Créer une collection : affiner votre voix et votre style artistiques

1. Bienvenue dans ce cours: Bienvenue dans ce cours sur la création d'une collection d' art cohérente et convaincante Que vous soyez un artiste chevronné ou débutant, créer une collection est un excellent moyen d'affiner votre voix artistique et de développer vos compétences et votre style. Au fil des ans, j'ai beaucoup appris grâce à mon expérience en matière de création de collections pour mimochai, observant du début à la fin mon expérience en matière de création de collections pour mimochai, en les observant du début à la fin et en relevant tous les défis intermédiaires Je souhaite partager mon cadre et . Je souhaite partager mon cadre et mon processus pour créer un ensemble d' œuvres qui peuvent vous aider à développer créativité et à refléter votre voix et votre style personnels Tout au long de ce cours, vous apprendrez à effectuer des recherches et à planifier votre collection. Développez vos œuvres d'art par l'expérimentation et l'exploration. Unifiez votre style et techniques pour que tout soit cohérent Complétez le tout en choisissant votre format et même en choisissant comment nommer et décrire votre travail. Veuillez noter qu'il ne s' agit pas d'un cours de dessin. C'est ce que vous recherchez. Vous pouvez voir mon cours, dessiner les bases. Ce cours s'adresse plutôt aux personnes qui possèdent déjà un ensemble de compétences dans le médium de leur choix et qui souhaitent apprendre comment utiliser la création d'une collection pour améliorer leur voix et affiner leur style. Ou simplement avoir la satisfaction de terminer leur propre collection . À la fin de ce cours, vous aurez acquis une solide compréhension de la façon de créer une collection cohérente et convaincante qui met vue et votre style uniques. Nous allons commencer. 2. Trouver votre thème: Pour commencer, nous allons trouver des thèmes généraux qui relieront notre collection Mettons-nous d'abord sur la même longueur d'onde en expliquant ce qui fait exactement d'une chose une collection. Je ne pense pas qu'il existe de règle absolue, mais vous pouvez considérer une collection comme un ensemble cohérent d'œuvres partageant un thème, un sujet ou un style communs , ou peut-être une combinaison de tous ces éléments Une collection peut être composée de n'importe quel support ou style, qu'il s'agisse de peintures, de dessins de sculptures ou d'installations. L'essentiel est que chaque pièce de la collection ait un but et une place dans l'ensemble de l'œuvre. N'y réfléchissons pas trop au début. C'est juste pour nous assurer que nous comprenons ce vers quoi nous commençons à travailler. heure actuelle, commencez simplement à réfléchir à ce qui vous intéresse naturellement à ce qui vous intéresse et que vous pourriez vouloir transformer en votre propre collection. Il peut s'agir d'un message très significatif que vous souhaitez partager ou simplement de quelque chose qui vous intéresse, que vous pouvez approfondir et explorer selon vos intérêts personnels. Idéalement, quelle que soit l'approche que vous choisissez, il s'agit d'un thème qui vous permet d'explorer votre vision, votre voix et votre style. Vous pouvez maintenant commencer à ressentir la pression de proposer un message vraiment grandiose, un concept ou un thème important ou une idée vraiment nouvelle. Mais au début, la plupart du temps, nombreux créateurs à qui je vous ai parlé n'ont qu' une idée et il s'agit simplement de suivre le fil Il est normal de ne pas savoir exactement où sera la destination finale. Recherchez ce début du fil de discussion. Et sachez simplement qu'au fur et à mesure, vous en découvrirez d'autres. Vous allez réfléchir, vous allez vous adapter et vous allez évoluer. Maintenant, vous savez peut-être déjà exactement ce que vous voulez faire. Et il y a quelque chose que vous vouliez vraiment explorer, et c'est le cas. Allez-y et allez de l'avant avec ça. autre côté, si vous êtes encore dans cette phase de brainstorming, ou si vous êtes simplement en train de réfléchir à ce qui pourrait être une bonne idée Voici quelques idées de thèmes pour vous aider à concrétiser ces idées. Quelques points de départ évidents. Ou, quels sont les sujets qui vous intéressent ? Je m'intéresse donc beaucoup à la nature, par exemple, alors j'ai listé ici quelques idées concernant les paysages, peut-être l'exploration des saisons, l'observation de différents animaux. Vous pouvez également envisager de créer des natures mortes comme simplement des objets de votre maison, souvenirs d' enfance, des choses qui vous font sourire ou que vous souhaitez explorer Un autre thème auquel vous voudrez peut-être réfléchir se trouve dans une sorte de sujet. Peut-être êtes-vous vraiment passionné par quelque chose, qu' il s'agisse d'une certaine culture, d'une certaine époque, peut-être de quelque chose qui se rapproche davantage des questions de justice sociale, peut-être de l'environnement, de la durabilité, de la santé mentale Vous pouvez également penser à des façons amusantes d' explorer certains sujets tels que la culture pop. Vous pouvez dessiner vos célébrités préférées ou peut-être vos émissions de télévision préférées. Vous pouvez vraiment commencer à voir que beaucoup de choses sont possibles à ce stade. Une autre chose à laquelle vous voudrez peut-être penser est le style. Peut-être qu'il n'y a pas de sujet qui relie tout ou un sujet en particulier que vous avez en tête, mais que vous souhaitez explorer un style. Peut-être que vous voulez faire différentes études de couleur. Peut-être que vous êtes intéressé par l'art abstrait et que vous voulez voir à quoi pourrait ressembler votre version de celui-ci. Ou peut-être que vous explorez les techniques mixtes. Vous pouvez également exporter des modèles et des typographies. La liste s'allonge encore et encore. Il s'agit d'un cours, un excellent moyen de vous familiariser avec ce qui vous intéresse vraiment. Quand il s'est agi de déterminer le sujet de ma nouvelle collection , je suis partie d'une vue d'ensemble de tout ce qui sujet de ma nouvelle collection , je suis partie d'une vue d'ensemble m' intéresse en ce moment. J'ai envisagé de nombreux sujets tels que les voyages, envisagé de nombreux sujets la culture, l'architecture, les contes de fées et le folklore, la spiritualité, la nature et l'environnement Je prends des notes pour tout cela et je les garde pour plus tard. Mais pour le moment, je ne fais que mettre tout sur le papier, que ce soit au sens figuré ou littéral Et puis en commençant simplement à écouter et à ressentir ce qui m'excite le plus en ce moment. Je réfléchis également à quoi cela pourrait ressembler dans la pratique, façon dont je pourrais les visualiser. Certains de ces thèmes vont simplement se prêter plus facilement à la visualisation et à l'illustration. Je garde également cet aspect pratique à l'esprit. Dans l'ensemble, j'ai remarqué qu'il existe une ligne directe qui relie un grand nombre de choses qui m'intéressent C'est cette relation et cette harmonie entre les humains, la nature et l'esprit. Je me suis naturellement retrouvée lire des articles sur ces sujets tout le temps. Et j'ai remarqué que ce thème se prêtait vraiment aux types de choses que j'aimerais dessiner, comme des portraits, des paysages, des animaux, des plantes. C'est donc cette très belle combinaison de plusieurs choses qui m'intéresse vraiment. Je pourrais commencer à voir à quoi cela pourrait ressembler. Et cela m'a enthousiasmé aussi. Comme tous les sujets étaient familiers, le fait d'essayer d' évoluer et de peaufiner ma voix et mon style est un excellent moyen de garder certaines choses cohérentes tout en explorant quelque chose de nouveau et de résumé. Dans cette première étape, nous voulons sélectionner quelques thèmes que nous avons vraiment hâte d'approfondir, même si nous ne sommes pas certains du résultat final. Une autre chose que je veux que nous gardions tous à l'esprit à ce stade, c'est que ce sera un exercice amusant, une façon pour nous de faire ce que nous voulons vraiment faire et de peaufiner notre style et notre voix. Prenez le temps dès maintenant d' ajouter des idées et de vous amuser avec Pense à toutes les différentes choses qui t' intéressent en Dieu et explore. Regardez vos derniers centres d'intérêt. Qu'avez-vous regardé, lu, regardé et que vous avez commencé à assimiler à ce que vous voulez découvrir dans votre propre collection Quand seras-tu prête ? Je vous verrai dans la section suivante. Nous allons commencer par parler de la définition d' un objectif cible afin de développer un cadre autour de vos thèmes et de vos idées. Je te verrai là-bas. 3. Identifier votre objectif: Maintenant que nous avons quelques idées pour notre thème général, réfléchissons à l' objectif que nous nous sommes fixés pour cette collection Quand je parle de l' objectif de sa collection ou du développement d'un contexte autour de celle-ci. Ce que je veux dire, c'est vous demandant où voudriez-vous que cette collection soit présentée, quel est votre public cible ou votre format cible pour cela, cela peut vous aider à vraiment cristalliser ou conceptualiser à quoi vos pièces peuvent avoir besoin exactement , à endroit elles peuvent avoir besoin de s'adapter, à la taille ou à l'ambiance et à toutes nous y reviendrons plus tard. Il sera important d' identifier votre objectif cible car cela permet de configurer la collection Y. Cela peut être quelque chose qui a été inventé comme le rêve que vous avez de faire un livre, par exemple, ou des objectifs réels tels que je vais les exposer dans ma galerie locale à la fin de cette année. Je vous encourage vivement à essayer de vous fixer un calendrier afin que vous puissiez vraiment vous engager à compléter votre collection Parmi les éléments auxquels vous voudrez peut-être penser , citons le public. Vous pouvez donc évidemment vous demander s'il s'agit d'enfants ou adultes ou d'une personne en particulier qui a des intérêts particuliers. Il peut également s'agir d'une seule personne comme vous. J'ai entendu d'excellents conseils à propos écrivains ou d'artistes qui ne pensaient qu'à une seule personne, généralement à un être cher, comme une nièce ou un parent, ou à un très bon ami qui ils faisaient confiance et respectaient les goûts d'avoir ce type de public vraiment ciblé peut vous aider à vraiment comprendre exactement ce vers quoi vous essayez de travailler Donc, si vous ne savez pas quel est votre public cible, je vous le recommande comme point de départ. Une autre chose à laquelle vous voudrez peut-être réfléchir est le format de cette collection. En fin de compte, imaginez-vous que cela se trouve dans un livre, par exemple, ou dans un calendrier ? Des imprimés, de la décoration d'une maison ou peut-être un affichage numérique. Tous ces éléments peuvent être pris en compte pour déterminer la manière exacte dont vous concevez votre collection. Une autre considération à laquelle vous pourriez penser est de savoir où il sera situé. C'est donc lié au format et certainement lié au public aussi. Vous pourriez penser à différents endroits où vous aimeriez intégrer votre collection, exemple votre boutique préférée ou votre hôtel préféré, une galerie, un espace public qui vous intéresse ou une école. Tous ces environnements différents fournissent non seulement un cadre, mais aussi un type de personne qui pourrait s'y trouver. Il est très utile de commencer à réfléchir à l'objectif exact de votre collection. Lorsque je réfléchissais aux différentes idées pour ma prochaine collection, j'ai tendance à vraiment penser aux choses en termes d'espace. J'adore donc l'architecture, j'adore le design d'intérieur. J'adore penser à cette sensation d' espace et à la façon dont le design et tout, de l'éclairage aux matériaux contribuent vraiment à donner une idée de ce à quoi une personne est censée se sentir dans cet espace. De plus, comme je suis illustrateur que j'ai ma propre boutique en ligne et qu'ils vendent chez Mark, j'ai déjà un format cible intégré naturel, public cible auquel je pense Cela dit, je m' efforce toujours de grandir. Ainsi, même si mon public cible aimait autrefois un certain type d'apparence, je me laisse la possibilité d'évoluer, adapter et de vraiment profiter cette opportunité pour créer quelque chose qui m' enthousiasme. Cela signifie donc généralement une certaine évolution du style ou des thèmes que j'explore. Je veux utiliser cette collection pour créer quelque chose de familier comme peut-être un calendrier ou un magazine, mais aussi pour m'aider à communiquer quelque chose de nouveau. Tout cela correspond à mon objectif lorsque j'ai pensé à créer cette nouvelle collection. En résumé, alors que nous commençons à réfléchir à notre public idéal, à l'objectif que nous visons pour notre collection. Nous voulons y réfléchir afin de mieux cibler notre collection. Des contextes différents vont nécessiter des approches et des considérations différentes. Le but de notre collection peut être invention ou un véritable objectif. Et idéalement, il devrait vous laisser suffisamment d'espace pour explorer et exprimer votre voix, vos compétences et votre style. Peu importe à quel point vos ambitions peuvent être grandioses et publiques ou à quel point vos idées peuvent être privées et protégées. Écrivez-le simplement afin de pouvoir vous orienter lorsque vous commencerez à approfondir votre thème lorsque vous vous sentirez prêt. Rencontrons-nous Dans la section suivante, nous parlerons de la création de votre mood board afin de définir l' orientation de votre collection. Je te verrai là-bas. 4. Créer un Moodboard: Parlons maintenant de la création d'un mood board pour notre collection. Je trouve que la création d'un mood board est un outil très important et utile dans le cadre de ce processus, car il peut nous aider à concentrer notre inspiration, à revenir à un endroit où nous orienter encore et encore et simplement à rester inspirés et concentrés tout au long de l'élaboration de notre collection. Pour ceux d'entre vous qui ne le savent pas et qui souhaitent des précisions sur ce qu'est exactement ce mood board. Moodboard est une visualisation décimale et une collection de différentes pièces que vous collectez et assemblez et servent de tableau d'inspiration et Maintenant, si vous possédez déjà un système que vous aimeriez utiliser pour collecter votre mood board. Allez-y, utilisez-le. Mais pour ceux d'entre vous qui veulent savoir comment je m'y prends et qui font de même, ou qui sont simplement ouverts à des idées différentes. Voici les outils que je