Commencez la peinture acrylique : étude et peinture de paysages acryliques

1. Bienvenue: Salut artistes et bienvenue dans mon studio. m'appelle Dina et Adams, et je suis peintre et illustrateur à Minneapolis, Minnesota. J' aime aussi enseigner et j'aime surtout enseigner aux débutants. Ceux comme vous qui ont pensé à des dictons comme, j'adorerais pouvoir peindre un paysage, mais c'est assez écrasant et je ne sais pas par où commencer. Cette classe est adaptée, surtout pour vous. Je vais vous suivre avec soin et vous mettre en place, vous doter de nouvelles compétences et de nouveaux systèmes de travail. Si vous trouvez ce type de peinture libératrice, intéressante, libératrice, métaphorique, profonde, toutes ces qualités que je pense le paysage peut nous apporter en tant que sujet à étudier. Alors je pense que vous allez vraiment adorer cette plongée profonde dans de bonnes bases fondamentales. 2. Matériel: Regardons ce que j'utilise dans cette classe. Vous aurez besoin de serviettes en papier, chiffons ou d'une éponge. Et vous pouvez utiliser une combinaison de toutes ces choses à la fois pour nettoyer et expérimenter la peinture en mouvement autour de votre toile ou de votre surface de travail. J' utilise généralement une palette de papier cire, ou un type de palette jetable. Vous utilisez tout ce que vous êtes à l'aise d'utiliser. Les assiettes en papier sont géniales. Contrairement à ce cours où j'ai essayé de garder les choses vraiment propres pour que vous puissiez voir ce que je fais vraiment facilement. Dans la vraie vie, j'ai tendance à laisser sécher mon acrylique , puis juste peindre plus d'acrylique sur le dessus de cet acrylique. Donc, même si ma palette est techniquement jetable, j'ai essayé de réutiliser et de faire durer ces surfaces pendant un certain temps. Et vous pouvez vous sentir libre de faire de même. Vous aurez besoin d'un crayon et d'une gomme. Si vous n'avez pas de gomme sur votre crayon et que vous vous sentez fortement à ce sujet. Et j'utilise un bord droit pour ça. Généralement, une sorte de règle est bonne. Vous voudrez faire du marketing et de la mesure, mais vous pouvez regarder tout ce que nous finissons par faire, juste en utilisant un bord droit comme un morceau de carton ou juste une boîte aléatoire, tout ce qui est très bien aussi. Vous aurez également besoin de papier et votre papier à gratter est idéalement assez épais pour vous permettre de mettre un peu de peinture. Vous avez donc la possibilité de peindre sur du papier si vous choisissez de le changer parfois ? D' autres choses dont vous aurez besoin. L' eau est importante en acrylique, nous l'utilisons pour peindre parfois plus mince si elle est un peu épaissie et pas très fluide. Et c'est ce que nous utilisons pour mettre nos pinceaux afin que l'acrylique ne durcit pas dans les poils. Vous aurez besoin d'un récipient pour cette eau, quelque chose qui ne vous dérange pas d'obtenir de la peinture sur des contenants de yogourt usagés, des choses comme ça. J' aime avoir des couteaux à palette, des grattoirs, spatules, et vous pouvez utiliser des objets trouvés pour cela. Sachez juste que vous allez obtenir de l'acrylique sur eux afin qu'il ne soit pas réutilisable vraiment à d'autres fins. Mais il y a beaucoup de petits objets lisses que nous pouvons approprier pour en faire des couteaux à palette impromptu. Et j'ai terminé ce cours en utilisant un paquet de huit toiles de valeur de Blick. Ils font 8 x 8 pouces et je pense qu'il y a 20$ en personne et 10$ plus en ligne. Ils ne sont pas chers. Quelque chose de Michael, de Joanne, de nos tes, juste des bonnes affaires et des toiles en gros. Et j'ai fini par utiliser quatre à huit d'entre eux, selon combien je choisis de peindre sur eux et réutiliser plutôt que de garder chaque petit exercice. C' est agréable de s'habituer à peindre sur ce type de surface. J' ai également utilisé un panneau pour mon projet final qui était de 12 sur 12 pouces. Donc, vous pouvez utiliser un panneau de bois comme je l'ai fait, ou une toile de 12 sur 12 pouces. Pour votre version finale de votre projet de peinture paysagère. Le type de peinture que nous utilisons dans cette catégorie est la peinture artisanale. J' utilise de l'acrylique Blick Matt. Et c'est juste une version légèrement plus agréable et plus pigmentée de peinture artisanale. Ils coûtent $2.60 par conteneur. Donc, dans ce quartier et en dessous, vous pouvez utiliser des choses comme code Delta Suriname ou le baril Americana Apple, ce genre de choses. Toutes ces peintures de marque sont bien. Tout ce qui vient dans ces petits bocaux pressés. Et généralement peindre comme celui-ci ne devrait pas coûter plus de deux ou trois dollars par couleur. Ce ne sont pas des peintures de qualité artistique. Pourquoi nous concentrons-nous sur les peintures peu coûteuses et non de qualité artistique ? Ne devrions-nous pas utiliser la meilleure peinture possible, et cetera, et cetera ? La meilleure peinture possible est très, très dense et pigmentation. Et il vous permet de peindre d'une manière où vous pouvez regarder cette peinture comme un concentré de couleur, puis ajouter beaucoup d'additifs transparents à votre douleur afin de l'étaler, changer sa consistance, et juste vraiment élargir ce que cette peinture fera physiquement. La peinture artisanale a été mélangée avec une certaine quantité de craie dans la formulation. Et c'est aussi fluide, coulant, étalable et facile à utiliser dès la sortie du bocal. C' est une partie de la raison pour laquelle je me sens fermement à commencer par ces matériaux vraiment accessibles et peu coûteux. L' accessibilité et le manque de dépenses, je pense est vraiment important parce que c'est très stymie accroché dans mon expérience personnelle et dans ma conversation avec les étudiants, c'est très sniping et très sorte de gèle vous en place pour avoir à l'arrière de votre esprit, le récit que votre peinture est vraiment, vraiment cher. Tu ne veux pas le gaspiller. Vous ne voulez pas, vous savez, passer par de bons matériaux à utiliser rapidement. Vous pouvez déjà voir comment cela pourrait jouer psychologiquement dans la façon dont vous traitez l'acte de peinture et comment vous traitez votre utilisation des matériaux, et combien vous êtes prêt à expérimenter ou simplement laisser quelque chose B. C'est pourquoi je me sens vraiment fortement sur l'utilisation de ces matériaux accessibles de base. Aussi, je veux que tout le monde fasse l'expérience du plaisir et du frisson que vous obtenez en créant quelque chose qui étend vos capacités plus loin que vous ne le croyiez. Donc je ne pense pas que la peinture artisanale soit le genre de chose qui nous retient trop. Je pense vraiment que cela nous permet plus qu'à nous retenir quand nous étudions. C' est pourquoi nous nous concentrons sur la peinture artisanale. Quelles couleurs devriez-vous obtenir ? Numéro un, vérifiez rapidement le PDF. Une partie de la langue autour du choix des couleurs pourrait être un peu ambiguë maintenant, mais une fois que vous avez regardé. La classe à travers la section de la roue de couleur. Ou vous pouvez passer à la section de lecture de roue de couleur de la classe et juste regarder cela, puis aller choisir vos couleurs. C' est une chose que vous pouvez faire parce que vous aurez assez de compréhension de la roue des couleurs et des couleurs complémentaires et des couleurs connexes que vous serez en mesure de décider. Oh, je veux que ma peinture soit principalement verte ou je veux que ma peinture soit principalement bleue et vous pouvez prendre des décisions en sachant que cela fonctionnera comme une palette. Mais si vous voulez faire ce que j'ai fait, ce que j'ai fait implique différentes variantes et versions de rose et de vert. C' est la palette sur laquelle j'ai décidé de me concentrer. Donc, je n'aime vraiment vraiment vraiment le rose. Donc c'est la couleur à laquelle j'ai pensé en premier et je me suis dit, je veux, je veux travailler avec ça. Et puis c'est en face sur la roue de couleur est verte. Cela m'a aidé à arriver à cette palette. J' ai utilisé de l'orange clair, qui est une sorte de rose pêche. J' ai utilisé le beige, qui a un sous-ton rose. J' ai utilisé un moyen rouge, qui est une sorte de rose poussiéreux. J' utilise du magenta brillant, qui est un rose vif, vert sarcelle, qui est en fait un très profond, sombre, presque noir, bleu-vert. Vendez-le, ce qui est pratiquement gris. Il est gris avec un sous-ton vert. Dans la gamme de peintures, j'ai utilisé la lumière bleue verte, qui est une couleur aqua très mentholée. J' ai utilisé jaune vert profond, qui est un vert printanier intense, Pas tout à fait chartreuse, un peu plus comme un printemps, il vert que cela, mais près de Chartreuse, j'ai utilisé bleu sauge, qui est une sorte d'un gris vert bleuâtre indéterminé, quelque sorte dans cette famille. Et puis une fois que vous avez décidé, vous savez, j'utilise le rose, j'utilise le vert, j'utilise divers dérivés et voisins de rose et de vert. Ensuite, quelles que soient les couleurs que vous choisirez, vous ajouterez du blanc et du noir à votre palais. Ainsi, vous pouvez soit biffer sur votre propre, choisir une couleur son contraire, et certaines couleurs connexes et une sorte de voisins de ces couleurs. Mélangez un peu, obtenez peut-être dix contenants de peinture maximum, ne dépensez pas plus de 30$ en peinture neuve pour ce processus. Et le blanc et le noir sont une sorte de mission critique ici, et c'est ce que vous devez savoir pour commencer. Donc, pour les pinceaux, comme avec la peinture dans cette classe, j'aime le garder bon marché et joyeux. Et c'est quelque chose que j'ai tendance à faire avec de l'acrylique à travers le tableau, que ce soit de la peinture de qualité ou d'accord. Peindre ou tout entre les deux. J' aime les pinceaux de nickel Royal et Lang vendus chez Michael. Ils sont peu coûteux. Ils viennent dans une belle variété de tailles et ils font le travail. Donc les tailles suggérées pour les pinceaux sont d'avoir un pinceau plat ou brillant d'un demi-pouce, un rond de douze pouces, ce qui est agréable, sorte de moyenne taille, un rond de six pouces, ce qui est une taille moyenne très polyvalente, puis un nombre à arrondir ou une sorte de petite brosse de détail. Donc, vous pouvez simplement laisser tomber ces petites touches de finition. Et ce serait un très petit diamètre avec lequel vous pouvez mettre de petits détails dans votre travail. C' est donc ce que nous allons utiliser. Vérifiez votre inventaire de choses que vous avez peut-être déjà et voyez ce que vous pouvez apporter à la table avant de sortir et obtenir quelque chose de spécial. Juste pour faire ces projets, beaucoup de couleurs différentes peuvent être substituées ou approximées et vous obtiendrez toujours un excellent résultat. 3. Croquis, carrés et études: Avant de peindre, il aide vraiment à dessiner. Ne vous laissez pas intimider, sera esquisser de manière très simplifiée. Et nous allons examiner quelques-unes des règles clés qui aboutissent à une bonne composition. Bien que cela s'appelle la règle des tiers, j'aime vraiment y penser comme l'outil des tiers. Les rôles existent vraiment comme un cadre pour nous permettre d'évaluer les choses dans nos dessins et dans nos peintures afin qu'elles fonctionnent un peu plus efficacement. Apprendra à composer à la fois pour un rectangle et un carré. Et à la fin de cette section, ce sera à votre tour de faire un certain nombre de petits préliminaires quelques ongles. Cette étape est vraiment amusante et elle conduit à quelques options que nous pouvons utiliser pour agrandir nos projets peints. Tout ce dont vous avez besoin est un crayon et une gomme, un t-carré ou une règle à bord droit, et du papier à gratter, préférence dans une belle grande taille. Je veux donc démontrer la règle des tiers en utilisant à la fois un format rectangulaire et un format carré. Nous commencerons par un rectangle parce que c'est celui que vous utiliserez plus souvent et que vous rencontrerez plus souvent. Donc, je divise ma forme en neuf sections égales et vous n'avez pas besoin d'obtenir super granulaire sur les mathématiques, mais généralement mettre neuf sections égales dans la forme plus grande. Quand on peint le paysage, la première question est : où est l'horizon ? Où est le point le plus éloigné que votre spectateur puisse voir ? Et il est intuitif de déposer cela au milieu de votre toile ou panneau, mais je vous encourage à ne pas le faire. Au lieu de cela, votre composition sera beaucoup plus dynamique et beaucoup plus dramatique si vous placez votre ligne d'horizon soit au marqueur horizontal supérieur. Donc, la plupart de votre peinture sera absorbée par les choses sur le sol ou la placer au repère horizontal inférieur vers le bas, auquel cas, une plus grande partie de votre composition sera absorbée par le ciel. Chacun de ces éléments donne un sentiment différent de manière significative, mais les deux aboutissent à une composition plus dramatique et plus dynamique. Donc, disons que je décide de laisser tomber mon horizon. Ça va être un peu plus grand paysage céleste. Cette chose que je sais, et je peux juste faire ce genre de ligne d'horizon inégale. Et s'il a quelques caractéristiques dessus, mais c'est assez droit et assez plat. Alors gardez cela à l'esprit lorsque vous faites règle de composition tiers, en l'appliquant à un rectangle de taille standard. Ces haut et bas ses horizontales vous donnent une ligne d'horizon naturelle. Maintenant, ces intersections de vos lignes au milieu de votre pièce, vers le centre de votre pièce, où vos verticales et vos horizontales se rencontrent. Ce sont des actions, des spots ou des points chauds. Ce sont des domaines