Créer des productions MIDI réalistes en utilisant Cubase

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Will, et je produis de la musique dans mon propre studio commercial et mon home studio depuis 15 ou 20 ans. Au cours de cette période, j'ai produit beaucoup pour des groupes, auteurs-compositeurs-interprètes, des artistes individuels, de l'EDM. nos jours, je m' intéresse beaucoup à la télévision et au cinéma, la production musicale, à l'écriture , etc. Tout au long de ma carrière, j'ai beaucoup compté sur Cubase. L'une des raisons en est sa capacité incroyable à créer des compositions réalistes et expressives en utilisant le MIDI. Aujourd'hui, Cubase est inégalé grâce à ses nombreuses fonctionnalités et à sa facilité d'utilisation. Dans cette section, je veux me concentrer sur la puissance de Cuvier, ses fonctionnalités individuelles, qu'il s'agisse de l'éditeur de partitions ou de l' expression de notes, ou de l' expression de notes une fonctionnalité de VS T3 lancée dans Cubase. Ou utilisez simplement des manettes CC classiques pour créer cette expressivité musicale si importante pour nous aider à différencier ce qui est faux de ce qui est réel. Dans cette section, je vais parler de tous ces différents concepts et vous donner un aperçu du point de vue d'un producteur qui, aperçu je l' espère, vous aidera à comprendre comment choisir espère, vous aidera à comprendre comment choisir vos instruments, puis comment les utiliser, et comment vous assurer que ce que vous produisez produit réellement son réaliste du monde réel. Cela semble vraiment professionnel. Et comment y parvenir à la fois en termes d'utilisation de vos manettes, mais aussi en termes de coulisses. Comment vous assurer que Cubase est correctement configuré pour optimiser votre flux de travail. Maintenant, si vous êtes un producteur de quelque nature que ce soit, si vous faites évidemment de la musique pour des séries télévisées, des films ou des bandes-annonces, vous cherchez des moyens d' améliorer le réalisme de vos enregistrements. Ce cours sera parfait pour vous. Si vous êtes un producteur EDM ou un ingénieur, ingénieur mixage travaillant dans un studio commercial. Mais vous voulez pouvoir ajouter des ensembles. Si vous voulez être en mesure d'ajouter des pistes réalistes pour piano ou cordes à vos artistes , ce cours sera parfait pour vous. Ce sera un cours assez cohérent et complet centré sur les concepts intermédiaires de Cubase. Donc, si cela vous convient, j'ai hâte de vous voir suivre le cours. Merci de l'avoir vérifié. 2. Choisir les bibliothèques: Maintenant, l'une des premières choses à laquelle vous devrez faire face lorsque vous commencerez à essayer de créer des productions multimédia réalistes est de choisir vos bibliothèques et vos sons. Et j'ai quelques conseils qui, à mon avis, font une énorme différence. Et vous recevrez le même conseil de la part de presque tous ceux qui font cela de manière professionnelle. Vous devez disposer de bibliothèques de sons et d'instruments VST capables d'une dynamique et d'un contraste spectaculaires en termes de bois. Alors, qu'est-ce que cela signifie vraiment ? Eh bien, le timbre, c'est la différence entre quelque chose qui est doux et qui est fort. Par exemple, si nous devions simplement échantillonner le son d'un trombone et que nous utilisions le même échantillon de trombone à tous les niveaux, ce soit fort ou faible, cela ne sonnerait pas réel, car lorsqu' un vrai tromboniste souffle dans son klaxon, l'intensité de son air, laquelle il souffle. Cela change le Tambora. Quelle est sa luminosité ? Est-ce qu'il fait sombre ? Si vous êtes guitariste, vous savez, jouez sur des cordes graves, votre guitare sonne un peu plus mélancolique et un peu plus terne. Alors que les cordes les plus hautes d'une guitare sonnent plus fort et plus net. Ces types de vidanges d'huile sur le bois sont essentiels pour obtenir un son réaliste. Maintenant, il y a un autre aspect à cela, qui n'est qu'une variation, n'est-ce pas ? Nous pouvons donc obtenir des variations dans Midea avec des éléments tels que le partage de vitesse. Nous allons parler de l'utilisation contrôleurs ADCC afin d'utiliser l' expression et la modulation, ce genre de choses. Mais il est important de vous assurer que des éléments tels que Round Robins sont intégrés dans les bibliothèques de sons de votre choix. C'est là que vous avez plusieurs échantillons. Et le moteur d'échantillonnage, l'instrument choisit un échantillon aléatoire ou fait des cycles parmi une collection d'échantillons. En d'autres termes, même si vous frappez même ton de trombone à plusieurs reprises avec exactement la même vélocité, vous n'obtenez pas exactement le même échantillon. Et c'est exactement ce à quoi ressemble un vrai trombone à chaque fois qu'il est joué . Même si c'est le même joueur au même moment essaie d'obtenir la même hauteur et le même niveau dynamique, il sera légèrement différent et cette fonctionnalité intégrée aux instruments VST est appelée round robins. Une autre chose à examiner est celle des couches de vélocité. Ainsi, une mini-vitesse plus faible, disons environ 60, devrait déclencher un échantillon spécifique différent d'un échantillon déclenché à une vitesse de 80, 100 ou 120. Et c'est parce que lorsqu' une personne joue d'un instrument, qu'il s'agisse d'une guitare instrumentale ou d'un trombone, intensité cet instrument aura des timbres différents à une intensité sonore différente. Et il est important que votre instrument ait échantillonné les différents timbres qui sont conçus pour être déclenchés par différentes vitesses dans votre MIDI. Vous voulez donc rechercher des rouges-gorges, vous devez rechercher de nombreuses couches de vélocité. Et ce type de fonctionnalités va faire une grande différence à mesure que vous avancez. Si ces fonctionnalités ne sont pas intégrées à vos instruments, une grande partie du travail que vous pouvez effectuer en utilisant l' expression et la dynamique avec la molette de modification, par exemple ces différents contrôleurs ECC moyens, différentes vitesses, n'aura pas le même impact si votre instrument ne possède pas ces capacités. D'accord, vous voulez donc commencer par des instruments de premier ordre. Vous n'avez pas besoin de sortir et vous procurer les meilleurs instruments. Il existe de nombreux instruments de qualité qui sont relativement abordables, mais vous devez rechercher ces caractéristiques spécifiques. Continuons. 3. Commencer dans l'éditeur de partition: Mes compositions commencent par une progression d'accords et je pense à l'harmonie dans ma tête. Même si je travaille avec un ensemble, même si je travaille avec tout un orchestre, mon aventure commence généralement par sorte de progression harmonique. Et j'aime parfois pouvoir les répartir en une partition. Et d'autres fois, je veux pouvoir travailler avec le comité. Dans cette leçon, je vais donc vous montrer comment enregistrer simplement une progression d' accords. Je suis sûr que de nombreux étudiants de ce cours savent déjà comment s'y prendre. Mais je cherche particulièrement à mettre cela dans l'éditeur de partition et à y apporter quelques modifications. Nous pouvons créer une erreur quadratique pour que la partition soit lisible. Mais nous travaillons également avec le MIDI dans notre fenêtre de projet Cubase, qui sera un peu native à l'environnement DAW. Jetons donc un coup d'œil à cela. Donc, ce que j'ai fait ici, c'est simplement créer un événement midi à 16 mesures ici. Et cela est basé sur ces éléments fondamentaux. Et vous pouvez entendre que jouer ici à travers ma piste à cordes, la piste cordes Am I est en fait une piste d'instrument. Et il exécute une instance de contact ici. Et j'utilise quelque chose appelé Session strings Pro to. Mais vous pouvez également le faire avec Halley sur Sonic par exemple. Je vais donc juste vous expliquer cela et vous montrer comment cela fonctionne dans le contexte de l'éditeur de partitions. Maintenant, si je dois le faire , je vais simplement supprimer tout ça. Je vais me débarrasser de ces traces. Donc je n'ai rien. Je pars de zéro. Et je vais passer à mes instruments ici. Et je vais choisir Halle sur Sonic SE, ce qui devrait être quelque chose que la plupart des étudiants de ce cours devraient posséder. Juste au cas où ils n'auraient pas de contact ou si vous n'avez pas de session Strings Pro. J'ai donc mon instance de Halley sur Sonic ici. L'un des avantages d'utiliser Halley sur Sonic, Halley sur Sonic ou Haley sur Sonic SE, c'est qu'ils prennent en charge l'expression des notes, une fonctionnalité de VST 3 que j'aime beaucoup utiliser, mais qui n'est vraiment bien implémentée que dans ces domaines, très actifs sur les projets, produits et dans Cubase. Je n'ai donc pas eu beaucoup de chance d'utiliser Node Expression dans d' autres Dawes ou dans d'autres instruments, comme Contact. Malheureusement, Sonic est une bibliothèque vraiment intéressante pour commencer, surtout si vous essayez faire une maquette ou quelque chose comme ça. Maintenant, je vais également ajouter une piste d' accords ici. J'aime les pistes d'cordes parce qu'elles me donnent un bon aperçu de ce qui se passe dans ma musique sur le plan harmonique. Je vais donc passer à l'outil crayon. Et je vais juste mettre quelques accords ici. Disons tous les 2 bars. Et pour le moment, ma grille n'est pas correctement configurée. Je veux régler ma grille sur 1 barre pour qu' elle s'accroche directement à cette barre. Donc oui, toutes les 2 mesures, je vais entrer un accord et je vais le terminer, je vais juste faire une véritable progression d'accords de base ici. Je vais commencer par le G. Je vais commencer par le sept en sol majeur. Je vais suivre, disons, un accord D7, pas un cours de théorie musicale. Donc, si mon choix et mes cordons n'ont pas de sens pour vous, vous n' hésitez pas à me contacter et je serais heureuse de vous expliquer d' où je les ai obtenus. Alors. Voyons voir. Je vais monter en mi mineur, mi mineur sept. Alors je vais, voyons voir, ramener ça en do majeur. Voyons juste quel est le son ici. Bien sûr, je dois en parler à Halley sur Sonic. Et puis je dois aussi choisir un son réel ici. Je vais donc juste chercher un ensemble à cordes. Je fais une recherche chaîne, puis j'obtiens ces différentes choses ici. Je ne veux pas d'un ensemble des années 80. Je vais juste opter pour, voyons voir, des cordes cinématographiques. En fait, je vais jouer des cordes de chambre. Regarde à quoi ça ressemble. C'est suffisant pour commencer mes compositions. Ça ne devrait pas être vérifié. Le style cinématographique. Un cœur un peu lourd, un peu lourd. Je vais donc retourner dans les chambres. Très bien, alors je vais le remplacer par, disons, un mineur. Je vais passer à D. Et ensuite je vais revenir à G. Et je vais changer cela, le dernier accord à atteindre. Voyons donc comment ça sonne. Eh bien, rien ne joue en ce moment. Donc, ce que je dois faire, c'est les mettre au milieu. Je vais prendre mes accords et je vais juste les faire glisser ici. Et vous pouvez voir que chacun des accords mon Korczak est devenu un véritable événement midi. Maintenant, quand j'y jouerai, je ne vais pas te faire passer tout ça. Mais il suffit de dire que nous avons une progression d' accords de base. Maintenant, j'aurais aussi pu l'enregistrer dans ma piste midi ou dans ma piste d'instrument à l'aide de mon clavier. Je vais donc le faire rapidement. Je vais revenir au début ici. Je vais appuyer sur Enregistrer et je vais juste enregistrer ces accords à partir de mon contrôleur MIDI. Très bien, donc j'ai écrit ces noyaux dedans. La différence entre cette version et la version originale est que c'est moi qui les ai jouées. Par conséquent, ils ne sont pas exactement sur la grille comme ils l' étaient si je faisais simplement glisser ces événements là-haut, n'est-ce pas ? Donc, si je regarde cela dans mon éditeur de partition , je peux accéder au menu des partitions et ouvrir l' éditeur de partitions. Ce que j'obtiens est un score assez dingue, et c'est l'une des choses que je veux aborder dans cette leçon. Ce score a l'air un peu dingue, et c'est parce que Kubernetes est très, très littéral à propos de ce que j'ai fait et je peux faire en sorte que dans Cubase, je n'aie pas à quantifier tous mes mini. C'est la dernière chose que je veux faire parce que je veux que mon midi soit réaliste. Je veux qu'il y ait un peu d'humanité. Mais je voudrais peut-être aussi donner aux gens une note réellement utile. Donc, ce que je vais faire, c'est accéder à mes paramètres de score. Si vous ne savez pas comment l'ouvrir, vous allez cliquer ici sur cette petite barre noire. Cela va faire apparaître vos paramètres de score. Une fois que vous êtes dans les paramètres de votre score, vous pouvez cliquer sur l'onglet personnel en haut. Ensuite, parmi ces sous-onglets, vous devez vous assurer que vous êtes sur Main et consulter cette section qui dit Afficher la quantification, ce sera essentiel. Donc, pour l'instant, il s'agit essentiellement de quantifier ma note jusqu'à la 16e note. Mais je vais en fait changer cela pour quelque chose de beaucoup plus simple et faire des notes coordonnées. Je vais cliquer sur Appliquer. Et vous pouvez voir que ce score devient beaucoup plus simple, d'accord ? C'est beaucoup plus comme ça. J'ai donc encore quelques arrestations ici. Et c'est parce que mes accords midi tombent en panne. C'est donc en fait ce que font les médias. Mais j'ai réussi à mettre de l'ordre manière significative sans avoir à quantifier mon chronométrage. J'ai aussi ce F dièse ici, naturellement. Et je peux continuer et changer ma clé en la faisant glisser ici. Je vais y aller, nous verrons après avoir cliqué sur Appliquer . Maintenant, je n'ai plus de fa dièse dans mon accord D. Ils sont là, dans la signature principale. Voici donc quelques conseils pour travailler avec l'éditeur de partition. Dans la leçon suivante, nous allons en fait dériver la piste d'accords à partir de cette partition. 4. Dériver une piste d'accords: Dans la dernière leçon, nous avons donc créé une partition très simple. J'ai créé une progression harmonique très simple. Dans cette leçon, je veux simplement montrer comment nous pouvons utiliser cette partition et comment réintégrer dans une piste d'accords. Parce que parfois j'ai envie d'enregistrer quelque chose d'abord et de créer le Cord Jack plus tard. D'autres fois, je commence par dessiner une piste d'accords, puis je passe à la partition, mais je veux que vous ayez la possibilité de faire les deux sens. Bien, maintenant, ce que je vais faire, c'est supprimer mon ancienne progression d'accords de la piste d'accords. Et je vais imaginer que j'ai commencé par enregistrer directement sur une piste midi et que je voulais en tirer une piste d' accords. C'est donc aussi simple que je trouve le contraire. Vous avez une variété de choix ici. Si vous voulez voir les notes de basse, comme la notation d'accords obliques, vous voulez savoir ce qu'il y a dans la base, vous pouvez sélectionner cette option. Je ne vais pas faire ça ici. Incluez des tensions telles que les 9 et les 11, détectez les arpèges et transformez-les en accords. Ce que je joue ici, ce sont clairement des accords de blocs. Il ne contient aucun arpège. C'est. Interprète la pédale de sustain. Je n'ai pas utilisé de pédale soutenue. Je ne veux pas faire ça. Je vais appuyer sur OK ? Et c'est ce que cela m'a donné. Donc, la seule chose qui est un peu différente ici, c'est mon sept en si mineur. En fait, je l'avais joué un peu plus en tant qu'accord de sol avec un neuf dessus. Mais ce sept en si mineur convient bien à mon tableau d'accords ou plutôt à ma piste d'accords. Voilà à quel point il est facile de créer une piste d'accords. Et maintenant, tous les autres instruments que je veux charger ici peuvent également être alimentés par ce cordon. Donc, si je venais ici pour les instruments VST et que je devais me procurer mon plug-in de touches addictif , c'est un peu comme un instrument Rhodes. Et je devais envoyer ce Korczak là-bas. Vous pouvez voir que je reçois à la fois les touches addictives et mes chaînes d'origine. Et je peux quand même envoyer ce Korczak. Ce n'est en fait que le début du cortex. Comme vous pourrez le voir plus loin dans ce cours, nous allons passer pas mal de temps à dériver différentes voix, comme des voix SATB, une dériver différentes voix, comme des voix SATB, base de soprano, etc. à partir de ce morceau principal. Et cela va vraiment nous permettre de faire d'une grande créativité dans notre production. Dans la leçon suivante, nous allons donc commencer à étudier l'utilisation des voix pour orchestrer. 