'un est correctement exposé, autre est sous-exposé et l'autre est peut-être légèrement surexposé. Pouvez-vous deviner lequel est lequel ? Laissez-moi vous aider. Vous pouvez supposer que le plus sombre ici est en fait celui qui est sous-exposé. Mais ce n'est pas le cas. En fait, l'image la plus sombre ici, la plus sombre négative, a été exposée au plus de lumière. C'est pourquoi il apparaîtrait comme le plus lumineux une fois qu'il est inversé numériquement ou imprimé, inversion signifie que l'obscurité devient brillante et que la lumière devient sombre. Si vous gardez cela à l'esprit, vous pourrez juger de l'exposition d'un négatif simplement en le regardant sur une table lumineuse. Je vous recommande de vous procurer l'un de ces appareils, un appareil grossissant afin que vous puissiez également juger la netteté et des détails fins de votre négatif. Permettez-moi de vous montrer cette bande négative un peu plus proche de la caméra. Vous pouvez avoir une idée de près de ce à quoi cela ressemble. Ainsi, comme vous pouvez le constater, l'image la plus lumineuse, qui est sous-exposée, est assez transparente et laisse passer beaucoup de lumière. La plus sombre, la plus exposée. Envoyons moins de lumière. On peut toujours voir la silhouette de mes doigts, mais c'est sensiblement différent. Et celui du milieu est en quelque sorte à mi-chemin entre eux. Là encore, vous avez sous-exposé, n'est-ce pas ? Exposition et surexposition à la glissière. suffit de noter que nous filmons, c'est assez difficile de vraiment surexposer, de l'exposer. Même ce négatif est parfait et peut être imprimé ou numérisé. Eh bien, l'obscurité, c'est un peu différent. Underexposition n'est pas le meilleur ami de votre film. Et vous pouvez voir que le film basé sur le bord et l'image sont difficiles à distinguer les uns des autres. Et c'est un indice pour vous qu' il y a une grave sous-exposition qui se produit ici. Notez que l'image correctement exposée au milieu présente une dispersion uniforme entre les zones sombres et lumineuses et une séparation claire entre l'image réelle et le film autour du bord. Contrairement à celui-ci. N'oubliez pas que la bordure du film et la base n' ont pas été exposées à la lumière du tout. Cette zone est donc claire et lorsqu'elle est inversée, elle apparaîtra en noir pur. Lors de notre dernière discussion sur les luminomètres et l'exposition, le triangle d'exposition, j'ai mentionné qu'un analogique, c'est un peu plus simple car la vitesse du film est choisie à l'avance, et donc nous n'avons que deux valeurs à craindre. Bien que cela simplifie vraiment le processus, il peut également s'avérer désavantageux. Et c'est si la situation lumineuse change soudainement ou si elle ne correspond plus à ce que vous attendiez. Dans une telle situation, vous avez le mauvais film chargé, mais vous aurez un moyen de vous en sortir. C'est ce qu'on appelle pousser ou tirer votre film. Cela signifie que vous exposez le film à une autre ISO. Ensuite, il est en fait évalué à. Et plus tard dans le développement, vous le développez plus longtemps ou plus court. Pour compenser cette exposition incorrecte. Supposons que vous ayez choisi un film ISO 100 parce que vous pensiez que le soleil serait sorti, vous arriviez sur les lieux et maintenant, il fait vraiment nuageux et il commence à pleuvoir. Mais vous voulez toujours prendre des photos. Vous pouvez désormais définir la valeur ISO de votre appareil photo ou de votre appareil photo sur ISO 400 et mâcher. Et si vous l'avez fait, eh bien, la différence entre cent et quatre cents est deux arrêts de lumière. Vous avez maintenant sous-exposé votre film de deux arrêts. Quand vous le déposez au labo. Vous savez, demandez-leur de pousser le film. Deux étapes de développement pour compenser cette sous-exposition, cela signifie simplement que le film reste plus longtemps à l'intérieur des produits chimiques en développement. Il compense donc le manque d'exposition qui existait. Dans la pratique, vous avez, encore une fois, sous-exposé au cinéma et vous en avez maintenant fini de le développer pour compenser. Voila. Vous aurez toujours des images utilisables correctement exposées. extraire est le même concept, mais vice versa avec surexposition lors de la capture et du sous-développement ultérieurement. Maintenant, j'ai dit que vous obtiendrez des résultats utilisables et parfaitement exposés. C'est vrai, mais il y a quelques mises en garde. Attention, juste. poussée augmente le vert et peut malheureusement provoquer des changements de couleur. Tout en tirant réduit le contraste. Généralement, le film noir et blanc pousse et tire mieux car il n'y a pas de couleurs qui pourraient être faussées. La seule pénalité est donc une augmentation du grain ou une diminution du contraste. Maintenant, terminons cette leçon avec mes trois principales recommandations pour la phase de développement. Tout d'abord, optez pour la qualité plutôt que le prix. Lorsque vous choisissez un laboratoire. Votre laboratoire devrait être en mesure d' égratigner et de rester sans douleur. Des négatifs correctement développés de manière cohérente. Film, c'est comme n'importe quoi. Vous obtenez ce que vous avez payé. Ne vous contentez pas d'opter pour l'option la moins chère. grands laboratoires commerciaux ne peuvent offrir des prix abordables que parce qu'ils ont développé des zooms en lots énormes avec une approche unique. Maintenant, c'est peut-être bon pour certaines images. Mais pour les plus critiques, vous voulez vraiment obtenir les meilleurs résultats. Ces laboratoires utiliseront également les mêmes produits chimiques et les mêmes temps de développement. Quelle que soit votre émulsion cinématographique