d'intérêt. Alors quand je planifie, où dois-je mettre mes affaires ? Dans cette composition ? Je vais les utiliser comme point de départ. Et la première question que j'ai est ce qui se passe ici en ce qui concerne ces quatre points chauds. Donc tout dans ma pièce ne doit pas nécessairement se produire dans ces points chauds. Mais en général, si je me passe quelque chose qui trace une ligne dans ma composition, cette ligne pourrait pointer vers l'un de ces points chauds. Si quelque chose est nivelé avec la ligne d'horizon, peut-être qu'une partie de celui-ci touche les viandes et se termine à l'un de ces points chauds. Il ne s'agit donc pas de juste mettre quelque chose sur ce hotspot. Mais vous devez en quelque sorte les regarder et ensuite procéder à l'ingénierie inverse à partir de là, vous demander ce qui se passe. Il y a donc une somme, un objet qui est incliné vers cette chose ? En faisant cela, vous allez automatiquement renforcer votre composition. Vous pouvez simplement utiliser la connaissance de ces hotspots et ensuite travailler en arrière. Et cela fonctionne vraiment, vraiment bien dans la taille standard et les formats rectangulaires. Huit par 109 par 1211 par 14, ces tailles que vous allez ramasser quand vous allez sortir et acheter une toile pré-apprêtée ou un panneau pré-construit, vous ne serez pas toujours travailler à ces tailles. Mais en général, je trouve que je le suis. Maintenant, vous pouvez voir le niveau de croquis que je fais ici. Ce n'est pas compliqué, non ? C' est comme ça que je planifie mes tableaux. Ce n'est pas un processus de dessin élaboré qui détermine à quoi ressembleront tous les petits détails. Je commence par le général et je suis allé vers le particulier. C' est vrai avec la façon dont je dessine une peinture au préalable. Et c'est vrai avec la façon dont je travaille une peinture une fois que j'ai commencé sur ma toile ou mon panneau. Alors maintenant, je peux juste embellir ces idées, remplir un peu plus de détails si je veux. Et ça commence vraiment à décrire quelques formes et quelques volumes et à me donner une idée générale de l'endroit où aller. Et parce que tous les événements sur mon panneau pointent vers ces hotspots ou ils croisent les hotspots. Cette composition n'est peut-être pas la meilleure que j'ai jamais faite, mais ça marche solide. n'y a rien à voir avec cette composition qui me met vraiment mal à l'aise ou vraiment à l'étroit. Donc juste pour souligner où sont ces points chauds, je vais les marquer pour votre édification en peinture rose. C' est là que mes points chauds se produisent dans cette pièce rectangulaire. Quand je fais une pièce rectangulaire et que je parle de vignettes, C'est exactement ce dont je parle. Donc, je mesure soit hors de mon panneau si c'est petit ou proportionnel à mon panneau, faites un peu de maths et réduisez tout simplement. Et ça me donne les informations que j'ai besoin de savoir. Vignette, ma peinture avant que je ne peigne. Lorsque nous travaillons dans un format carré, nous devons penser à la règle des tiers un peu différemment, pas drastiquement, mais juste un peu. J' ai donc tracé ma toile de format carré et je la divise en neuf sections égales comme je l'ai fait avec ma forme rectangulaire. Dans la dernière vidéo. J' ai un peu d'attente vers le bas. Vous voyez que je suis un peu inégale, mais ce n'est pas assez drastique pour m' inquiéter pour les besoins de cette démonstration. Et je vais juste couper le fond avec des lignes supplémentaires pour que les choses soient un peu plus égales. J' ai marqué des taches d'action dans cette composition. Encore une fois, ils sont à l'intersection de mes lignes de mesure horizontales et verticales. Donc, lorsque nous travaillons dans un carré, nous pouvons utiliser à peu près la même approche de la règle des tiers que nous l'avons fait dans un format rectangulaire. Seulement dans ce cas, cela aide vraiment à compenser les choses juste un peu. Tu as toujours le droit de compenser les choses. Encore une fois, j'aime penser qu'il s'agit de l'outil des tiers plutôt que de la règle des tiers, n'est-ce pas ? C' est donc un guide que vous pouvez consulter et c'est un outil pour vous aider à créer une composition réussie. Ce n'est pas une règle de vous battre au-dessus de la tête avec. J' ai mis mon horizon 1 tiers du chemin vers le haut comme je l'ai fait dans le dernier exemple. Mais cette fois, vous verrez que je commence à ajouter des objets. Et quand je le ferai, je les compenserai un peu de l'endroit où je les mettrais. Si j'étais vraiment stricte dans ma règle de placement des tiers. Et dans un format carré, ce petit décalage est la clé. Ça fait vraiment marcher les choses. Si j'approche vraiment ces guides tout de suite, j'ai tendance à avoir un peu de problèmes dans un format carré où cela fonctionnerait mieux dans un format rectangulaire. Donc, c'est juste un truc très simple que j'ai trouvé sur un blog de photographie. Alors, regardez d'autres sources pour des conseils et des conseils sur la composition. Regardez les annonces laides parce que même si elles sont juste des annonces typographiques laides, les choix de couleur et le placement des choses sont un excellent indice pour ce qui fonctionne visuellement. Ce qui fonctionne visuellement structurellement n'est pas nécessairement ce qui est la plus jolie chose ? Une autre chose à propos des carrés qui est assez intéressante, c'est que vous verrez ici, je suis capable de mettre cet arbre presque mort centre dans un rectangle. Mettre quelque chose smack au milieu est généralement une recette pour des ennuis dans ce format carré, mettre quelque chose de centre mort ou près du centre est un choix viable. Les formats carrés sont des formats de composition très conviviaux. Donc vous verrez que j'ai cette petite ligne sinueuse qui commence à l'un de mes hotspots et pointe vers l'un de mes hotspots. Mais à part cela, il n'y a aucune information qui se concentre absolument sur ces quatre points d'action qui se croisent. Néanmoins, j'utilise mes lignes directrices horizontales et verticales comme point de départ et d'arrêt général pour différents événements visuels au sein de la composition. Les choses sont un peu bondées et occupées au premier plan, mais je ne suis pas terriblement inquiet à ce sujet. J' aurais peut-être pris cette décision d'une manière un peu différente si je le faisais. La beauté de la vignette est que je peux absolument le faire encore et encore sans passer beaucoup de temps ou de mal de tête et obtenir tout parfait et perdre beaucoup de temps sur n'importe quelle image. Donc, je peux utiliser ce point central et je peux compenser les choses juste un peu, les pousser sur le côté un peu plus loin, les pousser au milieu un peu plus loin. Et vous découvrirez que cette sorte d'approche oblique, un peu bizarre de vos lignes directrices aide vraiment à faire