5. Orchestrer avec des voix: Maintenant, pour de nombreux producteurs de musique qui essaient de composer de la musique orchestrale pour des indices et des bandes-annonces télévisées, ce genre de choses. Nous voulons souvent être capables de penser en termes de voix, soprano, d'alto, de ténor, etc. Parce que ces voix ont de nombreuses connotations traditionnelles en ce qui concerne le type d'instrument auquel elles seraient envoyées. Et ce n'est qu'un des moyens par lesquels nous pouvons apporter plus de réalisme à notre musique médiatique si nous pensons et comportons comme le ferait un compositeur traditionnel. Dans cette leçon, nous allons donc voir comment nous pouvons commencer à utiliser ces voix à partir de cette progression d' accords très simple que j'ai déjà jouée dans le projet. Et vous allez voir comment les voix commencent à nous offrir une flexibilité incroyable au sein de Cubase. Donc, avant de modifier ma piste, je veux la dupliquer. Je vais passer ici à mes versions de base. Je vais dire double. Cela va me permettre d'apporter modifications à cet événement midi. Mais si je fais une grave erreur, je peux toujours revenir en arrière. C'est donc un très bon conseil en matière de flux de travail. OK, donc j'ai un événement à midi. Et ce que je veux faire maintenant, c'est qu'il soit sélectionné. Et je vais accéder au menu de mon projet ici et sélectionner un projet. Et je vais passer à la piste d'accords. Ensuite, depuis Courtrai, je vais passer à Attribuer des voix à des notes. Ce que nous allons voir, c'est qu'une voix a été attribuée à chacune des notes qu'il contient. Regardons donc le midi ci-dessous dans l'éditeur de touches. Choisissons simplement cette note ici. Donc, vous voyez maintenant qu'il est dit que la voix est Soprano. Cela a été attribué au ténor et à la basse. Chacun de ces nœuds a donc été attribué en fonction de l' idée de Cubase de la voix la plus appropriée. Et je peux le faire automatiquement en sélectionnant Project Chord, puis en suivant la liste pour attribuer des voix à la note. La différence ici, c'est que si je passe à mon ancienne version, vrai, à mon ancienne version du morceau, à l'originale. Et je regarde cette Midea. Cette note n' a aucune valeur vocale. Si je voulais en sélectionner un et l' attribuer manuellement, je peux le faire. Mais d'un simple mouvement de souris, j'ai créé une version qui contient déjà tout cela pour moi. Maintenant, j'ai une soprano. Une voix a été attribuée à chacun de ces nœuds. Et ce sera important à mesure que nous passerons à autre chose, car ce que nous voulons faire maintenant, c'est attribuer ces voix à différents types d'instruments Une autre fonctionnalité très intéressante l'éditeur de touches que j' utilise souvent est cette petite palette de peinture Event Colors. Maintenant, la valeur par défaut est toujours réglée sur la vélocité, mais j'aime vraiment utiliser une voix. Alors jetez un œil à ça. Maintenant, quand je regarde ça, je constate que tous mes légumes verts sont des ténors, toutes mes oranges sont des bases. Très bien, j'ai cette couleur marron, c'est la base 2. Et puis j'ai les Sopranos en violet. Tu as mon altos et mon rouge. Il est donc très facile pour moi de voir visuellement lorsque je choisis de visualiser les couleurs des pièces en fonction de la voix Il est très facile pour moi voir que j'ai des voix différentes. J'ai quatre types de voix différents. J'ai de la soprano, de l' alto, du ténor et de la basse. Et ces deux-là, d'accord, donc j'ai en fait cinq voix différentes ici. Je peux donc me dire maintenant que ce que je veux faire, c'est les envoyer sur cinq instruments différents, quelque chose qui convient à dix ou quelque chose qui convient à l'alto, à la soprano, etc. Vous pouvez également le faire à l' aide de l'éditeur logique. Je vais donc vous montrer un exemple ici. Je vais revenir à mon original ici. Il s'agit donc d'un système dans lequel il n'y a pas de paramètres vocaux. Je vais dupliquer celui-ci à nouveau. Très bien, si je voulais les renommer, je pourrais venir ici pour suivre les versions dans mon inspecteur. Et je pourrais dire, d'accord, c'était ma voiture et ce sera mon manuel. Et voici mon original. Cela facilitera un peu les choses lorsque je regarderai ces options ici et que je choisirai entre elles, n'est-ce pas ? J'ai donc mon manuel. C'est celui dans lequel je vais utiliser en fait l'éditeur logique. Je vais donc monter jusqu'à Midea, et je vais faire défiler l'écran vers le bas jusqu'à l'éditeur logique. Et je vais appliquer le préréglage. J'ai déjà créé ce préréglage. Je veux te le montrer. Donc, ici et Wills, préréglages. J'ai créé ces préréglages logiques appelés Assign Alto, Bass, Soprano, etc. Permettez-moi de les regarder et d'expliquer un peu ce qu'ils font. Si je passe plutôt à la configuration, vous pouvez réellement voir les préréglages et la façon dont ils sont configurés. Disons que je veux être nommée soprano , n'est-ce pas ? Eh bien, ce que je veux dire, c'est que je dis, OK, où le type est une note et où la tonalité la plus élevée se situe essentiellement entre A2 et C5. Ensuite, je vais attribuer cela à la voix de soprano. L'utilisation de l' éditeur logique peut donc s'avérer très efficace. S'il y avait quelque chose de très particulier, par exemple si je savais que je voulais utiliser un instrument VSD que je voulais utiliser une gamme vocale très spécifique, je pourrais manipuler la façon dont ces différentes voix sont attribuées pour le personnaliser en fonction de mes instruments VST à l'aide de l'éditeur logique. présent, dans la leçon suivante, je souhaite examiner quelques droits d'orchestration simples. Et maintenant, ces voix sont réglées. Je vais revenir à ma version automatique, qui m'a été attribuée par Cubase. Et j'ai surligné la couleur des voix dans la leçon suivante Nous allons en fait attribuer ces deux instruments et voir comment cela commence à nous aider à trouver une orchestration de base. 6. Orchestration simple: fait d'avoir des pistes différentes pour Le fait d'avoir des pistes différentes pour différents instruments nous donnera une grande flexibilité pour le mixage, l'ajout d'effets, ainsi que pour l'enregistrement et l' overdubbing du mid-ECC et des éléments d'expression qui donneront notre middy cette qualité réaliste. Je préfère donc essayer de placer ces morceaux ou ces sons dans des pistes individuelles autant que possible. De nos jours, les ordinateurs étant aussi puissants qu'ils le sont, nous n'avons pas vraiment à nous inquiéter n'avoir qu' une seule instance de Halley sur Sonic. Nous pouvons nous permettre de créer plusieurs instances, car l'ordinateur moyen nos jours est plus que capable de supporter cette charge. Je peux donc voir que j'ai ces cinq voix, n'est-ce pas ? J'ai ma soprano, j'ai mon alto, j'ai mon ténor, ils ont une basse et j'ai une base deux. Et ce que je vais faire, c'est les attribuer à de véritables instruments spécifiques. Alors je vais recommencer à zéro. Créons une autre instance de Halley sur Sonic. Et la principale raison pour laquelle j' utilise Halley sur Sonic ici est de m' assurer que ce sont des instruments que la plupart des étudiants de ce cours posséderont également. se peut donc que je n'aie pas le même éventail de choix que si j'utilisais le disque dur de ma bibliothèque complète. Mais sachez qu'en tant qu' étudiants, vous avez probablement accès aux mêmes instruments. Commençons donc par créer des chaînes. Ce que je vais faire, c'est juste rendre cela un peu plus efficace. Je vais continuer et cliquer ici avec le bouton droit de et nous ajouterons une piste d'instruments. Et cela va me donner une fenêtre qui peut m'aider à créer un certain nombre de ces pistes plus rapidement. Je vais donc choisir Halle on Sonic, et je vais en choisir quatre autres. Je vais donc obtenir un total de cinq titres. Je vais maintenir la commande d'option enfoncée et appuyer sur B, et cela va faire disparaître ma zone inférieure. J'ai donc ces cinq titres ici. Je vais les colorier pour pouvoir dire ce qu'ils sont. Je vais monter ici et les rendre rouges. Très bien, donc je vais l'appeler, je vais faire en sorte que ce soit mon violon. Je vais prendre le violon 2. Je vais jouer de l' alto et du violoncelle. Et base. Très bien, je vais également ajouter quelques instruments à vent. Je vais ajouter trois instruments à vent différents ici. Je vais donc y retourner pour ajouter une piste d'instrument. Cette fois, je vais juste en ajouter trois, non ? Je vais les colorier d'une couleur légèrement différente. Alors peut-être que je vais opter pour le bleu. Très bien, donc ce seront mes instruments à vent et mon sac à main. Le vent sera de la flûte. Mon second vent sera la clarinette. Et mon dernier sera le basson. Maintenant, j'ai ces instruments ici. Je peux vraiment me permettre débarrasser de la meilleure piste si je le souhaite. Je ne vais pas le faire, mais je vais juste le rendre beaucoup plus petit et plus étroit. Ce sont des moyens. OK, maintenant je veux réellement charger ces instances d'instruments. Alors je vais aller au violon, vais chercher un violon. Et il n'est pas nécessaire que ce soit quelque chose de particulièrement incroyable. Violon solo. Ça a l'air très sympa. Je vais passer au violon 2, charger cet instrument. Violon. Maintenant, je pourrais utiliser exactement le même violon solo, mais je vais essayer quelque chose d'un peu différent juste pour obtenir un timbre différent, n'est-ce pas ? Ces deux sont différents, laissez-moi jouer la même note. Ils n'ont donc pas juste une touche légèrement différente de celle d'eux. Beaucoup vont à l'alto et y chargent un alto. Viola solaire. Ça a l'air bien. Passez au violoncelle. Et je suis simplement en train de parcourir chacune de ces pistes et d'ajouter les éléments de mon orchestration de base. Et ce que nous allons pouvoir faire, c'est intégrer des voix de notre piste d'accords à chacune d'entre elles. Maintenant, quand j'arriverai à la base, ce que je vais faire avec la base, c'est faire passer base à la base vocale 2 dans ma base. Donc, une autre façon de procéder est de passer aux chaînes et à la base. C'est apparemment la seule basse à cordes que j'ai. Donc, dans ce cas, je devrais aussi m'envoyer cette base. Un instrument différent. Ce que je vais faire en fait dans ce cas, peut-être passer au contact. Mais ce ne serait pas quelque chose que je pourrais envoyer à tous les étudiants car ils n'ont peut-être pas de contact. Je peux donc le faire facilement en sélectionnant ma piste de basse ici, en passant à mes V STI et je peux voir qu'elle a été mise en évidence ici. Maintenant, ce que je vais faire, c'est changer ça en contact. Et au contact, je vais passer aux cordes. Et je vais aller ici pour jouer un ensemble à cordes. Et je vais charger la base. J'ai une très bonne base maintenant. Ensuite, je vais me lancer dans la flûte, peux l'ouvrir pour chercher une flûte. Découvrez comment vivre. C'est bon. Ma clarinette. Et toutes ces étapes sont beaucoup plus faciles en sachant que je vais être capable de retirer des voix de ma progression d'accords. Tu vois ? Cela semble être un son si riche à mon oreille, mais c'est une démo assez bonne. OK, donc j'ai installé tous ces instruments ici, violon, alto, ainsi de suite. Ce que je veux faire maintenant, c'est apporter ma copie du MIDI, comme ça. Je les mets juste dans chaque 1.1, un bleu ici. Très bien, alors maintenant, bien sûr, la plupart des gens diraient : Oh, c'est lui qui a besoin d'une piste d'accords. C'est très simple. Je l'ai copié dans toutes ces pistes à l'aide de ma touche Option ou Alt. Quel est le problème ? Eh bien, le truc, c' est que vous allez voir, une fois que j'aurai attribué à ce violon deux voix spécifiques, que la plupart de ces notes midi disparaîtront. Qui plus est ? Ils vont être réorganisés. Je vais donc entrer dans l'inspecteur et sélectionner les accords. Maintenant, si vous ne voyez pas l'option suivre la piste d'accords ici, elle est grisée. C'est parce que vous n' avez pas de MIDI ici. C'est pourquoi j'ai commencé par charger la médiane. Vous devez avoir une sorte d' événement midi avec quelques notes. Parce que la piste d' accords suivante va faire, c'est déplacer ces nœuds. S'il n'y a aucun événement, il ne peut pas faire son travail. Je vais choisir une seule voix. Et il va me poser cette question, je dis généralement « suivez directement ». Vous pouvez maintenant voir qu'un tas de notes ont disparu. Et je peux choisir ma voix ici. Je peux dire soprano. En fait, ce que je voulais faire ici pour violon 2, c'est de nouveau sélectionner une soprano. Mais je veux tout réduire d'une octave. Je peux donc le faire en utilisant un insert midi. Je vais continuer et ajouter peut-être des modificateurs. Et ici, je vais utiliser transpose -12. Donc, en gros, c'est la même chose que celle pour violon, mais c'est une octave en dessous. Ensuite, à l'alto, pour en revenir à ma piste d'accords, je vais dire voix unique. Oui. Et puis ma seule voix ici sera Alto, superficielle. Je vais devoir dézoomer un peu ici. Violoncelle, je vais faire exactement la même chose. Et ce processus ne demande qu' un peu de configuration, mais il permet en fait de gagner beaucoup de temps au fil du temps. Donc, ici, dans mon violoncelle, je veux que la voix soit réellement ténor. Et je vais choisir la base ici. Ensuite, je vais passer à la flûte. Je vais lui attribuer la même voix que mon violon. Alors, une seule voix ? Oui, et soprano, clarinette. Je vais y associer le violoncelle. Je pourrais jouer du violoncelle ou de l'alto. Mais ce que je vais faire, c'est sélectionner, eh bien, peut-être que je vais choisir Alto pour cette voix. Et mon basson qui sera là avec base. Maintenant, j'ai un arrangement assez complet. Je vais procéder à la désactivation de mon ensemble à cordes d'origine. Et maintenant, je peux mixer ces différents instruments comme bon me semble, si je le souhaite, par exemple , sur ma console de mixage, je peux mixer les différents instruments à mon goût sur place. Mais maintenant, j'ai chaque instrument, un peu en solo. Violon 2. Quand ils sont séparés d'une octave. Le violoncelle et la basse, flûte, la clarinette et mon basson. Donc, lorsque nous examinons certaines de ces pièces, par exemple ici, je peux voir que c'est le cas. Marqué comme base, et celui-ci est marqué comme soprano. Donc, quand je plonge dans l'une de ces parties, vrai, je ne suis censée voir que Soprano ici. Je peux le voir grâce à mon code couleur. J'ai une soprano, j'en ai une, j'en ai dix ou j'ai toutes sortes de choses dedans. Alors réglons ce problème. Ce que nous allons faire ici, c'est utiliser une combinaison de raccourcis clavier et de l'éditeur logique pour accélérer ce processus. Je vais donc monter et descendre dans le menu midi et dans l'éditeur logique, je vais dire configuration. Et puis j'ai créé un préréglage appelé select, pas voice. Et ce qu'il fait, c'est que le type est une note. La variable contextuelle n' est pas soprano, n'est-ce pas ? C'est donc quelque chose que je peux changer à chaque fois. Il s'agit de l'événement midi que j' ai sélectionné ici dans la fenêtre de mon projet. Lorsque je clique sur Appliquer, les notes qui ne le sont pas sont sélectionnées. Encore une fois, supprimez ces notes une fois qu'elles sont sélectionnées. Je peux monter ici avec mon violon, qui est également soprano. Je vais y sélectionner. Et supprimez. En résumé, je crois que c'est mon alto. Voyons quel était le réglage de mon alto. Set. Alto. J'ai reçu mon set Alto. Si vous double-cliquez sur l'événement, il charge l' Au lieu de simplement charger l'événement midi dans la fenêtre inférieure, il sélectionne la fenêtre ici, ce qui signifie que lorsque vous appuyez sur Supprimer, vous supprimez les notes sélectionnées dans l'éditeur de touches au lieu de supprimer cet événement midi. Il est donc important de double-cliquer dessus. Et maintenant je vais chercher Alto, quelque chose, tout ce qui n'est pas Alto. Très bien, sélectionnez-le et appuyez sur Supprimer. ne me reste plus que les altos. Je peux donc passer par ici. Je peux aller au violoncelle. Ça va être ténor. Trop de choses changent cette voix. Tenor s'applique. Je n'avais pas sélectionné cela. Et appliquons cela. Ma base, je devrais juste être sélectionnée à la base. Je veux que seule ma base y existe. Nous y sommes. Voilà mes notes de basse. flûte, ça va être, devrait être en fait soprano. La clarinette va s'en sortir. Faisons donc de la flûte une soprano. Et je peux tout effacer. Ma clarinette est alto. Je vais donc changer mon paramètre pour l'alto, appliquer, supprimer mon basson ici. Apprendre à utiliser l'éditeur logique pour ce genre de choses peut donc vraiment faire une grande différence dans votre flux de travail, car cela peut vraiment accélérer et rendre les choses très précises. Je pense que c'est également un aspect important à cet égard, étant donné que c'est assez précis. Maintenant, j'ai juste un mal de voix limité. Maintenant, si je devais réunir tout cela directement dans ma partie midi, dans mes multiples types de mini-parties ici, et dans l'éditeur de touches. C'est vraiment sympa parce que je peux voir les différentes prises ici. Il faudrait que je les renomme si je voulais qu'ils soient plus lisibles plutôt que juste un tas de Halley on sonics. Mais vous pouvez constater que les voix changent au fur et à mesure que je parcourt et que je sélectionne mes différentes couches. Et si vous souhaitez les renommer, vous pouvez les renommer ici dans votre rack VSTS. J'espère que cela vous a aidé à comprendre comment utiliser la piste d'accords pour manipuler et créer des voix. Et je tiens juste à souligner avant de terminer cette leçon, disons que nous regardions cette partie ici avec cet accord en do. Cette note arrive en sol, donc c'est la cinquième de notre accord. Maintenant, si je devais poursuivre et remplacer cela par un accord diminué, vous pouvez constater que ma note ici est passée à un parcours plutôt qu'à un cinquième parce qu'il n'y a pas de cinquième parfaite sur ce court. L'autre point, c'est que ces notes ont changé. Et c'est parce qu' ici, dans ma piste d'accords, j'ai sélectionné des voix adaptatives. Et c'est vraiment cool parce que cela va changer, pas seulement les voix de l'accord qui a changé, mais aussi les voix suivantes, basées sur de bonnes règles d'interprétation des voix. Donc c'est plutôt génial aussi. Cela signifie que je n'ai pas à trop réfléchir à la nécessité d'avoir de bonnes règles pour faire entendre ma voix. Cela signifie que ma bonne interprétation vocale se fait automatiquement, ce qui donne un son plus traditionnel, ce qui la rend plus familière et donc plus réaliste. présent, dans la leçon suivante, nous allons examiner certaines des étapes à suivre pour affiner un peu ces voix en termes de lecture. 