Dessiner à partir d'une référence - Mandril

1. 1: Bienvenue dans le cours, comment dessiner à partir d'une photo de référence. Je m'appelle Tessa, ses besoins et merci de m'avoir suivie. Dans ce cours, je vais vous présenter une myriade de sujets de manière complète afin de vous aider à ne pas vous laisser submerger par dessiner une image à partir d'une référence photographique. Nous allons parcourir l'image complète étape par étape. Donc, à la fin, vous serez en mesure de faire quelque chose de similaire par vous-même. Nous allons dessiner notre semblant de mandrill coloré. Les robots le feront à l'aide d'un outil miroir. ne s'agit pas d'un portrait d' animal qui doit être précis à 100 %. Nous allons simplement nous amuser et créer quelque chose de vraiment attrayant avec cet outil qui nous fait gagner du temps. Ce cours est conçu dans Photoshop, mais vous pouvez suivre n'importe quel autre programme de votre choix tant que vous en avez une bonne compréhension . Ce cours est de niveau intermédiaire car il nécessite une certaine compréhension des principes fondamentaux de l'art. Mais si vous avez des patients et n' êtes pas trop dur envers vous-même, vous pouvez suivre le même chemin que le débutant. Dans les pièces jointes. Vous y trouverez l' image de référence ainsi que la vie, la légende, Art Peck. Les deux peuvent être utilisés pour dessiner cette image. Le stylo à pinceau, vous pouvez utiliser tout ce que vous voulez même lorsque le dessin est destiné à la vente. Je modifie également le pinceau principal que j'utilise, qui est le pinceau à galets. On ne sait pas qui l'a fabriqué, mais vous pouvez le trouver sous de nombreux aspects. Dans ce cours. Plus précisément, nous utiliserons principalement le Pedal Rush, un pinceau doux par défaut que vous pouvez trouver dans n'importe quel programme artistique, le Life to Legend pour cheveux crépus et votre pinceau dur préféré. Donc des allèles me concernant. Je m'appelle Tiffany Diamond, artiste conceptuelle et illustratrice néerlandaise. Mes spécialités sont la conception de créatures, la conception de personnages et les accessoires, la fois en termes de conception et d'illustrations finales. Je dirige deux entreprises, l'une spécialisée dans l'art et le design, et l'autre, lifestyle legend. Le premier, axé sur l' art conceptuel, a prospéré pour une myriade de projets différents et personnes telles que des écrivains et des réalisateurs de films, ainsi que des personnes à la recherche de choses comme des portraits d'animaux et quelques collaborations avec d'autres artistes. Live to Legend s' adresse entièrement aux artistes. Le cours que vous voyez ici est l'un des produits de cette initiative que je propose également par rapport aux peintures avec commentaires. Le site Web lui-même regorge blog informatifs et inspirants et de générateurs de requêtes pour les créatures et les personnages. J'ai réussi à tout mettre en place avec l'aide de la communauté d'Austin qui entoure Life to Legend. Mais de toute façon, assez de moi, je suis sûre que tu as hâte de commencer à dessiner. Prenez donc vos tablettes ou votre bloc-notes et ouvrez le programme de votre choix. Je vous recommande écouter le chapitre sur l'outil miroir. Si vous n'êtes pas habitué à utiliser les grilles ou l'outil de mise en miroir, vous pouvez mettre la vidéo en pause quand vous le souhaitez. Il n'est pas rare que les artistes mettent 8 heures ou plus à terminer quelque chose comme ça tout au long du cours Je vais accélérer la vidéo autant que possible pour vous faciliter la tâche. 2. Comment ébaucher avec précision: N'hésitez pas à ouvrir le programme de votre choix. Nous allons travailler sur une toile de 60 x 80 cm, soit environ 24 x 32 pouces. Le type de fichier que j'ai indiqué en RGB et 300 DPI. La plupart des ordinateurs peuvent gérer cela facilement. De temps en temps. Cela accélérera un peu la vidéo afin qu'il n'y ait pas trop de pauses verbales. Ne vous découragez pas si vous n'arrivez pas à suivre Il n'est pas rare mettre 8 à 12 heures pour terminer quelque chose comme ça, surtout si vous êtes vraiment nouveau dans ce domaine. Il existe plusieurs façons d' obtenir votre premier croquis sur ma toile. L'une d'entre elles consiste à utiliser des lignes quadrillées et d'autres moyens de le freestyle. Des formes comme des cercles, des blogs ou à tracer. J'ai décidé de le saisir à main levée, puis de superposer mon croquis à l'image originale pour voir quelles parties étaient vraiment fausses et de corriger exactement cela. Comme vous le verrez, j'ai décidé de m'en tenir à une forme légèrement différente en faveur d'une symétrie parfaite. On peut dire que vous voulez éviter traçage et privilégier la signature gratuite ou l'utilisation de formes. Si vous êtes nouveau dans ce domaine, vous voudrez peut-être utiliser le traçage pour vous faciliter la vie. Cependant, le traçage ne vous apprend pas grand-chose et je vous le déconseille vivement car vous commettez du plagiat de cette façon sur cette pièce avec cette image cependant, et étudiants, vous le faites vous-même et vous n'avez pas l'intention vendre, ce n'est pas vraiment un problème. N'oubliez pas que ce n'est pas la meilleure façon d'apprendre. Dessin L'utilisation de grilles peut être une bonne solution pour contourner ce problème et vous aidera également à mieux apprendre les courbes et les formes. L'inconvénient est que vos lignes sembleront quelque peu fragmentées parce que vous travaillez d'un niveau à l'autre. Cela peut aussi prendre un peu plus de temps, mais je préfèrerais toujours cela au traçage. Dans ce cours, nous allons lire votre dessin au trait tout au long du croquis initial. Ne vous inquiétez donc pas trop de qualité de votre croquis initial. Nous le retravaillerons de toute façon plus tard. Nous ne gérons pas l'utilisation de formes pour esquisser ce dessin, mais si vous le connaissez déjà, n' hésitez pas à le faire. 