Découvrir la cinématographie indépendante en réalisant un court métrage

1. Remaster Trailer MR4kv24k: Les films sont comme des rêves qui attendent de devenir réalité. Bonjour, je m'appelle Olaf Anderson. Je suis cinéaste avec plus de vingt ans d'expérience. J'ai réalisé des longs métrages et des documentaires que j'ai écrits, réalisés et produits Dans ce cours, je partagerai mes conseils, astuces et secrets avec vous. Plus je fais de films, plus j'accumule de l'expérience. Je n'ai rien à voir avec toute cette expérience et je veux vous la transmettre lorsque vous aurez une idée de film qui soit une forme de message. Le cinéma est un moyen de décoder ce message. Dans ce cours, vous apprendrez à écrire, à produire, à réaliser et à terminer un court métrage. Nous vous guiderons côte à côte de leçon en leçon à travers les étapes qui m'ont permis de réaliser plus 12 longs métrages que je vais vous apprendre, ou plutôt vous allez apprendre à réaliser apprendre à films en faisant votre propre film de manière indépendante Que vous soyez débutant ou que vous veniez de commencer à réaliser vos propres films. Ce cours vous permettra d'approfondir vos compétences en tant que narrateur visuel sera très facile de commencer ce cours, car nous allons simplement commencer par votre idée. Tout ce dont vous avez besoin pour ce cours, c'est d'un appareil photo ou même d'un téléphone, d'un objet sur lequel écrire et d'un ordinateur pour modifier votre matériel. Nous allons commencer par votre idée. Nous passons au dessin, à la scénarisation, à la réalisation, à la cinématographie, à la production, au montage et au coloriage réalisation, à la cinématographie, à la production, production, Je suis très heureuse de partager toute mon expérience avec vous et j'ai hâte voir quel genre de films vous voulez faire lors de la première leçon. 2. Projet de classe: Merci d'avoir rejoint ce cours. Dressons la liste des ressources, examinons certaines des restrictions et discutons de ce dont vous avez besoin spécifiquement pour commencer à faire votre propre film indépendant. Je vais donc vous tenir la main à chaque étape de ce cours jusqu'à ce que je finisse par lâcher prise. Désolé. Dans ce cours, vous réaliserez votre propre court métrage. La durée maximale que je recommande est faire un film de 1 minute à 3 minutes. Le plus important ici est de faire en sorte que cela soit faisable, que vous soyez capable de réaliser quelque chose Que vous êtes capable de terminer quelque chose d'un point A à un point B, de le faire court, de le contenir et de le concentrer. Nous voulons que vous puissiez terminer cette idée de cercle de production, d'écriture du scénario, de production et tout le reste de manière indépendante. Parce que l'intention ici est que lorsque vous en aurez fini avec les partitions et que vous aurez terminé un court métrage, vous puissiez vous débrouiller seul à l'avenir . Nous pensons au long terme. Le futur, le marathon, le oui. Chaque film, grand ou petit, est réalisé selon le même procédé. Nous allons imiter et apprendre ce processus en faisant exactement cela, en créant votre propre film de manière indépendante Nous serons soumis à une sorte de processus ADN pour tout projet que vous entreprendrez à l'avenir. Peu importe que vous soyez débutant ou vous ayez travaillé sur des projets de films par le passé. Ce cours approfondira votre compréhension et votre connaissance du processus afin de vous préparer aux projets futurs Voyons plus précisément ce dont vous avez besoin pour ce cours. Tu as besoin d'un appareil photo. Il peut s'agir de votre téléphone ou de tout ce que vous pouvez trouver . Il te faut un micro. Cela peut faire partie de la caméra, ou encore, tout ce que vous pouvez trouver, c'est la phrase clé du cinéma indépendant De quoi écrire avec ou sur. Ensuite, vous avez besoin d'un ordinateur et d'un logiciel de montage pour éditer votre film. Parlons un peu cadre de restriction pour ce cours. Nous parlons d'un court-métrage d'une à trois minutes. Restez aussi simple que possible, car l'essentiel est de terminer le cours. Vous pouvez donc faire la durée d'une à trois minutes soit aussi grande ou petite que vous le souhaitez. Le minimum requis pour suivre ce cours est de tenir un iphone et d'enregistrer un documentaire sur quelque chose qui vous intéresse. Ensuite, vous allez le modifier et le terminer. La deuxième version serait que vous ayez un iphone ou un appareil photo que vous empruntez à un ami. Vous créez une version un peu plus élaborée de votre film, peut-être avec deux acteurs , etc. Dans ce cas, peut-être dans la version 3, vous auriez un gros appareil photo que vous pourriez placer quelque part et sur lequel vous voudriez filmer quelque chose. Ce que vous pourriez considérer comme une grosse production, le plus important est de ne pas vous retrouver coincé dans le piège de l'écrasement. C'est-à-dire, ne vous laissez pas entraîner dans quelque chose qui n'est pas gérable. Alors que vous progressez dans le cours, n'hésitez pas à partager vos progrès au fur et à mesure. Plus nous partageons nos progrès, plus nous inspirons les autres. Tout comme nous, nous aimerions être inspirés. Commençons donc. Commençons par une étape très simple qui consiste à réfléchir à l'idée, au film que vous voulez faire dans ce cours. Et nous en parlerons dans la prochaine leçon. On se voit là-bas. 3. Votre idée: Bienvenue à votre première mission. Votre première mission est assez facile. J' ai hésité un peu là-bas. Il s'agit simplement de penser à une idée pour cette classe et d'écrire tout ce que vous savez à ce sujet. Il est important ici de l'étoffer un peu. Je ne suis pas un grand fan pour commencer ce cours avec quelque chose d'aussi abstrait et irrationnel qu'une idée, mais c'est bien sûr notre fondement. Lorsque vous aurez fait cela, dans les prochains chapitres, nous allons utiliser tous les outils passionnants pour essayer de structurer cette idée. Remue-méninges. Utilisez un outil de votre choix : un stylo, un tampon, un ordinateur, un tiroir, ou tout simplement fermer les yeux et utiliser votre imagination. Avant de le faire, parlons du concept de ce qu'est une idée. Une idée est un peu comme un arc-en-ciel. Le processus de réalisation d'un film est basé sur les mathématiques, gravité, les lois de la nature sur Terre. On peut mesurer. On peut même mesurer un arc-en-ciel. Un arc-en-ciel se pose dans certaines conditions météorologiques. Nous pouvons analyser et calculer pourquoi la lumière apparaît comme elle le fait. On peut expliquer scientifiquement un arc-en-ciel. Même si un arc-en-ciel est fait de chiffres, il a toujours la capacité de soulever le cœur. réalisation de films et toutes les techniques parapluies du cinéma, de l'écriture, du montage , etc., sont ces outils météorologiques que vous pouvez analyser. Nous n'avons pas besoin d'être timides envers nos idées. Ce sont les timides. Nous sommes les parents et nous devons apprendre à dire bonjour et à apprendre à les connaître. Qu' est-ce qu'ils essaient de dire ? Ils ont toujours un message, et c'est le trésor. Arrêtez-vous ici une seconde et écrivez tout ce que vous savez sur votre idée. 4. L'outil idée :: Conte de fées: Une excellente façon de penser à votre histoire ou de la tester, développer, est de le considérer comme un conte de fées. Commencez par utiliser l'expression « Il était une fois  » et voyez où cela vous mène. J' ai utilisé cet outil des millions de fois. Si vous ne pouvez pas expliquer votre histoire comme vous le feriez à un enfant, alors vous devez vraiment y jeter un second coup d'œil. 5. Décomposition et les 3 actes: Dans ce chapitre, nous allons briser un peu le processus cinématographique et parler d'une structure à trois actes. Décomposer un peu le processus cinématographique. Quelque chose se passe dans un endroit précis, quelqu'un est là pour l'enregistrer, cet enregistrement passe dans un logiciel de montage où vous tournez par plan, formez une scène et la collection de scènes est perçue comme un film. Cela peut sembler évident et peut-être même un peu naïf, mais nous devons vraiment décomposer toutes les sections du processus cinématographique pour le comprendre. Nous savons tous que tout est fait à partir d'un début, d'un milieu et d'une fin. Le temps est fait à partir d'un début, d'un milieu et d'une fin. Les humains pensent fondamentalement en temps d'un deux trois début, milieu, et fin. Vous avez réfléchi à votre idée, vous pourriez être un peu écrit. La phase suivante consiste à trouver un début clair, un milieu clair et une fin claire. Tout ce que nous faisons a trois actes, par exemple si vous allez au magasin, vous devez sortir de la maison, vous allez dans le magasin, dites bonjour au commis, vous sortez du magasin, le début, le milieu et la fin. Tout a trois actes et maintenant il est temps pour vous de placer votre idée dans cette structure. 6. Thème :: L'outil le plus important: Dans ce chapitre, nous allons parler du thème, qui est probablement l'outil le plus sous-estimé et aussi l'outil le plus compliqué que nous utilisons dans notre production. Thème est un effort à moins de l'explorer, de le rechercher, et d'essayer de le comprendre et par là, thème devient un outil fantastique. Thème vient toujours sous la forme d'une question, pourquoi cela arrive-t-il ? Pourquoi cela arrive-t-il ? Elle est liée à vos croyances dans la vie, vos valeurs dans la vie. Si vous trouvez un thème très personnel ou une question personnelle, alors vous vous assurez également que le film que vous faites, cela signifie que ce n'est pas seulement une autre séquence de film dans le monde, mais cela signifie quelque chose pour vous. Thème se rapporte au but et au sens, pourquoi nous sommes ici. Assurez-vous donc que le thème que vous découvrez est important pour vous. Un thème est le courant sous-jacent d'une histoire, est la question ou les questions en arrière-plan qui le suivront tout au long. Je pense parfois à un thème comme une chanson ou un souhait de ton cœur. Un exemple de thème est : quelles sont les conséquences de l'isolement ? Quelles sont vos conséquences personnelles d'être isolé ? Ensuite, cela peut commencer à se verser dans d'autres départements de votre film, comme la cinématographie. Ils commencent à tirer sur les deux angles. Les costumes, ce qui représente l'isolement, et ainsi de suite et ainsi de suite. Thème est vraiment comme la source de tout ce qui continue à vous donner des idées, des ressources et vous aide à comprendre comment exécuter votre film. Tu essayes de te décoder. Quel est votre message ? Quel est votre support d'histoire qui est précieux pour vous ? Si vous ne pensez pas à votre thème ou ne le contemplez pas un peu, alors vous pouvez facilement rester coincé dans ce que j'appelle un mode de ce qui se passe. Cela arrive, alors cela arrive. Thème vous aidera à réaliser pourquoi les choses se passent dans votre histoire ? Quel est le courant sous-jacent de l'action dans votre histoire ? L' un des plus grands gains en pensant à votre thème est que vous ne le comprenez pas toujours pleinement. Par là, je n'arrête jamais de le questionner ou d'y penser, ce que cela pourrait vraiment être, qui contribuera grandement au développement de votre histoire. 7. Faire une affiche pour votre film: Dans cette leçon, je vais partager avec vous l'un de mes outils préférés. L'outil d'affichage peut vous aider à trouver votre idée ou même à mieux comprendre votre idée à un niveau plus approfondi. Lorsque vous utilisez l'outil d'affichage, il est important d' utiliser vos mains. Cela invite votre corps à participer à la création votre film puisque votre esprit est déjà occupé à essayer de le comprendre. création avec l'outil d' affiche est facile, il vous suffit de dessiner une affiche. Nous allons commencer par cet outil qui fonctionne à plusieurs niveaux. Pour l'instant, il est important que vous le découvriez vous-même. Voici la question. À quoi pourrait ressembler l'affiche de votre idée ? Dès que je te le demande, tu imagines peut-être déjà ton affiche. Mais vous pourriez aussi dire que je ne sais pas à quoi ressemble mon affiche. Ou je ne sais pas dessiner, mais il suffit de le surmonter et de le dessiner. Dans cette leçon, votre tâche consiste à créer un plan de base de votre affiche. Si vous êtes toujours bloqué, utilisez uniquement ces quatre formes simples : une ligne, un carré, un cercle ou un triangle. Bientôt, votre affiche commencera à vous donner des idées. Vous découvrirez peut-être le genre que vous souhaitez créer. Vous découvrirez peut-être que le personnage principal nous tourne le dos. Sur l'affiche, vous pourriez voir des arbres, des rues. Peu importe ce que vous dessinez, ce sera une image de votre film se communiquera avec vous. Prenez un moment et commencez à dessiner. Il n'est pas nécessaire que ce soit sophistiqué. Quelques lignes suffiront. Si vous n'êtes toujours pas sûr, voici la bonne nouvelle. Vos mains savent ce que doit être l'affiche. En termes simples, votre tâche consiste à créer une version de base de votre affiche. Et si vous êtes toujours bloqué, utilisez ces quatre formes simples. Une ligne, un carré, un cercle ou un triangle. Après avoir dessiné l'affiche, regardez-la d'un œil neuf et remarquez le symbolisme de votre dessin. Regardez-le comme s'il s'agissait d'une peinture classique. Ne vous sous-estimez pas. Examinez ce qui est grand dans votre affiche, ce qui est petit, etc. Alors amusez-vous bien à dessiner votre affiche. 8. Genre :: Identifier votre genre: Dans ce chapitre, vous découvrirez la valeur du genre. Le genre est ce qui aide le public à identifier votre histoire, et il les aide à y sauter plus rapidement. Un exemple d'un genre sont le drame, thriller, l'horreur, la romance, même le documentaire est le genre. L' histoire des médias sociaux est un genre. Une réponse commune contre le genre est, pourquoi dois-je choisir un genre ? Ma réponse est que vous n'avez pas à le faire. Mais vous finirez toujours dans un ou deux genres, que vous le vouliez ou non. Il est préférable de le décider à l'avance. Genre est aussi un outil qui peut vous aider à raconter votre histoire. Imaginez une personne qui marche de chez elle vers sa voiture. Comment font-ils ça si c'est une comédie ? Voyez-vous les couleurs vives ? Voyez-vous qu'il y a des montures ? Que se passe-t-il si vous le changez en film d'horreur ? Soudain il y a la pluie. 9. Les grandes lignes: Dans ce chapitre, nous allons parler de votre plan et de certains des défis associés à l'écriture d'un plan, et nous allons également lancer plusieurs outils que vous pouvez utiliser lorsque vous travaillez à travers celui-ci. Parlons du contour. Ce n'est certainement pas ma chose préférée dans le monde, cependant, je sais combien cela va me coûter si je saute cette phase ou si j'essaie de me dépêcher à travers elle. Autrement dit, si j'essaie juste de commencer à écrire l'idée immédiatement, je sais que je vais manquer de vapeur assez rapidement. Cela vient de l'expérience. Juste la pensée ou la pensée de faire une liste à proximité de votre idée, peut tomber un peu comme une insulte à cette idée. Comment osez-vous me définir ? Une des joies de faire un film, travailler avec votre idée, c'est que nous aimons être surpris, surtout de nos propres idées. Pour cette raison, nous craignons souvent de faire une esquisse ou d'énumérer, éclater notre idée parce que nous avons peur de la démystifier. Cependant, cela est contradictoire par les œuvres. Plus vous énumérez votre film en détail, plus le niveau de votre surprise sera profond. Je pense parfois à un contour comme si je construisais un tunnel au fond de l'inconnu. Faire une forme de liste dans un plan est une façon d'écrire tout ce que vous savez sur l'idée, et quand vous le faites, elle se déplace hors du chemin pour que de nouveaux points arrivent. Lorsque vous écrivez des listes et que vous pensez au contour, faites le contour, c'est une forme de soulagement pour l'idée sur laquelle vous travaillez. Il y a plusieurs façons de garder à l'esprit avant de faire votre contour. chose la plus importante à garder à l'esprit lorsque vous le faites est de décider du niveau de profondeur en détail avant de commencer. Il peut être utile de commencer par un plan qui n'a que des en-têtes de chapitre. Ensuite, vous pouvez passer dans les puces, puis dans les paragraphes. C' est un excellent moyen de laisser l'approche détaillée pour plus tard. C' est d'une grande importance et je n'utilise pas ce mot à la légère. Il est d'une grande importance que vous n'utilisez qu'une seule méthode à la fois parce qu'une erreur courante est d'essayer de faire ou d'utiliser deux méthodes en même temps. Quand tu fais ça, tu anéantis ton approche. Même s'il y a une certaine valeur à être confus, je recommande de le tester. Cette méthode est souvent appelée la méthode flocon de neige, où vous construisez à partir d'un titre à une puce en un paragraphe. Tu le flocon de neige. Soyez conscient de la méthode que vous utilisez avant de l'utiliser. Même si nous parlons des grandes lignes de ce chapitre, il y a certaines façons supplémentaires que vous pouvez continuer à détailler votre plan. Des éléments comme le synopsis, le traitement, même la ligne de journal. Le plan est plus dans notre cas, dans le cas du cinéma Indie, le contour est plus un outil de travail. Si vous faites une demande pour un fonds cinématographique ou si vous cherchez du soutien, alors ce serait une bonne idée de faire synopsis et un traitement de la ligne de journal et de faire un petit document sur votre histoire. Cependant, à l'heure actuelle, nous ne faisons que suivre une forme approximative de votre plan jusqu'à ce que vous soyez heureux et jusqu'à ce que vous vous sentiez prêt à commencer le scénario. Je vais m'arrêter ici et faire ton plan. Je sais que c'est beaucoup à demander parce que le contour ne sera jamais parfait. Mais encore une fois, c'est du cinéma. On a toujours affaire à l'imperfection. Il est accompagné de la description du poste. Arrêtez-vous ici et faites votre plan avant de continuer. 