recommande. Pinterest est donc le premier exemple évident pour beaucoup d'entre vous Lorsque vous avez entendu le mot mood board, vous avez peut-être pensé que Pinterest n'est qu'une application très simple qui peut vous aider à trouver et rassembler diverses images provenant du Web et les organiser dans ces jolis tableaux et sous-tableaux. Figma est un autre outil que j' aime beaucoup utiliser. Ainsi, n'importe quel tableau blanc numérique Apple fonctionne. Mais après avoir essayé plusieurs de ceux qui existent, j'ai découvert que Figma était le meilleur en termes de gratuité pour mon usage personnel et d'absence de décalage. Et c'est en déposant des images assez grandes et de nombreuses images différentes sur un seul tableau blanc C'était donc un aspect très important pour moi parce que je trouve que même le fait d'avoir un peu de poids dans un objet que vous utilisez tout le temps peut vraiment gêner votre flux créatif J'adore vraiment utiliser Figma comme stylo de jeu où j'y dépose toutes sortes d' idées différentes. Qu'il s'agisse de captures d'écran de Pinterest, de photos de mon appareil photo, illustrations sur lesquelles je travaille, de pièces finies, de croquis, de mots, Je peux mettre tout cela sur Figma et le déplacer comme je le souhaite Je l'utilise tout au long du processus et je recommande vivement de le vérifier si vous n'avez jamais utilisé de tableau blanc numérique auparavant En plus de cela, j' aime beaucoup utiliser Notion. Donc, si l'un d'entre vous est passionné de productivité ou s' intéresse simplement à l'aspect organisationnel vous avez probablement entendu parler de Notion Pour ceux d'entre vous qui ne l'ont pas encore fait, il s'agit d'une tâche de productivité regroupée dans un seul type d'application où vous pouvez regrouper éléments tels que des bases plans, des notes et tout au même endroit. Il peut également organiser des photos, mais il est un peu moins flexible que Figma, c'est sûr, et un peu différent de Pinterest Ils poursuivent donc toujours leurs objectifs distincts. Vous pouvez considérer Notion comme un véritable chef de projet. C'est donc là que je conserve toutes mes listes de tâches. J'organise toutes mes données, toutes mes images ressemblent davantage un classeur où Figma est mon stylo de jeu Bien entendu, la dernière chose que vous pouvez faire est d'utiliser un mur de votre maison, un tableau d'affichage, un tableau en liège tout autre objet physique avec lequel vous pourriez vous sentir plus à l'aise si vous ne voulez pas apprendre un nouvel outil numérique ou vous aimez vraiment le carburant analogique. J'ai une étagère d'inspiration sur laquelle j'aime ranger divers livres, œuvres d'art et petites figurines. J'ai également récemment commencé à utiliser les portes de mon placard comme un endroit où je peux simplement coller des notes rapidement et regarder d'un point de vue d' ensemble. Mais pour moi, une caractéristique très importante de mes moodboards est qu'ils doivent être mobiles. Je veux donc pouvoir trouver inspiration lors d'un voyage ou lors de mes déplacements, puis mettre rapidement sur quelque chose ou la documenter quelque part et la regarder lorsque je suis dans le processus de création. C'est pourquoi j' aime beaucoup utiliser des applications numériques telles que Pinterest, Figma et Notion Maintenant, je vais juste vous montrer quelques exemples de moodboards que j'ai créés. Ils sont définitivement sélectionnés, distillés et édités pour être présentés dans ces Mais cela vous donnera une idée du type de choses que je rassemble au fur et à mesure que je trouve une nouvelle idée ou une nouvelle collection et que j' organise mon inspiration. Donc, le premier exemple que j' ai ici, ce sont nos paramètres. J'ai été très inspirée par les espaces, comme je l'ai déjà mentionné, et récemment, j'ai été inspirée ou vraiment attirée par ces environnements chaleureux, modernes mais toujours agréables qui sont influencés par les différents endroits où j'aime voyager Bien entendu, en tant qu'illustratrice, je pense aussi toujours au style en rassemblant nombreuses illustrations, estampes, œuvres d'art, couvertures de livres que j'aime, et en les regroupant d'une manière qui me et qui peut m'inspirer pour mes prochains projets Un autre bon mood board est de penser au public cible dont nous avons parlé plus tôt. Alors, à quoi ressemblent-ils ? À quoi ressemblent-ils ou vont-ils, quel est leur style ? Qu'est-ce qui les intéresse ? simple fait d'avoir cette visualisation et toutes ces images ou simplement de les extraire de Pinterest m' aide à réfléchir à l'ambiance générale. Je n'utilise donc ces images nulle part dans ma collection et personne d'autre n'a besoin de les voir. Mais cela m'aide simplement à définir cette direction ce cadre et à visualiser ce vers quoi je travaille. Alors, lorsque j'ai pensé spécifiquement à Nature Spirit, j'ai su que je voulais qu' il soit apaisant, que je voulais ajouter à cette ambiance que j'aime vraiment dans les espaces où j'aime être. Et tous ces facteurs poussent vraiment à réfléchir au type de palettes de couleurs que je vais privilégier, à savoir l' aspect général en termes de style de l'illustration Et quel est le genre de personne auquel je pense quand je le crée ? En résumé, lorsqu'il s'agit de créer un mood board pour notre collection, considérez cela comme un élément essentiel de la recherche et un outil critique sur l' acrylique dans notre processus de planification. Cela peut nous aider à visualiser la collection et les sources d'inspiration, et à rester concentrés et motivés tout au long du processus Quand il s'agit de choisir un outil pour organiser et créer votre mood board, je vous recommande vivement de faire quelque chose simple et amusant pour vous permettre de garder des idées, prendre le temps créer vos mood boards, trouver cette inspiration qui rassemble de trouver cette inspiration qui rassemble toutes les photos, les livres, les poèmes, les écrits, bien que les mots, inspire et qui contribue à concrétiser l'idée que vous avez pour votre collection, à la collectionner et à l'organiser quelque part. Quand tu seras prêt, rencontrons-nous. Dans la section suivante, nous allons commencer à réfléchir et à répertorier différentes idées afin d' étoffer ce à quoi pourrait ressembler notre collection réfléchir et à répertorier différentes idées afin d' étoffer ce à quoi pourrait ressembler notre collection en tant que pièces individuelles. Je te verrai là-bas. 5. Nombre de pièces: À ce stade du processus, c'est le bon moment pour commencer à réfléchir au nombre de pièces pourraient faire partie de notre collection et qui n'ont pas besoin d' être gravées dans le marbre, mais cela nous aidera à définir les orientations générales idées et les concepts que nous avons intégrés à nos produits finaux. Je pense que la première question que se posent la plupart des gens est de savoir combien de pièces sont suffisantes pour être considérées comme une collection. Je ne pense pas qu' il y ait de règles strictes ou fixes, mais en général, avoir au moins cinq à six pièces est un bon minimum à atteindre. Cela en fait un peu plus qu' un simple couplet ou triplet Et vous pouvez commencer à vraiment étudier un style ou un thème, ou un sujet avec environ cinq à six points définis dans la partie supérieure. D'après mon expérience, il n'en faut pas plus de 20 pour dire ce qui doit être réglé. Bien sûr, vous pouvez continuer si vous vous amusez toujours avec. Sachez simplement que votre objectif global se situe quelque part dans cette fourchette. Pour les besoins de ce cours, même trois suffisent, mais j'essaierais d'en avoir au moins trois. Je pense qu'il est également très important de considérer la qualité par rapport à la quantité. Et cela correspondra également à votre objectif avec cette collection. Bien sûr, si votre objectif est simplement d'obtenir un grand nombre de représentants et de vous laisser inspirer par cette série cohérente pour y parvenir Mais votre objectif ultime est d'en faire autant que possible Suggérez 108 Project. Alors, bien sûr, la quantité est le plus important et il y a la finition, ce chiffre sera votre objectif. autre côté, si vous pensez plutôt à ce qui alimente réellement la collection, que chaque pièce apporte quelque chose de nouveau qu'elle ne semble pas répétitive tout en donnant l'impression d'être unifiée. C'est là que vous voudrez peut-être réfléchir davantage à la qualité qu'à la quantité dans certaines approches des arts et de la créativité. Il existe une idée selon laquelle quelque chose est considéré comme fait, non pas lorsqu'il n'y a plus rien à ajouter, mais lorsqu'il n'y a plus rien à retirer. L'une des façons d'intégrer ce type de réflexion et de pratique à votre processus de collection est de prendre du recul de temps en votre processus de collection est à votre processus de collection est de prendre du recul temps pendant que vous créez vos pièces, en particulier au stade de la miniature, et de vous demander si cette pièce ajoute quelque chose de nouveau, qu'il s'agisse d'une nouvelle idée ou d'un nouveau style et d'une apparence qui s'inscrit toujours mais cela ajoute ce niveau d'intérêt. autre côté, si cela vous semble superflu, cela vaut peut-être la peine de le retirer. Parfois, moins c'est mieux. Lorsque nous pouvons déterminer combien vous pourriez vouloir en faire, c'est réfléchir à l'utilisation optimale de chaque gamme de tailles. De nombreuses collections d'environ trois à sept pièces s' adressent, bien entendu, avant tout à un débutant. Et cela peut également être idéal pour un thème très spécifique ou un sujet que vous savez pouvoir exprimer en trois à sept pièces. Vous pouvez également le considérer comme un sous-ensemble d'une collection plus vaste Quand je travaillais sur Nature Spirit, je les imaginais en triplets, alors j'ai une série de trois en tête Il y a toujours des humains et des animaux et une sorte de petit humain fantastique dans un décor de météores, une sorte de composition Cela m'a donné le système qui m' a permis de créer les trois autres sets pour créer le 12e de manière beaucoup plus rationalisée. Une collection de taille moyenne, que je définis comme une dizaine à 15 pièces, est vraiment idéale pour raconter une histoire ou explorer un sujet un peu plus en profondeur. J'aime le voir un peu comme un album de musique, parce que les albums de musique ont tendance à contenir à peu près autant de chansons et qu'ils près autant de chansons et qu' nombreuses fonctions différentes, telles que la création d'un calendrier, la création d'un livre partiellement illustré , partiellement écrit, le tout pouvant être transformé en jeu de cartes, par exemple. Il existe donc de nombreuses utilisations intéressantes pour environ ce nombre de pièces d'une collection. Enfin, avec une collection plus importante qui compte plus de 20 pièces, c'est un excellent moyen de mettre en valeur l'étendue de votre travail et vos compétences Ou comme je l'ai mentionné, obtenez beaucoup de représentants. Et lorsque j'ai créé la série d'aventures Alphabet, par exemple, cela m'a vraiment poussé à faire plus en plus de créativité et j'ai pu constater que j' approfondissais les dernières lettres. je pensais de plus en plus différemment et je devenais un peu plus intelligente dans la façon dont je dépeignais Au début, je pensais de plus en plus différemment et je devenais un peu plus intelligente dans la façon dont je dépeignais les choses Vous pouvez donc vraiment vous voir grandir grâce à un ensemble et à une série plus importants, ce qui, à mon avis, est un grand avantage. J'espère que le simple fait de voir certains de ces exemples vous enthousiasmera vraiment par toutes les possibilités que vous pouvez avoir avec une collection, qui peut être très petite Trois pièces pour une infinité de pièces. Vous pouvez simplement continuer à ajouter à une certaine série. Si vous faites quelque chose comme mashup de science-fiction de Joey et de super-héros En résumé, alors que nous réfléchissons au bon nombre de pièces pour notre collection, il est très important de réfléchir au thème , à l'objectif et au style que vous essayez d'explorer. En tant qu'artiste, je vous encourage à penser à la qualité plutôt qu'à la quantité. Lequel vous servira le mieux, ainsi que votre objectif et votre public. À l'heure actuelle, il vous faut du temps pour réfléchir votre objectif et à vos objectifs avec cette collection. Pensez peut-être au format dans lequel vous essayez de travailler , puis déterminez le nombre de pièces que vous allez viser. Bien entendu, ce nombre peut évoluer au fur et à mesure que vous avancez. Mais ce sera un bon point de repère au fur et à mesure que nous passerons aux prochaines sections de ce cours Lorsque vous serez prête, je vous retrouverai dans la section suivante où nous parlerons du choix d'un style et d'une technique qui vous aideront à rendre votre collection vraiment cohérente. Je te verrai là-bas. 6. Développer vos idées: Commençons à vraiment développer certaines de nos idées afin réfléchir à ce à quoi pourraient ressembler les différentes pièces de notre collection. Pour ce faire, commençons par avoir une vue d'ensemble. Proposez autant d' idées que possible, sans filtre, et écrivez ou esquissez simplement le tout. Il existe quelques techniques que vous pouvez essayer si vous n'êtes pas habitué à ce type de brainstorming et de réflexion globale Je vais les partager avec vous, mais je vous encourage à expérimenter et à explorer, combiner différentes méthodes et voir ce qui vous convient le mieux. Au niveau le plus élémentaire, vous pouvez commencer par une simple liste de mots. J'aime donc le faire dans un carnet de croquis où je n'ai pas à me soucier d'être précieux Fais ça parfois. C'est juste dans mon application Notes ou dans Notion sur mon téléphone. Commencez simplement par créer une liste de mots clés et d'expressions liés à votre thème pour vous aider à générer des idées. Pour pousser cette liste de mots encore plus loin, vous pouvez essayer de créer une carte mentale s'agit donc simplement de commencer par l'idée centrale , puis de la diversifier en différents sous-sujets Une autre excellente façon d'aborder cet exercice de remue-méninges consiste simplement à écrire gratuitement. Réglez un chronomètre pour un court laps de temps, disons 10 minutes, et écrivez simplement ce qui vous vient à l'esprit dans cette approche fondée sur le flux de conscience . Vous obtiendrez probablement beaucoup de déchets qui sortent et vous pouvez penser que cela vider votre espace cérébral. Bien souvent, quelque