Cours intensif sur la conception de personnages : conception dynamique en quatre étapes | Melissa Lee | Skillshare
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Cours intensif sur la conception de personnages : conception dynamique en quatre étapes

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      0:59

    • 2.

      Les bases de la conception de personnages

      11:21

    • 3.

      Exercices de dessin amusants

      3:50

    • 4.

      Inspiration et références

      5:06

    • 5.

      Étape 1 : histoire

      7:47

    • 6.

      Étape 2 : ébauches

      4:16

    • 7.

      Étape 3 : conception

      14:48

    • 8.

      Étape 4 : nettoyage et couleur

      11:15

    • 9.

      Dernières réflexions

      2:00

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

15 520

apprenants

74

projets

À propos de ce cours

J'ai le plaisir de vous présenter ce cours intensif sur la conception de personnages, composé d'une série de cours d'illustration conçus pour les illustrateurs amateurs ou les dessinateurs de personnages de niveau intermédiaire souhaitant actualiser leurs connaissances. Dans ce cours, je vous guide tout au long d'une procédure en quatre étapes pour concevoir un personnage dynamique : nous allons commencer par trouver une histoire et un concept, ébaucher des croquis de miniatures, affiner le dessin et en finaliser les détails, avant de nettoyer et d'ajouter de la couleur. Je parle également des bases de la conception de personnages et de l'importance de s'appuyer sur des références et de s'inspirer d'autres artistes.

Ce que vous apprendrez

  • Trouver l'inspiration et apprendre d''autres artistes : Je parle de l'importance d'étudier les styles d'autres artistes pour vous aider à gagner en polyvalence, et de l'importance de chercher l'inspiration auprès de plusieurs artistes..
  • S'appuyer sur des références J'explique pourquoi il est essentiel de s'appuyer sur des références pour améliorer vos compétences en dessin et je vous donne des conseils pour en profiter au mieux.
  • Développer votre personnage :  De l'histoire et du concept aux premières ébauches et aux conceptions plus abouties
  • Nettoyage et couleur : Je donne des conseils pour nettoyer les contours, et explique deux techniques de coloriage et d'ombrage.

Ce que vous ferez

À la fin du cours, vous aurez un personnage en couleur à ajouter à votre portfolio. :D

Remarque : tout ce que j'explique dans ce cours peut être exécuté selon les procédés traditionnels, mais si vous préférez travailler au format numérique (j'utilise Photoshop et Procreate pour ce cours), vous aurez probablement besoin de quelques connaissances et d'une certaine expérience du programme de dessin numérique de votre choix. Si vous souhaitez en savoir plus sur les techniques de peinture numérique plus avancées, vous trouverez sur mon canal des cours sur Adobe Photoshop.

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Melissa Lee

allow yourself to fail before you succeed

Top Teacher

Hi! My name's Melissa Lee, and I'm an illustrator and surface pattern designer living in the hilly forests of Northern California. Alongside doing freelance and art licensing work (I am a proud Riley Blake Designs fabric designer), I've spent much of my time cultivating my love of sharing what I know and encouraging others to nourish their creative side through teaching online art courses here on Skillshare. I love making patterns, character art, and watercolor paintings. I'm endlessly inspired by animals and nature (whether living today or extinct), science fiction and fantasy, space and astrology, witchy things, and bees.

Always bees.

The classes that I teach on Skillshare focus primarily on surface pattern design, watercolor techniques, and character design. Voir le profil complet