de vos compositions au format carré le succès de vos compositions. Maintenant que vous savez comment composer dans un carré et dans un rectangle. C' est une excellente idée de passer un peu de temps en faisant quelques miniatures rugueuses et petites. Remplissez vos carrés avec des informations basées sur ce que vous savez sur la règle des tiers, en utilisant cette règle comme un point de saut et comme un peu d'un système de stratégie, comme vous dessinez, cependant, dessinez rapidement, dessinez intuitivement, comptez sur la sagesse de votre instinct et de votre inconscient. Le but ici est de faire un grand volume de petits dessins bruts qui sont imparfaits. Et cela vous donne une idée très squelettique, rapide et concrète de l'endroit où les choses peuvent aller. Sur votre toile carrée. Vous n'avez pas besoin de décider toutes les décisions majeures qui entrent dans une peinture à ce stade, le volume est essentiel. J' aime mettre une minuterie parfois et juste m'engager à dessiner comme cet ami, notre, voir combien de ces petits croquis je peux manivelle en une seule séance. Votre intuition et votre sagesse ont une sagesse pour votre inconscient. Et permettre à ces choses de se rapprocher de ce que vous savez sur la règle des tiers est vraiment bénéfique. Quelque chose que je veux souligner est que vous pouvez faire sucettes et des arbres triangulaires et vous pouvez faire des nuages de dessins animés. À ce stade. Il ne s'agit pas d'esquisse vraiment efficace ou de dessin compétent. Il s'agit de tracer où les éléments d'une peinture pourraient mieux servir l'image et c'est tout. Pas plus, pas moins. Donc, utilisez la géométrie, utilisez la simplification et vraiment aller pour le volume. Vous pouvez tracer votre grille de règle des tiers ou vous pouvez simplement compter sur votre mémoire et votre souvenir pour guider votre prise de décision lorsque vous dessinez ces dessins. Après avoir créé un certain nombre de ceux-ci très rapidement, et en s'appuyant sur une absorption inconsciente de la règle des tiers. Ensuite, vous pouvez revenir en arrière et évaluer chacun et voir quelles parties de chaque image sont réussies, vous pouvez évaluer chacune d'entre elles. Et si vous avez assez d'un volume important de cette petite image est construit, alors vous pouvez simplement entrer et choisir intuitivement ceux qui ont un bon sentiment à regarder. Ceux que vous ressentez sont les plus équilibrés et les endroits où vous aimeriez passer votre temps. Ce sont les vignettes que vous pouvez utiliser pour structurer votre prochain mouvement comme une peinture ou comme une étude qui donnera lieu à une peinture. 4. PARTAGER VOTRE PROGRESSION: Tout au long du cours, nous aurons des occasions de partager et de compiler notre travail. Allez-y et commencez un projet sous l'onglet Projets disponible sur la page principale de la classe. Une fois cette opération terminée, commencez à charger certaines de vos miniatures, esquisses et schémas. Vous pouvez utiliser cette option pour démontrer et suivre votre compréhension de la règle des tiers. Et vous pouvez appliquer cette connaissance à la fois aux carrés et aux rectangles. N' ayez pas peur de télécharger quelques croquis très superficiels et Ross. Les vignettes de tout le monde ressembleront à ça. Que vous souhaitiez partager votre travail à ce stade ou non, il est important de commencer à faire des esquisses. De cette façon, Planifier et explorer différentes idées pour la composition. 5. Étudions la valeur: Nous allons explorer la valeur et explorer les propriétés physiques de notre peinture. Je vais utiliser quatre outils différents pour peindre sur mon papier test. Je l'ai divisé en quatre sections horizontales. J' ai un couteau à palette autour de la brosse, une brosse plate, un chiffon, ou une serviette en papier. Ainsi, vous pouvez utiliser n'importe quel outil, n'importe quel moyen d'obtenir de la peinture sur du papier. C'est très bien. Il se trouve que je les utilise pour, et il y en a probablement ceux que vous pouvez répliquer facilement. Je vais utiliser le noir et le blanc exclusivement parce que nous avons affaire de valeur et pas de couleur. valeur est le spectre complet du noir le plus noir que vous pouvez créer au blanc le plus large que vous pouvez créer, et toutes les nuances de gris entre les deux. Lorsque je démarre ma première barre, je décide que je vais peindre dans des boîtes qui ont un bord défini comme défini par la ligne de crayon en haut de la bande que j'ai dessinée sur ma page. Et je vais commencer par ajouter du noir à ce bar. Je pourrais ajouter du blanc et travailler dans la direction opposée. L' un ou l'autre est bien La première chose que vous ferez est d'utiliser votre pinceau rond pointu et de commencer par peindre une petite boîte. Et vous pouvez les peindre en noir ou blanc. Quelle que soit la couleur que vous avez faite, vous allez ensuite prendre un peu l'opposé de cette couleur. Donc, si vous utilisez du blanc, un soupçon de noir. Si vous utilisez le noir comme moi, un soupçon de blanc. Et puis tu vas peindre une deuxième boîte en avançant le long de la bande. Vous remarquerez qu'il y a une différence subtile entre ces deux nuances. Ajoutez une autre goutte de blanc à noir ou noir à blanc, puis continuez ce processus. Maintenant, je me concentre plus sur rester à l'intérieur de la ligne du crayon que sur faire une ligne parfaitement droite entre ces boîtes, n'est-ce pas ? Les séparations ici sont un peu déchiquetées et c'est bien pour moi. Je ne me concentre pas autant sur ça que sur rester dans la ligne du crayon où les choses ont tendance à être plus droites. Vous pouvez le faire de cette façon ou vous pouvez vraiment prendre le temps de rendre vos bords sur toutes ces boîtes aussi précis que possible sans esquisser quoi que ce soit. Ce n'est qu'un défi de bonnes pratiques. Et la beauté de ça, c'est que vous n'avez pas à le faire parfaitement. C' est juste là pour commencer à vous faire prendre l'habitude de faire attention à ce genre de limitation, n'est-ce pas ? Et en travaillant simplement dans une sorte de contrainte, vous vous habituerez à la brosse et vous vous habituerez à faire des bords droits et propres. Continuez à ajouter une touche de blanc à noir ou noir à blanc selon la direction que vous travaillez. Et voyez simplement comment la couleur change avec chaque marque que vous faites et avec chaque itération lorsque vous vous déplacez sur la page. Dans ce cas, je décide délibérément de ne pas mélanger. Et il est, je pense, important de faire une bande de nuances distinctes non mélangées. C' est une mesure utile que vous pouvez comparer aux exercices de couleur que nous ferons plus tard. C' est sympa d'avoir cette petite bandelette de test. Maintenant, vous pouvez voir que depuis qu'il a commencé si sombre, je n'ai jamais vraiment atteint le blanc. C'est