Éclairage simple pour les illustrations Procreate

1. Vid 01: Hé les gars, je m'appelle Maria. Je suis illustrateur et dessinateur de personnages de Turin, en Italie. C' est ma cinquième classe sur Skillshare. Et vous avez peut-être vu certains de mes cours avant. Ils se concentrent généralement sur l'art numérique et ils conservent une image de référence entrant dans un caractère fertile. J' aime créer des classes pour la persécution parce que la communauté est super favorable. Et aussi j'aime les fichiers que vous pouvez me donner des commentaires et je peux implémenter des classes que vous voulez voir dans mes classes de personnages de dessins animés précédentes. J' ai reçu beaucoup de commentaires demandant une attention plus approfondie sur l'éclairage et l'ombrage. Donc, fondamentalement, c'est là que je me concentre sur l'éclairage et l'ombrage. Je pense que l'éclairage et l'ombrage sont sujets quelque peu difficiles à aborder parce que l'éclairage est si important cela peut prendre seulement 20 pour cent du temps que vous donnez à une pièce, mais a en fait un impact énorme en attirant les oeil. Popping up, surtout sur les réseaux sociaux où les images sont si petites et vous avez besoin de tout ce que vous pouvez obtenir pour attirer l'attention des gens. Dans cette classe, j'ai essayé de mettre autant de connaissances et de conseils pratiques que possible pour que vous puissiez vous sentir plus à l' aise et plus compétent lorsque vous faites de l'éclairage et de l'ombrage. Je vais d'abord me concentrer sur la théorie, parlant de la théorie des couleurs et comment la vie peut en fait colorer et quel genre d'ombres elle peut créer. Et puis à partir de là, je vais passer à autre chose et vous montrer des exemples pratiques de la façon dont vous pouvez configurer l'un des paramètres photographiques les plus courants que vous pouvez obtenir, l'éclairage à deux points et l'éclairage à trois points. Et puis je vais vraiment sortir mon iPhone et essayer d'appliquer cette connaissance à différents moments de la journée. Il est en pleine lumière du jour, au coucher du soleil et aux lumières nocturnes. J' utilise Procreate sur mon iPad, mais vous pourriez utiliser Photoshop ou une autre tablette numérique et ce ne serait pas très différent compte tenu de Procreate et Photoshop ont paramètres de mélange très similaires pour les couches sont, il est donc assez facile de migrer de l'un à l'autre. Il a dit, ce n'est pas un cours pour débutants. J' ai l'impression que vous avez besoin d'avoir une confiance raisonnable en matière d'esquisse et de pose, anatomie, de coloration plate, et cetera. Parce que je ne vais parler d'éclairage que si vous avez besoin d'un peu de brossage sur ces autres sujets, je vous recommande de revenir en arrière et de prendre 10 mes lunettes et comment transformer une image en personnage de bande dessinée et ensuite venir Quand tu auras fini, je pense que c'est tout pour l'instant. plaît laissez-moi savoir ce que vous pensez de cette classe dans la section discussion du cours. Et j'aimerais aussi que tu me balises si tu partages ton travail sur les réseaux sociaux n'importe où. Je suis MLM illustration de soulignement, essentiellement sur n'importe quelle plate-forme. Et j'aimerais vous donner un cri. N' oubliez pas de mettre à jour vos progrès. Et je te vois dans la première vidéo où je parle de théorie des couleurs. 2. Théory : Couleur pt.: Salut les gars, et bienvenue à la première vidéo de théorie dans ce cours. Comme je l'ai déjà mentionné, je vais parler rapidement de la couleur et de la lumière pour vous donner une base générale avant de plonger dans les séances d'entraînement. Pour commencer par le concept de base. La raison même pour laquelle nous voyons la couleur est parce qu'il y a de la lumière. Les objets n'ont pas intrinsèquement de couleur pour l'œil humain. Et ils peuvent sembler être des tons différents de la même teinte en fonction de la quantité de lumière à laquelle ils sont exposés. Ainsi, les deux concepts, la couleur et l'éclairage, sont intrinsèquement liés. Mais quelle est cette terminologie que j'utilise ? Commençons par expliquer certains des termes que j' utiliserai dans les classes afin que nous puissions tous être sur la même page. Le terme teinte est souvent utilisé comme synonyme du mot couleur. Cependant, plus spécifiquement, une teinte est une couleur pure. C' est-à-dire qu'il s'agit de la longueur d'onde principale d'une couleur parmi les 12 couleurs présentes sur la roue de couleur, qui comprend les couleurs primaires, secondaires et tertiaires. Bien sûr, peu de couleurs que vous trouvez dans la nature sont des teintes pures, mais elles sont plutôt des tonnes d'une teinte spécifique. Autrement dit, les couleurs qui ont été désaturées, mais elles ne sont pas noires et blanches. La saturation est un terme utilisé pour définir à quel point une couleur est vibrante ou pure. Dans la peinture de la vie réelle, vous pouvez désaturer la couleur en ajoutant du gris ou une couleur sur le côté opposé de la pastille, ce qui tue efficacement le dynamisme de la couleur. Ceci est différent de la façon dont une couleur peut être claire ou foncée, qui est exprimée à la place par la valeur d'une couleur. Et maintenant cela peut être déroutant, autant plus que vous pouvez regarder une couleur plus foncée et penser qu'elle est aussi moins saturée qu'une plus légère, mais ce n'est pas le cas. En fait, les couleurs sombres peuvent également être saturées. Ils sont simplement d'une valeur inférieure par rapport aux couleurs plus claires. Si vous regardez les options de couleur sur Procreate, vous voyez que vous pouvez visualiser la roue de couleur de plusieurs façons différentes, ce qui vous aidera à comprendre pratiquement ces concepts. Alors regardons ensemble. La première option que vous trouverez est de visualiser la couleur dans la roue ronde traditionnelle de couleur vous montre une bague extérieure avec toutes les différentes teintes et un disque interne montrant la saturation. Vous pouvez sélectionner votre teinte de base en vous déplaçant autour de l'anneau extérieur , puis affiner la saturation de cette teinte en déplaçant votre doigt dans le disque interne. Vous ne savez peut-être pas que vous pouvez simplement pincer le disque interne rendre plus grand et vous permettre plus de contrôle dans la sélection de la saturation. Si vous appuyez deux fois sur n'importe où dans le disque interne, Procreate accroche automatiquement la couleur que vous avez choisie à la valeur pure la plus proche. Comme vous pouvez le voir ici, je sélectionne ces teintes dorées foncées. Mais si je double-tape, il s'accroche à un autre. Jaune plus foncé ou plus clair, c' est-à-dire les versions noir pur, blanc pur, demi-saturation ou pleine saturation de la vue. Personnellement, j'aime vraiment ce format de visualisation des couleurs car je pense qu'il combine l'aide de voir les couleurs comme une roue de couleur avec la flexibilité de choisir votre propre valeur et saturation. La deuxième option de visualisation est appelée couleur classique. Il est divisé en, avec la plus grande surface étant prise par la vue couleur classique que vous avez sur d'autres logiciels comme Photoshop, un rectangle où vous pouvez modifier la luminosité et la saturation d'une certaine teinte. Pour modifier la teinte réelle, vous avez trois curseurs en dessous. Le premier change la teinte, et le second modifie ces itérations. Et le troisième la valeur. C' est la visualisation qui peut vous aider à mieux comprendre la différence entre la saturation et la valeur. Comme vous pouvez le voir ici, je garde la même teinte, mais en changeant la valeur et la saturation, ce qui change bien sûr la perception de la couleur. Plus intéressant encore, si je garde la même valeur et la même saturation mais que je change la teinte, nous