Level: Beginner

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Transcription

1. Introduction: Bonjour et bienvenue à Character Design Crash Course, Dynamic Design En Quatre étapes. m'appelle Melissa et je suis designer et illustrateur basé en Californie du Nord. Le cours de crash design de personnage est une série de classes d'illustration destinées aux dessinateurs débutants ou aux artistes de caractère intermédiaire à la recherche d'un recyclage. Dans ce cours, je vais vous emmener à travers mon processus en quatre étapes pour concevoir un personnage dynamique, qui comprend l'élaboration d'une histoire et d'un concept, création de croquis de miniatures bruts, affinement de votre design et la finalisation de la détails, et enfin, nettoyer et la couleur. Je parlerai aussi des principes fondamentaux de la conception de personnages et de l'importance d'utiliser la référence et d'apprendre d'autres artistes. En bonus, aussi juste quelques exercices amusants et bénéfiques de dessin pratique. Une fois terminé, vous aurez un caractère entièrement coloré à ajouter à votre portfolio. Alors ramasse ton crayon et commençons. 2. Les bases de la conception de personnages: Si vous avez suivi mon précédent cours de création de personnages, certains de ces événements seront une répétition. Mais je vous recommande de le regarder de toute façon parce que je couvre d'autres sujets et je vais dans un peu plus de détails. Donc, ça devrait toujours être bénéfique pour vous. Donc, les quatre grandes choses que vous devez considérer sont la forme, silhouette, le rythme et la construction. Tout le reste entre dans ces quatre catégories. Il est plus facile de caricature ou de dessin animé une fois que vous comprenez la construction. Vous m'entendrez probablement répéter cela plusieurs fois tout au long de la classe parce que je veux vraiment qu'il s'enfonce. Donc, je veux parler de certains des points de repère de base du corps humain moyen qui vous aidera à comprendre la construction et la proportion de la figure. Parce que, comme je l'ai dit, une fois que vous aurez appris ces bases et qu'ils seront vraiment tombés, vous trouverez plus facile de caricature et de dessin animé. Ainsi, sans plus tarder, sur un humain moyen, la largeur des épaules est d'environ trois têtes à travers, la ligne oculaire est le point à mi-chemin du crâne, et se déplace vers le bas du corps, la cage thoracique se plie au à mi-chemin du haut du bras, le coude s'aligner avec le nombril et les mains tombent au-dessus des genoux à mi-hauteur des cuisses. Le point global à mi-chemin d'une figure moyenne est au bas des hanches. Avec la figure sur le profil, il y a quelques angles que vous voulez garder à l'esprit, en particulier l'inclinaison de la cage thoracique et des hanches. Beaucoup de gens ont tendance à vouloir les dessiner beaucoup plus droites qu'elles ne le sont en réalité. Donc, ces proportions servent de guide pour vous aider à mettre tout au bon endroit. Lors du dessin animé, vous allez briser beaucoup de ces règles d'anatomie. Mais il est important de toujours garder à l'esprit les proportions de base que la plupart des gens ont en commun car quand un bon créateur de personnages exagère, ils sont toujours conscients de ce qui fonctionne et de ce qui ne fonctionne pas. Tant de design de caractère est caricature et exagération. Mais si vous n'avez pas de base solide pour commencer, vous ne saurez pas comment exagérer avec succès. Par exemple, le premier chiffre bleu est un chiffre proportionné moyen divisé en formes simples, ce qui est quelque chose que j'aime vraiment faire. Il suffit de le garder aussi simple que possible et je continue de respecter les règles dont je viens de parler dans la dernière diapositive, mais toutes les formes sont super primitives et simples. Plus vous le faites, cela vous aide vraiment à comprendre comment fonctionne la figure humaine. Donc, de toute façon, le premier chiffre bleu est proportionné mais les chiffres verts sur la droite même s'il n'y a pas anatomiquement correct, je suis toujours conscient des repères du corps et il y a certaines choses que j'ai faites ici qui aident à rendre le la forme globale et le travail de conception. Ainsi, par exemple, les bras tombent encore au-dessus des genoux et les coudes s'alignent toujours avec le haut de l'os de la hanche et du nombril. Je suis toujours en train de suivre certaines des règles que j'ai énoncées dans la diapositive précédente. En même temps, je ne veux pas que vous pensiez qu'il n'est jamais correct de faire quelque chose comme avoir les mains pendantes sous les genoux, par exemple, parce que cela pourrait très bien fonctionner. Ce que j'essaie vraiment de faire, c'est de souligner l'importance d'apprendre à dessiner des corps anatomiquement corrects parce que plus vous y êtes, plus il sera facile pour vous de faire des choix d'exagération audacieux. Vous serez en mesure de prendre des décisions éclairées en fonction de votre connaissance d'une figure humaine proportionnée. Pour être parfaitement honnête, il y a des personnages de dessins animés où il est vraiment difficile de déterminer exactement pourquoi ils fonctionnent aussi bien qu'ils le font juste parce qu'ils sont tellement caricaturés. Mais croyez-moi quand je dis que peu importe à quel point un personnage peut sembler exagéré, le concepteur derrière ce personnage a compris comment dessiner une figure proportionnée. Alors est les pauses malheureusement, il va vraiment vous bénéficier si vous comprenez la construction. En passant, l'une des choses que vous voulez vraiment essayer d'éviter est les tangentes. tangentes sont ce qui arrive lorsque deux ou plusieurs formes se touchent d'une manière qui est visuellement gênante. Donc l'exemple que j'ai à droite avec son coup, c'est toucher le visage de façon maladroite. On dirait qu'il est presque collé au nez, aux lèvres et menton et on ne sait pas exactement ce qui se passe dans le dessin. Si le coup était tiré plus loin de son visage, il serait plus facile de lire comme étant derrière son visage et ne pas être coincé à elle de cette façon bizarre. Donc, ce sont juste des petites choses que vous devez essayer de regarder dehors et deviendra plus facile de les attraper plus vous pratiquez. Quand il s'agit de silhouette, vous voulez surveiller votre espace positif et négatif et comprendre que la clarté est la clé. Il s'agit de choisir des poses qui transmettent le plus d'informations sur ce que vous essayez de dépeindre. Si l'action est claire dans la silhouette seule, la pose sera automatiquement plus forte. Donc, la silhouette à droite n'est pas claire. Ses jambes et ses bras sont emmêlés maladroitement et ce n'est pas aussi attrayant à regarder que la silhouette sur la gauche, ce qui est super clair. Il y a beaucoup de place pour respirer de l'espace négatif et vous savez exactement ce qu'elle fait. En fait, je viens de remarquer sur la silhouette droite où son bras rencontre le bas du dos, ça crée une tangente, ce qui donne l'impression que les bras mènent dans la cuisse. Donc, il y a une tension visuelle créée par la tangente que vous voulez essayer d'éviter. Silhouette et tangentes vont de pair vraiment. Il s'agit de la clarté de la pose et de garder vos poses ouvertes et faciles à lire. Donc, c'est certainement quelque chose que vous voulez essayer de garder à l'esprit lors de la conception. Le rapport d'or est essentiellement une proportion utilisée dans le design qui est considérée comme esthétique. Il n'est pas seulement utilisé dans les beaux-arts, mais aussi dans la conception de personnages et l'architecture et peut-être, surtout, il se trouve dans la nature partout. L' utilisation du rapport 1:1 .618 dans toutes vos conceptions les rendra automatiquement plus agréables à l'œil. Donc, voici un autre exemple. Les Grecs l'ont certainement utilisé quand ils ont conçu le Parthénon. Il peut également être trouvé sur toute la figure humaine, y compris les doigts. Donc, comme vous pouvez le voir ici, le bout de mon doigt à la première articulation et la première articulation à la deuxième articulation est d'environ 1:1 .618 et ainsi de suite. Voici un exemple rapide de son utilisation dans mes propres conceptions. Forme et variation de forme est, sinon le plus, C'est certainement l'un des aspects les plus importants de la conception de caractère. Vous voulez essayer d'éviter l'échelle, éviter la boule de bowling, essayer d'incorporer le petit et le moyen-grand, et éviter l'uniformité. Ce sont des exemples simples de la façon dont la variation votre taille et de votre forme peut créer plus d'intérêt visuel. L' échelle est fondamentalement tout étant parallèle et tout équidistant et de la même taille et c'est juste ennuyeux à regarder. L' effet de boule de bowling s'applique principalement au