7. Affiner les voix: Nous voulons maintenant affiner notre lecture vocale. Nous avons réussi à créer une structure harmonique. Nous l'avons divisée en différentes voix à l'aide l'éditeur logique la piste d'accords et d'autres fonctionnalités de Cubase. Mais maintenant, pour commencer à intégrer réalité du réalisme à la performance, nous voulions faire deux choses que nous allons aborder dans cette leçon. C'est-à-dire, pensez d'abord au joueur. Par exemple, si vous êtes corniste, vous devez respirer. Donc, des files d'attente ridiculement longues où un corniste ne peut jamais respirer. Bien sûr, l' instrument BST peut le faire, mais cela ne semble pas réaliste car ce n'est pas ce que fait un vrai joueur pour penser à lui. C'est un facteur vraiment crucial dans tout cela. La deuxième chose est de réfléchir à votre phrasé et à vos articulations, n'est-ce pas ? Donc, dans les cordes, par exemple vous avez le pizzicato, le legato, ces différentes articulations. Et ça peut être appétissant puisqu' ils sont tous là, il suffit de les utiliser bon gré mal gré plutôt que les balader n'importe où juste pour garder les choses intéressantes, mais ne le faites pas. Pense à l'ambiance. En d'autres termes, utilisez un pizzicato lorsque vous essayez transmettre de la légèreté ou legato lorsque vous essayez de transmettre une humeur soutenue. Réfléchissez à l'ambiance que vous essayez de transmettre et choisissez l'articulation qui y correspond le mieux. Et cela fera entrer vos articulations dans ce domaine de réalisme. Et nous allons à la fois penser au joueur et penser aux articulations. Passons à l' ordinateur et jetons un coup d'œil. J'avais utilisé le contact ici pour ma base parce que Haley sur Sonic n'avait pas un son adéquat. Mais l'avantage d' utiliser au moins une instance ici, c'est que j'ai toutes ces articulations différentes ici. Et ça va être très utile ici. Alors écoutons certains d'entre eux, non ? C'est donc Legato. Je vais désactiver Legato. Et je vais changer mon articulation ici en pizzicato. Il y a donc une sorte de bruit sur la pointe des pieds. Je pourrais choisir le spiccato, qui est un peu plus intense. Je vais choisir Spiccato. Et voilà, je le fais juste avec les instruments de contact pour que vous puissiez entendre différentes articulations. Je n'ai pas les mêmes options. Par exemple, lorsque je joue de mon violoncelle ici, je ne perçois pas la richesse des articulations, mais il est important de comprendre comment ces articulations vont affecter votre composition, n'est-ce pas ? Donc, si je regarde juste ma base ici, le solo, ça, et j'ai ce spiccato qui s'y passe. C'est un peu ennuyeux. Mais il y a une chose que je peux faire ici pour utiliser cette articulation plus efficacement, n'est-ce pas ? Nous entrons donc dans le réalisme en disant que le spiccato n'est pas si souvent utilisé uniquement pour jouer un son d'une note complète. Il est un peu plus utilisé pour un son de type ostinato. Une façon de créer un ostinato assez rapidement est d'utiliser nos inserts midi. Je vais y aller et je vais charger un Apache Sx. Maintenant, si je devais utiliser ça, mais avec une articulation comme Legato. Cela semble très étrange, mais avec le spiccato, tout suit très bien. Maintenant, vous remarquerez que si je joue ici, il y a évidemment, non, peut-être que le média est en train de jouer. Alors, qu'est-ce qui se passe ici ? Eh bien, c'est mon Cord Jack. Mon Cord Jack est configuré pour utiliser n'importe quelle piste d'écran, gros celle-ci, celle qui est sélectionnée. Donc, ce que je peux faire, c'est désactiver ma piste d'accords. Cela ne modifiera pas la fonction de vérification des accords suivis. En d'autres termes, si je change l'un des cordons, cela changera toujours le midi qui s'y trouve. Mais cela n' enverra cette progression d'accords à aucun instrument. Et maintenant, quand je joue, je ne reçois rien tant qu'il n'y a pas vraiment de note midi. Maintenant, je vais publier un peu ma version ici, sont des fonctionnalités intéressantes à avoir dans une bibliothèque professionnelle. Ça rend mon son, mon son arpège, un peu plus vivant. Écoutons-le à nouveau. Si je ne voulais pas avoir quelque chose d'aussi chargé, je pourrais retourner voir mon Apache là-haut. Et au lieu de le régler sur 16e, je pourrais le régler sur huit. Ça calme beaucoup là-bas. Je peux changer la longueur de la note en 32e. Cela a en quelque sorte un effet similaire à celui de modifier l' attaque et la libération. Donc je suis juste en train de jouer ces pulsations, non ? Je ne suis plus en train d'arpéger les accords dans le cordon Jack, je reçois juste ces pulsations. Maintenant, ce que je veux faire ici, c'est réduire la portée. Je vais choisir, je vais appuyer sur les deux touches qui sélectionnent mon outil de télémétrie. Et je vais sélectionner ces barres et appuyer sur l' option P et ça va tourner en boucle. La raison pour laquelle je veux le faire, c'est que je vais faire un mix un peu approximatif ici. Et je veux pouvoir entendre une partie très précise de la musique tout en faisant cela. Très bien, j'ai donc ma base là-dedans. Maintenant. Je veux mon alto. Démontez tout, ramenez-les lentement , un par un. Je vais donc commencer par le basson, parce que je pourrais faire la même chose au basson. Je vais apporter un modificateur MIDI ou désolée, en fait, ce sont des SX inégaux. Je vais également le changer à huit et la durée à trente secondes. Voyons juste comment ça sonne. Il doit avoir un effet complémentaire avec la largeur, la base. Voyons comment la clarinette entre en jeu. Ce n'est pas une clarinette au son particulièrement palpitant. Tu vois comment ça amène le fluide, non ? Faisons en sorte d'amener l'alto ici. Un vers le bas et juste obtenir une sorte générale de légèreté et de mixage. Ce que je cherche vraiment, c'est me rassurer sur le fait que ce que j'ai fait pour créer une base rythmique qui, qui a fonctionné, me plaît dans la façon dont elle sonne. On va maintenant revenir au début. De toute évidence, certains de ces nœuds sonnent très fort, en particulier dans ce premier violon. Et nous allons aborder cette question très bientôt. Mais ce que je voulais démontrer ici, c'était d'abord utiliser des articulations au sein de la base. Vous pouvez le faire avec un arpégiateur si vous avez simplement besoin de créer un rythme. Et puis si votre instrument, comme mon ensemble à cordes, supporte différentes articulations, différentes commandes d' attaque et de libération, alors c'est définitivement optimal. Et vous pouvez voir la différence que cela a fait dans mon rôle ici. Je vais donc en parler dans mon mix afin que l'autre chose que je suis en train de autre chose démontrer ici vous voulez être conscient, c'est par exemple que la flûte joue ces longues notes. Mais ensuite, il y a le temps. Il y a une chance de respirer. Et je considère cela également du point de vue de la clarinette. Et la volonté de faire en sorte qu'il ne s'agisse pas de notes interminables qui leur donnent le temps de respirer, car cela fait également partie du réalisme. Donc, dans la prochaine leçon, je vais transformer certains de ces instruments en réverbération. Et nous allons voir que le simple fait d'ajouter de la réverbération est toujours une bonne première étape pour apporter une touche de réalisme et de personnalité. 8. Réverbe Réalisme: Dans cette leçon assez courte, nous allons nous concentrer sur l'ajout d' une piste de réverbération et d'effets. Et cela revient essentiellement à utiliser des effets d'envoi. C'est de loin la meilleure façon de procéder. Vous ne voulez certainement pas utiliser la réverbération comme insert en général, pour de nombreuses raisons que je vais détailler, mais ce n'est qu'une petite leçon car la réverbération ajoute vraiment beaucoup de personnalité. Parfois, vos instruments VST auront cette réverbération intégrée. Et c'est très bien aussi. Mais je préfère utiliser des canaux d' effets car cela optimise mon flux de travail. Et je vais expliquer pourquoi. J'ai ces sept titres, qui sont à la base de ma composition jusqu'à présent. Et si je voulais exécuter une réverbération ici en utilisant des inserts classiques, je pourrais le faire, bien sûr, mais le problème, c'est que disons que je devais choisir une réverbération ici. L'une de ces réverbérations que j'ai, je pourrais simplement choisir une pièce qui fonctionne. Je suis sûr que la plupart des utilisateurs de Cubase ont ce plugin. Et j'aurais besoin d'une chambre, travaille là-dessus et ça marchera bien. C'est juste que si je voulais modifier un paramètre, je voulais utiliser la même réverbération, disons, sur toutes mes cordes, ou peut-être juste sur mes deux violons et ma flûte, car ce sont les voix de soprano. Ensuite, je dois aborder trois cas. L'utilisation d'une piste FX consolide tout cela mon flux améliore considérablement mon flux de travail. Donc, ce que je vais faire ici, c'est les sélectionner et les ajouter à une piste de groupe ou plutôt à un dossier ici. Je suis donc déplacé, sélectionné dans un dossier. Je vais appeler ce dossier chaînes de caractères. Juste pour avoir une vision plus globale. Je vais changer cela, mais cela aussi dans un dossier et je vais appeler ce dossier wins. Très bien. Je vais faire en sorte que le dossier des vents soit également coloré en bleu. Et je vais créer le dossier des chaînes , l'appeler lu de cette façon. C'est juste plus facile pour moi de voir ce qui se passe. Mais c'est bien parce que je peux garder mon projet un peu plus succinct. Maintenant, je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et ajouter une piste d'effets, qui se trouve ici. Dit d'ajouter une piste d'effets. Ici, je peux choisir l' effet que je vais utiliser. Réverbération, je vais utiliser Room Works, sortie stéréo. Tout ça va bien. Je vais juste appeler ça des travaux de chambre. Je sais ce que c'est, et je peux avoir mes paramètres ici. Disons que je choisis Plate Bright comme préréglage. Hein ? Maintenant, je peux le faire de deux manières. Je peux continuer. Disons que je devais prendre mon violon. Je vais le faire en solo. Et encore une fois, je vais utiliser l'outil de gamme juste pour faire une boucle. Juste une boucle. Voici quelques notes. Maintenant, vous remarquerez que si je passe à l'audio Senza, je devais choisir Room Works et comment l'activer. J'ai un peu de réverbération ce qui me permet de modifier la quantité de réverbération que je veux pour ce violon. Et vous pouvez en entendre les effets. Maintenant, je peux aussi le faire à partir de ma table de mixage, ce qui est un peu ma méthode préférée . Et je vais te montrer pourquoi. Si je devais ouvrir ma table de mixage ici et ouvrir des envois, vous pouvez le voir ici. J'ai les œuvres de chambre que j'ai configurées ouvrir des envois, vous pouvez le voir ici pour mes cordes, mais je voudrais les ajouter à tous mes instruments afin de pouvoir les sélectionner tous ici. Je peux accéder à ce bouton de lien vers la file d'attente. Et maintenant, ils vont tous être liés. Quand je fais de la chambre, des travaux de chambre, vous voyez que cela les a tous ajoutés. Donc, si vous le faites dans l'inspecteur comme je l'ai fait dans le premier exemple, vous ne pouvez pas, vous devez effectuer chacune d'entre elles manuellement, mais utiliser le lien de file d'attente est plutôt sympa. Je vais donc procéder et tout réduire à moitié avec le lien d'annulation de la file d'attente. Maintenant, je peux continuer et ajouter une réverbération de contrôle pour chaque canal. Maintenant, si je devais désactiver la réverbération, voici à quoi elle ressemblerait . Voilà à quoi ça ressemble. Cet effet de réverbération ajoute beaucoup de réalisme, car les réverbérations recréent l'effet du son dans un espace réel. Et tant que vous avez un plugin de réverbération décent, cela contribuera vraiment à ajouter du réalisme. Maintenant, nous n'avons abordé aucun des éléments les plus essentiels donner vie à cette composition. Nous allons y arriver. Dans les prochaines leçons, nous allons commencer à parler de l' expression de Midea. Et nous allons parler de modulation de vitesse, différentes valeurs cc. Tout cela est à venir. Merci donc d'être resté dans les parages jusqu'ici. Je veux juste dire que si vous avez des questions, hésitez pas à me contacter. Je me ferai un plaisir de répondre à vos questions. Et aucune question n'est une mauvaise question. Alors, s'il vous plaît, faites-moi savoir si vous avez des questions. Y a-t-il quelque chose dans le cours que vous auriez aimé que je consacre plus de temps à sujets que je n'ai pas abordés et que vous pensez que j' aurais dû aborder ? Je suis tout à fait à l'écoute tant que ce critiques constructives et que je peux y faire quelque chose. J'adorerais avoir de tes nouvelles. Bon, passons maintenant prochaines leçons, commençons à parler de l' expression et du milieu de l'ECC. 9. Concepts d'expression MIDI: Nous allons maintenant passer à une série de leçons où nous allons examiner l'expression. Maintenant, l'expression est en quelque sorte un terme général désignant l'expression de nombreuses notes de cc, qui est une technologie b test3. Mais l'expression est également l'un des CCS midi particuliers que nous utilisons. J'ai donc voulu faire la distinction entre les deux. L'expression, en tant que terme général, désigne tout ce que nous pouvons faire à notre ventre pour rendre plus humain, plus réel. Et nous allons voir comment nous utilisons messages CC tels que la modulation et l'expression, qui sont le volume CC1. Nous pouvons utiliser le vibrato pour contrôler la respiration ces différentes valeurs pour modifier la dynamique et le contraste de nos instruments de manière à ce qu'ils sonnent davantage, comme s'ils avaient été joués par un être humain. Et ce sera vraiment le résultat du fait que nous, en tant que producteurs, aurons appris à jouer des contrôleurs MIDI. Donc, pour ce type de travail, vous devez disposer de faders ou de boutons. Il faut avoir un moyen intuitif et très humain de sculpter et d' exprimer ces instruments. Et vous allez découvrir dans les prochaines leçons comment fonctionnent ces différents systèmes CCS, comment ils modifient le son. Et je vais expliquer exactement ce qu'ils font et quand les utiliser. Maintenant, j'ai également produit un aide-mémoire que vous voudrez télécharger car il explique l'ensemble principal valeurs d'expression et explique quand et comment les utiliser, vous les utilisiez avec un bouton ou un curseur, et comment les appliquer, ce qu'elles font du point de vue de la composition. Cette aide-mémoire sera utile vous sera utile si tout cela est très nouveau pour vous. Jetons donc un coup d'œil rapide avant nous plonger dans chacune d'elles dans les prochaines leçons Jetons un coup d' œil à certaines de ces valeurs. OK, j'ai donc ouvert cet instrument de contact maintenant. Je sais que tous mes étudiants n'en auront pas , mais ceux que nous utilisions à Halle sur Sonic n' ont pas autant d' articulations ni de contrôle. Je veux donc l'utiliser pour que vous puissiez entendre de quoi je parle. Et j'espère que vous avez vos propres bibliothèques de sons. Vous avez peut-être exactement celui-ci qui est l'ensemble à cordes. Mais si vous ne l'avez pas, j'espère que vous en avez un autre. Vous pouvez toujours télécharger la bibliothèque gratuite BBC Spitfire, qui est excellente pour être gratuite. C'est absolument phénoménal. Vous pouvez explorer certaines de ces fonctionnalités, mais écoutons simplement ce que cela signifie. OK, donc je vais prendre mon, voyons moi, pour m'assurer que je suis sur le bon instrument. Je vais donc éteindre, dans ce cas, simplement désactiver mon insert midi. Et en fait, ce que je vais faire, c'est dupliquer ce morceau avoir un avec lequel je peux jouer. Parce que je vais vraiment vouloir transformer l'articulation en legato parce que je pense que cela aide vraiment. Cela vous aidera à mieux en entendre les effets. Très bien. D'accord, écoutons donc les effets de la dynamique ici. Je vais jouer une note, la maintenir, et je vais expérimenter avec mon gros Dynamics NAB, qui sera intégré à ma molette de modulation, la CC1. Ainsi, que vous ayez ou non une molette de modification sur votre clavier, vous pouvez toujours emporter n'importe quel contrôleur MIDI doté d'un bouton ou d'un fader. Vous pouvez l'attribuer, peut-être CC1, puis vous pouvez attribuer à n'importe quelle commande et à vos instruments. Si je clique dessus avec le bouton droit de la souris, il s' agit d'une fonctionnalité standard des bibliothèques de contacts. Je pourrais apprendre le mid-ECC, puis tourner n'importe quel bouton estomper ou activer ma manette MIDI. C'est donc très facile à configurer et vous voulez vraiment configurer une sorte de contrôle que vous pouvez manipuler avec vos doigts, avec vos mains. Pour chacune d'entre elles, vous ne voulez pas le faire avec la souris. Vous n'avez pas vraiment envie de le faire avec un crayon. Écoutons à quoi ressemble la dynamique. Quelle est donc la dynamique dans ce contexte ? Et en général, la dynamique d'une bibliothèque d' inégalités permet de basculer entre les couches de vitesse. Plus tôt dans cette section, nous avons parlé des couches de vitesse et de la présence de plusieurs couches au sein des instruments. Cet instrument contient donc une collection d' échantillons de cet instrument, de cette base. Et les personnes qui ont fabriqué cet instrument ont échantillonné cette base, étant donné que je jouais à de nombreux niveaux sonores différents, c'est un archet silencieux, et au milieu d'une sorte d' archet à volume moyen , puis un archet autorisé. Et au fur et à mesure que la qualité du Boeing change, le timbre change de luminosité, profondeur, de modération, harmonie, dans lequel tout se transforme en échantillonnant ce bouton et en laissant ensuite ce bouton dynamique se déplacer entre ces couches. En fait, je peux simuler le fait de jouer de la basse où je suis Boeing plus fort et où je suis Boeing plus doucement. Et cela se traduit non seulement par un volume, aussi par un volume auquel une oreille inexpérimentée pourrait entendre cela et se dire  : Oh, eh bien, c'est juste un changement de volume, n'est-ce pas ? Il y a du bruit et du calme. Mais c'est bien plus que cela. En fait, ces couches se déroulent dans les coulisses et le timbre change. Je peux donc simuler la force du robot ici, même si je ne suis pas en train d' enregistrer la base pour le moment, l'expression produit un son similaire. Écoutons ça. Mais ce n'est vraiment que du volume. Il s'agit donc d'un pourcentage du volume midi, donc le média est C7, et nous allons en parler plus en détail. Mais il s'agit d'un pourcentage de ce qui se situe entre expression et dynamique. Ces deux éléments sont vraiment essentiels pour obtenir des résultats à mi-parcours vraiment réalistes en particulier avec des instruments symphoniques. L'expression est CCM1, la modulation est CC1. Et puis nous avons également d'autres CCS comme le vibrato, dont nous parlerons. Le contrôle des naissances est le Cdc2. Le volume standard dans Midea est C7. Et d'autres valeurs MIDI sont utilisées pour l'expression, comme la pédale de sustain ou la vélocité. Quelle est la force de frappe de la touche ? C'est très doux ou très dur. Vous pouvez en fait voir dans cette zone sur cet instrument en particulier, cette petite icône qui montre comment et quelle est la vitesse. C'est donc comme une vitesse très faible. C'est très difficile, la vélocité vous montre en fait quelle est la vitesse. Mon succès à ce moment-là. Il y a donc beaucoup de choses qui se passent avec la mini-expression. Vous voulez vous familiariser avec une poignée de valeurs cc, leur rôle et leur rôle dans vos instruments. Nous allons maintenant aller de l'avant et examiner bon nombre de ces fonctionnalités individuelles une une pour parler de la façon dont elles sont utilisées et à quoi elles servent. 