Comment trouver votre propre style en tant qu'artiste

1. Introduction: Trouver votre propre style est la chose la plus importante quand il s'agit d'être artiste, surtout à l'ère des médias sociaux, où nous avons accès à des millions de photos et d'influences. Il est important de protéger votre propre style et de vous assurer d'être fidèle à vous-même afin que vous puissiez vous démarquer de la foule. Que vous soyez peintre, photographe, céramiste ou autre chose, ce cours est fait pour vous. Salut tout le monde, je suis Laurie Anne et je suis peintre à temps plein à Phoenix, en Arizona. Je travaille principalement en acrylique pour capturer tous mes voyages en peinture, mais j'enseigne aussi des cours de peinture ici sur Skill Share. J' ai créé un cours intitulé Art to Print, où j'enseigne aux artistes comment faire des impressions professionnelles de qualité à partir de leurs œuvres d'art originales. Dans ce cours, je vais vous parler à travers mes propres pratiques sur la façon dont j'ai développé mon propre style unique, ainsi que quelques conseils et des étapes pratiques pour vous aider à découvrir et développer votre propre style. Ensemble, nous identifierons différents styles d'artistes et apprendrons à s'inspirer de votre artiste préféré sans copier leur travail. Développer votre propre style n'est pas aussi intimidant que cela puisse paraître. Tout ce dont vous avez besoin est un peu de direction et vous trouverez votre propre style unique en un rien de temps. 2. Qu'est-ce que le style ?: Hé, tout le monde. Bienvenue sur la façon de trouver votre propre style en tant qu'artiste. Allons-y et commençons. Que signifie exactement le style en tant qu'artiste ? style est la façon dont un artiste exprime sa vision à travers son métier, ce qui rend les artistes si reconnaissables que vous pouvez les choisir parmi une foule. Ceci est représenté à travers la composition, la palette de couleurs, les coups de pinceau, quoi que ce soit. Tu vois une œuvre d'art et tu y vas, oh, c'est un Picasso ou, oh, c'est un Monet. Regardons quelques exemples. Ici, nous avons deux paysages très similaires. L' une est par Paul Gauguin à gauche et l'autre par Vincent van Gogh à droite. Ces deux paysages sont très similaires en termes de matière et de composition. Tous deux ont des arbres, des gens sur le terrain, et le bâtiment dans la peinture, mais ils ont l'air si différents en raison du style de chaque artiste. La différence de style la plus évidente ici sont les coups de pinceau. Les deux artistes peignent en petits coups de pinceau , mais la façon dont leur main applique ce coup de pinceau est si différente. peinture de Van Gogh sur la droite a un court coup de pinceau plus lâche et vous donne un sens du mouvement dans la pièce, presque comme si elle pouvait être animée. La peinture de Paul Gauguin à gauche a des coups de pinceau courts mais pointus et rapprochés, ce qui vous donne un sentiment de structure et d'immobilité. Les deux artistes pouvaient peindre exactement le même paysage, mais leur style rendrait ce paysage complètement différent. C' est ce qui est si beau dans un style. Tout ce que vous peignez, même si c' est exactement la même scène que votre ami qui est assis juste à côté de vous peindre exactement la même scène, il sera unique à votre propre style. Si vous êtes un fan de Vincent van Gogh, je vous recommande fortement de regarder le film, Aimer Vincent. C' est là qu'ils animent réellement ses peintures. C' est un film vraiment cool parce qu'il vous donne un très bon fond sur lui, mais c'est aussi un film vraiment cool juste de voir ses peintures en mouvement parce qu'ils ont vraiment l'air qu'ils sont en mouvement. Allons de l'avant. J'aime tellement ces deux photographies parce qu'elles sont comme des photographies épiques de ces femmes entourées de leurs peintures. A gauche se trouve Helen Frankenthaler et à droite, Joan Mitchell. Tous deux sont des artistes expressionnistes abstraits qui ont eu un très grand impact sur la scène artistique dans les années 1950, mais ont été éclipsés par les artistes masculins de l'époque. J' aime à quel point leur travail est différent. Le travail d'Helen est rempli de grands blocs de couleur qui