Conception d'un personnage conforme à une histoire

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Hayden Aube, et je suis illustrateur et graphiste. Quelque chose que j'essaie toujours de faire dans la création de ces classes est de trouver les actions qui vont produire les plus gros résultats. Vous pouvez penser qu'il obtient un grand retour sur investissement sur ce temps que vous passez à apprendre. Donc, en ce qui concerne la conception de personnages, quelque chose que beaucoup d'entre vous ont demandé, j'ai vraiment dû m'arrêter et réfléchir à ce qui serait la seule chose qui ferait la plus grande différence quand il s'agissait de créer des personnages. J' ai passé beaucoup de temps à chercher, explorer, parler à d'autres artistes, j'ai même créé une expérience de dessin qui était en fait assez amusante et je pense que j'ai une très bonne réponse pour vous les gars. Donc, plutôt que de vous montrer les écrous de dessiner un personnage, je vais vous montrer ce que je crois être la partie la plus importante de la conception d'un personnage, qui est le concept. Alors ensemble, nous allons plonger en profondeur dans raison pour laquelle le concept est si important lorsque vous créez un personnage. Pour ce faire, nous allons regarder le travail d' autres artistes et essayer de distinguer pourquoi ils font certaines des choses qu'ils font et ensuite nous allons aussi regarder l' expérience que j'ai créée et voir quel genre de résultats nous pouvons tirer à partir de ça. Pour les nombreux d'entre vous qui ont participé à l'expérience, ne soyez pas surpris si vous voyez vos dessins. Donc, une fois que nous aurons établi pourquoi l'histoire est si importante pour la conception de personnages, je vais vous montrer quelques façons simples mais vraiment efficaces de l' ajouter à vos personnages et puis une fois que vous serez à l'aise, je vais vous montrer comment vous pouvez tout aussi facilement appliquer cette technique à tout ce qui n'est pas un personnage. Cela signifie des objets, des véhicules, des environnements, des conceptions, n'importe quoi. À la fin de cette classe, vous allez non seulement comprendre l'une des parties les plus importantes de la création d'un personnage, mais vous aurez des techniques efficaces pour le faire vous-même. Donc, quel que soit le logiciel que vous utilisez ou l'expérience que vous pouvez avoir, si vous avez un intérêt à faire des personnages attrayants qui sont amusants à faire, alors cette classe est faite pour vous. J'espère vous y voir. 2. Pourquoi une histoire: Avant de développer l'histoire de nos personnages, il est important que nous nous demandions, pourquoi est-ce nécessaire ? Si vous regardez assez longtemps n'importe quelle école d'illustration accréditée, quelque chose pour l'art conceptuel, pour l'animation, vous verrez qu'il n'y a pas seulement un accent sur les compétences réelles de dessin technique, mais aussi sur la pensée qui va derrière elle. C' est même derrière le nom concept art. Vous pouvez penser que artistes conceptuels travaillent sur des films et des jeux vidéo, et bien sûr, ils doivent vraiment réfléchir, mais comment cela s'applique-t-il à ce que je fais ? Je vous assure que si l'étendue de votre design de personnage est juste dans les logos ou les icônes, il est toujours très bénéfique pour vous d'apprendre à créer l'histoire d'un personnage. En fait, je pense que les concepteurs comprendraient plus que quiconque l'idée que la forme suit la fonction. Pour explorer les avantages de l'histoire, j'ai mené une petite expérience de dessin au cours de laquelle j' ai demandé aux participants de dessiner deux pirates à cinq minutes chacun. Pour le premier dessin, le bref était assez simple, dessiner un pirate. Mais pour le deuxième dessin, ils ont d'abord dû lire quelques paragraphes expliquant la personnalité et l'expérience de ce pirate. Plutôt que de dessiner un pirate générique, les gens dessinaient maintenant