3. Utiliser les réseaux: Pour vous aider sur votre chemin, juste au cas où la gratuité serait trop importante, mais que vous ne voudriez pas non plus tracer. C'est ainsi que fonctionnent les grilles dans Photoshop. Vous accédez à Afficher, Afficher la grille. Comme vous pouvez le constater, il y a trop de blocs maintenant. Dans mon cas, ce serait bien trop fastidieux de travailler avec quelque chose comme ça pour modifier votre ligne de grille. Vous accédez à Modifier les préférences, les repères, les grilles et les tranches. Vous pouvez jouer avec la couleur des lignes de votre grille, la distance de votre grille et savoir si vous souhaitez ou non des subdivisions. Mes paramètres dépendent de la taille du dessin. Si j'utilisais une grille, j'utiliserais six niveaux horizontalement et verticalement. Si c'est trop difficile pour vous, utilisez plutôt une lacune légère Cela est dû au fait que vous essayez d' ignorer les subdivisions et d' utiliser les lignes principales du quadrillage. N'utilise la division des pourboires que lorsque vous avez des difficultés. 4. Utiliser l'outil miroir: L'outil de mise en miroir est un bon moyen d'accélérer votre processus avec tout ce qui peut être mis en miroir. Cet exercice pour hommes est un excellent exemple d'une bonne image à refléter. Le processus est simple. Cliquez sur le petit papillon ou votre barre des tâches et choisissez verticale. Vous pouvez vous déplacer et modifier l'angle de la ligne qui apparaît. Mais dans ce cas, nous n'en aurons pas besoin car les images sont déjà parfaitement centrées. Si vous utilisez cet outil sous un angle différent, veillez à utiliser une option de veillez à utiliser perte d'utilisation. Si vous l'avez désactivée pour une raison quelconque, paramètre sera conservé tant que Photoshop sera actif. De plus, ne sois pas comme moi. N'appuyez pas accidentellement sur Entrée, comme vous me voyez le faire de temps en temps. Il tracera une ligne au-dessus de l'outil, en particulier avec des lignes plus fines. Ou lorsque vous avez déjà commencé le rendu, vous risquez de ne pas le voir. annulation ne vous sauvera pas après un certain temps, ce qui est ennuyeux. J'ai ce problème car je ne respecte pas l'espace personnel de mon bouton Num Lock Enter, alors assurez-vous de ne pas partager cette caractéristique avec moi. Ce n'est vraiment pas utile. 5. Peaufiner le croquis: L'étape suivante consiste à affiner l'esquisse. Nous continuons à utiliser l' outil miroir car dans ce cas, eh bien, c'est un véritable gain de temps. J'ai décidé de superposer le dessin au trait à l'image. Comme vous pouvez le constater, les photos ne sont pas aussi symétriques que je le pensais. J'ai décidé que je préférais symétrifier ma pièce. Ce n'est pas un portrait d'animal de compagnie, il n'est donc pas nécessaire que ce soit une ressemblance parfaite. C'est également là que vous pouvez affiner les formes et me voir faire certaines choses que je rends plus arrondies, d'autres transactions intelligentes vous aider à obtenir des lignes lisses. Accédez à votre barre d'outils en haut et réglez votre lissage, soit environ 10 à 15 %. J'en prends l'habitude d'utiliser des lignes plus épaisses pour les contours réels et lignes plus fines pour indiquer des changements brusques de forme, comme les sourcils. Dans l'ensemble, j'étais assez content de ce que j'avais déjà. Au final, je prends le temps d'équilibrer un peu plus les formes afin qu'elles s'intègrent parfaitement à la toile. Dans Photoshop, la touche de raccourci permettant de sélectionner l'image entière est Ctrl T. Uniquement pour la sélection. J'utilise le moindre outil de la barre d'outils. Après avoir fait votre sélection, vous pouvez appuyer sur Control T et vous pourrez vous déplacer dans les parcs. Vous le sélectionnez avec l'outil Lasso. Je ferais particulièrement attention à ce que la ligne soit symétrique, à la fois horizontalement et verticalement. J'étais libre de le mettre ici, car je savais que le dessin au trait ne figurerait pas dans l'œuvre finale. Mais je recommande de le faire en utilisant Alt Shift tout en déplaçant les coins de la sélection jusqu'à ce que vous soyez satisfait. L'outil fonctionne comme suit. 6. Bloquer les couleurs: Bloquer en couleur, c'est donc un bon moyen de tout mettre en place. Ces couleurs constitueront la base des détails qui suivront plus tard. De cette façon, vous n' aurez pas à affronter un