semblent presque versés sur la toile. Alors que le travail de Joan est composé de petits coups de pinceau chargés d'énergie que vous pouvez sentir quand vous le regardez. C' était presque comme si elle peignait en colère. Je ne sais pas si elle l'était, mais vous pouvez sentir l'énergie qui était derrière son pinceau quand vous regardez ses morceaux. Avec Helen, son travail est presque paisible et plus méditatif quand on le regarde. Ces deux femmes s'exprimaient à travers la couleur et la marque. Le résultat final est si différent en raison de leur propre style personnel. Un très bon livre qui raconte une histoire de ces femmes pendant cette période est appelé Ninth Street Women par Mary Gabriel. Un grand livre d'art sur ces femmes est appelé Women of Abstract Expressionnism par Irving Sandler. Je vais lier ces livres dans la section à propos du cours. Je voulais vous montrer des portraits aussi. Voici deux autoportraits, l'un d'Andy Warhol et l'autre de David Hockney. Ces portraits ne pourraient pas être différents s'ils essayaient, mais ils sont tellement ponctués par chaque artiste et chaque style personnel. Andy Warhol est célèbre pour son pop art dans les canettes à soupe de Campbell et aussi pour le portrait de Marilyn Monroe. Il est incroyablement célèbre. Ils ont tous été créés dans ce style de son propre autoportrait. David Hockney, il est plus illustrateur et a plus d'un style illustratif de peinture, qui est très évident dans cet autoportrait aussi. deux artistes peignent des portraits, mais le font tellement différemment. C' est juste vraiment soigné de voir leurs styles uniques arriver dans leurs propres autoportraits. Je veux juste recommander l'un de vos artistes préférés regarder vers le haut et voir s'ils ont des autoportraits parce que ceux-ci sont généralement très intéressants à voir. Maintenant que nous avons établi le style et ce que c'est, puisque je suis peintre, je vais parler en termes de peinture, mais quels que soient les outils que vous utilisez, remplacez la peinture pour quoi que ce soit, que ce soit un appareil photo, de l'argile, etc, il suffit de l'échanger chaque fois que nous en parlons. 3. Mon style: Une question que l'on me pose tout le temps est comment avez-vous développé ou appris votre style, et combien de temps avez-vous fallu ? Je pense qu'il est vraiment important de souligner que je n'ai pas appris mon style. Mon style est ce qui sort naturellement de mes mains. Je peins intentionnellement depuis que j'ai 13 ans. Je dis intentionnellement parce que j'ai pris beaucoup de cours d'art quand j'étais enfant, mais je n'ai pas pris un pinceau seul en dehors d'un cours d'art avant d'avoir 13 ans. À partir de là, j'ai suivi des cours d'art tout au lycée, puis j'ai étudié la peinture à la fac. Mon style a évolué au cours des 21 dernières années, mais il y a toujours eu un point commun à travers tout cela. Je vois ma main et tout mon travail. J' ai eu beaucoup de pratique et je suis passé par de nombreuses versions différentes de moi-même. Comme vous pouvez le voir ici, ce sont deux grandes peintures de l'université. J' étais beaucoup dans les oiseaux et les couleurs vives vives. Mon style s'est transformé avec le temps et il continuera comme je continue à peindre. C' est la progression naturelle du style d'un artiste. 4. Découvrez les outils: Afin de trouver votre style, vous devez d'abord apprendre à utiliser les outils. Pour commencer, tout ce que vous devez vraiment savoir, c'est comment utiliser un pinceau, comment mélanger les couleurs, comprendre comment fonctionne la peinture, ce qui signifie comment elle se déplace avec votre pinceau, quelle vitesse elle sèche, et c'est tout. Ne pas trop compliquer les choses pour vous-même au début. Personnellement, je pense que parfois, il est bon de ne pas comprendre complètement les règles d'un matériau que vous utilisez au début parce que cela vous amène à essayer des choses que vous n' auriez pas essayé si vous saviez ce que vous êtes censé faire. Apprendre les règles est finalement une bonne chose, mais si vous venez de commencer dans votre métier, pratiquez-vous simplement à utiliser vos outils avant de sauter trop profondément dans techniques spécifiques qui