visage et cela se produit lorsque les caractéristiques de la tête et du visage sont exactement de la même taille et forme et ce n'est pas très intéressant à regarder. Voici quelques exemples d'éviter la boule de bowling. Le premier personnage a de petits yeux et un gros nez et le second a le contraire et l'ours que j'ai dessiné a un gros nez, yeux de taille moyenne et des oreilles de taille moyenne, mais les yeux et les oreilles sont différentes formes contrastées. Donc, il y a toujours appel là-bas. C' est un exemple de ce que je veux dire en évitant l'échelle. Avec la fille à gauche, sa construction n'est pas forcément fausse et vraiment ce n'est pas un dessin terrible ou quoi que ce soit, mais elle n'est toujours pas aussi dynamique que celle de droite. Je ne veux pas dire parce qu'elle a une silhouette moins sinueuse que la deuxième fille. C' est plus que ses épaules et ses hanches sont parallèles, ce qui la rend statique. Plus vous pouvez incorporer d'angles dans vos conceptions, plus ils seront intéressants. En outre, en observant comment les épaules et les hanches s'inclinent dans la vraie vie vous aidera à apprendre à dessiner la figure en action. Donc, toujours être conscient, toujours observer, observer pose, mouvement, répartition du poids, angles et inclinaisons, plis de vêtements et ainsi de suite. Même les gens qui font quelque chose d'aussi simple que d'attendre en queue pour le café, par exemple, inclinent leurs hanches et leurs épaules d'une certaine manière. Rarement les hanches et les épaules sont aussi parallèles que celles de la première fille. Voici un autre exemple. Je l'ai dessiné à partir de la photo de référence et comme vous pouvez le voir, les hanches sont super inclinées comme le sont les épaules. rythme dans le design est essentiellement ce qui fait bouger votre œil à travers une image. Le rythme est créé par des angles contrastés et par des droites variables contre des courbes, larges contre étroites, grandes contre petites, légères contre sombres et ainsi de suite. contrastes de ces choses créent un intérêt visuel et un attrait. Donc, nos corps ont en fait beaucoup de rythme naturel et vous voulez essayer de profiter de cela en étant toujours conscient de votre droite contre les courbes et les angles contrastés et autres. Une chose que vous voulez éviter est de dessiner ce que j'aime appeler l'homme de saucisse, ce qui arrive quand il y a trop de courbes contre les courbes. Ça finit par ressembler à l'homme Michelin, ce qui est bien si c'est ce que vous cherchez , mais en général, ce n'est pas ce que vous allez chercher. droites contre les courbes sont la façon dont vous éviterez cela. Ceci est une page du livre de Stephen Silver, The Silver Way : Techniques, Tips, and Tutorial for Effective Character Design, qui je pense est probablement le meilleur livre de conception de personnages là-bas. C' est tout simplement incroyablement utile et plein de perspicacité sur le design. Honnêtement, un bon 50 % au moins de ce que j'ai appris sur le design de personnages a été appris de Silver. J' ai pris un couple de ces cours sur les écoles et dot com ainsi qui sont également grands. Donc, de toute façon, j'ai lié à son livre sous l'onglet Votre projet, et je l'ai ici parce que ce sont très beaux exemples clairs de ce dont je parle. La figure à gauche est un exemple de contraste large, étroit, large, étroit, puis la figure au milieu, court, grand, court, grand et à droite, sombre, clair, sombre, clair, clair, clair. Vous comprenez l'idée. Voici plus de l'œuvre de Silver qui illustre vraiment cela avec les formes larges, étroites, petites, moyennes et grandes contrastées. Dans mon autre série sur Skillshare sur le dessin de visages, je parle d'utiliser des formes et des objets de base comme inspiration pour créer de la variété dans vos formes de tête, mais cela vaut aussi pour les corps. Comme je l'ai déjà dit, commencez par des formes simples et construisez les détails au-dessus d'eux. En outre, vous ne voulez pas rester coincé dessin juste un type de corps. Donc, essentiellement, tous ces conseils sont des informations que vous voulez digérer au fil du temps. Cela peut sembler un peu accablant au début, mais donnez-vous le temps de tout prendre en compte et d'en être conscient et plus vous avez une compréhension de ces choses, plus vous vous entraînerez à dessiner avec ces choses à l'esprit et à les incorporer votre travail et plus il deviendra intuitif. Finalement, vous arriverez à un point où vous n'aurez pas à réfléchir activement à ces choses chaque fois que vous dessinez. Il deviendra juste une seconde nature pour vous, mais il informera toujours votre processus de dessin. D' accord. C'est l'heure de la prochaine vidéo. 3. Exercices de dessin amusants: Avant de passer à autre chose, je voulais partager quelques exercices de dessin que j'aime faire pour la pratique. La première est la méthode d'esquisse aveugle. Vous avez peut-être fait quelque chose de similaire dans la classe de dessin de début. Fondamentalement, ce que vous faites est de choisir une photo pour référence ou d'observer de la vie, puis de garder vos yeux sur votre référence, ne regardez pas ce que votre main dessine et ne levez pas votre main. Cela ne devrait pas prendre plus de 15 à 30 secondes. Essayez de le dessiner plusieurs fois, chaque fois à partir d'un emplacement différent. En utilisant les formes bizarres que vous avez créées, créez un personnage. N' avez pas l'impression que vous devez correspondre à chaque ligne exactement si vous ne voulez pas. Restez libre et amusez-vous avec elle. Une autre façon de le faire est de trouver une référence et de faire votre croquis aveugle. Ensuite, faites votre deuxième croquis à l'aveugle en fonction de votre première conception terminée. Vous pouvez essayer de répéter ce processus encore et encore pour voir jusqu'où vous pouvez pousser votre conception. Vous pouvez également essayer de contraster vos formes et de voir quels designs vous venez avec. Donc, commencez simplement avec des formes vraiment basiques et utilisez-les comme guide. C' est une technique similaire, mais cette fois essayez de pousser un seul design. J' ai commencé par dessiner une idée basée sur la référence, puis en utilisant des formes contrastantes, j'ai fait un tas de designs différents du même personnage. Je change aussi l'espacement des différentes sections du visage, de sorte que, comme vous pouvez le voir, je mets les lignes des yeux, du nez et de la bouche dans des endroits différents sur chaque visage. C' est juste un moyen très facile d'accélérer la variation au sein de vos conceptions. Le prochain exercice est une bonne pratique de construction qui vous aidera à construire la mémoire musculaire et à augmenter vos compétences de dessin de figure. Donc, ce que vous faites est de choisir la référence photo, puis de poser un morceau de papier calque dessus ou de créer un calque séparé dans Photoshop, si vous travaillez numériquement, puis de tracer dessus à l'aide de formes simples. Redessinez ces mêmes formes simples qui varient la taille et les angles. Dessinez un geste lâche basé sur cette construction, et enfin utilisez votre dessin lâche comme plan pour concevoir un personnage. Ensuite, j'ai juste quelques exercices de geste de bonne pratique. Le premier est de regarder un jeu de sport à la télévision ou en ligne, pause et de faire des dessins gestuels d'action rapide. Quand je dis vite, je veux dire des dessins de 10 secondes. Vous pouvez toujours allonger le temps pendant que vous continuez, mais vous devriez vous forcer à être vraiment rapide au début. Le deuxième exercice est similaire seulement cette fois, vous serez en pause une émission d'animation ou un film, et vous pouvez toujours trouver des clips sur YouTube pour cela. Quoi qu'il en soit, puis tracez directement sur le haut des cadres, ce qui se trouve être l'exemple que j'ai montré. Ne vous concentrez pas tellement sur les détails, juste sur la forme de base. Avec cet exercice, vous apprenez d'autres artistes et construisez la mémoire musculaire. Ensuite, allez à une classe ou une session de dessin de figure en direct, et pour des poses de cinq minutes ou plus, dessinez la même pose à partir de différents points de vue autour de la classe. Enfin, utilisez des ressources en ligne telles que lineofaction.com, qui est un site super rad où vous pouvez configurer vos paramètres et faire des dessins d'entraînement chronométrés. Le dessin gestuel n'est pas de capturer les gens exactement, il s'agit de capturer le sentiment d'une personne et de pratiquer le dessin de la figure. 