bon. Mais si vous pouvez obtenir tout le chemin au blanc à partir du noir, tant mieux. Donc, vous voudrez peut-être rendre vos boîtes un peu petites et plus condensées que je l'ai dans cet exemple. Qu' en est-il de la création d'une transition douce entre les valeurs ? Ça peut être un peu délicat, mais je vais vous montrer comment je vais y arriver. Je commence avec deux brosses propres sur les extrémités opposées de la barre, une noire et une blanche. Je peux ensuite ajouter du blanc à mon noir et du noir à mon blanc. Une très petite quantité de Black à mon avis, soyez très conservatrice quand vous travaillez dans cette direction. Et puis je peux travailler doucement ces deux côtés opposés l'un vers l'autre jusqu'à ce qu'ils se rencontrent au milieu. J' utilise un peu mon pinceau pour brosser ces transitions et les lisser. Je ne veux pas rester trop longtemps sur les transitions. Et je ne veux pas les mélanger ou continuer à travailler la peinture pendant qu'elle commence à sécher parce que la peinture deviendra collante et ces transitions ne se ramolliront pas, elles resteront plus difficiles. C' est une ligne fine de savoir quand arrêter de travailler la peinture. Et c'est quelque chose qui vient avec beaucoup d'expérience. Donc, si vous voulez essayer de faire des transitions douces, vous sentez certainement encouragé à essayer encore et encore. Et deuxièmement, il suffit de s'améliorer à ce processus grâce à la répétition. Cela prend du temps, mais vous serez en mesure de faire très beaux gradients lisses qui vont du noir au blanc. J' aime utiliser mon pinceau plat pour ceux-ci principalement parce qu'il me permet de travailler rapidement et je peux mélanger avant que ma peinture ne commence vraiment à sécher. Essayez quelques dégradés et essayez quelques dégradés en boîte. Alors maintenant, je veux examiner exactement ce même processus, mais cette fois je me limite à nouveau et je me défie à nouveau. Et le seul outil que je vais utiliser pour mettre de peinture sur papier va être ce couteau à palette en plastique. Encore une fois, j'ajoute une petite quantité de blanc à mon noir. Et j'élargis ma marque de gauche à droite. Avec chaque boîte que je peins sur mon papier, j'ajouterai un peu plus de peinture blanche, allégeant la valeur que j'applique au papier. Un couteau à palette nous donne beaucoup de texture et beaucoup de présence. Et c'est un outil de peinture très utile, quelque chose qui vous donne une gamme expressive plus large. Et c'est vraiment bon d'avoir un peu de pratique à gérer ça. La peinture réussie est souvent réduite à une approche intéressante et variée de la façon dont vous pouvez mettre votre peinture sur votre support. Donc, en pratiquant avec différents outils dès le début, nous paierons plus tard. Je peux utiliser un couteau nettoyé si je veux mélanger mes bords un peu plus qu'ils ne semblent être en ce moment. Je peux donc essuyer mon couteau sur une serviette en papier et l'utiliser avec un peu de pression pour étaler la peinture d'une manière affinée vers l'arrière dans ma ligne de spectre et cela ramollira un peu ce bord. Notez que chacun de ces outils a sa propre caractéristique distinctive, sa propre voix distinctive. Ceux-ci sont tous à votre disposition pour l'utiliser et il changera le ton de la voix dans votre peinture pour changer son implémentation. C' est amusant de savoir qui sont les plus à l'aise avec. L' un de mes préférés est juste un chiffon simple. Donc, j'utilise un papier enroulé dire une fois de plus, travailler de la peinture blanche dans ma peinture noire que je déplace différents morceaux de béton de valeur à travers cette feuille, créant une autre barre multi-valeurs. Dans le cas du chiffon, il est difficile d'obtenir un bord très mélangé avec la première couche de peinture. Donc je n'essaierai pas de faire ça. Je veux vraiment voir si je peux contrôler la valeur assez bien pour que chaque itération et chaque marque que je fais soit un peu plus légère successivement que la dernière. Amusez-vous et créez une ou plusieurs pages comme celle-ci avec échelles de valeur qui se déplacent d'un côté à l'autre et englobent le noir, blanc et les nuances de gris entre les deux. 6. Introduction aux valeurs de paysage: Maintenant, nous allons utiliser la peinture en noir et blanc et ce que nous savons sur la valeur pour créer une carte d'une structure de valeur qui s'applique à la plupart des situations de peinture de paysage. Vous trouverez cela comme un outil super-utile, pratiquement indispensable quand vient temps de rendre n'importe quelle vision du monde extérieur. Je dirais que c'est l'outil le plus important et le plus utile dans une boîte à outils paysagistes. 7. Paysage fantaisiste en noir et blanc: Pour cet exercice, nous allons nous limiter au noir et au blanc. Vous aurez besoin de quelques brosses. Une de vos toiles vierges huit par huit, et un couteau à palette est utile pour remuer votre peinture. Je vais esquisser mon image en utilisant une couleur néo pour cirer pastel. Ces crayons solubles dans l'eau ou dissolvables dans l'eau comme son nom l'indique. Et ainsi vous serez en mesure de corriger tous les problèmes d'esquisse que vous rencontrez simplement en essuyant votre travail de ligne avec un peu d'eau et un chiffon. J' esquisse ma règle des tiers sur ma place. Et je suis capable d'utiliser ce framework pour déposer quelques informations dans mon croquis. Je vais créer quelques nuages dans mon ciel. Je vais créer quelques arbres verticaux dans mon paysage. Et je vais ajouter quelques exemples où le sol est à la fois plat et des points directement vers le haut. Et quelques cas où le sol a un angle par rapport à lui. Donc, quelques collines au loin et un peu d'une montée au premier plan. J' ai terminé mon croquis préliminaire et mes objets sont situés d'une manière qui me convient. Notez qu'ils sont très stylisés et simplifiés. Nous avons affaire à une imagerie de niveau dessin animé pour vraiment simplifier cette image et vraiment clarifier les informations qu'elle contient. Pour rendre la valeur la plus légère sur ce canevas. J' ajoute un peu de noir à un peu de blanc pour créer un argent très léger, presque blanc, un gris. Le groupe de valeurs le plus léger dans le paysage. Ça va presque toujours se produire dans le ciel. Donc, pour reproduire ce fait, je vais peindre ce gris très clair dans la zone de mon ciel, dans ma peinture sur ma toile. Donc je suis juste en train de peindre ça dans une couverture uniforme très plate. Et je ne m'inquiète pas de la perfection. Je ne suis pas inquiet de toute sorte de variation dans cette couleur. J' applique juste une couleur plate à mon Canvas. J' ai quelques nuages là-haut et je les laisse vides en ce moment. Et je veux dire, en les laissant vides pour illustrer l'intérêt de rendre votre valeur la plus légère dans l'ensemble, encore un peu plus sombre