chose d'inattendu se produit ou amène à une pensée que vous pouvez ensuite mettre dans une liste de mots ou une carte mentale. C'est donc un excellent exercice à essayer si vous avez tendance à penser d'abord davantage en termes de mots. Personnellement, j'adore les miniatures plupart du temps, lorsque je réfléchis à des idées, je crée des listes de mots, tout en créant des miniatures en même temps Et pour ceux d'entre vous qui ne sont pas familiers avec le clouage, ne sont que de petits croquis brouillés qui vous aident à visualiser ce que vous avez Personne d'autre n' a besoin de les voir. Ils ne finissent nulle part. Elles peuvent simplement se trouver dans votre carnet de croquis ou dans Procreate pour vous permettre de commencer à dénicher certaines de ces idées peut-être plus abstraites que vous avez et de réfléchir à ce à quoi elles pourraient ressembler dans une De plus, certaines personnes ne pensent pas avec des mots, elles pensent mieux en images. Vous pouvez donc vous sentir libre de simplement sauter la section des mots et directement aux vignettes , appelée collage d'images, est quelque peu liée aux mood boards Une autre approche du brainstorming appelée collage d'images Retournez peut-être à vos mood boards et vous pouvez utiliser Pinterest pour trouver d'autres fonctionnalités qui vous permettront de créer des images supplémentaires qui commencent vraiment à concentrer sur des idées pour vos croquis C'est un peu différent d'un mood board, car un moodboard peut simplement se concentrer sur le décor ou le public, ou sur la recherche d'inspiration pour les styles Mais ici, vous utilisez davantage les images comme point de départ pour vos croquis, vos vignettes et les différents sujets que vous souhaitez peut-être explorer. La dernière idée que je souhaite partager est cette collaboration. Alors peut-être en discutez-en avec votre ami, votre partenaire, membre de votre famille, votre mentor, quelqu'un en qui vous pouvez avoir confiance. Et il peut s'agir d'une conversation décontractée autour d'un repas ou d'un verre, ou peut-être de quelque chose pour lequel vous consacrez du temps et dites : «   Hé, je travaille sur sa collection, j'adorerais avoir votre avis ». Et passons un coup de fil pour partager idées que j'ai et peut-être que vous pouvez en partager certaines avec moi. Une autre nouvelle fonctionnalité dont vous avez peut-être entendu parler est l'utilisation de l'IA pour collaborer et réfléchir à des idées. Je suggère de le faire après avoir trouvé vos propres idées et essayé certains de ces exercices précédents. Parce qu'alors vous pouvez être sûr de ce qui vous enthousiasme et ce qui vous intéresse vraiment naturellement. Vous pouvez ensuite utiliser les instructions et les concepts générés par l' IA pour affiner certaines de ces idées ou peut-être ajouter des concepts créatifs auxquels vous n'aviez pas pensé mais qui correspondent à ce que vous pensiez Vous pouvez également envisager les pièces de votre collection à l' aide de cadres. on considère que nos pièces seront plus réalistes ou plus abstraites. Ou ils vont transmettre un message très littéral ? Ou seront-elles plus métaphoriques ? Ce que je veux dire par là, c'est que votre sujet est la nature. Voulez-vous simplement découvrir comment effectuer des études sur divers oiseaux, plantes et animaux qui sont des espèces existantes ? Ou essayez-vous d'être un peu plus métaphorique ? Peut-être que vous parlez de relations avec la nature, peut-être de l'esprit de la nature, peut-être que vous dessinez une déesse de la terre ou un esprit de l'eau. C'est donc une façon de réfléchir à la façon dont votre identité se reflétera dans la collection que vous constituerez. Une chose à laquelle j'aime aussi réfléchir et à laquelle vous devriez peut-être réfléchir est de savoir si vos pièces seront autonomes ou séquentielles Cela signifie que vous devez voir les pièces et votre collection dans un certain ordre ou dans un certain groupe pour que tout ait du sens, ou pour montrer le message que vous souhaitez partager. Ou est-ce que chaque pièce est plus ou moins autonome ? Et ils sont liés par d'autres facteurs, tels que le style, la palette de couleurs ou la ligne directrice, qui ne dépendent pas nécessairement d'un ordre particulier. La dernière chose que vous voudrez peut-être vous demander est de savoir s' il s'agit d' itérations distinctes Cela signifie donc, par exemple, s' agit-il d'itérations d' un thème cohérent ? Peut-être que votre collection de séries porte sur la conception de chaises. Et il y a juste un type de chaise, peut-être fauteuil, sur lequel vous faites de nombreuses itérations différentes et que vous explorez soit le style soit la palette de couleurs que vous utilisez Vous pouvez penser à de nombreuses collections où elles ressemblent davantage à de simples versions différentes de la même chose qu'à de véritables pièces profondément distinctes. Une question qui pourrait se poser cours de ce processus de remue-méninges est simplement de savoir comment savoir ce qu'il faut garder ou comment savoir quand arrêter Idéalement, vous avez de nombreuses idées différentes ici, surtout si vous utilisez l'IA comme générateur d'idées. Et l'avantage, c'est que nous sommes maintenant inondés nombreuses suggestions et idées créatives différentes et qu'elles sont toutes à portée Mais l'inconvénient, c'est que parfois cela peut sembler accablant , eh bien, je suis entraînée dans tellement de directions différentes. Je ne sais pas par où commencer. Ma recommandation ici est simplement de toujours rester simple et de prendre l'habitude de savoir quand il y a suffisamment de contact avec vous-même et d'écouter votre instinct lorsque vous lisez ces idées. Qu'est-ce qui te parle le plus ? Qu'est-ce qui vous passionne le plus ? Et si vous n'aviez pas d' objectif précis, comme perfectionner un certain ensemble de compétences explorer un nouveau domaine de croissance Lequel de ces éléments semble vous aider le plus à y parvenir ? Gardez donc toujours à l' esprit votre objectif principal, votre thème et vos moodboards lorsque vous commencez à lancer dans les mauvaises herbes et à étoffer votre Juste pour partager un peu plus mon processus pour Nature Spirit. Tout a vraiment commencé avec une vue d'ensemble : «   OK, j'ai l'opportunité de créer une nouvelle collection ». Je sais que je veux m'en servir pour affiner mon style et découvrir ce que j'ai vraiment envie de partager. J'ai réfléchi à tout ce qui m' intéressait. Alors que je commençais à découvrir les thèmes généraux suivants : peut-être que c'est à propos de la nature, peut-être que c'est un élément de ma culture C'est peut-être à cause de mon emplacement ma ville natale et de toutes ces choses différentes. J'ai découvert que mon penchant naturel était le plus enthousiaste à l'idée d'explorer cette idée de l'esprit de la nature humaine. Je trouvais des idées très facilement. Je peux déjà commencer à les voir dans mon esprit par rapport à d'autres idées que j'avais. Pour certains d' entre eux, j'ai pensé que nous allions être très simples et très évidents, comme les symboles culturels. Mais alors que je commençais à réfléchir à ce que je voulais exprimer et à ce que je voulais dessiner. J'ai découvert que ce cadre me semblait trop rigide et ne correspondait pas tout à fait à ce que j'essayais d'exprimer. J'ai eu l'impression que ce que j'ai obtenu me laissait beaucoup de place à explorer et que je me situais toujours dans un terrain familier. C'était donc le meilleur des deux mondes pour ce dont j'avais besoin. de là, j'ai À partir de là, j'ai commencé avec ces croquis à l'encre et au crayon, mais je me suis rapidement tournée vers les miniatures en couleur. J'aime penser très tôt à Color, et cela est également le résultat de mon expérience de création de nombreuses illustrations, connaissant les types de couleurs avec lesquels j'aime travailler Je suis donc capable de passer à cette étape. Alors ne pensez pas que vous devez être capable de le faire aussi, ou que vous devriez penser de cette façon , c'est juste une façon pour moi de partager. Une façon d'aborder ce processus de brainstorming qui fonctionne pour moi Ce que j'aime, c'est que je peux vraiment commencer à me faire une idée rapidement est-ce que cela ressemble à ce que j'ai en tête ? Est-ce quelque chose que je peux réaliser avec les compétences et le calendrier dont je dispose actuellement ? Suis-je enthousiaste à l'idée de voir cela se concrétiser de nombreuses manières à très petite échelle ? Les vignettes et mes pièces finies ressemblent beaucoup. Et tout dépend des détails, des textures. Et bien sûr, si vous le faisiez exploser à plus grande échelle, ils auraient un aspect très différent Mais je pense que la puissance de cette petite miniature, qui vous donne un aperçu global de ce à quoi pourrait ressembler votre collection , est vraiment En résumé, alors que nous commençons à peaufiner les thèmes que nous avons sélectionnés, avec des notes et des croquis de ce à quoi cela pourrait ressembler Essayez vraiment de visualiser quel ensemble pourrait être le meilleur pour commencer. Déterminez les idées qui vous passionnent le plus, que vous pouvez simplement commencer à visualiser et à imaginer dans votre esprit et avoir l'impression qu'elles répondront à votre objectif, votre thème et aux pièces inspirantes que vous avez le mieux collectées Prenez le temps dès maintenant de vraiment approfondir ces idées. Comme je l'ai dit, n'hésitez pas à jouer, à explorer. Vomis un mot, griffonne comme un enfant N'hésitez pas à tout laisser sortir et à tout noter. On ne sait jamais où cela peut mener. Ensuite, tu peux prendre du recul. Déterminez laquelle de ces différentes options vous intéresse le plus, puis partez de là lorsque vous serez prêt. Retrouvons-nous dans la section suivante où nous verrons comment déterminer le nombre de pièces que peut contenir cette collection Je te verrai là-bas. 7. Choisir un style et une technique: Parlons maintenant des styles et des techniques que vous souhaitez utiliser pour donner à votre collection un aspect cohérent Cette section présente les différents cadrans que vous pouvez utiliser lorsque vous commencez à vraiment peaufiner votre style et votre technique pour votre collection Ce que j'entends par cadrans ou simplement tous les différents outils qui sont à votre disposition au fur et à mesure de l'apparence Cela peut inclure les sujets que vous choisissez de représenter, création de différentes compositions, choix du rendu de votre image Tous ces différents aspects que vous pouvez vraiment voir comme des moyens d' augmenter ou de refuser, rester cohérent ou de le modifier afin que votre collection ait des intérêts tout en restant cohérente Commençons par parler des sujets, car j'ai l'impression que c'est l' un des plus familiers et des plus faciles à comprendre Nous voulons donc réfléchir aux différents types de sujets que nous pourrions explorer dans le cadre des thèmes que nous avons choisis. Par exemple, dans la nature, comme je l'ai mentionné plus tôt, il s'agit d'un concept et d'un thème très vastes. Et dans chacune d'elles, vous pouvez vous demander si vous voulez représenter davantage de personnes ou d'animaux, paysages ou peut-être de fleurs Je reviens vraiment à cette carte mentale que nous avions faite tout à l'heure. Mais maintenant, nous réfléchissons davantage du vue visuel et de la composition ce que nous voulons montrer exactement. Peut-être qu'avec votre carte mentale, vous avez décidé d'explorer les fleurs Et parmi les fleurs, peut-être un certain type de fleur. Vous devez maintenant réfléchir à la nature exacte ces différents sujets, aux fleurs que vous allez choisir, puis commencer à réfléchir à l'encadrement Parlons-en un petit peu. Quand je parle de cadrage, je parle simplement de la mise en page et de la composition Et presque, si vous pensez à utiliser un appareil photo, quel est ce type de cadrage que vous faites pour votre photo ? Maintenant, il peut être recadré, il peut être zoomé en il peut être zoomé Vous pouvez également vous demander si vos sujets doivent être adaptés les uns aux autres ou s'ils sont un peu plus fantastiques ou abstraits Par exemple, dans l'une de mes œuvres pour Nature Spirit, j'ai l'image d'une petite personne debout au sommet d' une très grande orange qui peut également ressembler à une petite planète. C'est donc peut-être jouer avec ce sujet que sont la nature, les humains, les fruits et les plantes. Mais réfléchissez ensuite à la façon de le faire varier en fonction du cadrage Vous pouvez également vous demander si vos compositions et vos mises en page sont plus centrées que légèrement décalées, ce qui leur donne une sensation un peu plus dynamique Ainsi, chacun d'entre eux peut s' intégrer à votre collection globale et commence à s'assembler. Cela nous amène au style. Ainsi, une fois que vous avez vos sujets en tête, votre cadrage en tête et tout cela peut vraiment fonctionner ensemble Vous devez réfléchir à la façon dont votre style va s'intégrer à vos valeurs de couleur, à savoir va s'intégrer à vos valeurs de couleur, s'il va y avoir un fort contraste avec ces couleurs, s'il va y avoir un fort contraste entre la lumière et les ombres. Donc, si l'un de ces concepts ne vous est pas familier, vous pouvez toujours revenir à mon cours sur les fondements du dessin où je parle de chacun de ces types de valeurs de manière beaucoup plus approfondie Vous pouvez également réfléchir à l' uniformité de vos pièces, de savoir s'il y a beaucoup de cohérence ou si vous allez explorer en mélangeant beaucoup de choses C'est alors que je commence à jouer avec mes textures, en me demandant si mon arrière-plan sera vraiment plein ou s' il contiendra beaucoup d' espaces négatifs vides et aussi des textures. Je voulais donc vraiment expérimenter beaucoup avec les textures de mes pièces. Et j'ai continué à insister un peu plus avec chacune d' elles au fur et à mesure. J'aime penser à tous ces différents cadrans comme objets que je peux monter et descendre. Et je suis juste dans ce centre principal de contrôle des missions et je suis en train de récupérer ma collection. J'y pense vraiment dans son ensemble, mais aussi pour chaque pièce. Et cela peut sembler un peu accablant ou peut-être un peu abstrait selon l'étape dans laquelle vous en êtes dans le développement de votre collection. À ce stade, vous avez déjà votre inspiration. Vous avez votre mood board. Vous avez des vignettes , des listes de mots ou des cartes mentales et toutes ces idées différentes sur lesquelles vous travaillez Et