avons des couleurs radicalement différentes où le 1er mai semble être plus sombre qu'une autre. Mais puisque la valeur est la même, nous savons que cela peut être le cas. La raison pour laquelle cela est important est que lors de l'utilisation de Hughes, l'apparence de la valeur peut être trompeuse. Pour évaluer correctement la valeur d'une pièce équipe européenne, vous devez enlever la couleur et travailler en gris afin que vous puissiez être sûr que vous pouvez placer la valeur correcte sur les différentes parties de l'image en fonction de leur proximité avec la caméra. En effet, en perspective et surtout en perspective UDL, plus un objet est proche de la caméra, la valeur est faible, l'objet est éloigné, plus la valeur est élevée. Travailler en niveaux de gris peut vous aider à comprendre comment définir correctement la scène dans vos pièces. Mais ne vous inquiétez pas, nous en parlerons davantage dans les prochaines vidéos. La troisième visualisation des couleurs sur la procréation s'appelle Harmony. Bien que ces représentations ne soient pas super précises car elles combinent teinte et saturation. Il est idéal pour choisir des palettes de couleurs car il vous montre automatiquement les différentes combinaisons de couleurs pour une teinte spécifique, vous suffit de choisir votre teinte et votre saturation en vous déplaçant à l'intérieur du disque et d'ajuster la valeur en déplaçant le curseur vers le haut et vers le bas. Ensuite, si vous basculez les options d'harmonie, Procreate sélectionnera les couleurs appropriées sur le disque. Les principales combinaisons de couleurs que nous utilisons notre split gratuit, gratuit, analogique triadique et tétrarchique. Gratuit sont deux couleurs opposées dans la roue de couleur. Split gratuit vous montrera deux couleurs qui sont sur le côté opposé de la roue de couleur à l'original. Vous aurez donc un ton chaud et trop froid ou vice versa. Le schéma analogue sélectionnera deux couleurs qui sont proches de chaque côté de la nuance d'origine. Donc, ce sera trois couleurs chaudes ou trois couleurs donnant un sentiment d'uniformité à la palette. Ensuite, vous avez les schémas triadiques et tétras ont été procréer, trouvera trois ou quatre couleurs qui sont tous équidistants sur la roue, résultant en aucune couleur apparaissant comme dominante. Si vous travaillez avec une palette de couleurs limitée, et je vous recommande toujours de pratiquer de petites palettes avant de passer à des palettes complexes. Je vous suggère de commencer par le split gratuit, où la couleur originale sera la nuance dominante, et les deux autres fourniront un point culminant et un accent à la composition. Mais encore une fois, ne vous inquiétez pas des détails en ce moment, nous allons parler des palettes de couleurs dans une vidéo ultérieure. Le quatrième onglet du panneau de couleurs est appelé valeur, et il s'appelle ainsi car il représente la couleur en niveaux de gris. Mais comme vous pouvez voir une entrée de valeurs précises pour définir votre palette de couleurs, vous pouvez soit créer des couleurs en déplaçant manuellement les curseurs de teinte, de saturation et de luminosité, dessous des curseurs RVB ou en entrant des valeurs dans eux. Vous pouvez également utiliser des codes hexadécimaux spécifiques que vous pouvez trouver en ligne. Mais je ne pense pas que ce soit aussi utile. Enfin, le dernier onglet s'appelle palettes, et c'est là que vous pouvez trouver des palettes natives Procreate, celles qui sont fournies avec le logiciel. La première fois que vous ouvrez l'application, vous êtes enregistré. Vous pouvez créer une nouvelle palette en appuyant sur le symbole plus dans le coin supérieur droit et en sélectionnant la première option nouvelle palette, vous pouvez ensuite la renommer en appuyant simplement sur le nom sans titre. Et si vous appuyez sur l'un des espaces vides de la palette, vous enregistrez la couleur que vous utilisez actuellement. Si vous modifiez la couleur, puis appuyez sur un nouvel espace vide, enregistrez cette couleur également. Si vous faites glisser la palette entière vers la gauche, vous voyez que vous pouvez la partager avec différentes applications en tant que nuancier Procreate ou la supprimer. Vous pouvez également créer une palette de couleurs à partir de votre appareil photo ou d'une image, qui sont des intégrations assez douces implémentées par Procreate 5. C' est assez cool car il va créer automatiquement une nouvelle palette avec toutes les couleurs principales de l'image, ce qui est utile, surtout si vous peignez quelque chose réaliste ou si vous faites une étude à partir de référence. Dans l'ensemble, j'ai tendance à garder l'affichage classique par défaut, mais chaque représentation a ses avantages et ses inconvénients. Je vous recommande donc de les essayer tous d'abord et de voir lequel vous convient le mieux. Maintenant que nous avons parlé un peu de la théorie des couleurs et d'introduire certains de ses concepts clés et de la terminologie. Je pense qu'il est sûr de passer à la théorie derrière l'éclairage. Pour ces vidéos, je voudrais simplement que vous vous familiarisiez avec différents onglets colorés et créez des jeux de couleurs à l'aide des outils d'harmonie. Vous pouvez toujours enregistrer votre progression dans le projet que vous pouvez créer dans la zone projet de ce cours. Et j'ai hâte de le voir. se voit dans la vidéo suivante. 3. Théory : Couleur pt. 2: Salut les gars et bienvenue à la deuxième vidéo théorique dédiée aux couleurs et spécifiquement aux schémas de couleurs. Je pensais que je vous donnerais un aperçu des prix de ma palette de couleurs, Étant donné que l'éclairage et les couleurs sont très entrelacées. Et parfois, nous pouvons nous trouver dans le doute quand il s'agit de couleurs efficaces. Dans la vidéo précédente, je vous ai montré comment vous pouvez utiliser l'onglet Harmony dans Procreate pour faciliter votre prise de décision. Dans cette vidéo, je vais vous montrer en pratique comment différentes palettes de couleurs peuvent changer radicalement le même croquis ou caractère. D' abord, je dessine rapidement un personnage féminin. Rien de fantaisie, juste quelque chose à utiliser comme base pour nos tests de couleur. Puisque nous allons expérimenter avec des couleurs audacieuses, je me sens inspiré par les vibrations des années 80 et les pantalons puissants. Maintenant que j'ai mon personnage avec un art de ligne propre et je vous encourage à suivre mes cours de design de personnage ici sur Skillshare. Si vous voulez voir ce processus expliqué en profondeur, je peux commencer à créer des palettes de couleurs. Chaque fois que je travaille sur des personnages qui viennent directement de mon imagination, c' est-à-dire que je ne choisis pas leurs couleurs d'origine à partir d'une référence. Je développe généralement des vignettes couleur pour jouer avec les options. Un pouce de couleur est essentiellement un calque de couleur rugueuse que j'ai créé sous l'art au trait, où je colore rapidement toute la silhouette du personnage. Ensuite, je verrouille le calque en faisant glisser, gauche avec deux doigts afin que je puisse colorer n'importe où autour de la toile, mais les traits n'apparaîtront que sur les zones déjà colorées. Je commence par le schéma de couleurs triadiques. En utilisant ces aigue-marine à sorte de couleur comme la nuance primaire. Je sais que j'ai écrit Split gratuit dans le Canvas. C' était en fait une erreur car je me suis confus, désolé pour ça. C' est le schéma de couleurs triadiques. Place trois différencie sur la roue de couleur à la même distance les uns par rapport aux autres. Cela signifie que nous aurons des contrastes de couleurs très audacieux car les nuances n'ont rien en commun les unes avec les autres. C' est un grand schéma de couleurs pour la conception graphique et les dessins