4. Inspiration et références: « Si vous voulez apprendre à jouer d'un instrument, vous devez apprendre à jouer la chanson d'un autre musicien. Si vous voulez apprendre à dessiner, vous devez dessiner une autre image d'artiste. » - Steven Silver. C' est une de mes citations préférées sur l'art. C' était vraiment quelque chose d'ouvre-yeux pour moi personnellement, quand il l'a dit comme ça. J' ai dit : « Oh, c'était comme si une ampoule s'était éteinte au-dessus de ma tête. » Et j'ai dit : « Oh, tu sais que tu as raison, c'est un bon point. » D' accord. Donc, essentiellement, j'ai l'impression que ce que Silver veut dire, c'est qu'il est important d'étudier les styles d'autres artistes. C' est aussi simple que ça. Vous voulez étudier comment ils se plient et brisent les règles de construction, analyser ce qui rend leur style cohérent, chercher des concepts visuels de base que vous pouvez adapter à votre propre travail, comme la façon dont ils dessinent les yeux ou les cheveux ou les mains et ainsi de suite. Il est important d'être influencé par plus d'un artiste, afin d'éviter que votre travail ne soit trop influencé par le style d'un seul artiste. Ainsi, vous pouvez renforcer votre polyvalence. Cela dit, gardez à l'esprit que si vous voulez travailler dans l'animation, vous devez être capable d'imiter différents styles. Donc c'est toujours une très bonne compétence à avoir. Fondamentalement, c'est correct, et même encouragé à se tourner vers d'autres artistes pour s'inspirer chaque fois que vous en avez besoin. La référence est nécessaire pour la croissance en tant qu'artiste, et vous ne cessez jamais de l'utiliser. C' est juste que, vous pouvez commencer à en avoir de moins en moins besoin pour certaines choses. Si vous dessinez ces choses encore et encore, mais vous n'arrêterez jamais de les utiliser complètement. Donc, si vous êtes quelqu'un qui s'inquiète à ce sujet et que je sais que je l'étais auparavant, souvenez-vous juste que l'utilisation de la référence n'est pas tromper. Un de mes exemples préférés d'un artiste célèbre utilisant la référence est Norman Rockwell. Il a utilisé la référence avec brio. Même si son travail n'est pas de la bande dessinée, et cela signifie, c'est évidemment plus réaliste dans le style. Il a toujours vraiment poussé et exagéré ses chiffres de façon vraiment intéressante. Comme par exemple, ici, il a fait les épaules des policiers beaucoup plus larges que dans la photo de référence, ce qui rend le contraste de taille entre lui et le garçon encore plus grand, et plus intéressant à regarder, je pense. Donc, en gros, il a fait beaucoup de choix délibérés dans la façon dont il changerait les choses de sa référence. Je pense que ses dernières pièces étaient souvent beaucoup plus dynamiques que la vraie vie. Oui, c'est pour ça qu'il est un des grands. Si vous n'avez pas apprécié son travail avant, je vous encourage à étudier son travail un peu plus près. Donc, j'ai quelques autres artistes que je veux juste mentionner très brièvement parce que ce sont tous des gens qui étudient et apprécient et ce sont tous des artistes qui ont influencé mon propre travail et qui peuvent vraiment l'influencer continuellement. Je vais à peu près les passer en revue et les laisser parler d'eux-mêmes. Parce que si je leur parlais autant que je le veux, on serait là pendant des heures. Donc, en tout cas, d'abord là Stephen Silver, bien sûr, avec son fabuleux travail de dessin animé. Beaucoup de mes dessins animés sont vraiment influencés par lui. Le suivant, Shaun Bryant, j'ai découvert récemment et que je pense est un artiste de caractère merveilleux. Aaron Blaise, qui est encore une fois incroyable, il a travaillé pour Disney pendant longtemps. Lois Van Baarle ou Loish comme elle est mieux connue en ligne. Glen Keane bien sûr, et sa fille Claire Keane, dont le travail est brillant et apparemment il fonctionne dans la famille. Emily Carroll, une autre artiste Disney classique, Milt Kahl. Ronald Searle. Don Flowers. Don Flowers est vraiment bon d'étudier en particulier pour la façon dont il a fait un travail de style assez simple vraiment bien et se sentir vraiment dynamique. Puis, il y a J.C Leyendecker, qui est l'un de mes artistes préférés. Je sais que j'ai dit que j'allais les laisser parler d'eux-mêmes, mais très vite. Le truc dans le travail de Leyendecker est qu'il est évidemment très soigneusement rendu et graphique. Souvent, vous pouvez voir les coups de pinceau clairs et les lignes droites et courbes contrastées. Mais en même temps, il a cette qualité sans effort, comme il y a une compréhension si claire de la forme et comment vous pouvez manipuler l'anatomie pour la styliser pour qu'elle fonctionne. C' est juste fou pour moi et ça vaut vraiment la peine de regarder ses affaires. Ok, passer à autre chose. Enfin, Charles Dana Gibson, avec ses célèbres Gibson Girls. Son travail est un autre exemple de réalisme qui stylisait. Quand on le regarde pour la première fois, ça ne vous frappe pas immédiatement comme une caricature, mais c'est juste que les choix qu'il a faits étaient plus subtils. D' accord. Passer à l'étape 1 du processus de conception. 5. Étape 1 : histoire: Donc, je m'excuse à l'avance parce que je vais beaucoup parler dans cette vidéo, mais je vous promets que tout est intéressant et pertinent alors prenez juste une gorgée de café ou n'importe quelle boisson de votre choix peut-être et asseyez-vous et détendez-vous pendant quelques minutes et oui. D' accord. Donc, la première étape de la conception d'un personnage est de créer l'histoire de votre personnage. Alors, qui sont-ils ? Quel est leur passé ? Quel est leur âge, leur personnalité, leur attitude ? Quel est leur rôle ou leur profession ? Où et quand viennent-ils ? Quelles sont les caractéristiques physiques que vous souhaitez incorporer ? Vous pouvez même aller jusqu'à comprendre ce qu'ils veulent, ce qui les motive, ce qu'ils aiment ou n'aiment pas. À quoi pouvez-vous vous rapporter personnellement à leur sujet ? Y a-t-il des gens dans votre vie dont vous pouvez vous inspirer et mettre dans votre personnage, etc. ? Plus vous comprenez et apprenez à connaître votre personnage, mieux c'est. Vous ne voulez pas simplement sauter directement dans dessin à moins que vous essayez délibérément de lâcher et de vous amuser alors sûr, mais si vous voulez construire un personnage pour un projet comme une bande dessinée ou une animation ou autre, vous voulez faire votre recherche d'abord. Assurez-vous également d'avoir établi le style général de base de votre projet avant de concevoir votre personnage. Est-ce que ça va être super cartoony ou plus réaliste ? Pour moi, je veux que mes personnages soient plus proches de la fin réaliste du spectre mais toujours de la bande dessinée et poussés d'une manière amusante. Vous voulez aussi considérer à quel médium ça va être. Vous ne voulez peut-être pas que votre design soit super détaillé si vous le dessinez pour, disons, une animation ou même une bande dessinée parce que vous devrez le dessiner et encore et encore et en fonction de la taille d'impression de la bande dessinée, détails pourraient se perdre ou se sentir encombrée. Donc, vous voulez considérer ces choses. Donc je vais juste sauter dans mon idée pour ce personnage que je vais créer ou en fait des personnages. Je veux créer quelques personnages de cow-boy. En réalité, les cultures noires et latino sont en fait ce qui a essentiellement façonné la culture frontalière ou ce que nous considérons comme le Far West. Fait amusant, le mot « buckaroo » est en fait une corruption du mot espagnol « vaquero », qui signifie cow-boy. Alors, ouais, apprenez votre histoire, les amis. Je ne sais pas comment c'est dans d'autres pays, mais la plupart des cours d'histoire américains font qu'il est beaucoup moins intéressant et diversifié qu'il ne l'est en réalité. Donc, de toute façon, le fait est que beaucoup sinon la plupart des vrais cow-boys à l'époque étaient soit noirs, soit Latino. Donc, je voulais créer quelques personnages dans cette veine. Je ne suis pas un créateur de personnages professionnel. Je suis toujours vraiment juste un novice et amateur, mais j'ai beaucoup appris que je n'ai pas vu présenté de cette façon sur Skillshare donc j'essaie de combler ce vide essentiellement. Ce que je veux dire, c'est que je n'ai jamais vraiment travaillé sur un projet professionnel où l'histoire et les personnages sont déjà largement compris pour vous. Ce que j'aime faire c'est fondre mes personnages dans une sorte de projet fictionnalisé dans ma tête. Donc, je pense en quelque sorte à ces personnages que je vais créer comme les stars d'une bande dessinée ou d'une bande dessinée web. Je ne suis pas un écrivain, donc cette bande dessinée hypothétique ne sera probablement jamais faite à moins que je collabore avec quelqu'un, ce qui serait super amusant, mais peu importe, pour moi, cela aide à fondre mes personnages et une sorte d'idée comme ça. Donc, de toute façon, je commence par faire mes recherches. J' aime