10. Expression de vélocité: Nous allons commencer à examiner ces différents attributs en nous penchant sur la vélocité, car c'est probablement la plus courante. Il est intégré à la spécification MIDI d'origine, et il sera commun à tous les instruments, peu importe leurs nuances, leur ancienneté ou leur nouveauté. Mais il joue toujours un rôle très important. Nous allons donc d'abord en parler , puis nous pencherons sur certaines des autres manettes à venir. OK, jetons un coup d'œil à la vélocité. Je vais continuer et simplement activer cette piste par tomodensitométrie. Et je vais juste jouer quelques notes, donc je vais enregistrer. Très bien, jetons un coup d' œil à ce midi ici. Maintenant, tout est bloqué sur la même note. Et c'est parce que j' ai cet instrument, cet instrument de basse est configuré pour utiliser le cortex, n'est-ce pas ? Donc, ce que je dois faire, c'est simplement créer un instrument factice. En fait, je vais le traîner ici. Au lieu d'utiliser l' instrument de basse ici, je vais utiliser cet instrument là-haut, ce Halley sur Sonic. C'est l'original avec lequel nous avions commencé. Permettez-moi donc de recommencer. Enregistrez et enregistrez simplement quelques notes. D'accord. Cela ne l'a donc pas forcé intégrer OneNote, car il ne fait pas une seule note. Suivez Courtrai. OK, donc c'est juste un midi très simple. Ici en bas. C'est la vélocité, toutes ces différentes valeurs ici. Et je suis juste en train de zoomer ici pour que nous puissions voir que chacun de ces nœuds a une valeur de vitesse spécifique ici. Et nous pouvons voir, quand je suis ici, c'est une valeur de vitesse d'environ 4 755,61. Et celui-ci a une valeur d'environ 76, n'est-ce pas ? Cette vitesse est donc d'abord et avant tout ce qui va choisir une couche de vitesse. L'un de ces nombreux échantillons prélevés un bon instrument, bon instrument VSD prend de nombreux échantillons de l'instrument joué à différents volumes. Ensuite, ils les transforment en ce que l'on appelle des couches de vitesse. Et ces couches de vitesse seront définies comme suit : cet échantillon est joué lorsque la vitesse est comprise entre 40 et 50, cet échantillon est lu lorsque le flux 506 070,80 et ainsi de suite. Ainsi, au fur et à mesure que la vitesse augmente et diminue, vous obtenez en fait des échantillons différents. Vous obtenez réellement des nuances réalistes dans l'instrument. Et cette vélocité a été prise sur mon clavier pendant que je jouais. Donc, si j'appuie fort sur le clavier, j' obtiens une vélocité plus forte et plus élevée. Et si je joue doucement, j'obtiens une faible vélocité, ce que vous ne voulez vraiment pas, dans ce genre de jeu où toutes les vitesses sont les mêmes. Vous ne voulez pas utiliser de vélocité fixe, par exemple . Je peux le faire sur mon clavier ici si je devais enregistrer et activer la vélocité fixe. Maintenant, peu importe la force avec laquelle j'appuie sur les touches , nous verrons que dans cette augmentation, , nous verrons que dans cette augmentation, toutes les vitesses sont maximum et elles sont toutes les mêmes, n'est-ce pas Ce n'est donc pas une bonne chose, car ce n'est pas ainsi qu'un être humain se place tout de suite. Nous avons anéanti toute chance de réalisme. Ici, c'est bien plus ce que nous voulions. Et laissez-moi continuer et revenir à l'original, n'est-ce pas ? Vous pouvez donc voir à quel point cette vitesse est variée. Et c'est l'une des principales raisons. En tant que producteur , c'est une réelle valeur pour vous enregistrer ces parties pour les jouer, plutôt que de simplement les écrire. Parce que lorsque vous les écrivez avec un crayon, ils ont une vitesse fixe et vous devez ensuite faire toutes sortes de travaux pour changer cela, n'est-ce pas ? Et cela va en quelque sorte à l' encontre de l'objectif. Si vous vous contentez de jouer des choses, vous essayez de vous exprimer à travers la performance. Vous obtenez des vitesses variables et, dès le départ, vous obtiendrez bien meilleurs résultats. Alors, qu'est-ce que la vélocité exactement ? Ce n'est pas du volume. Ce que c'est, c'est le volume au moment où la note est jouée. Le volume peut changer au fil du temps. Les volumes multiples, voir C7, peuvent changer au fil du temps. La vélocité est un instant lorsque cette note est jouée Quel est le volume de cette note, même si le volume ou valeurs d'expression changent par la suite. Nous allons maintenant passer à la leçon suivante, à la modulation de Mitty, qui, dans de nombreux contextes sera également connue sous le nom de Dynamics ou CC1. 11. Expression de modulation (CC 1): Nous allons maintenant parler de Midea CC1, où vous commencez à parler de contrôleurs continus MIDI ou CCS. Et elles sont différentes de la vélocité. La vélocité est une donnée envoyée via le protocole MIDI avec les messages note on et note off contrôleurs continus CCS. Il existe différents types de données. Elles appartiennent donc à une classe différente de celle de la vélocité, même si nous utilisons la vélocité et CCSE pour créer le réalisme que nous essayons de créer. C'est le premier CCS dont nous parlons. C'est CC1. C'est donc très facile à retenir. Techniquement, ça s'appelle simplement modulation. Et la plupart du temps, il sera relié à la molette de modification de votre manette MIDI ou de votre clavier. Si vous en avez un, et si ce n'est pas le cas, vous pouvez attribuer le format MIDI CC1 vous pouvez attribuer le format MIDI CC1 à n'importe quel bouton ou fader et l'utiliser de cette manière. Mais peut-être que CC1 contrôle généralement la modulation. Et dans le cas des instruments d'orchestre, bien sûr, et de nombreux autres types d' instruments que j'ai rencontrés. Modulation, CC1 est utilisé pour se déplacer entre les couches de vitesse après cette valeur de vitesse, n'est-ce pas ? La valeur de vélocité est donc une valeur fixe avec cette note, ce qui est utile. Mais il se peut que nous voulions changer cela au fil du temps sans modifier le volume de la piste. Parce que n'oubliez pas que le volume est juste le niveau sonore d'une chose. Mais le Tambora ne change jamais. Il suffit de le baisser ou de l'augmenter. Mais lorsque vous travaillez avec une modulation de ce type, on parle plutôt de dynamique. C'est certainement que les choses deviennent plus calmes et plus bruyantes. Mais au fur et à mesure qu'ils deviennent plus calmes et plus forts, ils changent de tamar à mesure qu'ils deviennent plus brillants, au fur et à mesure que le robot est plus fort, ou que le corniste souffle plus fort, vous devenez plus brillant, altérez un Tamar plus tranchant en jouant les cordes d'une guitare plus doucement, puis vous vous réchauffez ou tamisez, plutôt que si vous les pincez fort, vous obtenez un Tamar plus vif et plus tranchant. Les tampers changent donc et c'est ce que midi voit, C1 est souvent utilisée pour le faire. Je vais utiliser midi CC1 ici sur cet exemple. Et nous allons voir comment cela commence à apporter beaucoup de réalisme. Très bien, nous avons donc affaire à midi CC1. Nous avons indiqué la vélocité dans les voies de commande de Cubase, mais nous voulons en ajouter une autre. Alors je vais aller ici. Je vais cliquer sur Plus, et je vais voir certaines des plus courantes répertoriées ici. Je vais appuyer sur la modulation et essentiellement ajouter une nouvelle voie à mon éditeur de touches, c'est exactement ce que je veux. Donc ça, ça, ça peut être un peu bondé parfois, ce n'est pas grave. Nous voyons toujours notre vélocité actuelle, midi CC1, nous ne voyons rien. Maintenant, si je déplace ma molette de modification, vous pouvez voir leurs valeurs changer à cet endroit. Donc, ma molette alimente définitivement CC1. Ce que je veux faire maintenant, c'est faire un overdub, non ? Alors je vais, je vais rejouer ce petit motif. Ensuite, je vais enregistrer ma molette de modification et vous allez voir sorte d'automatisation, comme une ligne, apparaître dans cette manette Lane. Je vais recommencer ici pour avoir encore un peu de temps à parcourir. Et une fois que j'aurai cliqué sur Enregistrer, vous allez voir la ligne commencer à tracer la ligne. D'accord, alors à quoi sert cette courbe en bas ? Eh bien, il manipule la valeur au sein de Halley, ici même. Je vais donc accéder aux commandes d' édition ici. Nous allons voir ici que cette roue de modulation sera composée de sera tout ce qui est CC1 ou auquel la modulation est liée, qui modifiera ce paramètre. Donc, si je devais prendre une heure pour apprendre un nouveau CC, par exemple , je connecterais à CC1. Vous verrez maintenant que ce bouton de coupure suit le même chemin. Maintenant, dans un instrument plus avancé, comme l'ensemble de studio ou l'ensemble à cordes que je dirige sur la base, la valeur dynamique serait en fait de choisir se déplacer entre les différentes couches de vélocité de l'instrument. Donc, le choisir fonctionnerait en tandem avec ces valeurs de vitesse et me permettrait de le faire. Kraft, comment la vitesse est modifiée. Et je pense que ce que je vais faire, juste des fins d'exemple audio, est pour m'assurer que vous pouvez vraiment entendre cela. Je vais charger des instruments plus dynamiques. Je vais donc charger le contact ici. Et je vais juste utiliser un ensemble ici, mais celui-ci proviendra d'une autre bibliothèque. Je vais donc apporter mon ensemble ici. Très bien, je vais donc y ajouter cela et écouter cet exemple. Et vous verrez que cette dynamique, nous le ferons, elle évolue constamment avec la mini. Cela vous donne un exemple très clair de la façon dont la modulation dynamique MIDI CC1 va aider votre enregistrement à paraître soudainement beaucoup plus réaliste. Donc, si je devais supprimer tout cela, ce que je pourrais faire en accédant simplement au menu midi ici. Et vous pouvez accéder aux fonctions. Vous pouvez dire « supprimer les contrôleurs continus ». Et vous voyez que tout le Delete, je l'ai supprimé de cet événement. Maintenant, si vous écoutez ceci, joué uniquement avec vélocité, cela sonne très dur. dois augmenter ma dynamique qu'il y ait une sorte de son. Écoutons ça. Ainsi, quelle que soit la qualité de ces échantillons, le fait que chaque échantillon soit joué à un niveau très statique tout le temps pose problème. Et quand je me permets d' avoir cette courbe ici, ma courbe CC1, et c'est elle qui détermine cette valeur dynamique. Ensuite, mon instrument sait qu'il faut utiliser cette valeur CC1 pour naviguer et choisir dynamiquement entre les différentes couches de vélocité, me permet d'obtenir une lecture beaucoup plus nuancée. Ainsi, lorsque vous faites cela, l' une des choses qui fonctionnent souvent bien est de passer un peu à une note individuelle. Je vais donc venir ici et utiliser cet outil en ligne. Il suffit d'utiliser une ligne et je vais dessiner. Maintenant, je sais que j'ai dit qu'il valait mieux ne rien dessiner. C'est vraiment mieux de les jouer, mais c'est un bon moyen pour moi de montrer clairement ce que je veux dire, ce que je fais ici. Tout d'abord, je veux désactiver le snap. Donc ça ne correspond pas à mon réseau. Je veux simplement créer ces rampes pour chaque note individuelle, n'est-ce pas ? Pour que chaque note soit jouée avec un petit crescendo. Chaque note jouée a un crescendo. Et écoutez la façon dont ça sonne. Cela semble plus expressif. Et ce que je veux finalement faire, c'est quelque chose similaire à celui-ci, où je suis en train de monter en flèche, mais maintenant avec des lignes droites, mais avec quelque chose de plus efficace, comme dans la courbe précédente dans laquelle j'ai joué . Il y a une qualité dans cette ligne fluide qui ressemble beaucoup plus à celle un vrai joueur et c'est exactement ce que nous recherchons en fin de compte. Maintenant, dans la leçon suivante, nous allons examiner l'expression. Expression est un autre message mini CC, mini CC at 11. Dans mon instrument, ici, il est dédié à cette valeur d'expression. Nous allons en parler et entendre ce que cela signifie. 12. Utiliser l'expression (CC 11): Ensuite, Medici CS101, Amity CCM1 est généralement appelé expression. Maintenant, il peut être utilisé comme n'importe quel mini-CC, il peut être assigné et appris à peu près à tout, sauf en général à l'expression et à l'ADCC. L'idée de l'utiliser est qu'il s'agit d'un pourcentage de volumes du volume midi. Maintenant, le volume est généralement voir C7. Vous pouvez donc voir le C7 fonctionner comme un fader de volume normal sur votre console de mixage habituelle. Et vous pouvez utiliser l'automatisation pour automatiser cette valeur particulière. Le volume est probablement un concept très facile à comprendre pour la plupart des gens. L'expression est un pourcentage du volume. C'est donc un peu comme un volume dans le volume, si cela a du sens. Et cela finit vraiment par ajouter un autre niveau de plage dynamique à nos instruments que les êtres humains font ressortir en jouant. Une partie de ce que nous faisons consiste à manipuler des instruments pour obtenir différents timbres, mais nous manipulons également des instruments simplement pour obtenir des volumes plus forts ou plus faibles. Nous pouvons donc utiliser des expressions pour ce faire. manière générale, ce que vous voulez faire c'est augmenter votre expression au fur et à mesure que vous réduisez votre dynamique . Au fur et à mesure que vous augmentez votre dynamique, vous diminuez votre expression. L'expression doit donc servir à calibrer tout changement de volume en fonction à calibrer tout changement de de votre dynamique, votre dynamique évoluant fort et silencieusement. Il se peut que vous vouliez un son légèrement incliné, mais vous ne voulez pas nécessairement qu'il disparaisse au fur et à mesure du mixage, n'est-ce pas ? Vous pouvez donc utiliser l'expression sur un fader ou un bouton pour augmenter l'expression au fur et à mesure que la dynamique diminue Vous devez toujours faire jouer les deux l'un contre l'autre afin de conserver le même rôle dans le mixage, dans le mix au sein l'ensemble ou au sein de l'orchestre. Mais vous pouvez toujours travailler avec Dynamics sans avoir à émettre trop de bruit ou de silence. Jetons un coup d'œil et voyons à quoi cela ressemble lorsque nous commençons également à travailler sur l'expression. Ainsi, dans l'exemple précédent, la dynamique se jouait ici. Nous avons pu voir cette roue se déplacer en fonction des valeurs cc. Maintenant, ce que nous allons faire, c'est ajouter une autre valeur ici. Nous allons ajouter une expression qui est C, C 11. Désormais, entre la vitesse de modulation et l'expression, vous pouvez faire 99 % de ce dont vous avez réellement besoin pour rendre vos sons réalistes. Allons-y. Je vais te montrer que j'ai déjà quelque chose. L'une des commandes du clavier, qui est en fait une bande tactile mappée à CC1 et vous pouvez y voir mes valeurs. Donc, lorsque j'enregistre cela, vous verrez que j' obtiens une autre courbe dans cette fenêtre inférieure et qu'elle fonctionnera en conjonction avec ma vitesse et en conjonction avec ma dynamique de modulation. Et vous allez voir ce petit curseur ici et mon instrument changer. Et vous allez également voir que cela va ajouter une autre dimension de réalisme. Ce que j'essaie de faire, c'est de maintenir un volume cohérent avec mon expression à mesure que cette valeur dynamique change. C'est ce que j'essaie de faire et est la raison pour laquelle j' utilise l'expression. Alors allons-y et enregistrons cela. Donc, lorsque ma modulation augmente, je diminue en quelque sorte son effet global, en essayant de créer un volume global plus doux par rapport à une dynamique plus forte, afin qu'il ne ressorte essayant de créer un volume global plus doux par rapport à une dynamique plus forte, afin pas et ne disparaisse pas. Et ce que vous verrez ici quand je rejouerai, c'est que maintenant cette valeur d'expression et la valeur dynamique changent. Très bien, je pourrais même le réduire un peu plus. Juste ici. Je peux battre un record. Alors que ces données de modulation atteignent leur paroxysme, je ne devrais pas les réduire encore un peu plus. Je vais donc y faire un petit overdub. Comme ça. Et cela en fait une petite correction. Très bien, écoutons-le en retour. Donc, s'il y a quelque chose dans cette Midea qui me met mal à l'aise ou qui ne correspond pas à ce que je recherchais. Je peux apporter des modifications après coup. Permettez-moi de passer à mon outil de sélection ici. Et je peux en fait les sélectionner toutes et je peux utiliser ces petites poignées ici. Vous voyez, il y a une sorte d' amplification ou de diminution. Je peux même les incliner comme ça. J'ai défini le dieu, de nombreuses options pour le manipuler après coup. En résumé, cela montre comment nous utilisons l'expression et la modulation en tandem, presque une contre l'autre. Remarquez qu'il est très important que vous jouiez réellement ces rôles. J'ai joué le rôle original, ce qui m'a donné beaucoup de variations dans ma vélocité. Ensuite, j'ai utilisé une molette de modification pour jouer à cette valeur CC One. Encore une fois, il y a un champ humain, un champ humain. Encore une fois, j'ai utilisé un bouton pour que je puisse enregistrer CCM1 ou une bande tactile. Avoir tous ces éléments enregistrés par un être humain est absolument inestimable. faire avec des crayons et des lignes, peu importe votre créativité, cela ne vous semblera pas nuancé et vous serez réélu si vous arrivez à le faire vous-même. Je tiens donc à vous recommander vivement toujours jouer ces choses à la main. Maintenant, dans la prochaine étape, nous allons examiner le vibrato très rapidement. 