arrière-plan plat et coloré comme le gris dans ce cas. Et vous pouvez instantanément vous concentrer entièrement sur des éléments tels que la texturation de l'éclairage. Je suis toujours très précis de cette façon. Et vous devriez être deux dans des endroits où deux couleurs totalement différentes se rencontrent. Cependant, avec des couleurs similaires, comme différentes teintes de rouge ou d'orange et de rouge ou de vert et de jaune. Cela n'a pas tellement d'importance. Cela peut même donner lieu à des mélanges intéressants plus tard. Pour ce processus, j' utilise un pinceau dur. J'ai apprécié la qualité de celui-ci en particulier, celui d'Atom Duff. Il ne figure pas dans le pack de pinceaux car celui-ci a évidemment été acheté à un autre artiste et donc sous licence. Mais n'importe quel pinceau dur pour vous, nous ferons l'affaire. N'oubliez pas que vous retirerez l'arc linéaire plus tard. Essayez donc de faire de longs traits sur les bords pour ne pas avoir à les nettoyer plus tard. Les couleurs que j'ai choisies pour cela sont des couleurs de base foncées. Ce sont les couleurs que vous pourriez voir lorsqu'il n'y a pas de lumière directe, comme par temps couvert. N'hésitez pas à utiliser le même procédé de superposition que moi pour éviter les espaces gris entre le visage et les peurs qui entourent le visage J'ajoute une couche au dos qui couvre la zone de cette couleur, mais elle traverse également les bords de l'autre couleur. De cette façon, la couche supérieure reste inchangée, tout en respectant parfaitement toutes les couleurs. J'aime travailler avec le moins de couches possible, donc je les ai immergées dès le premier coup. Mais si vous souhaitez travailler avec plus de couches, c'est très bien. Il suffit de ne pas trop vous compliquer la tâche afin ne pas mélanger les couches sur lesquelles vous dessinez. 7. Raffiner la première couche de couleurs: Comme je l'ai déjà mentionné, blocage et les couleurs doivent être précis là où c'est nécessaire. Vous avez donc des bords nets et vous n' avez pas besoin de vous battre contre les mauvaises couleurs par la suite. Mais comme ce sont des couleurs inversées, il n'y a aucune texture. La prochaine étape consiste donc à définir les premiers pays d'origine pour la texturation. Plus tard. Pour ce faire, je regarde les couleurs réelles. Dans le cas de ces foreuses pour hommes, il existe de légères variations dans la couleur de la fourrure, ainsi que sur la peau. Peu importe le type de texturation que vous utilisez tant qu'il y en a. Comme vous pouvez le voir, j'ai essayé de colorier pour nous, je le vois. Cela est également lié à la partie ombrage et éclairage. Comme je peux clairement voir si une couleur spécifique passe par la lumière ou les ombres, ou s'il s'agit de la teinte naturelle du pelage. Je dessine juste ce que je pense être la couleur de base. La prochaine étape est de toute façon l'éclairage brut et les ombres Nous continuerons donc à affiner. 8. Ombrage avec des couches multiply: J'espère que nous allons toujours bien. N'oubliez pas de faire une pause lorsque vous en avez besoin. Il n'y a absolument aucun problème à appuyer sur pause de temps en temps. Au fur et à mesure, les étapes deviendront un peu plus complexes. Alors gardez cela à l'esprit. La prochaine étape consiste à définir l'ombrage. Dans cette pièce en particulier. L'éclairage est à peu près direct. L'ombrage et l'éclairage ne sont donc pas complexes, mais il y en a un peu. Nous allons donc prendre tout cela maintenant. À l'étape précédente, nous avons jeté les bases de la texture afin que le résultat final n'ait pas l'air si numérique. Nous voulons maintenant continuer à le faire avec l'ombrage. Nous l'avons déjà légèrement revu lors d'une étape précédente, nous irons un peu plus loin. Maintenant, avec Layer Styles, nous ajoutons un calque en haut. Le style de calque est normal, mais le mode pinceau que j' utilise ici est une multiplication. Ce mode multijoueur est utilisé pour rendre les choses un peu plus sombres. Vous pouvez configurer la couche pour qu'elle se multiplie à la place, mais la multiplication au pinceau fonctionne de la même manière et vous permet de passer mode à l' autre au sein d'une même couche. La plupart du temps, j'utilisais l'outil de multiplication avec un pinceau doux. Le plus souvent, les ombres contiennent très peu de détails. L'utilisation d'un pinceau doux aidera donc à adoucir les zones sombres de l'illustration. Multipliez-le, cela rendra tout plus sombre. J'avais l'habitude de faire des couleurs chaudes parce que les ombres de la photo ont aussi des couleurs chaudes. Je dessine avec soin les zones que je souhaite voir plus sombres. Comme vous pouvez le constater, le double permet contrastes et les textures de intacts les contrastes et les textures de la couche sous-jacente, mais les réduit légèrement. Il veut que nous couvrons tout avec sa propre couleur, comme le fait le mode normal. Il reste donc un peu de texture et de contraste à gauche, ajoute de l'intérêt à ces zones. 