seront plus faciles à apprendre si vous avez une compréhension de la façon dont vos pinceaux et la peinture travaillent ensemble. Si vous êtes nouveau dans la peinture, mon cours de base de peinture acrylique est un excellent endroit pour commencer, mais gardez à l'esprit, vous n'avez pas besoin d'apprendre à peindre dans mon style. Laissez-moi vous apprendre à utiliser les outils et ensuite aller dans le monde, prendre votre propre photo ou demander la permission d'utiliser la photo de quelqu'un d'autre et juste peindre. Voyez ce qui sort naturellement de vous et c'est là que vous commencerez à développer votre propre style et votre propre voix unique. En outre, consultez tous les projets étudiants de mes classes pour voir à quel point tout le monde est différent. La plupart d'entre eux travaillent à partir des exemples de classe et tout le monde est si différent. C' est vraiment cool de voir. 5. Meilleures pratiques: Une question qui se pose beaucoup lorsque les gens apprennent est, est-ce une bonne idée de copier les maîtres ou de ne pas les copier ? Certaines écoles d'art enseignent aux élèves à copier les masters afin de développer des compétences techniques qui peuvent être très utiles. Même les maîtres ont copié leurs maîtres. C' est une pratique très normale et vraiment bon d'apprendre la technique et juste d'apprendre à peindre. m'a pas enseigné cette méthode à l'école. Cependant, si vous étiez ou si vous prévoyez d'aller sur cette voie et de copier les maîtres pour apprendre, afin ne pas développer une dépendance à l'œuvre d'un autre artiste, vous devez également pratiquer la création d'une manière qui se sent naturel pour vous et de vos propres idées, photos ou imagination sans regarder un autre artiste. Remarque importante à ce sujet : si vous devez copier l'œuvre d'un artiste pour la pratique, veuillez ne copier que les maîtres en histoire de l'art. Essayez de ne pas copier d'artistes vivants et actifs. L' imitation n'est pas une flatterie quand un artiste a passé des années se battre et à développer son propre style pour trouver d'autres copies de son travail. C' est honnêtement l'un des pires sentiments. Cela rend également le photocopieur un mauvais service car ils manquent sur le travail crucial qui fait de vous un artiste. À l'époque des médias sociaux où le monde partage tout, même si c'est juste pour la pratique, cela peut apparaître comme du plagiat et vous pourriez faire face à des problèmes juridiques pour enfreindre les droits d'auteur ; ce qui nous amène joliment dans mon prochain point d'inspiration étiquette. 6. Guide de l'inspiration: En tant qu'artiste, vous devriez regarder toutes sortes de choses en dehors de votre médium choisi pour vous inspirer. Tels que la mode, la sculpture, design d' intérieur, l'architecture, la nature , les gens, la photographie, les motifs, les tissus , les textures, Regardez toutes les choses. Même en tant que peintre, je suis très inspiré par d'autres médiums. J' adore regarder l'art. J' enregistre toutes sortes d'art sur Instagram et j'ai des tonnes de livres d'art que j'aime, mais il y a quelque chose de vraiment important à noter ici. Je ne regarde jamais l'art de quelqu'un d'autre quand je crée ma propre œuvre. Il y a une fine ligne entre l'inspiration et la copie. Je pense que c'est vraiment délicat pour les gens qui commencent parce que vous êtes attiré par l'art qui vous donne envie de créer. Mais regarder trop le travail d'un autre artiste peut vous influencer au point que votre pièce n'est vraiment pas la vôtre. C' est l'un des plus gros problèmes que je vois avec les artistes en herbe ces jours-ci, surtout avec les médias sociaux et les gens qui partagent chaque détail de leur vie. Nous allons creuser dans l'étiquette de l'inspiration. Ne regardez pas le travail d'un autre artiste lors de la création, en particulier les artistes qui peignent le même sujet que vous. C' est pour votre propre bien et pour protéger votre propre travail. Il est difficile de vivre dans un monde où nous sommes bombardés par des milliers d' images chaque jour et ne pas être influencés par ce que nous voyons. Quand il s'agit de cela, vous copierez quelqu'un si vous faites trop référence à son