particulière, vous n'obtiendrez tout simplement pas les meilleures performances des stocks de films incroyablement high-tech qui existent en utilisant de telles techniques. Une image mal traitée est donc un peu dommage. Ma deuxième astuce est d'essayer autant de films et de techniques que vous le souhaitez et que vous le pouvez, mais visez à obtenir de la cohérence. Je veux dire, toutes les options sont super excitantes et j'y suis allé, j'ai tout essayé. Mais ils viendront probablement un moment où vous voudrez rationaliser et concentrer votre approche esthétique pour la maîtriser vraiment. J'aimerais parfois, lorsque je reviens aux images prises il y a dix ans, que je les ai prises sur le même film pour avoir une certaine cohérence dans mon travail. Mon conseil est d'apprendre à connaître une action particulière, à y investir, à la connaître intimement et vous en récolterez les avantages. Mon troisième conseil, mon dernier est simple. Développez rapidement votre film après le tournage, numérisez-le ou faites-le numériser immédiatement après le développement, puis stockez-le correctement. Cela signifie que dans un environnement frais, sec et sombre, sans poussière , vous ne le savez tout simplement jamais. Certains de ces négatifs peuvent s'avérer extrêmement précieux pour vous à l'avenir, ce soit pour des raisons monétaires, commerciales ou personnelles. Alors traitez-les bien. Passons maintenant à l' étape suivante où le flux de travail hybride entre réellement en vigueur. Et c'est de la numérisation. 5. Scanner: Examinons le sujet de la numérisation des images de vos films. Il s'agit d'une étape cruciale dans le flux de travail hybride, la numérisation ou la numérisation de vos négatifs et de vos positifs. C'est le moment où l'objet physique que vous avez créé, tel que cette bande de film, ces positifs sont traduits en un et en zéros en pixels sur un écran. Il existe trois méthodes principales pour numériser votre film. Il y a votre scanner à plat traditionnel, qui contient une source lumineuse et un petit capteur qui traverse la zone de numérisation. Lecture de la luminosité et des valeurs de couleur de l'objet que vous numérisez et convertissez-le en pixels. Ensuite, ce sont des scanners de batterie professionnels, qui utilisent une technique similaire, mais avec beaucoup plus de sophistication. Ceux-ci ont été spécialement créés pour numériser des images de films. Ils sont toujours là, mais ils sont coûteux, difficiles à entretenir et nos jours mal pris en charge du côté logiciel. Mais surtout pour la photographie de moyen et grand format, ils représentent toujours l' étalon-or absolu de la numérisation. Enfin, une tendance plus récente, et c'est l'avènement d' appareils photo numériques de plus en plus résolus. Et les utiliser pour photographier efficacement vos négatifs. Cette méthode implique également une source lumineuse, telle que la simple table lumineuse ici, ainsi qu'un appareil photo numérique très résolvant et un objectif macro. Vous allez essentiellement photographier ces bandes de film ou sources lumineuses ou supérieures à l'aide d'un objectif macro. C'est vraiment tout ce qu'il y a à faire. Cela semble simple, mais en pratique, c'est assez difficile à faire. Toutefois, à mon avis, cette méthode est probablement l'option la plus réalisable pour 90 % des photographes qui possèdent peut-être déjà un appareil photo numérique. Il est également très proche des résultats obtenus avec un scanner à tambour, en particulier pour la netteté et en particulier pour 35 millimètres. Cette technique est super excitante et c'est pourquoi nous en discuterons plus en détail dans cette leçon. Et je vais également vous montrer quelques exemples de conversion de ces images dans Lightroom ou Photoshop. Parce que la photo que vous prenez sera simplement une photo du négatif. Il faut donc l'inverser. Comme le cinquième développement peut être tentant de simplement laisser le laboratoire scanner votre film. Oui, bien sûr pourquoi pas. Mais tout comme pour le développement, il y a aussi quelques mises en garde. Pour autant que je sache. Ils sont également, à nouveau, trois inconvénients de la numérisation en laboratoire qui peuvent être évités avec une configuration à domicile. abord, un laboratoire ne scanne généralement pas votre négatif complet. Les numérisations que vous recevez sont fortement recadrées, de sorte que parfois vous ne voyez que 90 à quatre-vingt-quinze pour cent de l'image réelle. On ne voit pas la bordure du film. Par exemple. La beauté du film est que l'on peut même voir l'émulsion réagir à la lumière. Et cet effet est particulièrement évident au bord de la trame négative. Jetez un coup d'œil ici. Au coin de l'image, vous voyez une nette démarcation par rapport à la base du film. C'est l'une des beautés de photographie analogique et seule une analyse négative complète peut vous le montrer. Et c'est aussi la raison pour laquelle la numérisation négative complète est devenue une énorme tendance. Vous pouvez apprécier la bordure noire qui coule autour de votre cadre. Vous pouvez également lire, en fonction de la taille que vous capturez le type de film, le fabricant et le rabais de votre stock de films. Vous pouvez même aller jusqu'à incorporer les trous de pignon utilisés pour maintenir le film en place à l'intérieur de votre appareil photo, ces trous ici, ces perforations. Et aussi scannez-les, numérisez-les également. Cela a l'air incroyable et c'est devenu une véritable tendance à montrer le véritable héritage analogique de vos photographies. Vous n'obtiendrez pas cela d'un laboratoire ou du moins pas d'un laboratoire commercial ordinaire. La deuxième raison d'éviter les