10. L'outil des Grandes lignes :: Changement: Les changements sont évidemment ce qui fait l'histoire. Quelque chose est dans une certaine situation au début et ensuite il change. Les changements ont une forme de transformation en elle. Chaque fois que vous cochez votre script, pensez-y en termes de plus et de moins. C' est un peu comme l'électricité que vous avez moins, vous avez un plus. Par exemple, si nous avons un personnage qui a peur de perdre l'affection d'un être cher, ce sera un moins. Mais pour comprendre ce moins, nous aurions dû voir le plus. Nous devrions voir le personnage principal où il ou elle reçoit la gentillesse d'un être cher pour être en danger de le perdre. Les changements, et plus vous avez de clarté dans vos changements, introduisent une forme d'enjeux. Plus le moins et le plus clair, la configuration et le gain, plus les enjeux sont élevés. 11. L'outil des Grandes lignes :: Storyboard: Si jamais vous sentez bloqué avec votre idée, il y a quelques méthodes pour se détendre un peu. L' une des méthodes est de faire une forme de storyboard pour votre idée. Autrement dit, vous pouvez faire un gribouillage que vous seul comprenez, ce qui est très bien. Vous pouvez également prendre des choses et simplement les placer sur le sol et entrer littéralement dans votre histoire. Vous pouvez même accéder à d'autres emplacements que vous souhaitez mettre en forme ou à des emplacements similaires à cela. Prenez des photos et dessinez dans les photos ou les personnages. 12. Bonus :: Utiliser des mots clés: Dans cette section, je vais partager un outil que j'utilise qui peut vous aider à protéger le flux de créativité. Par exemple, lorsque vous écrivez si souvent, nous ne pensons pas dans l'ordre linéaire. On pense toujours au début, au milieu et à la fin. Tout en même temps. Avec cet outil, il peut vraiment vous aider à protéger le flux de l'imagination et de la créativité. La clé ici utilise des hashtags ou des mots-clés. Parfois, quand j'écris, j'utilise beaucoup de mots clés. Disons que je travaille sur une idée et que je ne veux pas aller linéaire, c' est-à-dire que je ne veux pas y aller, ça arrive, puis ça arrive. Ça dépend de l'humeur de ma journée. Parfois, j'utilise des mots-clés. Parfois, je pense juste à l'idée. Si je pense à mon personnage à la maison, alors je vais juste dire hashtag maison et ensuite j'écris tout ce qui me vient à l'esprit là-bas. Alors je pourrais penser à si la personne, disons, va en mer, elle a un bateau. Hypothétiquement, je ne suis pas sûr de quelle idée c'est, mais disons qu'ils ont un bateau et ensuite je dirai #boat, #sea, puis je continuerai et continuerai. Comme #car, #husband ou #wife ou quoi que ce soit, sauf chaque paragraphe que j'écris, je le hashtag. Quand j'ai terminé avec la session, je peux juste regarder les hashtags, puis réorganiser ensuite ce que j'écrivais. De cette façon. Je peux travailler avec la pensée très souvent numérique de l'esprit. Parce que très souvent l'esprit ne pense pas en linéaire. Même si quand on raconte une histoire, on veut qu'elle soit linéaire. Quand on raconte une histoire, tu veux y aller. Si cela alors ce genre d'équation mais l'esprit est très numérique. Il saute juste un peu. Les hashtags peuvent un peu de rapport vous-même. Désolé, les hashtags peuvent en quelque sorte un rapport avec cette non-linéarité de votre esprit. Alors essayez-le. 13. Scénario: Dans ce chapitre, nous allons commencer à préparer votre scénario. Nous allons le décomposer en plusieurs processus et l'analyser un peu avant de commencer. Écrire un scénario est comme n'importe quoi d'autre. Il s'agit de trois ou quatre, selon la façon dont cela fonctionne, des processus que vous finissez par combiner. Alors, allons tout décomposer. Ces processus sont, vous commencez par écrire le titre comme vous l'avez déjà fait. Après cela, vous pouvez aller au titre et ajouter quelques points de puces, après avoir fait les points de puces, vous pouvez faire encore plus de points de puces sur les points de puces. De là, vous pouvez commencer à analyser la structure de la scène, décider dans quel ordre il se produit, comment il commence, le milieu de celui-ci, la fin de celui-ci. Ensuite, vous devez le formuler dans un format de scénario. La scène d'un film a une structure réfléchissante de la version complète. Autrement dit, une scène a trois actes, un début, un milieu et une fin. Vous pouvez choisir si vous arrivez au milieu, au début ou à la fin. Vous pouvez même décider de montrer le début et le milieu et de partir avant la fin de la scène. Permettre au public de tirer ses propres conclusions sur ce qui s'est passé. Je tiens à souligner à nouveau combien il est important de décider du début de votre scène, du milieu de votre scène et de la fin de votre scène, peu importe où vous commencez réellement. Même si cela peut sembler très évident et facile, c'est précisément pourquoi il est tentant de l'ignorer. D' habitude, on veut juste entrer et écrire. Mais ignorer cet exercice comme je suis sûr que vous le découvrirez, c'est un peu comme venir avec un plan de jeu, quand le jeu est déjà commencé. 14. Format du scénario: En ce qui concerne le format du scénario, chaque fois que j'écris une scène pour la première fois, je l'écris proprement, je ne m'occupe pas des fautes d'orthographe ou même ne pense pas au format. J' écris juste à travers ça. Quand j'ai fait ça, je passe au mode scénario. Lorsque vous êtes en mode scénario, vous êtes un peu ingénieur parce que vous avez une structure, un intérieur, des personnages extérieurs avec des majuscules et ainsi de suite et ainsi de suite. Vous utilisez l'état d'esprit que vous utilisez lorsque vous écrivez le script ressemble plus à un architecte. Lorsque vous écrivez la matière première de votre idée, elle doit être loin de l'architecte. Lorsque vous écrivez une scène, vous commencez par dire au public ou au lecteur si elle se trouve à l'intérieur ou à l'extérieur, à l'intérieur ou à l'extérieur. Après cela, vous nommez l'emplacement, la maison, puis l'heure de la journée. Après cela, c'est vraiment à vous de décider comment vous continuez. Un exemple serait, disons, où nous sommes, nous donnons une description de quelque chose à l'intérieur de la maison, par exemple, et ensuite nous commençons à nous concentrer sur une personne. Ce n'est qu'un exemple. Une méthode que j'utilise souvent lorsque j'écris un scénario, c'est que je pense en termes de zoom avant ou de zoom arrière. Quand je démarre une scène, on pouvait voir la lumière venant d'une cuisine et ensuite zoomer. Nous voyons qui était dans la cuisine et ce qu'ils font et nous pouvons faire marche arrière. Je peux commencer dans la cuisine, quelqu'un fait du café, puis je retourne voir comment ils affectent l'environnement. Maintenant, je vais vous montrer quelques clips d'une websérie, avec des amis. Vous allez voir la scène au fur et à mesure qu'elle se joue et vous allez voir comment elle a été écrite en même temps. Le sujet est confirmé et signalé, précis intentionnellement. Il devrait être prêt pour la réception, code de l'unité 1322. Merci Kentuc E1571, effacer et confirmer. Ici, vous avez besoin de piles ? Non, je vais bien. Je peux voir ça ? Marcus et Moïse. Oui, à Brooklyn sur Pacific Street. C' est une situation de LBB, alors dépêche-toi. Merci de m'avoir confié cette mission importante. Arrête avec le sarcasme, allons-y. Où ? J' aimerais que vous vous arrêtiez ici un peu et que vous teniez d' écrire une version d'une scène de votre choix à partir de votre scénario, et commenciez par l'écrire en mode flux, puis que vous vous entraîniez à l'amener, une seule scène dans le scénario format. Utilisez l'intérieur/extérieur, les caractères majuscules et ainsi de suite et ainsi de suite. Amuse-toi bien. 15. Bonus :: Format du scénario II: Dans cette section, je vais vous offrir plus d'informations, plus de détails sur le format du scénario et son fonctionnement, juste pour que vous l'ayez dans votre boîte à outils. C' est un cours de crash en format scénario et nous allons le faire assez rapidement. Nous allons commencer par un en-tête de scène, quand et où se déroule la scène, puis nous allons entrer dans les personnages, comment nous les présentons ; ce qui est en majuscules, comment dire leur âge, comment est le dialogue formaté et structuré. Nous allons également parler des parenthèses fantaisistes que nous pouvons utiliser tout autour du scénario, des parenthèses et des descriptions, hors écran, du dialogue et de la voix off. Nous allons finir avec l'utilisation des transitions. Tout d'abord, commençons par l'en-tête de la scène. Dans l'en-tête de scène puis, nous indiquons au public si la scène est à l'intérieur ou à l'extérieur, INT ou EXT. Ensuite, nous disons le nom de l'endroit ; où se déroule la scène ? Ensuite, nous disons au public quelle heure de la journée c'est. Quand nous introduisons un personnage, nous disons leur nom. D' habitude, c'est à vous de décider. C' est un petit problème de style. C' est agréable de mettre leur nom dans toutes les majuscules au début, puis leur âge entre parenthèses après. Comme vous le savez probablement, et nous verrons dans n'importe quel logiciel d'écriture de scénarios, est que les personnages sont automatiquement centrés au milieu avec le dialogue. Il est également bon de garder à l'esprit chaque ligne que vous écrivez. Il peut être très utile de le considérer comme un seul coup. Ici, nous pouvons voir comment un tir est une ligne ou un paragraphe. Voici la section action du scénario, où nous décrivons ce qui se passe dans la scène. Certaines des petites choses autour de la réalisation d'un scénario sont entre ces parenthèses astucieuses réparties autour du scénario. Parlons de certains d'entre eux. Juste après le nom du personnage, avant qu'ils ne parlent, nous pouvons mettre ce qu'on appelle la parenthèse, qui est un peu comme une réflexion ou une explication après coup. On peut mettre un ton de voix et des trucs comme ça. On doit juste l'utiliser avec parcimonie. Suivant dans cette section de support fantaisie est le 0.S. après le nom d'un personnage, qui est hors écran. Quand quelque chose est hors écran, cela se passe dans la scène. Par exemple, quelqu'un marche et quelqu'un d'autre, « Hé, viens ici ». C' est hors-écran parce qu'il est dans la scène, mais ils ne sont pas dans le cadre. Hors-écran peut également être utilisé comme, par exemple, il y a une scène qui a eu lieu il y a longtemps. On peut aussi écouter cette scène. Cela ne doit pas être confondu avec la voix off ou le V.O. C'est quelque chose que nous mettons là où le personnage parle au public, comme : « Je me souviendrai toujours, bla, bla, bla, bla ». Gardez à l'esprit de ne pas confondre ces deux-là. Hors-écran est une chose et la voix off en est une autre. Allons dans les transitions. Il est très pratique à mettre en Cut To. Vous êtes dans une scène, vous écrivez la scène, puis vous écrivez Cut To et ensuite vous êtes dans la scène suivante. C' est aussi un peu une chose de style. Vous pouvez choisir si vous allez l'utiliser ou non. 16. Scénario :: Expression physique: Comme vous le savez peut-être déjà, ou vous le soupçonnez probablement, expression physique est la monnaie la plus importante que vous avez. En termes d'écriture de scénarios, lorsque vous voulez transmettre des informations sur vos personnages. Un roman peut révéler la plupart des pensées intérieures d'un personnage. Dans un scénario, vous vouliez le cacher pour que le public puisse tirer ses propres conclusions. Par exemple, dans un roman, un personnage dirait qu'ils se sentent tristes. Dans un scénario, nous allons le mettre dans, vous l'avez deviné, l'expression physique. Le public veut faire partie des métamorphoses de regarder votre film, de le désuperposer avec vous, parce que nous savons tous ce que c'est quand nous donnons tout à travers l'exposition. Rappelez-vous l'expression physique, dépeignant les choses visuellement en termes de la façon dont les gens se tiennent, comment ils marchent, le ton et la voix, etc. C' est l'un des plus grands atouts que vous possédez. 17. Scénario :: Écrire une démo: Pour vous montrer un peu plus haut en travaillant pour vous de pratiquer ce format de script. J' ai pensé à un film et à une scène dans le film et la scène que nous allons traverser concerne une petite fille qui a un monstre sous son lit et ses parents ne la croient pas. Alors passons à travers ça lentement. Avant d'écrire la scène, je vais écrire quelques points de balle. D' abord, je pense au thème. Qu' est-ce qu'un monstre sous un lit ? C' est la peur et qu'est-ce que la peur, est-ce quelque chose que nous avons peur de faire face ? Donc, à partir du thème, peut-être qu'il y a un miroir dans la pièce et la petite fille se regarde dans le miroir, et il y a en arrière-plan, nous voyons le lit, et nous voyons un peu d'obscurité et peut-être venir de scène, parce que nous parlons de la peur et ne pas faire face à elle. Elle peut avoir les yeux fermés, ouverts, fermés, quelque chose comme ça, et peut-être quand elle ferme les yeux, sa peur peut grandir. Donc, quand je commence la scène, je commence par l'endroit, l'heure du jour ou de la nuit, dans ce cas, le personnage principal et son âge, et à partir de ce point, je vais juste aller j' ignore les fautes d'orthographe et Une sorte de mouche avec elle. Donc, quand j'écris la scène, je suis un peu exprès, et cela a pris des années de pratique, vous devez vraiment vous concentrer pour ignorer les fautes d'orthographe. C' est un grand, c'est une sorte de penser à l'orthographe vraiment peut vous sortir de lui. Donc, il va juste avec et après que vous l'avez fait, je recommande d'attendre à l'ici aussi, le revisiter et ensuite de le polir. 18. Bonus : : Histoire d'exposition: Dans cette leçon, nous allons parler du niveau d'exposition. Dans quelle mesure souhaitez-vous que votre public sache à propos de votre film ? Et combien devez-vous cacher pour qu' ils restent curieux tout au long du visionnage de votre film ? C'est toujours un peu délicat. Passons donc à la leçon. Dans cette leçon, je vais réfléchir à l'équilibre de l'exposition lorsque vous écrivez votre scénario. écrivant un scénario, nous nous demandons toujours quelle quantité d'informations le public a besoin de connaître pour être intrigué De quelle quantité d'exposition expliquant l'intrigue le public a-t-il besoin pour être curieux de découvrir ce film et comprendre l'histoire ? Nous ne voulons pas avoir trop ou pas assez d'informations. Oui, c'est aussi déroutant que cela en a l'air. Sidenote pour trouver l'équilibre entre la quantité d' exposition ou d' informations dont le public a besoin. D'après mon expérience, le meilleur moyen est d'écouter votre instinct. Et B, demande à quelqu'un de lire le scénario pour voir ce qu'il obtiendra et ce qu'il n'obtiendra pas, même une fois mon film terminé. Pour trouver l'équilibre parfait entre information et exposition, je projette mon film à plusieurs reprises un petit public et j' écoute leurs commentaires. La question qui vous convient est la combien aimeriez-vous cacher ? Et qu' aimeriez-vous que le public sache ? Si vous le souhaitez, vous pouvez également décider de faire votre film pour que personne ne l' obtienne. C'est très bien Tant que vous explorez quelque chose qui vous intéresse, montant que nous expliquons dépend également de la structure financière de votre film. Si vous avez des financiers, vous devrez peut-être avaler une certaine fierté artistique. Continuons et revenons à la question fondamentale. De quelle quantité d'informations le public a-t-il besoin pour comprendre l'histoire ou s' y intéresser ? Cette question devrait vous hanter tout au long du processus d'écriture car elle vous met au défi et, en fin de compte, vous apprend à vous expliquer J'aime que les choses soient très claires lors de mon premier cycle d'écriture. Au deuxième tour, j' utilise la métaphore de la face cachée de la lune parce qu' au second tour je commence à masquer une clarté sélective Ce n'est pas aussi robotique que cela en air, car j' écris souvent quelque chose que je ne comprends pas au début, puis je fais l'inverse et j' apporte de la clarté, comme d'habitude, il n'y a pas de bien ou de mal ici. Mais le but de ces mots est de vous aider à prendre davantage conscience de l'importance de jouer avec l'équilibre de l'exposition. La métaphore de la face cachée de la lune. Jouer avec cet équilibre est un outil formidable. Nous voulons suffisamment de clarté, ponctuée de ténèbres. L'objectif est d'inviter le public à se pencher en avant pour essayer de jeter un coup d'œil derrière la lune, curieux de voir ce qui se cache dans l'obscurité 19. Bonus : : Dialogue d'exposition: Dans cette leçon, nous allons parler de la même chose dont nous avons parlé dans la leçon précédente, le niveau d'exposition. Que doit savoir le public pour comprendre le cœur de l'histoire ? Combien peux-tu cacher ? Ou de combien de temps avez-vous besoin pour masquer les dialogues et les personnages ? Dans le cadre de la même mission, le public doit avoir envie de jeter un coup d'œil aux personnages et de voir ce qu'ils contiennent. Nous ne voulons pas tout dévoiler et nous voulons dissimuler quelque chose Dans cette leçon, nous allons discuter de l'équilibre de l'exposition lorsque vous écrivez dialogues dans votre scénario. L'objectif principal de l'écriture d' un dialogue est de le rendre naturel et authentique. Si vous trouvez que le dialogue semble forcé ou gênant sur la page, un conseil utile est de le mettre en pratique. Un acteur talentueux peut souvent donner vie à un dialogue même difficile, rendant beaucoup plus naturel qu'il n'y paraît par écrit. La question clé à se poser lors de la rédaction d'un dialogue est la suivante : est-ce clair ? La clarté ne signifie pas nécessairement une divulgation ou une exposition complète. Dans la vraie vie, les gens n'expriment souvent pas explicitement leurs pensées ou leurs sentiments. Au lieu de cela, ils les cachent. Par conséquent, vous pourriez vous demander s'il est évident que les personnages cachent ce qu'ils pensent réellement ? Et tes intentions sont-elles claires ? En tant qu'écrivain, l'une des méthodes que j'utilise consiste à écrire le dialogue avec une exposition presque stupide et évidente, expliquant pleinement la scène dans le dialogue Ensuite, je commence à cacher l'exposition. Ce faisant, je précise quelles sont les intentions des personnages afin que je puisse les cacher. C'est presque comme peindre un mur. Au lieu de le rendre parfait