travail. Même si ce n'était pas votre intention, prenez des précautions pour vous protéger. Rarement je ne retourne jamais en arrière et regarde mon art sauvegardé sur Instagram parce que je ne veux pas être influencé par quelqu'un d'autre, en particulier un autre artiste vivant et travaillant. La seule raison pour laquelle j'économise de l'art sur Instagram est que je puisse le retrouver un jour pour l'un ou l'autre achat. J' aime collectionner l'art ou me rappeler que les artistes pour suivre leur carrière parce que j'aime suivre les artistes et les suivre. Mais je n'utilise pas peinture de paysage d' un autre artiste comme inspiration pour mes propres peintures de paysage. Si vous utilisez l'œuvre d'un autre artiste vivant et travaillant pour la pratique, ne la partagez pas sur les réseaux sociaux. Je sais que c'est si tentant, mais pour votre propre bien et pour l'intégrité de votre propre travail et de votre réputation, gardez cette pratique privée parce que je vous promets qu'elle viendra à la lumière et que cet artiste le verra et c'est juste une situation désordonnée, Il suffit de le garder privé. Mais une fois que vous avez créé une pièce qui est vraiment à vous, a fait partager partout avec confiance et avec fierté et étiqueter moi parce que je veux le voir. Ce dernier point est très important pour les étudiants, en particulier. Lorsque vous prenez une classe d'un artiste, cette classe partage généralement un exemple classique dont les étudiants peuvent travailler. Travaillez à partir de cette pièce seulement et n'hésitez pas à partager cet exemple de classe, mais créditez l'enseignant dont vous avez appris. N' allez pas sur leur site Web ou sur les réseaux sociaux et ne peignez pas d'autres morceaux du leur. S' il vous plaît tenir aux exemples de classe. Votre professeur partage généreusement son expertise avec vous afin que vous puissiez faire votre propre art et marquer sur ce monde. Tenez-vous aux exemples de classe et ne prenez pas ce qui ne vous a pas été offert. J' ai vu cela faire à beaucoup de mes pairs ainsi qu'à moi-même, et ça ne se sent tout simplement pas bien. Maintenant que nous avons traversé les choses à ne pas faire, regardons quelques choses à faire. Étudiez et admirez de nombreux artistes différents et essayez reconnaître ce que vous aimez dans leur technique, esthétique et composition. Dessiner l'influence de nombreux artistes différents est un excellent moyen de développer votre propre style d'une manière saine. Lorsque vous peignez vos propres peintures, vous commencerez à reconnaître les petites choses que vous avez apprises d'autres artistes apparaissant naturellement, subtilement et de manière unique dans votre travail. Je ne peux pas insister assez sur ce point suivant. Il est si important de prendre l'habitude de peindre à partir de vos propres photos ou environnements personnels, objets, expériences ou imagination. Il y a une magnifique photo de fente océanique sur Instagram qui est devenu super populaire, et je ne peux pas vous dire combien de fois j'ai vu des artistes peindre à partir de cette photo exacte et la transmettre comme leur propre inspiration. C' est gênant parce que ce n'est pas leur photo et je le sais et probablement beaucoup d'autres personnes le savent. C' est pourquoi je ne peins qu'à partir de mes propres photos personnelles et je limite également partage de mes photos d'inspiration sur Instagram parce que je ne veux pas que quelqu'un d'autre peigne d'eux non plus. Si vous n'avez pas accès à aller prendre vos propres photos, contactez les photographes et demandez la permission de peindre à partir de leurs propres photos. Je suis sûr qu'il y en a beaucoup qui seraient ravis de voir leurs photos en peinture. Il y a aussi quelques services là-bas qui sont comme une galerie ou une base de données pleine de photos qui sont libres d'utiliser que vous pouvez également peindre et c'est tout à fait bien. Mais je recommande d'essayer de peindre à partir de vos propres photos parce que vous savez que personne d'autre là-bas ne peint exactement la même photo que vous êtes. Trouver votre propre inspiration à partir de pourrait être frustrant au début, mais je vous promets de trouver votre groove et d'être tellement plus heureux et c'est là que votre propre style unique commencera à briller. 