analyses de laboratoire est vraiment leur manque de résolution. Vous recevrez généralement une mauvaise représentation de votre film ainsi que de la netteté réelle de vos objectifs. En raison de la simple réception d'une analyse par lots de mauvaise qualité. Souvent, il s'agit d'un JPEG fortement compressé. Vous pouvez même penser que le film ou l'objectif que vous avez utilisé n'est pas particulièrement tranchant, ou que le grain est pâteux et maculé. Mais il faut considérer que cela peut simplement être dû à un manque de qualité de la numérisation. Une bonne configuration de numérisation numérisée à objectif macro ou un balayage de batterie peuvent vous montrer la texture fine et les caractéristiques de surface exactes de vos stocks de films particuliers. L'analogique vert est bien capable de résoudre. Trouvez même des textures et des structures telles que des poils individuels. Il suffit d'utiliser la bonne feuille de film et le bon développement. La dernière raison d'éviter les analyses de laboratoire est également très importante. Et c'est que l' interprétation de votre négatif dans la conversion implique de faire des choix esthétiques. Choix de contraste, choix de couleur, de température et de saturation. Donc, celui qui effectue la numérisation décide de l' aspect final de votre image, si vous êtes vraiment sérieux au sujet de votre photographie, il est probable que vous voudrez avoir un mot dans ce processus. Vous savez, c'est juste un peu évident, n'est-ce pas ? À moins que vous ne trouviez un laboratoire qui vous offre quelque chose dont vous êtes parfaitement satisfait, c'est très bien aussi. Mais rappelez-vous qu'un négatif doit toujours être inversé. On ne peut pas échapper à ces choix créatifs. Sauf si vous tournez un film positif. C'est le pipeline d'inversion que nous allons maintenant examiner en détail. Allons sur mon ordinateur et commençons. Très bien, je vais vous montrer trois méthodes convertir et inverser vos numérisations reflex numériques. Commençons par le plus courant, qui implique un plugin appelé Negative Lab Pro. Vous en avez peut-être déjà entendu parler. Il s'agit d'un plug-in simple pour Lightroom, qui vous permet de convertir par lots de plus grandes quantités de numérisations. Et il le fait en noir et blanc ainsi qu'en couleur, ce qui est vraiment utile. Negative flat Pro est devenu très populaire car encore une fois, il simplifie simplement le processus et obtient les couleurs tout à fait correctes. La plupart du temps. Nous avons déjà importé notre film et nous sauterons ici dans l'onglet Développement pour accéder à la première image. La première étape que je fais toujours est faire la balance des blancs hors de la frontière. Pourquoi ? Parce que vous pouvez peut-être voir que toute l'image a une légère teinte violette et bleue. Maintenant, après l'équilibrage des blancs, cette teinte a disparu. Et je vais synchroniser toutes les images pour qu'elles aient toutes une apparence plus neutre. Évidemment, le plugin saura que nous travaillons sur une image en noir et blanc. Il le fera également automatiquement et réalisera que les informations de couleur peuvent être supprimées. Vous pouvez donc voir mes sources, un appareil photo numérique. Le modèle de colonne est noir et blanc, ce qui signifie à nouveau que le programme soustrait toutes les informations de couleur. Avant saturation, je laisse un tampon de bordure par défaut de cinq pour cent, qui est cette bordure de film qui tourne autour. Et un tampon de 5 % signifie que le programme n'en tient pas compte lors du calcul de la conversion. Maintenant, cela prendrait une seconde, et je vous parlerai une fois cette étape terminée. Très bien, donc nous y voilà. Tous nos négatifs ont été convertis par un pro de laboratoire négatif dans un lot. Vous disposez maintenant de toute une série d' options avec lesquelles vous pouvez jouer, ce qui affectera l' apparence de votre conversion. C'est plus pertinent et plus fidèle une fois que vous coloriez. Mais en général, vous savez les premiers résultats que vous voyez ici sont plutôt décents. Vous pouvez également définir la netteté ici , avec certains préréglages intégrés. Il existe également des paramètres avancés pour le comportement du programme, la gestion des fichiers, etc. Mais par souci de démonstration, c'est vraiment tout ce qu'il y a à faire. Nous avons maintenant un film entièrement converti et toutes les images ont fière allure. Comme vous pouvez le voir. C'est un peu lumineux, c'est un peu sombre. Cela dépend de l'exposition, de l'état initial du négatif. Mais le programme, oui, il n'est pas vraiment décent de vous donner une conversion par lots. Et la qualité est également excellente. Comme vous pouvez le voir ici. À partir du scanner DSLR. Nous avons une netteté décente. Nous pouvons voir le grain. Ce ne sont même que 21 mégapixels scanners, donc ils sont réalisés avec un 5D Mark trois, si je me souviens bien, mes caméras à balayage habituelles ou cinq TSR, qui a plus de mégapixels. Mais c'est la première méthode de conversion par lots de vos images. Je l'utilise fréquemment et je peux vous recommander le plug-in à coup sûr. Encore une fois, vous avez de nombreuses options. Si vous souhaitez relancer le réglage, il vous suffit de cliquer une fois de plus sur Control N. Et là, vous avez votre fenêtre à modifier. Maintenant, tout le monde n'a pas Lightroom et tout le monde n'a pas de lobe négatif Pro, surtout parce que cela coûte quelque chose. Mais la conversion en noir et blanc peut également être effectuée dans n'importe quel autre programme d'édition d' images, vraiment sur Mac, nous avons le programme natif appelé preview ou quatre shell en allemand. Et