la première fois, je fais cette superposition pour le premier tour, puis j'ajoute la deuxième couche pour masquer la première Ainsi, le public commence à jouer au chat et à la souris avec les personnages. Qu'y a-t-il dans la couche qui sous-tend la conversation ? Exemple, dialogue. Supposons qu'un personnage soit soupçonné d'avoir commis un crime, qu'un policier l'interroge. Exemple, une couche mal exposée. Officier, où étiez-vous sur le dixième suspect ? J'étais chez ma sœur. Elle peut le confirmer, mais elle ment et me couvre. C'était ma première série d'expositions évidentes. Maintenant, au deuxième tour, je commence à le cacher. Exemple B, couche deux. Sans exposition, le personnage cache ce à quoi il pense. Où étiez-vous lors du dixième épisode ? Il fait froid ici. Je peux avoir quelque chose à boire ? Dans ce deuxième exemple, j'évite de répondre à la question, mais le suspect laisse entendre qu'il a froid qu' il est sensible à la chaleur. Ils demandent s'ils peuvent se procurer quelque chose à boire. essaient de poser une question contre une autre, laissant entendre qu'ils ont vraiment soif ou qu'ils font tactique et qu'ils essaient de distraire 20. Bonus : : Développement des personnages: Dans cette leçon, je vais me lancer dans une discussion sur le développement des personnages. Lorsque nous écrivons une histoire et que nous ne savons pas quoi faire ensuite ou comment approfondir l'histoire, il est agréable de distinguer certains éléments de l'histoire. L'une des choses les plus évidentes que nous oublions parfois de regarder est en fait les personnages eux-mêmes. Oui, par exemple, si j'ai écrit une histoire et que je m'y tiens, je regarde beaucoup de choses, comme le thème, l'affiche. Qu'est-ce qu'une métaphore ? La, la, la. Mais je me lance aussi dans le personnage. Je me mets à leur place. Dans cet exemple ou cette leçon, un peu plus tard, je vais me faire passer pour mon grand-père qui développe un personnage de film. Lorsque nous écrivons une histoire et que nous avons l'impression qu'elle n'est pas tout à fait complète, une bonne approche pour enrichir l'histoire consiste à examiner ses éléments. Cela peut impliquer de réfléchir au thème, au message, etc. Mais une autre méthode consiste à se concentrer sur le développement du personnage. Comprendre vos personnages peut améliorer votre film car cela vous permet de le voir de leur point de vue Nous oublions souvent que nous regardons les films principalement pour les personnages, et pas seulement pour l'intrigue. Quel est le dernier film exceptionnel que vous avez vu ? Peut-être qu'une question plus révélatrice serait quel est le dernier personnage mémorable que vous avez rencontré dans un film ? Si vous travaillez sur un personnage de film, voici quelques techniques pour mieux comprendre son personnage Mettez-vous dans la peau de votre personnage en imaginant simplement que vous êtes lui. Avant de faire cela, je recommande de mener autant de recherches que possible. Quels événements majeurs et mineurs de la vie connaissez-vous à leur sujet ? Dans l'exemple suivant, je me suis mise à place de mon grand-père et j'ai imaginé à quoi auraient pu ressembler certains moments de sa vie au cours d'une journée d'hiver fortuite dans les années 1950. Une fois que vous vous êtes mis à la place de votre personnage, notez ce que vous avez observé. Veuillez noter qu'il y a une grande différence entre réfléchir à cet exercice et simplement noter ce qui vous vient à l'esprit. Ne confondez pas pensée et visualisation. Pour cet exercice, j'ai donc décidé d'imaginer une journée dans la vie de mon grand-père. Il venait d'une communauté agricole de la côte ouest de l'Islande où j'ai grandi. Et je voulais étudier son caractère et aussi me rappeler d'où je viens. J'ai donc demandé à ma mère de me donner un aperçu de sa vie, à son père. Et elle m'a parlé d'une journée, une journée d'hiver dans les années 1950. Et sa description m' a aidée à le réimaginer. Afin de mieux comprendre le caractère de mon grand-père, je me suis imaginée en train caractère de mon grand-père, je me suis imaginée en de descendre lentement vers la ferme où vivaient mon grand-père et ma grand-mère Dans un climat froid à l'époque en Islande. Je me suis installé un jour, j'ai imaginé que je me rendrais chez eux ou dans une ferme. Et quand j'étais à l'intérieur de la maison, j'ai senti une odeur qui me rappelait mon enfance. Lorsque j'étais dans toutes ces fermes, il y avait une odeur de vieux cuir sale et aussi un soupçon de soufre provenant de leurs appareils de chauffage en feu me suis donc mise sur les traces du personnage de mon grand-père, j'ai inhalé la descente et j'ai regardé par la fenêtre Comme mon grand-père était prêtre, j'ai vu une église Je dirais à environ 100 mètres de la maison. Je me suis mise à la place de mon grand-père, et je m'imagine être lui. Je me suis habillée de vêtements chauds en laine et je suis sortie de la maison crépuscule de l'après-midi J'ai senti mes doigts froids sous les gants, puis j'ai déneigé le chemin que je devais emprunter pour me rendre à l'entrée de l'église. Après avoir dégagé le chemin, j'ai eu faim. Je suis rentré à la maison pour trouver quelque chose à manger. J'ai écouté une vieille horloge dans la maison et le son des autres personnes qui parlaient à l'intérieur des pièces. J'ai mangé les restes d'une tête de mouton. C'était assez courant à l' époque, et je buvais du café noir avec une trop grande quantité de sucre en regardant à nouveau par la fenêtre, cette fois non pas vers l'église, mais vers la ferme , où le bétail était en plein essor. suis retourné dehors et j' entends le bruit de la neige dure se briser sous mes pieds. Puis, ce soir, j'ai vu ma vieille voiture Jeep ensevelie sous la neige. J'ai pensé qu' il faudrait que je l'arrache plus tard et que je le réchauffe Mais je doute que je puisse vraiment aller où que ce soit, car il y avait de fortes chutes de neige partout sur le chemin de la ferme. J'ai plissé les yeux Pendant la dure transition au crépuscule, cela m'a fait penser à ceux qui s'étaient risqués à revendiquer le pôle Nord Maintenant, je suis juste dans le même état d'esprit que mon grand-père. Lorsque j'étais dans la ferme travailler avec le bétail et à préparer les repas, j'écoutais les moutons et vaches et je les entendais mâcher et respirer en même temps Puis j'ai remarqué qu'un chien fidèle me suivait tout le temps, ses yeux me serrant dans ses bras chaque fois que je me sentais seule. Je pensais que j'aurais mal au dos à cause de la tension constante liée au transport du fumier et de la nourriture du bar à la maison principale. Je devrais peut-être aussi préparer un cheval et m'installer à l' église si un membre de la communauté mourait ou voulait se marier. Après avoir imaginé cette journée, j'en sais donc plus sur mon grand-père parce que je me suis mise à sa place Sur le plan personnel, j' apprécie la résilience de mon grand-père et j'ai également appris à quel point j' admirais ce qu'il a fait pour la communauté, la communauté dans laquelle j'ai grandi. Il s'agissait donc d'une petite étude de personnage, dans laquelle vous vous mettiez dans la peau du personnage. Et je voulais juste rendre visite à mon grand-père. Et je vous encourage à faire votre propre étude selon vos propres termes pour votre film. 21. Créer une proposition de film pour les financiers: Dans cette leçon, je veux vous expliquer rapidement comment faire une proposition de film ou un document d'information pour votre film. Si vous réalisez un court métrage, documentaire ou autre, si vous souhaitez obtenir un financement, il est bon de créer ce document. Veuillez noter qu'il ne s' agit que d'un bref aperçu des éléments de base dont vous avez besoin pour créer un document d'information afin que vous puissiez, espérons-le, obtenir un financement. Mais à la fin de cette leçon, je vais vous expliquer comment vous pouvez recevoir un exemple de 34 pages que j'ai créé spécialement pour vous. J'adore partager des ressources. Dans cette leçon, je vais expliquer comment présenter votre film aux investisseurs en créant un document d'information sur votre projet. Ce document peut être présenté à des financiers potentiels, à sympathisants et à des fonds cinématographiques. À la fin de cette vidéo, vous trouverez des informations sur la façon de télécharger un exemple de 34 pages de document d'information sur un film que vous pouvez utiliser pour faire une proposition de film pour votre projet. En rédigeant ce document, l'objectif est de transmettre rapidement le concept de votre film au lecteur Pensez-y comme une invitation à entrer dans l'univers de votre film. Passons à un guide rapide sur la création d'un document d'information pour votre film. Ce document porte de nombreux noms. C'est ce qu'on appelle parfois une proposition de film, un film, un dossier ou un document d'ambiance. La création de ce document vous permet non seulement de présenter votre film de manière efficace, mais également d' approfondir votre histoire et de mieux la comprendre Voici les six étapes cruciales que vous devrez inclure pour créer un document d'information pour votre film. Un résumé, une phrase, un résumé de l'intrigue de votre film. Deuxièmement, un synopsis, un aperçu concis de l'histoire, des personnages et des thèmes de votre film . Trois, un traitement. Un compte rendu plus détaillé de votre film, y compris l'évolution des personnages, les rebondissements et les scènes clés Quatrièmement, la déclaration de l'auteur, votre vision du film et votre point de vue unique en tant que cinéaste. Cinq, une déclaration visuelle, une description de l' esthétique de votre film, y compris l'éclairage, cinématographie et la conception de production Sixièmement, aperçu de l'audience et du marketing du public cible de votre film et de votre stratégie promotionnelle Une fois que vous avez inclus ces six éléments dans votre document d'information, vous êtes prêt. Je vous encourage également à ajouter votre touche personnelle. Incluez des images qui reflètent l'ambiance et l'essence du film. Pour démarrer votre processus et vous donner des informations plus détaillées Vous trouverez un lien vers un exemple PDF de document d'information ou proposition de film dans les ressources pédagogiques. 22. Production: Vous avez terminé votre script, maintenant il est temps de le décomposer et de se préparer à la production. Une grande analogie que j'ai entendue sur la production, c'est un peu comme le camping. Vous voulez être en mesure de prévoir tout ce qui peut arriver et vous assurer que vous avez tout le monde à bord et tous les articles nécessaires pour le camping en famille heureuse ou en solo. Dans le langage de bébé, la production est essentiellement une chose faire des listes et faire des appels liés à ces listes. Parce que nous faisons un petit projet dans cette classe, je ne vais pas énumérer les feuilles de calcul détaillées ou quelque chose comme ça, parce que nous gardons les choses simples. Nous nous concentrons seulement sur la réalisation de ce petit projet, un projet gérable de a à b et le terminer. À ce stade, je vous recommande de faire vos listes à l'envers. Regardez votre script et travaillez en arrière à partir de cela. Si c'est sur la page, alors vous devez l'organiser et organiser pour cela. S' il y a un lieu spécifique, un acteur spécifique, il n'y a pas de formule magique, d'appel magique ou de liste magique que vous pouvez faire, votre scénario nomme votre liste de fabrication, et les appels qui en découlent. Combien d'acteurs avez-vous besoin ? Combien d'endroits ? Combien d'articles, garde-robe, et ainsi de suite ? Quel est votre équipement technique ? Lorsque vous vous préparez pour votre film, une partie de la formation dans ce cours est d'appeler des gens aléatoires de première main et de négocier. Lorsque vous réalisez un film, cela deviendra une compétence vitale pour être en mesure de communiquer clairement avec votre équipe et de négocier avec votre environnement. Faites une pause ici, j'ai toujours une pause, arrêtez-vous ici, et regardez le scénario, chaque scène, et faites une liste détaillée, une liste d'actions de ce que vous devez faire. Je vais t'épargner le suspense, fais-le. 23. Cinématographie :: Style visuel: Dans cette session, nous allons passer en revue certains des styles visuels que vous pouvez utiliser pour votre film et discuter de plusieurs façons de trouver le bon pour vous et votre film. Il est important de rendre vos configurations de caméras cohérentes tout au long. Cela aidera le public à entrer dans l'histoire et ils commenceront à vous faire confiance. Autrement dit, ils vont commencer à faire confiance au style narratif. Il doit y avoir une cohérence dans la façon dont vous racontez votre histoire. Si vous brisez cette cohérence, il doit y avoir un fort émotionnel et rétrécir la raison de cela. Le but ici est de garder la caméra derrière l'histoire. Analogie utile il pourrait y avoir, nous savons tous quand la musique devient trop fort dans une scène, Il se sent un peu comme ça. Vous voulez garder la musique assez faible et vous voulez garder cette cinématographie cohérente afin qu'elle reste derrière et soutienne l'histoire. Je veux que vous pensiez à un style pour votre film un style visuel. Choisissez un style et collez-le avec. À titre d'exemple, voici un extrait de mon état de la ville du film. Remarquez la cohérence dans le style de poche conçu par les cinéastes. Mes conseillers me disent qu'il y a une convention culturelle en ville. Il semble que son effet dans les affaires dans une grande mesure. Je m'occupe de ça. Ces messieurs manifestent un intérêt particulier pour votre entreprise. Tout ça. Malgré leurs actes drôles, il n'y avait aucun doute qu'ils plaisantaient. Je n'ai pas l'habitude d'acheter des biens à date de vente personnelle. [ inaudible]. En ce moment, j'aimerais que vous écriviez le style visuel que vous aimeriez avoir pour votre film. Vous pouvez penser si cela correspond à votre thème ? Vous pouvez penser à un film similaire que vous aimeriez dans le même genre et juste la recherche un peu. 24. Cinématographie :: L'outil Angle: Dans ce chapitre, nous allons vous parler de la façon dont vous avez configuré vos plans et vous donner quelques options. Vous pouvez filmer ce film vous-même, ou vous avez un allié de confiance qui est sur la caméra pour vous. Peu importe si vous utilisez votre téléphone ou si vous utilisez un caméscope. En ce qui concerne la configuration des caméras, nous allons nous concentrer sur les images qui sont efficaces lorsqu'il s'agit de les éditer. Ça veut dire que tu vas toujours tirer sur un angle. C' est les bases de la production cinématographique. Par exemple, si vous tirez directement vers un acteur, votre prochain set sera de 90 degrés sur la même action. Vous avez juste à garder vos coins vérifiés. Cette technique vous aidera énormément quand il s'agit d'éditer le matériel et vous permet de contrôler l'heure de la scène. Si vous voulez raccourcir cette longueur d'unité dans la scène, car lorsque vous tirez sur un angle, cela signifie que vous pouvez raccourcir les pauses ou obtenir des passes allongées dans une scène, ce soit un dialogue ou une action. Je veux toujours commencer par une clause de non-responsabilité. Ce que je dis, c'est ce que je pense. Par exemple, en termes de cinématographie, si vous voulez faire votre tournage d'un seul coup ou même d'un seul coup. Fantastique. Ce que j'insiste lorsque j'aborde un projet de film, c'est la praticité. Pratique signifie le contrôle dans le temps. contrôle du temps dans le montage est très important car vous pouvez contrôler le temps du produit, du film, de l'art que vous faites. La meilleure façon de contrôler le temps est de tirer sur un angle. Mon peuple a parlé à ton oncle, Yovan. Apparemment, on devrait vous faire confiance. J' ai mis en place un transport sûr pour la cargaison. Je suis conscient des risques. Eh bien, la conscience n'est pas exactement la même chose que de se rendre compte d'une situation. Mon employeur vous propose une quantité importante de produit. Nous avons peut-être une relation amicale avec votre oncle, mais cela ne veut pas dire que vous ne trouverez pas votre tête dans un fossé si vous, [inaudible] les trucs habituels, nous disons ces choses. 25. Cinématographie : : Faire une liste de plans: Dans cette section, je vais parler de l'importance de faire une liste de photos. C'est quelque chose que nous, maintenant je projette. C'est quelque chose que les gens reportent souvent un peu. Mais dès que vous avez la première ébauche de votre film sous forme de scénario, je recommande toujours de commencer par l'essentiel de la liste des plans. Nous commençons simplement, nous listons rapidement les plans que nous voulons, les scènes que nous avons. Plus tôt nous le ferons, plus le temps passera dans notre esprit. est presque comme planter une mer dans une métaphore de jardin, alors le temps passe Ouais, ouais. Dans cette leçon, j'aborderai l'importance de créer une liste de plans pour votre film. Et pourquoi il est essentiel de commencer à réfléchir aux configurations de vos films le plus tôt possible Lorsque vous réalisez un film, une liste de plans constitue une feuille de route utile pour les plans dont vous aurez besoin pour chaque scène. Il est utile de faire plusieurs itérations de votre liste de tirs, commençant simplement et en ajoutant des détails à chaque tour L'essentiel est de créer une liste de plans le plus tôt possible dans le processus ou dès que vous avez terminé la première ébauche du script. Après avoir terminé la version initiale de la liste de photos, laissez un peu de temps s'écouler. De nouvelles idées vous viendront dans les prochains jours. Pensez à dresser une liste des premiers vaccins, comme si vous plantiez une graine. Laissez le temps et la créativité travailler pour vous et vous saurez bientôt quels clichés vous préférez pour le premier tour. Décrivez brièvement chaque scène et indiquez la configuration de l'appareil photo que vous souhaitez : prise de vue sur trépied, à main levée, prise de vue large , gros plan, etc. Exemple de liste de plans pour la description d' une scène, un homme gare sa voiture, une femme devant un magasin. Liste de photos, plan large depuis l'intérieur de la voiture alors que l'homme entre dans le parking. prise sur un trépied depuis l'extérieur de la voiture , filmée alors que la voiture entre dans le parking Plan rapproché et filmé à la main d' un pied dans une flaque d'eau à côté la voiture pour tourner à l'extérieur du magasin avec la femme au premier plan par-dessus Nous voyons l'homme sortir de la voiture, gros plan du visage de la femme alors qu'elle regarde l'homme. Placez le trépied bas et orientez l'appareil photo vers son visage N'oubliez pas que l'essentiel est d'être clair et concis lors de ce premier tour. Pour les rondes suivantes, vous allez développer davantage cette liste. 