l'une des choses que vous pouvez faire pour déterminer exactement les cadrans avec lesquels vous voulez jouer est de commencer à rechercher des modèles à partir de toutes les informations que vous avez collectées jusqu'à présent Regardez vos vignettes, regardez votre inspiration et commencez à relier les points en trouvant des modèles qui vous permettront développer un système pour Prenons l'exemple de Nature Spirit. Alors que je commençais à rassembler mes inspirations, mes mood boards et les petites vignettes que j'étais J'ai commencé à remarquer que j' aime toujours dessiner des personnes et des portraits. J'aime dessiner des plantes et des animaux. Et j'aime dessiner quelque chose d'un peu fantastique qui joue avec l'échelle d'une petite figure humaine dans un décor ressemblant à un paysage Mais en fait c'est une plante ou une orange par exemple. Ce n'est pas nécessairement quelque chose avec lequel j'ai commencé ma collection et je me suis dit : C'est vraiment ce que je veux faire ». C'est plutôt grâce à ce processus itératif qui a permis de créer environ trois pièces presque finies. Puis j'ai regardé mes miniatures cherché de l'inspiration et j'ai réalisé que c'était une ligne droite et un motif que je voyais Une autre chose que je découvrais et que nous aborderons plus en détail dans la section suivante était la couleur générale et l'ambiance que j' essayais de rechercher. J'aime un contraste un peu plus élevé, donc une couleur foncée très profonde avec des couleurs chaudes plus claires. Et je veux aussi qu'il joue non seulement avec le fait de centrer mes images, ce que j'avais déjà fait dans Alphabet Adventure, mais aussi en jouant avec différents recadrages, formats et mises en page, pour commencer à apporter beaucoup Et puis je l'avais fait avant. Vous pouvez donc voir comment j'ai considéré chacun de ces cadrans, mais pas d'une manière vraiment rigide et scientifique, mais de manière plus expérimentale, en essayant simplement différentes choses, puis en prenant du recul et en regardant de quoi il s'agit, ouah, puis-je relier ces points ? Je vous encourage donc à ne pas vous tenir à la première pièce, mais à continuer à explorer, à répéter et à commencer progressivement à voir comment le motif émerge Ce n'est pas évident pour vous tout de suite. Je voudrais maintenant partager quelques modèles qui pourraient commencer à vous venir à l'esprit, juste pour aider ceux d'entre vous qui pourraient avoir du mal à vraiment voir quels types de motifs et de points vous devriez rechercher ou vouloir rechercher. Maintenant, le premier est le style, et c'est peut-être l'un des plus évidents pour vous. Si certaines couleurs se répètent et vous viennent à l'esprit, vous constaterez que vous êtes probablement attirée un certain type de palette, de texture ou de style, que ce soit dans vos inspirations ou dans les pièces que vous commencez à étoffer Ainsi, les textures fonctionnent, façon dont vos formes apparaissent, s'il y a des formes, des formes très évidentes ou peut-être des formes pas très évidentes. Et bien sûr, la composition. Avez-vous tendance à aimer les choses un peu plus recadrées et zoomées ou vraiment dézoomées et cette sensation de grand paysage Vous pouvez également les mélanger comme je l'ai fait, mais j'ai eu tendance à me concentrer sur ce schéma constant dans chacun de mes mini-sets pour en avoir un qui soit vraiment recadré, un peu plus zoom arrière lorsqu'il est plus centré et un autre qui est plus décentré Ce sont donc tous des aspects différents que vous pouvez jouer avec les motifs à base d'aspirine. Cela est vraiment lié aux sujets que vous traitez. C'est vraiment plus pour vous aider à préciser quels pourraient être ces sujets pour vos pièces de collection spécifiques. Et pour moi, comme je l'ai mentionné plus tôt, fini par vraiment correspondre thème d' avoir ce portrait, d'avoir un animal, puis d'avoir ce mélange plus fantastique des deux Une autre chose à laquelle vous devriez peut-être penser est l' ambiance générale que vous ressentez et ce que vous ressentez à la suite de toutes ces choses que vous commencez à collectionner. Dans l'ensemble, ressentez-vous cette humeur un peu plus heureuse et plus radieuse, ou peut-être quelque chose d'un peu plus sombre et plus sérieux ? Maintenant, l'une des façons dont j'aime y penser, en particulier pour les débutants, est de savoir à quel point c'est simple par rapport à varié. Je veux qu'il en soit ainsi. Essayez de ne pas vous sentir dépassé par toutes les options et considérez-les simplement comme des jouets différents avec lesquels vous pouvez jouer. Alors peut-être que vous voulez commencer par garder la majeure partie du cadran, c'est très simple et il suffit tourner un cadran et de le faire varier vers le haut. Je pense que c'est une bonne façon de commencer. Par exemple, si votre série traite différents modèles de chaises d'une certaine période ou de différentes cultures, vous pouvez vous assurer que la composition et le placement des chaises sont vraiment cohérents. Mais vous jouez avec la façon dont vous allez le texturer, comment vous allez jouer avec les lignes et les formes pour créer ces chaises Ou imaginez que vous faites une série complète sur Birds of America. Et vous voulez voir les oiseaux dans toutes sortes de compositions, certaines de loin, d'autres de près. Mais vous allez conserver la même palette de couleurs ou l'inverse. C'est un excellent moyen de commencer à expérimenter des choses tout en gardant les choses gérables. Et tu découvriras toi-même quelles sont les choses qui t' intéressent le plus ? Vous n'êtes peut-être pas très intéressé à expérimenter différentes mises en page, par exemple, mais vous aimez la couleur et vous voulez jouer avec la façon dont vous pouvez intégrer différents types de couleurs et les exprimer à travers différents types de textures dans le dessin au trait Ou peut-être que c'est l' inverse. Vous aimez travailler uniquement en noir et blanc, mais vous allez jouer avec tous ces différents types de sujets. Vous allez jouer avec différentes configurations, et ce sera votre exploration C'est pourquoi je pense que c'est une partie si fine et passionnante de tout ce processus, car elle va vraiment vous aider à affiner votre style et votre voix. Pour moi, c'est mon propre processus qui consiste à créer cette collection, Alphabet Adventure et toutes les séries que j'ai réalisées C'est vraiment un processus de va-et-vient qui consiste à mettre des choses sur mon tableau blanc, des œuvres Des croquis, des idées, des pièces finies et je commence lentement à les voir s'assembler Je pense que c'est un excellent exercice créatif et vraiment difficile d'une manière AMUSANTE pour ce processus où j'essaie d'affiner mon style et où ma voix se situe vraiment entre l'application Procreate et Figma ou tout autre tableau blanc que vous décidez Je suis constamment à la recherche de ce qui permet de relier toutes ces choses. Et je choisis vraiment ma palette de couleurs, dont nous parlerons plus en détail dans la section suivante. Les styles et les compositions au fur et à mesure ne me découragent Si c'est difficile en cours de route. C'est tout à fait normal. Et je pense qu'il est très rare que quelqu'un la première pièce terminée et sache exactement ce que vous allez faire dès le début. Il s'agit d'un processus itératif. Tout tourne autour de l'exploration, du jeu et de la créativité. Alors fais plaisir à Helen. En résumé, alors que nous développons notre style et notre technique pour notre collection, nous voulons vraiment réfléchir aux différents cadrans qui sont à notre disposition et à notre mission de contrôle Et réfléchissez à la manière dont nous voulons les aborder. Nous avons donc les sujets que nous allons aborder. Nous avons le cadre et les dispositions nécessaires pour les décrire. Ensuite, nous avons le choix de la manière de le rendre. C'est donc ce processus en trois étapes qui commence vraiment à créer des synergies Si vous ne parvenez pas à comprendre exactement comment vous voulez aborder cette question, recherchez ces motifs dans votre inspiration et dans vos vignettes Quels sont ces points qui vont être connectés pour créer un système pour vous-même ? Et cela peut vous aider à affiner vos options et à clarifier votre collection. Cette partie est l'un des médiums et des aspects les plus importants de tout ce processus et elle ne se déroulera pas comme si cette étape était terminée et que vous passiez ensuite à la suivante Mais prenez le temps d'y réfléchir sérieusement. Commencez à relier les points. Et quand tu seras prête, passons à la section suivante. Nous parlerons de couleur. Je te verrai là-bas. 8. Créer une palette de couleurs: Parlons maintenant de la couleur. fait d'avoir une palette de couleurs cohérente peut vraiment réunir presque n'importe quel ensemble de travail Et en plus de simplement choisir les couleurs que vous aimez, vous pouvez prendre en compte des éléments tels que contraste et la psychologie des couleurs. Revenez toujours à votre intention initiale, votre objectif, pour décider quelles couleurs conviennent le mieux à votre collection. J'ai vraiment l'impression qu'il n'y a pas de règles en matière de couleur. Il s'agit d'être à l'écoute et de remarquer vos propres réactions lorsque vous interagissez avec le monde Quelles sont les couleurs qui vous font ressentir quelque chose et pourquoi ? Lorsque vous aimez quelque chose, remarquez ses couleurs et voyez quels peuvent être des motifs cohérents qui se dégagent de ce que vous aimez. Je recommande vivement de toujours vous renseigner sur ce point et de développer votre intuition des couleurs plutôt que associer à la théorie des couleurs et à la psychologie des couleurs afin de savoir quand vous voulez suivre les règles et quand vous voulez les enfreindre. Parlons un peu de ce qui rend les couleurs harmonieuses. Ceci est principalement basé sur la théorie des couleurs et un peu sur la psychologie des couleurs. J'approfondis ce sujet dans mon cours sur les bases du dessin, mais je pense que cela vaut la peine d'être rafraîchi ici Parlons d'abord des relations entre les couleurs. Nous pouvons penser à la couleur en termes de roue chromatique. Bien sûr, il existe des relations établies qui ont tendance à bien aller de pair. Bien sûr, nous pouvons commencer par le monochrome, en tenant à une teinte et explorant à partir de là en termes de différentes valeurs, différentes saturations, conservant plus ou moins l'apparence d'une seule On peut également penser à des familles de couleurs analogues. Alors peut-être l'orange, le rouge et le jaune et en jouant avec cette famille de couleurs. D'autre part, nous pouvons également utiliser des couleurs complémentaires. Vous en connaissez probablement beaucoup, ils sont rouges et verts, bleus et oranges, jaunes et violets. Ces couleurs se trouvent sur les côtés opposés de la roue chromatique. Et ce contraste fait vraiment ressortir l' éclat de chacune d'elles Vous pouvez également penser aux couleurs dans des relations triadiques. À l'instar de la prise en compte des couleurs complémentaires, toutes ces couleurs fonctionnent ensemble pour vraiment faire ressortir le meilleur les unes des autres, mais elles doivent être utilisées habilement car, même au sein de chaque famille de couleurs, en fonction de la teinte, du ton et de la simple variation de cette couleur, cela peut vraiment faire ou défaire cette relation J'aime aussi beaucoup réfléchir à la température de couleur. autres couleurs sont donc chaudes ou froides, mais ce ne sont pas exactement les couleurs primaires que vous avez en tête. Ils ne sont pas du vert évident ou ils ne sont pas du bleu, de l'orange ou du rouge évidents. J'aime penser au chaud et au froid, alors j'ai tendance à contrebalancer ces couleurs très chaudes, quelque chose de cool. Je pense également aux couleurs naturelles. Je suis évidemment inspiré par la nature. Je pense donc que mes couleurs chaudes proviennent vraiment de tons terreux, de tons ensoleillés, puis que mes tons froids proviennent des arbres et de l'eau et qu'ils ont simplement ce complément naturel harmonisé Outre ces relations avec la roue chromatique, nous pouvons également penser à la couleur, à l'humeur. Je suis sûr que vous avez déjà entendu parler ou expérimenté une sorte de psychologie des couleurs, laquelle certaines couleurs ont tendance à se prêter à certaines humeurs Pour moi, je vous encourage vraiment à le découvrir vous-même. Vous pouvez bien sûr lire les concepts généraux et il existe des associations évidentes telles que le rose et le rouge avec amour, bleu et le vert pour les tons apaisants. Mais même au sein de ces familles, vous pouvez certainement penser à un bleu turquoise vif très énergique ou à une orange pêche vraiment apaisante. Il n'y a donc pas de règles strictes et fixes au sein de chaque famille de couleurs. J'aime vraiment y penser à nouveau et à ces réglages. Certaines cultures, comme les cultures latino-américaines, rappellent ces couleurs vraiment énergiques et magnifiques qui me rendent heureuse et m'excitent En même temps, j' aime aussi les palettes de couleurs que l'on a tendance à trouver dans la culture japonaise ou scandinave, un design minimaliste culture japonaise ou scandinave qui me permet de me sentir vraiment calme, vraiment ancrée. Et ce que j'aime faire, c'est souvent me demander comment je peux combiner ces deux aspects que j'aime vraiment ça, à la nature, à l'esprit, c'est quelque chose auquel je pensais vraiment intentionnellement. Comment créer une palette de couleurs à la fois sophistiquée et apaisante ? Pourtant, il joue toujours avec des couleurs vraiment ludiques, comme une touche d'orange vif. Et c'était vraiment amusant pour moi de jouer avec ça . La dernière chose dont je veux parler dans cette section est la dominance colorée. Et c'est exactement ce à quoi je fais référence lorsque je me demande si, lorsque je regarde une pièce, y a-t-il une couleur dominante qui ressort vraiment ou peut-être des couleurs vraiment dominantes ? Ou y a-t-il simplement plusieurs couleurs mélangées entre elles et vous ne pouvez pas vraiment voir quelle couleur est la plus dominante. Dans beaucoup de mes œuvres et dans Nature Spirit, je pensais que l'arrière-plan était la couleur dominante, mais il y a ce vert foncé très vif que j'utilise de nombreux endroits et qui contraste avec l'orange vif. Je l'ai donc fait varier entre chaque pièce, qu'il s'agisse d'une couleur dominante, de deux couleurs dominantes ou de plusieurs couleurs dominantes. En bas de page, j'ai juste un exemple de la