Edgar Bushybrows, un pirate bloqué sur l'île qui passe son temps à courir des crabes, dévorer des noix de coco et à repousser tout projet d'échapper à son île. Lorsque nous comparons les premier et deuxième dessins, nous voyons des choses assez intéressantes. Tout d'abord, sans même demander, beaucoup de gens introduisent des scènes dans les dessins. La décision que ce personnage est coincé sur une île était suffisante pour que beaucoup de participants incluent l'île dans leur dessin. Je pense qu'il va sans dire qu'un personnage et un environnement sont beaucoup plus intéressants qu'un personnage flottant dans l'espace. Sur la même note, beaucoup de gens ont inclus des objets et des symboles dans la pièce en fonction des informations fournies. Nous avions des taches oculaires en forme de cœur pour faire allusion à sa nature calme, châteaux de sable pour montrer comment il pourrait passer son temps libre, et beaucoup de crabes et de noix de coco pour illustrer quelques-unes des parties préférées de sa vie insulaire. Tout comme pour l'environnement, ces éléments soutiennent la pièce et ajoutent naturellement plus d'intérêt. Nous avons aussi eu une variété de poses. Quand je viens de demander un pirate, la plupart de ce que je reçois est un personnage debout au même endroit. Mais quand j'ajoute une histoire, tout à coup je reçois toutes sortes de poses d'action qui nous disent un peu de qui est ce personnage, assis sur la plage, aller à la pêche, construire un château de sable, tout cela est beaucoup plus intéressant visuels que de rester immobile. Enfin, et ce que je pense le plus important, est dans le deuxième dessin, nous voyons une rupture du moule pirate. Quand la plupart des gens pensent pirate, ils pensent en termes très génériques ; les yeux patch, la jambe de cheville, la colère. Bien que ces éléments apparaissent toujours dans la plupart des deuxièmes dessins, ce n'est pas tout ce qui existe. Nous voyons des pirates heureux, des pirates tristes, des pirates gras, des pirates nus borderline, même un pirate d'oiseaux. Si vous voulez en savoir plus sur cette expérience, une écriture plus approfondie peut être trouvée dans la description de la classe. L' un des plus grands pièges pour dessiner un personnage aussi emblématique, c'est que nous avons déjà toutes ces idées sur ce qu'il va ressembler avant même de commencer. des chances que quelqu'un voit votre dessin ait les mêmes idées. En créant de nouvelles décisions sur un personnage avant même de commencer à dessiner, nous pouvons remplacer cette valeur par défaut et créer quelque chose qui est beaucoup plus intéressant à faire et à regarder. 3. Questions, questions, questions: Il est donc clair que l'ajout d'un récit à nos personnages est une bonne idée. Mais comment devrions-nous faire ça ? Eh bien, en fait, c'est assez simple. Rappelez-vous que nous avons cette image par défaut de ce à quoi ressemble un perroquet avant même de le dessiner. Eh bien, imaginez que vous avez ce défaut pour à peu près tout. Qu' imaginez-vous quand vous pensez à un extraterrestre, un robot, ou même un réfrigérateur ? A moins que vous n'ayez jamais entendu parler de ces choses, il y a des chances que vous ayez une image immédiate dans votre tête de ce qu'elles sont. À moins qu'on ne mette un peu de travail, cette image immédiate sera l'apparence que vous dessinez. Alors, comment pouvons-nous remplacer cette valeur par défaut ? Eh bien, si nous regardons l'expérience de dessin, nous pouvons voir qu'en créant de nouvelles décisions avant même de commencer à dessiner, nous pouvons remplacer cette image et créer quelque chose de nouveau. Quelle est la meilleure façon de prendre de nouvelles décisions sur un personnage ? Eh bien, ça pose des questions. C' est là que la polyvalence de cette technique vient vraiment à jouer. Comme vous pouvez poser n'importe quelle question de votre personnage, et il va influencer la façon dont il se trouve. Disons