faire des tableaux Pinterest d'images que je vais utiliser pour m'inspirer. Dans ce cas, j'avais particulièrement besoin de référence de vêtements, donc j'en ai beaucoup ici. Mais je cherchais aussi des images avec beaucoup de personnalité et d' attitude parce que je veux que mes personnages aient beaucoup de personnalité et d'attitude. Même si vous pensez tout savoir sur une certaine période de temps, profession ou quoi que ce soit que vous dessinez, je vous encourage quand même à ne pas ignorer cette partie. Nous avons tellement de chance aujourd'hui avec Internet qu'il semble dommage de ne pas en profiter. Une sorte d'exemple que j'aime évoquer à l'appui de l'utilisation de référence est que vous savez comment dans beaucoup de peintures plus anciennes, les bébés ont souvent l'air vraiment bizarre ? Presque comme si ce n'était que de minuscules adultes nus et poilus. Eh bien, ma théorie est que c'est parce que les peintres n'ont pas eu beaucoup d'occasions d'étudier de vrais bébés, donc ils ne savaient pas comment les dessiner. Ne me cite pas là-dessus, mais je m'interroge à ce sujet. Donc, de toute façon, ce que j'aime faire ensuite est d'écrire quelques attributs simples soit directement sur le document sur lequel je travaille ou juste sur un papier qui est à côté de moi afin que je puisse y faire référence. Quand je conçois plus d'un personnage pour la même histoire, comme s'ils habitaient le même univers dans ma tête, j'aime essayer de trouver non seulement des personnalités contrastées , mais aussi des apparences contrastées puisque c'est un visuel moyen. Donc, d'après mes deux personnages, leurs noms provisoires sont Tobias ou Toby Greenwood et Manuel Castillo parce que c'est juste ce qui m'est venu et je les aime bien. La seule raison pour laquelle je dis des noms provisoires est que si je devais en faire une histoire, je voudrais faire des recherches plus approfondies et assurer que Tobias Greenwood est un nom que quelqu'un aurait effectivement à l'époque. Je ne vois pas pourquoi ça ne le serait pas, mais je ne sais pas. Qu' est-ce que je sais ? Je ne suis pas historien. Donc, ouais, si je devais en faire une histoire entièrement enrichie, je veux m'assurer de choses comme ça. Mais comme je ne fais pas ça, je dessine juste ces gars et essaie de se faire une idée de qui ils sont. Je ne ressens pas vraiment le besoin d'aller dans cette profondeur de recherche à ce stade. Les seules choses que je sais que je veux vraiment obtenir de l'exactitude sont le look, les vêtements et ce genre de choses, ce qui est la recherche que j'ai déjà faite, la recherche visuelle. Donc... je ne sais pas que leurs noms pourraient changer. Je vais probablement, à un moment donné faire des recherches et m'assurer que ces noms sont légitimes juste parce que je suis ce genre de complétiste et j'aime m'assurer que tout est aussi précis que possible quand je conçois surtout s'ils sont basés sur une période historique réelle. Les noms ont beaucoup de pouvoir dans une histoire. Ils donnent un certain sentiment à un personnage, donc j'aime au moins avoir une bonne idée de ce qu'ils seront. Harry Potter en est un parfait exemple. JK Rowling fait des choix très délibérés quand il s'agit des noms de ses personnages, ou du moins de ses personnages principaux. Par exemple, le premier qui vient à l'esprit est Draco Malfoy. Son nom vous donne vraiment une bonne idée de qui il est en tant que personnage, et Luna Lovegood est un autre bon exemple. Tu as une idée de ce qu'elle va être dès que tu entends son nom. Donc, ouais, en plus je pense juste que les noms sont vraiment amusants. Donc, je gagne aussi automatiquement une sorte d'affection pour les personnages que je crée une fois que je les nomme, donc je ne saute jamais ça. D' accord. Bref, j'ai pris une tangente et je suis désolé. De quoi je parlais ? Oh, je parlais d'apparences contrastées. Toby va être grand, mince et raide, tandis que Manuel sera plus court, plus trapu et large épaule. Le contraste entre les deux caractères les rendra automatiquement plus attrayants visuellement. Alors j'aime toujours la dynamique d'amitié du type charmeur sarcastique et le type exaspéré mais affectueux, plus sérieux. Alors c'est ce qu'ils seront. Je note toutes les qualités que je sais que je veux qu'ils possèdent. Récemment, j'ai trouvé que j'aime vraiment concevoir par paires parce que quelque chose qui me rend vraiment excité par ce que je fais est la relation de caractère ou dynamique. Pour le bien de cette classe, je vais vous emmener à travers le processus réel de conception d'un seul d'entre eux. D' accord. Maintenant que je vous ai arraché l'oreille, passons à l'étape 2. 6. Étape 2 : ébauches: Donc, une fois que j'ai compris qui est mon personnage, je commence par dessiner des croquis vraiment rugueux. Donc, au départ, j'aime essayer de comprendre la forme du corps, en pensant à la tête, torse et aux membres comme trois unités connectées, et en gardant les formes aussi simples que possible. Fondamentalement, je ne veux pas penser au corps en trop de parties si cela a du sens. Plus vous y pensez simplement, mieux c'est. Pendant que vous faites cela, souvenez-vous de vos formes contrastées. Cela s'applique à presque tous les styles de la bande dessinée super et poussé à la plus réaliste. peu près toute illustration que vous faites va impliquer au moins une certaine quantité de caricature et d'exagération. Mais juste pour le plaisir, si je concevais quelque chose dans un style plus cartoony, je pourrais explorer des formes de corps comme celui-ci qui sont beaucoup plus exagérées. Je sais que je veux que mes personnages soient majoritairement proportionnés, donc il n'y a pas une tonne de différenciation entre les formes de corps que j'explore, mais je trouve toujours l'étape très utile et cela ne m'a pris que quelques minutes pour les esquisser. Donc, je les considère comme des notes que je prends pour ma main. Ces dernières figurines que j'ai dessinées sont des idées pour mon second personnage et j'aimerais le faire quand je conçois par paires ou plus d'un personnage à la fois. J' aime dessiner différentes idées de forme de corps pour les deux personnages en même temps. Juste parce que c'est amusant de voir comment les personnages vont contraster les uns avec les autres, et cela me donne aussi plus d'idées sur la façon dont vous pouvez les faire différencier les uns des autres quand je les vois juste à côté de l'autre. Donc de toute façon, à ce stade, vous voulez explorer et faire cela, vous ne devez pas vous soucier des détails. J' avais l'habitude de sauter directement dans le dessin des détails et ce qui se passait, c'est je deviendrais vraiment précieux sur mes dessins initiaux et j'aurais du mal à explorer et à changer les choses. Je faisais aussi des erreurs de construction que je n'avais pas remarquées, puis je travaillais sur les détails et je réalisais que je devais le redessiner et j'ai perdu tout ce temps. Donc, vous ne voulez pas attacher votre design tout de suite parce que non seulement vous voulez vous assurer que votre construction est bonne avant de passer aux détails, mais vous ne voulez pas manquer l'occasion d'explorer et de jouer avec le placement de la fonctionnalité et voyez simplement ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Vous voulez vraiment essayer de ne pas être trop précieux à propos de vos dessins. Il peut être vraiment restrictif et si vous le gardez rugueux et lâche et amusant et pas stressant pour commencer, vous pouvez vraiment trouver quelques idées intéressantes. Pensez-y plus comme des griffonnages à ce stade. Donc, que vous vous sentez plus à l'aise vraiment essayer un tas de choses différentes. L' étape suivante, la phase de conception est quand vous commencez vraiment à dessiner. Une fois que j'ai une bonne idée de la forme globale de mon personnage, j'aime essayer un tas de différents visages et formes de tête. Je dessine encore assez grossièrement pour toutes les mêmes raisons que celles que j'ai faites avant. Je suis toujours en train de trouver des choses. Donc, je veux vraiment m'assurer que je suis satisfait mon design avant de commencer à l'épingler plus bas. J' ai une assez bonne idée de ce à quoi ressemble Toby, je sais que je veux qu'il ait l'air d'être quelque part à la fin de la vingtaine au début de la trentaine. Donc, j'essayais d'arranger ça ici parce que certains de mes premiers croquis étaient un peu trop jeunes, comme si le gars de droite avait l'air d'un adolescent. Donc, je le tiens un peu plus et lui ai donné un peu plus d'angles pour essayer de le vieillir un peu. Aussi ce chapeau n'est pas génial, il a besoin d'être réparé. Je dois regarder une référence pour ça plus tard, mais je ne m'inquiète pas pour l'instant. C' est pour ça que cette partie du processus sert, pour moi, trouver des choses comme ça et à essayer différentes choses pour voir ce que je peux faire pour que les personnages ressemblent plus à ce à quoi j'essaie de les faire ressembler. Donc, cela m'a donné une assez bonne idée de la direction que je veux suivre avec lui. Donc, je pense que je suis prêt à passer à l'étape 3. 