façon dont j'ai tendance à envisager les palettes de couleurs dans leur ensemble. C'est donc un bon exemple des couleurs de marque que j'utilise. Vous pouvez voir que les couleurs que j'utilise dans mes œuvres sont très similaires à la palette Nature Spirit que j'ai utilisée. Et ce que j'aime bien, c'est que la plupart du temps, lorsque vous voyez des palettes de couleurs, vous voyez combien de couleurs sont de l'art dans des cercles de taille égale Et dans la pratique, je trouve que j'ai généralement une couleur dominante ou que je joue avec cette dominance, configurant ma palette de couleurs sorte qu'elle en montre un peu plus sur cette dominance et que la relation entre les couleurs m' aide à visualiser à quoi pourrait ressembler la pièce finale. C'est pourquoi j' aime aussi utiliser des miniatures et couleurs, car les relations entre les couleurs sont très importantes pour moi et m' ont vraiment aidée à visualiser et à réfléchir à des choses. Il est donc m' ont vraiment aidée à visualiser et à réfléchir à plus logique pour moi de les intégrer dans ma première phase d'esquisse plutôt que occuper C'est juste mon processus que j'ai réalisé expérimentant, en explorant et en réfléchissant Cela peut donc fonctionner ou ne pas fonctionner pour vous. Je voulais simplement montrer qu'il existe d' autres manières de penser aux palettes de couleurs. Voyons à quoi pourrait ressembler cette palette de couleurs en action. Voici les six premières pièces que j'ai réunies pour Nature Spirit. La rangée du haut est le premier ensemble que j'ai assemblé et la rangée du bas est le deuxième ensemble. Vous pouvez donc vraiment voir comment j'ai commencé à itérer sur le second En regardant le premier avec la première pièce, je n'avais à l'origine que cette couleur verte et beige. Et puis j'ai ajouté ce papillon avec cette touche d'orange vers la fin. Et j'ai beaucoup aimé ce contraste. J'ai vraiment adoré la façon dont cela a ajouté de l'éclat à cette palette de couleurs par ailleurs plutôt calme et neutre J'ai continué à jouer avec ça au fur je travaillais sur mes autres pièces. Je crois donc que j'ai déjà eu l'idée d' une petite personne debout sur ces oranges. Cela peut aussi être de petits mondes. C'est là que j'ai eu l'idée de mettre cette orange dans ma première pièce. Il y a donc ce va-et-vient et j'apprends à partir d' un autre article pour l' appliquer à un article antérieur Puis, quand il s'est agi de dessiner l'oiseau, qui est le troisième que j'ai terminé, j'ai eu l'idée des oranges, puis j'ai pu transformer cet oiseau, qui est techniquement de couleur noire. Il utilise donc les pies comme référence parce qu'elles possèdent cette symbologie importante dans Et j'ai pu utiliser ce vert foncé à la place, ce qui a vraiment permis de créer un lien entre les deux. Vous pouvez voir comment chaque pièce a donné naissance à la suivante et m'a permis d'être à la fois créative tout en ayant un cadre qui limite mes options. Quand il s'est agi de créer le deuxième set. Je veux que cela aille un peu plus loin. Au lieu d'utiliser exactement les mêmes légumes verts et oranges, je suis allée encore un peu plus loin en mettant cette touche d'orange très forte, presque fluo, sur le poisson, sur les fleurs et sur le poisson rouge Et vous remarquerez qu'il s' agit également de variantes légèrement différentes d'oranges. Le poisson rouge est un peu plus jaune, tandis que les poissons sont un peu plus rouges Et puis, avec les légumes verts, j'ai gardé ce vert foncé très constant dans les feuilles. Mais à l'arrière-plan de cette pièce en forme de lotus sur la gauche, j'ai utilisé un nouveau bleu, mais cette couleur bleu-vert appartient toujours à cette famille, tonalité générale froide des verts que j'utilisais jusqu'à présent Cela fonctionne donc ensemble. C'est le cadran avec lequel je jouais. Et je ne suis certainement pas tombée sur cette couleur tout de suite. À l'origine, le fond de ce chargement Peace », devait être de couleur pêche. C'est un peu comme l'oiseau. Mais j'essayais de le varier. Je voulais expérimenter et j'ai simplement utilisé les niveaux de saturation des teintes pour obtenir cette couleur bleue que j'ai fini par vraiment aimer et que j'ai utilisée dans d' autres vignettes Je tiens également à souligner qu' en bas à droite avec cette fille dont les tiges sortent d'elle. À l'origine, cette image ne comportait aucune ligne, c' était donc juste la fille avec les fleurs. J'ai utilisé le langage des formes pour rendre son corps beaucoup plus abstrait. Mais j'adore ce complément du langage des formes avec ces lignes gestuelles fluides. Puis j'ai toujours senti qu'il manquait quelque chose. J'ai donc ajouté ces tiges, puis j'ai expérimenté le type de couleur que cela pourrait être Donc à l'origine, je m'attends à des couleurs plus réalistes comme une tige verte, vert foncé, un vert clair. Puis j'ai trouvé cette couleur fluo que j'ai eu l' impression de vraiment ressortir et qu'elle s'associait à cet autre contraste fort que j'avais entre les poissons du même set C'est donc juste un bon exemple de ma façon de continuer à réfléchir et à regarder des pièces qui semblent presque terminées mais qui manquent quelque chose. Ensuite, j'essaie de choses différentes jusqu'à ce que je quelque chose qui me donne l'impression que oui. me sens bien, c'est l'ambiance que je recherchais Pour celui-ci, je voulais me sentir apaisée et me sentir ancrée. Et pourtant, il y a quelque chose de magique et d'énergique à ce sujet. Et ces lignes étaient parfaites pour cela. Quand j'ai eu cette idée pour la première fois, j'ai dit que je n'avais pas nécessairement cette palette de couleurs en tête. Bien sûr, vous pouvez voir que j'ai tendance à utiliser beaucoup ces couleurs, l'équilibre entre le chaud et le froid, mais ce vert foncé est vraiment fruit de toute cette expérimentation. pense au thème de la nature que je souhaite qu'il explore. Et puis trouver la bonne teinte de vert. Le vert peut être très clair et très clair, ou il peut être très foncé et presque noir. Et j'aime beaucoup jouer avec cette couleur très foncée et voir comment je peux l'équilibrer avec les tons chauds et neutres et les tons terreux que j'utilise Je pense que la couleur est très puissante et qu'elle peut réellement modifier le message global simplement en faisant regarder quelque chose au spectateur. Je n'ai pas besoin de dire à quelqu'un que c'est ce que l'Art est censé vous faire sentir calme et enraciné. Au lieu de cela, ils peuvent simplement la regarder, sentir la couleur pendant qu'ils l'observent et se laisser guider dans leur propre interprétation. Je tiens également à souligner que j' arrive souvent à la fin d' une collection, puis j'y reviens et peaufine certaines couleurs Je dois le faire de moins en moins au fur et à mesure que je gagne en expérience. Pour ceux d'entre vous qui ne font que commencer. Je tiens absolument à souligner ce point, car vous pourriez vous retrouver dans une situation similaire. Et je veux m'assurer que vous n'avez pas l'impression que c'est mal ou que vous faites quelque chose de mal. Parce que, par exemple, lorsque j'ai créé ma collection Alphabet Adventure, j'ai eu l'impression assez claire que, encore une fois, j'avais opté pour cette relation chaleureuse et cool, mais qu'au moment où je suis arrivée à la fin, le bleu avait vraiment évolué pour devenir un bleu marine beaucoup plus riche. Et il en va de même pour les tons de terre. Ils sont devenus plus riches, plus chaleureux et plus profonds pour moi. Et j'ai dû revenir à mes pièces précédentes et les unifier avec les pièces ultérieures. Et j'ai juste l'impression que cela fait partie du processus, de l'apprentissage, de l'expérience. C'est tout à fait normal. Et je pense que c'est vraiment un bon résultat que de savoir dès le début à quoi tout va ressembler exactement. Vous y arriverez peut-être avec de la pratique en créant de plus en plus de collections et de séries. Mais au début, permettez-vous de faire des erreurs, apprendre et de vous adapter. En résumé, lorsque nous planifions les palettes de couleurs de notre collection, nous voulons vraiment garder à l'esprit que c'est l'un des facteurs les plus importants qui peuvent donner à une collection ou à une série sentiment de connexion et de cohésion Et n'oubliez pas de garder ce téléphone, je pense que l' essentiel de tout cela est de pouvoir regarder votre inspiration. Sortir pour explorer la nature, regarder le design et simplement vérifier avec vous-même ce qu'il en est, vous donne une certaine impression. Vous pouvez même essayer plusieurs ensembles différents , mais vous pouvez éventuellement les restreindre à quelque chose que vous pouvez appliquer régulièrement à quelque chose que vous pouvez appliquer régulièrement à vos pièces et les varier au sein de cette palette afin de créer au sein de cette palette afin intérêt et du contraste tout en conservant une connexion cohérente Lorsque vous serez prêt, retrouvons-nous dans la section suivante où je parlerai du choix d'un format pour toutes vos pièces. Je te verrai là-bas. 9. Déterminer votre format: Parlons un peu du format dans lequel nous voulons présenter notre collection, car cela influencera vraiment la façon dont nous concevons et créons nos pièces individuelles. La taille et le format que vous sélectionnez vont vraiment affecter la façon dont votre œuvre est vue et perçue par votre public. À ce stade du processus, nous devrions concevoir en fonction de notre format et de notre taille idéaux. Lors de l'exercice précédent, nous avons défini notre objectif cible et le public et format qui joueront ici un rôle. La principale différence réside dans le fait qu' auparavant, nous pensions aux moodboards en termes plus généraux. Alors qu'à présent, nous voulons vraiment déterminer les dimensions et les spécifications spécifiques afin de nous assurer travailler vers la bonne destination finale. Certains d'entre vous savent peut-être déjà exactement dans quel type de taille, de support et de format vous allez travailler. Mais si vous n'en êtes pas encore sûr ou si vous êtes encore en train de réfléchir, voici quelques-unes des principales considérations que vous devez garder à l'esprit pour commencer : s'il va être présenté physiquement en personne, s'il va être présenté quelque chose que vous pouvez toucher ou simplement de manière numérique, comme sur un blog Web, sur Instagram ou sur une sorte Cela peut également être une combinaison des deux , selon mon expérience et autre chose. Vous en direz un peu plus tard dans ce cours. Vous devez également réfléchir à la taille que vous souhaitez atteindre, surtout si vous comptez les imprimer ou les montrer en personne. La prochaine chose est le matériel. Si vous travaillez physiquement, seront-ils imprimés sur un certain type de papier ou sur du tissu ? Ou peut-être travaillez-vous avec d'autres matériaux tels que le bois ou le métal. Si vous travaillez en mode numérique, vous devez tout de même penser au format Par exemple, s' agira-t-il d' images fixes ou seront-elles animées ? S'ils doivent être animés, dans quelle mesure le seront-ils ? Ou si vous essayez de les utiliser dans une vidéo, dans quel format seront-ils utilisés ? Tous ces éléments peuvent être importés en fonction de la manière dont vous décidez de configurer vos couches, par exemple, manière dont vous souhaitez configurer votre résolution et de la taille du cadre dans lequel vous allez travailler. fait de bien comprendre votre format dès maintenant alors que vous n'êtes pas encore en train de finaliser vos pièces , vous évitera des maux de tête en fin de compte. En ce qui concerne mon processus de développement de Nature Spirit, j'ai déjà ma boutique en ligne, mon Instagram et les types de choses que je crée habituellement en pensant à mes illustrations Je n'ai donc pas établi de cadre. Même alors. À cet égard, je réfléchis à de nombreuses considérations. Par exemple, lorsque j'ai créé la collection Alphabet of Venture, je savais que ce serait un livre d'images à partager sur Instagram. J'ai donc voulu concevoir des illustrations qui fonctionnent pour les deux. En ce qui concerne Nature Spirit, je ne savais pas exactement dans quel format il s' agirait en termes de produit final. Mais je savais que ça allait être partagé sur Instagram. J'ai donc profité de cette longue dimension de portrait, puis j'ai réfléchi au type de produit qui me conviendrait. Il se prête également très bien à une taille de cadre et à une taille d'impression assez standard En outre, je voulais créer des étuis pour appareils pour la première fois. C'est donc quelque chose que j'ai simulé puis expérimenté Et je pense aussi différentes dimensions des fonds d'écran numériques. Vous pouvez donc imaginer que je dois vraiment garder à l'esprit lorsque je développe ces dimensions et que je crée ces bords, ces marges et tout cela. lorsque je dois vraiment garder à l'esprit lorsque je développe ces dimensions et que je crée ces bords, ces marges et tout cela. Une chose que je recommande vraiment de faire d' après ma propre expérience est de l'essayer. Donc, si vous êtes en train concevoir une épinglette en émail , comme j'ai déjà conçue auparavant, imprimez une petite version papier de cette épingle en émail à la taille que vous souhaitez. Et assurez-vous simplement que c'est la bonne taille que vous avez en tête. Souvent, il peut être plus grand ou plus petit que vous ne le pensez. Ou si vous créez quelque chose comme un livre ou une coque d'appareil, il existe aujourd'hui de nombreuses maquettes que vous pouvez trouver sur des sites Web tels Creative Market.com qui vous permettent d'y placer votre illustration afin de voir à votre illustration afin quoi elle pourrait ressembler dans C'est très pratique lorsqu' il s'agit de choses comme les étuis d' appareils où se trouve une grande découpe pour l'appareil photo du téléphone Vous devez vous assurer que votre illustration ne comporte pas quelque chose de vraiment important dans ce coin. Et des choses comme ça. Bien entendu, vous pouvez toujours adapter et ajouter quelque chose ou le modifier légèrement pour qu'il à votre objectif final. Mais cela va simplement vous faire économiser beaucoup de temps et de travail inutile. Si vous avez déjà certains de ces cadres à l'esprit lorsque vous travaillez sur vos œuvres. Toutes mes pièces et Nature Spirit s'adaptent donc vraiment à la fois au partage sur Instagram, gravure et à la création de produits Et j'ai un outil de création de site Web me permet de prévisualiser à quoi il ressemblera sur ce site et tout cela s'intègre , comme lors