9. Éclairage et ombres: Nous avons déjà pris un bon départ en ombrant les parties les plus grandes qui se trouvent dans l'ombre à l'aide d'un outil de multiplication. Nous passons maintenant à la couche suivante en mode normal, notre objectif est d'établir les ombres les plus fines ainsi que de déterminer l'éclairage. Je surveille de très près l'image de référence pour voir où elle va dans quelle mesure. Je vous recommande d'utiliser un pinceau texturé pour ce visage. Encore une fois, pour empêcher votre dessin de passer au numérique, vous pouvez choisir de continuer à utiliser un pinceau doux pour les ombres si vous préférez un aspect plus lisse. Mais j'utilise le pinceau à galets du pinceau , mais cela est inclus dans ce cours. Eh bien, comme vous pouvez le constater, j'ai de nouveau utilisé le bon vieux bouton Enter et j'ai dû retravailler cette partie. Heureusement, je n'ai pas encore fait beaucoup de texturage, donc j'ai pu facilement m'en débarrasser. Je fais des allers-retours entre les couleurs et les zones. Il est facile de se perdre dans une couleur et de se retrouver avec une œuvre d'art déséquilibrée parce qu'elle a poussé l'éclairage ou l'ombrage trop loin dans cette zone. Cette phase vise à équilibrer l'ensemble de l'œuvre avec les ombres et la lumière et à éliminer le dessin au trait. Pour cela, j'utilise la roue chromatique sur la gauche, mais je choisis également la couleur de la pièce où je peux demander. Cela me donne différentes nuances. Cela me fait également gagner du temps. Je zoome parfois, mais la plupart du temps, je ne le fais pas. Les détails viendront plus tard, mais cela peut encore être un peu compliqué dans les limites du raisonnable. Ici, nous sculptons, pas faisons du rendu. Lorsque nous avons terminé, nous avons une belle plage de valeurs parmi laquelle nous pouvons choisir les couleurs lorsque nous commençons le rendu. De cette façon, nous nous perdons dans les détails au cours de cette phase. Il se situera dans la fourchette de valeurs et ne gâchera pas complètement le solde. Vous avez travaillé si dur pendant cette phase. Et c' est là, mes amis, que la magie opère. Fluide. Les artistes ne sont plus nécessaires. 10. Texturer la peau: Enfin, il est temps de commencer le rendu. Le rendu est l'endroit où tout se réunit. L'éclairage, les couleurs, la texturation. C'est le début de ce que pourrait dire Angie. C'est un visage qui prend beaucoup de temps, mais chaque détail que vous ajoutez finira un peu plus la pièce. Nous utilisons déjà la brosse à galets. Je continue à l'utiliser avec une opacité réduite, environ 70 % et environ 50 % de débit. opacité rend le pinceau légèrement transparent si le flux adoucit légèrement les bords du pinceau s'agit d'un pinceau, un flux très texturé le tonifiera. La plus grande partie de la texture apparaît toujours entre la partie la plus claire d'une zone dans les tons moyens. Vous me verrez souvent revenir en arrière. Ils le font correctement. À présent. C'est une seconde nature pour moi, mais il faut absolument en être conscient lorsque l'on dessine une œuvre réaliste. N'hésitez pas à vous procurer d'autres pinceaux de texture pour créer de la variété. Cela étant un peu subtil, cela devrait ajouter des intérêts, mais cela ne devrait attirer l'attention que s' il s' agit d'un véritable point focal. Dans ce cas, ce sera autour des yeux. N'oubliez pas non plus que vous utilisez des pinceaux. Tu n'as pas besoin d'un AVC tout le temps. Vous pouvez également tamponner. Tous les pinceaux ne vous donneront pas des résultats différents, mais la pédale Rush le fera certainement. Connaître les propriétés des pinceaux et les tester peut accélérer votre flux de travail et vous permettre d'obtenir plus ou moins de détails, n'est-ce pas ? Où vous les voulez avec le même pinceau. Au fur et à mesure. Je peaufine de plus en plus la pièce et ne fais attention qu' aux couleurs, à l'éclairage et aux ombres. Mais je recule aussi de temps en temps pour affiner la forme. final, je n'aime pas autant ou je n'ai pas tout à fait tourné comme ça. Vous voyez que cela s'est produit principalement autour des zones rouges et bleues. C'est quelque chose que je peux vous signaler, mais je ne vous apprends pas vraiment à suivre ce cours. Cela vient avec l'expérience et regarder de près une œuvre d'art implique de déplacer le regard sur la photo et l'œuvre d'art. Tout ce dont nous avons discuté jusqu'à présent est combiné et permet de voir exactement ce qui ne va pas. Vous pouvez également le faire lorsque vous maîtrisez très bien les principes fondamentaux de l'art et que vous êtes capable de fragmenter cette image en de nombreuses pièces visuelles. Et pas exactement leurs propriétés naturelles. Nous ne faisons que rendre ce processus un peu plus facile en fragmentant chaque étape, comme nous l'avons fait jusqu'à présent. or en est un bon exemple. On ne peut pas dessiner avec de l' or ou un ordinateur. Nous ne pouvons que créer l' illusion d'objectifs. Pour ce faire, nous utilisons des propriétés telles que la couleur, l'éclairage, ombrage, les contrastes, les valeurs et les textures. Nous devons donc en comprendre les propriétés 3D. Toile 2D. En vérité, nous regardons simplement comment ils se manifestent sur une surface plane. Et cette surface n' est qu'un tas de couleurs différentes que nous pouvons dessiner à la main pour ressembler, par exemple des objectifs grâce à notre connaissance des principes fondamentaux de l'art. Ne soyez donc pas trop dur envers vous-même si votre œuvre d'art ne correspond pas exactement à ce que vous souhaiteriez qu'elle soit dans vos premiers médicaments. Il faut du temps pour bien le comprendre, même si vous connaissez les fondamentaux de votre art. Eh bien. Un autre conseil que je voulais vous donner est de dézoomer régulièrement. Il est facile de se perdre dans les détails, et il était également très pointilleux par le passé. Ils n'ont pas besoin d' être parfaits du tout. Tout ce qu'ils ont à faire, c'est aussi s'entraîner. 