26. Enregistrement sonore: Dans cette leçon, nous allons parler de l' importance d'avoir une bonne qualité audio et discuter techniques permettant d'enregistrer un son lorsque vous réalisez votre film. Avez-vous déjà vu un film dont était excellent mais les visuels étaient médiocres, mais cela ne vous a pas dérangé ? Maintenant, inversez-le. Avez-vous déjà vu un film dont les graphismes étaient excellents mais la qualité audio était médiocre Si nous avons un son de mauvaise qualité, nous sortons du rêve Je veux que vous imaginiez un monde où vous placeriez l'enregistrement audio au-dessus de la cinématographie L'importance d'enregistrer un son de qualité est bien plus importante que vous ne l'imaginez. Il existe plusieurs façons d'avoir un micro radio ici, mais ce son n'est pas fiable. Vous allez avoir toutes sortes de rayures et d' autres choses de ce genre, vous devrez donc faire son de post-production ou du doublage C'est très bien, et cela peut très bien fonctionner. Cependant, dans la plupart de mes films, lorsque je n'ai pas trop de budget , j'essaie d'enregistrer le son le plus possible sur le plateau de tournage. Ce que je fais, c'est que j' ai un micro. C'est un micro juste ici, tout comme ce petit bonhomme ici. Quoi qu'il en soit, d'habitude je le prends et je place le micro juste au-dessus des acteurs, puis je cadre la caméra comme ça. Oui, tout ce que je veux, c'est obtenir un son fantastique et utilisable dans cet enregistrement. C'est une chose. La deuxième chose est le ton de la pièce. Si vous avez un dialogue fantastique enregistré de très près, nous avons également besoin d'une bonne tonalité de chambre. Si vous écoutez le ton de la pièce dans cette pièce, je vais me taire étonnamment Donc, pendant un petit moment, le son est simplement superposé. Ouais. La tonalité de votre chambre est bonne. Ensuite, vous pouvez emprunter à toutes sortes de bibliothèques de sons, des tonalités de pièce supplémentaires ou des effets sonores supplémentaires, peut-être. Si vous vous garez à l'extérieur, entendons-nous un chien aboyer ? Eh bien, ce sont des effets spéciaux. Je viens de l'ajouter là-dedans. Ouais. Excellent enregistrement audio. 27. Bonus :: Conseils pour la caméra à petit budget: Un autre petit conseil que vous pouvez utiliser, je suis toujours conscient quand je partage mes conseils ou outils, que tout le monde a son propre système. Quand je partage ça, c'est quelque chose à essayer, peut-être que ça marche et peut-être que ça ne le fait pas. Ça va sans dire, mais c'est toujours agréable de le dire. Dans tous mes films, j'ai toujours utilisé, oserais-je dire, une caméra moyenne portée qui n'est pas la qualité supérieure, pas la qualité inférieure, mais le médium. Quelques conseils à ce sujet seraient si vous zoomez beaucoup, si vous avez un zoom, si vous zoomez beaucoup, alors vous obtiendrez un arrière-plan qui est un peu hors de la mise au point, ce qui peut imiter un objectif très cher. Par exemple, dans beaucoup de mes films, je place les personnages dans un endroit, puis je recule un peu. Je ne parlerai pas de mètres ou de kilomètres. Je vais dire que je recule d'environ cinq ou six longueurs de voiture. Je zoome complètement, à l'aide d'un zoom, puis j'obtiens un fond très riche. Ensuite, j'ai les personnages mis au point, et l'arrière-plan est un peu déplacé, ce qui imite un objectif très cher. Sur l'emplacement et les arrière-plans, chaque fois que je tourne quelque chose qui est à faible budget, j'essaie de trouver des endroits qui sont texturés mais qui ont un certain motif. De cette façon, je peux élever la conception de la production, pour ainsi dire. C' est comme vécu et avec un peu de couleur ou de texture. Une autre chose qu'il est bon de garder à l'esprit est d'utiliser la météo. Par exemple, si je tourne, encore une fois, à faible budget, ou mettons une meilleure phrase dessus. Si je tourne quelque chose en tant que cinéaste indépendant, alors j'essaie de garder à l'esprit chaque fois que je peux utiliser des éléments naturels. C' est peut-être une scène pour laquelle je n'ai pas trouvé un endroit précis, alors je pourrais déplacer cette scène pour avoir lieu dans la nature, pour obtenir un peu d'élévation dans les environs, ce qui peut traduire un film à petit budget se traduisant comme quelque chose budget plus élevé. Une autre chose que j'utilise un peu est la pluie. S' il pleut, j'ai l'habitude de sauter et de tirer. Si j'ai des personnages, alors je vais placer les personnages sur leur abri pour que je puisse avoir la pluie au premier plan et la pluie en arrière-plan. Cela vous donnera, encore une fois, l'équivalent d'une machine de pluie hollywoodienne. Cela dépend, bien sûr, de l'endroit où vous vivez. Je vis en Islande, donc j'utilise un peu de neige. 28. Trois actes d’un moment cinématographique: Dans cette leçon, je vais partager avec vous les trois actes d'un moment cinématographique. Tout est en trois actes. Tu te souviens de ce que nous faisons ? Je suis là, je me lève, je sors par la porte. Trois actes. Je descends les escaliers. Si j'avais des escaliers, ce sont peut-être des escaliers. Bref, j'ouvre la porte, je descends, j'ouvre la porte en bas Où est-ce que je vis ? Tout est trois. La raison pour laquelle il est important de penser en trois et de réfléchir aux rythmes d'un moment de cinéma, c'est que notre système digestif, en tant que public, est composé de ces trois actes. Et cela est lié au que quelqu'un nous a raconté l' histoire quand nous étions enfants, il était une fois 123 Beethoven Si nous montrons quelque chose dans un film, il faut toujours que ce soit en trois actes pour que le public le reçoive. Nous ne pouvons pas simplement montrer comme un pop à l'apparence personnelle et passer ensuite à une autre scène. Il faut que ce soit une personne qui ressemble à une personne debout, réagissant ou encore debout, un 333. J'ai dit 43 ? Oui, alors profitez-en. Dans cette leçon, nous allons zoomer et comprendre de quoi est fait un moment cinématographique. Qu'est-ce qu'un moment dans un film ? Un rythme de film. C'est un moment que nous devons transmettre au public et assurer qu'il comprend ce moment. Pour que le public puisse profiter d'un moment de film, nous devons prendre un moment et le disséquer en trois parties Un moment dans un film est comme n'importe quel moment de la vie humaine que vous remarquez. L'un des principaux outils que j'ai utilisés est de penser à chaque moment d'un film en trois parties. Tout comme un film est composé de trois actes, toute histoire sur le sujet est en fait composée de trois actes. Il en va de même pour un moment de film. Voici un bref exemple tiré de la vie quotidienne d'un moment de cinéma si vous voulez une gorgée d' eau de la part d'un ami, vous voyez que votre ami a de l'eau, puis vous demandez ou vous suppliez si vous pouvez en prendre une gorgée Ensuite, j'espère que votre ami vous donnera l'eau. Et même si l'ami ne vous donne pas l'eau, c'est quand même le troisième acte, c'est quand même le troisième acte trois étapes, trois actes, trois, pour les dominer toutes. Regardons un autre exemple. Disons que nous écrivons un script dans lequel quelqu'un ratisse des feuilles Alors, comment transmettre ce moment ? Comment créer un moment cinématographique avec quelqu'un qui ratisse des feuilles Nous devons donc le disséquer en trois parties. L'ordre de ces trois prises de vue dépend de vous, par exemple. Le premier plan peut être un gros plan d'une personne ratissant des feuilles, comme le gros plan du ratissage lui-même La deuxième photo pourrait être de révéler qui ratisse les feuilles Au troisième moment, nous avons pu voir où se trouvaient les feuilles de Ken, ce qui n'est probablement pas le bon anglais, mais je le dis quand même. C'était un exemple de moment cinématographique. Lorsque vous rédigez votre script, réfléchissez à ce que vous voulez dire, expliquez-le aussi clairement que possible. Ensuite, divisez ce que vous voulez dire en trois parties. 123, c'est pour un moment de cinéma. Si vous regardez mon visage, mon visage, je vais subir trois changements subtils , comme le ferait un acteur. Je vais commencer par là . Trois. Ouais Il est essentiel de comprendre qu'un moment de film n'est pas nécessairement composé de trois plans ou de trois configurations de caméra différents . Il se compose de trois rythmes narratifs distincts. Cela pouvait être capturé en une seule prise de vue centrée sur le visage d'un personnage maintenu fermement sur un trépied L'essentiel est de s'attarder sur le visage assez longtemps pour saisir trois changements subtils dans les émotions ou les pensées Par exemple, les yeux du personnage peuvent d'abord révéler la contemplation, puis se déplacer pour indiquer une pensée troublante, et enfin, se résoudre à une décision sur les mesures à prendre 29. Bonus : : Introduction générale aux métaphores: Dans cette leçon, je vais vous parler des métaphores en général, car les métaphores ont tout changé , à la fois pour mon écriture, lorsque j'écris des scénarios et lorsque je réalise des films Permettez-moi d'abord de parler des bases des métaphores et de la façon dont une métaphore est un symbole. Pour le dire en fait. Bien plus simplement, une métaphore n'est qu'une image juste là La métaphore est une image qui représente non seulement votre film, mais qui peut également représenter certains des thèmes Peut vous aider à trouver certains thèmes qui se trouvent dans votre histoire. Métaphores va être ton nouveau mot préféré, chante-le avec moi Dans cette section, je vais partager avec vous l'une des techniques les plus puissantes que j'utilise pour extraire des idées, à savoir l'utilisation de métaphores Tout d'abord, je tiens à dire que le processus qui vous permet de faire sortir une idée de votre esprit pour l'intégrer dans le monde réel vous est propre. Donc, tout ce que je dis par la suite n'est qu'une suggestion. Quel est donc le processus que je dois suivre lorsque je fais sortir une idée de mon esprit pour la mettre dans le monde réel ? Le processus n'est évidemment pas linéaire, car une idée ne nous vient pas vraiment et se transmet de gauche à droite, d'un point A à un point B. Elle semble être très aléatoire. Je suis sûr que vous en avez tous fait l'expérience. C'est dans la phase suivante que je fais de mon mieux pour essayer de ne pas contrôler l'idée et d'essayer de passer à côté. L'une de mes activités préférées lorsque j'essaie de me faire sortir une idée de l'esprit est de travailler avec des métaphores J'utilise des métaphores pour essayer de m'aider à comprendre l'idée qui veut ressortir Par exemple, créons une métaphore sur l'utilisation de métaphores. J'imagine que mon esprit est une rivière et que l'idée contient des poissons. Utiliser des métaphores, c'est comme utiliser un outil de hameçonnage pour faire passer l'idée Un autre exemple que j'utilise parfois pour moi-même est celui de la métaphore de la grotte Dans cette métaphore, j'imagine que mon idée réside dans une grotte J'imagine même que l' idée est timide et vulnérable, et qu'elle a peur de se faire connaître. Je développe ensuite cette métaphore encore plus loin. Et si mon idée devait rester dans la grotte pendant un certain temps parce qu'elle n'est pas prête à être exposée au soleil à l'extérieur. jouant avec cette métaphore, mon travail consiste à rester en dehors de la grotte attendre et à être disponible quand elle sortira Un autre exemple que j'utilise est l'idée d'une idée qui me vient à l'esprit, comme ramasser des gouttes de rosée matinale. Cette métaphore m'aide à être patiente, mais petit à petit, l'idée se transformera en Ce qui est exigé dans toute métaphore, c'est ma présence. Je dois attendre au bord de la rivière, près de la grotte ou avant les doublages matinaux. Une façon de le faire est de rester sur place et de perdre presque du temps à proximité de l'idée. Cela ne veut pas dire que je dois réfléchir à l'idée tout le temps, car cela pourrait l'effrayer. Mais j'essaie d'être à proximité au cas où il m'appellerait. Voici donc un exemple de mes métaphores. Il est très important que vous créiez vos propres métaphores. Nous voulons commencer à nous entraîner un peu. Quel type de métaphore aimeriez-vous créer pour extraire des 30. Utiliser des métaphores pour exprimer votre histoire : : Bonus: Dans cette leçon, je vais discuter de la manière dont nous pouvons utiliser des métaphores pour exprimer nos films plus clairement, à exprimer nos films plus clairement fois au stade du scénario et au stade du tournage Travailler avec une pensée métaphorique, c'est un peu comme travailler sur le thème de votre film C'est mystérieux, mais cela peut vous aider à clarifier le concept de votre film. Alors, qu'est-ce qu'une métaphore ? langage métaphorique est quelque chose que vous pouvez visualiser Oui, donc tu peux commencer par écouter tes amis lorsqu'ils parlent en métaphores Donc, un exemple pourrait être quelque chose qui me renverse toujours. Je n'ai pas eu de vent aujourd'hui. C'est un projet lourd et d'autres choses de ce genre. Oui, regardons quelques exemples de métaphores. Prenons un film par exemple. Pensons à Force Gump. C'est un petit garçon dans le corps d'un adulte. Oui, c'est la métaphore du film. La métaphore de force comp est que petit peut toujours être petit en interne et faire des miracles dans un Oui, c'est de l'innocence. Maintenant, la métaphore nous aide à comprendre le thème du film, comme l' See vaut mieux que le monde supposé des adultes. Oui, c'est pourquoi j'utilise les mots « petit » et « grand ». Une métaphore, une position, une posture ou un symbole doivent avoir une taille , un peu comme un panneau de signalisation Oui, cela peut sembler fascinant et déroutant de parler de métaphores, mais plus vous apprenez à les connaître, vous commencez à réaliser que c' est un autre outil dans votre En utilisant des métaphores, par exemple, si vous voyez une affiche de film moitié humaine et à moitié cheval représentant un cheval, c' est en soi une Oui, une métaphore est claire, mi-humain, mi-cheval peut signifier beaucoup de choses, mais quand vous regardez la métaphore, vous qui lui donnez le sens Une affiche à moitié humaine, moitié cheval pourrait être un film d'horreur. Tu y as mis le sens. Il pourrait s'agir d'un documentaire sur la relation entre les chevaux et les humains, qui remonte à des siècles. Par exemple, si vous voulez que votre public comprenne que votre film est un mystère, cela ne fonctionne pas vraiment. C'est un personnage qui le dit. Nous voulons que le public produise le mot mystère en lui-même. Encore une fois, soleil métaphorique et métamorphosé. Dans une métaphore, le soleil éclaire les fleurs et il y a la métaphore de la métamorphose il y a une production du Dans cette métaphore, il y a une production du public à votre place Quel serait un exemple de métaphore où nous incitons le public à imaginer ou à créer le Qu'est-ce que cela pourrait être ? Pensez-y. Une poupée vaudou. Nous voyons une poupée vaudou quelque part en arrière-plan Ce n'est pas juste un homme qui s'étire. Ouais Cela évoque le symbolisme selon lequel nous sommes placés dans un mystère de misère et de misère Même si je dis que les mots ne suffisent pas, nous pouvons également placer des métaphores dans un mot, afin d' améliorer la compréhension de celui qui écoute Pensons à deux versions verbales seulement. Il n'y a pas de métaphore, ce qui pourrait être ne vous attardez pas sur le passé et concentrez-vous sur le présent Mais avec une métaphore, on pourrait dire que regarder dans le rétroviseur peut vous faire tuer Remarquez simplement la différence que cela a sur vous lorsque vous l'écoutez avec ou sans métaphore 31. Bonus : : Exemple de dialogue de métaphore: Plus loin dans cette leçon, je vais vous montrer un excellent exemple tiré de l'un de mes films préférés, Marching Call, où le personnage principal parle de ponts, alors qu'il parle en fait de sa vie Dans cet exemple que nous allons voir, c'est un excellent exemple de la façon d'utiliser des métaphores dans les métaphores dialogue lorsque nous parlons une chose et que nous parlons en fait Dans cet exemple, le personnage principal parle de ponts. Construire des ponts. Cette personne a passé toute sa vie à construire des ponts, mais il parle en fait de la valeur de sa vie. Regardons l' exemple de clip à rouleau. Il n'y a personne ici, en fait, je suis seul ici. Dans cette leçon, nous allons examiner un exemple tiré d'un film intitulé Margin Call. Lorsque vous regardez cette scène, remarquez en particulier tout ce que nous pouvons apprendre sur la valeur d'un personnage la valeur d'un personnage grâce au dialogue et à l'utilisation d'une métaphore, en l'occurrence un pont Que faites-vous ici ? Hé, Peter a donc terminé le modèle sur lequel vous travaillez s'appelle vraiment Stone and Petted. Tu crois qu'il a raison ? Je sais qu'il a raison. Saviez-vous que j'ai construit un pont une fois ? Désolée Un pont, non, je ne savais pas que j'étais un ingénieur de métier. Maman, hum. Il est allé de Dillsbortom, dans l'Ohio, à Moundsville, en Virginie-Occidentale Il s'étendait sur 912 pieds au-dessus de la rivière Ohio. 12 100 personnes utilisent ce truc par jour. Et cela a permis d'économiser 56 miles de conduite supplémentaires les deux sens entre Wheeling et New Martinsville Cela représente un total de 847 000 miles parcourus par jour pendant 25 410 000 miles par mois et 304 920 000 miles 304 Maintenant, j'ai terminé ce projet en 1986. C'était il y a 22 ans, pendant la durée de vie de ce pont, 6 000 708 240 000 miles qui n'ont pas eu à être parcourus à une vitesse, miles qui n'ont pas eu à être parcourus à disons, de 80 miles