7. Étape 3 : conception: La troisième étape est le moment où je commence vraiment à aborder les détails. Je commence généralement par continuer à travailler sur les traits du visage et essayer de vraiment les épingler vers le bas. Parfois, je commence par une expression assez neutre et une fois que j'ai compris cela, je la dessine à nouveau avec un peu plus de personnalité et d'attitude. Tobi est sarcastique et charmeur. Donc, je pense à tout ça alors que je crée ses expressions. En parlant d'expressions, je prévois de consacrer le futur cours de crash aux expressions, sorte qu'il sera organisé cette année. Je ne sais pas exactement quel est mon calendrier de planification pour cela, mais ce sera un jour cette année. Je pourrais finir par lui faire un peu plus de dessins animés dans les dessins finaux. Mais peu importe, je sais que je ne veux pas rendre son design super exagéré et super cartoony. J' ai une bonne compréhension de ses caractéristiques maintenant. Donc, maintenant, je vais passer à le poser et à trouver ses vêtements et toutes ces bonnes choses. Pour moi, c'est la partie difficile. J' aime dessiner des visages, donc je les dessine tout le temps mais je ne m'entraîne pas assez à dessiner des figures, donc j'ai toujours du mal à poser. J' ai besoin de m'entraîner à dessiner des figures plus. J' adorerais arriver à un point où je peux dessiner corps complets aussi facilement que je peux dessiner des visages mais je ne suis pas encore là. Je ne suis pas non plus bon pour dessiner des vêtements donc j'utilise toujours la référence pour cela. Par exemple, vous verrez que je vais m'inspirer beaucoup de cette photo, en particulier la tenue de ce type. Je pensais juste que c'était vraiment cool et a beaucoup de caractère. J' aime aussi vraiment comment ce gars au milieu, cette photo, comment son chapeau est assis sur sa tête. Donc, je joue avec ces idées dans mon design. Juste pour que vous sachiez, j'ai une référence sur l'écran de mon ordinateur portable pendant que je travaille sur mon iPad Pro. Un de mes élèves de ma dernière classe sur le dessin personnages d' animaux m'a dit que j'avais l'air facile, mais ce n'était pas facile. J' ai lutté. Je ne suis pas venu sur mes dessins tout de suite. Il y avait du travail. J'ai dû travailler pour arriver à mes dessins finaux. Donc, c'était intéressant d'entendre que j'ai rendu ça facile apparemment parce que ce n'était pas facile. Chaque fois que je fais quelque chose dont je suis fier, c'est presque toujours une difficulté pour y arriver surtout avec le design de personnages parce que je ne le fais pas tout le temps. Donc, oui, c'est intéressant qu'ils aient dit que j'avais l'air facile parce que ce n'était vraiment pas le cas. Donc, même si je vous montre tout le processus et que je vous montre les dessins finaux, je ne vous le montre pas en temps réel et cela a pris beaucoup plus de temps que ce que cela peut paraître dans ces vidéos. Lorsque vous regardez d'autres personnes, lorsque vous regardez d'autres artistes travailler ou que vous voyez d'autres artistes travailler, vous devez vous rappeler que vous ne voyez pas le processus, vous ne voyez pas le processus complet, vous n'êtes pas vu tout le temps qu'il a fallu pour arriver à ce point. Je ne veux pas dire tout le temps, les heures que vous avez passées sur ce design, je veux dire toute la pratique et tout le dévouement que chaque artiste met dans son métier. Vous ne voyez pas cela, mais chaque artiste dessine et pratique ou chaque bon artiste qui est arrivé à un point que vous admirez, ils mettent du travail dans. Ils ont mis tellement de travail, et vous ne le voyez pas. Tu n'es pas là pour tout ça. Donc, vous devez essayer de vous rappeler que vous ne pouvez pas vous comparer à quelqu'un qui a probablement pratiqué beaucoup plus que vous n'avez et qui a probablement consacré beaucoup plus de temps que vous n'avez. Ensuite, il y a aussi le fait que les gens tout droit s' améliorent à différentes vitesses et que vous devez vous laisser du temps. Coupez-vous un peu de mou parce que vous êtes définitivement en train d'améliorer. n'est pas parce que tu ne t'améliores pas à la vitesse de quelqu'un d'autre que ça veut dire que tu ne t'améliores pas. Donc, si c'est quelque chose que vous aimez faire, ne vous laissez pas décourager par le talent des autres. Faites attention à ce que vous faites et essayez d' apprécier l'amélioration que vous avez faite. Je sais que c'est vraiment difficile de ne pas se comparer à d'autres artistes. Je le sais, si bien. Je le fais toujours tout le temps. Donc, je comprends, ce n'est pas aussi facile que de claquer les doigts et de le faire ainsi. Mais, vous devez essayer d'avoir une perspective et essayer de vous rappeler que vous n'allez pas voir tout le processus de quelqu'un. Lois H. The Lois Van Barle, j'ai mentionné dans la diapositive d'inspiration et de référence que j'ai faite, elle a fait cette expérience où elle a dessiné le même dessin de base une fois par an pendant, je ne sais pas, cinq à dix ans ou quelque chose du genre. Et en gros, elle voulait voir quelle était son amélioration sur le même dessin. Elle dessine tous les jours, presque tous les jours, elle dessine tellement tout le temps. Elle est juste, elle s'y consacre, elle s'y consacre vraiment. Et ça se montre parce que son travail est incroyable. C' était vraiment merveilleux de voir ça parce que de voir son travail précoce, pour être franc, ce n'était pas génial. Ce n'était vraiment pas le cas. C' était un artiste débutant. C' était un artiste très débutant. Et voir la grande quantité d' améliorations qu'elle a apportées au cours de cette période était vraiment encourageante. J' ai réalisé que c'était un ouvre-œil pour moi parce que j'ai réalisé  : « Oh, voici la preuve physique. Voici la preuve que cet artiste étonnant que j'admire tant... Elle n'a pas toujours été aussi bonne et elle y est arrivée parce qu'elle a travaillé très dur. » Elle est arrivée au point où elle est parce qu'elle y a consacré tant de temps et de dévouement. C' était encourageant pour moi personnellement parce que c'était comme  : « Oh, mon niveau de compétence est à environ la quatrième année. » Peu importe. Mais c'était comme, « Wow, regarde ça. J' ai juste besoin de travailler. J' ai besoin de m'y consacrer. » Je ne vais pas être un meilleur artiste si je ne mets pas le travail dedans. n'y a aucune raison pour que je ne m'améliore pas si je mettais le travail. Elle l'a fait et elle est incroyable et c'est une artiste incroyable. C' était juste une chose si agréable à voir. Donc, je veux juste que tu essaies de te souvenir de ça. Essayez de vous rappeler que vous ne voyez pas les heures que les gens consacrent, les années que les gens consacrent à devenir de meilleurs artistes. Ça peut être tellement frustrant parce que tu veux juste être bon. Je comprends que vous vouliez être meilleur que vous ne l'êtes immédiatement. Tu veux la gratification instantanée mais tu ne l' auras pas, tu ne le feras pas, sauf si tu es un prodige, et tu ne l'es probablement pas. Alors, sois facile avec toi-même. Laissez-vous pratiquer. Laissez-vous améliorer à votre propre rythme et à votre propre rythme et essayez ne pas vous comparer à d'autres personnes qui sont probablement à la dixième année quand vous êtes à la première année. Quelque chose qui fonctionne pour moi est de faire un sous-dessin, puis abaisser l'opacité, ajouter un calque et faire un autre dessin rugueux sur le dessus mais cette fois essayer de pousser la stylisation du personnage un peu plus ou vous peut juste dessiner votre design poussé sur le côté comme je l'ai fait ici. Je le fais autant de fois que j'en ai besoin jusqu'à ce que j'atteigne un point qui me satisfait. Pousser votre design signifie simplement l'exagérer de plus en plus. J' ai une mauvaise habitude de trop travailler mes dessins parfois avant de vraiment clouer la construction, ce qui est arrivé avec la première version que j'ai dessinée de lui. Je savais que je n'étais pas satisfait du design en le dessinant, donc je n'aurais pas dû travailler autant sur les détails et perdre du temps. Mais, je choisis de le considérer comme une expérience d'apprentissage. Je pense que la version finale sur laquelle j'ai atterri correspond à l'idée originale de la forme du corps que j'avais pour lui beaucoup mieux. Donc, j'y suis finalement arrivé. J' ai beaucoup foiré avec le positionnement de son bras, parce qu'au début, j'ai senti qu'il était poussé un peu trop