11. Dessiner les yeux: Nous avons déjà travaillé un peu sur chaque morceau de la toile, mais nous avons ignoré l'œil jusqu'à présent. Ce mandrin a donc des yeux très foncés. Cela rend son processus un peu plus facile. Comme pour le blanc. Car les yeux blancs sont assez complexes à dessiner de manière convaincante. réalité, nous voulons utiliser plusieurs couches car les yeux ne sont pas faciles à dessiner et à écrire. Nous utiliserons les couches suivantes dans l'ordre suivant. Iris, ombrage des pupilles et reflets. En procédant ainsi, nous pourrons nous déplacer autour de l'iris et la pupille afin de ne pas nous retrouver avec un strabisme. Singe. Les yeux sont également très ronds et vitreux, c'est pourquoi nous leur donnons leur propre couche d'ombre. De cette façon, nous pouvons utiliser un pinceau doux et sculpter soigneusement l'œil sans créer accidentellement de texture. en va de même pour le plaisir. En le dessinant sur sa propre couche , nous pouvons jouer avec l'intensité de la lumière sans risquer de gâcher les autres couches. Comme vous pouvez le constater, je commence par mettre différentes couleurs dans l'iris. C'est subtil, mais c'est là. Inconsciemment, cela se remarquera, mais vous ne le verrez pas si vous ne zoomez pas vraiment. Je joue avec l' outil Smudge pour créer des formes dans l'iris sans leur donner l'impression d'être une texture. L'étape suivante est l'élève. Au fur et à mesure que les hommes se lèvent en nous regardant droit dans les yeux, il est assez facile de les mettre au bon endroit. Si vous n'y parvenez pas, continuez simplement à jouer avec la pupille et peut-être aussi avec l'emplacement de l'iris et du champ . Ensuite, nous ajoutons de l'ombre. Il se trouvera juste en haut, sous la paupière, et sera incurvé selon la forme du globe oculaire. Comme les yeux sont déjà très foncés, c'est assez facile à faire. Assurez-vous simplement qu'il soit lisse en utilisant un pinceau doux et en suivant la forme du globe oculaire. C'est l'ombre qui le fait. Il faut qu'il fasse noir. Il faut juste qu'il soit là. Enfin, nous ajoutons les reflets qui feront éclater la glace. J'ai commencé avec une lumière captée par la lumière directe qui frappe le globe oculaire. Dans des circonstances normales, cela se fait toujours du haut vers le bas et cela permet une belle touche de couleur dans l'iris. Pour cela, j'opte pour un pinceau doux afin de ne pas altérer la texture du globe oculaire. Réglez le mode pinceau sur Linear Dodge, Add. Ce mode pinceau éclaircira la couleur que vous utilisez à chaque trait, en offrant des couleurs très vives. Si vous dessinez suffisamment de couches les unes sur les autres, le centre deviendra blanc, tandis que la zone environnante sera de couleur très vive. nous n'irons pas aussi loin, mais nous augmentons l' intensité au fur et à mesure. La mise en valeur du haut du globe oculaire est un peu différente. s'agit généralement pas d'une lumière directe. Dans ce cas, il est fort probable que certaines fenêtres soient surfaces réfléchissantes qui brillent dans les yeux. Cela signifie qu'il pourrait y avoir une certaine texturation. Comme vous pouvez le voir, ça a l'air parfaitement bien. Non, il semblerait que la Bible ait une texture. C'est parce que nous connaissons bien la lumière indirecte qui frappe l'œil. Nous savons qu'un globe oculaire est rond et lisse, mais nous savons également par expérience que la lumière réfléchie sur le dessus du I peut sembler texturée. Nous n'y pensons peut-être pas tant que nous ne l'avons pas dessiné, mais nous en sommes conscients inconsciemment. Et vous, en tant qu'artiste, conscient de telles choses. Beaucoup de puissance. 12. Texturer la fourrure: Amusons-nous un peu et assemblons les pièces. Nous n'avons toujours pas travaillé sur un autre. Pour commencer, travaillons sur l'incroyable texture qui entoure le visage de ce mandrill. fait tout mon possible pour créer des pinceaux personnalisés, afin que vous puissiez l'appliquer un peu plus facilement de la même manière que dans cette vidéo. J'utilise ces mêmes pinceaux. Vous me voyez jouer avec instructions du pinceau, mais ne vous inquiétez pas, j'ai retiré le pinceau par la suite pour qu'il fonctionne dans n'importe quelle direction pour vous. Nous travaillions avec des couches auparavant, mais nous allons maintenant travailler avec deux couches même temps avec deux paramètres très différents. L'un est multiplié et l' autre sera linéaire. Dodge Add. Nous