de la création des pièces finales. Je vais partager mes dimensions préférées dans le matériel de cours et quelques autres considérations que vous voudrez peut-être garder à l'esprit Ce ne sont pas des choses gravées dans marbre et vous pouvez toujours les changer à la fin. En résumé, alors que nous nous rapprochons cristallisation de notre collection et que nous finalisons le format de nos pièces, il est très important de continuer à revenir à notre objectif, format et la taille appropriés afin d'éviter tout travail inutile par la suite Je vous encourage vivement à essayer le format que vous envisagez en termes de taille, 0 dans la vraie vie c'est possible, de la cristallisation de notre collection et que nous finalisons le format de nos pièces, il est très important de continuer à revenir à notre objectif, à savoir le format et la taille appropriés afin d'éviter tout travail inutile par la suite. Je vous encourage vivement à essayer le format que vous envisagez en termes de taille, 0 dans la vraie vie c'est possible, ou du moins grâce à des maquettes. Parce que souvent, les choses se sentiront différentes en personne par rapport à sa conception numérique heure actuelle, il faut un certain temps pour réfléchir à l' objectif que vous souhaitez atteindre, aux différents formats que vous envisagez, puis pour essayer de trouver des spécifications. Certaines dimensions conviendront à votre objectif et assurez-vous que vous travaillez sur des pièces qui conviendront au format que vous souhaitez. Lorsque vous serez prêt, retrouvons-nous dans la section suivante pour voir comment nous pouvons finaliser notre collection en effectuant un zoom arrière pour avoir une vue d'ensemble et en zoomant en avant pour ensemble et en zoomant en Je te verrai là-bas. 10. Finaliser les détails: Parlons de la façon de finaliser nos pièces et de vraiment commencer à rassembler notre collection et à la rendre cohérente À ce stade du processus. Il s'agit d'unifier les détails et de s'assurer que chaque pièce que nous ajoutons s'intègre dans l'ensemble Plus vous créez de pièces pour votre collection, plus vos motifs, vos éléments et votre système seront de plus en plus clairs . Vous devrez toujours garder un œil sur la situation dans son ensemble tout en travaillant les détails pour finaliser vos pièces Et ne soyez pas surpris si vous continuez à faire des allers-retours entre les pièces que vous avez créées auparavant et celles sur lesquelles vous travaillez actuellement. Maintenant, c'est bien sûr ce qui est le plus facile avec les pièces numériques, car vous pouvez facilement revenir dans les fichiers, peaufiner calques, ajuster les palettes de couleurs et réglage Même si vous travaillez de façon traditionnelle, vous pouvez créer des versions plus petites de vos pièces finies, puis vous assurer qu'elles forment un tout cohérent avant de travailler sur vos pièces finales À ce stade, nous pourrions également nous poser à nouveau la question de savoir quand puis-je m'arrêter ? Je sais que de nombreux créatifs, y compris moi-même, ont parfois du mal à savoir quand une œuvre est terminée et quand il reste encore beaucoup à faire Parfois, on a l' impression de pouvoir créer des nouilles, des détails ou des peaufiner quelque chose pour toujours Et à un moment donné, il faut savoir quand s'arrêter. Cela remonte à tout l'exercice que j'ai partagé sur le fait de prendre contact avec vous-même, écouter votre instinct et de vraiment vous entendre pour savoir si vous avez dit ce que vous vouliez dire lorsque vous avez décidé de créer cette œuvre. Cela pourrait être accompli très rapidement. Et parfois, la question que je me pose est la suivante : est-ce que j'y consacre suffisamment de temps ou est-ce que c'est fait ? Et parfois c'est tout simplement fait. D'autres fois je sais que d'autres personnes le regarderont et penseront que c'est terminé. J'y ai passé des heures et des heures. Et pourtant, quelque chose ne semble toujours pas tout à fait correct à ce sujet. Et je veux continuer à y travailler jusqu'à ce que j'aie le sentiment final que oui, j'ai dit ce que je voulais dire. Je dirais que la chose la plus importante que je déconseille , c'est de rester tellement coincé dans une pièce que soit vous abandonnez, soit vous passez des heures et des heures à ne pas vraiment faire beaucoup de processus. C'est un bon signe que vous devriez passer à autre chose et y revenir plus tard. J'ai même des pièces dans cette collection où j'avais fait la miniature auparavant, nombreuses autres que j'ai terminées mais je n'arrivais pas à m' y retrouver à l'époque Comment le faire fonctionner ou comment il s'intègre dans l'histoire. Mais au fur et à mesure que j' étoffais d'autres pièces, je pourrais y revenir et vraiment les étoffer C'est pourquoi je voulais vraiment partager cette collection en tant que travail en cours avec vous. Vous pouvez donc voir que je ne suis pas en train de terminer une pièce à la fois. Il existe différentes pièces à différents niveaux de finition. Et j'ai vraiment appris des pièces à venir pour développer mes anciennes pièces. Comme je l'ai mentionné plus tôt dans le cours sur la couleur. Certaines pièces ultérieures ont permis combler ce petit élément manquant que j'ai finalement découvert dans un article précédent. Et c'est une sensation tellement satisfaisante, vraiment partie intégrante de tout ce processus visant à reconstituer le puzzle dont nous avons parlé Maintenant, en ce qui concerne les autres détails, outre la couleur, je regardais vraiment dans leur ensemble toutes les pièces assemblées et encore sur mon tableau blanc dans mon Procreate ou même sur Instagram J'ai commencé à remarquer qu'il y avait ce geste qui les reliait tous comme dans certaines configurations, cela ressemblait à un cercle et à d'autres alignements Il y a juste une belle fluidité naturelle Et c'est quelque chose qui n'était pas intentionnel au début Mais une fois que je l'ai vu dans les trois ou quatre premières pièces, c'est quelque chose que j'ai vraiment voulu poursuivre dans les prochains sets. À la fin de la collection, c'est quelque chose que j'intègre très intentionnellement. C'est quelque chose que je suis en train de peaufiner mes vignettes pour m'assurer de l'adapter et qui est né naturellement du processus et de l'expérimentation l' Mais maintenant, cela me semble tellement logique parce que toute cette collection portait sur l'harmonie, l' interêtre et le lien entre l'homme, la nature et l'Esprit. Et donc, bien sûr, il est logique que chaque pièce soit issue l'une de l'autre et ait ce genre de ligne de démarcation tacite Mais ce n'est pas quelque chose que j'aurais pu comprendre dès le début avant de commencer à le créer, à le faire et à y réfléchir. J'espère que cela vous inspirera encouragera à penser que , bien souvent, certaines de vos pièces préférées de de prendre vous encouragera à penser que , bien souvent, certaines de vos pièces préférées de votre collection ne seront pas publiées avant d' avoir trouvé quelques pièces et recul, de réfléchir, de digérer et d'apprendre, puis d'avoir continué à évoluer et à grandir. En résumé, alors que nous finalisons réellement toutes les pièces de notre collection, nous voulons nous assurer d'identifier ces motifs, relier ces points et de nous concentrer sur les détails pour commencer à tout assembler offre une grande marge de manœuvre Chaque pièce offre une grande marge de manœuvre pour essayer quelque chose de nouveau Ajouter une autre note au morceau ou un autre point de conversation à la discussion. Mais en fin de compte, il doit y avoir cette cohésion qui montre qu'il s'agit d'un regroupement, que ce soit par le biais du sujet, de la palette de couleurs, de la composition et du style, ou idéalement d'une combinaison de tout ce qui palette de couleurs, de la composition et du style, composition et du style, ou idéalement d'une combinaison de fonctionne réellement en synergie Bien entendu, la finalisation va prendre beaucoup de temps et c'est une partie très importante de la finalisation de votre collection Ne vous sentez donc pas obligé de terminer tout cela avant de passer au reste du cours. Les sections suivantes vont vous aider à réfléchir certains aspects de votre collection que vous voudrez garder à l'esprit lorsque vous y travaillez. Alors quand vous serez prêt, retrouvons-nous dans la section suivante, nous parlerons de tout ce qui concerne la dénomination 11. Nommer votre travail: Une partie souvent négligée de la création d'une collection est de trouver les noms et les descriptions de celle-ci. Je recommande de ne pas le conserver pour la fin du projet, mais de l' intégrer votre processus auquel vous réfléchissez en cours de route. Je pense également qu'apprendre à nommer et à décrire son travail est une compétence de communication importante pour tout créateur. Je pense que la plupart d'entre vous peuvent déjà comprendre pourquoi il est important de donner un nom, mais cela a vraiment une incidence sur l' expérience qu'une œuvre peut ajouter une autre dimension à votre message. style, votre voix et ce que vous voulez que votre public en retienne. Vous n'avez pas besoin d'être Shakespeare pour écrire ce très beau langage descriptif. En fait, je pense que le plus important, c'est d'être soi-même. Je sais qu'une question se pose peut-être, car de nombreux artistes visuels sont des créatifs qui n'ont pas l' habitude d'écrire Dans un sens, et si l' écriture n'était pas ma force. Et si le fait de donner un titre ou de décrire quelque chose me rend nerveuse ou me donne l'impression de ne pas savoir quoi faire ? C'est vraiment une très bonne compétence pour toute personne, que vous travailliez dans le domaine des arts créatifs ou vous n' appreniez pas à communiquer, à partager votre message et ce que vous voulez diffuser dans le monde. C'est un si grand privilège que nous avons. Ne considérez donc pas cela comme une situation stressante que vous devez corriger, mais surtout, apprenez à vous adapter, à observer, à voir comment les autres personnes que vous admirez s'y prennent une situation stressante que vous devez corriger, mais surtout, apprenez à vous adapter, à observer, à . Vous pouvez tout à fait imiter un autre style au début, mais apprenez à rechercher votre voix et la façon dont vous souhaitez partager Voulez-vous paraître un peu plus élaboré et abstrait dans votre façon de décrire les choses ou simplement très simple et très direct Encore une fois, tout cela fait partie de vous et de votre identité, de votre voix, de ce que vous souhaitez partager à travers votre travail. Je pense que le point le plus important que je veux que vous retiriez de cette section est la conviction que vous pouvez y arriver Il n'y a aucune raison pour que vous deviez être un auteur prolifique ou que vous ayez l'impression que l'écriture était votre spécialité à l'université pour pouvoir simplement partager votre voix et décrire votre travail Encore une fois, il existe de nombreuses façons d'aborder cette question, mais voici quelques considérations que vous voudrez peut-être garder à l'esprit lorsque vous réfléchissez au ton que vous réfléchissez au ton vous allez utiliser pour nommer et décrire les éléments de votre collection. La première considération dont nous parlerons est le ton. Dans l'ensemble, voulez-vous que votre langage soit vraiment et direct, ou un peu plus fleuri ou poétique Une autre façon dont vous pourriez y réfléchir est la façon dont vous voulez l'aborder. Cela est particulièrement vrai lorsqu'il s'agit de décrire votre travail. Dites donc quelques petites légendes qui pourraient accompagner votre œuvre dans une galerie ou sur votre site web, la description du produit Il existe de nombreux domaines dans lesquels vous pourriez avoir besoin de décrire des choses ou même d'ajouter une légende sur les réseaux sociaux. Voulez-vous donc être vraiment littéral exemple expliquer davantage votre processus et vos matériaux et de votre processus et vos matériaux et quoi il s'agit exactement Ou voulez-vous être un peu plus poétique et allusion à ce qui vous a inspiré et à votre message Et cela peut toujours, bien sûr, être une combinaison de n'importe laquelle de ces choses. Vous pouvez également vous demander si vous voulez être un peu plus abstrait ou plus malin, ou simplement cacher la balle un peu plus Par exemple, le titre de votre œuvre sera-t-il exactement ce qu'il est ? Ou est-ce que ce sera quelque chose que le public comprendra une fois qu' il l'aura vu, mais ce n'est pas un lien évident. Supposons que vous peignez un oiseau sur une fleur. Et votre titre pourrait être la fleur numéro quatre. Ou ça pourrait être un peu comme des ragots de quartier. Qui sait ce que tu pourrais trouver ? Mais quelque chose dans ce sens peut vraiment vous aider à déterminer si vous voulez adopter une approche qui reflète vraiment votre personnalité ou quelque chose qui laisse vraiment l'œuvre parler d'elle-même sans vraiment y apporter grand-chose. Désormais, toutes ces tonalités se rejoignent véritablement dans tous les contextes dans lesquels vous les partagez. Qu'il s'agisse du titre de votre article, de la légende, des descriptions de produits ou même d'un article dans lequel vous souhaitez partager votre travail. Tous ces éléments peuvent fonctionner en synergie. Pensez au pouvoir que peuvent avoir les mots , même dans votre propre vie. Lorsque vous observez un texte publicitaire ou que vous lisez un livre ou un article de magazine. Tout comme avec les palettes de couleurs, vous pouvez commencer à remarquer par vous-même comment différents mots vous font ressentir et comment ils sont utilisés dans différents contextes. Allez dans les galeries des musées, allez dans les librairies, lisez vos magazines préférés Portez vraiment attention sur les réseaux sociaux et observez comment les personnes que vous admirez le font. Déterminez lequel d' entre eux correspond à l'objectif de votre travail et commencez à l' intégrer et à le pratiquer vous-même. Dans le cadre de mon processus, je passe beaucoup de temps à réfléchir aux mots. J'ai été avocate et j'ai beaucoup d' expérience en matière d'écriture mais cela ne signifie pas nécessairement que je suis particulièrement douée ou expérimentée dans l'écriture dans le style qui communique le mieux le ton et l'ambiance que j'essaie de partager avec ma collection. Pour moi, cela a été un processus qui m'a permis de réfléchir ce qui m'a fait ressentir le type d'ambiance que je recherchais dans le travail des autres. Le fait de penser aux livres ou magazines que j'admire , à la question de savoir