Voilà quoi, cela représente 134 164 800 heures, soit heures Ce petit pont a donc aux habitants de ces deux communautés de sauver 1 531 ans de vie combinés, sans les gaspiller dans un parking 1 531 ans, c'est. 32. Bonus : : Métaphores dans la cinématographie: Dans cette leçon, nous allons parler des métaphores cinématographiques Encore une fois, des métaphores, une métaphore de rappel rapide. Une simple métaphore est comme si c'était aussi simple que de boire La métaphore, c'est l'image. Je ne sais pas pourquoi je fais ça. métaphores en termes de cinématographie nous aide à réfléchir à la relation entre les objets Qu'est-ce qui est gros ? Qu'est-ce qui est petit ? Qu'y a-t-il au premier plan ? Qui est debout ? Qui est assis ? Toutes ces dynamiques parlent au public à de très nombreux niveaux. Je ne dis pas que nous devons trop y réfléchir et essayer minutieusement de créer des storyboards et tout ça Mais il est bon de garder cela à l'esprit alors que je continue à appuyer sur le micro. Passons à cette leçon. Dans cette leçon, je vais discuter de la façon dont vous pouvez utiliser les métaphores et Et comment les formes et les tailles votre image de film communiquent avec votre public, comme un panneau de signalisation adressé à un conducteur. J'aime bien ne pas trop réfléchir quand il s'agit de filmer mes projets Ma méthode préférée consiste à me fier à mon instinct lors d'un tournage. Cependant, au fur et à mesure que j'ai travaillé sur de nouveaux projets de films, j'ai trouvé du plaisir à rendre cet instinct plus conscient. Je peux toujours faire confiance à mon instinct, mais avec plus de précision et de conscience. Nous savons tous qu' une image de film peut être assimilée à une peinture Si vous examinez les peintures classiques, vous remarquerez que chaque élément a été soigneusement étudié en termes de taille, de forme et de position afin de créer une dynamique qui transcende le canevas et interagit avec les spectateurs à travers le temps Ces vieux tableaux sont des métaphores. Tout comme les films, les symboles qu'ils utilisent sont assimilables, tout comme les panneaux de signalisation, à un conducteur Lorsqu'il s'agit de composer des images de film, la loi de composition n'est peut-être pas aussi rigide que dans les peintures classiques Cependant, il peut être utile de réfléchir à la relation entre les tailles, formes et les positions des éléments de votre cadre. Cela ne doit pas limiter votre expression artistique, mais peut vous donner du temps et moins d'outils. Je ne suggère pas que vous vous chargiez de la tâche minutieuse de créer des storyboards impeccables Je dis simplement qu'il est bon de garder cela à l'esprit, car la façon dont vous composez un cadre peut vous aider à transmettre votre message artistique. Dans cet exemple, vous verrez comment vous pouvez commencer à façonner votre récit visuel en fonction de votre histoire et comment vous souhaitez le transmettre simplement en bloquant la scène avant même lancer la caméra ou de vérifier le cadre Imaginez que deux personnages discutent dans une cuisine. Imaginez-les assis l'un en face de l' autre en train de siroter poliment un café Cela n'a qu'une seule signification. Modifions maintenant le sens des scènes en modifiant le blocage. Et si un personnage est assis à la table en train de siroter un café tandis que l'autre se tient la fenêtre, dos à celui qui est assis ? Avec ce simple changement de blocage, nous avons presque transformé le sens de la scène . Avant même de commencer le tournage, considérez comment le sens de la scène change grâce à cet ajustement. Celui qui est debout est plus grand que celui qui est assis. Celui qui est debout a tourné le dos à celui qui est assis. Qu'est-ce que cela signifie ? Cela montre également quel point vous pouvez communiquer par le biais de métaphores de composition visuelle avant même le début d'un dialogue Cela peut vous aider à transmettre votre message plus rapidement et plus clairement que les mots seuls. 33. Diriger: Vous avez terminé votre script, vous avez fait une liste de présélection et maintenant vous êtes prêt. Peut-être pas. Ça n'a pas d'importance. Vous n'avez pas à l'être, pour réaliser votre film. Regardons quelques conseils de direction, faire et ne pas faire et trouver votre propre méthode. Il y a une logique à dire sur la direction parce que la façon dont elle est exécutée dépend beaucoup des caractéristiques et de la personnalité de la personne qui assume cette responsabilité. cette raison, il est difficile de définir avec précision une approche claire de la direction. D' une part, si un film ne fonctionne pas, le réalisateur est généralement responsable ou responsable. Si nous travaillons à cette fin, cela signifie que le directeur est responsable de tout. Ça n'a pas l'air juste, n'est-ce pas ? Maintenant, désolé. Stephen, j'ai besoin de ça. Qu'est-ce que le directeur ? [ inaudible] Il n'y a pas grand-chose à faire ici. Votre travail en tant que réalisateur est de rendre le monde que vous transmettez aussi réel que possible. De là, vous pouvez facilement deviner où vous devez vous concentrer sur les acteurs, les décors, costumes, le maquillage, la lumière, et ainsi de suite. Tout comme dans la production, nous allons travailler à l'envers. Si nous voulons que quelque chose apparaisse à l'écran d'une manière spécifique, notre travail est de trouver les méthodes efficaces pour le manifester. Voici un court extrait d'un film que j'ai réalisé intitulé Malevolent. Si tu peux contrôler ton esprit. Vous pouvez contrôler votre attitude, et comment vous gérez une situation. Ensuite, vous pouvez commencer à contrôler la situation. Répétez votre objectif dans votre esprit, visualisez-le, faites-le arriver. Soyez proactif. Prenez en charge, et rappelez-vous que vous êtes incroyable. En ce qui concerne la mise en scène, l'un des conseils que je peux vous donner est de préparer, de préparer un peu plus et de préparer encore plus. Aucun réalisateur dans l'histoire du cinéma n'a jamais dit : « J'ai eu trop de temps pour filmer cette scène. » Je veux que vous visiez à devenir le premier. Tu n'y arriveras pas, mais tu vas te faciliter la vie et les autres. mise en scène est l'une de ces choses qui sont uniques à chaque individu qui la prend en charge. Il y a plusieurs règles empiriques que vous gardez à l'esprit lorsque vous dirigez, et je vais les énumérer ici afin que vous puissiez choisir à la main celles qui s'appliquent à vous. Travailler avec des acteurs, écouter votre acteur, apprendre à les connaître. Plus vous le faites, plus vous serez en mesure de créer des rapports, et avant que vous ne le sachiez, ils seront prêts à se tenir sur la tête pour vous. C' est un rappel ou un outil utile, peu importe ce que vous voulez l'appeler. Quand il s'agit de la mise en scène, n' est pas de ligne et de lire pour l'acteur. Si vous n'obtenez pas la performance que vous voulez, vous ne pouvez pas le faire parce que jouer est exactement comme vous faites votre nouveau film. C' est un processus de découverte. Oui. Si un acteur cependant, vous demande spécifiquement une ligne écrite, vous pouvez le faire autrement pas. J' ai probablement été grondée dans mon premier film assez sévèrement, et je remercie Dieu, c'était mon premier film. Chaque fois que je dirige la scène, chaque fois que c'est comme si tu faisais quelque chose pour la première fois. Juste avant de filmer la scène, j'ai réfléchi un peu à la façon dont je veux la tourner, mais ma méthode de sécurité intégrée est toujours, quel est le one-shot qui fera fonctionner cette scène. Dans ma tête, je m'inquiète de ce que si toutes les caméras tombent en panne, et si quelque chose se passe et qu'on ne peut pas tirer plus d'un coup, alors je pense toujours à, si je devais faire fonctionner cette scène en un seul coup, quelle photo est-ce que ce serait ? C' est à ça que je pense, et je commence par filmer cette photo. Je vais encore filmer cette photo, jusqu'à ce que je sois content de la performance. Si je tenais mon plan de sécurité intégrée, que quand j'édite le film à nouveau. Si je n'ai que cette photo qu'un seul travail, alors je suis libre d'expérimenter après ça. Quand il s'agit de diriger et d'organiser un tournage, blocage est une grande partie du succès en termes de temps et d'efficacité. Blocage dans la langue de bébé est le voyage que le casting fait autour de la scène. Vous pouvez décider à l'avance que différents acteurs sont censés commencer là et là. Si vous faites cela, c'est ce que nous appelons le blocage. Vous pouvez décider à l'avance ce qu'ils veulent faire, mais vous pouvez aussi simplement aller dans l'emplacement et le décider sur place. Comme lorsque vous entrez dans un endroit, vous pouvez voir comment il est structuré, et la troisième option est de faire entrer le casting dans l'endroit et de faire voir l'acteur maintenant, alors ils pourraient trouver leur chemin naturellement, tout au long de l'emplacement. Vous avez installé une caméra avec un cinéaste. Il y a un acteur devant la caméra. L' acteur a des directions claires où il ou elle peut bouger, ils connaissent leurs lignes et c'est votre travail de dire l'action et d'observer. Après cela, vous réglez la caméra, la lumière et discutez de la performance avec l'acteur. Une bonne façon d'aborder la direction est toujours de penser que si quelque chose ne fonctionne pas, c'est seulement parce que vous n'avez pas communiqué correctement ce que vous voulez. Je ne dis pas ça pour que tu te sentes en faute en tant que réalisateur. C' est un conseil pratique. Je dis cela parce que quand le film est maladroit dans le processus externe, ce qui est l'essence de la créativité. Votre travail consiste à parfaire ce processus au mieux de vos capacités. Parfois, vous faites juste des erreurs ou d'autres se trompent. En tant que chef d'équipe, c'est votre travail de garder le processus sur la bonne voie et de le remettre sur place, s'il tombe. 34. Astuces de réalisation cinématographique: Dans cette leçon, je souhaite partager avec vous éléments importants à garder à l'esprit pour votre rôle de réalisateur. J'aborderai un éventail de responsabilités liées au rôle important de réalisateur d'un film. Quelle que soit la taille ou la portée du projet de film que vous dirigez, le rôle du réalisateur reste le même. Le réalisateur est le ciment qui unit tous les départements. Et une blague courante à propos de la réalisation de films est qu' un réalisateur passe 90 % de son temps à écouter les autres départements, 9 % à s'inquiéter et 1 % à réaliser le film. Cette blague a une part de réalité et, en gardant cela à l'esprit, elle indiquera également à quel point il est important pour votre rôle réalisateur de vous préparer le plus possible à l' avance. Parce que lorsque vous filmez , un certain chaos se produit. C'est la nature du sport. Il va donc sans dire que plus vous vous préparez, mieux vous pourrez réagir. Même si vous n'utilisez pas une grande partie de votre préparation, car tout peut se reproduire sur un plateau de tournage. Mais la préparation vous donnera un plan à abandonner et, plus important encore, la phase de préparation. Au fur et à mesure que vous le parcourez, cela vous fera monter de niveau et augmentera votre concentration. Une fois que vous serez sur le plateau, plus vous vous préparerez, plus vous serez concentré. 35. Les outils de direction :: Sécurité-défaut et blocage: Chaque fois que je dirige une scène, à chaque fois, c'est comme si tu faisais quelque chose pour la première fois. Juste avant de filmer la scène, j'ai réfléchi un peu à la façon dont je veux la tourner, mais ma méthode failsafe est toujours, quel est le seul coup qui fera fonctionner cette scène ? Dans ma tête, je m'inquiète si toutes les caméras tombent en panne et si quelque chose se passe et qu' on ne peut pas tirer plus d'un tir ? Alors je pense toujours à, si je devais faire fonctionner ce truc en un seul coup, quel coup serait-il ? C' est ce à quoi je pense et je commence par filmer cette photo et je tourne encore et encore jusqu'à ce que je sois satisfait de la performance, et si j'ai mon plan de sécurité, quand je monte le film, je me sens comme, si je n'ai que ce coup, alors le seul travail, alors je suis libre d'expérimenter après cela. Quand il s'agit de diriger et d'organiser un tournage, blocage est une grande partie du succès en termes de temps et d'efficacité. Blocage dans la langue de bébé est le voyage que le casting fait autour de la scène. Vous pouvez décider à l'avance que différents acteurs sont censés commencer là et se terminer là. Si vous faites cela, c'est ce que nous appelons le blocage. Vous pouvez décider à l'avance ce qu'ils veulent faire, mais vous pouvez aussi simplement aller dans l'emplacement et le décider sur place. Comme lorsque vous entrez dans un endroit, vous pouvez voir comment il est structuré et la troisième option est de faire entrer le casting dans l'endroit et de les faire jouer sur la scène et ils pourraient trouver leur chemin naturellement tout au long de l'emplacement. Vous avez installé une caméra avec un cinéaste. Il y a un acteur devant la caméra. L' acteur a des directions claires où il ou elle peut bouger, ils connaissent leurs lignes et c'est votre travail de dire action et d'observer. Après cela, vous réglez la caméra, la lumière et discutez de la performance avec l'acteur. Une bonne façon d'aborder la direction est toujours de penser que si quelque chose ne fonctionne pas, c'est seulement parce que vous n'avez pas communiqué correctement ce que vous voulez. Je ne dis pas cela pour que vous, en tant que réalisateur, vous vous sentiez en faute, c'est un conseil pratique. Je dis cela parce que les films sont maladroits et processus externe, qui est l'essence de la créativité, votre travail est de parfaire ce processus au mieux de vos capacités et parfois vous faites simplement des erreurs ou d'autres font des erreurs. En tant que chef d'équipe, il est de votre devoir de maintenir le processus sur la bonne voie et de le remettre en marche en cas de chute. 36. Bonus : Directions de la concentration: Dans cette section, nous allons parler un peu d'un côté intéressant de la mise en scène, qui consiste à développer votre attention et les moyens de maintenir votre concentration, même si vous avez beaucoup de distractions autour de vous sur le plateau de tournage. Dans cet exercice quelque peu étrange, je travaille avec des étudiants en cinéma de l'Icelandic Film School. Ce qu'ils font ici en ce moment, c'est qu'ils lisent tous en même temps. La raison pour laquelle ils ont le pouce entre les dents est les aider à essayer de maintenir le mode de mise au point, même si tout le monde parle même temps et le pouce dans la bouche dans cet exercice le rend également inconnu dans cet exercice. Je forme les futurs réalisateurs de cette manière étrange et beaucoup d'autres à rester concentrés même si les choses sont inconnues, étranges, un peu idiotes et un peu bondées, que vous avoir accès à votre voix artistique. Parce que la dernière chose que nous voulons avoir est que nous essayons diriger une scène et que tout va envers, tout le monde vous parle et les choses sont étranges, nous le faisons. ne pas vouloir céder et perdre contact avec notre voix et juste filmer pour en finir avec. Nous voulons toujours nous assurer que certaines parties d'entre nous sont connectées à l'artiste qui se trouve à l'intérieur. Encore une fois, même si les choses deviennent un peu folles. 37. Bonus : : Astuces pour diriger des acteurs: Dans cette vidéo, je vais partager avec vous plusieurs conseils qui peuvent aider lorsque vous commencez à réaliser votre film et à travailler avec des acteurs. Il existe de nombreuses méthodes et livres intéressants sur les manières de diriger les acteurs. Et les méthodes sont aussi nombreuses que les réalisateurs. Chacun a son propre style à développer. Lorsque vous commencez à faire des films, vous remarquerez que la différence entre ce que vous avez imaginé la réalité de ce qui apparaît à l'écran est très différente. Trouver votre méthode de mise en scène consiste à combler cet écart. Elle peut être négative ou positive. Parfois, le résultat vous surprend dans le bon sens, et parfois vous n'êtes tout simplement pas près d'obtenir la performance que vous avez imaginée. Oui, il s'agit de combler cette lacune. Faire un film et travailler avec des acteurs est un travail d'équipe. Nous devons également faire preuve de flexibilité. vous pouvez obtenir ce que vous voulez d' une scène sans microgérer la situation lorsque vous n'obtenez pas la performance que vous souhaitiez La bonne nouvelle, c'est que c'est toujours de ta faute. Vous devrez apprendre à travailler avec cet acteur et à vous exprimer plus clairement. C'est quelque chose qui ne vient qu'avec l'expérience. Nous les rassemblons, nous apprenons, nous suivons des cours, lisons, mais surtout, rassemblons les erreurs et nous en tirons des leçons. L'un des conseils les plus importants que je puisse vous donner sur la mise en scène est d' aider les acteurs à se détendre. Être à l'aise améliore les performances. Vous devez éviter les raideurs, expressions faciales exagérées ou les mouvements trop théâtraux Optez pour une sensation naturelle. Et la première étape pour y parvenir est de se détendre. Cela peut être difficile lorsque vous réalisez un film, mais au fur et à mesure que vous développez votre style de mise en scène, efforcez-vous de trouver votre propre état de relaxation. Déplacez-vous lentement et parlez clairement même si vous êtes stressé. Lorsque vous réalisez, vous jouez également d'une certaine manière. fait d'être détendue et ouverte aide votre équipe se sentir plus disposée à vous soutenir et à vous écouter. Un autre conseil est de ne jamais jouer une scène ou un dialogue pour un acteur afin de lui montrer comment vous aimeriez que la scène soit interprétée. C'est un gros non, non, tu ne peux pas leur dire ce qu'ils devraient ressentir. Ils ont lu le script et ont leur propre opinion. Si vous n'obtenez pas la performance, c'est une conversation lente. Il peut y avoir des suggestions tonales subtiles pour l'acteur, mais uniquement s'il demande vraiment d'utiliser une métaphore Si nous microgérons un acteur ou nous jouons la scène à sa place pour lui montrer comment procéder C'est comme caresser un chat en arrière. Trouvez un moyen de faire en sorte que tout le monde se détende avant que la caméra ne tourne. Ne le prenez pas trop au sérieux, même si c'est très sérieux. 