utilisions auparavant les deux styles de couches. Nous allons maintenant les utiliser en même temps. Donc, pour rafraîchir votre mémoire, multipliez les assombrissements, mais seulement légèrement en fonction du contraste de la couleur sous-jacente. Linear Dodge Ed, et il est léger, également un favori en termes de contraste sous-jacent. Les deux peuvent être accumulés autant que vous le souhaitez, ils doivent donc être utilisés avec prudence. Son pas en S contient beaucoup de texture. J'ai réglé l'opacité à environ 40 à 50 % et le lissage à environ 50 %. Cela utilisera le LTL en prenant quatre pinceaux. De cette façon, je peux prendre le temps d'accumuler les couches et de ne pas en faire trop tout de suite. J'ai commencé par une couche multicouche avec une couleur moyenne foncée. J'ai choisi parmi la pièce elle-même. Je mange de la texturation directionnelle. Et je le fais avec parcimonie. Je peux toujours revenir et en faire plus parce que nous avons déjà travaillé sur notre ombrage et notre éclairage. Nous n'avons pas à nous inquiéter de la quantité nécessaire pour utiliser ce pinceau dans lequel les taches ne faisaient que créer une texture. Nous ne travaillons pas sur l'ombrage ou quoi que ce soit d'autre. C'est l'avantage de travailler étape par étape, comme nous le faisons depuis le début. Il suffit de penser à une chose à la fois et parfois revenir un peu en arrière pour tout équilibrer. Nous n'avons pas à travailler sur une tâche énorme comportant de nombreuses variables pour arriver à un résultat final. Avec une Dodge Add Layer linéaire. Nous faisons de même. Nous ne voulons pas non plus que les lumières s' accumulent trop. J'utilise la même couleur qu'avant avec une couche multiple et j'augmente lentement la texture. Au début, on voit à peine un effet. Mais au fur et à mesure que vous répétez les traits, la texture commence à apparaître lentement. Nous utilisons spécifiquement cette couleur car ce sont les bonnes couleurs pour pénétrer dans la zone d'ombre sans crier l'interface. Comme notre couche Multiply déjà Lindsey à cette couleur spécifique, elle s'intègre parfaitement car ce style de couche crée de la lumière, mais uniquement lorsqu'il couvre la même zone plusieurs fois. Cela ajoute bien à la nature chatoyante de cette texture, créant beaucoup de profondeur et de variété. Quand j'ai terminé avec un calque, vous me voyez revenir à la couche de multiplication et régler l'opacité à 70 % ou plus. Je fais cela pour ajouter de la texture à la pièce en tant que couche sous-jacente recouverte par la couche d'esquive linéaire. Parfois, il faut être un peu plus robuste pour le faire pénétrer, comme dans ce cas. Enfin, vous me voyez revenir à la Linear Dodge Add Layer, mais cette fois avec une couleur légèrement plus claire juste pour mettre en valeur la partie supérieure du visage. Cela permet également de faire ressortir un peu plus la texture dans cette zone. Et comme mentionné précédemment, dans les zones claires, penchées vers les tons moyens, les textures seront plus visibles. Les vaches aussi pour cette peur. Maintenant, ça devient un peu compliqué. Cela revient à trouver un bon équilibre. Vous me voyez passer d'une couche à l' autre allers-retours entre la couche linéaire et la couche multiple. Mais ils dessinent également toute nouvelle couche par-dessus. Je fais cela pour éviter les propriétés typiques de la couche d'esquive linéaire dans la couche de multiplication. De cette façon, je peux atténuer un peu la texture où je veux ou l'augmenter un peu. C'est environ la moitié du temps que j' utilise des pinceaux doux pour cela. Mais parfois, je relis les couches d' effets et je travaille avec un tic-tac, bien sûr. Pinceau. Encore une fois. Je fais de même avec un cheveu pétillant autour du cou. Nous utilisons le X6, comme pour le tic-tac, mais comme les motifs et l'éclairage sont un peu moins distincts, nous sommes prêts à ajouter rapidement un peu de Harris dans la couche multijoueur et à faire même avec le couche d'esquive linéaire. C'est là qu'il examine l'ensemble. Je vérifie s'il y a trop ou trop peu de texture et si l'éclairage semble éteint, retravaille comme je le fais sur chaque visage. De cette façon, nous nous assurons que notre P reste équilibré. 13. Raffiner les textures: C'est là que vous commencez à comprendre pourquoi il est si important d'avoir une bonne idée de l' équilibre entre les œuvres d'art. Comme nous en avons discuté dans le chapitre, développer le souci de l' équilibre et du détail. Soudain, la face des champs de mandrill s' adoucit et je dois y retourner pour faire un peu de texturation. J'ajoute quelques nœuds d'éclairage supplémentaires uniquement sur le visage, mais aussi dans la racine des cheveux, là où la source lumineuse principale entre en contact. Et je dis « allez-y », j'utilise plusieurs pinceaux texturés différents. C'est également un bon exemple manière dont les œuvres d'art sont réellement construites. Les artistes n'arrivent pas toujours du premier coup. Nous continuons à faire des allers-retours, retravailler et à équilibrer les choses. J'aurais pu modifier la vidéo de telle sorte que ce ne soit pas une preuve. Mais je pense qu'il est important vous sachiez que cela prend du temps et que vous n'avez pas à tout faire correctement dès le départ. C'est tout à fait normal de revenir à une phase précédente et de la peaufiner. Cela ne fera que créer une meilleure pièce. 