que je dessine un chevalier, et que je me suis demandé s'il est un bon chevalier ? Non. Peut-être qu'il est vraiment mauvais, et donc je veux mettre un tas de bosses dans son bras, je vais montrer qu'il continue de se faire frapper. Pourquoi n'est-il pas une bonne nuit ? Il n'aime pas se battre. Donc je pourrais faire allusion à ça en mettant un grand signe comme P sur son bouclier ou sur sa cape ou quelque chose comme ça. S' il n'aime pas se battre, pourquoi il est toujours chevalier ? Peut-être qu'il est vraiment, vraiment gros. Ainsi, vous pouvez voir que plus vous allez loin avec cela, plus votre personnage devient développé, intéressant et différent. Ce qui est génial à ce sujet aussi, c'est que cela rend le processus de rendre un personnage beaucoup plus amusant. Vous posez des questions, vous êtes vraiment investi dans elle, et vous constaterez que lorsque vous êtes vraiment investi dans votre personnage, non seulement vous passez un bon moment, mais ensuite les gens qui vont le voir vont obtenir investi dans elle aussi. Donc, comme je l'ai dit, vous pouvez poser n'importe quoi, et je vous encourage à vous amuser beaucoup avec ces questions. Mais si jamais vous avez des doutes, comme pour n'importe quelle pratique de narration, vous pouvez revenir aux 5W. Alors, qui. Quel est le nom de ce personnage ? Quel âge ont-ils ? Quel est leur travail ? Sont-ils humains, sont-ils un animal, l'étranger d'un pays lointain, quoi ? Qu' est-ce qu'ils font en ce moment ? Qu' est-ce qu'ils aiment ? Qu' est-ce qu'ils n'aiment pas ? Quels sont leurs rêves ? Quelles sont leurs craintes ? Qu' est-ce qui les motive ? Alors où. Où sont-ils ? Où étaient-ils ? Où vont-ils être ? Où étaient-ils ? Où préféreraient-ils être ? Quand. C'est quelle heure de la journée ? C' est quelle année ? Quelle est la saison ? C' est un jour férié ? Pourquoi ? Pourquoi le personnage est-il dans cette situation ? Pourquoi ils font ce qu'ils font ? Pourquoi ils ne font pas autre chose ? Pourquoi craignent-ils ce qu'ils craignent ? Donc, si jamais vous êtes coincé, j'ai joint un PDF de grandes questions à poser dans la section des ressources de cette classe qui a ces et beaucoup d'autres. Commencez à penser à la conception de caractères comme la résolution de problèmes, où vous créez à la fois le problème et la réponse. Chaque fois que vous venez avec une nouvelle décision sur votre personnage, ça crée le problème de, ok, comment vais-je faire passer ça visuellement ? Alors, comment allez-vous illustrer que votre personnage sent mauvais ou est allergique aux chats ou aime les spaghettis. C' est une partie vraiment amusante du dessin est que vous arrivez à trouver des solutions créatives pour ces problèmes. Peut-être que vous décidez que comment vous allez vous montrer un personnage comme spaghettis, c'est en faisant ses cheveux avec des spaghettis. Enfin, vous pouvez continuer à vous poser des questions pendant que vous dessinez. Personnellement, j'ai trouvé que plus j'ai dessiné, plus il est facile pour moi de tomber dans le pilote automatique comme je le fais, surtout quand c'est quelque chose que je dessine tout le temps. Donc développer l'habitude de poser des questions pendant que vous créez un dessin est un excellent moyen de remplacer ce pilote automatique, rester engagé et de rendre chaque trait intentionnel du crayon. 4. Essayez !: Maintenant, on va essayer ça. Tout comme l'expérience, vous allez dessiner deux personnages. L' une qui est juste l'approche par défaut, et l'autre qui adopte l'approche conceptuelle. Mais il y a quelques règles. Tout d'abord, les deux dessins doivent représenter le même type de caractère. De préférence quelque chose qui est bien connu, sorte que nous savions que vous allez avoir des idées par défaut à ce sujet. Si vous n'avez pas une image immédiate dans votre tête quand vous pensez au personnage, ne la choisissez pas. Voici quelques options. Dans l'étude, j'ai donné aux gens