38. Éditer: Même si tous les processus de réalisation d'un film sont vraiment importants, je placerais le montage comme étant plus égal que les autres. Parce que le montage peut sauver votre film, il peut sauver une prise de vue désastreuse, il peut sauver votre âme créative. Parce que l'édition peut facilement devenir écrasante, je veux que vous y pensiez comme des puces Lego. Votre matériel est fabriqué à partir de puces Lego et vous allez juste en construire quelque chose. Maintenant, je veux que vous gardez cette image à l'esprit parce que encore une fois, il peut devenir facilement écrasant travailler dans la phase d'édition. Je vais aussi tomber dans l'avertissement habituel ici parce que l'édition, contrairement à tous les autres départements, est extrêmement soumise au goût. La méthode que je vais partager avec vous ici est juste ma méthode d'organisation du matériel après un tournage dans la phase d'édition. Comme toujours, je vous encourage à trouver votre propre recette pour vous organiser. Voici un petit aperçu de mon processus d'édition. J' organise mon matériel, je regarde mon matériel et je cherche premières impressions fortes et vous avez tourné qui me bouge quand je l'ai regardé, donc je verrouille mon matériel et je crée un bac pour chaque scène, puis je décide de quelle scène Je voudrais d'abord éditer. Cela peut varier un peu selon le projet. J' essaie de faire quelque chose que je ne peux pas attendre avec impatience et qui m'excite. Quand j'ai trouvé une scène avec laquelle je veux commencer, j'y vais. Qu' est-ce que cette scène a ? Comment puis-je le construire ? C'est une scène lente ? C' est une scène rapide ? Quels coups de feu exprimeraient le mieux ce sentiment ? 39. Processus de montage et premières impressions: Chaque fois que je commence à monter un film, j'utilise toujours deux méthodes. La première méthode consiste à regarder tous les clips, analyser tous les clips, les énumérer, à le faire de manière organisée. Mais je le combine toujours avec une autre méthode, ce que j'appelle la méthode en quelque sorte. Je viens juste d'y aller, je trouve ma scène préférée que j'avais hâte d'éditer. Ensuite, je l'édite et puis j'ai beaucoup de plaisir éditer les scènes que je dois éditer pour faire fonctionner ma scène préférée. Donc, il est agréable de combiner ces deux ; la méthode d'ingénierie, puis en quelque sorte la méthode. Quelle que soit la méthode qui vous convient le mieux, je recommande toujours de passer par l'épreuve de travailler sur le matériau, verrouiller, de le marquer. La méthode principale que je fais ici quand je fais la serrure est de trouver les premières impressions. C' est probablement l'outil le plus grand et le plus important que vous ayez jamais. Si un choc vous émeut quand vous le regardez, même si vous avez fait le script et que vous l'avez vu quand vous le filmez, s'il vous bouge encore, quand vous le regardez à l'écran, placez une petite étoile à côté de lui. Au fur et à mesure que vous travaillez dans le matériau, ces premières impressions s'estompent. Il est donc très important de les marquer plus loin dans le processus d'édition , car ils seront votre guide tout au long de l'édition. Chaque fois que vous utilisez une performance de qualité [inaudible] ou quelque chose vous déplace simplement dans une affaire forte, marquez-la comme une première impression. 40. Montage :: Montage final professionnel: Je vais juste parcourir quelques-unes des techniques que j'utilise en passant par une scène simple. Il y a beaucoup de super cours d'édition et de tutoriels là-bas et je vais juste vous montrer un peu de comment je travaille. Dans cette scène, un homme, mon ami, leur chien a une balle de massage et son chien lui a volé et il essaie de la récupérer. Quand nous commençons la scène, le chien a déjà la balle de massage, donc je décide d'arriver tard dans la scène. Ensuite, on va voir une scène de bataille entre un homme et un chien se battre pour une balle. Bonjour et bienvenue à un bref exemple d'édition. ce moment, je suis en finale 10. La coupe finale est connue pour son timeline magnétique, mais parce que, je vous montre un exemple général, je ne vais pas utiliser la timeline magnétique. Je veux simuler comment vous feriez cela dans n'importe quel logiciel de montage, que ce soit Premier, Da Vinci ou même iMovie. Voyons voir par ici. Ici, j'ai ma fenêtre d'édition. C' est ce que je verrai de chaque tir. Je n'ai sélectionné que deux coups. Ce sont deux longs plans et je vais en faire une petite scène. En ce moment, j'ai sélectionné trois clips ici avec lesquels je veux commencer. Regardons ces trois clips d'affilée et voyons de quoi ils sont. Ah-ah. Donne-moi la balle, amene-la ici. Apportez-moi la balle. Bailey. Elle a pris notre ballon ? Bailey. Apportez-moi la balle. Bailey. Les trois clips ont le même message. Deril demande son ballon. Je vais prendre cette coupure ici et jouer avec. Je vais juste le chevaucher comme ça. Notez que le son va se chevaucher. Tu vois ce qui se passe ? Amenez-le ici. Apportez-moi la balle. Bailey. Elle a pris notre ballon ? Bailey. Jouons un peu avec ça. Ah-ah. Donne-moi la balle. Amenez-le ici. Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Je vais prendre ce son ici et je vais utiliser la gomme ici, que nous pouvons sélectionner ici. Le raccourci est B donc je vais juste aller ici et pousser B. Je vais couper le son ici. Je vais enlever le son ici et ce son l'est. Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Vas-y encore. Ah-ah. Donne-moi la balle, amene-la ici. Amenez-le ici. Remarquez le petit point qui apparaît ici, je vais le faire disparaître comme ça. Amenez-le ici. Celle-là, je vais s'estomper un peu comme ça, je vais le placer, laissez-moi voir. Bailey. Bailey. On le voit dire, ce son doit le marquer, et pousser N et pousser N. Voilà où il le dit. C' est ce qu'il faut voir. Prenons celui-ci ici et voyons ce qui se passe si vous le placez ici. Ah-ah. Donne-moi la balle. L'amener ici. Je veux juste raccourcir cette coupure jusqu'ici et voir comment ça se passe. Tu vois ça nous regarde en quelque sorte. Peut-être que je ne veux pas ça. Je vais skip*** devant ici. Sélectionnez cela et regardez l'écart et voyez ce qui se passe. Joue-le. Ah-ah. Donne-moi la balle. Amenez-le ici. Bailey. Elle a pris notre ballon ? Bailey. C' est plutôt bon. Je suis content de cette coupure. Amenez-le ici. Bailey. L' immédiateté du son venant directement à la coupe aide la coupe. Amenez-le ici. Bailey. Elle a pris notre ballon ? Ici, j'ai ma voix qui arrive, donc je vais supprimer ça. Je fais toujours ça juste pour adoucir le son. Ici, nous avions mis la citation. Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Peut-être que tu pourras l'utiliser à nouveau. Laisse-moi voir. Joue-le. Ah... ah. Donne-moi la balle. Amenez-le ici. Bailey. Peut-être que ça se passe bien ici. Voyons ce qui se passe. Ah-ah. Donne-moi la balle. Amenez-le ici. Bailey. Apportez-moi la balle. C' est plutôt bien. Il y a un petit saut sonore, et je suis toujours mal à l'aise avec ça. Je vais adoucir encore plus le son. Apportez-moi la balle. C' est sympa. Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Maintenant, je vais vérifier si je suis satisfait de ces deux coupures. Ah-ah. Donne-moi la balle. Amenez-le ici. Bailey. Apportez-moi la balle. Maintenant, le clip numéro 3 était quoi ? Apportez-moi la balle. Bailey. Il y a beaucoup de répétitions ici, mais on va vivre avec, espère. En sélectionnant ces deux. Lorsque je sélectionne ces deux, juste en passant, j'ai cliqué sur celui-ci et j'ai cliqué sur le bouton d'option ou la commande. Je tiens ça et puis je les sélectionne tous les deux. Je le relâche, puis boum. Laissez-moi voir comment cela fonctionne. Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Saut sonore. Il va toujours sur mes petits nerfs d'édition quand j'entends des sauts sonores. Apportez-moi la balle. D' accord. Apportez-moi la balle. Apportez-moi le. Encore plus. On a quelque chose ici ? Le ballon. Oh, il est toujours dans cette bouillie de bouillie. Je ne sais pas quel était ce mot, mais voyons. Et si on faisait ça ? Oh, amène-moi la balle. C' était sympa. C'est un petit accident qui s'est produit juste là. Oh, amène-moi la balle. Bailey. Je suis content de ces trois coupes ici. En ce moment, nous sommes dans l'acte 2 de cette grande bataille. Nous avons déjà mis en place dans la première section acte un, où nous avons établi chien. Le chien a pris une balle et le soi-disant propriétaire essaie de la récupérer, et il y a une impasse juste là. Dans l'acte 2, nous allons engager des fiançailles. Il va y avoir un conflit. Ici, je vais faire un point médian de la scène qui est une fausse victoire. On saute dans le temps et un homme, Deril mon ami, est maintenant proche du chien et tente d'obtenir la balle. Donne-moi la balle. Tentative ratée et ici nous avons. Viens ici Bailey. Viens ici. Viens ici. Papa a besoin d'un massage. Papa peut se faire masser ? On place ça ici. Remarquez juste que je vais juste me sentir instinctif. Eh bien, papa. Voici comment j'ai un petit saut. J' ai une petite coupe du chien juste ici. Je vais juste le placer ici. Viens ici. Papa a besoin d'un massage. Maintenant, j'ai un peu de plaidoyer. Ici, nous avons eu la première section de notre scène. Je vais juste déplacer celui-ci parce que je suis content, juste ici et vérifier la prochaine session. Il y aura celui-ci ici, que j'ai déjà édité. Regardons ça. Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Donne-moi la balle. Je vais prendre cette balle. Donne-moi la balle. Remarquez dans cette section ici, il essaie à nouveau, pour obtenir la balle, mais cette fois il y a une escalade. Il y a un changement. Bailey le chien s'accroche à son propriétaire, claquant. Nous avons une escalade. C' est la section 3. Regardons la dernière section que j'ai déjà éditée avec le même processus que je vous ai montré. Viens ici. Bonne fille. Allez, maman. Tu ne me donneras pas ? Viens ici. Viens ici. Tu ne vas pas me donner la balle ? Tu as essayé de me piquer pour un ballon ? Pourquoi tu me claques dessus ? Je vais chercher le ballon. Je te connais, c'est ça ? Ils sont amis maintenant. Il la taquinait pour avoir le ballon. Maintenant, placons toutes ces séances ensemble. Je vous ai déjà montré en détail comment j'ai édité cette partie. Puis je suis allé un peu plus vite ici, puis j'avais déjà édité ceux-ci ici. Je vais juste les placer tous ensemble et voir ce qui se passe. En ce moment, nous avons la scène ici. Ce que je vais faire, je vais juste placer un son atmosphérique en arrière-plan. Je monte à ma poubelle, et je l'ai préparée ici. Ça va jeter tout ce clip ici, boum. Le premier est terminé. On y va. Je vais juste le placer ici. Maintenant, nous avons un son atmosphérique. Ah-ah. Donne-moi la balle. Amenez-le ici. Allons fous et y mettre de la musique. Je l'ai déjà fait ici. Laisse-moi voir. C'est la musique. Je vais juste trouver des notes élevées sur la musique. Maintenant, on a une scène, boum. Ah-ah. Donne-moi la balle. Amenez-le ici. Bailey. Apportez-moi la balle. Bailey. Ne mâche pas la balle. Allez, amène-le ici. Donne-moi la balle. Apportez-moi la balle. Viens ici Bailey. Viens ici. Viens ici. Papa a besoin d'un massage. Papa peut se faire masser ? Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Donne-moi la balle. Je vais prendre cette balle. Donne-moi la balle. Viens ici. Bonne fille. Allez, maman. Tu ne me donneras pas ? Viens ici. Viens ici. Tu ne vas pas me donner la balle ? Tu as essayé de me piquer pour un ballon ? Pourquoi tu me claques dessus ? Je vais chercher le ballon. Je te connais, c'est ça ? 41. Monter : Real Time Edit Sprint: Au cours de cette session, je vais vous faire démonstration en direct d'un sprint de montage de 15 minutes, ce qui signifie que vous n'avez qu'à mettre une minuterie, 15 minutes puis vous y allez, et l'astuce principale est de ne jamais regarder en arrière, revenez jamais en arrière et passez en revue votre matériel, continuez toujours. Je vais juste commencer l'horloge. En ce moment, je me sens très mal à l'aise, ce qui est probablement bien. Je vais juste vérifier le matériel. ce moment, nous sommes en été, c'est sûr. Avec moi aujourd'hui, c'est mon ami, Sonny. Bonjour. On y va. Je suis là avec mon ami, je le vois. Laissez-moi juste, donc ce que j'essaie de faire ici, c'est de ne pas devenir anxieux, même si j'ai la minuterie, donc je vais être calme et je vais respirer, soupirer un peu, calmer et ensuite être calme. Je vais diminuer mon dialogue intérieur comme ce que je pense du matériel juste éditer et laisser mes mains faire le travail et voir ce qui se passe. Cela peut être assez effrayant. Allons-y. ce moment, nous sommes en été, c'est sûr. Avec moi aujourd'hui, c'est mon ami. Je vais juste raconter, pas là, juste le faire. L'été, c'est sûr. Avec moi aujourd'hui, c'est mon ami, Sonny. Bonjour. [RIRES] Il va prendre comme un mini. Avec moi aujourd'hui, c'est mon ami, Sonny. Bonjour. [RIRES] Nous allons faire un mini film. Le voilà, donc je pense maintenant. Nous allons faire un mini film. Je vais juste tourner quelques clichés avec lui et on va monter et filmer. Je vais juste tourner quelques clichés avec lui et on va monter ensemble, alors on fait ce qu'on appelle une petite entité dans une histoire. Suivez attentivement. Oui. Très bien. [RIRES] Un peu d'attitude là. Jetons un coup d'œil. Avec moi ici aujourd'hui. Non, désolé, à cause du temps, je n'y retournerai pas. Je vais aller de l'avant. [inaudible] ou action. Je vais juste commencer par ici. L'homme, qui marche. Arrêtez-vous ici pour voir ce que c'est le reste, cet homme marche-t-il ? D'accord. prochain coup, c'est parce que, je vais aller à la vitesse, je ne vais pas trop y penser ou l'analyser, juste un homme qui marche. C'est un peu peu désordonné, d'accord. Laissez-moi voir, il n'y a pas de compétence ici et c'est tout droit ici. Jetez un coup d'œil. Faisons ça. Enlevez celui-ci. Enlevez celui-ci. Nous filmons deux clichés avec lui. Non, je reçois un rapport ici, apparemment. Que dis-je ? Nous avons filmé deux clichés avec lui, l'un le suivant. Je vais juste mettre cette photo en vacances. C'est moi qui raconte aussi. Qu'est-ce que c'est ? Ce n'est rien. J'allais le dire parce que je ne vais pas trop l'analyser en guise de plan latéral. [BRUIT] Ne pas être précieux avec elle. [ÉTRANGER] Qu'est-ce que je lui dis ? [ÉTRANGER] Oui, regardez devant vous. [ÉTRANGER] Voyez votre fille devant vous parce que j'ai ici l'intention d' obtenir son petit sourire de son visage autant que je peux, lui faire penser à sa fille. Un peu mieux ici, mais nous sommes amis, il est donc difficile d'enlever ce sourire. On y va, un peu de sourire ici. Ensuite, quand je modifie, je vais , 1, 2, 3, 4, 5, 6, c'est bien. J'aime bien celui-là. Je vais le placer ici. Je ne peux pas revenir en arrière. [BRUIT] C'était ça. Que dis-je ici ? [ÉTRANGER]. Maintenant, je vais aller 20 % plus lentement. Je dis ici que tout le monde sourit. [RIRES] Je vais juste supprimer ça. Voici quelques trucs à l'arrière. [BRUIT] Voyez, cela fonctionne, 1, 2, 3, 4, 5, c'est suffisant. En avançant encore une fois très mal à l'aise, neuf minutes. Action. [BRUIT] C'est bien. Action. Bien sûr, je vais prendre le son cette chose ici, peut-être marcher, 1, 2, 3, 4, 5. C'est bien. J'aime bien la pluie ici. D'accord, pour aller de l'avant. On y va. [BRUIT] 1, 2, 3, 4. Là, je lui disais de me rattraper, comme marcher aussi vite que je marche. Il s'agit toujours de parler. Je vais attendre un peu avec ça. Déplacons ceux que nous n'utilisons pas, cet endroit à l'arrière. Si nous pouvons l'utiliser, mais nous y voilà, n'allez pas aussi vite que nous y allons. Vous pouvez également y aller à l'arrière comme ça. Ça veut dire rester calme, [BRUIT] Ici, il est debout. D'accord. [ARRIÈRE-PLAN] Il y a une belle photo. [ARRIÈRE-PLAN] Ici, 1, 2, 3, 4, 5. C'est bien. Celui-ci saute tout le temps le début. Il a cligné des yeux, on n'aime jamais clignoter des yeux au début d'un tir. On y va, 5, 6, c'est tout. Les mettre sur le côté. Celui-là est l'angle, apparemment, il y a 1, 2, 3, 4. C'est suffisant. Continuez. C'est au-dessus de l'épaule. regarde juste où je suis encore. Vous auriez dû jouer ces clips si je fais quelque chose de très précieux, mais là encore, le but est d'aller vite et lentement. [CONTEXTE] 1, 2, 3, 4, 5. C'est bien. On y va, comme ça. [ARRIÈRE-PLAN] C'est un autre angle si je le veux. [CONTEXTE] C'est son point de vue. [ARRIÈRE-PLAN] J'ai du bien, puis [ARRIÈRE-PLAN] la même chose ici. C'est ça. Je suis en difficulté, je ne suis pas sûr de ce que je fais ici, alors je vais vérifier ce que je disais ici. [BRUIT]. Le suivre. CV. Nous avons filmé deux clichés avec lui. L'un le suit, l'autre devant. ce moment, je vais faire un coup latéral et je vais lui demander de marcher. Je vais lui demander de marcher. Je perds peut-être du temps ici. Laissez-moi voir ce que [ CHEVAUCHEMENT] Ici à la fin, nous nous sommes arrêtés parce qu'on a commencé le film avec lui. Je vais lui demander de marcher 20 pour cent plus lentement [ARRIÈRE-PLAN] pour pouvoir le suivre là-dessus et maintenant. Ils sont découpés là-bas. Qui était le directeur de la photographie là-bas ? Je vais le virer. Laissez-moi voir. instant, je ne suis pas au courant de ce que je fais, alors je vais le vérifier ici. Cool. Avec moi aujourd'hui, c'est mon ami. Quoi de neuf ? [RIRES] Nous allons faire un mini film. Je vais juste filmer quelques clichés avec lui et on va monter ensemble. Je vais juste tourner quelques films. Je vais juste tourner quelques clichés avec lui et on va monter ensemble, donc on va faire ce qu'on appelle une petite entité dans une histoire. [BRUIT] J'essaie de faire une histoire à partir de ça, et il ne me manque que quatre minutes. [BRUIT] Que puis-je faire ici ? Écoutez. [BRUIT] Le voilà alors qu'il entre dans le cadre là-bas. Je vais m'en servir comme cadre de marche. Je pense que j'ai un peu plus de temps ici. ce moment, parce que je n'ai pas de son approprié dessus, je vais juste l'inventer. Laissez-moi voir. L'histoire. Lui. Encore plus longtemps. T