et illustrations plus stylisés. Pour créer le pouce de couleur, j'utilise l'outil de sélection pour créer rapidement un masque autour du contour du personnage, puis le remplir avec la couleur primaire. Lorsque j'ai fini de placer les deux autres nuances dans l'image, je duplique le calque de couleur, le redimensionne et le place sur le côté pour être comparé à la suivante. Le deuxième schéma de couleurs est en fait le split gratuit, qui est ma palette de choix. la plupart des cas, j'utilise la même aigue-marine que la couleur primaire et l'onglet Harmony dans la procréation est de trouver les deux autres nuances complémentaires divisées pour aller avec elle. Ces deux teintes vont être placées légèrement plus haut et plus bas par rapport aux couleurs d'origine, nuance supplémentaire réelle. Donc, ils créent un contraste assez fort avec l'aqua marine, mais ils ne sont pas en fort contraste les uns avec les autres, atteignant un bel équilibre entre audacieux mais aussi harmonieux. Bien sûr, lors de la coloration de notre personnage, plutôt que d'utiliser ces palettes pour la conception graphique, nous devons considérer que si nous ne prenons pas une décision de rester très, très stylisé, nous allons devoir utiliser plus de trois couleurs pour le ton de la peau du personnage et divers accessoires. Quand je fais les pouces de couleur, je ne considère pas les éléments comme les lèvres, les yeux, ou tout autre détail. Je teste simplement les options pour les zones les plus accrocheuses du personnage. Cependant, j'ajoute généralement au moins une nuance plus naturelle différente pour le teint de la peau afin de créer un peu plus de contraste entre la tenue dans le corps des personnages réels. C' est également le cas pour la troisième palette de couleurs et la création du schéma analogue, qui réunit trois nuances très proches les unes des autres, créant une combinaison harmonieuse mais peut-être pas très accrocheuse. Je choisis rarement ce schéma de couleurs pour les personnages, comme en particulier sur les médias sociaux, les téléspectateurs sont attirés par les couleurs vives et le contraste. Cependant, cela peut être un bon choix dans certains cas. Encore une fois, surtout si vous essayez de faire quelque chose de plutôt stylisé ou à des fins de conception graphique comme l'illustration de magazine. La quatrième palette de couleurs que je teste, la tétrade, le schéma. De même que le triadique, ces pilotes se rassemblent pour des couleurs qui sont équidistantes les unes des autres sur la roue de couleur. Encore une fois, créant un contraste très fort, surtout lorsque vous commencez à partir d'une couleur primaire plutôt brillante. Cette option donnera au personnage une ambiance jeune, rappelant peut-être au spectateur des années quatre-vingt et nonante où la mode et les accessoires favorisent ce genre de choix de couleurs. Comme je l'ai mentionné précédemment, je vais probablement utiliser le schéma complémentaire split pour ce personnage est que je fais habituellement pour la plupart de mes personnages et illustrations. C' est parce que ce bit gratuit peut être à la fois audacieux et harmonieux, ayant une couleur comme teinte principale, une comme point culminant, et la troisième comme l'accent contrasté. Bien sûr, comme je l'ai dit, puisque c'est un caractère humain, je vais probablement utiliser quelques nuances supplémentaires pour remplir les détails et donner au personnage attacher plus de réalisme. Cependant, c'est entièrement à vous de décider, et je vous recommande de ne pas ajouter plus de deux ou trois couleurs à la palette, en la gardant autour de cinq ou six couleurs dans l'ensemble, afin que vous puissiez vous entraîner à utiliser de petits granulés bien, avant passer aux styles plus complexes, réalistes ou picturaux. Comme mission pour cette vidéo, j'aimerais que vous preniez le contour épuré d'un de vos personnages. Ou vous pouvez l'utiliser comme je partage le fichier PSD avec vous les gars et jouer avec divers arrangements qui vous inspirent. Essayez de changer la couleur de départ et voyez comment les jeux de couleurs changent également. En fin de compte, les palettes de couleurs et l'esthétique sont une question personnelle et subjective. Et souvent, la même personne peut changer radicalement en fonction de leur humeur et de la période d'un an. Donc, il n'y a rien qui fonctionne toujours à 100%, mais plutôt beaucoup d'expérimentation et d'essais et d'erreurs. Amuse-toi bien. 4. Théory : Éclairage et ombrage: Salut les gars, et bienvenue à une nouvelle vidéo théorique dans cette classe. Dans cette vidéo, je vais vous parler de la façon dont l'éclairage et l'ombrage fonctionnent en théorie, du genre d'ombres que vous pouvez trouver et du genre de points forts que nous pouvons voir dans la peinture. Comme nous l'avons établi dans la vidéo précédente, lorsque la lumière frappe un objet, elle rebondit, transmettant des informations à nos yeux et ainsi nous percevons la couleur. Un autre effet de tout type d'éclairage, chauffer un objet est qu'il créera des zones où l'objet est plus léger et des zones plus sombres en fonction de leur proximité avec la source lumineuse. C' est la base de l'éclairage et de l'ombrage dans la peinture. Les objets ont deux types d'ombre, la fonte et la forme. Des ombres coulées sont créées lorsque quelque chose bloque la lumière. Ainsi, ils peuvent être causés par un personnage ou un objet dans un environnement ou Bye partie de ce personnage ou objet à l'ensemble, pratiquement parlant, la zone sombre sous le nez de quelqu'un, par exemple, ou la zone sur le cou juste sous le menton est une ombre coulée, ou même l'ombre qu'un personnage projette sur le sol ou sur un meuble qu'il se tient derrière lui. C' est aussi une ombre coulée. Les ombres de forme sont beaucoup plus subtiles que les ombres projetées. Ils sont plus doux et moins intenses parce qu'ils sont créés non pas par un objet entravant le chemin de la lumière, mais simplement par la lumière qui n'atteint pas cette zone. Les ombres de forme sont essentielles pour faire apparaître un objet en 3D, et elles ne sont pas nécessairement utilisées dans tous les styles de dessin. Le style de dessin animé n'utilise généralement pas d'ombres de forme réelle, bien que des styles plus réalistes et un style de dessin animé 3D en font usage afin de définir une forme sans l'utilisation de la doublure. La façon dont les ombres de forme et de fonte sont peintes et interagissent avec l'objet ou le personnage de la scène est liée à la forme 3D des objets. Donc, si vous voulez les peindre avec précision, vous devriez étudier l'anatomie ou obtenir une référence afin que vous puissiez l'étudier. Beaucoup d'erreurs sont faites par les débutants. Ils essaient de mettre en œuvre l'ombrage sans référence parce que notre esprit a tendance à inventer des choses que nous ne connaissons pas souvent ajoutées à un manque de réalisme. D' autre part, nous avons des zones plus légères sur les sujets qui sont appelés points forts. Et ils peuvent être plus ou moins intenses en fonction du matériau de l'objet et de la proximité de la source lumineuse. Bien sûr, que vous choisissiez de représenter les différents types de matériaux ou non est une question de style. Comme je l'ai déjà dit, les styles plus réalistes préfèrent montrer ces différences détaillées pour ajouter à la complexité de la texture. Par exemple, si vous avez un objet en plastique ou un objet en verre, ou un objet en échelle. Ces types de matériaux refléteront la lumière d'une manière très différente. Plus de styles de dessins animés ignoraient personnellement ce genre de différences. Et si vous avez regardé mes cours précédents sur la création de personnages de dessins animés, vous le savez probablement déjà. J' ai plus d'un style de bande dessinée quand je dessine pour des projets