7. Inspiration et copie: Vous vous demandez peut-être comment je peux être inspiré par quelqu'un sans les copier ? Regardez les artistes que vous aimez et posez-leur des questions. Qu' est-ce que c'est à propos de cette pièce que j'aime tant ? C' est la palette de couleurs ? C' est les coups de pinceau ? Le sujet ? Est-ce que ça te fait sentir une certaine façon ? Qu'est-ce que c'est ? Commencez à répondre à ces questions et prenez des notes lorsque vous voyez une pièce qui vous attire. Nous en parlerons plus quand nous arriverons au projet de classe, mais c'est un bon endroit pour commencer. Les artistes, Henri Matisse ici à droite et Richard Diebenkorn à gauche, sont une excellente étude sur la façon de s'inspirer du travail de quelqu'un que vous admirez sans les copier. Aussi, juste pour info, ces deux artistes étaient vivants en même temps. Ils étaient âgés de 52 ans d'écart. Diebenkorn, c'était un artiste américain qui était un grand fan de l'artiste français Henri Matisse. Je veux que vous regardiez bien ce tableau à droite et que vous regardiez bien et voyez si vous pouvez voir des similitudes avec la peinture de Matisse sur la diapositive suivante. Voici l'une des plus grandes inspirations de Diebenkorn dans son atelier travaillant sur une sculpture. Diebenkorn aimait Matisse. Il l'a étudié à l'école. Il allait voir autant de travail que possible de Matisse. Il allait visiter des galeries, expositions d'art, des musées, etc. Il était tellement inspiré par cet artiste. Voyez-vous les similitudes de ces deux tableaux ? Remarquez le poisson rouge dans la peinture de Matisse à gauche et les couleurs dans la peinture de Diebenkorn à droite. L' indice à peut-être un poisson rouge ou l'orange. Diebenkorn utilise une palette de couleurs similaire et il y en a beaucoup ici, mais continuons comme nous allons en parler plus à mesure que nous avançons. En 1952, Diebenkorn déménage à Urbana, Illinois, pour un emploi d'enseignant. Il détestait ça. Il n'était pas heureux. Il n'était pas inspiré par le travail et ne pouvait supporter les paysages environnants. Il était si peu inspiré par les paysages environnants qu'il a obscurci ses fenêtres d'un studio. Ce qui est fou pour moi de ne pas avoir de lumière naturelle. Mais il l'a fait juste parce que cela tuait son inspiration et il s'est inspiré du travail de Matisse qu'il aimait tant. Matisse était littéralement la seule chose dont il pouvait s'inspirer. Aussi, gardez à l'esprit, c'était dans les années 1950. n'y avait pas d'Internet ou de médias sociaux où il pouvait rapidement regarder Matisse et voir ce qu'il avait fait et ce qu'il avait créé. Il avait quelques livres sur le travail de Matisse et les souvenirs de la décennie qu'il a passée à étudier et à regarder les peintures de Matisse. C' est ce qui a alimenté son inspiration pendant cette période de vie et de travail dans un lieu qui a tué son inspiration. Regardons ces pièces ici. Ici, à gauche, voici l'intérieur de Matisse à Nice. Diebenkorn sur la droite s'appelle Beach Town. Lorsque vous regardez ces deux pièces, vous pouvez voir l'inspiration, la palette de couleurs, la façon dont la toile est divisée, leurs notes de couleur, et la pièce de Diebenkorn qui fait allusion à un objet et à la pièce de Matisse. C' est un bel exemple de la façon dont Diebenkorn admirait et étudiait le travail de Matisse et l'utilisait pour créer son propre style unique. Il n'a pas peint un intérieur comme Matisse. Il a traduit cette pièce qu'il aimait, Interior at Nice dans sa propre peinture non représentative. C' est vraiment cool de voir toutes les peintures Urbana de Diebenkorn spécifiquement. Parce que nous savons que c'était à une époque de sa vie où il avait peu accès à l'inspiration en raison de son lieu de résidence, mais il a utilisé son amour et son admiration de Matisse comme inspiration et a créé des peintures incroyables à partir de cela. Mais regardez ceci, regardez le rideau, la forme des rideaux dans la peinture de Matisse, puis cette forme triangulaire dans celle de Diebenkorn. Il y a beaucoup de choses que vous ne devriez jamais regarder la peinture