dans une histoire lui ou action. [BRUIT]. [MUSIQUE] Il était une fois, arrêtez-vous. Attendez celui-là. [BRUIT] Il est ici derrière, à l'arrière. En arrière, allons-y. Trois minutes. Oh, mon Dieu. J'y vais. [MUSIQUE] Il y a un petit saut là bas, n'est-ce pas ? Je pense que oui. Je vais enlever le son et utiliser ma propre bande-son magnifique. [MUSIQUE] En haut, alors sautez là. On va juste raccourcir ça jusqu'à quoi ? Oh, mon Dieu, deux secondes. Est-ce que j'ai d'autres choses à m'attarder ici ? [MUSIQUE] C'est bien. Ensuite, je vais aller de côté parce que je ne pense pas trop. [MUSIQUE] Alors je peux retourner à l'arrière si je le veux, entendre que je pars. En fait, je vais juste le faire s'arrêter juste là , puis vers le bas avec le son. [MUSIQUE] Un homme debout regardant quelque part. Oh, c'est sympa. Mettez-le ici. [BRUIT] [MUSIQUE] On y va. C'est un peu trop clair pour moi. Quelle est la dernière chose que nous avons vue là-bas ? On peut passer par-dessus l'épaule. Oh, mon Dieu, une minute et 40 secondes. [MUSIQUE] On y va. Est-ce que j'ai un gros plan de son visage ? Oui, je le sais. On y va. [MUSIQUE] Quelque chose en arrière-plan. [MUSIQUE] L'homme regarde clairement quelque chose, et voyons ce qu'il regarde. Ce sera celui-ci ici. [MUSIQUE] Boom, oh, nous avons fait un film et nous avons une minute à perdre, donc je vais juste le faire passer. Avec moi aujourd'hui, c'est mon ami. Quoi de neuf ? [RIRES] Nous allons faire un mini film. Je vais juste filmer quelques clichés avec lui et on va monter ensemble. Nous ferons de ce que nous appelons une petite entité dans une histoire. Oui. Maintenant, je n'ai pas encore sonné ça, et je vais finir ça et polir ça. On y va. Mais c'est un peu trop. [MUSIQUE] Il s'agissait d'une ronde de montage rapide, puis je fixais le son et corrigeait la couleur. Mais c'est assez incroyable ce que vous pouvez faire en peu de temps si vous filmez clairement les choses. Ici, j'ai décidé d'un chemin clair pour le personnage, puis j'ai tourné différents angles. Je l'ai fait couper ensemble, alors on y va. L'heure est écoulée. Avec moi aujourd'hui, c'est mon ami. [CONTEXTE] Quoi de neuf ? [RIRES] Nous allons faire un mini film. Je vais juste tourner quelques clichés avec lui et on va monter ensemble pour qu'on fasse ce qu'on appelle une petite entité dans une histoire. Oui. [ARRIÈRE-PLAN] [BRUIT] 42. Montage :: Davinci Resolve: Voici une petite démonstration de montage bonus que j'ai faite dans cette résolution avec du matériel qui sont tournés sous la pluie ici en Islande. Vous pouvez télécharger tout le matériel pour cette leçon sur le site de la classe. Amuse-toi bien. Ici, j'ai ouvert dire à résoudre 16, que nous pouvons obtenir gratuitement. Nous allons juste faire trois démonstrations rapides de l'échantillon de matériel fourni avec la classe, où vous pouvez pratiquer un peu de montage et un peu de réflexion. Importons notre matériel. Ici, nous avons le matériel que vous allez avoir pour ce cours, ouvrant tout le matériel et en le jetant ici. Ici, nous avons le matériel et maintenant je vais juste l'attraper, tout et le mettre ici. Rien de fantaisie. Voyons, c'est le premier coup. Joue-le, au ralenti. C' est un miroir, un miroir de voiture. J' ai ça ici. Remarquez que je ne vais rien faire de fantaisie ici. Je ne vais rien étiqueter. Je vais juste aller très propre à ça. Ici, j'ai cette photo et je pense que c'est un miroir et vous dites jouer et comptons 1, 2, 3, arrêtez. On y va. C'est là. Je vais juste sélectionner cette zone ici. Appuyez sur le bouton de suppression, comme ça. Ensuite, aurons-nous ce que c'est ? Qu' est-ce que c'est sur Terre ? Une pluie plausible. Ma contribution pourrait être ici. Qui est le rasoir ici ? Comme ça et rien d'autre dans ce plan. Supprimer. Cette pluie aussi et la couronne, ce calme. C' est inversé. Donc on va devoir le retourner. Une fois. Je pourrais prendre, faire glisser ça ici, comme si à partir d'ici, aller 1, 2, 3, c'était la deuxième partie du tir. Je ne vais pas utiliser que c'est un tir assez long ici. [ inaudible] 1, 2, 3, s'en va. C' est quoi le tir ? Il va s'élever. 1, 2, 3. Tellement gentil. Un autre tir ; 1 ,2 ,3. C' est bien qu'on voit les essuie-glaces là-bas. Quelque chose d'autre dans le coup que je veux ? Peut-être que le tour ici a fait de la musique. Pas ici. 1, 2, 3. C' est sympa. Maintenant, j'ai édité les photos ici. On a le tir inverse. Celle-ci ici. On va l'inverser, puis on va à l'inspecteur et on le retourne, je pense qu'il est là. Comme ça. Faisons une histoire à partir de ces clips ici. Rappelez-vous, nous faisons toujours les trois actes. Quel pourrait être l'acte numéro 1 ? une fois, il y avait de la pluie. C' est mon premier acte. une fois, il y avait de la pluie. Allons à l'acte 2. Ce sera, et il y avait une voiture sous la pluie. Il s'avère qu'il n'y a pas seulement de la pluie, mais qu'il y a une voiture sous la pluie. La voiture prend la décision de conduire sous la pluie. Il nous manque une chance pour ça. Laisse-moi voir. Où était-ce ? On va y aller. Je vais l'éplucher. La voiture commence à bouger. Ombre les deux actes maintenant. une fois, il y avait de la pluie. Allons à l'acte 3. Ce tir. Parce que nous ne sommes pas entièrement établis la voiture, nous avons de la pluie, de la pluie, de la voiture, de la voiture. Voyons la ville depuis les yeux de la voiture. Ce code ici, il s'est avéré qu' il y avait une voiture sous la pluie et la voiture a décidé de faire un tour dedans. Quand la voiture a décidé de faire un tour sous la pluie, ce n'est probablement rien dont nous avons besoin pendant un instant. Quand la voiture a décidé de faire un tour sous la pluie, elle a vu les villes, elle a vu des rues et des bâtiments et plus de bâtiments. On a fait un petit court-métrage. On a fait un film de 24 secondes. Maintenant, je vais ajouter des effets sonores. J' ai trois effets de pluie et j'ai des essuie-glaces juste ici. Vérifie celui-là. Chaque fois que je clique sur celui-ci, je double-clique dessus, puis j'appuie sur le bouton d'espace. Cliquez sur celui-ci. On y va. Ici, nous sélectionnons l'endroit et poussons simplement soit le rasoir ici ou la lettre B. Voyons cela. Disons que nous sommes heureux avec ça et que je vais juste baisser cette chute ici, comme ça. Dis qu'on est heureux avec ça. Vérifions cet effet de pluie pour voir ce qui se passe quand on met cette voiture ici. C' est sympa. Un script comme ça. Disons juste ça. Lorsque vous changez de sons comme ça, vous créez du temps. Par exemple, si nous sommes ici et cette foi, celle-ci dehors, comme ça. Là où nous avons les essuie-glaces juste ici, double-clic, jeu, bouton espace. Je vais juste faire glisser ce clip ici et vérifions. C' est un peu trop rapide. Nous pouvons le garder si vite s'il veut garder le son en temps réel. Nous pouvons également cliquer avec le bouton droit et aller dans la vitesse de changement de clip. Venez jusqu'à 50 pour le plaisir et voyez ce qui se passe. Je vais juste le garder comme ça, mais très bas. Tiens, je vais juste arrêter ça ici sur celui-là. Ici, je voudrais avoir un nouveau son. Il y a un effet de pluie que nous ne sommes pas utilisés, qui est l'intérieur de la voiture. Vérifiez-le. Un peu trop agressif, mais on s'en fiche parce qu'on fait un court métrage créatif. Remarquez comment le son va aider un peu les coupures. Un peu fondu dans le son ici. Ici, je voudrais changer de temps. Nous sauterons dans le temps. Ce que je vais faire, c'est appuyer sur la lettre B pour l'éditer. Ensuite, je vais juste aller au hasard quelque part dans ce son ici et le faire sauter et le rendre un peu plus bas aussi. Voyez ce qui se passe. Ici, je voudrais changer à nouveau. Ensuite, pressons celui-ci, par exemple, à nouveau, comme ça. Voyez ce qui se passe. Nous avons fait un petit microfilm en utilisant le matériau. Maintenant amusez-vous à faire votre propre version ou préférence photographier du matériel simple vous-même et de le mettre ensemble. 43. Couleur: Dans cette section, nous allons colorer notre scène ici. Je veux juste marquer. C'est l'avis de non-responsabilité habituel. Je ne suis pas spécialiste des couleurs. Mais pour l'amour de cette vidéo et de l'ensemble Do It Yourself Filmmaking, je vais juste vous montrer comment je ferais, par exemple, celui-là. Regardons le premier coup ici. On a deux photos sur la même caméra dans la scène : « Donne-moi le ballon. » Je peux probablement utiliser un paramètre similaire. Laissez-moi d'abord trouver un plan de référence. Quel est le plan que je voudrais utiliser comme point central de toute la correction des couleurs. Utilisons celui-là. Tu vas jusqu'ici à ce petit truc de couleur, ici. Je ne vais pas faire quoi que ce soit de fantaisie, je vais juste passer en revue les bases. Nous avons Exposition, Saturation et Couleur. Je vais commencer par l'exposition. En cela, je vais éclairer aussi haut. Points forts, je vais les faire tomber un peu. Vérifiez de descendre les bas du point médian et donnez-lui un peu de look fané, comme ça. S' il vous plaît vérifier ce fatal comme ça. Là, nous allons situation. Je vais l'enlever et le pousser comme ça et faire ressortir peut-être le bleu un peu. Bleu sur les points forts comme ça. C' est cette photo ici. Il va prendre celui-là et je le copie. « Copier ». Alors j'irais là-dedans. Ensuite, j'utilise le même paramètre et je colle les attributs , puis je peux le sélectionner ce que je veux coller ici. Je ne veux pas jouer avec la position, je veux juste colorer comme ça. Tournez ces deux-là. Je vais sélectionner tous les clichés sauf ces deux-là. Je vais « Coller » les attributs, encore une fois, seuls ceux de couleur comme ça. Je vais juste le vérifier maintenant. Donne-moi la balle, amene-la ici. Bailey. Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Bailey. Ne mâche pas la balle. Allez, amène-le ici. Apportez-moi la balle. Viens ici Bailey. Viens ici. Viens ici. Mais papa a besoin de massage. Papa peut se faire masser ? Apportez-moi la balle. Apportez-moi la balle. Donne-moi la balle. Je vais prendre cette balle. Donne-moi la balle. Viens ici. Bonne fille. Allez, maman. Tu ne me donneras pas la balle. Viens ici. Viens ici. Tu essaies de me piquer pour un ballon ? Pourquoi tu me claches dessus ? Je vais chercher le ballon. 44. Bonus : : Exemple de retouche : "Course": Dans cette leçon, je vais vous donner ou plutôt vous montrer comment j'ai ajouté Davinci resolve C'est un petit moment en famille. Dans cette leçon de montage spécifique, je vais réfléchir longuement aux angles de 90 degrés, l' importance de photographier devant ma bouche, ce n'est pas bon. Où était-ce ? Oui, angles de prise de vue. Si vous photographiez à une vitesse d'angle de 90 degrés, il est généralement très facile de passer de cet appareil photo à cet appareil photo ici. Vous pouvez même rapprocher les angles. Cela va bien se modifier. Alors, faisons-le encore une fois. Regardons un exemple. abord, je vais parler un peu angles et je vais passer à la leçon. Dans cette leçon, je vais aborder Da Vinci Resolve , un logiciel de montage gratuit. Je vais garder cette leçon d'édition autant que possible en temps réel pour votre bénéfice, elle risque donc d'être un peu longue. Mais j'espère que cela vous sera utile de voir mon processus de travail. Je vais me concentrer sur l'utilisation des angles de caméra, concentrant sur 90 degrés. Et pour vous montrer à quel point il est plus facile de faire montage lorsque vous filmez quelque chose avec cet angle de caméra à l'esprit. OK, donc c'est juste un petit moment en famille où les gens jouent ensemble à jeux vidéo, discutent et des trucs comme ça. OK, alors laisse-moi voir ici. J'ai pris la première photo ici. Voyons voir, il va l'utiliser un peu, d'accord ? OK. Nous ne pensons donc pas spécifiquement à l'audio ici, nous ne pensons qu'aux angles. Voici donc l' écran qui, d' accord, c'est la petite fille, c'est l'écran. Ensuite, je trouverai un poste. Laisse-moi juste couper un peu le son. Celui-ci regarde également l'écran de manière floue au début, ce que j'aime bien, laissez-moi juste voir comment cela s'édite ensemble. Il regarde également la vidéo, déplace légèrement la caméra, la découpe ici. L'idée ici est d'éditer ce n'est pas de penser complètement au son, on peut le faire après coup. J'aime le fait que les choses soient floues. Et donc, elle regarde sortir celui-ci, le placer ici, comme vérifier les rôles, bouche ouverte. Cela m'intéresse toujours de voir à quel point les visuels sont beaucoup plus forts que ce qui est dit Nous y réfléchirons plus loin dans cet exercice. Elle dit quelque chose, la caméra tombe en panne. Peut-être que si elle dit quelque chose, je ne me souviens pas de ce qu'elle dit. Nous pouvons simplement aller ici, alors passons à la vidéo. Le son est reparti pour le montage suivant. Il est toujours fascinant de voir comment nous pouvons associer la réalité de chaque scène simplement en pensant au son, pour le rendre impeccable sans aucun montage Ce que nous avons appris ici, c'est que nous avons un jeu vidéo, que quelqu'un dit quelque chose, qu'il regarde. Elle a les mains libres, donc elle ne joue pas. Voyons si nous avons le joystick quelque part. Jouez. Celui-ci est en train de se voir confier une telle position, arrêtez-vous ici. Juste pour le fun, je vais le faire comme ça. Je ne sais pas si ça va fonctionner, mais en fait, vous pouvez voir que le son est là, puis qu'il est là. Et je repense à l'audio plus tard, nous nous concentrons simplement sur la création d'un peu de réalité. Nous fabriquons quelque chose à partir de rien, d'accord ? Carom pense à modifier le rythme, boum. En disant quelque chose qui lui est remis , il prend position. Boum. Donc, les rôles réfléchissent ici. Rythme d'édition, Teton, Sympathy numéro neuf. Symphonie numéro neuf. Pas de sympathie, ça aurait pu être un meilleur titre. Je ne vais pas entrer dans une machine à voyager dans le temps et le dire à Peyton, laisse-moi voir ici Il y a une technique que j'utilise parfois. Laissez-moi voir ici. Ma dernière modification est celle-ci ici. Et ici, j'utilise simplement un outil de capture d'écran qui s'appelle ici un indice d'écran J'ai juste ce cadre ici. Je me souviens donc de la dernière image. OK, ici, super. Je pense que s'il est modifié, il est là. Peut-être que cela va être modifié. Oui, regarde ça. Rapprochons-nous de celui-ci et je vais juste mettre une touche de fantaisie sur ce que j'ai terminé ici. Oui, d'accord, donc c'est la dernière position ici. Je pense que cela pourrait très bien vérifier. C'est toujours bien pour moi de faire du montage sans le son, parfois parce que cela vous fait sortir du rêve C'est sympa. Cette photo que nous avons ici, celle-ci ici, et celle-ci ici. Ils vont l'ajouter, d'accord ? Parce qu'ici la caméra est presque 90 degrés sur le profil et ici la caméra est presque derrière le personnage. Je pense toujours à la règle des 90 %. 90 degrés. Si vous avez une photo à 90 degrés, cela va bien l'ajouter. Donc, ici, en pensant à Beethoven, ou à n'importe quel rythme, d'ailleurs, encore une fois, ce qu'ils peuvent dire peut être très intéressant, mais ce n'est pas l' exercice pour le moment L'exercice ici consiste uniquement à penser aux angles. OK, nous avons ici un toboggan, peut-être que nous allons y jeter un œil. Rester ici derrière la caméra. Ce que je vais faire maintenant, c'est changer ces prises de vue. Je vais juste les rendre invisibles. Et regardez celui-ci, peut-être que si c'est mieux optez pour 321. Et la position de la main est la même, ce qui est un avantage. Ensuite, nous allons nous déplacer vers elle comme ça. Je vois le reste du cliché. Comme vous pouvez l'imaginer, cela dépend en grande partie de vos goûts personnels. Lorsque nous éditons du matériel, nous allons déplacer ces gars en vacances. Les gars d'ici peuvent probablement simplement se rapprocher d'ici. Donc, comme vous pouvez le constater, pour intégrer toutes les modifications de la chronologie, j'aime beaucoup la méthode de montage analogique Ce que je vois est ce que je reçois. Ce que je vois, c'est que ce que j'ai utilisé l'année dernière, c'est celui-ci. On peut ranger celui-ci. Maintenant je m'en souviens juste, c'est son profil. Et nous pouvons aller à la voiture, nous pouvons sauter dans le temps, regarder la caméra, et nous pouvons simplement sauter dans le temps. Si c'est le cas, veuillez voir ce qui se passe. Je ne vais pas utiliser celui-ci. Boum, comme ça et maintenant on a juste sauté dans le temps. Il écoute. Boum. Il regarde la caméra et nous leur disons non verbalement qu'ils s'amusent Voyons si nous avons un heureux accident. Je ne vais pas trop réfléchir au prochain montage, je vais juste le placer ici et voir ce qui se passe Encore un peu de course. OK, nous sommes là maintenant. Je vais plutôt revenir en arrière, je vais avancer dans le temps. Tu vois comme si ce sourire était une caméra et que tout à coup, le temps a changé. Je vais donc juste me rendre dans la zone où il aura la bouche fermée . Boum. Alors emmenez celui-ci ici. Ou celui-ci. Ouais. Donc, le temps passé à dire quelque chose, dire quelque chose de flou. Nous pouvons utiliser cette mise au point automatique ici comme transition. C'est bien, même s' il a la main levée. Ce qui est parfois agréable, c'est d' utiliser des gestes de la main comme nous l'avons fait, disons que notre main est là. Que nous pouvons utiliser cela pour dire, pour donner l'heure aux gens. C'est un moment différent de celui du tir avant de voir le saut, le mouvement rapide de la main. Lorsque nous avons le mouvement de la main ici, nos yeux vont se déplacer ici et nous distraire. Et nous allons voir le montage, ce qui est sympa. Je me concentre, je tousse et ils s'amusent. OK. Je vais juste m' arrêter là quand ils seront tous les deux impliqués dans la scène en ce moment. Comme vous pouvez le constater, je ne vais pas trop revenir en arrière et regarder le montage. J'essaie d'abord de devenir linéaire. vais voir le dernier cliché où j'ai un peu de mouvement. J'utilise un curseur pour simplement faire comme ça, étudier la question. C'est une photo secondaire. Vue latérale et photo latérale, très belles, donc je peux les utiliser. La dernière dose que nous avons utilisée était celle-ci pour tousser. Nous sommes devant eux maintenant, nous allons repartir avec eux. Je vais y aller, boum. Voyez ce qui se passe. Maintenant, je regarde juste le mouvement de la caméra. La caméra 123 entre, ils parlent toujours, ils disent quelque chose pendant qu'il la regarde encore. Je vais y aller, voilà, on y va. Boum. Encore une fois, ce sera un montage différent si j' écoutais le son. Mais ce que je montre ici, c'est comment vous pouvez compartimenter votre processus de travail, pensant qu'à une chose à la fois Lorsque nous faisons cela, nous nous concentrons uniquement sur l'édition pour le moment. Petit à petit, nous apprendrons à le faire, les deux en même temps. Montage et écoute du son. Il regarde, il la regarde. Elle y est. Elle est concentrée. Elle dit quelque chose. OK, arrête maintenant, voyons voir. C'était quoi ce nist ? Maintenant, il est là et il regarde. Attendons que le tir soit stable comme ça. OK, voyons ce qui va se passer. Pm. OK, donc maintenant je pense avoir ma modification. Je vais juste le faire passer. Il y a le jeu vidéo, universelle ou la simple métaphore de la bouche ouverte, qui est la fascination, en disant, en faisant de la spéléologie, en disant quelque chose de plus que 123, je fabrique un stylo qui dit quelque Nous faisons un bond en avant dans le temps. Ils s'amusent clairement à cause du sourire à la caméra. Ensuite, nous utilisons le geste de la main pour revenir dans le temps. Ils s'amusent clairement. Maintenant qu'ils sont bien installés, il parle lentement, elle écoute, elle dit quelque chose de joyeux. Et à la fin, il est calme et ils sont ensemble. Boom, c'est une histoire. 