personnels. Parfois, je dois employer des styles plus réalistes lorsque je travaille avec des clients. Mais dans le but de cette vidéo, je vais m'en tenir aux conseils et techniques d'éclairage de bande dessinée. En tant que mission. J' aimerais que vous preniez différents objets du quotidien que vous pouvez trouver dans la maison, comme des bouchons, des fruits ou d'autres solides. Je choisis ici bougie et pointez une lampe sur eux sous différents angles afin que vous puissiez observer première main le type d'ombres qui se développent sur eux. Vous pouvez également prendre des photos comme j'ai fait tous ces effets et essayer de les répliquer avec des dessins simples sur votre Canvas. Dans la prochaine vidéo, nous allons commencer à entrer dans la partie pratique du cours. Nous aurons donc amplement l'occasion de le faire à ce moment-là. Amusez-vous comme d'habitude, et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 5. Paramètres et outils de toile Procreate: Salut les gars, et bienvenue au dernier épisode d'une séance théorique de cette classe. Avant de commencer les sessions d'exercices pratiques, vous devez configurer votre canevas dans Procreate. Il existe déjà plusieurs rapports de taille standard que vous pouvez choisir. Mais j'aime avoir le mien. J' ai donc créé quelques toiles carrées standard de différentes tailles. Et je vais vous montrer comment créer le vôtre. En haut à droite de la galerie. Et vous arriverez à une nouvelle fenêtre où vous pourrez entrer votre taille préférée et votre PPP. Dpi signifie points par pouce et fait référence à la quantité de points qui peuvent être placés en impression sur une ligne d'un centimètre. Bien sûr, les écrans n'ont pas de points, ils ont des pixels. Donc, cela ne devrait pas vraiment avoir d'importance si vous avez l'intention que votre œuvre reste numérique. Valeur élevée dans la BI et garantit que vos illustrations seront nettes lorsqu'elles sont imprimées. Donc, si vous n'êtes pas sûr si vous allez imprimer votre œuvre ou non, Il est probablement préférable de garder votre DPI assez élevé juste au cas où je pense que le meilleur des deux mondes dans une certaine mesure est d'avoir des toiles carrées qui sont les mieux si vous voulez partager sur les médias sociaux. Et gardez également votre résolution PPP à 300 afin que vous puissiez toujours imprimer votre illustration si vous voulez exécuter et que vous n'ayez pas de problème. Maintenant que vous avez votre configuration Canvas, vous pouvez importer un caractère de couleur plate à partir d'un dessin que vous avez réparé ou simplement ouvrir le fichier PSD inclus dans ce cours. C' est le stade de couleur inondable du personnage rapide que j'ai dessiné plus tôt dans la vidéo de théorie des couleurs. Et vous êtes les bienvenus à l'utiliser comme pratique, tant que vous avez envie de moi. Si vous le publiez sur les réseaux sociaux, si vous le souhaitez, vous pouvez dessiner votre propre personnage dès maintenant. Arrêtez simplement de regarder cette vidéo et allez voir mes cours précédents sur la façon de dessiner des personnages de dessins animés dans Procreate ou Photoshop. D' autres étapes jusqu'à ce que vous arriviez à la partie ombrage et éclairage, puis revenez ici lorsque vous êtes prêt. A l'intérieur de la toile de procréation, vous pouvez voir que nous avons une très grande zone vide, qui est l'endroit où vous pouvez dessiner. Autour de la zone de dessin. Il y a plusieurs curseurs et boutons. À partir des curseurs sur la gauche, nous avons la taille et l'opacité du pinceau. En passant dans le coin supérieur droit, il y a l'outil de brosse, outil simple ou de mélange, la gomme, le panneau de calque, et les onglets de couleur, que nous avons déjà explorés. Dans le coin droit de la barre supérieure, nous trouvons la petite clé qui représente des paramètres où vous pouvez basculer la taille de la toile, importation et les exportations et des choses comme ça. Panneau d'effets, outil de sélection et outils de déplacement et de redimensionnement. L' une des rares choses techniques dont nous avons besoin pour cette classe est de comprendre le concept de couches et de paramètres de mélange, qui est la base pour obtenir des effets d'éclairage dans ce flux de travail. Les couches sont différentes. Niveaux de transparence dans le canevas qui se superposent sur un niveau global logique et hiérarchique. Vous pouvez les trouver dans l'onglet Calque et ils fonctionnent d'une manière assez simple, couvrant simplement les uns les autres. vous vous déplacez vers le haut, chaque calque est au-dessus d'un autre, couvrant et ne vous permettant pas de voir ce qui se trouve en dessous si vous le coloriez complètement. J' ai dessiné un point violet sur la toile sur une couche. Si je crée un nouveau calque sur le dessus et modifie ses paramètres de fusion, c'est la façon dont Procreate lit, que les calques interagissent avec le calque en dessous pour superposer, par exemple, ce que je dessine sur ce calque changera également le point violet I dessiné en dessous. Si je fais la même chose deux fois de plus, une fois en changeant le paramètre pour multiplier et veut ajouter. Vous pouvez voir que la même couleur jaune pâle se comporte très différemment sur ce point pourpre. Selon le type de réglage de mélange. Ce sont les concepts de base qui sous-tendent le plaisir de ce flux de travail. Comme la plupart de mes conseils et astuces, nos expérimentations basées sur la modification des paramètres de mélange et de voir ce qui arrive à l'image ci-dessous. La plupart de l'ombrage que je vais créer se fera avec ces couleurs violettes neutres en utilisant le mélange Multiply dans le réglage et la plupart de l'éclairage en utilisant le jaune pâle avec le réglage de mélange de superposition. Je vais aborder ces techniques plus en détail dans les prochaines vidéos, mais je voulais commencer à mentionner ces termes maintenant. Pour cette affectation, s'il vous plaît jouer avec Procreate pour un peu et expérimenter avec chaque paramètre de liaison différent afin que vous sachiez à quoi vous attendre pour le reste de la classe. 6. Configuration de l'éclairage 2 points: Salut les gars et bienvenue. Dans cette vidéo, je vais montrer comment fonctionne la configuration photographique la plus courante, la configuration d'éclairage à deux points. J' ai rapidement fini de colorier le caractère de test avant d'utiliser la palette de couleurs complémentaires split. Encore une fois, si vous voulez regarder le processus complet de la façon dont j'aborde l'illustration de personnage jusqu'à ce point, je vous recommande d'aller prendre la classe Création d'un personnage de dessin animé dans Procreate. Si vous vous produisez, passons à l' éclairage ponctuel utilise sans surprise deux lumières pour mettre en évidence les formes 3D du sujet dans la scène d'une manière qui n'est pas nécessairement naturelle, mais qui est assez réaliste et attire particulièrement l'attention sur les détails que vous voulez que le spectateur remarque. La première lumière à mettre dans la scène s'appelle Key Light, et c'est une lumière forte, soit le soleil, soit une source artificielle. Cette diapositive investit la forme 3D de l'objet en créant des ombres de formulaire sur les zones qu'il ne peut atteindre. Donc, d'une certaine manière, est juste l'élément de compteur à une ombre de formulaire. Je dessine les sources de lumière comme une flèche 3D ici parce que je pense qu'il est très utile, surtout en tant que débutant, d'avoir un rappel constant sur la page d' où vient la lumière afin que vous puissiez analyser comment il va frapper les plans du visage et du corps du personnage et créer un ombrage précis. La lumière clé rebondit sur les éléments de l'environnement, comme les murs, le ciel, etc., et réfléchit sur le sujet, créant une seconde lumière plus faible appelée