14. Dessiner les cheveux et les mousseurs: Prochaine étape, je ne suis pas la plus facile. Il n'y aura pas de pinceaux spécifiques pour vous aider ici. C'est pourquoi la texture de cette petite barbe est si rugueuse. Nous avons besoin de textures et sommets de profondeur et la base que nous avons fixée pour cela est un bon début. Comme vous pouvez le voir sur l'image de référence, la partie supérieure est plus claire que les autres. C'est ce que nous voulons dans notre deuxième couche de base, mais un peu plus que ce que nous voyons actuellement. Nous revenons donc à notre bonne vieille couche Multiply pour les ombres, ajoutons un peu plus de noirceur à la barbe à l'aide d'un pinceau doux et retournons directement dans la couche de cheveux longs pour ajouter quelques touches de texture. Nous ne voulons pas dessiner tous les cheveux, mais nous allons devoir ajouter beaucoup de profondeur. Nous suivons le cours du Harris. Nous allons donc dans l'image de référence, l'oiseau va un peu vers la droite, donc nous ferions de même. Ces tracés servent désormais de guide pour les couches suivantes. L'étape suivante consiste à dessiner avec un pinceau plus petit. Comme je l'ai déjà dit, nous ne voulons pas dessiner tous les cheveux, mais nous devons sous-entendre que nous le faisons. Et il n'y a pas de meilleur moyen que de le faire en jouant avec la taille des pinceaux. Au fur et à mesure que nous avançons, vous perdez un peu de notre profondeur. C'est bon, rien n'est permanent et tout peut être retravaillé. Vous vouliez que la couche de base transparaisse, mais il était impossible d'obtenir la bonne texture de cette façon. Nous obtenons une bonne forme et une bonne texture, mais la base des lièvres, où ils sortent de la peau, semble un peu salissante. L'image de référence nous montre également que la peau sous les cheveux est plus foncée que la peau au-dessus. Je reviens donc à la couche de base et je fais de mon mieux pour l'intégrer. Cela nécessite également une certaine gestion des texturations et des accès. Et des allers-retours entre la couche de texture et la couche pulmonaire Harris. Mais finalement, ça marche et je m'en tiens à une couche de cheveux longs. C'est là que nous voulons redonner de la profondeur au buret. Je verrouille la couche en cliquant sur la grille de Leila au-dessus couches vers la droite et je choisis une couleur plus foncée. La brosse douce n'affectera alors que la couche recouverte de poils longs et rien autour. En attendant, de temps en temps, sur certaines mèches de cheveux où de grandes lacunes apparaissent. Maintenant, je reviens à l'ombrage et à l'éclairage. C'est également l'occasion de creuser plus en profondeur et sculpter la barbe en utilisant de grands et petits coups de pinceau. N'oubliez pas de verrouiller vous-même le calque lorsque vous ajoutez des coups de pinceau, car vous ne pourrez pas dessiner sur les barres du calque qui n'ont pas été dessinées auparavant simplement parce que ce calque est verrouillé. N'oubliez donc pas de l'activer. Comme mentionné précédemment, la partie supérieure de la barbe est nettement plus claire. Nous revenons donc au verrouillage de la couche et utilisons un pinceau doux pour ajouter la couleur claire. La barbe n'est pas la texture dont nous avons besoin. Le Linear Dodge Ajoutez une couche pour cela. Nous utilisons donc le mode normal , puis nous commençons à ajouter plus de textures avec une couleur claire pour créer plus de texture et de profondeur. Si vous avez envie, vous pouvez utiliser un pinceau plus doux ou jouer avec Opacity et Flow pour des coups de pinceau plus doux. Tu me vois faire les deux. La seule logique qui le sous-tend est que cela donne une légère différence de texture. Après avoir retravaillé un peu plus la base de la barbe, j'y retourne tout de suite, mais cette fois pour créer des mèches et des poils lâches. Pour rendre la barbe un peu plus espiègle et négligée. Cela ressemble peut-être à Lord, mais c'est toujours un singe. Je finis par utiliser un pinceau très fin qui représente des poils simples. J'ai suivi le même processus avec une coiffure sur le site. Ces poils ne sont qu'un peu plus courts. Une fois que j'ai obtenu la texture et l'épaisseur souhaitées, je commence à dessiner Harris plus vers l' avant J'active à nouveau l'outil miroir pour créer un équilibre agréable. Commençons à ajouter spirituellement Harris célibataire jusqu'à ce que je sois satisfait. Et bien sûr, pas d' outil miroir avec un vieux Mamluk Enter chic. Je fais une petite pause avec l'outil miroir. Et après avoir supprimé cette ligne verticale gênante, je fais une petite pause dans l'outil miroir et ajoute un Harris au hasard pour briser la symétrie du lit, après quoi je le réactive immédiatement. Fais les moustaches. Parce que les moustaches sont très visibles. Mais je dois quand même être le point focal. J'ai décidé d'utiliser un pinceau doux pour les moustaches. Les moustaches n'écrivent donc pas vraiment sur vos yeux, ce sont des arêtes vives . Je désactive à nouveau l'outil miroir et crée une subtile asymétrie. J'enlève quelques trous et une surcharge de cheveux ici et là pour rééquilibrer une pièce. 