seulement cinq minutes pour chaque dessin. Évidemment, vous n'allez pas obtenir un chef-d'œuvre en cinq minutes, mais c'est un bon moyen de limiter le temps que vous devez penser pour le dessin initial. Il ne s'agit pas nécessairement de créer votre meilleur personnage, mais de remarquer la différence que cela fait de mettre la pensée à l'avance. Enfin, essayez de dessiner la première chose qui vient à l'esprit pour la première pièce. Il est intéressant de noter que vous venez d'écouter beaucoup de conseils sur le remplacement de votre pilote automatique, donc votre cerveau va vouloir le faire. Mais laissez votre façon de penser par défaut diriger le navire pour la première pièce. La deuxième pièce est l'endroit où vous voudrez commencer à poser des questions et à briser la notion par défaut que votre cerveau a. Une fois que vous avez fait les deux dessins, vous pouvez les télécharger ici dans votre projet de classe. Vous devez inclure le premier dessin, les questions et les réponses que vous avez faites pour le second, puis le deuxième dessin lui-même. Si vous voulez prendre l'un des dessins plus loin que l'esquisse, tout le pouvoir pour vous. Ensuite, nous allons regarder quelques exemples d'histoire faite dans le caractère. Si vous voulez encore plus d'informations avant de commencer vos propres dessins, il peut être judicieux de regarder d'abord cette prochaine série de vidéos. 5. Des concepts géniaux: D' abord, nous allons regarder l'un des maîtres de l'histoire et c'est Pixar. J' aurais pu choisir n'importe quel personnage dans n'importe quel film, mais j'ai pensé que WALL-E était un très bon exemple pour illustrer ces points . Vous pouvez dire que Pixar n'a pas simplement dit, « Hey, on a besoin d'un robot qui est la poubelle de Compaq », et quelqu'un a fait un hymne. Beaucoup de décisions ont été prises au sujet de WALL-E qui ont éclairé la façon dont nous avons fini. Heureusement pour nous, nous pouvons voir une partie de ce processus à partir de la somme de leur concept art. Du point de vue de l'ingénierie, il est clair que la façon dont il fonctionne réellement était un élément important de la construction de ce personnage. Beaucoup d'exploration se sont penchés sur la façon dont nous nous déplacions, comment nous pouvions bouger ses bras, accomplir des tâches, même cligner des yeux. Le clignotement lui-même n'était pas une décision arbitraire, c'était Pixar qui essayait d'humaniser WALL-E et de les rendre relatables pour nous. Maintenant, bien sûr est la personnalité peut venir à travers son comportement. Il est un peu maladroit parfois. Il semble exprimer de vrais sentiments. Il fait une chose très humaine. C' est comme collectionner des objets parce qu'il les aime. Mais son histoire s'exprime uniquement dans son apparence physique. La forme dans incliner ses yeux et les faire paraître triste ou vulnérable. Son corps usé et sale raconte le travail qu'il fait et combien de temps il le fait. Même la façon dont il rassemble ses mains quand il se tient, lui donne une apparence très timide. Vous ne penseriez pas qu'un robot soit timide. Encore une fois, Pixar sont fantastiques à transmettre histoire et heureusement pour nous, ils ont beaucoup à dire sur la question. Si vous souhaitez en savoir plus sur la façon dont ils insufflent la vie à leurs personnages, je recommande fortement cet article. Ensuite, nous allons regarder une pièce d' un bon ami et grand illustrateur, Andrew cope, où Pixar a un film entier pour traverser la personnalité et l'histoire d'un personnage, Andrew a souvent juste une seule illustration à faire donc. Il le fait très bien. Dans cette pièce, nous pouvons voir l'équipe de Scooby Doo jouer à un jeu de Clue, un concept assez amusant en soi. Mais ce que j'aimerais souligner, c'est comment les détails subtils racontent vraiment non seulement les personnages et comment ils se sentent, mais aussi ce qui se passe dans l'illustration. Fred qui était dans