lumière de remplissage est lumière rendra la forme plus sombre ombres un peu moins sombres, mais pas aussi légères que celles investies par la lumière clé. Dans cette vidéo, je vais vous montrer comment créer des ombres, pas par addition, mais par soustraction. C' est une façon légèrement, orthodoxe de peindre les ombres. Et je ne le fais pas habituellement de cette façon quand je peins, mais je pense qu'il est plus facile de comprendre que le concept est chemin. J' ai créé un nouveau calque sur le dessus de l'image, lien vers elle via le masque d'écrêtage. Un masque d'écrêtage est simplement un moyen de lier un calque à un autre de sorte que les seuls traits qui apparaissent sur la toile sont ceux qui sont peints au-dessus de la silhouette originale ci-dessous ? J' ai dit ce calque sur multiplier, car c'est la couche d'ombrage, et je le remplit avec une couleur bleu profond. C' est parce que les ombres et les reflets ne sont jamais, jamais seulement noirs ou blancs. Pour s'assurer qu'ils ne désaturent pas tout le personnage. Vous devez toujours utiliser des ombres et des reflets colorés. Comme je le disais auparavant, sans lumière, le personnage serait totalement à l'ombre. C' est ce que j'imite en plaçant une couche complète d'ombre bleue sur le dessus. La deuxième étape consiste à comprendre comment la forte lumière touche la forme 3D du personnage. Quelles sont les zones convexes et quelles sont les zones concaves ? Quels sont les pouvoirs que la lumière va frapper en premier, et lesquels seront couverts et dans l'ombre, comme je l'ai déjà mentionné ici, une bonne connaissance de l'anatomie vous aidera grandement. Mais dans une pincée, vous pouvez également simplement essayer de vous placer devant le miroir dans la même pose et prendre une photo afin que vous ayez une référence pour le corps. Je crée un nouveau calque et je le mets pour superposer le réglage habituel pour l'éclairage et commencer à marquer grossièrement le personnage. Les zones qui, je pense, vont être frappées par la lumière clé. Vous n'avez pas besoin d'être super précis ici. C' est plus un guide que tout. Lorsque vous êtes satisfait de votre analyse, il est temps de revenir au calque d'ombres, sélectionner l'outil de gomme et de commencer à effacer au-dessus des zones que vous avez identifiées comme zones de surbrillance. C' est ce que je voulais dire par processus de soustraction. Nous ne peignons pas les ombres sur le personnage. Nous supprimons l'ombre des zones où la lumière frappe, ce qui est exactement ce qui se passe dans la vie réelle. Et la raison pour laquelle je pense qu'il est plus facile d' y penser fait un moyen de comprendre comment la lumière fonctionne. Comme vous pouvez le voir, en écaillant à l'ombre avec un pinceau dur, nous créons un contraste fort et soulignons très clairement quelles sont les formes 3D du personnage et de ses accessoires ? En fait, vous pourriez même penser que ces ombres sont un peu trop fortes, et c'est vrai. Ce type d'éclairage ressemble maintenant à la configuration des projecteurs, où vous n'avez qu'une seule source lumineuse forte qui pèse sur un sujet, ce qui est une configuration très dramatique. Éclairage à deux points. Nous devons ajouter la deuxième source de lumière, la lumière de remplissage diffuse qui rend tout un peu plus naturel. Ainsi, la troisième étape consiste à prendre le calque d'ombre et à réduire son opacité de 100 % à 20 ou 30 %, voire 15 %, selon le type de couleur que vous avez choisi pour l'ombre. Cela imite les effets de la lumière de remplissage, qui est la lumière qui rebondit sur le sujet et autour de la pièce, étant donné une source d'éclairage diffuse et plus douce, effaçant le contraste des ombres projetées les plus fortes. Comme je l'ai mentionné, je n'utilise pas nécessairement la méthode de soustraction lorsque je peins en général, mais plutôt l'élément pour peindre les ombres uniquement dans les zones où elles sont nécessaires, comme je vais vous le montrer dans les prochaines vidéos. Mais vous pouvez travailler dans les deux sens, selon ce qui est le plus confortable pour vous. Lorsque j'ai pris soin de l'ombrage, j'ajoute généralement quelques reflets en utilisant des jaunes ou diverses nuances sur un calque réglé sur superposition ou ajouter, en fonction de l'intensité de la source lumineuse, les reflets sont généralement très zones limitées qui aident à soulever certains des meilleurs détails des personnages. Comme la brillance sur les cheveux, petits points légers sur les yeux, boucles d'oreilles, ou d'autres accessoires en métal réchauffés par le personnage. Essayez de garder le contraste entre les parties surlignées et non surlignées du personnage assez élevé afin que vous puissiez distinguer des détails spécifiques au lieu d'avoir une pièce entière surexposée. Si vous le souhaitez, vous pouvez également ajouter une troisième lumière, ce qui va rendre la configuration un peu moins naturelle, mais peut fournir une séparation très efficace pour le personnage de l'arrière-plan. La troisième lumière est appelée lumière de jante. C' est généralement une source artificielle de lumière venant de l'arrière du sujet qui met en valeur sa silhouette. La troisième lumière est particulièrement utile si vous dessinez une scène nocturne. La forme du personnage se perd dans l'arrière-plan car vous pouvez facilement peindre la lumière de jante d'une couleur néon et justifier avec des néons nocturnes, par exemple. Nous allons parler plus de l'éclairage artificiel et des lumières de jante dans une vidéo plus tard lorsque nous avons abordé l'éclairage dramatique, ne vous inquiétez pas. Pour l'instant, ce sont les bases pour mettre en place aussi efficace. Et l'éclairage à trois points, encore une fois, un excellent polyvalent pour les pièces de personnages génériques qui n'ont pas besoin de réglages dramatiques mais qui ne sont que des pièces de présentation. En tant que tâche, je vous encourage à télécharger le fichier PSD avec le caractère de pratique des couleurs plates, et à vous entraîner à peindre des ombres en utilisant la méthode de soustraction en suivant les trois scénarios que j'ai créés pour vous. 7. Pratique : Lumière du jour: Salut les gars, et bienvenue dans le segment d'entrainement de ce cours. Maintenant que nous avons introduit la configuration et les concepts de base derrière 23 éclairage, je voulais vous montrer pratiquement comment vous pouvez recréer différents moments de la journée en utilisant des couches et des paramètres de mélange. Je vais commencer par un type de situation générique de lumière du jour. Je suis simplement allé sur Internet et googlé jour de configuration de l'éclairage pour trouver cette image. Mais vous pouvez également rechercher des références sur Pinterest ou même tirer sur vous êtes sur. La première chose que vous devriez faire est d'observer la référence et d'identifier la lumière principale ou la lumière clé. Remarquez comment il frappe le personnage en regardant la direction et l'inclinaison des ombres, puis vous pouvez identifier d'où vient la lumière de remplissage, qui est généralement de l'angle opposé de la lumière principale car elle est le produit du rebond de la lumière clé sur l'environnement. Enfin, vous pouvez repérer à l'image une troisième source de lumière, qui vient généralement de derrière le sujet, et c'est ce qu'on appelle la lumière de bord. Il est possible de repérer la lumière de la jante car elle produit généralement des reflets très lumineux sur la silhouette du sujet. C' est différent de la lumière clé, parce que si vous mettez le niveau de luminosité de ces deux lumières, échelle, la lumière de jante est beaucoup plus intense que la lumière clé au point qu'elle brûle légèrement l'image là où elle la frappe, marquant clairement les contours du personnage. C' est pourquoi le voyant de jante fonctionne