que le blanc. Si je peignais tout ce blanc, je n'aurais nulle part où aller. Si je voulais que ces nuages soient un peu clairs dans le ciel, je devrais les rendre plus sombres. Et ce n'est peut-être pas ce que je veux faire dans cette situation. Donc, pour garder un peu de marge de tête, un peu de potentiel lumineux où je peux tomber dans un point culminant blanc et il aura l'air juste un peu plus lumineux que tout le reste. J' ai besoin d'ajouter un peu de noir à mon blanc dans ce cas. Et si je peignais en couleur. Pour obtenir le même résultat en ajoutant quelques couleurs à ce blanc. Donc, c'est globalement le groupe de valeurs le plus léger dans le paysage. C' est la chose la plus légère sur votre toile en moyenne. Parce que c'est là que se trouve le soleil. Tu ne peux pas être plus léger que le Soleil. C' est l'ampoule du monde. Donc, votre source de lumière lorsque vous peignez le paysage est au-dessus de votre tête. Et vous faites quelque chose inhabituel en ce sens que vous peignez toujours votre source lumineuse. Vous incluez toujours votre source de lumière directement dans votre peinture, ce qui était une situation qui ne se produit pas vraiment de la même manière lorsque vous peignez et que vous êtes en intérieur. Donc, aux fins de cette carte incroyablement stylisée et simplifiée des valeurs et comment elles se produisent dans le paysage. Nous y allons, nous avons notre groupe un groupe de valeur le plus léger, complet, et notre ciel est plus ou moins peint. Je pourrai parler de ces nuages plus tard à la fin de ma pièce. Ils ne sont pas si importants en ce moment. Vous pouvez regarder cette démo ou vous pouvez peindre le long. Et je suggère de peindre un de ceux-ci pour vous-même. Simplifiez les yeux de style et le rendre vraiment facile pour vous-même. Il est important de mémoriser cette relation de valeurs en quelque sorte et pour la peinture, La meilleure façon de l'intégrer dans vos banques de mémoire internes est d'avoir yeux physiques qui traitent un peu et de le rencontrer en le faisant, c'est un vraiment bonne idée de faire l'un de ces petits croquis de peinture si vous le pouvez. Si vous ne voulez pas consacrer une toile à cela, tracez la toile en tracant votre toile sur un morceau de papier et en la peignant sur un morceau de papier, huit par huit. Vous pouvez également peindre sur cette toile et la réutiliser si vous n'avez pas envie de garder l'image de fin. Le deuxième groupe de valeurs le plus léger dans un paysage se produira sur des surfaces planes qui pointent vers le haut vers la source lumineuse. Donc, les surfaces planes de cette pièce qui pointent vers cette source lumineuse sur la masse se produisent principalement sur le sol plat, non ? C' est ce qui a basculé vers le soleil le plus directement. Donc c'est ce qui est peint. Mon deuxième groupe de valeurs le plus léger. Je crée la deuxième valeur la plus légère en ajoutant juste un peu de noir au mélange de gris que j'ai créé pour peindre le ciel. Et puis je remplis simplement les zones de ce plan plat à mi-distance du sol. Si c'est une image réaliste, il y aura beaucoup de variations dans ce domaine. Mais puisque cela est stylisé et simplifié, je vais juste appliquer la même valeur uniforme de peinture à toute cette surface de terrain plat. Maintenant, nous avons notre valeur la plus légère et notre deuxième valeur la plus légère. Donc, à partir de là, il y a un troisième groupe de valeurs, un peu plus sombre, mais quand même. Ce que je considérerais comme un gris moyen. Donc, l'un est légèrement plus léger que le gris moyen parfait et l'autre est légèrement plus sombre. Ce groupe de valeurs légèrement plus sombre, le troisième groupe de valeurs, le groupe trois. Cela va toujours être appliqué à des choses qui attrapent la lumière, mais pas nécessairement directement. Donc, nous avons des choses comme les montagnes au loin sont des collines dans la distance que j'ai inclus et stylisé. Donc ce sont un objet que je vais peindre dans ce gris moyen, ce gris légèrement plus foncé. Vous pouvez voir comment le Soleil attrapait les sommets mêmes de ces collines, mais les côtés les attrapaient moins directement et ceux-ci seraient un peu plus sombres et un peu ombragés. Je vais également appliquer cette valeur légèrement ombragée plus près du spectateur à l'avant. Il y a deux raisons à cela. La première est que ce sol est en fait incliné. Il n'attrape pas la lumière aussi directement. Je suppose que ce n'est pas aussi plat. L' autre raison est qu'il est agréable d'ombre au premier plan juste un peu par rapport au sol de distance. Cela aide le spectateur à se sentir un peu ancré dans l'espace. J' ai donc tendance à ombre un peu la zone de premier plan. Cela configure également votre premier plan pour contenir un peu plus de contraste et un peu plus de détails. Ensuite, dans votre tableau, les zones qui sont plus éloignées du spectateur. Mais dans cette version stylisée de la réalité, ce n'est pas une préoccupation majeure. Je veux juste montrer que ce terrain n'est pas parfaitement plat. La valeur la plus sombre d'un paysage sera réservée aux objets verticaux plus proches du spectateur. Donc, si c'est très loin, il a tendance à être un plus léger et lavé. Mais tout ce qui se trouve à mi-distance ou près du spectateur va prendre la valeur la plus sombre sur votre toile. Notez que j'ai ajouté du noir au blanc avec certains abandonnés, mais ce n'est toujours pas un noir droit quand je peins dans ces arbres à mi-distance et près du sol. La raison en est la même raison que j'ai commencé avec du gris argenté au lieu du blanc. Si je peins ces presque mais pas tout à fait noir, je me suis maintenant laissé un peu d'un sous-sol, un peu d'un point inférieur à aller, ou je peux tomber dans une ombre plus profonde et plus sombre sans ce petit peu de place sur le bas de mon échelle de valeur en noir, ces ombres sombres ne liraient pas comme n'importe quelle autre de l'information qui jette l'ombre. C' est donc vraiment agréable de vous laisser ce petit peu de place dans votre spectre de couleurs ou dans votre système de valeurs, afin que vous puissiez prendre votre peinture jusqu'au noir et jusqu'au blanc, au moins un peu . Les formes que je peins sont incroyablement simplifiées. Je vais chercher une version dessinée de la réalité. J' adore peindre comme ça. Le réalisme n'est pas nécessairement meilleur ou pire que la stylisation. Donc, ce que j'ai appris par le réalisme, je peux appliquer à la stylisation. Et ce que j'ai appris là-bas, la stylisation, je peux appliquer au réalisme. Je pense que ces deux modes de travail se soutiennent vraiment bien. La stylisation peut être vraiment sympa. Je peux donc contourner certains de ces concepts complexes d'une manière très claire et concise. Maintenant, tu vois que j'utilise un peu de la salle du sous-sol pour mettre un noir encore plus