loin vers la gauche, donc je l'ai poussé un peu vers la droite pour qu'il y ait un bel espace libre entre son dos et son bras, ce triangle d'espace est un bel espace négatif ouvert. Puis, j'ai réalisé que sa main créait une tangente avec sa jambe, et la hanche, et tout, et je n'aimais pas vraiment comment ceux alignés, alors j'ai fait son avant-bras juste un peu plus longtemps pour que la main bouge un peu plus devant sa hanche. Cela a enlevé ce problème pour la plupart, mais ensuite j'ai réalisé que sa main était un peu trop petite. Ses deux mains semblent un peu petites, donc j'ai retravaillé ça aussi. Vous avez peut-être remarqué que je continue de retourner la toile sur laquelle je travaille horizontalement. Je le fais parce que ça fait vraiment ressortir les erreurs. Si je peux faire en sorte que le dessin soit bien retourné dans les deux sens, ce sera un dessin beaucoup plus fort. C' est bizarre que les choses que vous n'avez pas remarquées se démarquent vraiment lorsqu'elles sont retournées dans la direction opposée. J' utilise Procreate sur l'iPad Pro ici, et pour ce faire, vous devez juste vous assurer que vous êtes sur le calque droit, puis appuyez sur la petite flèche de sélection en haut à gauche de la barre de menus, puis appuyez simplement sur ce petit symbole vers le bas ici, et cela le renverse horizontalement. Mais sur Photoshop, vous appuyez sur Commande ou Contrôle T sur votre clavier pour transformer, puis sur la barre en haut, il y a un W pour la largeur. Si vous mettez juste un signe moins devant le 100 pour cent, il retournera ce que vous êtes sélectionné, et vous ajoutez simplement un signe moins à nouveau à l'arrière. Lorsque vous construisez votre personnage, assurez-vous de dessiner après vos formes afin que tout soit bien aligné. Il peut vous donner comme un sentiment d'écoulement et tout se sent connecté. Vous voulez que l'anatomie se sente bien et se sente connectée, et dessiner à travers vos formes aide vraiment à cela. Vous pouvez toujours effacer les lignes dont vous n'avez pas besoin plus tard. Donc, par exemple, avec le chapeau de Tobias, je savais qu'il allait avoir un chapeau, mais j'ai dessiné sa tête, même si je savais que j'allais lui mettre un chapeau. Parce que je voulais m'assurer que le chapeau allait bien reposer sur sa tête. C' est là que j'ai dessiné ce cercle pour indiquer le crâne, donc le chapeau est bien assis. J' ai juste fait ça tout au long de son corps pour essayer de rapprocher les choses. J' ai connecté ses épaules, suis assuré qu'elles s'alignent, et c'est juste toutes sortes de choses comme ça. Je suis toujours en train de trouver mon style de bande dessinée, si vous voulez. J' ai tellement d'influences et il y a tellement de styles différents que j'admire vraiment, et je ne peux pas en choisir un que je veux imiter plus. Je ne veux pas imiter un seul style, parce que je ne veux pas trop copier quelqu'un, mais je n'ai toujours pas été capable de quelque chose que je veux explorer. Donc, j'essaie juste un tas de choses différentes. Cette fois, je suis définitivement allé avec une autre sorte de look Disney. Je veux dire, son corps est un peu plus exagéré, mais le visage et ça a une sorte d'esprit Disney classique. Je n'allais pas forcément pour ça, mais c'est comme ça que ça a fini, ce qui est très bien. J' adore tous les styles et tout ça. Je dis juste cela parce que je suis toujours vraiment un débutant et un concepteur de personnages intermédiaire. Je travaille toujours vraiment à affiner mon style, trouver qui je suis en tant qu'artiste de caractère. Je vous le dis parce que je veux que vous vous sentiez encouragé par le fait que, vous pouvez regarder cela et penser que je suis vraiment habile, ou je ne sais pas, peut-être pas, mais, selon l'endroit où vous êtes dans votre parcours artistique si vous voulez vous pouvez regarder cela et penser que j'ai beaucoup d'habileté et que je suis bien en avance sur vous ou quoi que ce soit. Mais, je veux juste que vous sachiez que je travaille toujours très dur pour trouver qui je suis en tant qu'artiste, tant qu'artiste de caractère spécifiquement, trouver où exactement je veux aller mon style. Je suis toujours en train d'expérimenter. Je veux vraiment arriver à un point où quelqu'un peut peut-être reconnaître que c'est mon travail, ou que c'est au moins le travail d'une personne, de la même personne. En ce moment, j'ai l'impression que mes dessins sont partout et c'est comme, oh, wow, tu as dessiné ça, et tu as dessiné ça ? Mais c'est juste parce que j' explore toujours différents styles et ce que j'aime et n'aime pas. C' est bon de le faire. Sauf si vous tombez dans un style que vous aimez tout de suite. C'est aussi bon. S' il y a quelque chose qui vous attire et que ça marche pour vous dès le départ, c'est cool. Mais ça n'arrive pas pour tout le monde. Donc, je voulais juste en parler un peu. Si vous concevez pour quelque chose comme une bande dessinée ou une animation, où vous devrez vraiment comprendre le langage de forme de votre personnage afin que vous puissiez les redessiner encore et encore, faisant une panne de construction de modèle, autrement connu sous le nom de feuille de modèle, est une très bonne idée. Vous voulez que la construction et la forme de votre personnage s'enracinent. Selon le projet, cette feuille de modèle pourrait inclure un traitement complet. Un retournement consiste en une vue de face, trois quarts avant, trois quarts arrière, et une vue arrière droite du personnage. J' ai l'intention de consacrer tout un cours de crash aux tours et à toutes les astuces que j'ai ramassées pour les créer, donc je ne vais pas le démontrer ici. Mais je voulais juste mentionner que si vous voulez travailler dans l'industrie de l'animation, c'est un ensemble de compétences que vous devez apprendre. Il y a beaucoup de super, tutoriels déjà là-bas si c'est quelque chose que vous voulez essayer de ramasser en ce moment. Donc, voici ma conception finale avec des travaux de ligne nettoyés, et je vais parler plus du travail en ligne dans la prochaine vidéo. 8. Étape 4 : nettoyage et couleur: Je ne vais pas entrer dans une tonne de détails sur la façon dont j'ai rendu ce dessin, comme je l'ai fait avec mes personnages d'animaux lors de mon précédent cours de crash, parce que je ne veux pas être répétitif. J' ai une autre classe qui se concentre entièrement sur la peinture numérique des portraits. J' ai utilisé beaucoup des mêmes techniques sur ce dessin que j'ai utilisées dans ces deux classes, donc vous pouvez les vérifier si vous êtes intéressé. Au lieu de cela, je vais faire une démonstration rapide et simple couleur plate, ainsi que partager quelques conseils pour le nettoyage du revêtement. Je crois comprendre que les concepteurs de personnages travaillant dans l'industrie, ne sont souvent pas censés colorer leur travail, parce que les entreprises ont généralement des gens qui se spécialisent dans la coloration. Bien sûr, c'est toujours un grand ensemble de compétences à avoir mais si vous voulez vous spécialiser dans le design de personnages, vous n'avez pas nécessairement besoin d'être un maître en couleur. Avec cela à l'esprit, je voulais partager une coloration rapide, facile et efficace, et une technique d'ombrage. Vous pouvez faire cette étape traditionnellement avec une planche légère si vous le souhaitez. Mais par souci de facilité, je vais le démontrer numériquement. Lorsque j'ai atteint l'étape de nettoyage, je continuerai généralement à travailler sur n'importe quel programme que j'utilise, généralement Photoshop ou Procreate. Je vais réduire l'opacité de mon esquisse rugueuse, créer un nouveau calque et dessiner au-dessus du dessus. Bien sûr, tout dépend de votre style et de la propreté que vous aimez votre travail ou combien vous aimez la texture du pinceau à montrer. Tu veux une ligne pleine, une ligne conique, une ligne croquante ? Pour mon dessin de Toby, je voulais la qualité de crayon du pinceau que j'utilisais pour montrer à travers la marque de trait. Je ne voulais pas qu'il soit super propre ou pointu, parce que, tout d'abord, j'aime ce style dessiné à la main et traditionnel. Deuxièmement, je savais que je voulais que la couleur ait une qualité picturale et je voulais que la marque de ligne lui corresponde. Quand je fais la marque de ligne, surtout si c'est une ligne super propre et audacieuse comme celle-ci, j'aime dessiner chaque ligne rapidement et je ne m' inquiète pas de passer là où se termine l'esquisse rugueuse. Je trouve que je peux rendre les lignes beaucoup plus propres et moins instables quand je fais des coups rapides comme ça. Je ne m'inquiète pas du traçage parfait parce que je peux toujours effacer les bits qui croisent plus tard. Bien sûr, cela ne fonctionne vraiment qu'avec l'art numérique. Vous devez être un