13. Utiliser Vibrato: Nous avons maintenant parlé des principaux éléments intermédiaires qui apporteront du réalisme à vos performances. Principalement la vélocité, très importante et vous la jouez à la main. La modulation Cc1, qui va souvent être corrélée à ce que nous appelons la dynamique. Et puis C, C 11 pour l'expression. Ces trois éléments sont essentiels pour donner un peu de réalisme à votre MIDI. Mais maintenant, nous nous penchons sur un CCS midi subalterne, mais très utile. Ensuite, nous allons voir comment utiliser S3 comme valeur de vibrato. Et le vibrato va nous permettre d'ajouter un peu d'intérêt et d' animer toutes les notes soutenues. Tous les passages se situent, par exemple dans une partie de cordes de legato ou une partie de cor. Ce que nous allons voir, c'est que si nous utilisons vibrato pour animer ou ajouter de la texture à des notes soutenues, cela rendra la performance beaucoup plus vivante, plus énergique et beaucoup plus réaliste. Je vais utiliser le MIDI, voir S3 pour cela. Je vais donc charger l'ensemble ici. Donc encore une fois, je vais redescendre et ajouter une nouvelle voie. Maintenant, je n'ai pas S0, S3 ici. Donc, ce que je peux faire, c' est configurer les contrôleurs disponibles. Cela ouvre cette fenêtre. Et je vais ajouter la manette 3. Cette liste a été trouvée. OK, maintenant je peux venir ici et sélectionner Control Three. Maintenant, si je veux entendre ce vibrato, je dois parfois changer d'instrument. Je vais m'intéresser aux cordes, trouver cet ensemble à cordes. Je vais plutôt opter pour les altos. Ce qui est bien, c' est que cela va me permettre de jouer avec du vibrato. Je veux m'assurer que j'ai sélectionné Legato. Je vais juste apporter un petit changement. Je peux effectivement sélectionner ici différents types de legato dans cet instrument plus avancé cet instrument plus avancé. Je vais opter pour le contrôle des vibrations ou du vibrato, que je pourrai ensuite attribuer à ce que je veux. Je vais utiliser Medici S3. Écoutons simplement un exemple simple. Ce n'est pas un vibrato. C'est avec la naissance apportée une valeur qui fait partie de cette articulation particulière et me donne un bouton pour la contrôler. Donc, puisque je l'ai cartographié maintenant pour voir C3 ici dans mon C S3, je peux l'enregistrer, puisque je voulais vraiment juste figurer sur cette note legato Dans ce cas, je pense qu'il est normal utiliser une ligne droite ascendante. Très bien, alors je pourrais faire quelque chose comme ça. Donc, en gros, j'augmente mon vibrato au fur et à mesure que l' attention se maintenait. Et c'est la meilleure application pour le vibrato. Et je peux voir ici, en le rejouant, que je peux voir cette valeur changer à mesure que la valeur du vibrato augmente. Maintenant, je veux en fait pousser cela un peu plus haut. Je vais donc ouvrir un peu plus ma fenêtre pour avoir plus de spectateurs, spectateurs dedans. Et je vais en parler jusqu'au bout. C'est très haut là-bas. J'ai un peu exagéré. Comme ça. Nous y voilà. Je pourrais en parler encore plus tôt. donc Je peux donc même allonger la valeur de la note afin que cet effet plus large soit ressenti un peu plus de cette manière. C'est ainsi que je voudrais utiliser le vibrato, principalement pour animer et ajouter un peu d'intérêt à des notes trop longues ou à des parties trop soutenues. Si certaines parties de votre composition contiennent de longues notes de legato, vous pouvez le faire avec du vibrato. Et cela dépend vraiment du fait que votre plug-in, votre instrument VSD, vous permette ou non ce contrôle. Très bien, nous allons maintenant regarder volume midi, voir C7. 14. Expression en volume (CC 7): Dans cette leçon, j'ai apporté quelques modifications à la session, au projet que je vais expliquer. Mais nous allons examiner le volume et automatiser en utilisant C, C7 et voir comment cela fonctionne avec la dynamique et l'expression. Donc, plus particulièrement, j'ai changé d' instrument, passant de Halley à Spit Fire Audio's Discovery. Maintenant, c'est un orchestre entièrement gratuit, mais il sonne infiniment mieux que les sons que Halley avait sur sonics. Donc, si vous souhaitez entendre et avoir une meilleure idée de la façon dont dynamique, le volume et tous les autres systèmes CCS avec lesquels nous travaillons vont sonner sur un instrument et des instruments plus modernes bibliothèques d' échantillons vraiment conçues pour fonctionner avec Dynamics, Expression , etc. Passer aux feux crachés. La découverte ici semblait être une idée vraiment judicieuse pour la suite de cette section. Et vous pouvez réellement voir l'expression et la dynamique ici. Cette expression à gauche et la dynamique à droite. Vous pouvez les voir bouger. Il s'agira de réverbération et de différentes articulations de base. Vous pouvez également sélectionner des instruments ici. Vous pouvez également sélectionner des instruments en fonction de leur emplacement habituel dans les arrangements d'orchestre. J'ai donc transféré tous les instruments. Je n'utilise plus Halley. Je n'utilise le contact pour rien. Il s'agit de tout le son de Spitfire, BBC Symphony, de Discovery et d'une bibliothèque de sons entièrement gratuite. Il fait environ 200 Mo, il devrait donc se charger sur toutes les machines, sauf les plus anciennes et les plus anciennes qui devraient fonctionner correctement. Ça a l'air beaucoup mieux. Contient tous les détails de l'expression que nous voulons examiner. Je vais donc partager qu' en tant que projet que vous pouvez télécharger avec cette leçon, il devrait être préchargé avec ce plugin. Bien entendu, vous devrez l'installer. Mais comme je l'ai dit, mettre la main dessus est gratuit et assez facile. Une autre modification que j'ai apportée dans le projet précédent, j'ai ajouté un mini-modificateur ici, qui consiste à transposer la partie de violon vers le bas. Maintenant, le violon 1 est en fait transposé vers le haut. Cela a donc à voir avec les gammes disponibles dans le plugin Spitfire. À ce stade, nous disposons donc d'une instrumentation sonore beaucoup plus riche. Si nous devions regarder notre exemple original ici, nous le verrons ici. C'est à partir des dernières leçons où nous avons enregistré CC1 et CCA1 et du vibrato . Nous allons voir CC1, désolé, changer de dynamique ici sur la droite. Et nous allons voir C, C 11 changer d'expression sur la gauche pendant que nous jouons ce rôle. Comme vous le verrez, les deux vont se déplacer vers le haut et vers le bas. Désolé, permettez-moi d' ouvrir cette instance. Nous y voilà. Vous pouvez donc voir cela se produire ici même. Vous pouvez maintenant voir que lorsque la dynamique augmente, l'expression diminue. Et c'est l' objectif recherché : la dynamique contrôle les couches échantillonnées, les couches de vitesse de notre instrument. Et au fur et à mesure que cela devient plus fort, nous voulons que l'expression l'équilibre, n'est-ce pas ? C'est donc un échange entre ces deux contrôles qui permet de maintenir le niveau global. Mais la dynamique a un réel impact sur les changements de rôle du TAM. Maintenant, une chose que je vais juste noter rapidement dans cette bibliothèque Spitfire gratuite, c'est qu'ils n'ont qu'une journée dynamique environ. Cette dynamique est loin d' être aussi riche que dans l'autre bibliothèque de contacts que j'utilisais là-bas, la série symphonique, par exemple ou de nombreuses bibliothèques de Spitfire sont des bibliothèques professionnelles. Vous allez obtenir beaucoup plus de couches dynamiques ce qui vous permettra d'obtenir un meilleur son. Mais comme je l'ai dit plus tôt, c'est gratuit. C'est vraiment génial pour ce que c'est. Vous n'allez pas vraiment rivaliser avec les professionnels si vous utilisez uniquement cette bibliothèque. Mais dans ce cours, c'est une très bonne façon de commencer. Et c'est un grand pas en avant par rapport à tous les sons que vous allez avoir dans Cubase. Maintenant, une chose que j'aime faire est de rassembler toutes mes parties de cordes, par exemple , et d'utiliser mon édition en plusieurs parties ici dans l'éditeur de touches. Mais le problème, c'est savoir sur quelles notes je travaille réellement à un moment donné, la première pour le violon, le violon, le violon trois, n'est-ce pas ? Je ne veux pas m'éloigner du sujet du volume 7. C'est juste qu'il s'agit d'un conseil de flux de travail nécessaire. Juste ici. Une liste déroulante contient toutes ces valeurs et il s'agit essentiellement des noms de ces différentes parties, n'est-ce pas ? Alors, comment puis-je les renommer sur la chaîne appropriée ? La chose la plus simple à faire ici est de double-cliquer dessus. Vous maintenez la touche Shift enfoncée et vous appuyez sur Entrée, et vous verrez que tous les événements de cette chaîne seront renommés et vous verrez que tous les événements de cette chaîne seront renommés. Je vais donc le faire très rapidement. Et vous pourrez le voir dans le projet une fois que vous l'aurez téléchargé, car le projet que je partage pour chacun se trouve après la fin de l' enregistrement de la leçon afin que tout le monde puisse en voir les avantages tout ce qu' il a appris. Mais de cette façon, lorsque je charge tout cela dans l'éditeur de touches, maintenant, je peux le voir. Permettez-moi de sélectionner toutes ces parties. Maintenant, je peux voir mes parties ici et je peux simplement choisir l'alto, et je peux revenir et voir où se trouvent mes parties d'alto. C'est vraiment très utile. Allons-y et ajoutons des courbes de volume à chacune de ces voix, n'est-ce pas ? Je vais donc me débarrasser de ma vélocité ici, et la modifier en volumes principaux, voir C7. Et j'ai déjà une commande, une manette MIDI configurée pour contrôler ça. Et comme vous le verrez, quand je change cela, c'est voir mes valeurs. Alors que j'enregistre, je peux simplement revenir au début de cette section. Et je vais appuyer sur Enregistrer, puis je vais régler le volume. J'ai donc maintenu une courbe très conservatrice ici. J'ai tendance à gonfler de haut en bas, en créant cela au fur et à mesure. Maintenant, si je devais passer au violon 2, nous verrons qu'il n'y a pas de volumes principaux. C'est donc une très bonne façon de faire tout cela à partir d'un seul éditeur. Et je peux voir que maintenant je m'occupe des parties de soprano violettes. Si vous voulez voir ce qui est coloré, passez maintenant à cette couleur Mes couleurs sont réglées sur la voix. Nous pouvons donc voir un violon, un violon, un alto, qui changent de voix. Le violoncelle change les voix et les bases changent les voix, n'est-ce pas ? La coloration est donc toujours là. Je sélectionne la partie que je suis en train de modifier. Ensuite, je pourrai venir ici et je vais juste passer à la première note. Comme la base est en fait une pulsation, je ne vais pas vraiment ajouter de volume à cela, mais je vais le faire pour le violoncelle. Alors allons-y et enregistrons ça ici. Vous remarquerez que j'aime monter d' un côté et redescendre de l'autre côté. Ce type de pulsation de haut en bas au fil de quelques mesures peut ajouter une qualité émotionnelle et un réalisme vraiment intéressants à ce que nous faisons. Nous avons donc joué du violoncelle, nous avions joué de l'alto plus tôt. Faisons du violon en gardant à l'esprit que l'intérêt de le faire manuellement est que vous le faites en tant qu'être humain. Vous jouez efficacement votre MIDI. Et cela est crucial pour le réalisme général. Très bien, nous avons donc procédé à l'enregistrement, voir le volume midi C7 pour chaque canal. Et ce que nous avons effectivement réalisé ici, c'est un niveau de réalisme beaucoup plus profond. partie au fait que nous avons choisi une meilleure bibliothèque avec le Spitfire Discovery. Cela tient en partie au fait que nous avons maintenant ajouté de l'expression et de la modulation pour Dynamics. Et nous avons ajouté ce réglage du volume. Maintenant, une chose que je tiens toujours à préciser c'est que lorsque nous passons à la console mixte, nous pouvons voir que nous avons tous un ensemble de faders configurés ici. C'était mon mix original. Et en général, lorsque je travaille sur le volume, je veux être très clair sur ce qui se passe au volume moyen et sur ce qui se passe dans le volume du mixeur. Ils ne sont donc pas liés. En d'autres termes, quand c'est le cas, revenons à l'éditeur de touches ici, lorsqu'il sera chargé. Voici le volume, pour que nous puissions le voir, d'accord ? Donc, cette courbe est à mi-ECC. Ce n'est pas une automatisation sur ma chaîne actuelle. Donc, comme cela va et vient, cela n'a aucun impact sur ma chaîne, qui se trouve ici. Violoncelle, non ? Alors que nous jouons ce rôle, par exemple, nous pouvons voir sur notre graphique qu'il y a la superposition des données du contrôleur pour le volume MIDI. Et cela n'aura aucun impact sur la façon dont ce fader se déplace. Alors allons-y. Ce fader est donc une entité de volume entièrement distincte dépend vraiment de votre mix. C'est donc vraiment magnifique parce que nous pouvons créer cette performance expressive, qui correspond vraiment à ce que ferait un joueur de cordes ou un joueur d'instruments à vent. Ils joueraient leurs rôles avec sens réel de l'utilisation du niveau dans le cadre de leur expression. Ensuite, nous pourrions enregistrer cette performance, enregistrer tout l'orchestre, puis mixer l'album, n'est-ce pas ? C'est ce qu' est la phase de mixage, ce que nous voulons utiliser. Toutes ces quatre ont un impact dont vous devez être conscient lorsque vous manipulez vos courbes de volume pour votre middy, que cela modifie essentiellement ce qui se passe dans votre mix Même si ces positions de fader ne sont pas dictées ou liées directement à ce que vous écrivez avec votre see C7, vous modifiez le volume. Et puis, en ce qui concerne l'expression, vous modifiez le volume à l'intérieur du volume et le volume de votre expression ou l'effet de votre expression, par exemple allons-y et examinons cela. Tout cela n'est qu'une augmentation du volume, en fait. À l' heure actuelle, aucune expression n'est écrite dans cette partie de flûte . Comme nous pouvons le voir, il y a une couche vide ici. Je vais le baisser pour juste ajuster la vue. Il y a une voie vide, mais lorsque nous écrivons une partie d'expression, cela aura un impact sur le volume car l'expression est un pourcentage du volume. C'est donc comme tracer une courbe, car cela permet de déterminer le pourcentage de ces niveaux de volume. Enfin, à la fin de votre structure de gains, se trouve ce fader, qui détermine bien la part de ce montant dans le mix. Vous devez donc être très prudent et conscient de toutes ces implications. Cela apporte beaucoup de réalisme, mais vous devez également être conscient que cela affecte les niveaux et le volume à différents niveaux et que vous devez le modifier pour obtenir l'effet que vous recherchez. Dans la leçon suivante, nous allons examiner l'utilisation de la méthode de contraception C, C2. 