si j'ouvre le fichier brut, il s'ouvre correctement. Maintenant, bien sûr, ce serait bien si je pouvais simplement inverser le tout en un clic. Mais en avant-première, ce n' est pas possible. Cependant, nous avons les outils nécessaires. Le panneau correcteur de couleur ici. Maintenant, la première chose que nous devons faire est de supprimer toutes les informations sur les couleurs. Sinon, notre conversion aura une teinte. Et je le fais en éliminant simplement toute la saturation. Vous pouvez voir que le programme m' a demandé maintenant de faire des doublons sous forme de tiff car c'est un fichier RAW Canon. Je vais le faire. Maintenant, j'ai un double. Vous pouvez voir que cette étape fait à peu près la même chose que l'équilibrage des blancs hors de la bordure en cas de laboratoire Pro négatif. Maintenant, nous avons supprimé la teinte de couleur de cela, et maintenant nous devons inverser. Comment le feriez-vous ? Eh bien, c'est plutôt bizarre et contre-intuitif, mais il faut inverser ces curseurs ici. Je vais donc prendre le curseur de surbrillance, amener jusqu' à la partie la plus sombre, et je prendrai l'obscurité et je glisse vers le plus lumineux. Maintenant, vous pouvez voir que cela n'a pas l'air bien, mais c'est positif. Maintenant, nous avons réussi à inverser. Si je mets maintenant cela plus en ligne avec les informations qui sont réellement présentes, signifie que je modifie les tons médians et que j' abaisse le comportement des points forts et ainsi de suite. Nous approchons, je dirais, d'une sorte d'inversion positive utilisable. Maintenant, évidemment, ce n'est pas aussi beau que le Pro plat négatif, mais c'est une alternative assez décente. Et c'est gratuit. noir et blanc et la version peuvent vraiment être réalisés avec presque n'importe quel programme. Et il y a une certaine latitude pour que je puisse jouer en alignant ces curseurs les uns avec les autres. Les faits saillants posent un problème ici. Mais quand même, je pense que vous pouvez comprendre que si j' abaisse l'exposition ici, ça commence à paraître correct. Encore une fois, si vous n'avez pas accès à des programmes professionnels ou si je ne veux pas dépenser d'argent pour un plugin. Vous avez la possibilité d'effectuer une inversion avec votre logiciel de retouche d'image standard. Cela fonctionne particulièrement bien avec le noir et le blanc. Cependant, la couleur est un peu différente. C'est pourquoi je vais vous montrer une conversion manuelle des couleurs à l'aide de Photoshop. Maintenant, si je dépose ce fichier RAW Canon sur mon Photoshop, il va d'abord faire apparaître The Camera Raw, le plugin Camera Raw. Je vais d'abord mettre l'image dans le bon alignement, car à ce stade, elle est en fait inversée horizontalement. Nous allons donc refléter l'image. Et nous y sommes. C'est maintenant exact. je fais toujours toutes ces étapes passant, je fais toujours toutes ces étapes dans Camera Raw, car Camera Raw a accès à toutes les informations présentes dans ce fichier. Je ne veux rien perdre du tout, c'est pourquoi je vais même faire de la netteté ici dans Camera Raw plutôt que de le faire une fois que le fichier sera Camera Raw plutôt que de le faire ouvert. Comme vous pouvez le voir, je viens de retourner horizontalement l'image en miroir pour être correcte. Je vais maintenant répéter l'étape ici. Retirer le sélecteur de balance blancs cassé en équilibre hors de la bordure du film. Vous verrez dans une seconde pourquoi ? Tout d'abord, notez à quel point cette image est orange. Et c'est simplement la couleur de la bande négative comme vous l'avez vu dans les autres leçons, ce masque orange doit être retiré pour que nous obtenions les couleurs correctes une fois que nous l'avons inversé. Et le retrait de ce masque orange fonctionne à nouveau en équilibrant le blanc hors de la bordure du film. Vous pouvez constater immédiatement que c'est plus neutre. Maintenant, nous avons supprimé ce casting orange extrême et nous avons maintenant une image négative funky et bizarre. Mais une fois que nous l'avons inversé, il aura déjà l'air très bien. étape suivante est que je vais dans le panneau de netteté des détails et je monte généralement jusqu'à 60 à 80. Allons avec 80 pour rendre l'effet un peu plus prononcé. Cela dépend aussi un peu de votre film. Nous n'allons pas entrer dans tous les paramètres de détail ici. Mais ces étapes sont essentielles. Équilibrage blanc hors de la bordure, ajoutant un peu d'affûtage. Enfin, vous pouvez effectuer une correction automatique pour votre objectif. Dans ce cas, il s'agissait d'un objectif macro Canon EF 100 millimètres. Alors pourquoi pas ? Corrigeons légèrement. Vous pouvez voir qu'il supprime un peu de vignettage et un peu de distorsion. Donc, d'habitude, je le fais aussi. Nous sommes maintenant prêts à ouvrir l'image dans Photoshop et à commencer à travailler sur les couleurs. Et au fait, comme vous pouvez le constater, il s'agit pas d'un balayage de 48 mégapixels avec les cinq TSR. C'est la qualité totale. Nous ouvrons. Nous sommes maintenant dans Photoshop. Il y a maintenant une première étape simple, et c'est la commande. Et j'ordonne que vous puissiez l'utiliser. Commande je veux dire inverser. Boom, nous sommes inversés. Nous avons maintenant une image positive. Comme vous pouvez le voir, il semble déjà une sorte de réalité floquée, mais il y a un jet bleu par-dessus, peut-être un casting vert. Les couleurs ne sont pas tout à fait correctes. Mais nous avons déjà une image positive qui ressemble à la réalité. Mais bien sûr, nous voulons bien faire les choses. Maintenant. Je ne prétends pas que mon flux de travail soit parfait, mais je voulais vous montrer comment je