sombre dans cette pièce. Sur les troncs d'arbres. Les arbres ont tendance à être un peu ombragés vers le fond par rapport au sommet. Donc, je peux utiliser ma peinture pour jouer avec cette idée en ajustant mes groupes de valeurs juste un peu au sein du groupe. Vous pouvez passer beaucoup de temps sur cette image et le rendre vraiment parfait, vraiment délicieux de regarder un petit gardien absolument et gentil qui est à vous de décider. Je joue un peu avec ça, mais pas tellement que je m'y attache vraiment. Donc je suis à l'aise d'utiliser ça pour peindre. Et vous pouvez vraiment jouer avec vos valeurs un peu, faire de petits ajustements et de petites décorations dans votre pièce. Vous pouvez l'expérimenter autant que vous le souhaitez, prendre autant que vous le souhaitez, ou le laisser là où il est. Tout comme une expérience très simple et illustration simple du rôle de la valeur dans le paysage. Je vous encourage à créer une petite illustration comme celle-ci. Dans ce cas, il fonctionne vraiment comme une illustration, puisqu'il illustre les quatre grandes zones de valeur d'une peinture de paysage. 8. Paysage en noir et blanc: Dans cette vidéo, je vais montrer ce qu'il faut pour prendre une image de feuille de route stylisée à quatre valeurs que nous avons créée dans la dernière vidéo. Et déplacez cela dans une image plus développée et plus dimensionnelle. Je n'ai pas l'impression que tu dois peindre sur ton tableau comme ici. Vous pouvez regarder votre feuille de route et l'utiliser comme référence. Je vous encourage à essayer ceci une ou plusieurs fois et vous pouvez peindre l'image sur du papier ou sur vos toiles peu coûteuses. Je voulais peindre sur ce tableau pour montrer à quel point cette structure de valeur simplifiée, une image légèrement plus dimensionnelle ou plus spatialement convaincante est réellement, Il n'y a pas beaucoup de saut entre quelque chose vraiment stylisé et quelque chose d'un peu plus réaliste. Le groupe de valeur le plus léger de ma peinture est certainement dans le ciel, comme je l'ai mentionné, mais ce n'est pas tout à fait aussi dur et rapide et la réalité, la nature n'est pas dur, bords propres beaucoup du temps. Alors qu'il est vrai que vos valeurs les plus légères se produiront dans le ciel de votre peinture. Il y a une transition. Il y a une progression d' une valeur légèrement plus foncée en haut de votre champ de vision. Cela devient plus léger, plus léger et plus léger lorsque vous descendez vers le bas de votre division de terrain à l'horizon. Cette progression est très marché, très évidente au lever et au coucher du soleil. Mais cela arrive aussi au milieu de la journée. C' est juste que la progression de la valeur et la progression du changement de couleur dans le ciel sont beaucoup plus subtiles. Il y a donc un roll-off beaucoup plus doux dans mes valeurs. Si c'est un tableau de midi entre le haut de ce gars dans le bas et qu'il y a un peu moins doux dans ces différences de valeur. S' il s'agit d'un lever de soleil ou d'un coucher de soleil, plus l'heure de transition de la journée que la peinture représente. Ensuite, nous voyons une certaine texture en ce que ce sont des transitions et nous voyons plus de texture donnée à la couverture nuageuse. Et juste des transitions plus audacieuses et une sorte d'instances réfractées de variations plus claires et plus sombres dans la plage de valeurs. Mes éléments plus éloignés, qui sont liés à la couleur de fond, mais peut-être un peu plus sombre que la couleur de fond. Ces bords sont en fait très doux. En réalité, plus nous nous éloignons de quelque chose, le bord de l'objet est doux et moins évident. Ainsi, en tant que peintres, nous pouvons reproduire cette expérience de regarder dans la distance en adoucissant ou les bords lointains. Je peux adoucir les bords dans le ciel et je peux laisser un peu de texture dans le ciel pour donner la suggestion et l'indication des nuages. Je n'ai pas à structurer mes nuages très serrés. Je peux juste indiquer qu'ils sont là. Et le spectateur comblera toutes les lacunes dans l'information. Et il est plus efficace souvent de simplement suggérer quelque chose avec votre pinceau que de le peindre vraiment, surtout dans la distance de l'image. Mon avion au sol est légèrement plus sombre que le ciel en moyenne. Et c'est certainement quelque chose que je veux maintenir et que je veux en quelque sorte reconnaître que je peins. Cependant, il y a des variations à l'intérieur de ce terrain plat. Typiquement, les objets au sol plat ont tendance à être un peu plus légers en valeur car ils s'éloignent plus loin de nous. Cela est dû à l'effet de l'atmosphère sur notre vision. L' atmosphère qui existe entre nous et objets lointains a tendance à refroidir ces objets, donc ça les rend un peu plus bleus. Quand il aura le temps de regarder la couleur, nous en parlerons plus. Mais il a aussi tendance à laver les choses au brouillard et au gel, l'apparence d'objets lointains légèrement. Je vais remplacer mes arbres. Et cette fois, plutôt que de faire ces formes très concrètes, très en quelque sorte de pointes dures et spécifiques, je ne fais que glisser mon pinceau dans ma peinture et faire une forme moins spécifique, plus déchiquetée et organique. Vous remarquerez que j'ai posé de la peinture. Je le retourne un peu avec mon pinceau. Mais vous verrez que j'ai essayé de résister à la tentation d'aller sur choses peintes que j'ai peintes et de les masser beaucoup avec le pinceau. Plus vous évitez de travailler sur les choses et de continuer à les masser avec la brosse et de les mélanger et de les mélanger plus d'une structure que vous avez réellement tendance à obtenir. Et le champ que vous obtenez est un peu plus dynamique et juste un peu plus. Je me sens comme structurellement sain je suppose que c'est comment je le décrirais. Les arbres sont un peu plus sombres vers le fond. Il y a donc une zone ombragée reconnue qui se produit au fond de ces arbres. Et les objets qui sont plus proches de nous et facilement perçus par nous, ils ont tendance à jeter une ombre visible. Donc j'ajoute cette ombre. L' ombre est toujours un peu plus légère que l'objet qui la coule. Je ne devrais pas le dire toujours, mais en général, c'est une bonne façon de représenter ces zones d'ombre. J' ai aussi décidé que le soleil rayonne vers nous un peu bas dans le ciel. Et il est un peu incliné vers le côté droit de l'image. Ainsi, l'ombre projetée par le soleil va se déplacer un peu dans la direction opposée. Et je vais peser l'ombre sous mes arbres légèrement à gauche. J' ajoute des valeurs plus profondes et plus sombres à mon premier plan, l'avant même de l'image. Et je joue un peu la texture à l'avant. Je ne suis pas très détaillé. Mais un peu de texture suggère ce phénomène où nous avons remarqué plus de détails à mesure que les objets sont plus proches de nous. Un