15. Contrôle et automatisation de la respiration: Je vais regarder une autre valeur CC car il s'agit également d'un contrôleur continu, et on l' appelle généralement contrôle de la respiration. Et le contrôle de la respiration peut être spécifiquement intégré aux klaxons ou aux instruments liés au vent. Si vous avez réellement un contrôleur de respiration, qui est un type spécial de contrôleur MIDI que vous pouvez jouer comme une clarinette ou quelque chose comme ça. Ensuite, il commence à transmettre une partie de votre expressivité à l'instrument logiciel. Ces types de manettes crachent généralement , voir C2. Maintenant, le fait est que C, C2 ne sont pas toujours intégrés aux instruments, même aux instruments à cor et autres instruments de ce genre. De plus, une fois que vous êtes dans la boîte, une fois que vous avez enregistré, See C2 peut être n'importe quel cc, car vous pouvez décider quel CCS vous souhaitez utiliser à tout moment. Et il y en a beaucoup qui n'ont pas encore été assignés de manière générique. CCL2 est donc une variable. Il ne s'agit pas tant d' une valeur verrouillée que, par exemple, d'une expression, d'un volume ou d' une modulation. Mais je tiens à aborder la question ici parce que j'utilise souvent des moyens contraception non pas à l'aide de klaxons, mais en tant que valeur limite ou valeur de luminosité dans un instrument. Je peux donc connecter C, C2 à un égaliseur, par exemple ou à un filtre afin d' accentuer la luminosité en utilisant un filtre ou un égaliseur pour accentuer les fréquences plus élevées. Et je vais en fait utiliser le contrôle de la respiration comme une sorte de contrôle de la luminosité. C'est ainsi que cela fonctionne normalement dans un instrument lié à l'étendue. Plus quelqu'un souffle fort, plus le timbre qui sort de l' instrument a tendance à être brillant . corréler le contrôle de la respiration, le CCL2 fait logique de corréler le contrôle de la respiration, le CCL2 à un concept de luminosité. J'aime bien avoir, dans ma composition une seule valeur CC en plus de la dynamique , l'expression, en plus du volume 1, de plus que ce que je peux manipuler pour apporter un autre niveau de réalisme. Et maintenant, je vais juste vous montrer comment je configure cela et je l'utiliserais pour contrôler la luminosité. Je vais apporter une simple modification à ma clarinette, qui consiste à ajouter des éléments de luminosité. Je vais donc le faire en allant voir mon inspecteur ici présent. Et je vais ajouter un insert audio. Et cet insert va être un égaliseur. Et je vais y aller et choisir Studio EQ. Ce que je veux faire, c'est passer cette dernière étape ici. Je vais désactiver les autres niveaux. Ce que je veux faire, c'est contrôler ça avec ma manette MIDI. Voir C2. Dans ce contexte, j'ai le choix. Je peux enregistrer la valeur C, c dans le Midea. Mais ici, je vais en fait enregistrer cela sous une automatisation suivie à l'aide de trolls rapides. Donc, en ce qui concerne l'inspecteur, je vais passer aux contrôles rapides. Je vais m'assurer que c'est activé ici. Et je vais y aller et je vais venir ici pour insérer, insérer un bracelet de studio pour gagner des hautes fréquences pour cette étagère. Ensuite, je vais faire un zoom arrière ici. Et ce que je vais voir, c'est que je peux utiliser cette fonction d'apprentissage, qui se trouve dans mes commandes rapides. La fonction d'apprentissage vous permet de simplement cliquer avec le bouton droit de la souris pour vous assurer que l'apprentissage est activé. Cliquez sur l'une de vos commandes rapides, puis déplacez simplement votre bouton pour l'associer. Je peux en fait enregistrer l'automatisation ici. Je vais donc aller de l'avant et activer le taux d'automatisation directement. Et je vais désactiver mon mode cycle, changer d'outil et revenir ici. Et maintenant, je vais réellement écrire l'automatisation avec ma commande MIDI. J'essaie de créer, je vais lancer une stratégie visant à créer plus de luminosité. Au fur et à mesure que le passage se poursuit. Au fur et à mesure que le passage continue, il devient de plus en plus lumineux. Donc, tout ce que je fais ici, c'est créer une automatisation régulière et traditionnelle. Cependant, il est possible d' utiliser la largeur Control C, C2 comme contrôleur pour cela. Et vous pouvez même utiliser le milieu de l'ECC dans Cubase et le transformer en automatisation. Et vous pouvez transformer l'automatisation d' une piste d'automatisation en ECC intermédiaire, par exemple si nous examinions cette partie ici et que je devais montrer mes valeurs d'expression. instant, j' ai juste réglé le volume, mais je pourrais extraire ce volume ici. Je peux l'extraire vers une voie d'automatisation comme celle-ci en remontant dans mon menu midi, ici, et en descendant dans mon menu de fonctions et en descendant pour extraire de nombreuses automatisations. Si je cliquais avec le bouton droit sur ma piste et que je disais Afficher l'automatisation utilisée, nous verrions maintenant que ma piste de volume a été transformée en piste automatique Je pourrais modifier la façon dont cela fonctionne dans mesure où je peux sélectionner ce que je ne veux pas pour faire fonctionner le volume. Au lieu de cela, je veux qu'il exécute mon insert. Disons que je pourrais aller ici, ouvrir cette fenêtre, accéder à mon Insert et dire : «  Vous savez quoi, j' avais comme outil d'automatisation du volume ». Maintenant, je veux m'en prendre à nouveau à moi. Et nous allons voir ce manège maintenant. Je vais donc désactiver la lecture sur mon automatisation d'origine. Nous allons maintenant voir que cette automatisation, que j'ai extraite du Midea, est désormais à l'origine de ce gain. Je pourrais donc utiliser cette automatisation et utiliser la commande X. Et je vais la coller en sélectionnant tous mes points d'automatisation, m' assurant que mon curseur est bien réglé au début et en collant. Et maintenant, quand je rejouerai, vous verrez que c' cette courbe que j'ai extraite du volume est cette courbe que j'ai extraite du volume qui va maintenant actionner ce bouton de gain. Voyons donc comment cela se passe. Encore une fois, le contrôle de la respiration ne fait pas partie des systèmes CCS intégrés que vous devez toujours utiliser. Mais quand je veux donner plus de vie à quelque chose, et en particulier travailler sur la luminosité ou le tamponnage. Ensuite, je m'appuierai généralement sur la gamme Control C, C2, car c'est une fonction relativement standardisée et comprise par les autres compositeurs et musiciens pour exécuter cette fonction. Si quelqu'un ouvre mon projet, il doit savoir ce qui se passe. Je vais inverser mes opérations de couper-coller afin que le projet auquel vous avez accès ait plutôt cette courbe de volume au milieu de l'ECC. Et je te verrai dans la prochaine leçon. 16. Expression de pitchbend: Désormais, vous pouvez également utiliser des éléments intermédiaires très courants tels que le pitch bend, dans vos productions. Et cela peut être très utile lorsque vous essayez de recréer quelque chose qu'un véritable instrumentiste interprète. Dans le cas de la guitare, disons par exemple qu' un guitariste plie une note tout en jouant une autre note, puis la laisse fléchir, quelque chose comme ça. Vous pouvez y parvenir avec Pitch Bend plus facilement qu'avec d'autres CCS midi, le pitch bend étant intégré. C'est presque essentiel à tout clavier midi. Vous aurez donc forcément une manette Pitch Bend. Mais lorsque vous travaillez avec des symphoniques ou des instruments d'orchestre, vous pouvez ajouter un peu de pitch bend ici et là juste pour créer de petites variations. Et je vais vous montrer comment je pourrais le faire de manière très, très subtile. Ce que vous faites ici, c'est recréer une sorte d'erreurs commises par le joueur, des erreurs subtiles. Vous n'essayez donc pas de le faire, vous devriez certainement éviter que ces virages de terrain soient vraiment évidents, car dans le cas d'un joueur d'alto, par exemple , sera en fait une erreur. Mais ajouter un petit changement de ton peut en fait ajouter un peu de réalisme. Jetons donc un coup d'œil à cela. Ce que nous allons faire ici, c'est juste jouer un alto en solo , puis allez-y. Et nous allons l'ouvrir dans notre éditeur MIDI. Et je vais regarder ces deux notes en particulier. Et je vais activer le Pitch Bend Lane. Et je vais revenir au début. Et je vais enregistrer un petit pitch bend, très, très, très subtil, comme je suis en train de le faire ici. Vous pouvez voir ce qui se passe dans le pitch bend. Ce que je fais ici, c'est simplement ajouter une subtilité qui, je l'espère, transmettra un peu d'humanité. C'est le genre de chose qui brise la cohérence statique absolue des notes midi. Maintenant, il est absolument crucial de savoir si ma bibliothèque sera adaptée à ce pitch bend. Mais si ma bibliothèque réagissait au pitch bend, je remarquerais qu'il y avait juste une très subtile imperfection dans la performance. Je viens de le faire sur quelques notes. Je n'essaie pas de gâcher la pièce. Je n'essaie pas d'apporter des changements radicaux. Juste quelque chose de subtil, c'est un outil que je peux utiliser pour introduire un peu d'humanité. Dans la leçon suivante, nous allons examiner l'utilisation des touches. 17. Utiliser des commutateurs à clé: Nous allons maintenant examiner les interrupteurs à touches. Aujourd'hui, les commutateurs à touches sont communs à la plupart des bibliothèques professionnelles et sont généralement utilisés pour basculer entre différentes articulations. Supposons, par exemple que votre basse joue du pizzicato et que vous souhaitiez passer temporairement à des notes longues, comme nous allons le faire dans cet exemple, alors vous pouvez utiliser des touches pour basculer dynamiquement entre différentes articulations. Parfois, les touches exécutent d'autres fonctions. Si vous aviez une bibliothèque de guitares, par exemple, elle pouvait passer d'une position de manche à l'autre ou je pourrais alterner entre les descentes, upstrokes ou quelque chose comme ça. Ainsi, tout type d'articulation ou fonctionnalité unique que l' interprète peut exécuter peut être manipulé à l' aide de touches. Jetons donc un coup d' œil à cela maintenant. Nous avons choisi cette articulation ici, l'articulation spiccato, mais nous en avons trois parmi lesquelles choisir. Vous pouvez donc passer de l' au sein de cette bibliothèque à l'aide de touches. Et là, jusqu'ici. À la fin, je pourrais monter ici et dire que je voulais photographier deux événements. Maintenant, quand je vais ici et que je dessine ces notes, elles vont refléter ces événements. Il y a des événements MIDI au-dessus d'eux, ce qui me permet de m'assurer un peu plus facilement qu'ils sont correctement positionnés. Une chose que vous voulez généralement faire avec les touches, c'est qu'elles apparaissent un peu avant votre note midi. Donc, ce que je ferais probablement ici, c'est simplement après les avoir tous sélectionnés, simplement après les avoir tous sélectionnés, je les apporterais un peu comme ça pour que l' interrupteur puisse indiquer l'instrument ce qui se passe avant que la note ne soit réellement jouée. Et nous allons tout détruire. Et si nous voulons jouer, allons-en une. Nous verrons combien de temps cela va prendre. Un C moins pour le spiccato sera do dièse moins deux et un pizzicato sera D12. Nous voulons donc avoir celui-ci ici, et celui-ci ici. Nous voulons en fait passer du do dièse à celui-ci au C2, qui va revenir à long. Et puis celui-ci ici, nous allons le ramener là-bas. Et puis celui-ci redescendra dans les poumons. Et vous pouvez réellement le constater ici, dans cette zone. Lorsque je modifie ces valeurs MIDI, cela modifie l'articulation et c'est ce que font les touches. Mais quand ils rejoueront, nous aurons un long spiccato, long spiccato en utilisant des touches. Une façon très élégante de s'intégrer à votre ventre. Des éléments tels que les différentes articulations que vous souhaitez utiliser pour le legato, staccato, le spiccato, pizzicato, l'ajout de trémolo, etc. C'est également un excellent moyen de manipuler l'expressivité de vos pièces. Lorsque j'applique des articulations, je me demande en quoi cela m'aide à raconter l'histoire. Vous voulez éviter d'utiliser des touches manière aléatoire, juste pour obtenir un effet intéressant. Mais vous voulez plutôt raconter une histoire avec. Donc, ce que je raconte, l'histoire que je raconte ici, c'est que la base vient en soutien puis en ponctuation, soutien par une ponctuation longue, puis en soutien. Le spiccato. Pour moi, l'articulation fonctionne comme une ponctuation, comme un point à la fin d'une phrase, en évitant un long trait. La base s'éloigne et laisse la priorité aux altos et aux violons. Cela fait donc partie de l'histoire que je raconte et c'est pourquoi j'ai choisi ces articulations. Je vous recommande de choisir articulations au service de votre histoire, pas simplement parce que vous pouvez utiliser des touches. Maintenant, dans la leçon suivante, nous allons simplement avoir une brève discussion sur la quantification. 18. Quantifier ou non ?: Maintenant, la quantification fait partie de Middy depuis le début. Et l'une des meilleures et des plus précieuses fonctionnalités de Midea, c'est que vous pouvez assister à des performances, des jeux qui ont été joués à un moment donné. Mais vous pouvez ensuite modifier le calendrier. Et idéalement, en ce qui concerne la quantification, vous devez vraiment utiliser des éléments pour les intégrer à la grille afin de maintenir tempo et un chronométrage absolument précis, des triplets très précis, des 16e notes très précises, genre de choses qu'un joueur ne sera peut-être pas capable d' exécuter parfaitement. Mais le fait est que, comme les joueurs n'exécutent généralement pas ce chronométrage de manière très précise, ils finissent par jouer un rôle important dans l' humanité et le réalisme, mais c'est le secret de nos pièces. Alors, comment y faire face ? Eh bien, je vais vous montrer quelques choses différentes ici. abord, la règle de base pour moi est de tout jouer, de tout interpréter, tout enregistrer, de l' interpréter. Ne l'écrivez pas avec un crayon. Parce qu'alors, cela sera généralement quantifié, mais ce n'est pas vraiment le cas, il y aura juste beaucoup moins d'humanité impliquée. C'est la première étape. Mais une fois que vous l'avez enregistré, ne présumez pas nécessairement que vous devez le quantifier ou vous en tirerez un quelconque avantage. Surtout avec des choses comme les arpèges. En utilisant des éléments très, très structurés et très, très sobres et limités au réseau. Ils n'ont tout simplement pas l'air humains et cela va diminuer le réalisme, n'est-ce pas ? Je ne quantifie donc généralement rien, mais comme je vais vous le montrer ici, vous pouvez utiliser la quantification de manière itérative dans Cubase. Cela signifie que vous pouvez améliorer le chronométrage, mais vous l'améliorez d'une certaine manière. Vous n'êtes pas vraiment en train de tout verrouiller sur le réseau. Jetons donc un coup d'œil à cela. Nous examinons donc cette performance que j'ai faite et que nous avons divisée en plusieurs parties. Maintenant, les accords étaient joués par moi sur un clavier de commande MIDI. Et nous pouvons voir que les notes n'atterrissent pas directement sur la grille. Nous pourrions donc régler ce problème. Bien sûr, si nous le voulions, je vais simplement fermer cet instrument ici. Nous pourrions résoudre ce problème simplement en quantifiant ici, nous voyons que tout correspond parfaitement à la ligne. Je vais annuler cela avec la commande Z. Je n'encourage généralement pas cela car ce qui va se passer c' est que vos performances seront perdues. Et il y aura moins de réalisme dans le produit final final. Mais il existe ici une fonctionnalité très pratique appelée quantification souple. Cela ressemble à ces deux flèches séparées par une ligne, presque comme une fraction. Donc, ce que je vais faire, c'est accéder au panneau quantifié. Nous allons examiner certains paramètres ici. J'ai mon panneau de quantification ici. Regardons ça de plus près. Donc, ce que je peux faire ici, c'est activer ou désactiver la quantification douce, et je peux décider quelle en sera la force. Cela signifie essentiellement améliorer la quantification de 60 %. Si je clique, si je l' active, c'est vrai, et que je me lance, je quantifie ça doucement. Nous pouvons constater que cela l' a amélioré, mais ce n'est toujours pas la bonne solution, comme ce serait le cas si je n'avais pas cette quantification souple et que je la quantifiais maintenant, elle bloque les choses directement sur la ligne. Parfaitement. quantification douce est un très bon moyen d'être beaucoup plus subtil. Je vais les défaire tous les deux. Et je vais examiner ici quelques autres options de quantification. Vous pouvez donc définir une plage de capture et une portée de sécurité. Donc, au fur et à mesure que j'aborde cette question, vous pouvez voir comment elle évolue en fonction du rythme. Je peux régler la grille, disons que je fixe les deux quarts. Qu'est-ce que le champ de capture ? Dans cette fourchette, vous voyez un changement ici. notes qui se situent dans cette fourchette seront en fait soumises à toutes les règles de quantification, y compris la quantification souple. La plage de sécurité signifie ici que les objets se situant dans cette plage ne seront pas quantifiés. Cela signifie que je pourrais dire : OK, regardez tout ce qui se trouve à moins d'un triplet de mon billet de quart, laissez-le de côté. Tout ce qui se situe dans cette plage, je veux le quantifier et je veux le quantifier de manière souple. Et je pourrais changer le montant pour dire 30 %. Et maintenant, quand je les quantifie, je peux continuer et je vais juste faire cette note parce que c'est clair ici. Si j'appuyais sur Quantifier, cela ne changeait rien, car ce n'est pas dans ma portée de capture ou dans ma portée de sécurité. Vous pouvez donc vraiment examiner vos propres performances et évaluer ce que vous voulez vraiment faire en matière de quantification. Ainsi, vous pouvez réellement améliorer le rythme d'une performance sans déshumaniser et étouffer complètement la vie et l'humanité. C'est également une bonne chose à faire lorsque vous quantifiez des tambours. Cela peut être très pratique. quantification trop souple, disons le chapeau haut de gamme, où vous voulez en avoir un peu, vous ne voulez pas l' avoir directement sur la grille. Mais peut-être que les coups de pied, vous devriez les mettre exactement sur la grille. Peut-être les pièges, une petite tête ou un peu en retard. Vous pouvez utiliser les plages de capture et de sécurité pour vous assurer que toutes ces nuances de performance, de performance d'origine, sont maintenues même si le coup de pied, par exemple est quantifié. Vous pouvez donc appliquer ces paramètres de quantification aux notes que vous avez sélectionnées. Vous pouvez donc tout sélectionner et supprimer les notes et appliquer une valeur de quantification. Ensuite, vous pourriez sélectionner tous les chapeaux hauts et ainsi de suite. Ainsi, la quantification est davantage un outil créatif et constructif utilisé dans le cadre d'une méthode aveugle qui consiste simplement à appliquer la quantification à tout verrouiller sur la grille. Je recommande vivement de ne pas le faire. Si votre objectif est de produire de la musique qui sonne comme si un être humain l'avait jouée. Dans la prochaine leçon, nous allons examiner une technique permettant de contrôler la vélocité à l' aide de la molette de modification. Et cela peut être fait dans une situation où vous ne disposez pas d'un contrôle dynamique au sein de votre instrument, mais que vous disposez de plusieurs couches de vélocité. Je vais donc passer en revue ce processus dans la prochaine leçon. 