le fais. Je travaille pour entrer dans la commande L, tonifier ce collecteur et allemand, qui est la correction de gradation, qui ouvre ce panneau. Vous pouvez également modifier les trois canaux de couleurs en même temps, rouge, vert et bleu à la fois. Vous pouvez également les modifier séparément. Allons en rouge. Maintenant, comme vous pouvez le voir ici, l'histogramme ne montre rien fois dans l'obscurité et dans les parties lumineuses. Nous pouvons jeter ces informations. Nous apportons donc ce curseur jusqu'ici. Ce curseur tout au long de là aussi, où nous commençons à avoir des informations. Nous le faisons sur les trois canaux de couleur, vert et bleu. Nous avons donc maintenant jeté toutes les parties de l'image qui ne contiennent aucune information en premier lieu. Encore une fois, une petite amélioration, n'êtes-vous pas d'accord ? Nous avons maintenant supprimé ce genre de petits moulages bleus qui se trouvent au-dessus de l'image. Mais je dirais que les couleurs ne sont pas encore complètement pertinentes. Nous avons maintenant franchi une étape importante. Revenons dans ce panneau. Nous pouvons voir maintenant qu'il y a informations dans toute la gamme de l'histogramme, rappelez-vous qu'il s'agit d'un histogramme inversé. Donc, cette partie ici est en fait la partie sombre et c' est la partie brillante. Allons un peu plus loin à l'intérieur des chaînes. J'allais dans le canal rouge et je commencerai à travailler sur les tons médians. Cinq glissent un peu et ajoutent un peu de rouge dans les tons médians. Vous pouvez voir qu'il nettoie bien ces tons, les blancs et la grâce. C'est avant. C'est après. Ces tons médians ont vraiment bien réagi à un peu de rouge. Voyons comment ils réagissent aux ajustements verts. C'est également quelque chose que vous ressentez plus souvent. Le réglage vert n'a pas besoin d'être aussi extrême. Mais dans ce cas, je dirais que cela profite de l'élimination d'un peu de vert dans les tons moyens. J'ai baissé sur les tons moyens et ce gris est devenu plus neutre à mon avis, plus correct. Maintenant, allons fleurir. Faut-il modifier le bleu ? Eh bien, comme vous pouvez le voir, si nous enlevons le bleu , le vert commence à devenir prédominant. Si nous apportons trop de Bloom, nous commençons à entrer dans une sorte de magenta, mais pourtant un peu de bleu supplémentaire dans les tons médians convient cette image. Je dirais. Allons jusqu'à la version 1.1. Vous pouvez toujours voir ici et la partie blanche le meilleur effet, ainsi que dans le gris en bas. Mais vous pouvez déjà voir que ça devient une question de goût maintenant, peut-être 1.1 c'est trop. Allons-y 1,05. Alors, qu'avons-nous fait ? Nous avons enlevé un peu de gris dans les tons médians. Nous avons, Désolé, nous avons retiré un peu de vert des tons moyens. Nous avons ajouté un peu de bleu dans les tons moyens, et nous avons ajouté une bonne quantité de rouge dans les tons moyens. On y va. Encore une fois, veillez à ce que le changement de ceci à ceci. Je vais vous montrer un peu zoomer sur l'image. Ici. Vous voyez beaucoup de vert dans cette partie grise que nous avons bien enlevée avec cette étape. Je dirais que nous sommes très proches d'une image assez utilisable. Les tons rouges peuvent être un peu désaturés. Peut-être que toute l'image est un peu désaturée. Nous pouvons donc commencer à peaufiner. J'aime utiliser le curseur dynamique car il a tendance à booster couleurs qui en ont le plus besoin. Eh bien, j'ai ajouté 50 % de valeur dans ce panneau. Et il a bien boosté les rouges. Une fois encore. Je vais zoomer pour vous montrer. Jetez un coup d'œil à ce jaune, à ce rouge. C'est avec le boost dynamique. Et c'est sans, sans largeur. Oui, c'est là que tu l'as. Il s'agit d'un flux de travail très simple qui consiste à inverser manuellement votre image dans Photoshop. Une conversion en C41, que beaucoup de gens redoutent de le faire. Mais comme vous pouvez le constater, il m'a fallu environ cinq minutes pour obtenir un très bon point. Et je vous recommande vivement si vous avez images individuelles qui vous tiennent vraiment à cœur et qui sont vraiment géniales, alors prenez cette étape supplémentaire pour les convertir manuellement. Parce que si vous laissez cela à négatif Lab Pro, cela vous donnera en quelque sorte les couleurs qu' il juge correctes, mais elles ne seront peut-être pas à 100% à votre goût. Il vaut la peine d'apprendre ce flux de travail relativement simple ici dans Photoshop. Et bien, cela termine l' exemple pratique de cette leçon, et cela complète également la leçon. Nous avons maintenant franchi avec succès une copie numérique de notre négatif sur notre ordinateur à utiliser pour une présentation ultérieure, pour le traitement à imprimer à partir d'un site Web ou simplement pour le partager sur un site Web ou médias sociaux. 6. Présentation: Nous y sommes. Nous avons maintenant numérisé avec succès nos négatifs nets. Nous sommes en mesure de regarder nos photos sur un ordinateur ou un smartphone. Et maintenant ? Eh bien, pendant des décennies, la preuve la prise de la photographie a été dans l'impression. Et encore aujourd'hui, imprimer vos photos comme quelque chose de spécial. Et cela plait à de nombreux professionnels et débutants. Moi-même, inclus. Dans cette leçon, je vais vous expliquer quelques-unes des bases de cette étape. Cependant, n'ignorons pas ou oublions pas le sujet de la présentation numérique. Très probablement, vos photos analogiques trouveront leur chemin sur Internet sur votre propre site Web ou portfolio, ou sur le site Web d'une publication ou sur le site Web d'un client, ou bien sûr, sur les réseaux sociaux. Et il n'y a vraiment aucune honte là-dedans. Je