si ce type de langage convient et ma propre réaction instinctive lorsque je les lis moi-même ne me fait pas grincer des dents ou me donne l'impression que oui, c'est ce que j'essaie de dire, est un excellent exercice pour faire que oui, c'est ce que j'essaie de dire, preuve de créativité d'une manière différente Trouver les titres des pièces, par exemple, a été un choix tout en restant très simple. Peut-être avoir un double sens , puis décider de rendre les descriptions un peu plus expressives ou un peu plus littérales et d'expliquer l'inspiration qui sous-tend chaque pièce Parce que j'ai pensé à quel point l'art que j' aimais vraiment en approfondissant le symbolisme et les intentions des artistes qui ont créé signifiait beaucoup plus pour moi. Mais parfois, lorsque vous en faites l' expérience dans une galerie sans explication à côté, vous avez bien sûr l'avantage de simplement y appliquer votre propre sens, d'y attribuer différents aspects de votre propre vie, vous y projeter Mais en même temps, concerne les allées de cette collection, je voulais vraiment partager mes propres recherches, inspirations, car ce n'était pas partie importante de ce que je voulais Une autre chose que j'ai faite avec cette collection a été de choisir une citation que j'aime vraiment et associer à chaque illustration. Cela m'aide à définir ce que je voulais partager avec chaque pièce et harmoniser globalement toutes les pièces. Je recueille déjà des citations issues de mes lectures et de mes recherches. C'était donc cette touche supplémentaire amusante qui m'a permis d'apporter une autre facette de mes intérêts et personnalité à cette collection. Et tout a vraiment fonctionné ensemble. En résumé, lorsqu'il s'agit de nommer, choisissez des noms et une langue qui reflètent l'intention de votre collection. Je tiens vraiment à souligner que même si vous n'avez pas l'habitude d' écrire et même si vous pensez que écriture n'est pas votre point fort, profitez de cette occasion et de ce projet pour pratiquer et perfectionner votre voix. Inspirez-vous des autres et réfléchissez façon dont vous aimeriez que quelqu'un d'autre décrive votre travail. Prenez le temps dès maintenant si vous souhaitez vous inspirer de différents types d'exemples d' écriture que vous aimez ou si vous connaissez déjà le ton de voix que vous souhaitez utiliser. Commencez à vous entraîner sur les pièces que vous avez créées pour trouver des noms et des descriptions. Bien sûr, vous pouvez toujours les modifier au fur et à mesure, mais c'est une excellente occasion de commencer à vous échauffer et à vous entraîner lorsque vous serez prêt. Retrouvons-nous dans la section suivante où je parlerai de l'organisation. Je vous en prie, ne vous enfuyez pas à ce stade. J'ai promis de le rendre aussi amusant que possible. Et je pense qu'il est très important que les créatifs apprennent à organiser leur travail 12. Organiser vos pièces: J'aime bien le fait qu'il y ait un sous-titre ici. Il est temps d'organiser votre œuvre d'art. Ne le mettez pas en place. C'est amusant. Mais je veux vraiment dire que je sais que pour certains d'entre vous, va susciter beaucoup d' enthousiasme organiser Your Art va susciter beaucoup d' enthousiasme et pour d'autres, c'est votre pire cauchemar. J'espère donc pouvoir trouver un juste milieu en vous montrant à quel point l'organisation est importante, ce que la plupart d'entre vous savent probablement , et à quel point elle peut être téléphonique et faire réellement partie de votre processus de création. Alors allons-y. Pour moi, l'organisation consiste à vous aider à devenir vous-même. Alors que le stéréotype veut que les créatifs soient dispersés, l'organisation est vraiment importante pour nous tous En gardant votre travail organisé, vous libérez de la place pour le flux créatif dès maintenant et vous vous aidez à trouver des choses dans le futur. Le conseil le plus important que je puisse vous donner en matière d'organisation est que vous essayez de la rendre aussi simple et agréable que possible pour vous. Parlons de la façon dont nous pouvons nous organiser en tant que créatifs. Encore une fois, si cela ne vous vient pas naturellement, je dirais que la première chose à faire est d'arrêter vous dire que vous n'êtes pas organisé. Commençons par dire que j' apprends à m'organiser. Configurez ensuite un système aussi fluide que possible. Permettez-moi de parler un peu plus de la façon dont j'organise les choses en utilisant les mêmes outils que ceux que j'ai mentionnés tout au long de ce cours. Sur Pinterest, je me suis donc efforcé de mettre de l'ordre dans mes tableaux et de les organiser en fonction des types d' inspiration et des types de références. Et j'utiliserai la fonction de sous-tableau pour créer des éléments individuels spécifiques. Et Figma, en fait, je garde mon Figma assez bas, donc je vais y mettre des choses et dès que je ne les utiliserai plus, je les supprimerai Donc, mon Figma actuel que je montre est une version vraiment modifiée de son point de départ J'ai beaucoup d' inspirations différentes. J'ai utilisé des mots bien plus différents. Mais chaque fois que j'ai l'impression d'en avoir fini avec une pièce, je la retire parce que, du moins , pour ce qui est de mes objectifs Figma, je trouve qu'éliminer encombrement est la meilleure solution pour mon flux créatif Par contre, dans Notion, je garde tout. Il s'agit de mon tiroir principal et j'ai tous ces différents projets, tâches et notes. Mais même dans ces domaines, je m'assure que tout est vraiment organisé. Je ne veux pas vous embêter avec mes différentes manières d'utiliser Notion, car il se trouve que je suis quelqu'un qui aime vraiment l'organisation et Notion, mais je sais que cela peut sembler accablant au début Cela dit, je veux vous montrer quelque chose d'utile que vous pouvez retenir de ce cours. Je vais donc vous montrer comment j'ai configuré mon organisation pour Nature Spirit et fournir un lien vers un modèle que vous pouvez utiliser pour créer quelque chose de similaire pour vous-même. Voici mon tableau Nature Spirit Art, un projet réalisé au sein de Notion. J'ai récemment essayé de consolider toutes mes œuvres dans une seule base de données et d'utiliser simplement différents filtres pour afficher la collection actuelle sur laquelle je travaille. Vous pouvez voir ici que chacune de ces cartes comporte l'une de mes illustrations. Et si vous cliquez dessus, vous verrez les citations que je lui ai attribuées lorsque je l'ai publié, le lien vers le billet de blog qui contient les illustrations et la signification qui le sous-tend, ainsi que les brouillons de vignettes précédents que j'ai eus Certains d'entre eux en auront plus que d'autres. Et je peux voir toutes mes œuvres, parce que s'il s'agit de 12 pièces sur lesquelles je travaille et de trois pièces potentielles je pourrais le faire ou ne pas le faire. Voici donc un avant-goût de cela. Quand j'aime vraiment le fait de pouvoir suivre toutes les versions que j'ai eues. Une pièce. Les devis, le lien vers le lecteur de tous mes fichiers de travail finaux, de mes fichiers de produits et de mes fichiers de conception. Et le fait d'avoir pu rapidement me rendre compte de tous les coloris que j'ai essayés et de voir comment ont évolué de la miniature à la version finale, en quelques étapes Ce qui est génial, c'est dans le futur. Si jamais j'ai envie de créer un cours à ce sujet, je pourrai facilement trouver cette idée. Et c'est exactement ce dont je parle en ce moment. Je viens littéralement de le récupérer à partir d'une base de données que j'avais déjà organisée et je suis en mesure de vous montrer maintenant comment j'ai organisé les choses et comment ce travail en cours s'est transformé en pièce finale. J'apprécie vraiment cela et c'est quelque chose que je pourrai utiliser à l'avenir pour garder les choses vraiment organisées. Je ne veux pas entrer dans les détails de Notion et de la façon de le configurer Je vais donc rapidement dire que Notion utilise ces bases de données. Vous pouvez les considérer comme des feuilles de calcul dans Excel ou dans Google Docs, Google L'avantage de Notion, c'est que vous pouvez utiliser ces feuilles de calcul, ces tableaux que vous connaissez bien et les afficher sous différents angles. Et j'adore utiliser ce mode galerie car vous pouvez simplement mettre votre JPEG dans l'un de vos tableaux , puis générer cette carte sous forme de vue. Et je suis simplement en mesure de mieux prévisualiser tout mon travail en une seule fois. Vous pouvez facilement modifier votre vue en cliquant avec le bouton droit sur cet onglet, modifiant la vue puis en modifiant la mise en page Vous avez un tableau, un tableau, chronologie, une liste de galeries et un calendrier. Pour nos besoins, j' aime utiliser la galerie. Donc, pour simplifier les choses, je vais le montrer à titre d'exemple et le tableau sera également préparé à cet effet. Maintenant, si tout cela commence à vous sembler très accablant, parce que vous n'utilisez pas très souvent d'applications numériques, alors conservez simplement une sorte de système de classement physique qui fonctionnera pour vous. Peut-être qu'il s'agit d'un placard avec grands séparateurs si vous travaillez de manière grande et traditionnelle, ou peut-être qu'il s'agit simplement d'un petit classeur dans lequel tous vos croquis sont clairement étiquetés comme des carnets de croquis Quoi qu'il en soit, prenez ce temps et intégrez-le votre processus pour indexer et vraiment organiser vos pièces. Votre futur moi vous en sera reconnaissant. Lorsque je développais Nature Spirit, je travaillais d' abord sur le stylo de jeu de Figma Mais dès que j'ai commencé à terminer certaines de mes pièces, j'ai créé la base de données de notions pour organiser les devis et les descriptions, les brouillons et les pièces finales et les fichiers de travail Cela peut donc être l'une des approches que vous pouvez utiliser. Assurez-vous simplement de commencer à configurer un cadre d'organisation avant d'avoir terminé le projet , car une fois que vous avez terminé le projet, je passe à autre chose. Je sais qu'il est difficile de revenir en arrière et de vraiment se concentrer sur le fait de tout mettre en place. En résumé, lorsque vous travaillez sur votre collection, assurez-vous de préparer votre avenir en créant un système organisationnel permettant de classer et de rassembler toutes vos pièces, toutes vos descriptions, titres et informations en un seul endroit J'aime utiliser Notion et Figma pour cela. Vous pouvez utiliser, bien entendu, programme avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise ou un système physique. Mais en fin de compte, il y a quelque chose de facile à gérer et d'utile pour votre futur moi. Assurez-vous de consacrer du temps et votre processus créatif à cet aspect organisationnel. Pour l'instant, rencontrons-nous. Dans la section suivante, nous parlerons du partage votre travail et des différentes stratégies ou approches que vous pouvez utiliser pour surmonter cet aspect parfois anxiogène de la création Je te verrai là-bas. 13. Partager votre collection (en conseil): Nous sommes arrivés à la ligne d'arrivée et il est temps de parler de partage. Maintenant, je sais que le partage peut porter ce fardeau ou anxiété pour de nombreuses personnes, surtout de nos jours. Abordons donc cette question dans l'optique d'apprendre à acquérir cette compétence qui nous permettra développer notre responsabilité en tant que créatifs. Je sais qu'il peut être très vulnérable de se faire connaître et de s' exposer à critique, au rejet ou même à l'absence de réaction. C'est pourquoi je pense qu'il est très important dans ce processus que nous fondons notre valeur nous-mêmes et non la validation externe de notre travail créatif. Maintenant, avant d' approfondir le sujet, parlons de manière approfondie des différents lieux sur lesquels nous pouvons partager. Et pensez simplement à ceux qui ont le public que vous souhaitez ou vous êtes prêt de toute façon et qui vous plaît sur cette plateforme ou sur laquelle vous voulez simplement vous concentrer. Je recommande vivement, surtout si vous êtes débutant ou si vous n' avez pas une solide réputation sur une plateforme , de vous concentrer sur une ou deux à D'autres sites que vous pourriez envisager sont, bien sûr, les réseaux sociaux, Instagram, Pinterest, Twitter. Et j'inclus les blogs artistiques, les communautés artistiques et les forums dont vous pourriez faire partie ou que vous souhaitez rejoindre. Ce sont tous d'excellents endroits pour partager des œuvres d'art visuel. Et chacun possède ses propres systèmes, tels que le hashtag, l'ajout à certains forums, ou la garantie d'un formatage de la manière la plus lisible et la plus agréable possible Et vous voudrez simplement faire partie de ces communautés. Découvrez ce qui vous convient le mieux pour voir ce que vous réagissez au même processus de compréhension de ce qui vous parle et travaillez à partir de là. Personnellement, je n'ai jamais suivi les conseils de quelqu'un qui m'a dit que c'est ainsi que j'ai gagné des dizaines de milliers de followers. Et honnêtement, j' ai simplement écouté ce qui me parlait. Si un certain type de post me donne l'impression que c'est authentique et quelque chose que j'ai envie de suivre par rapport à quelque chose qui me fait simplement hocher la tête et reculer. Et je trouve que cela a vraiment fonctionné pour moi. Si j'ai grandi aussi vite que j'aurais pu. Je ne sais pas, mais je suis content du rythme auquel j'ai grandi et je suis fier de la façon dont je l'ai abordé. Et je pense que c'est bien plus important pour moi que de gagner un certain nombre de followers dans un certain laps de temps Vous pouvez également envisager d'autres plateformes en ligne en plus des réseaux sociaux vous pouvez participer, telles que Suchi Art ou artsy, ou vendre vos produits sur des sites tels que Society Six ou créer un portfolio uniquement pour votre travail, nécessairement vendre quoi que ce soit sur Behance Je sais pertinemment que les directeurs artistiques recherchent des personnes sur ces plateformes. J'ai moi-même obtenu du travail auprès de clients directement à partir de quelque chose de ce genre. Je pense donc que c' est un excellent moyen de partager votre travail dans un cadre artistique vraiment professionnel , sans nécessairement ressentir pression des likes, des commentaires et des followers. Bien entendu, vous avez de nombreuses options pour les rencontres en personne selon l'endroit où vous vivez Mais la plupart des grandes villes, tant que vous vivez à proximité