19. Hack de vélocité de la roue de mod: J'ai maintenant rencontré des instruments qui peuvent contenir des couches de vitesse, parfois même des instruments que j'ai fabriqués moi-même. Et je cherche un moyen de contrôler la vélocité par une autre méthode que façon dont je joue des touches, n'est-ce pas ? Donc, généralement, lorsque je joue sur les touches , j'appuie fort sur la touche qui se traduit par la valeur de vélocité. Mais parfois, j'ai envie de sculpter cette valeur de vélocité un peu plus séparément, n'est-ce pas ? Un peu plus attentivement, ou peut-être même les retoucher sans avoir à les dessiner au crayon. Je vais donc vous montrer comment configurer la molette de modification. Vous pouvez maintenant configurer n'importe quel contrôleur pour le faire. Je vais juste utiliser la molette de modification comme exemple. Je vais vous expliquer comment configurer un contrôleur MIDI tel que la molette de modification pour contrôler la vélocité pendant que vous jouez. Et cela peut vous donner une autre nuance supplémentaire dans vos performances. Alors allons-y jeter un œil. Très bien, donc je vais fermer la fenêtre du bas et je vais passer à cette partie de violon de la BBC ici. Nous allons repartir à zéro ici. Maintenant, je vais enregistrer une nouvelle partie et je vais modifier la vélocité en fonction de ma molette de modification, non en fonction du clavier, n'est-ce pas ? Donc, quand j'enregistrerai en ce moment, vous pourrez voir que pendant que j'enregistre, ces valeurs de vélocité étaient définies en fonction de la façon dont je joue au clavier. Lorsque nous aurons terminé, nous verrons que nous pouvons réellement utiliser un contrôleur MIDI pour les contrôler en temps réel avec cette configuration que je vais vous montrer dans Cubase. Alors allons-y et voyons comment nous pourrions configurer cela. Je vais aller de l'avant et supprimer cela. Je vais m'assurer que mon morceau est sélectionné. Et je vais passer aux inserts midi ici dans l'inspecteur. Et je vais ajouter trop de modificateurs dans les séries. Ajoutez un modificateur MIDI ici. Et puis je vais également ajouter un modificateur MIDI ici. J'en ajoute donc deux, l'un après l'autre. La prochaine chose que vous allez vouloir faire est d'appuyer sur Enregistrer la sortie pour suivre ici. Et vous allez devoir régler votre contrôleur MIDI ou votre clavier midi pour qu'il envoie une vélocité fixe. Lorsque mon clavier envoie une vitesse fixe, il envoie une vitesse fixe de Full Tilt 127. Maintenant, sur ce premier modificateur MIDI, nous avons une valeur appelée décalage de vitesse. Nous allons maintenant régler ce paramètre sur -64. OK, cela revient à soustraire la moitié de ma vitesse fixe, qui est fixée à 127. Ensuite, nous allons passer au modificateur MIDI pour zoomer un peu ici. Et je vais vouloir manipuler ce changement de vitesse en temps réel pour le mini-modificateur. Il s'agira donc essentiellement de soustraire 64 de l'entrée à valeur fixe. Ensuite, ce modificateur MIDI ajoutera un décalage de vitesse en fonction d'une sorte d'entrée. Et l'un des moyens les plus simples de le faire est d' utiliser des commandes rapides. Donc, en bas, je vais étendre les commandes rapides et effectuer un zoom arrière un peu pour que nous puissions voir ce qui se passe ici. Il s'agit maintenant par défaut de différentes commandes rapides à partir de l'instrument chargé sur ce canal. Mais je peux annuler n'importe lequel d'entre eux à tout moment. Je vais régler ce premier paramètre ici sur mon MIDI, en insérant mes modificateurs midi. Le second ici. Et je vais choisir Velocity Shift. Maintenant, c'est le décalage de vélocité pour le deuxième modificateur MIDI. Et je peux voir, voyons voir, si je fais défiler la page ici. Je devais porter ce chiffre à 72. Je peux voir maintenant que cette valeur est 72, n'est-ce pas ? Je vais donc changer cela grâce à la commande rapide. Maintenant, je peux utiliser n'importe quel contrôleur MIDI de mon choix et je peux l'affecter à cette commande rapide. Vous pouvez donc continuer et activer commandes rapides. Vous pouvez appuyer sur Learn, puis sélectionner votre contrôle rapide ici. Ensuite, vous pouvez allumer la manette de votre clavier. Et je peux voir maintenant que j'obtiens cette valeur. Je suis donc allé de l'avant et je l'ai mappé à ma molette de modification. Et vous pouvez voir cette valeur changer maintenant, alors que je la tourne. Cela signifie qu'ici , dans mes inserts midi , cette valeur est en train d'être modifiée. Donc, ce que je vais faire efficacement c'est que lorsque je joue une note midi, puisque l'enregistrement activé ici est activé, les notes midi vont entrer. Cela va soustraire 64 à la vitesse. Ensuite, il ajustera la vélocité fonction de ce que fait ma molette de modification. Voyons donc à quoi cela ressemble. Je vais essayer de créer une sorte d' effet de crescendo avec mes valeurs de vélocité. Et ce sera totalement indépendant de ce que je joue lorsque je joue réellement au clavier. Vous devez également vous assurer que le deuxième modificateur MIDI est configuré pour enregistrer. Et nous allons y aller et commencer. Vous pouvez maintenant voir que j'ai enregistré cet arc assez dramatique, ascendant et descendant pendant que je jouais ces notes. C'est donc un excellent moyen de contrôler les couches de vélocité sans avoir à utiliser votre clavier la force avec laquelle vous appuyez sur les touches C'est la force avec laquelle vous appuyez sur les touches qui dicte les termes. Vous devez vous assurer que vous l'avez configuré lors de votre enregistrement en direct. Cela ne semble pas fonctionner. Si vous essayez d'effectuer un overdub. Si vous souhaitez qu'il dispose de la fonction d'overdubbing, vous devez disposer d'une bibliothèque compatible avec Dynamics. Ensuite, vous pouvez enregistrer la roue du mod dynamique de cette façon. Mais c'est en quelque sorte une alternative à la possibilité de manipuler la vitesse à la volée. Nous allons maintenant commencer à parler l'expression des notes dans les prochaines leçons. Et l'expression des notes va être une extension vraiment fascinante de la vélocité et du CCS dont nous avons parlé. Alors restez dans les parages. Ces leçons seront d'une valeur inestimable pour tous les utilisateurs de Cubase qui travaillent avec le MIDI. 20. Aperçu de l'expression: Je vais terminer cette section par quelques leçons sur l'expression des notes. Maintenant, l'expression des notes est un concept VST Three. C'est une technologie qui vous permet d'enregistrer l' équivalent de modifications de contrôle, mais sur une base par note, n'est-ce pas ? Donc, tout ce que nous avons fait jusqu'à présent avec C7 ou CC1 par canal, ce qui signifie que chaque fois que nous écrivons une courbe et une expression, cela affecte toutes les notes de ce canal. Et en général, ce seront toutes les notes que vous verrez dans cette partie centrale. L'expression des notes est une technologie qui vous permet de trier les données d'expression ou d' enregistrer des données d'expression par note. Cela peut être très agréable lorsque, par exemple vous pouvez jouer deux notes et que l'une des notes passe à l'autre. Vous pouvez donc créer un peu plus de drame, ou peut-être deux notes qui commencent et une qui devient plus forte, une qui devient plus calme. Ou si vous utilisiez une guitare, un instrument de guitare, une bibliothèque d' instruments samplés, par exemple vous pourriez plier la corde tout en jouant une autre corde et vous pourriez avoir une dyade, mais l'une des notes serait le pitch bend. Vous pouvez donc faire beaucoup de choses avec l'expression des nœuds. Malheureusement, l'expression des notes ne s'est pas répandue dans l'ensemble du secteur. C'est quelque chose qui est disponible dans le cadre du protocole de type technologie VS T3. Les gens pourraient donc vraiment l'implémenter s'ils le voulaient, mais ils ne l'ont pas vraiment fait. Et je ne sais pas exactement pourquoi. Je suis sûr que cela dépend du temps de développement et de ce genre de choses. Ce que je veux aborder ici, étant donné qu'il s'agit d'un cours spécifique à Cubase, c' est comment l'utiliser dans Cubase, vous pouvez l'enregistrer dans le cadre de votre performance. Vous pouvez le dessiner et l'overduber. Et je vais passer en revue les méthodes pour y parvenir. Montrez ce qu'il fait. Parce que je pense que si vous utilisez un instrument qui permet expression de Node, ce serait principalement PAD Shop, Retro Log, tout ce qui se trouve à Halle on, Halley sur Sonic ou Halley et Sonic SE. Vous aurez alors de nombreux choix quant à la manière dont vous pouvez manipuler des notes individuelles, pas seulement en fonction d'un canal, mais également en fonction de la note. Il existe une technologie différente appelée MAPE, qui prend de l'ampleur dans le monde des manettes et , qui prend qui ressemble beaucoup à cette expression polyphonique moyenne. Et si vous avez un instrument comme celui-ci, que aimez l'instrument principal ou quelque chose comme ça, vous pouvez enregistrer ces données polyphoniques sous forme d'expression de nœuds. Peut-être existera-t-il un processus qui permettra l'expression des notes de gagner en popularité auprès d'autres bibliothèques et d'autres fabricants de plug-ins si ces instruments MP deviennent plus courants et plus essentiels. Mais pour l'instant, je n'ai trouvé qu'un support très, très limité pour cette technologie d'expression de notes Même si je l'adore, je la trouve vraiment géniale. Un autre aspect vraiment intéressant l'expression de note est que l'expression que vous avez choisie est liée nativement à ce nœud, ce qui signifie que vous faites glisser des notes dans votre éditeur de touches. L'expression suit, ce qui est vraiment cool. Vous pouvez maintenant le faire avec mes paramètres de préférence dans Cubase pour assurer que toutes les données du contrôleur suivent, mais cela se fait automatiquement de manière native. Dans la leçon suivante, nous allons donc nous plonger dans le vif du sujet et examiner quelques exemples d'expression de notes. Cette leçon n'est qu'un aperçu. Dans la leçon suivante, nous allons passer à la pratique. 21. Utiliser l'expression de notes: Très bien, dans cette leçon, nous allons utiliser une expression de nœud. Je vais vous montrer comment le configurer, comment l'enregistrer et à quoi ça ressemble. Alors allons-y. Alors, pour commencer , je vous suggère quelques conseils. Tout d'abord, vous devez activer Afficher les données d'expression Note dans la barre d'outils qui se trouve ici. Données d'expression des notes affichées. Le double-clic ouvre l'éditeur d'expressions de note est une autre chose que je pense que vous devriez activer. Si cette option est désactivée, cela se produit lorsque vous double-cliquez et que vous notez qu'elle apparaît ou disparaît. En revanche, si vous l'avez activé, lorsque vous double-cliquez sur une note, vous obtenez l'expression de la note. Je suis rédacteur ici et nous allons utiliser cela à bon escient ici. Afficher les données d'expression des nœuds va essentiellement les afficher en quelque sorte superposées à vos notes. heure actuelle, je vois les noms des notes, mais lorsque je l' activerai, je verrai des lignes dès maintenant. Il n'y a aucune donnée d'expression de note ici. C'est pourquoi nous n'en voyons aucun. Mais je suggère que lorsque vous travaillez avec une expression de nœud , assurez-vous que les deux sont activées. Maintenant, une autre chose à surveiller se trouve ici, à côté de l'entrée MIDI. Cette fonction d'entrée midi est également en quelque sorte couplée à cette entrée midi d'expression de note. Et dans certains cas, si les données MIDI d'expression ne semblent pas être enregistrées correctement, cela doit être activé. Mais si je trouve cela nécessaire dans mes démos, je vous le ferai remarquer. Très bien, sortons de là, fermons cet éditeur et voyons comment nous pouvons procéder. Je vais enregistrer une nouvelle partie, enregistrer des données d'expression de nœuds et vous montrer comment procéder. Je vais créer une nouvelle piste d' instruments ici, et je vais utiliser Halley sur Sonic SE. Je sais que le son est antérieur ou un peu terne, mais le truc, c'est que, comme je l'ai dit, pas tous les instruments disponibles. plupart de mes instruments de contact ne supportent pas l'expression des notes, mais Halley on Halley sur Sonic et Halley sur Sonic SE le font. Si vous êtes curieux de connaître Halley sur Sonic et Halley sur Hi, Leon est un outil de conception d'instruments de vaisseau mère. Il possède une synthèse ou une capacité incroyable. Il s'agit d'un outil de création d'instruments ou d'un outil de conception sonore. Et si vous êtes familiarisé avec le contact et le joueur de contact, Halley on Sonic et Halley on, ou quelque chose de similaire, dans la mesure où ils sont très actifs, vous permettent de créer des instruments. Et bien sûr, vous pouvez également utiliser des instruments dans Halley, mais sur Sonic, c'est plus limité. Il ne permet pas autant de créer des instruments que Halle on. Et c'est un peu comme un joueur. Tout ce que vous créez à Halle peut être joué à Halle sur Sonic. La version SE est gratuite et est fournie avec Cubase. Et la version complète de Haley sur Sonic n'est pas gratuite, mais comprend une bibliothèque beaucoup plus complète. How the on Sonic, la version complète, la version payante, vous permet également de superposer jusqu' à quatre sons différents. Il existe donc des outils de création sonore, dont Halley sur Sonic. Mais si vous êtes vraiment intéressé par la création d'instruments, vous devriez probablement travailler à Halle sur Halley on Sonic convient parfaitement à cette démonstration où je vais me concentrer uniquement sur le fonctionnement d' une expression de note. Nous allons donc simplement appeler cette expression de note demo. Nous allons l'ajouter. Maintenant, si vous vous intéressez à Sonic SE, si vous recherchez note X P EXP, vous verrez qu'un certain nombre de patchs contiennent cette valeur. Maintenant, il existe d'autres patchs et la plupart d'entre eux intègrent certaine qualité d' expression des notes, par exemple, jetons-y un coup d' œil. Je veux trouver, eh bien, nous allons essayer un peu d'accent et de cuivres. Voyons à quoi ça ressemble. Essayons un autre patch. Uns. Très bien, nous allons donc travailler avec celui-ci. Ce que nous allons voir, puisqu'il s'agit d'un patch Note EXP, c'est qu'ici, si nous sélectionnons la chaîne ou le morceau, et que nous arrivons ici, nous verrons une zone Note Expression dans notre Inspecteur. Vous pouvez voir le volume. Oups, désolée pour ça. Vous pouvez voir le réglage du volume. Ces trois éléments seront communs à presque tous les patchs de Halle sur Sonic. Mais ceux qui n'ont pas de dx be vont au-delà de ces bases pour ce qui du ton, de la couleur et de l'accent. Maintenant, vous pouvez également enregistrer les valeurs cc traditionnelles sous forme d'expression de note, et nous allons certainement y revenir également. Il existe donc trois manières d'enregistrer ou d'obtenir l'expression d'un nœud dans vos parties centrales. Vous pouvez l'enregistrer pendant que vous jouez. Tu peux l'overduber et tu peux le dessiner. Passons donc en revue chacune de ces trois méthodes. Maintenant que nous avons un, un instrument et un instrument approprié sont chargés. OK, donc ce que je vais faire ici, c'est enregistrer. Dans l'expression de ma note, je vais mettre l' accent, d'accord ? Et ce que je vais faire ici, c'est que puisque je n'ai pas bouton de commande d'emphase natif ou quelque chose comme ça, je peux venir ici et l'entrée, et je peux dire : « Tu sais quoi, je veux, ma molette de modulation CC1 va juste être copiée sur Emphasis ». Donc, pendant que j'enregistre, nous allons enregistrer l'expression des notes d' accentuation lorsque j'utiliserai ma molette de modification. OK, alors allons-y et essayons. Très bien, voyons à quoi cela ressemble dans l'éditeur de notes ou dans l'éditeur de touches. Vous pouvez donc voir en bas maintenant que ces lignes vertes sont en corrélation avec cette couleur verte là-haut. Vous pouvez également voir ce petit rectangle vert sous ma souris clignote. Il clignote parce qu'il indique, il me dit que le contrôleur MIDI que je tourne en fait valeur d'expression de ce nœud en particulier. Maintenant, plus tôt, j'ai dit que c'était une bonne idée activer ce bouton pour afficher les données d'expression des notes. Vous verrez que si je désactive cela, vous ne pouvez pas voir qu'il n'y a aucune expression de nœud. Bien entendu, vous ne verrez aucune donnée d'expression ici, dans les voies cc, cc, car il aucune donnée d'expression ici, dans les voies cc, cc, ne s'agit pas de cc, mais expression de note. Donc, l'activer me permet de voir cela. C'est ainsi que vous pouvez l'enregistrer. Et je vais enregistrer une autre version ici, qui ne sera qu' un accord parce que je le souhaite, je veux montrer un exemple simple de la façon dont l'expression des nœuds peut affecter les choses. Très bien, nous pouvons donc voir que je n'y ai enregistré aucune valeur pour l'expression de la note d'emphase. Mais je peux y aller et le dessiner, et c' est ce que je vais faire ici. Je vous ai donc montré la version originale. Maintenant, nous allons le dessiner et voir comment cela fonctionne, en soulevant cela ici. Donc, tout ce que j'ai fait, tant que ce bouton est activé, il indique « double-cliquez », ouvre l'éditeur d'expressions de notes. Ensuite, lorsque je double-clique et que je note, cela s'ouvre. Et comme vous pouvez l'entendre, lorsque je tiens la note, je l'entends également, et c'est parce que j'ai ce feedback acoustique dessus. Éteins ça, comme ça je ne le reproduirai pas à chaque fois. C'est donc à vous de décider. J'aimerais bien l'entendre. Si j'ouvre cette note ici, je peux continuer et la développer un peu. Ce que je vais faire, c'est passer à mon outil de dessin et je vais dessiner le niveau de bruit comme s'il était diffusé. Maintenant, si petit, vous verrez qu' il y a une ligne épaisse qui laisse place à une ligne plus fine. La ligne fine indique une valeur de sortie pour cette note midi. La ligne épaisse montre les notes de réunion réelles. Si je le voulais. Il est préférable que cela soit silencieux près du nœud. D'accord ? Donc, ce que cela fait, c'est juste une note. Cela va réduire l'accent. Et ce que je veux probablement faire, puisque je veux rendre cela très audible, c'est travailler avec le volume. Je sélectionne donc plutôt le volume ici dans l'expression du nœud. Et maintenant, quand j'arrive ici, je trace une ligne rouge parce que vous pouvez entendre les commentaires en arrière-plan. Maintenant, allons-y et revenons à l'outil de sélection. Je peux voir ce qui se passe ici. Je vais aller de l'avant et prendre ce nœud supérieur. Et je vais apporter son volume comme ça. Nous en avons donc un qui monte, un qui descend et un qui reste le même. Et voyons comment ça sonne. Tu peux vraiment entendre ça. Je vais donc étendre en forçant également cela. Tais-toi. Hein ? Maintenant, nous pouvons écouter ces trois