de Diebenkorn et penser, « Oh, oui, ça ressemble beaucoup à la peinture d'Henri Matisse. » Vous ne penseriez pas ça du tout. Mais vous pouvez voir comment cet artiste a été inspiré par un artiste qu'il admirait et aimait et a créé sa propre œuvre qui ne ressemble pas à l'œuvre de Matisse, Diebenkorn le fait encore et encore avec les peintures de Matisse. Un excellent livre à ce sujet s'appelle Matisse et puis il y a une barre oblique, Diebenkorn'. C' est juste Matisse/ Diebenkorn de Bishop et Rothkopf. Il est rempli de belles photos et de commentaires sur la façon dont leurs peintures sont connectées. Je le recommande fortement. Je vais le lier dans la section à propos de cette classe avec d'autres livres préférés sur ce sujet. 8. Monet et moi: Sur une note plus personnelle, je veux vous montrer quelques-unes de mes propres œuvres inspirées par le grand Claude Monet. J' adore Monet. J' ai toujours été fan de lui, mais quand j'ai vu ses peintures géantes de nénuphars à Paris, j'ai été changé pour toujours. Ils sont écrasants par leur taille et leur beauté. Si vous me regardez à gauche, je suis presque sûr que j'étais presque en larmes parce que je n'arrivais pas à croire que je me tenais devant ça. Mais ils sont vraiment incroyables, et si jamais vous pouvez aller à Paris et aller au Musée, auxOrangeries de Paris, Orangeries de Paris, s'il vous plaît le faire parce que cela vaut 100 pour cent la peine. Il y a aussi une grande collection d'autres artistes là-bas. Après avoir vu ces beautés dans la vraie vie, nous sommes allés à la maison de Monet et avons vu où il peint et puisé toute son inspiration pour ses peintures. C' était vraiment une expérience incroyable. Regarde ça, j'adore cette comparaison. La photo du milieu est celle que j'ai prise de son étang et les photos à gauche et à droite sont des photos détaillées que j'ai prises de ses peintures de nénuphars dans le musée. Ceux-ci sont très zoomés dans les cultures de ses peintures géantes. Mais c'est tellement incroyable de voir ce qu'il voyait quand il les peignait. Regardez la façon dont il a peint le reflet du ciel dans l'eau. C'est incroyable. Je pourrais les regarder pendant des jours. Je vais juste m'asseoir un peu pour toi, ou tu peux faire une pause et les regarder. Mais c'est tellement incroyable juste de voir ses peintures et voir complètement comment il y est arrivé en regardant son étang et en voyant le ciel reflété dans l'eau, fleurs de lys, c'est incroyable. J' adore ça. Aller de l'avant. Mon tableau, la Gloire du désert est à gauche et une récolte de Nénuphars de Monet est à droite. J' adore la façon dont Monet peint ses Nénuphars avec ses coups de pinceau gestuels rapides qui suggèrent qu'il y a un tapis de lys et une fleur sans être trop détaillé. Je ferais la même chose avec mes plantes du désert. C' est très différent, mais je vois son influence dans mon propre style. Est-ce que Desert Glory ressemble à une peinture Monet ? Pas du tout, mais j'adore voir des morceaux de son style se faufiler dans mes propres tableaux. 9. Ayez-confiance en vous !: Fais-toi confiance. C' est l'un de mes sujets préférés à discuter avec les jeunes artistes. Beaucoup de fois, les gens y compris moi-même, peuvent être attirés par un certain type d'art, mais quand ils vont créer quelque chose de complètement différent sort d'eux. Par exemple, je suis attiré par des couleurs en sourdine comme dans ma décoration intérieure ou même une œuvre d'art qu'un achat. Vous pouvez le voir dans ma chambre sur la photo de gauche. Mais si vous regardez la photo à droite de mon studio, vous pouvez voir que je peins très coloré. Le reste de ma maison ressemble à ma chambre et mon studio est la pièce la plus colorée de notre maison. Je ne peux pas m'en empêcher. La couleur se déverse de moi, même si j'aime vivre dans un environnement coloré plus sourd. La même chose vaut pour le style. Vous pouvez être attiré par un certain style de peinture, mais le contraire vient de vos mains. Vous pouvez aimer l'art abstrait, mais le réalisme sort de vous ou vice versa. Ne combattez pas ce qui sort de vos mains. C' est si important. Apprenez à aimer, ou à tout le moins, s' intéresser à ce qui vous vient naturel. C' est