peu plus prudent avec traditionnel. Mais je trouve aussi plus facile de contrôler mes lignes précisément quand je dessine traditionnellement. Quoi qu'il en soit, j'essaie de ne pas être trop précieux sur la perfection de mes lignes, parce que souvent vous ne remarquerez pas les imperfections plus tard. Mais parfois, je dois encore tracer des lignes encore et encore une tonne de fois avant de le faire correctement. n'y a pas de vraie technique à cela, il faut juste de la pratique. Plus vous le faites, plus il sera facile. Maintenant, je suis en train d'effacer tous les morceaux inutiles. Vous voulez vous assurer que l'épaisseur de vos lignes est cohérente. Même avec une ligne conique, les points les plus épais des lignes devraient correspondre et ils devraient tous se rétrécir de la même manière. Ici, j'ai remarqué que la ligne était un peu mince, donc je l'ai épaissie. Lorsque vous choisissez des couleurs, pensez à l'histoire, l'humeur et au réglage que vous essayez de représenter. Pour ce personnage, j'ai choisi des pastels sophistiqués et tendance et les ai contrastés avec un couple de verts amusants plus brillants, parce qu'elle semble être une dame amusante et sophistiquée. Pour mon dessin de Toby et Manuel, j'ai choisi une palette de couleurs plus sourdes avec beaucoup de nuances marron et orange, parce que je pensais au Vieux-Ouest et je voulais les couleurs que j'ai choisies pour refléter cela. n'y a rien de fantaisie dans mon travail de coloriage ici. En gros, j'ai juste choisi un pinceau de texture et mis quelques couleurs plates. Une culture que j'ai ramassé pour créer rapidement des joues roses, est de faire une nouvelle couche, dessiner des triangles sur les joues, puis les flouter. Dans Procreate, vous cliquez sur le petit symbole magique dans la barre de menu supérieure gauche, puis cliquez sur « Flou gaussien » et faites glisser votre styliste vers la droite et la gauche pour ajuster le pourcentage de flou. Dans Photoshop, vous allez dans Filtre, Flou, Flou gaussien, ajustez le pourcentage avec le curseur et appuyez sur « Entrée ». Vous pouvez également essayer de dessiner un cercle sur le nez avec les triangles et de les flouter tous les trois. Mais je ne pensais pas que ce dessin en avait vraiment besoin, donc je n'ai pas pris la peine. Je pense juste que c'est une façon vraiment cool d'obtenir une très belle, belle joue rose sans soucier de choisir un pinceau de texture douce et de le perfectionner. Ça a fonctionné à chaque fois pour moi et je pense que c'est vraiment cool. Il y a un million et une façons d'ombrager votre couleur. Mais un moyen rapide et facile de le faire est de dupliquer votre calque de couleur , puis d'utiliser la saturation de teinte pour ajuster ce calque de couleur dupliqué. Il existe plusieurs façons différentes d'appliquer la saturation de la teinte. abord, vous pouvez aller aux réglages de l'image, la saturation de la teinte ou vous pouvez monter ou juste au-dessus du panneau des calques pour trouver la saturation de la teinte et l'appliquer. Ou ma façon préférée est de m'assurer que vous sélectionnez sur le calque que vous souhaitez effectuer, et descendez à ce petit cercle sur le même panneau où se trouve le nouveau bouton de calque et sélectionnez Teinte Saturation. Il crée un calque de masque de saturation de teinte au-dessus du calque que vous souhaitez appliquer. Si vous voulez seulement l'appliquer au calque ci-dessous, tout ce que vous avez à faire est de placer votre curseur entre ces deux calques et de maintenir la touche Alt ou Option enfoncée, et une petite flèche apparaît et cliquez dessus. Ensuite, il ne s'appliquera qu'à cette couche en dessous. Dans les propriétés, j'ajuste généralement la teinte à une couleur plus violette ou bleue. La légèreté, je l'amène assez loin et la rend assez sombre. Ensuite, je prends toute l'opacité de la couche vers le bas à quelque part dans les années 20 ou 30 pour cent et cela crée juste une très belle version ombragée sur le dessus de votre version légère. Les couleurs de l'abat-jour sont un peu bleues et un peu violettes, ce qui les rend un peu moins boueuses. Si tu essayais d'entrer avec des noirs, des gris, ça n'aurait pas l'air très bien. C' est juste un bon moyen rapide de trouver des couleurs fraîches qui fonctionneront pour ombrager votre dessin et il le fait automatiquement pour toutes les couleurs différentes pour vous. Ensuite, vous pouvez cliquer sur le masque et à l'aide de votre outil de brosse, le noir efface essentiellement, l'ombrage sombre tandis que les couleurs blanches sont assombries. Vous pouvez simplement l'ajuster simplement en basculant entre le blanc et le noir. Par exemple, ici, j'ai changé la couleur de ma brosse en blanc et coloré l'ombrage de nouveau. La plupart du temps, j'utilise simplement du noir pour effacer le calque d'ombrage, sorte que le calque original plus lumineux puisse apparaître à travers. Voici un autre exemple de moi utilisant cette technique, mais j'ai gardé beaucoup plus d'ombrage là-dedans. C' est une façon simple de trouver superbes couleurs d'ombrage et de rendre votre illustration beaucoup plus attrayante. Un moyen plus rapide et facile d'ajouter de l'attrait à votre dessin, est d'ajouter un dégradé à vos couleurs plates. J' ai déjà ajouté un dégradé sur le gris du pantalon. Comme vous pouvez le voir, c'est un gris plat et puis j'ai ajouté un violet foncé très subtil sur le dessus. Pour vous montrer comment j'ai fait ça, tout d' abord, j'ai toutes mes couleurs sur différentes couches. J' ai la couleur du pantalon sur une couche et la couleur de la chemise sur une autre. Assurez-vous que vous êtes sur le bon calque, puis saisissez l'outil magique et sélectionnez la pièce que vous souhaitez colorier. Dans mon cas, la chemise. Je l'ai fait pour que le gradient que je vais appliquer ne couvre que la chemise et pas le reste de la toile. Créez un nouveau calque sur le dessus. Accédez à l'outil Peau de peinture et cliquez longuement pour que le menu déroulant s'affiche, puis sélectionnez l'outil Dégradé. Je n'ai pas sélectionné sur une couleur à un dégradé transparent, sorte qu'il passera d'une couleur à aucune couleur plutôt qu'une couleur à une autre couleur. Quoi qu'il en soit, j'ai déjà un joli violet sélectionné, donc je vais juste garder ça. Ensuite, tout ce que vous faites est juste de cliquer et de faire glisser vers le haut. Je pense que ça a l'air plutôt sympa. Désélectionnez votre sélection en appuyant sur « Commande D » et réduisez un peu l'opacité. Ici, c'est sans les gradients, et ici c'est avec eux. 9. Dernières réflexions: Votre projet est, naturellement, de concevoir un personnage de votre choix. Cependant, tout ce que j'aimerais voir pour commencer, c'est votre concept. Comme première étape à basse pression, il suffit de publier l'histoire et la personnalité du personnage que vous souhaitez créer, donc l'étape 1, essentiellement. Ensuite, vous pouvez mettre à jour votre projet à mesure que vous progressez. J' appelle cette série Character Design Crash Course parce que ces classes ne font que gratter la surface de ce que vous pouvez apprendre quand il s'agit de la conception de personnages. Par conséquent, cours de crash. Si vous voulez en savoir plus, je vous recommande fortement de consulter les classes de conception de personnages de Schoolism.com. Personnellement, j'ai pris la classe de Daniel Arriaga, Personnages pour le film d'animation, et les cours de Stephen Silver, Fondements de la conception de caractères et Advanced Character Design, et j'ai trouvé tous les trois inestimables sources d'apprentissage. J' ai aussi récemment découvert l'art d'Aaron Blaise, qui a de très grands tutoriels et cours sur le design de personnages, le dessin et l'animation. J' ai lié à tous ces éléments sous l'onglet Votre projet. Cela dit, je vais continuer à produire cours de création de personnages ici sur Skillshare qui couvriront un large éventail de sujets spécifiques, tous liés à la conception de personnages. Si vous avez apprécié ce cours et que vous voulez rester au courant de ce que je publie, assurez-vous d'appuyer sur le bouton Suivre et vous serez le premier à savoir quand chaque nouveau cours de crash est lancé. Vous pouvez également me suivre sur Instagram @melissaleedesign pour voir mes derniers travaux en cours. Si vous vous sentez coincé, n'oubliez pas que la pratique et la persistance sont la clé de l'amélioration. Mais rappelez-vous aussi d'être doux avec vous-même. Vous ne verrez probablement pas d'amélioration immédiatement, et c'est bon. Apprenez à embrasser vos mauvais dessins parce qu'ils ne vous conduisent qu'à de meilleurs dessins à l'avenir. Sur cette note, je vous souhaite bonne chance et comme toujours, j'ai hâte de voir quels personnages vous créez. Prenez soin de vous et à la prochaine fois.