ensemble et vous allez vraiment entendre comment celui-ci monte et ces deux-là descendent. Cela vous donne beaucoup d'expression et de puissance expressive, car vous pouvez essentiellement traiter les voix individuelles au sein de vos harmonies et vos parties comme s'il s'agissait de joueurs vraiment différents. Et vous pouvez demander à différents joueurs de flûte interpréter essentiellement avec des dynamiques différentes. Et cela peut vraiment introduire un réalisme intéressant. Regardons l'inspecteur ici et apprenons-en un peu plus à ce sujet. Vous remarquerez donc qu'il y a cette ligne pointillée à droite, soulignée entre l' emphase et CC1. Et cette ligne pointillée signifie que tout ce qui se trouve au-dessus peut être considéré comme une expression de note, des données d'expression de notes, tout ce qui se trouve en dessous. Elle peut être enregistrée sous forme d'expression de note. Mais il ne s'agit pas de données d'expression de notes en tant que telles. Il ne fait pas nécessairement quoi que ce soit dans l'instrument tant que vous ne l'avez pas configuré manuellement. Un conseil que je pourrais également donner, parce que cela m'a embrouillé c'est lorsque vous essayez de dessiner quelque chose et que vous vous attendez à obtenir une courbe comme celle-ci. Mais au lieu de cela, vous faites les choses correctement, vous obtenez quelque chose de très instable. Cela est souvent dû au fait que vous avez un snap on. Vous pouvez donc soit appuyer sur la touche J ici pour activer et désactiver le snap, activer ou désactiver le snap ici. Vous verrez qu'en appuyant sur la touche J, celle-ci s'allume et s'éteint, disons, tant que la capture est désactivée, vous pouvez tracer des lignes vraiment, vraiment précises et précises. Enfin, supposons que vous souhaitiez supprimer une partie de cette expression de note Vous pouvez sélectionner la note ou simplement sélectionner la mini-partie entière si vous souhaitez elle ait un impact sur l'ensemble de la partie centrale. Mais je vais juste avoir un impact ici. Et vous pouvez accéder à votre menu midi ici, jusqu' à l'expression des notes. Ensuite, vous pouvez dire supprimer l'expression de la note et vous la verrez disparaître de ce nœud ou de la partie entière. Si c'est ce que vous avez sélectionné, je vais l'annuler. Mais vous pouvez facilement supprimer l'expression de la note. Nous avons donc envisagé l' enregistrement de l'expression des notes et nous nous sommes également penchés sur le dessin, mais examinons l'overdubbing, car pour moi, l' un des moyens les plus naturels d'obtenir un grand réalisme est d'enregistrer les parties au mieux de mes capacités. Mais ensuite, je vais utiliser le processus d' overdubbing pour vraiment affiner et porter une attention particulière à l' expression du nœud ou au CCS. Cette expression de note est donc assez simple dans le cas où je souligne ici, qui est déjà liée à l'entrée pour CC1. Tout ce que j'ai à faire ici est cliquer sur cette expression de note overdub. Cela aura essentiellement pour effet d' exclure toutes les données des notes. Et ça va rendre les choses au cours du processus d'overdubbing impossibles au cours du processus d'overdubbing. Pour l' enregistrement principal édité, toutes les notes midi. Il ne fera qu' enregistrer l'expression des notes. Je vais donc passer à ce cadre. Je vais juste mettre l' accent sur ce point. Je vais donc réécrire la ligne verte au fur et à mesure que j'atteins le record. Alors je vais battre un record. J'ai activé l'overdub et vous verrez que je peux le réécrire. Vous pouvez donc voir que j'ai pu le réécrire aussi facilement. Je n'ai pas eu à créer une nouvelle partie midi et je n'ai pas eu à me soucier de la fusion MIDI ou quoi que ce soit d'autre. J'ai juste réussi à appuyer sur le bouton d' overdub et à overdubs. Maintenant, si, pour une raison quelconque, vous n'êtes pas en mesure modifier l'expression de votre note, j'ai trouvé crucial de vous assurer que cet enregistrement dans l' éditeur est activé. L'une des méthodes les plus simples consiste à double-cliquer sur l'événement pour donner la priorité à la fenêtre de l'éditeur de touches, ce qui réduit les difficultés. Vous voulez avoir ce panneau B, le panneau actif. Et j'ai obtenu les meilleurs résultats et les résultats les plus fiables. que l'overdub for node expression fonctionne lorsque ce panneau est activé et que l' enregistrement dans l'éditeur est activé, vous n'avez pas à vous soucier des autres valeurs. Bien entendu, vous devez activer l'expression de nœud overdub ici dans l'inspecteur. Mais à part ça, tu n'as besoin de rien d'autre. Nous avons abordé l'enregistrement, l' overdubbing et le dessin. Dans la leçon suivante, je vais examiner quelques considérations plus avancées en matière d'expression de notes afin que vous soyez parfaitement préparé. Vous comprenez parfaitement comment utiliser l'expression de nœud. 22. Expression de notes avancée: Je voudrais maintenant parler de certaines fonctionnalités d' expression de notes plus avancées, principalement pour que vous compreniez quel point l'expression de note est flexible. Ce sera probablement nouveau pour beaucoup de gens, à moins que vous ne l'utilisiez beaucoup. Certaines des fonctionnalités que j'ai abordées dans cette leçon n'ont peut-être pas été abordées dans votre radar. Je veux donc juste m'assurer que nous couvrons ces choses. Je ne les utilise pas tout le temps. Ce ne sont pas des fonctionnalités essentielles pour moi, mais je les connais et parfois, le fait de savoir qu' elles existent et de savoir comment y accéder améliore mon flux de travail créatif. Nous allons donc les aborder maintenant dans cette leçon, jetons-y un coup d'œil. Commençons par examiner ce que nous pouvons faire pour enregistrer certains des CC typiques. Nous allons peut-être examiner l'expression ici. Et je veux enregistrer ce CC 11 dans mon MIDI, mais pas sur une manette ln, mais plutôt en tant qu'expression de note. La première chose que je veux faire est de sélectionner la note que je vais modifier. Et je vais venir ici et cocher la case qui dit Enregistrer le MIDI en tant qu'expression de nœud. Je vais laisser l'expression overdub note activée. Et je vais également cocher cette case qui va activer ceux qui sont activés. Et ça va vraiment signifier que je peux le voir ici. Vous voyez, si je désactivais l'accentuation, elle disparaîtrait même si j'ai affiché l'expression des notes. Vous souhaitez donc que cette option soit cochée comme activée afin de pouvoir la voir sur vos notes. Je veux donc m'assurer que CCM1 est également activé. Je vais donc m'assurer qu'il arrive dans une couleur légèrement différente. sera peut-être un peu difficile à dire parce que ce sera un bleu clair contre un vert. Mais je vais créer une forme d'onde très différente avec ça, donc nous devrions être en mesure de la voir très clairement. Encore une fois, ma fenêtre d' éditeur de touches est active, et j'y ai mon enregistrement et mon éditeur. Donc, ce que je vais faire maintenant, c'est enregistrer, mais cette fois, j' enregistre CC 11. J'enregistre une expression, pas l'une des valeurs d'expression de note natives de cet instrument, mais cc 11. Et comme nous pouvons le voir ici, ce n'est pas exactement ce que je souhaite. Il l'enregistre ici dans la commande CC. Je devrais avoir tout en place ici, mais je suis toujours en train de le faire. Et maintenant, il y a quelques points que je voudrais vérifier à ce stade. Tout d'abord, j'irais dans le menu d'aide et je recherchais l'automatisation. Et je rechercherais cet élément ici, la configuration de l'automatisation CC, ouvrirais cette fenêtre et vous voudriez consulter cette zone ici, enregistrer la destination en cas de conflit. Cela signifie que lorsque quelque chose est enregistré à deux endroits, que doit faire Cubase ? Et vous pouvez choisir la partie midi ou la piste d'automatisation. Lorsqu'il est sur une piste d'automatisation, il l'enregistre une piste d'automatisation ou sur l' une des voies maritimes. Mais si je choisis la partie midi ici, et que je clique sur OK. Maintenant, les mêmes valeurs, je reviens en arrière et j'essaie de les enregistrer. Ce que nous allons voir, en fait, je vais annuler pour perdre la piste d'automatisation ici. Maintenant, je vais essayer d'enregistrer à nouveau. Et nous pouvons voir qu'il enregistre maintenant l' expression des notes sur ce nœud spécifique. Si je l'ouvre, je peux voir à quoi ressemble le CC 11 ou je peux regarder, eh bien, je donne la priorité à la valeur d' emphase maintenant, n'est-ce pas ? Vous pouvez donc les voir tous les deux ici. Vous pouvez en fait venir ici et choisir entre les deux qui sont enregistrés si vous souhaitez les modifier. Je vais maintenant vous montrer certaines des fonctionnalités d'édition avancées Lorsque nous passons la souris sur l'éditeur, nous vous verrons tout en bas. Si nous faisons simplement glisser notre souris vers le bas, nous obtenons cet outil d'étirement. Et ça fait des trucs plutôt cool. Cela déforme toute la forme. Donc, s'il y avait un point en particulier, disons dans mon automatisation où je voulais vraiment qu'il soit bloqué sur cette seconde. Où en est-on sur B2 en ce qui concerne ma 41e mesure ? Ensuite, je peux continuer et je peux faire glisser pour voir qu' il est vraiment verrouillé juste là sur la grille, donc c'est sympa. Je n'ai pas besoin de le réenregistrer, je n'ai pas à continuer à faire des essais et des erreurs. Et vous pouvez également vous déformer à différents endroits. Cela déforme donc le tout. Mais si vous vouliez l'étendre, essayer quelque chose de différent sans réenregistrer ou si vous aviez quelque chose en tête, vous avez du mal à le dessiner. Vous pouvez utiliser la fonction Warp. Il existe également des poignées de mise à l'échelle ici. Vous remarquerez donc que je peux redimensionner le tout à droite et à gauche. Comme je l'ai mentionné plus tôt, vous pouvez le faire glisser vers l'extérieur et créer une valeur de sortie sur cette note midi. Vous verrez que c'est représenté ici qu'il existe une valeur de sortie de note midi. La valeur de sortie peut donc être intéressante si vous vouliez contrôler la hauteur d' une voix spécifique , par exemple une fois la note terminée, peut-être sur un violon ou un piano, où le son résonne beaucoup dans la sortie, puis vous pouvez contrôler cela à l' aide de l'expression des nœuds. Maintenant, jetons un coup d' œil à une dernière chose, à savoir le réglage, car cela me revient assez souvent. Quand j'utilise Tuning Note Expression. Et je vais y aller et dessiner. Le problème, c'est que la gamme de tonalités est tellement extraordinaire. Et si je voulais juste monter un peu ? Je dois faire très attention à ma ligne. Et pourquoi ça ? Eh bien, cela a à voir avec ces valeurs ici, dans l'inspecteur, avec les réglages sélectionnés à partir de l'expression des notes Je peux voir un niveau maximum et un niveau minimum, n'est-ce pas ? Donc, pour l'instant, je peux opter pour des octaves plus basses ou quatre octaves vers le haut. Je peux simplement les changer en 12.12. Et maintenant, ce que je vais voir, c'est que dessiner dans cette courbe, c'est bien plus que cela. En fait, j'ai fait une erreur. Et c'est-à-dire que cela doit être la valeur minimale. Ne peut pas être identique à la valeur maximale. Cela devrait donc être -12. Maintenant, c'est en fait une gamme. Et si je fais un zoom arrière et que je zoome maintenant, vous pouvez voir que c'est beaucoup plus facile pour moi de juger car un petit mouvement de mon crayon ne signifie pas que je une octave entière, deux octaves ou trois octaves. Il est beaucoup plus facile de juger demi-tons et les tons entiers maintenant que j'ai modifié les valeurs minimum et maximum de mon expression de note. À ce stade, vous devriez donc voir l'avantage de l'expression des notes , à savoir qu'elle vous donne un contrôle beaucoup plus précis. De plus, j'adore utiliser le CCS comme expression de note, car je peux tout voir ici. Le voir dans les ruelles peut être utile. Mais il est agréable de voir visuellement exactement ce qui se passe unité par unité. Je peux voir que j'ai obtenu de la valeur ici. Vous pouvez voir que j'ai une soupape de décharge ici. Je vois qu'il y a beaucoup plus de monde. Ce nœud contient beaucoup plus d'expressions de notes. Et vous voyez, si je prends une note et que je la déplace, remarque que l'expression de la note se déplace avec elle où qu'elle aille. Et j'aime beaucoup cela parce que cela évite les conjectures liées à l'édition et la manipulation de ces éléments après avoir écrit CC. Et à moins que vous n'ayez défini les bons paramètres pour l'ECC intermédiaire et l'automatisation, cela ne suivra pas les notes. Ainsi, lorsque vous utilisez une expression de note, je sais toujours que c'est un résultat fiable. N'importe laquelle de mes expressions de note suivra cette note et uniquement cette note. Voilà pour ces conseils sur l'expression des notes. Dans la leçon suivante, je vais suggérer un projet. Et ce sera une excellente occasion pour vous d'assimiler tout ce que vous avez appris et de voir comment tout cela s' intègre dans votre propre travail. 23. Enveloppement et projet: Dans cette section, nous avons abordé de nombreuses informations concernant l'obtention de résultats plus réalistes avec vos fichiers MIDI dans Cubase, ainsi que vos fichiers MIDI dans Cubase, de nombreuses fonctionnalités dont nous avons parlé, telles que note expression et b test3, et la manière dont implémentées dans des instruments tels que Halley on ou Alley on Sonic. Elles sont propres à Cubase. Mais nous avons également examiné le processus de base qui consiste à utiliser l'éditeur de partition et à créer une partie de la carte de score. La quantification pour l'affichage, qui permet à votre corps de rester en dehors la grille tout en permettant à vos partitions d'être lisibles. Nous avons examiné comment vous pouvez faire des allers-retours entre l'éditeur de partition et la piste d'accords. Comment la piste d'accords peut finir par dicter des voix aux différents instruments de votre arrangement. Enfin, à quel point il est important et facile d'utiliser l'expression des notes utilisateur de middy, CCS et Cubase pour commencer à intégrer cette performance humaine expressive et réaliste à vos notes ou vos mini-parties afin que le résultat global soit beaucoup plus réaliste, beaucoup plus vivant et beaucoup plus expressif. Et c'est ce que nous faisons grâce à une collection de commandes ECC intermédiaires, comme 1234 vibrato seven pour le volume 11, pour Expression Nous avons parlé de l'utilisation de Dynamics avec la molette de modification et CC1 et de l'importance de disposer de bibliothèques compatibles avec cela. Maintenant, avec l'expression des notes, c'est quelque chose d' unique à Cubase. Mais comme je l'ai dit, je préfère utiliser tout mon ECC intermédiaire dans l'expression des nœuds afin qu'il soit toujours verrouillé et attaché à mes notes midi. Je vais vous recommander ici un projet lequel vous partez de zéro, écrivant une progression d'accords dans une piste d'accord, comme nous l'avons fait plus tôt dans cette section. Apportez-le dans l'éditeur de partition. Si vous savez comment faire de la notation, vous êtes familier avec l' écriture de la notation classique. Vous pourriez même essayer d' écrire votre musique en notation classique, puis de l'intégrer à la piste d'accords. À partir de là, vous pouvez utiliser votre partition par le biais du cordon pour contrôler les voix, puis créer vos différents instruments. Je recommande vivement d'utiliser le plugin Spitfire Discover car, comme vous pouvez l'entendre, ce sont des sons de très bonne qualité. C'est totalement gratuit. Vous constaterez qu'il est implémenté dans tous les projets téléchargeables de cette section. Donc, une fois que vous avez ce type de base de votre harmonie et que vous avez défini certaines parties. Entrez et ajoutez cette expression. Commencez par moduler en utilisant la dynamique plutôt que l'expression avec CC1. Volume. Réfléchissez à la façon dont le volume et l'expression fonctionnent avec les curseurs de votre table de mixage. Assurez-vous que les choses deviennent trop calmes, trop bruyantes ou trop déséquilibrées les unes par rapport aux autres. Explorez ensuite la possibilité d' écrire ce CC sous forme d'expression de note. Et si vous utilisez un instrument qui prend en charge l'expression des notes, c'est une excellente occasion d' utiliser l'expression des nœuds aux fins prévues. Par Note, contrôlez les modifications et découvrez combien de vie et expressivité cela apporte à votre mini. Assemblez cette composition, exportez-la et partagez-la avec nous, partagez-la avec moi, partagez-la avec les autres élèves de la classe. Je pense que la collaboration commence par le partage de ce que nous faisons. Et nous prenons un certain engagement à terminer et à peaufiner les choses lorsque nous savons que nous allons les partager. C'est donc également une excellente occasion d'affiner votre flux de travail. Si vous avez des questions à tout moment concernant certaines des fonctionnalités dont nous avons parlé, ou s'il y en moment concernant certaines des fonctionnalités dont nous avons parlé, a une qui vous laisse perplexe, une fonctionnalité que je n'ai pas suffisamment abordée et que j'ai peut-être complètement omise et que vous auriez aimé avoir abordée, hésitez pas à me contacter et à me poser des questions. Je consulte toujours le forum de discussion. Je suis plus qu'heureux de répondre aux questions par message direct. Les forums de questions-réponses et de discussion sont également d' excellents endroits pour me contacter. Et j'adore entendre ce que les étudiants ont à dire. J'adore écouter la musique que tu produis. J'adore vous faire participer au processus de questions-réponses qui vous permettra de comprendre comment ces fonctionnalités fonctionnent et ce que vous pouvez en faire de manière créative. Je suis donc là pour toi. Merci de nous contacter. Merci beaucoup de m' avoir suivi dans ce cours et j'ai hâte de vous voir dans un autre de mes cours.