la chemise blanche, est un peu frustré de ne pas pouvoir résoudre le puzzle alors que Velma qui est dans le jaune, est très réfléchi et réservé. Daphné qui est dans le violet, est un peu plus décontracté et on peut le voir comme elle est assise pendant Shaggy et Scooby Doo, qui je ne pense pas avoir besoin de signaler nos meilleurs amis et c'est pourquoi ils sont assis l'un à côté de l'autre. Il y a aussi le plus stupide et c'est pourquoi Shaggy est couché à l'envers, et leur amour de la nourriture est laissé entendre par toutes les collations qui les entourent. En revenant à l'idée de se poser des questions, Andrew m'a partagé deux questions qui ont été très utiles pour la création de cette pièce et bien d'autres qu'il fait. Il maintenant en fait mes questions préférées. La première est ce qui est arrivé avant cette illustration ? La seconde est, que se passe-t-il après cette illustration ? Je vous encourage tous à consulter le travail d'Andrew sur son site web. Non seulement parce qu'il fait très bien l'histoire, mais aussi il m'a longuement parlé sur la question pendant que je me préparais pour ce cours et cette générosité mérite vraiment l'attention. Pour le dernier exemple, nous allons retourner dans le temps avec elle à l'une de mes peintures préférées, qui est Icare et Daedalus d'Anthony van Dyck. peintures faites par de vieux maîtres sont en fait une excellente source d'histoire. C' est parce qu'à l'époque, grande partie des œuvres pour lesquelles les artistes ont été commandées consistaient à représenter des scènes importantes de l'histoire, de la mythologie et de la religion. Vous avez beaucoup de sens entassés dans un seul tableau. Pour les gens qui ne sont pas familiers avec l'histoire d'Icare de la mythologie grecque. Daedalus a créé ici un ensemble d'ailes de cire et plumes pour que son fils Icare et lui-même s'échappent. Étonné qu'ils aient été bannis aussi. Maintenant, Daedalus a averti Icare de le suivre en vol en ne volant pas trop haut ou trop bas. S' il volait trop haut, le fils ferait fondre la cire et il tomberait. S' il volait des vagues trop basses de l'océan laverait les plumes et il tomberait aussi. En pointant les mains de Daedalus et d'Icare dans ce tableau, Van Dyck a pu traverser cette partie importante de l'histoire en une seule image fixe. Si vous avez faim pour plus d'échantillons d'histoire a apporté le personnage, je vous recommande de regarder le travail des artistes conceptuels, vérifier les peintures de la Renaissance, ainsi que des livres et des films. Cela dit, l'un des meilleurs endroits pour trouver cette inspiration est juste de regarder ce que vous aimez. Si comme moi, tu aimes vraiment les jeux vidéo. Vous pouvez regarder là-bas parce qu'il y a beaucoup d' histoire qui va dans le développement de ces personnages. 6. Pas uniquement des personnages: Donc maintenant que vous comprenez que l'ajout d'histoire est un élément très vital pour faire de grands personnages, et vous savez comment le faire, je peux vous laisser dans quelque chose qui me semble assez cool, et c'est que cela fonctionne pas seulement avec mais avec n'importe quoi. Littéralement tout ce que vous pourriez faire peut bénéficier d'une dose d'histoire. Cela signifie des objets, des environnements, des designs, même des choses qui sont tout à fait abstraites. Par exemple, un autre ami qui a été très utile dans la création de cette classe, Meggie Appleton a créé toute une série de designs basés sur l'affichage visuel du code. Bien qu'il soit possible d'ajouter un tas de carrés et de lignes à une page et de l'appeler abstrait. Meggie a plongé en profondeur dans la recherche sur le fonctionnement réel du code et a tenté de l'illustrer de différentes manières. Je pense que vous conviendrez que les résultats sont beaucoup plus intéressants qu'un tas de boîtes et de lignes arbitraires. Encore une fois, lorsque vous êtes investi, le spectateur le fera aussi. Alors, comment ajouter