pense que cette tendance numérique a entraîné une démocratisation incroyable de l'art photographique. La photographie analogique doit être appréciée par tous en ce qui concerne l'impression réelle Tout comme nous filmons et développons des choix, vous pouvez suivre quelques règles différentes. Cela dépendra de vos intentions, de votre film et de votre budget. La plupart des impressions réalisées par les laboratoires sont désormais des impressions hybrides, ce qui signifie que le pipeline d'images peut être numérique, et pourtant le pipeline d'impression peut également impliquer certaines étapes analogiques. C'est certainement le cas du premier type d'impression photographique le plus courant, ce que l'on appelle l'impression photo de type C. C signifie chromo, chroma génique, ce qui signifie qu'un papier sensible à la lumière contenant des colorants et d'autres composants chimiques est exposé à la lumière même manière que le négatif au stade de la capture. Le papier photo exposé est également développé et fixé. Les impressions de type C sont de véritables impressions photographiques et elles se faisaient auparavant sans aucun processus numérique. Ils ont une netteté élevée, des couleurs à chiffres et une qualité archivistique, ce qui signifie qu'ils dureront des décennies. Il s'agit d'un type particulier d'impression de type C. Il s'agit d'une fiche de contact. En fait, cela a été réalisé sans aucune intervention intermédiaire numérique par une imprimante principale ici en Allemagne. Ce sont essentiellement les bandes de film entières que j'ai filmées sur ce rouleau de film placé sur le papier photosensible, et donc développées avec un rapport de contraste adapté à tous. Ils ont été utilisés dans le passé pour vous donner une impression et un aperçu de votre film. Et c'est vrai qu'ils le font. Je peux voir les 36 images de mon film exposé et je peux juger lesquelles méritent une attention supplémentaire. Ces feuilles de contact étaient également disponibles pour les films de couleur négative, mais malheureusement, elles sont devenues très rares. proprement parler, cela ne fait pas partie du flux de travail hybride car il s'agit d'une feuille de contact entièrement analogique. Mais c'est une bonne illustration de l' apparence d'une impression de type siège. Vous pouvez voir une certaine brillance. Cette ambiance classique d'impression de photographie vintage. Je pense que c'est magnifique et je les reçois toujours avec mon film de temps en temps. Comme je l'ai dit, il me donne un aperçu parfait de ce que j'ai capturé. La prochaine technique d'impression pertinente est l'impression jet d'encre. Comme son nom l'indique, il utilise de l'encre sur du papier ordinaire plutôt qu'une impression photographique. Cela signifie que vous n'avez pas besoin d'une pièce sombre ou de développer des produits chimiques et que vous n'avez pas non plus besoin de faire l'impression et l' obscurité totale. Vous avez juste besoin d'une imprimante jet d'encre décente. Cependant, ces tirages ont tendance à obtenir des photographies, peut-être d'une qualité plus picturale, quelque chose que vous pourriez aimer ou non. Il est un peu moins net et confère la clarté d'une impression en C, mais la qualité de l'imprimante et de l'encre jouent également un rôle important dans vos résultats et la précision des couleurs ici est très flux de travail. dépendante, ce qui signifie que votre moniteur doit être étalonné, etc. Les tirages à jet d'encre sont également appelés tirages d' art, car ils sont également utilisés pour la reproduction d' autres types d'art graphique. En plus de la photographie. L'impression jet d'encre est également une option viable. La dernière impression dont je veux parler est l'impression manuelle entièrement analogique. On le retrouve maintenant principalement dans la photographie en noir et blanc et représente aujourd'hui le prix le plus élevé ainsi que le niveau de qualité de l'impression photographique. Par vente au détail, des impressions telles que celle-ci sont réalisées à l'aide de papiers photo à base de coton de haute qualité contenant de l'argent, du bromure et des halogénures et d'autres produits chimiques. Ces impressions s'affichent. Des blancs brillants, des noirs et sont bons depuis 100 ans. S'il est encadré, archivé et manipulé correctement. Tout comme nous avons une impression couleur de type C, il est possible de réaliser une impression photographique de la capture à l'impression sans l'aide de processus numériques. Cependant, malheureusement, il ne reste que quelques laboratoires qui offrent encore cela parce que, eh bien, les prix élevés des matières premières, la grande compétence requise, etc. Ce n'est tout simplement pas l'option d'impression la plus économique, mais c'est vraiment quelque chose de spécial. Je vous recommande qu'une fois dans votre vie photographique, vous offrirez un tel burrito si vous êtes fou de photographie, comme moi. Maintenant, permettez-moi de vous montrer un peu comment il semble de plus près comme vous pouvez le voir, j'ai retiré le cadre et j'ai maintenant retiré la planche de tapis, le remplace ici sur le côté. Et j'ai simplement collé l'impression sur le papier de support à l'aide d'un ruban de type archivistique. L'impression elle-même. Eh bien, ça ressemble à peu près votre impression photographique moyenne, mais la beauté est dans le papier. Et dans la méthode de réalisation. Vous pouvez peut-être voir que le papier a une structure et une profondeur. C'est parce qu'il s' agit d'un papier de coton. Vous voyez vraiment ce genre de texture et de qualité organique du matériau de surface. Permettez-moi de me rapprocher encore plus la caméra pour que