45. Bonus : : Exemple de couleur "course": Dans cette leçon, je vais corriger la vidéo que je viens de modifier lors la dernière leçon pour vous donner un cours intensif sur la correction des couleurs, même si je ne suis pas moi-même un expert en correction des couleurs Mais c'est bien de terminer le tout avec un peu de couleur lorsque je commence à corriger ce par quoi j'aimerais commencer pour trouver le bon cliché de référence, quel est le plan qui représente la scène et quel est le plan avec l'éclairage le plus neutre ? Je suis sûr qu'il le dit. J' irais probablement ici maintenant. Je vais juste essayer deux ou trois choses. Laisse-moi voir. Mm. Nous voulons toujours commencer par dire que nous ne sommes pas des coloristes professionnels, mais c'est très agréable de pouvoir vous y retrouver Laisse-moi voir ce que tu ressens. Maintenant, je vais utiliser celui-ci pour le mesurer, comme l'aspect naturel de cet appareil photo. Cet appareil photo s'appelle Sigma P. Bien, c'est bien. Ensuite, je vais juste ici, voir, et je joue avec le contraste de base. Je ne sais pas ce qu'est ce pivotement. Les détails le rendent plus rugueux, plus doux. Conservez cette saturation Y neutre. Est-ce que je le veux ? Quelque chose comme ça. Faits saillants. J'aime bien minimiser les points forts , puis je peux jouer avec les niveaux de lumière ici. Quelque chose comme ça. Ombres. Une grande partie des choses que j'ai apprises ici en correction des couleurs se font simplement par le biais de la correction des couleurs Beaucoup de films. Eh bien, c'est un peu trop sombre maintenant à mon goût. Sûrement comme ça, oui. D'accord. Température Est-ce qu'il fait froid ? Il fait chaud dans la chambre ? Qu'en est-il de ça ? C'est plutôt sympa. D'accord. Nous aimons celui-ci et nous n'allons pas le rendre trop compliqué. Il suffit de prendre celui-ci ici que j'ai édité, cliquez avec le bouton droit de la souris, bordel. Ensuite, je monte dans la galerie, et voici mon alambic ici. Je vais juste appliquer ce grand boom. Oui, je me demande si je peux le faire. Toutes ces conditions s'appliquent. Génial. En gros, j'ai copié le tout. C'est le top. Je vais tout configurer et je vais aller ici, appliquer les meilleurs. Nous allons dire que ce n'est pas parfait. Celui-ci est un peu trop brillant. Permettez-moi de le noter, un peu comme ça. Tu vois comment ça sonne ? Celui-ci est un peu trop brillant. Oh, laisse-moi juste prendre ça toujours là. Attrapez le résultat et appliquez-le à celui-ci ici. Je postule Super, je n'ai pas beaucoup changé maintenant, n'est-ce pas ? Je ne vois pas beaucoup de différence. Non, il n'y a pas beaucoup de différence. Laisse-moi juste jouer avec celui-ci. Non, celui-ci est sympa. Et celui-ci est le même que celui-ci. D'accord ? Pour celui-ci , je vais utiliser, oh, j'utilise le mauvais, je vais utiliser celui-ci ici. Appliquer. Génial. Ensuite, ça va baisser. D'accord. Que se passe-t-il si je l'utilise ici ? Oh, il fait un peu trop sombre, je dirais, OK, sympa, sympa. C'est peut-être un peu trop brillant. Mmmmmm. Vérifiez la phase. Un peu neutre. Oui, c'est parfait. Et celui-ci est un peu comme ça. Un peu trop brillant , comme celui-ci. Nous allons prendre cet acier ici et l'appliquer. Non, j'ai vu la différence. Ah oui, il y a une telle différence. Très bien, maintenant j'ai corrigé les couleurs. Toutes ces choses ici, je vais vérifier, bla, bla, bla, bla, bla Vérification de la couleur. Ouais Oui, ça a l'air bien. Celui-ci est un peu, non ? Je vais m'arrêter ici, aller ici. Celui-ci est très brillant au début. Brillant, foncé. C'est une bonne chose. Appliquez celui-ci. Boum. Je reviens ici. Je vais vérifier. Y, M, ouais. Ouais Ce n'était donc qu'un bref exemple de la façon dont je édite parfois des vidéos de famille assez rapidement. Comment je les appelle les corriger, comment mon expérience en matière de montage , de rythme et tout le reste devient très naturelle pour moi et, devient très espérons-le, pour vous au fur et à mesure que vous vous entraînez. Voilà. 46. Bonus : : Exemple de montage : Mini-histoire: Alors oui, me revoilà. Nous allons revenir à Davinci Resolve et je vais le modifier . Comment le dites-vous ? Comme un moment de tous les jours. Alors j'ai juste apporté l' appareil photo avec moi. J'ai rencontré mes frères et je les ai filmés avec eux en utilisant certains angles, filmant à neuf degrés par-dessus l'épaule, par-dessus l'épaule. Et un maître. Ensuite, je vais essayer de le faire ici, par exemple, dans la photo principale que j' ai prise de deux d'entre elles, pompe, pompe. Ensuite, je vous montre également comment nous pouvons franchir les limites, encore une fois, en fait, sauter les limites parce que habitude, lorsque vous filmez comme celui-ci et que vous ne devriez pas aimer ça, c'est sûr, vous ne pouvez pas vraiment sauter la ligne et montrer des caméras ici de toute façon J'espère que l'exemple sera plus complet, j'espère qu' il sera plus clair que je ne le suis actuellement. Dans cette leçon, je vais monter une courte vidéo que j'ai filmée avec mes frères et vous donner un exemple de la façon dont j'aborde et édite avec du matériel prétendument normal du quotidien, comme un déjeuner avec mes frères. Comment puis-je y mettre du jazz et créer une petite histoire ? Ce que nous allons faire maintenant, c'est simplement effectuer montage épuré, c'est-à-dire modifier une scène comme d'habitude. Nous allons réfléchir aux angles et y mettre du style. Oui, la raison pour laquelle je suis un peu vague maintenant quant mes intentions dans une scène, c'est parce que je connais rarement mes intentions avant de monter une scène. Voyons ce qui se passe car d'habitude, ce sont mes mains qui découvrent comment modifier une scène. Si vous allez couper le son juste pour nettoyer, faites-le comme ça Quelqu'un parle sous cet angle. Et voici un petit changement et laissez-moi déplacer la caméra ici. Dans cette vidéo, je veux peut-être l'utiliser. Voici le mouvement ici. Je vais juste mettre une couleur ici sur le. Le mouvement peut être orange. C'est simple. Par-dessus l'épaule, c'est du mouvement. Appelons cela un mouvement. Optez pour la belle couleur orange. Ça devrait encore être fini, c'est fini. Si c'est toujours le cas, c'est tout près. Expérimentons de près. Donnons une autre couleur de plus près. Nous optons pour le bleu marine, pas assez de différenciation, le violet. Gros plan. Voici le maître. Ou deux coups. C'est en gros plan, c'est violet. C'est par-dessus l'épaule. Maintenant, cette photo est comparée à cette photo ici. Tu vois, je franchis la ligne des yeux. Sauter par-dessus la ligne des yeux. Habituellement, nous le faisons sous cet angle, ici et sous cet angle. Cela s'édite plutôt bien. Oui, mais nous ne pouvons pas sauter d' ici à celui-ci parce que vous traversez la ligne des yeux, c'est bien de la franchir parfois s'il y a un point. Mais en général, cela dérange le public et le réveille de son rêve. Celui-ci est là. Nous voilà sur la ligne des yeux, en train de tirer et de croiser. Et c'est une fausse photo de mouvement. Le mouvement est bien sûr orange. Et celui-ci, ici, c'est aussi du mouvement. OK, continuons. Quelqu'un dit ici, quelque chose qui vient de côté. Ça vient de côté. Peut-être que la première étape consiste à réfléchir par où je veux commencer. Oui, l'idée ici est de mettre de l'énergie dynamique dans la scène. Bien sûr, nous pouvons le modifier très directement pour commencer ici avec un master, puis passer ici, Chris. Nous commençons par cette photo, puis nous allons ici, en franchissant la ligne ici. Nous ne pouvons pas non plus franchir la ligne des yeux en commençant ici par celui-ci. Puis ça aussi, et puis boum. Lorsque je monte une scène, je me demande toujours comment je peux y réinjecter de l'énergie Je connais rarement la réponse à moins que mes mains ne passent leur temps avec la scène. Je vais juste vérifier, je ne sais pas, si c'est un gros plan utile. OK ? Je vais y mettre du jazz. Prends celui-ci ici. Commencez ici, d'accord. 12345, boum. Au revoir encore un peu plus près d'ici. J'aime toujours afficher ma chronologie comme ça. Je n'aime pas l'impression de jouer avec Lego 12345, Donc je compte juste pour compter, vérifier le rythme, vérifier ce cliché. Et je ne compte pas parce que je suis juste en train de vérifier le frottement du tissu, parler. Encore une heure avant la fin C'est ainsi que commence ma scène. Pour une raison quelconque, 32132. 13 h 00. OK, comme de la musique classique Où est-ce que je veux aller à partir d'ici ? Je cherche donc quelque chose qui ne soit pas trop traditionnel. OK, je veux vous dévoiler les personnages ici. Nous avons quelques mains, tout comme le mouvement de cette main ici. Essayez-le ici. Je vais le démarrer. Fais-le rouler, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, chouette. Il y a une conversation en cours maintenant qu'il parle. Voyons voir, faisons-le écouter. Celui-ci écoute, d' accord ? Celui-ci parle. Nous ne faisons que penser, un langage purement métaphorique et symbolique Maintenant, la personne A parle, la personne B écoute. Celui-ci commence à parler. Je vais juste arrêter ça. Regarde si c'est assez long. Je ne vois probablement pas. C'est oui, écouter, écouter, écouter. Quand il commence à parler. Je veux utiliser celui-ci ici. De cette façon, nous avons créé une introduction dynamique à la scène, d'accord ? Nous allons utiliser un petit mouvement lorsque nous changerons locuteur, d'accord ? Peut-être qu'il peut paraître plus rapide comme ça. Boom, c'est sympa. Boom, Boom, pompe à décharge Dodd. Maintenant, il parle, il tire, se concentre, il parle, il parle, il parle, il parle. Alors maintenant, il est peut-être temps de passer à une vue plus large, quelque sorte de révéler où nous en sommes. Comme nous pouvons le constater, nous commençons très près de l'épaule, rapprochons, nous rapprochons d'une personne, tout près. De cette façon, le public commence à imaginer à quoi pourrait ressembler le lieu, afin que nous puissions le faire travailler un peu, le rendre curieux. OK, nous voilà en train de franchir la ligne. Il y a donc aussi la question de savoir comment franchir la ligne ? Alors il parle, donc c'est comme ça que je peux franchir la limite. Je peux juste être symétrique. C'est-à-dire que je suis là et que je vais passer de l'autre côté. OK. Celui-ci parle. Ensuite, nous pouvons passer à celui-ci. Il écoute et celui-ci parle toujours, c'est magnifique. Nous avons donc franchi la ligne comme ça. Alors, vérifions-le. Ce que nous avons, les doigts du téléphone, personne A, la personne B écoute, personne bouge ses mains et commence personne par personne. Nous sautons par-dessus la ligne où une personne B écoute et une personne A parle. Nous avons franchi la ligne et nous sommes capables de le faire en sautant par-dessus à 180 degrés. Je me demande donc quelle pourrait être la prochaine étape ? Je pourrais aller ici. Tu vois, je pourrais le faire. Retournez. Tu vois, celui-ci est sur le côté par-dessus son épaule comme ça, et maintenant on peut passer par-dessus son épaule. Non, non. Je vais juste regarder qui parle. N'oubliez pas que nous n' écoutons pas le dialogue, mais uniquement le symbolisme universel. Il est en train de parler. Qu'est-ce que parler ? Parler. Il bouge. Voilà, il parle. OK, laisse-moi voir. J'écoute, arrête. Avant qu'il ne commence à parler, nous allons revenir sur celui-ci. Ouais. Et puis il se lève, boum, boum. Des trucs animés. Oui, c'est sympa. Boum. Et maintenant, il y a une vie là-dedans. Nous avons un mouvement organique de la caméra. Il parle, parle, parle. Nous sommes donc presque en train de perdre la chance, boum, boum , boum. Nous y voilà. Passons à celui-ci ici, roulant, oreille, boum, sympa. Je vois qu'il s'en va, d'accord. OK, revenez ici. Ça fait du bien et ça s'arrête en plein milieu de l'action. Un peu de mouvement, puis ils s'en vont. Il s'agissait donc d'un simple exercice de montage sans son, réfléchir aux angles et s'entraîner à réaliser un petit moment documentaire. 47. Exporter votre film: Voyons comment vous exportez votre film. Nous exportons cela devrait être comme exporter, devrait de toute façon se faire depuis l'ordinateur Lorsque nous exportons notre film, cela dépend du logiciel que vous utilisez. Bien sûr, vous avez un premier ministre. Vous avez Devin Resolve, vous avez File. Ce sont les principaux logiciels d'édition. Et c'est une méthode assez simple. Nous n'avions pas l'air bien, tout est simple quand on le sait. C'est vrai. Mais je dirais que quel que soit le logiciel de montage que vous utilisez, pour apprendre à l'exporter sur des vidéos Youtube, je n'essaie pas de contourner cela, vous devez apprendre cela, mais je dirais simplement que oui, c'est une méthode je n'essaie pas de contourner cela, vous devez apprendre cela, mais je dirais simplement que oui, de vidéo Youtube Parce que chaque logiciel est différent, mais il possède toutes ces fonctions d'exportation. Est-ce que je l'ai vraiment enseigné ou est-ce que j'ai demandé à Youtube de me l' enseigner ? 48. Exportation :: Exporter votre film et effectuer des sauvegardes: Dans ce chapitre, nous allons discuter de l'exportation de votre film et de certaines stratégies de sauvegarde. Donc maintenant, j'espère que vous avez édité votre film, vous avez mis de la couleur dedans, et maintenant vous allez l'exporter. Il y a encore quelques grandes vidéos techniques, sur la façon dont vous exportez spécifiquement, et chaque logiciel d'édition a une fonction d'exportation. Ce que je dirais, c'est que lorsque vous exportez, faites des sauvegardes. Autrement dit, exportez votre film comme vous voulez qu'il soit avec le son et la couleur que vous voulez. Mais aussi exporter plusieurs autres versions qui est, une version sans couleur, juste le son, juste le dialogue si vous avez dialogue, juste la musique jusqu'à ce que tout cela séparément. De cette façon, si vous perdez une de vos matières premières, vous pouvez toujours utiliser ces petites puces pour rétablir le film ou le modifier si vous voulez le réparer. 49. Récapitulatif des leçons: Félicitations pour avoir terminé ce cours. Je parie que vous avez beaucoup appris sur le processus créatif, vos forces, vos faiblesses. Ce que je fais, c'est simplement vous donner une forme de ma stratégie ou de mes méthodes si vous voulez faire des films. Ce que vous allez faire, c'est féconder votre propre version du processus créatif de la réalisation d'un film. C'est tout le problème. Faire n'est pas quelque chose de périmé, c'est une forme d'art qui est destinée à se développer avec chaque individu. Ce que nous avons fait, c'est de passer en revue aussi neutre que possible certains des principes fondamentaux pour que vous appreniez à créer votre propre système pour votre prochain projet. Ce que nous avons fait, juste un bref résumé. Nous avons commencé avec une idée, quelque chose d'abstrait, nous avons utilisé un thème, genre, décrivant la possibilité de storyboard. De là, nous sommes passés en mode scénariste. Nous avons appris l'écriture et le flux, en l'amenant au format d'un scénario réel. De là, nous sommes passés à la cinématographie et à la production à la mise en scène. Après ça, nous sommes passés au montage, à la coloration, puis nous avons exporté votre film, et maintenant vous êtes là. 50. Merci et au revoir: Je veux juste dire à quel point c'est important pour moi et combien je suis reconnaissant que vous ayez suivi ce cours. Cela a une grande valeur pour moi parce que plus je fais de films, plus je comprends la valeur de partager mon expérience et combien il est important pour moi de la partager et je ne serais pas en mesure de le faire à moins qu'il y ait un certain intérêt, espérons-le. Je dis que c'est du fond de mon coeur. Merci. Une fois votre film terminé, partagez-le ici dans la catégorie de produits afin que je puisse le vérifier et que d'autres puissent le vérifier. Souviens-toi, on fait des films pour que les autres voient. Aussi, si vous avez des questions sur le tournage de base partageable , publiez-les ici et je ferai mon mieux pour y répondre le plus rapidement possible. J' apprécierais vraiment si vous laissez un commentaire pour ce cours, j'espère positif. Je vous encourage à y aller et à créer votre propre système de production cinématographique. Créez vos propres histoires. Soyez vulnérable, prenez des risques, soyez stupide, soyez ridicule, mais après cette structure, j' espère que je ne l'ai pas gâchée. Merci beaucoup. Qu' est-ce qui vous a inspiré à devenir réalisateur ? Quand j'avais 20 ans, j'ai rompu avec une fille, tu as découvert tout sur toi. Vous vous posez de sérieuses questions et j'ai trouvé cette réponse pour m'exprimer à travers les films.