l'histoire à des non-personnages ? Exactement de la même manière à travers les questions. Disons que vous dessinez une chaîne de montagnes enneigées. Que s'est-il passé avant cette illustration ? Quelqu'un a crié. Que va-t-il se passer après cette illustration ? Une avalanche tombera à travers la vallée en contrebas. Donc le vu que je dessine pourrait être de neige en cascade sur une montagne soupire avec toutes sortes d'animaux fuyant. Et si on dessine un livre ? Qui est propriétaire de ce livre ? C' est peut-être un magicien. Quel est le contenu de ce livre ? C' est un sort pour élever les morts et quel âge a le livre ? Des milliers d'années. Donc le livre que je dessine peut-être très usé et sale, peut-être qu'il y a des pages qui tombent, mais je pourrais lui donner une lueur magique très étrange et créer représentations archaïques à la recherche des gens qui meurent et reviennent à la vie sur la couverture. Tout comme je l'ai mentionné précédemment, amusez-vous avec ces questions, vous pouvez vraiment poser n'importe quoi et en cas de doute, juste vérifié la liste que j'ai téléchargé, il y a même des questions là-dessus qui traite spécifiquement de non-caractères. 7. Réflexions finales: Maintenant, vous devriez avoir une bonne compréhension de la raison pour laquelle l'histoire est si essentielle pour créer de grands personnages. Vous savez que si vous voulez ajouter une histoire, tout ce que vous avez à faire est de poser et de répondre à des questions. Espérons que vous avez déjà eu la chance d' essayer cette technique à travers le projet de classe, et si vous ne l'avez pas fait, c'est tout à fait bien, mais je le recommande fortement. Comme pour toute autre chose, la pratique fait une grande différence. Même les 20 minutes que vous mettrez dans cela peut vraiment commencer à vous donner les avantages de travailler avec l'histoire sur les personnages. Comme je l'ai dit, il s'agit d'obtenir le plus de résultats de vos actions, mais vous devez quand même prendre des mesures. Je veux juste dire quelques choses avant de partir. Une chose que j'ai mentionnée est la recherche, ce qui est super important, surtout quand vous faites le développement de concepts. Peut-être que vous faites un robot plutôt que de simplement dessiner ce que vous pouvez imaginer ou simplement dessiner ce que vous avez vu d'autres personnes faire. Si vous prenez réellement un peu de temps et regardez comment les machines fonctionnent, un peu d'histoire de la robotique peut être alors étudier la pseudoscience des robots Star Wars, et ce sont toutes choses qui vont donner, très intéressants, des résultats pour votre dessin. Deuxièmement, ajoutez seulement autant de backstory que vous avez réellement besoin. En me préparant à ce cours, j'ai créé un personnage, et je suis allé par-dessus bord sur l'histoire. C' était comme une heure de dessin, mais j'ai passé quatre heures à construire l'univers dans lequel il vit , les gens qu'il connaît et sa liste de réalisations passées. Tout ça n'était pas, vraiment, nécessaire pour une heure de dessin. Quand j'ai parlé à Andrew Kolb à ce sujet, il a mentionné que votre personnage vit et meurt dans votre illustration. Par cela, il ne sert à rien de créer une histoire qui n'aura pas d'impact visuel sur votre dessin. Enfin, je tiens à remercier ceux d'entre vous qui ont fait la suggestion pour ce cours. Ça me rend la vie beaucoup plus facile quand je sais exactement ce que vous voulez, et donc j'apprécie vraiment les suggestions. Ensuite, ceux d'entre vous qui ont participé à l'expérience de dessin, merci beaucoup parce que celui-ci s'est vraiment, très bien, et j'ai eu beaucoup de plaisir à regarder vos dessins. Enfin, tous ceux qui sont ici en ce moment et qui ne font que suivre la classe, merci beaucoup. J' apprécie vraiment votre attention. J' espère que j'ai pu vous rendre la faveur en vous donnant une certaine valeur aujourd'hui. Merci beaucoup et prenez soin.