toi. C' est la façon dont votre œil, votre cerveau et votre main travaillent ensemble. C' est vous qui êtes unique, et c'est quelque chose à reconnaître tôt et à développer. Pratiquez, pratiquez, pratiquez parce que vous commencerez à voir les tendances et à trouver votre groove et les choses commenceront à vous sentir naturels. Lorsque vous commencez à vous sentir à l'aise dans votre propre style, alors vous pouvez commencer à le modifier. Peut-être que vous avez un coup de pinceau signature. C' est quelque chose que vous ne pouvez pas vraiment développer tant que vous ne savez pas qui vous êtes. Sois toi. N' essayez pas d'être comme quelqu'un d'autre, soyez juste vous et aimez-le parce que ça va être incroyable et j'aimerais vous voir ainsi que votre voix et votre style uniques. 10. Formation polyvalente: entraînement croisé est l'une des pratiques les plus importantes et les plus amusantes qu'un artiste puisse faire. C' est une façon pour vous de travailler dans différents médiums et de devenir un artiste vraiment bien arrondi. Par exemple, je suis peintre, mais j'aime aussi la céramique et le bloc d'impression. Donc, quand je me sens ennuyé ou dans une ornière, j'aime créer dans d'autres médiums pour rester créatif, et c'est vraiment amusant de voir mon même style apparaître dans ces autres médiums. Pour aider à compléter votre pratique en tant qu'artiste, consultez quelques classes de partage de compétences de mes amis. Jennifer Daily est un collage abstrait et réalise les peintures les plus belles et paisibles que j'ai l'intention de posséder un jour. Dans sa classe, elle vous enseigne la technique qu'elle utilise pour créer son propre travail. Je vais lier toutes ces classes dans la section à propos de cette classe. Juliet est une graphiste et aussi de beaux artistes tout en un. Elle peint des fleurs et des motifs vibrants et a cinq classes à choisir. Sarah est photographe et utilise le soleil et objets qu'elle forge dans la nature pour créer de belles estampes cyanotypes. Dans sa classe, elle vous apprend à faire vos propres cyanotypes. Ce ne sont que quelques-unes des nombreuses autres formes d'art que vous pouvez pratiquer, mais le but est jouer avec différents médiums. Plus votre expérience, plus vous serez artiste. 11. Réflexions finales: Trouver votre style unique qui est indéniablement vôtre est la chose la plus gratifiante en tant qu'artiste. Je peux peindre toute la journée et je sais avec confiance que ces peintures sont à cent pour cent les miennes. Je veux que vous soyez capable de ressentir la même liberté et la même satisfaction afin que vous puissiez mettre votre travail dans le monde en toute confiance. Les artistes que nous admirons, créé le travail qu'ils ont fait parce qu'ils ont embrassé qui ils étaient. Essayer de ressembler à quelqu'un d'autre est ennuyeux. Le monde n'a pas besoin d'un autre Picasso, Monet ou Laurien. Il a besoin de toi. Le monde a besoin de votre style unique. Il a besoin de toi. 12. Projet de cours: Agissons sur ce que vous avez appris aujourd'hui. C' est la partie la plus importante de toute cette classe. C' est là que vous commencerez à développer votre propre style unique. J' ai trois projets de classe, n'hésitez pas à en choisir un ou à faire les trois. Je vous recommande de les essayer tous. Projet numéro 1, lancez un défi de 30 ou 100 jours où vous créez quelque chose tous les jours. Il se peut que vous dessiniez ou peigniez exactement la même chose ou quelque chose de différent chaque jour. Quelques exemples sont votre chien, votre petit déjeuner, la scène à l'extérieur de votre fenêtre, autoportraits, ou quelque chose de votre cerveau. Quoi que ce soit, faites quelque chose tous les jours. C' est l'une de mes pratiques préférées à faire et à voir d'autres artistes faire. C' est le moyen le plus simple et le plus rapide de s'améliorer en tant qu'artiste et aussi vraiment gratifiant de voir combien de progrès vous faites du début à la fin. Il faut de l'engagement, mais cela en vaut la peine, et vraiment, la meilleure façon de commencer à développer votre propre style qui est vraiment le vôtre. Je recommande fortement ce projet. Aussi, juste une astuce amusante, c'est un projet vraiment