vous puissiez avoir une impression. J'espère que cette impression vous a plu. J'espère que vous avez apprécié que je vous l'ai montré. Je veux juste dessiner un parallèle très rapide avec la feuille de contact. Pendant que je remettrai ça ensemble. Voyez que ces cadres sont assez cool car vous avez le plateau de tapis qui ne fait que sandwicher l'impression à l'intérieur et un conseil professionnel. Comme vous pouvez le voir ici, il y a le panneau de tapis entre le verre et l'impression. Et c'est vraiment important. Vous ne voulez jamais vraiment que cette impression entre en contact réel avec le verre. Pourquoi ? Parce que les heures supplémentaires, ce seront de l'humidité, de la chaleur, etc., qui se glisseront dans votre cadre. Et cela peut entraîner, si vous êtes malheureux, le papier colle réellement au verre et s' abîme de cette façon. C'est donc l'une des raisons pour lesquelles ces planches de tapis sont introduites, car elles sont un peu comme un espace réservé qui crée un peu d' espace physique et une séparation entre votre verre. et votre impression. C'est quelque chose que vous devez prendre en compte. Maintenant, j'ai remis ça ensemble, assurez-vous que je n' ai pas de cheveux ou poussière enfermés en dessous. Et je peux remettre mon cadre ensemble, qui est un cadre magnétique, ce qui est plutôt cool comme vous pouvez le voir, il se réunit de cette façon. C'est votre impression entièrement analogique enfouie pour taper l'impression. J'espère que ça vous plaira. Permettez-moi de prendre la feuille de contact nous avons également parlé, qui se trouve à côté, qui est également une impression entièrement analogique, comme je l'ai déjà dit. Ce n'est pas un papier burrito. Il s'agit d'un autre type de papier. Papier photographique plus régulier, légèrement plus fin. Et c'est aussi une option brillante, comme vous pouvez le voir clairement, avec beaucoup plus de réflexions qui se produisent. Ensuite, sur ce tapis de papier Rita. C'est d'ailleurs un chiffon de coton importé ou du papier. Bien que je ne sache pas très bien qui fabrique ce papier, vous pouvez constater qu' il a une esthétique totalement différente. C'est beaucoup plus brillant et reflète la lumière et une manière beaucoup plus forte. Maintenant, pendant que nous y sommes, examinons également une impression de type C. Une fois encore. Même dimension, même cadre que vous pouvez le dire. Mais cette fois, nous avons une image en couleur. Ceci a été pris sur un film positif, Fuji Pro via 400 x, qui est mon film préféré de la DEA. Et bien sûr, il a été arrêté par Fuji. Vous savez, c'est une chose en photographie analogique, ne vous attachez pas trop parce que vous ne savez jamais combien de temps certains produits sont vraiment disponibles. Maintenant, la raison pour laquelle je montre cela est qu'il s'agit en fait d'un produit de flux de travail hybride. Contrairement à l' impression Beretta que nous venons de voir. Il s'agit d'une impression de type C basée sur une numérisation que j'ai fournie au laboratoire que j'ai édité pour avoir une couleur précise au positif réel, que je vais vous montrer dans une seconde à côté. Vous pouvez donc avoir une bonne comparaison pour juger si je l'étais. En fait, assez près pour obtenir les bonnes couleurs. Maintenant, comme vous pouvez le voir ici, la méthode de montage est légèrement différente. En fait, il était directement attaché à la planche de tapis. Comme vous pouvez le constater, c' est un papier Fujifilm, j'espère que vous pouvez le voir car c'est le plus faible de l'écriture. Peut-être qu'ici, il ne s' affiche pas aussi bien. Mais croyez-moi, c'est un papier Fuji Film, ce qui me semble approprié car c'est un film Fuji sur lequel il a été pris en charge. Cette impression de type C, comme je l'ai dit, a été réalisée à l'aide de la numérisation que j'ai fournie. Ensuite, il a été utilisé pour exposer le papier sensible à la lumière dans une pièce sombre. Aujourd'hui, cette phase d'exposition implique également des projecteurs numériques. Le fichier sera donc chargé sur un ordinateur et sera ensuite projeté sur le papier directement à partir d'une source numérique. Ces impressions de type C sont donc de véritables impressions hybrides et elles sont également magnifiques et elles ont un double héritage numérique et analogique. Ici encore, j'ai utilisé la bordure noire. Vous devez être très prudent lorsque vous faites imprimer votre impression, car ce tableau noir est évidemment assez fin et doit correspondre exactement à votre tableau, à votre tableau de tapis. Je vous recommande donc de ne créer le tableau de tapis qu' une fois que vous avez l' impression en main afin pouvoir le mesurer au millimètre de ce dont vous avez besoin. Sinon, la bordure de votre tapis peut commencer à couvrir bordure noire que vous souhaitez afficher. Ce serait dommage. J'espère donc que c'est bon pour vous. Eh bien, vous l'avez là. Nous avons discuté de deux impressions différentes, deux types d'impression très importants, l'impression de type C, ainsi que l'impression analogique beretta. Et vous pouvez obtenir de beaux résultats magnifiques avec les deux méthodes. Comme je l'ai promis, voici une petite comparaison entre l'impression finale et les points positifs. Comme vous pouvez le constater, le positif a une source lumineuse en dessous qui nous est nécessaire pour même voir la luminance de ce positif. Si j'éteins la table lumineuse, vous verrez que, vous savez, il n'y a pas grand-chose à relever pour votre œil. C'est donc une équation difficile, disons. Et si vous y pensez, alors D ou positif n'était pas vraiment destiné à l'impression. Il était vraiment destiné à la protection, ce qui signifie qu'il y