particulièrement bien dans des contextes où les bras ou les jambes du personnage ou autre partie du corps ou accessoire sont séparés de la forme principale et laisse donc un trou pour que la lumière de l'arrière puisse passer. rendant toute la silhouette plus facile à lire et plus engageante. Une fois que vous avez analysé et mis dans vos notes d'où viennent les lumières principales. La deuxième étape consiste à approximer la couleur des lumières et des ombres. Je dis approximatif parce qu'il n'y a aucun moyen que vous pouvez le trouver avec une précision de 100%. Mais même si vous ne l'obtenez pas correctement la première fois, vous pouvez facilement changer la couleur plus tard car nous allons la garder sur un calque séparé, j'utilise généralement le choix de couleur deux dans le taux de Brock pour échantillonner un surlignement sur l'image, puis aller à partir de là pour définir la couleur de la lumière clé. Ils ont dit pour une journée complète quand la lumière naturelle du soleil, généralement la couleur sera une lumière, jaune. La lumière de la jante est généralement une nuance plus claire de la même couleur que celle que vous avez choisie pour la lumière clé. Donc, un jaune encore plus pâle dans ce cas. Alors que pour l'ombre, vous pouvez revenir à la lumière de touche et sélectionner le jeu de couleurs gratuit dans l'onglet Harmony. En effet, en dehors des rares occasions où vous utilisez l'éclairage artificiel, l'ombre et les reflets sont généralement deux couleurs complémentaires, un ver et un froid, pour équilibrer les uns les autres et donner plus d'harmonie à l'ensemble pièce. Maintenant, qu'est-ce que nous avons analysé l'image de référence ? Appliquons cette connaissance à notre personnage de test. Je vais considérer la même direction et l'intensité des sources lumineuses dans l'image et les appliquer au personnage. J' ai donc besoin de regarder la grande flèche de lumière de touche 3D, et de comprendre comment la lumière va frapper la forme 3D de mon personnage. D' abord, je vais identifier les zones du corps du personnage. Vont être frappés par la lumière clé en pleine force. La lumière vient du coin supérieur gauche. Par conséquent, il va chauffer les personnages côté droit du visage et du corps légèrement de l'avant. Comme vous pouvez le voir, j'ai réduit le caractère en un seul calque pour faciliter l'utilisation, mais vous pouvez garder une sauvegarde des caractères, différents calques dans un groupe de calques différent si vous voulez conserver la chance de faire des ajustements en bas de la ligne je vous encourage à créer un nouveau calque au-dessus de la figure et à marquer avec une couleur audacieuse comme le rouge. Toutes les zones qui sont en saillie, poussant ou convexes, et donc attraperont la lumière en premier. Lorsque vous dessinez ces zones, essayez de mémoriser les volumes 3D de ces éléments et suivez leur bord avec des lignes courbes pour vous assurer qu'ils ne sortent pas aussi plat. Par exemple, le front, les joues et le nez sont tout autour des zones saillantes du visage et seront donc frappés par la lumière d'abord à leur sommet arrondi, comme un bol. L' épaule droite, la poitrine, l'étiquette des vestes et une petite partie de l'épaule gauche seront également frappés comme le dos de la main droite et la jambe avant. Ce sont tous les faits saillants sur le corps. Tout le reste sera sous forme d'ombres, différentes zones d'ombrage subtil, pas directement atteint par la lumière. La deuxième étape consiste à identifier les ombres. Ici, nous ne cherchons pas des ombres de forme, mais des ombres coulées, les ombres créées par un objet ou une partie du corps bloquant le soleil et créant ainsi une zone ombragée dure. Les ombres coulées peuvent généralement être trouvées dans la cavité orbitale, sous le nez et le menton, sur le cou, à l'intérieur de l'oreille, sous ou derrière les vêtements qui créent des plis ou des chutes sur le corps. Parmi les cheveux à l'arrière de la tête, dans la moitié inférieure sur la partie sphérique du corps comme les seins ou le ventre. Vous avez identifié ces domaines. Testez nos hypothèses en créant un nouveau calque, le liant à l'image principale via le masque d'écrêtage et modifiant le paramètre de mélange pour multiplier la couleur I, choisir la teinte bleue de l'ombre et procéder à peinture le projette des ombres avec le pinceau à encre sèche, mon pinceau préféré dans la procréation parce qu'il est si polyvalent et l'utiliser pour tout, de l'esquisse à l'art au trait en passant par la couleur. Encore une fois, je ne suis pas particulièrement prudent ou précis avec mes coups de pinceau à ce stade parce que je trouve qu'il est préférable de mettre rapidement les ombres et les reflets, vérifier si elles ont du sens, puis de procéder à l'effacement de l'accès à les affiner. Une fois que vous avez terminé avec la première couche de peinture, désactivez la visibilité sur les lignes directrices de l'ombre et évaluez si les zones ombragées fonctionnent dans la position de la lumière et suivez les volumes des parties du corps sont réduisent généralement la taille de la brosse à ce stade pour peindre des détails plus fins et utilisez la gomme pour rendre les zones d'ombre plus précises et précises. Naturellement, les ombres seront assez intenses à ce stade, et je peux déjà voir qu'elles sont trop sombres par rapport à la référence. Donc, je vais ramener l'opacité à environ 30 pour cent pour l'instant. Je vais revenir en arrière et probablement faire du travail de peaufinage quand j'aurai les faits saillants peints pour que je puisse les égaliser. Maintenant, créez un nouveau calque, créez un masque d'écrêtage, définissez-le pour superposer et peignons dans les tons clairs avec la couleur de lumière clé. Cette fois, suivez à nouveau les zones que vous avez dessinées en rouge et essayez d'être rapide plutôt que précis car cette partie arrive plus tard. Lorsque vous avez terminé, vous pouvez désactiver le calque de guidage et affiner les reflets comme vous l'avez fait avec les ombres, en essayant de garder à l'esprit si un élément est courbé ou plat et comment il est incliné par rapport à la source de lumière. Lorsque vous affinez les points forts, vous devez également garder à l'esprit l'heure de la journée dans la scène et donc l'intensité et la portée de la lumière du soleil. Si vous utilisez la lumière naturelle, regarder le personnage dans la référence vous aidera dans cela. Donc, par exemple, si je regarde la femme sur la photo de référence, je peux voir que la plupart de notre corps est assez bien exposé avec seulement quelques ombres comme dans les zones qui ne sont pas face au soleil. C' est parce qu'en pleine journée, le soleil est assez haut dans le ciel et fort. Par conséquent, la lumière de rebond, c'est-à-dire la lumière de remplissage est très forte et fournit un éclairage à presque toute la figure. Lorsque je suis satisfait de la forme des faits saillants, je vais rapidement baisser l'opacité à environ 40 pour cent, juste pour que cela ne soit pas gêné lorsque je peins la lumière de jante. Je vais ajouter le voyant de jante sur un autre masque d'écrêtage suivant la direction et l'intensité de la jante allumant la référence. Donc venant de derrière le personnage et va en latin vers la gauche. Habituellement, je mets la couche de lumière de jante sur l'annonce comme paramètre de mélange car elle fournit un niveau d'éclairage plus élevé par rapport à la superposition. Malheureusement, un jaune plus léger sur la publicité deviendra essentiellement blanc, brûlant complètement ce qui est en dessous. Donc, vous devez toujours réduire l'opacité de la couche d'environ 35 pour cent, bien que je puisse le changer à un pourcentage encore plus bas plus tard. Je vais ajouter un calque de plus à ce stade, un dégradé, qui est quelque chose dont je n'ai