de l'une d'entre elles ou dans l'une d'entre elles, vous proposeront différentes combinaisons de ces options ou de toutes ces options. La première est que vous pouvez contacter les galeries pour voir si elles vous représenteront. Bien entendu, votre niveau de compétence doit atteindre un certain niveau, mais commencez simplement à accéder aux différents postes qu'ils proposent. Établissez ces relations , déterminez lequel d'entre eux a public que vous souhaitez et commencez simplement à les contacter et à demander des commentaires. Si tu penses que tu n'es pas encore prêt. Vous pouvez également envisager de vendre dans certaines boutiques. Mes livres sont disponibles dans de nombreuses boutiques indépendantes à travers le monde et c'est l' une de mes manières préférées de partager mon travail avec un public plus large. Il existe également des marchés en présentiel. Pendant longtemps, j'ai fait des pop-ups lors de foires artisanales locales, telles que Renegade et Unique, et j'ai exposé mon travail à un sous-ensemble de personnes différentes Et j'ai aussi apprécié cette interaction en personne. On peut également penser que les artistes sont des coopératives créatives ou différentes communautés qui peuvent organiser des événements comme celui-ci Alors faites preuve de créativité. C'est une autre façon d'être créatif. Réfléchissez à l'endroit où vous aimez naturellement apparaître. Les foires artisanales auxquelles je participe sont celles auxquelles j'ai aimé me rendre avant de me lancer dans l'art. C'est donc mon objectif naturel d'en faire partie et de me prêter, bien sûr, à une adéquation et à un public naturels. Vous remarquerez que ma tendance ou mon approche commune des choses tout au long de ce cours et la façon dont je pense divers sujets sont de vraiment m'écouter vous-même. Apprendre à entendre ce qui est authentique pour vous tout en vous lançant des défis sans vous accabler. C'est ainsi que j'ai toujours continué à me développer manière durable et d'une manière qui me rend heureuse. Maintenant, je voudrais parler un peu courage créatif et vous recommander un livre que j'aime vraiment sur tout ce concept et sur tout ce sujet. L'essentiel est donc que lorsque nous partageons notre travail avec nous-mêmes, je sache que nous leur donnons une part de nous-mêmes et que nous les invitons à entrer en contact avec nous à un niveau plus profond. Cela peut sembler très vulnérable et je tiens à préciser d'emblée que cela demande du courage Et j'espère que cela pourra être une source d' inspiration plutôt qu' effrayante ou bouleversante Mais pour ceux d'entre nous, et je sais que nous sommes nombreux dans le monde de la création, cela ne vient pas naturellement. Cela demande juste de la pratique. Cela peut sembler si facile pour moi maintenant et c'est si facile pour moi de parler de mon travail et de partager mon travail, voire de développer le cours autour de celui-ci. Parce que j'ai des années de pratique maintenant, au tout début, au tout début, j'ai été stimulée honnêtement par beaucoup de naïveté, ce qui m'a Et puis il y a certainement eu une période où j'ai commencé à me rendre compte  : Oh, certaines parties de moi se sentent vraiment mal à l'aise avec ça. Cela m'inquiète. Et j'ai dû apprendre à surmonter ces sentiments et ces utilisations pleine conscience, mettre en pratique mon propre sentiment d' identité et d'estime de soi Pourquoi je fais cela et canalise simplement cette énergie de manière durable et logique , car la créativité doit être le PFK-1 Cela devrait être difficile, mais ça devrait être PFK-1. C'est une joie. Et partager de la même façon à la fin de la journée sera une joie. Mais je sais que c'est plus facile à dire qu'à faire. J'ai récemment lu un livre intitulé The creative act de Rick Rubin Et j'adore tout ce qu'il dit et un écho dans tout ce qu'il dit Cela correspond vraiment à mes philosophies et à mon approche de la vie et du travail créatif Et il y a quelques choses qui m'ont vraiment sauté aux yeux et répondu à certains de ces sentiments que j'aimerais partager avec vous. Rick Rubin est un producteur de musique très célèbre, très prolifique et à succès qui a travaillé avec certains des artistes les plus célèbres du monde Et il a écrit ce livre qui traite vraiment de l'application cette philosophie orientale de fluidité et harmonie et de la voie à suivre pour parvenir au processus créatif, parce que nous faisons partie de la nature et que la nature est créative et donc nous sommes créatifs. Lorsque nous pensons à notre processus de création, si nous pouvons le considérer du point de vue de la nature et de l'harmonie , beaucoup de choses peuvent commencer à prendre tout leur sens. Spécifiquement pour cette section du cours consacrée au partage, il explique en quoi le partage est une responsabilité du créateur. Et c'est une chose à laquelle je n'avais pas nécessairement pensé de cette façon précise auparavant. Mais en fait, cela m'a vraiment inspiré et m'a permis de penser les choses de cette façon. Je voudrais donc partager une citation : «   Bien que l' objectif de l'artiste soit l'excellence, c'est aussi de passer au service du prochain projet Nous avons terminé l'actuel. Au service du projet actuel, nous le terminons afin qu'il puisse être diffusé librement dans le monde entier. Partager l'art, c'est le prix à payer pour le créer. Exposer votre vulnérabilité est payant. Cette expérience permet de se régénérer, retrouver de la fraîcheur en soi pour le prochain projet et tous les suivants. J'aime vraiment le lien entre cela et tout ce dont nous avons parlé dans ce cours. identifiant ce qui nous anime, ce qui nous intéresse, en apprenant à nous écouter, à le distiller, à créer quelque chose, à prendre des décisions à ce sujet et à aller de l'avant, permettant à nos apprentissages de nous aider à nous adapter, à grandir et à évoluer Et maintenant, nous en sommes arrivés au point où nous devons le diffuser dans le monde entier. Nous devons le partager pour développer ce muscle de courage qui sommeille en nous et pour simplement le libérer afin de pouvoir passer à l'étape suivante. Il affirme également dans le livre l'une des plus grandes récompenses de la création artistique est notre capacité à le partager. Même s'il n'y a pas de public pour le recevoir, nous développons la force nécessaire pour créer quelque chose et le diffuser dans le monde entier. Terminer son travail est une bonne habitude à prendre. Renforce la confiance. Malgré nos insécurités, plus nous pouvons nous résoudre à publier notre travail, moins l'insécurité a de poids Donc, si l'insécurité vous empêche de partager votre travail, essayez d'intégrer certains de ces états d' esprit dans votre processus Vous devez peut-être faire de petits pas, mais faites des pas, car sachez simplement qu'à la fin de ce voyage, plus vous pratiquerez, plus vous aurez de chances de communiquer avec les autres et d'entrer vous aurez de chances de communiquer avec les en contact avec les autres, ce qui est vraiment l'une des plus grandes joies de notre travail créatif Je pense qu'un aspect très important de tout cela est de garder à l'esprit qu'il s'agit de la connexion et non de la validation. J'ai déjà mentionné comment vous pouvez apprendre à vous ancrer dans votre propre estime de soi. Cela n'est pas lié à votre travail créatif Et je pense qu'il est également important de se rappeler que tout le monde n'aimera pas notre travail et ce n'est pas grave. Je pense beaucoup au fait que tout le monde n'aime pas les chocolats et que même tout le monde n'aime pas les chiens S'ils ne peuvent pas plaire à tout le monde, il n'y a aucune chance que je plaise à tout le monde. Depuis longtemps. Je me suis toujours concentrée sur les personnes qui ne se souciaient pas de mon travail. Je ne veux pas partager mon travail parce que j'ai peur de déranger quelqu'un qui ne s'en soucie pas Mais j'ai appris à porter mon attention sur toutes ces personnes qui disent qu'elles aiment mon travail, qu'elles sont inspirées ou qu'elles se sentent mieux lorsqu'elles le regardent. simple fait de porter cette attention les personnes qui comptent vraiment et qui se soucient travail m'a également aidée à renforcer mon courage et à renforcer mon objectif et mon intention de partager Pour en revenir à mon propre processus, j'ai beaucoup parlé de mon approche mentale. Mais pour ce qui est du résultat pratique de la façon dont je partage mon travail, en gros, je le partage sur Instagram, j'ai un bulletin d'information électronique, le connecte à mon site Web où je le partage avec mes abonnés. Je partage par le biais de cours comme celui-ci sur Skillshare et j'enseigne le processus sous-jacent, un autre aspect du partage que j'aime vraiment beaucoup Vous pouvez donc constater qu' il existe différentes manières de partager, il s'agisse de fabriquer produits physiques et de les vendre en personne, en ligne ou sur les marchés suffit de les publier réseaux sociaux ou sur des sites de portfolio en ligne, ou de créer un cours, partager ce que vous avez appris grâce à ces expériences et comment vous pouvez aider les autres à faire de même. Ce ne sont que ma façon de procéder et il y a tellement d'autres façons de le faire vous-même. Pensez à ce que vous aimez faire naturellement. Quelles sont les communautés dont vous faites déjà partie et dans lesquelles vous vous sentez à l'aise ou aimeriez faire partie et commencez simplement à les réunir, à les mettre synergie avec votre travail créatif et à vous rappeler que même si cela ne vous vient pas naturellement, vous pouvez toujours vous lancer le défi de grandir et de faire plus de courage dans votre travail créatif Donc, en résumé, lorsqu' il s'agit de partager, apprenez à recadrer le partage dans votre esprit Votre estime de soi ne doit pas être liée au résultat de votre C'est vraiment une forme d'amour de la communication et de la connexion avec les autres. Essayez différents lieux pour voir ce qui vous convient le mieux. Votre vision et votre public idéal ont vraiment eu la chance de pouvoir partager notre travail de différentes manières avec toutes sortes de personnes à travers le monde. Profitons donc de ce moment et de cette opportunité. Ne laissez pas nos propres constructions mentales gêner et soyez simplement libres d'explorer notre propre créativité intérieure et de la partager avec le monde extérieur 14. Réflexions finales et résumées: Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce cours. J'espère que je vous ai fourni un cadre sur lequel vous pourrez revenir encore et encore. Et cet état d'esprit selon lequel une collection est un excellent moyen apprendre à perfectionner votre voix, votre style et à vous plonger dans ce qui vous passionne et vous intéresse Faisons un bref récapitulatif de ce que nous avons appris ensemble N'oubliez pas de travailler à grande échelle, identifions notre objectif et travaillons dans le cadre d'un cadre et d'un système afin que nous puissions apprendre à affiner nos options, à prendre des décisions et à explorer tous les outils et les cadrans dont vous disposez Style, couleur, technique, format pour créer toutes sortes de collections différentes explorant toutes sortes de thèmes différents et continuer à vous collections différentes explorant toutes sortes amuser à vous exprimer en découvrant votre propre créativité. Il y a beaucoup de conseils sur l' état d'esprit récurrents tout au long ce cours que j'ai l'impression de répéter encore et encore. Je veux les rassembler ici afin que vous puissiez les avoir en tête chaque fois que vous rencontrez l'un de ces obstacles. Tout d'abord, j'ai appris à avoir une ancre et une direction. Il s'agit de définir le but ou le thème que nous voulons atteindre, notre Y, et de nous souvenir d' y revenir encore et encore au fur et à mesure que nous approfondissons le processus afin de ne pas perdre la forêt au profit des arbres. Le conseil suivant était de laisser les choses se dérouler naturellement. Cela revenait chaque fois que nous faisions du remue-méninges, que nous faisions créativité ou que nous définissions des paramètres pour notre collection Nous voulons disposer d'un système. Nous voulons disposer d'un cadre et de quelques lignes directrices, mais nous ne voulons pas être trop rigides au point de pouvoir, au fur et à mesure que nous évoluons et réalisons quelque chose de nouveau, nous pouvons revenir en arrière ou changer cap et simplement nous diriger vers la direction que nous voulons vraiment suivre. La troisième chose est d'apprendre à accepter de faire des erreurs, d'échouer, ou simplement d'appeler cela « apprendre ». Il y aura de nombreux défis à relever pour créer une collection dont vous tomberez vraiment amoureux, car tout cela fait partie de la croissance. Si vous sentez que grandir est inconfortable ou qu' apprendre quelque chose de nouveau dévoile ces insécurités qui sommeillent C'est quelque chose sur lequel il faut travailler. C'est quelque chose que vous pouvez pratiquer en créant une collection, apprenant simplement à aller bien et à vous amuser avec tout cet aspect qui consiste à apprendre, avec tout cet aspect qui consiste à apprendre, à échouer et à faire grandir quelque chose. Cela m'amène au quatrième conseil, qui est de toujours penser à trouver de la joie dans le processus. La créativité, c'est l'intelligence, le plaisir. C'est une célèbre citation de nul autre qu' Albert Einstein. Et je pense que c'est tellement vrai. Je sais que parfois, en tant que créatifs nous pouvons commencer à prendre notre travail tellement au sérieux que nous en prenons le plaisir Nous sommes tellement obsédés par la question de savoir si nous sommes assez bons, s'ils font ce qu'il faut, que nous oublions que tout cela est censé être du PFK-1 Commençons donc à y trouver cette joie et apprenons à en faire une pratique de notre processus créatif. Enfin, cela m'amène à me souvenir de quoi il s'agit. En tant que créatifs, nous sommes capables nous exprimer et de nous exprimer à notre manière, de la façon dont nous voulons voir le monde et de le partager avec les autres C'est une bénédiction et un privilège de pouvoir le faire. C'est sous cet angle que nous pouvons voir les choses. Nous allons passer un moment tellement meilleur. Être créatif, c'est tellement amusant de créer une collection. Et j'ai hâte de voir ce que tu vas trouver. Si vous avez apprécié ce cours, je vous invite à consulter tous mes autres cours et ressources disponibles, euh, les fournir dans le matériel de cours et j'espère que vous savez déjà où me trouver jusqu'à la prochaine fois. Bonne création