avait une source de lumière derrière le positif. Il s'agissait de projeter l'image sur une surface, sur un mur ou sur un écran d'un cinéma, par exemple, le film positif n'est pas destiné à être imprimé tel qu'il est ici. Et vous pouvez voir que la brillance du positif ne prend réellement vie que grâce à cette source de lumière. L'impression elle-même est légèrement plus mate et bien, c'est une question de goût. J'ai dit que je pense toujours que c'est très beau. Mais généralement, ce type de film a été développé à d'autres fins. De plus, je ne sais pas si vous pouvez le prendre sur l'appareil photo, mais le ton bleu est en fait plus frais qu'ici. Cela a un peu plus de teinte magenta ou violette, que j'ai ajouté en post-production en classement des couleurs parce que j'ai senti qu'il en avait besoin. Mais je me rends compte qu' il y a encore une différence entre les deux. Et cela montre également ce que j'ai dit au sujet du TOC avec votre photographie. Que même si vous photographiez, vous avez toujours un défi pour obtenir votre impression et votre résultat positif pour correspondre à 100%. Enfin, une recommandation importante pour cette étape d'impression. Et c'est simplement toujours faire au moins un test d'impression. Il y a des photos que j'ai testées 34, même cinq fois. La plupart des laboratoires offriront toujours cela dans le cadre de leur service. Ou ils vous fourniront un test d'impression pour une fraction du coût de l'impression finale. Vous voudrez vraiment le faire, surtout si vous souhaitez encadrer vos images ou les afficher en public. Parce que, bien sûr, vous voulez vous assurer que l'impression paraît si vous l'avez imaginée. Et c'est aussi près que possible de ce que vous avez vu sur le moniteur. À cette fin, vous devez également envisager sérieusement d'étalonner les couleurs de votre moniteur et de modifier les images de vos films sur le moniteur, non avec un réglage de luminosité maximal. Il s'agit de l'erreur numéro un commise par le début des imprimantes. Et c'est que souvent, l'impression paraîtra bien trop sombre en réalité. Parce que pensez-y. Le moniteur est réglé sur une luminosité maximale, mais en réalité, le papier film ou le papier d'impression ne reflètent pas autant de lumière qu'un moniteur éclairé par LED. Vous voudrez que la luminosité corresponde entre le moniteur et ce que vous y voyez et l'impression que vous obtiendrez plus tard. Je ne peux que répéter. Bénéficiez toujours d'une impression test une fois que vous encadrez votre photo et que vous l'avez placée au mur ou partagée en ligne, le flux de travail hybride est terminé. Mais la quête de l'expression et de la connaissance est infinie. Vous pouvez passer des années à perfectionner et à étudier chacune des quatre étapes que je vous ai présentées dans ce cours. Néanmoins, j'espère que vous vous sentirez plus confiant maintenant et que vous naviguez dans cet univers complexe. 7. Dernières réflexions: Très bien les gars, qui conclut ce cours intensif sur le flux de travail hybride et la photographie analogique à l'ère numérique, j'ai essayé de condenser beaucoup d' informations et de trier manière cohérente et logique pour vous. Et j'espère que cela vous a aidé à mieux naviguer dans ce domaine . J'aimerais terminer par un avis personnel, alors faites-moi plaisir. Au cours de notre leçon de numérisation, nous avons brièvement parlé de la tendance totale de la numérisation négative. J'ai mentionné que cela nous permet d' apprécier la qualité de la lumière sur le bord du cadre et de montrer le type de film et la perforation si nous le souhaitons. Cependant, la façon dont cette tendance a commencé, c'était d'afficher une image sans recadrage. L'idée était qu'un photographe puisse parfaitement composer une image sans avoir à recadrer plus tard. Cette maîtrise de la composition devait être affichée en montrant tous les négatifs. Bien sûr, de nombreuses images emblématiques de l'histoire nous sont encore recadrées. Cette approche frontalière complète est peut-être un peu un peu un peu une vraie ironie. Cependant, dans le monde actuel de l'Instagram et du partage numérique, le négatif complet a maintenant pour but prouver qu'une image était pris de manière analogique. Et pourtant, il existe des filtres et des applications qui vous permettent de simuler cela de façon convaincante. Vous pouvez prendre une photo numérique, exécuter via une application ou un filtre, et cela vous donnera une bordure et une perforation ainsi qu'un grain de film. Et c'est vraiment extrêmement difficile à distinguer de la réalité. En 70 ans. Quelque chose qui a commencé comme une preuve de l'authenticité de la véritable maîtrise de création d'images analogiques s' est transformée en quelque chose qui prétend authentiquement être quelque chose que ce n'est pas le cas. Je suppose que ce ne sont que les moments où nous vivons. Mais au final, peu importe la façon dont une image a été prise si c'est une bonne image. Maintenant, comme je l'ai montré, un négatif doit toujours être inversé et donc interprété. Je pense donc que c'est un oxymoron de penser qu'il existe une image négative pure que vous n'avez pas du tout à modifier. Non, le montage n'est pas la nature même du négatif. N'oubliez pas qu'à la fin de la journée, c'est de l'art. n'y a pas de moyen unique. n'y a ni bien ni mal. n'y a que ce que vous voulez exprimer, ce que vous appréciez. Et sur ce point, j'aimerais vous remercier d'avoir suivi ce cours. J'espère que cela vous a plu et que cela a été utile et je vous verrai dans un autre à l'avenir. C'est le flux de travail hybride avec moi, Martin. Merci de rester dans les parages et jusqu'à la prochaine fois, gardez le film en vie.