amusant à documenter sur Instagram. J' ai suivi les projets ou les défis de 30 ou 100 jours de beaucoup de gens, et c'est vraiment amusant à voir, et les gens seront excités à ce sujet et ils vous suivront juste pour voir où vous finissez. Donc, je recommande fortement cela, certainement documenter parce que ce sera vraiment amusant à regarder. Regardez cette photo, n'est-ce pas une photo incroyable ? C' est une de mes photos préférées de David Hockney, et c'est à la maison avec ses chiens et toutes les peintures qu'il a peintes de ses chiens. C'était incroyable. Donc vous pourriez être inspiré par ça. Peut-être juste peindre votre chien dans toutes ces positions différentes et voir comment vous vous améliorez. J' adore cette photo. Projet numéro 2, avoir une conversation difficile avec vous-même et voir si vous êtes trop influencé par un artiste en particulier. Envisagez de les couper en sourdine ou de les annuler sur Instagram ou partout où vous les voyez, afin que vous ne soyez plus influencé par leur travail. Travaillez sur votre propre style pendant une longue période, puis revenez et vérifiez le travail de cet artiste et voyez comment vous avez grandi depuis que vous les avez mis en sourdine. C' est une chose régulière que font les artistes. J' avais juste une conversation avec une amie d'art l'autre jour parlant de ce cours et en lui parlant de ce projet, et elle a dit : « Oui, je fais ça de temps en temps juste pour protéger mon propre travail et mes propres idées parce que je ne veux pas être influencé par les gens. » C' est une très bonne pratique et je vous recommande fortement de le faire si vous êtes trop influent ou inquiet que vous pourriez être influencé par un autre artiste. Projet numéro 3, choisissez 5-10 artistes que vous aimez et faites une liste de ce que vous aimez exactement dans le travail de chaque artiste. Est-ce leur palette de couleurs, leurs coups de pinceau, sujet, essayer d'être aussi spécifique que vous pouvez, puis travailler à partir de votre propre photo, utiliser cette liste pour aider à inspirer une œuvre originale de votre propre. 13. 12. Extras et lecture suggérée: Voici quelques livres que je suggère de vérifier. Le premier, Steal Like An Artist par Austin Kleon, est vraiment bon. Il s'agit de trouver votre propre style, et de « voler comme un artiste » qui est fondamentalement inspiré sans copier. Il a écrit, je crois, trois livres que vous devriez consulter. Mais ils sont tous vraiment bons et ils vont plus dans ce sujet de trouver votre propre style sans copier. Quelques autres livres dont nous avons parlé, comme le livre Matisse/Diebenkorn, et les Femmes de la Neuvième Rue, et les Femmes de l'Expressionnisme Abstrait, ce ne sont que quelques grands livres d'art à consulter. Mais les deux autres, I Know An Artist de Susie Hodge, c'est un livre que je viens d'obtenir. C' est un livre magnifiquement illustré de la façon dont les artistes célèbres que nous connaissons comme Monet, différents artistes, et même certains artistes peu connus, comment ils sont tous connectés et comment ils sont inspirés les uns par les autres, ou simplement connectés à chaque autre. C' est juste un livre intéressant, tu devrais le vérifier. L' autre suggestion est que Taschen Basic Art Series, J'ai environ 12 de ces livres. Il y a eu une vente, donc j'en ai acheté un tas. Mais ils sont vraiment géniaux. Ce ne sont pas de gros livres, mais vous pouvez en obtenir un juste spécifiquement sur un artiste ou sur un type d'art. Donc, je regarde deux juste en face de moi, un est l'impressionnisme et l'autre est Vincent Van Gogh, mais je les recommande fortement. Je vais lier tous ces éléments dans la section à propos de la classe. J' espère que vous avez tous apprécié ce cours et j'espère que cela vous inspire, vous encourage à trouver votre propre style et à vraiment protéger votre propre style parce que c'est vraiment précieux. Cela va juste changer toute votre pratique artistique une fois que vous trouverez ce style unique qui est vraiment le vôtre. 14. Consultez mes autres cours !: Si vous avez apprécié ce cours, j'aimerais que vous puissiez consulter le reste de mes cours, @laurieanneartclasses .com/art-classes pour plus.