15. Raffiner l'œuvre: La dernière étape consiste à le peaufiner. Cela commence par ajouter de la brillance à la base des moustaches à l'aide d'un pinceau doux et d'une mèche pour les superposer. C'est en partie un choix de style. J'aime beaucoup les contrastes, à la fois dans la lumière et l'obscurité et dans l'intensité des couleurs. Cela fait partie intégrante de mon style personnel. Et ce visage permet de personnaliser et de retravailler un ou deux éléments pour équilibrer l'œuvre d'art. Encore une fois, Linear Dodge Add peut vraiment être un ami pour vous à cet égard. Si vous l'utilisez autour de zones très claires, cela rendra ces zones encore plus blanches. Si vous l'utilisez autour de couleurs moyennement claires comme les couleurs de base, cela le rendra non seulement légèrement plus clair, mais cela fera également ressortir les couleurs un peu plus. Comme cette pièce dépend beaucoup de la couleur, c'est un excellent outil à utiliser avec la même couche. Je atténue le contraste là où je pense qu'ils sont meilleurs de cette façon. Et j'ajoute soudainement plus de textures autour des sourcils et des yeux. Entre les deux, vous me voyez faire une retouche rapide sur la barbe dans la couche de cheveux longs avec une Dodge linéaire en mode brosse. Je le fais parce que j'en avais besoin pour créer une esquive un peu plus linéaire, ajouter des couches sous la couche de cheveux longs. Ce mode pinceau a été mon petit sauveur pour les retouches de rappel. Juste après cela, vous pouvez parfaitement voir comment Linear Dodge Add peut augmenter l'éclat des couleurs de l'œuvre d'art. Juste pour vérifier si quelque chose ne va pas. Je sors la photo originale. Comme vous pouvez le constater, ils sont très semblables , mais pas exactement. C'est parfaitement bien dans un studio comme celui-ci. Cela m'a également fait remarquer qu'en utilisant le Linear Dodge Tool, j'étais allé un peu trop loin avec les parties inférieures du bleu. Il y a maintenant deux lampes. Je corrige cela et fais une pause de moins pour l'ensemble de l'article. J'ai corrigé quelques problèmes mineurs, comme l'absence de texture autour du cou, l' ajout de moustaches et l'ajout d'un peu d' ombre à la barbe pour ajouter de la profondeur. 16. Signer votre œuvre: Enfin, il est temps de signer votre œuvre d'art. Enveloppez votre signature ou signez à la main, l'un ou l'autre suffira simplement pour vous assurer faire avant de la partager avec le monde entier. Les gens devraient savoir qui a créé cette pièce. Et il sera également un peu plus difficile pour les autres de faire une réclamation. C'était leur travail. Tu as travaillé dur pour y parvenir. Donc, vous et vous seul devriez en obtenir le mérite. Lorsque vous utilisez des images provenant d'une source, par exemple sur Splash, vous pouvez y obtenir des images gratuites. Je recommande toujours de vous référer à la photo car, dans ce cas, l' image a été achetée, donc tout va bien. La photo nous a été payée et c'est fait. Si vous utilisez des images gratuites, il est juste de mentionner la photo ou simplement en guise de remerciement pour leurs efforts et vous permettre de l' utiliser comme vous le faites. Et assurez-vous toujours que lorsque vous préparez une image pour l'affichage en ligne, il s'agit d'une petite image ne dépassant pas, disons, 150 ppp. Je dis cela parce qu' il sera beaucoup plus difficile pour les autres artistes ou pour les prétendants de voler votre œuvre ou de la faire plus difficile pour les autres artistes ou pour prétendants de voler votre œuvre imprimer parce que Prince a besoin de 300 DPI. N'oubliez donc pas de le faire pour ne pas vous contenter de donner une œuvre d'art sur laquelle vous avez travaillé pendant des heures. 17. Récap: Alors félicitations, vous venez terminer le cours sur la façon de dessiner un minéral à partir d'une référence. Tu devrais être fière de toi. Il s'agissait d'un cours approfondi, il y a donc de nombreux aspects à garder à l'esprit. Continuez à faire des étudiants comme ça et vous ne ferez que vous améliorer. Et bien sûr, n'hésitez pas à utiliser le cours comme guide pour dessiner d'autres images. Dans ce cours, vous apprendrez à maîtriser différentes techniques pour obtenir les premières prises le plus précisément possible. Voici Canvas, comment utiliser les lignes d'une grille et l'outil de symétrie, ombrage et l'éclairage, les textures, la création de profondeur. Utilisation de différents calques et styles de calques. Dessiner différents types de peur et de cheveux avec et sans l'aide de pinceaux spécifiques. J'espère que vous avez apprécié ce cours et que vous vous joindrez à moi pour en faire plus à un autre moment. Merci beaucoup pour votre temps et vos efforts et n' oubliez pas de partager le résultat final avec nous afin que nous puissions vous donner votre avis. Passez une bonne journée, continuez à dessiner et prenez soin de vous.