pas parlé auparavant. Cette étape est essentielle pour donner plus d'ambiance à la scène et aider le spectateur à identifier l'heure de la journée. Ce calque de lecture va en bas sous tous les autres calques multiplier et superposer. Et vous devriez utiliser des couleurs qui sont proéminentes dans la photo de référence. Donc, dans ce cas, jaune et orange. Étant donné que Procreate ne fournit pas d'outil de dégradé à ce stade, je vais changer de pinceau et sélectionner un grand pinceau souple dans la catégorie aérographe, puis remplir complètement le calque avec la première couleur. Ensuite, je vais changer la couleur à la deuxième teinte dans le dégradé, cette fois orange. Et probablement peindre la partie du corps qui est plus à l'ombre. Encore une fois, ceux-ci fourniront une belle variation de couleur, rendant le personnage moins plat et ajoutant de l'atmosphère et de la température à la lumière. Le calque de dégradé peut être configuré pour superposer ou multiplier en fonction de l'effet et de l'heure de la journée. Le dégradé de superposition éclairera encore plus la scène tandis que le calque multiplier la rendra plus sombre et plus saturée. Donc, puisque c'est une scène de lumière du jour, je vais la mettre en superposition. Maintenant, pour la dernière étape de ce processus, je vais modifier les capacités des différentes couches jusqu'à ce que j'aie atteint un équilibre qui ressemble à l'image de référence. Je ne peux pas vous donner une mesure précise qui fonctionnera à chaque fois dans cette étape. Parfois, vous devez mettre la couche multiplier à 30 pour cent et le point culminant à 50. Parfois, c'est le contraire. Cela dépend vraiment de la couleur que vous avez choisie pour l'ombre et de l'effet que vous voulez obtenir. C' est le point où l'expérimentation et le temps vous aideront à trouver la meilleure solution pour votre dessin. Et aucun conseil ou tutoriel facile ne peut vous dire ce qui est juste pour atteindre ce type particulier de réglage d'une journée complète. J' ai mis le gradient de superposition à 15 pour cent, l'ombre multiplier à 40, points forts sur la superposition à 35 pour cent, et la lumière de jante sur l'annonce à 45 pour cent. Comme vous pouvez le deviner, la raison pour laquelle les reflets et la lumière de la jante sont assez forts est que c'est le jour. Donc, le soleil est très fort. S' il n'y avait qu'une seule source de lumière, comme un projecteur dans un théâtre, les ombres seront aussi très fortes. Mais au lieu de cela, dans ce cadre en plein air, la lumière clé rebondit sur les objets et elle a été réfléchie par le sol et le ciel, ce qui rend les ombres peu intenses. Ce type d'analyse et de mise en œuvre, comme la proximité et l'intensité des reflets et des ombres, aide le spectateur à comprendre immédiatement quel type d'heure de la journée il est, même si votre personnage est placé dans n'importe quel type de en tant que tâche pour cette vidéo, s'il vous plaît chercher quelques références de lumière du jour ou téléchargé celui que j'utilise à partir matériaux du projet et essayez de le répliquer sur votre propre personnage de suivre cette structure de couche et de mélanger paramètres. Dans la vidéo suivante, nous aborderons une autre heure de la journée, le coucher du soleil. 8. Pratique : Couche de soleil: Hé les gars, et bienvenue à la deuxième vidéo d'entraînement, explorant différentes configurations d'éclairage à différents moments de la journée. Dans cette vidéo, je vais spécifiquement aborder les soleil pour lesquels j'ai trouvé une image de référence. Le processus dans cette vidéo va être assez similaire à celui montré dans la précédente, à partir de l'analyse des sources lumineuses dans la référence. Voici la lumière clé, bien sûr vient du soleil couchant, que nous voyons à l'arrière du personnage dans le coin inférieur droit, l'intensité de la lumière du soleil diminue, rendant la lumière du champ également moins intense et donc créer des ombres plus fortes sur la gauche que sur le côté sur le sujet dans l'image. La couleur de la lumière clé est un jaune plus chaud que le soleil de la lumière du jour, presque une orange vraiment. Et la couleur complémentaire est un bleu plus intense pour les ombres. La lumière de remplissage est également beaucoup plus chaude dans ce cas, étant donné le caractère rougeâtre, nuances orangéâtres. Alors que le contraste entre les reflets et les ombres en général est augmenté en raison de la diminution de l'intensité de la lumière de champ. Comme dans la pratique précédente, je vais essayer de répliquer le même réglage d'éclairage exact sur mon personnage de bureau. Par conséquent, la lumière de la clé doit provenir de l'arrière du personnage. Mais puisque mon personnage, par opposition à la femme dans l'image de référence, est face à la caméra et sera complètement à l'ombre. Si j'arrive au soleil dans la même position que la référence, je vais l'amener un peu plus à droite pour frapper le côté gauche du personnage et allumer un peu plus son visage. Ici, je définit en orange toutes les zones qui vont être frappées par la lumière clé. Ensuite, j'identifie les ombres lancées qui vont encore être placées sous le nez, Shane, cou, et sur la plupart du bus et dans les plis intérieurs, augmente la veste et les cheveux. Lorsque je suis satisfait de mon analyse, je vais créer le premier de la masse d'écrêtage et colorer les ombres. Tout d'abord un peu grossier, puis effacer plus précisément les pièces supplémentaires qui sont nécessaires pour créer des détails supplémentaires. Lorsque je suis satisfait du niveau de précision, je vais activer le calque, multiplier et abaisser l'opacité à environ 35 %. Passant au calque de lumière clé, je vais remplir les hautes lumières avec un orange clair, puis transformer le calque en superposition, abaissant son opacité à environ 45 %. Dans cette image, il n'y a pas de lumière de jante évidente puisque le soleil couchant est trop faible pour fournir le contraste nécessaire. Donc, je passe à la couche de dégradé. Immédiatement. J' ai décidé d'utiliser un orange chaud pour la partie du dégradé et un bleu pâle pour les brisés. Par conséquent, en sélectionnant les mêmes couleurs utilisées pour le point culminant et l'ombre, en ajoutant de l'atmosphère et de la profondeur aux couleurs pour améliorer la sensation du soleil couchant et l'arrivée de l'obscurité. Depuis l'heure de la journée est assez tard. Et je veux transmettre une augmentation des ombres à l'examinateur. Je vais définir le paramètre de fusion de ce calque pour se multiplier plutôt que superposer, ce qui, comme vous pouvez le voir, rend le caractère entier plus sombre et plus saturé, implique un manque de lumière. Pour l'ajustement final de l'opacité du calque, j'ai réglé 35 % pour le calque dégradé, 20 % pour les ombres et 30 % pour les tons clairs. Comme je l'ai déjà dit, ce ne sont pas nécessairement la valeur d'opacité que vous utiliseriez pour toute censurée. Mais ils sont un bon point de départ si vous voulez expérimenter un peu. Comme mission pour cette vidéo, j'aimerais que vous trouviez d'autres références de différents couchers de soleil et faites quelques études avec votre personnage ou en utilisant le personnage fourni. 9. Pratique : nuit: Hé les gars, et bienvenue à la dernière vidéo d'entraînement de cette classe, où nous parlons de références nocturnes et de configurations artificielles 99. La référence que j'ai trouvée est assez intéressante car elle utilise des couleurs contrastées et presque complémentaires pour la lumière clé et la lumière de jante. Déjà fait un excellent travail avec la palette de couleurs. Pour la lumière clé, la lumière artificielle intense venant du coin gauche, nous avons un bleu pâle, ce qui est assez commun pour les Veilleuses. n'y a pas beaucoup de lumière de champ dans l'image contribuant à la présence d'ombres profondes. Le voyant de jante provient plutôt du côté opposé de la lumière de clé en magenta vif. L' opposition du bleu et du magenta n'est pas seulement le grade selon la roue de couleur. Il a également été très populaire en photographie et en illustration ces dernières années. Donc, il vaut vraiment la peine de se familiariser avec ce schéma. Comme vous le savez déjà, je vais d'abord identifier la zone de lumière clé, les ombres projetées, et la lumière de bord de mon propre personnage. Essayer de répliquer la même configuration que dans l'image de référence. Ensuite, je vais créer la première couche d'écrêtage à multiplier pour les ombres coulées, je peins dans une couleur saumon rosâtre qui est la teinte complémentaire à la lumière bleue. La zone des ombres coulées est assez sensible et brutale. Dans ce cas. nuit, la lumière récente beaucoup de remplissage rebondit par la réflectivité de l'environnement et, par conséquent, les ombres sont beaucoup plus nettes que dans la lumière du jour. Quand j'aurai fini d'affiner les ombres, je vais réduire l'opacité du calque, mais la maintenir beaucoup plus élevée que dans les vidéos précédentes à environ 65 %. Ensuite, je vais peindre les faits saillants en bleu, en réglant la couche à superposer à environ 50 pour cent. Ces mises en lumière sont également assez nettes parce que sans la sensation de lumière uniformément maintenant les reflets de contraste et les ombres vont être beaucoup plus visibles. Ensuite, je vais ajouter les lumières de jante magenta sur le côté droit des caractères, en le gardant assez vaste comme il est dans l'image de référence. Dans ce cas, je vais expérimenter un peu avec différents paramètres de mélange, essayant de trouver celui qui convient le mieux, l'effet que je veux obtenir. Je me contenterai temporairement de la lumière dure. Cependant, cela ne semble pas tout à fait correct pour le moment. Et je soupçonne que c'est parce que l'obscurité globale, la saturation et la température de l'image sont encore trop brillantes. Je vais passer à l'étape suivante et ajouter un dégradé violet foncé au bleu pour améliorer l'atmosphère nocturne. Et assurez-vous que les reflets et la lumière de jante de plus en contraste avec les ombres sombres. Je vais définir le calque de dégradé pour se multiplier et le ramener à environ 50 % d'opacité pour le moment. Maintenant, il s'agit simplement de modifier les valeurs d'opacité de la couche et d'effacer des parties des ombres et des reflets avec un pinceau doux pour affiner le niveau de détail. Les valeurs finales que j'ai obtenues à nos 50 % pour le calque de dégradé, 40 % pour les ombres sur Multiply, 22 % pour les reflets et 53 % pour la lumière de jante sur superposition. Vous avez peut-être remarqué que j'ai également changé le paramètre de fusion du calque de surbrillance de superposition à ajouter. C' est parce que puisque le genre de lumière est artificiel et certainement plus proche du caractère que le soleil à la terre. Je voulais ajouter un contraste plus clair et le paramètre de mélange d'annonces transmet qui affectent mieux que la superposition, qui a un mélange légèrement plus doux. Vous pouvez appliquer ces paramètres trop d'autres scénarios nocturnes en changeant simplement la couleur de l'éclairage artificiel. Donc, je vous encourage à explorer un cadre différent à la fois dans les environnements urbains et naturels comme votre mission. Comme vous voir dans la vidéo suivante pour un résumé de l'ensemble de la classe. 10. Synthèse: Hey les gars, nous avons atteint la fin de notre classe. Merci de rester avec moi à travers la théorie et la pratique. Je sais combien il est difficile d'étudier par vous-même avec des cours en ligne pour améliorer vos compétences. Je tiens donc à vous féliciter pour votre ténacité. Tout le monde n'a pas la patience et la détermination pour les cours à domicile. Si bien joué que je voulais juste passer quelques minutes de plus résumer les concepts de base que j'espère que tu as appris dans cette classe. Partant de l'idée fondamentale que l'éclairage et la couleur sont intrinsèquement liés. Sans lumière, il n'y a pas de couleur et la quantité, le type et la proximité d'une source lumineuse peuvent changer de couleur de façon spectaculaire, créant des ombres et des reflets sur les personnages et l'environnement comme. abord, nous devons identifier ou le côté, si vous le configurez à partir de votre imagination, lequel est la source de lumière principale ou la lumière clé, et approximativement sa couleur. Après avoir compris quelles parties du corps seront investies par la lumière pleine force, vous pouvez déduire où les ombres tomberont. Nous pouvons trouver deux types d'ombres, la forme et la fonte, qui nous aident à comprendre les volumes 3D d'un personnage et le réalisme d'une scène. Dans le style de la bande dessinée, nous allons toujours dessiner les ombres la plupart du temps à plat à l'aide d'un pinceau dur. La même chose vaut pour les reflets et le voyant de jante en option que vous pourriez avoir dans la configuration. Une fois que vous avez ces trois couches de base, les ombres se multiplient, lumière de touche ou la superposition, et la lumière de bord sur la superposition ou l'ajouter découpée à votre dessin d'origine. Vous pouvez ajouter un dégradé complet sur Multiplier ou superposer, en fonction de la température et de l'obscurité de la scène et de l'heure de la journée. Pour donner à l'image l'atmosphère correcte. À partir de là, il s'agit simplement de peaufiner la capacité relative de ces couches pour obtenir un équilibre approprié. L' effet que vous poursuiviez, si vous n'êtes pas sûr de ce que l'éclairage serait le mieux pour un moment précis de la journée, il suffit de regarder n'importe quelle image de paysage de cette situation sur Internet et d'expérimenter avec des gradients, de la lumière couleur et la couleur de l'ombre basée sur ce que vous trouvez, il n'y a malheureusement pas de substitution pour l'observation. Et les patients. Une fois que vous connaissez la théorie et que vous comprenez les bases, la meilleure façon d'améliorer est de prendre ces principes fondamentaux et de les appliquer encore et encore, expérimentant les paramètres de couleur et de mélange. Dans Grand exercice supplémentaire pour améliorer votre bibliothèque mentale des paramètres d'éclairage est d'apprendre des meilleurs films culte de recherche qui sont connus pour leur photographie et de prendre des captures d'écran de quelques-unes des meilleures scènes. Vous pouvez essayer de les répliquer pour vraiment comprendre comment le directeur de la photographie a mis en place l'éclairage. Certains des meilleurs films de cette catégorie sont Blade Runner B, film original des années 70, Labyrinth de Pan, n'importe quel film Tarantino, l'un de mes préférés est django Unchained, mais il y a beaucoup d'autres que vous pouvez rechercher et entrer dans le vide. Vous pouvez même aller sur Google Images, n-type meilleurs films d'éclairage ou quelque chose comme ça, pour trouver des tonnes de captures d'écran prêtes à l'emploi de scènes fantastiquement éclairées. En étudiant et en copiant ces chefs-d'œuvre, vous pouvez honnêtement apprendre beaucoup que vous pouvez ensuite employer dans votre propre art. Encore une fois, j'espère que vous avez apprécié ce cours et n'hésitez pas à laisser un commentaire ou un commentaire dans le forum de discussion de cette classe pour me faire part de vos réflexions ou questions. Vous pouvez me trouver sur les médias sociaux à travers le tableau comme illustration de soulignement MLM. N' oubliez pas de me marquer si vous partagez un peu de votre travail pour que je puisse vous crier. J' ai hâte de voir vos projets dans la section projet de cette classe. N' oubliez pas de mettre à jour vos progrès. Au revoir pour l'instant.