excellent moyen de miroir qui est juste en ajoutant un peu de texture supplémentaire. Les arbres sont plus légers vers le sommet, parfois légèrement et parfois très sensiblement, si le soleil est élevé au-dessus et les battant vers le bas. Ce n'est pas direct fils de tête, mais je sentais qu'il était encore utile de jouer avec cette idée de ces arbres, qui signifie légèrement plus léger vers le haut. Pensez à l'endroit où la lumière pourrait attraper certaines branches dans les sections médianes de ces arbres. Et vous pouvez utiliser certaines de vos versions légèrement allégées de vos valeurs sombres. Si ça a du sens, je sais que c'est compliqué. Mais si vous utilisez simplement votre valeur sombre, votre valeur d'arbre initiale, puis l'alléger légèrement par rapport à elle-même. Vous pouvez commencer à créer des petits faits saillants efficaces. Si je devais simplement tomber dans les reflets blancs, ils auraient l'air très déplacé et ils attireraient beaucoup d'attention et semblaient flotter à l'extérieur de l'image vers le spectateur. Si vous voulez ajouter des branches à votre arbre et donner de petits indices et indications sur la façon dont les branches et les formats de tronc structurent. Vous pouvez certainement le faire. C' est une bonne idée de déposer ces suggestions dans votre arbre où vous voyez des ombres créées par l'ombrage que vous avez ajouté vers le centre et vers les zones ombrées. Vous pouvez également mélanger ces zones ombragées un peu comme je l'ai ici. Vous voulez éviter les bords vraiment durs, mais vous ne voulez pas non plus entrer dans une situation où tout est simplement mélangé au-delà de la reconnaissance. C' est un bon équilibre entre être sous et trop mélangé. Et dans ces premiers stades de l'étude, je recommande fortement de se tromper du côté d' un peu sous-mélangé et de ne pas s'inquiéter trop à ce sujet. Plus je travaille sur ce sujet, plus j'ai décidé que c'est vraiment une image de fin de journée. Je laisse tomber des zones très lumineuses dans la partie inférieure de mon ciel vers l'horizon. Et je peux faire écho un peu à ces faits saillants sur le terrain plat. Il suffit de laisser tomber quelques petites notes de zones où la faible lumière pourrait attraper ce sol plat à mi-distance. C' est vraiment juste une question de développer l'échange entre vos valeurs d'obscurité et de lumière. Ainsi, les transitions entre une valeur et ensuite suivante. Comment faire cette transition ? Comment le faire d'une manière qui est agréable quand vous le peignez et agréable et vous le regardez. Donc, plus vous gagnez d'expérience dans ces transitions de autant de façons différentes que possible. En utilisant autant de textures différentes que possible, différentes brosses, différentes façons de faire des marques, en utilisant des rythmes différents, parfois très lents et prudents et parfois très rapides et presque aléatoires. Toutes ces approches différentes pour passer d'une valeur à l' autre vont vous donner un répertoire plus large de façons d'aller d'ici à là. Et c'est ce voyage d'ici à là, de votre valeur lumineuse à votre valeur sombre, de votre lumière à votre ombre. C' est ce qui fait une image dynamique et efficace en noir et blanc. Une image dynamique et efficace en noir et blanc devient la base d'une image dynamique et efficace en couleur. Quelque chose à savoir, c'est que cette vidéo est assez rapide et qu'aucune des peintures de cette vidéo n'a été accélérée. Mon processus de peinture ici est très rapide. Et je trouve qu'en accélérant vraiment et en allant vite, cela aide en fait la qualité de ma marque à faire un peu. Donc, si vous trouvez que vous avez un peu de lutte, essayez d' accélérer les choses et de voir où une approche vraiment rapide et intuitive de ce matériel mènera. Je pense que vous pourriez être surpris d'une bonne façon de vos résultats. 9. PARTAGER VOTRE PROGRESSION: Félicitations, vous avez maintenant une grande compréhension des valeurs dans la peinture. Ouvrez l'onglet Projets, et allez de l'avant et ajoutez certains de vos résultats de votre expérimentation. J' adorerais voir votre transition, vos schémas et études abstraites, ainsi que toutes les études où vous avez commencé à résoudre les problèmes impliqués dans les transitions entre le noir et le blanc. Vos collègues étudiants seront là pour offrir des encouragements et des commentaires. Alors allez-y et n'hésitez pas et encouragés à poster. 10. Introduction à la couleur: Dans cette section de notre classe, nous reviendrons du noir et du blanc à la couleur. Nous allons commencer par regarder la roue de couleur dans peu de détail et couvrir juste un peu de théorie des couleurs. Gardez à l'esprit que nous grattons la surface même d'un sujet très profond. Mais je pense qu'il est important de rencontrer certains des concepts rudimentaires de la théorie des couleurs. Avant de peindre. Ensuite, nous allons couvrir un court exercice de couleur. Cet exercice nous encouragera à explorer les couleurs que nous avons entièrement choisies. Cela nous donnera aussi un peu de temps à pratiquer peinture et à se familiariser avec les propriétés physiques de la peinture. La façon dont il se mélange, la vitesse à laquelle il sèche sur la page. Et la sensation de travailler ensemble avec la peinture et le pinceau. 11. Certains principes de base des couleurs: Je vais garder ce bref et, espérons-le, du côté indolore des fonds slash. D'accord. Donc, ce que nous regardons ici, c'est la roue de couleur. La roue de couleur est divisée en trois couleurs primaires. Nous avons le rouge, le bleu et le jaune. Ce sont des primaires. Les couleurs secondaires sont arrivées en mélangeant deux de ces trois primaires. Donc, quand on mélange le rouge et le jaune, on devient orange. Voici un secondaire. Lorsque nous mélangeons le rouge et le bleu, nous obtenons le violet, ce qui est un secondaire. Quand on mélange le bleu et le jaune, on devient vert, ce qui est un secondaire. Donc, toutes ces couleurs sont secondaires. Ils sont une combinaison de deux couleurs. Et je veux dire à parts égales, mais le fait est que les pixels et les lumières, faisceaux lumineux sont un moyen très cohérent de créer de la couleur, tandis que les pigments chimiques sont moins cohérents. Et c'est ainsi que nous créons des mélanges de couleurs, de la peinture à sens unique. Donc, ce que nous pouvons nous attendre à travailler d'une manière très cohérente et ordonnée lorsque nous le regardons à travers une reproduction numérique n'est pas quelque chose qui fonctionnera de manière aussi cohérente et ordonnée dans la vie réelle. Alors sachez que le mélange de pigment rouge et bleu se traduira généralement par une sorte de Violet. Combien de rouge, combien de bleu dépend. Quel genre de violette est-elle très vibrante ou sale ? Ça dépend. Donc c'est juste quelque chose à garder à l'esprit qu' il va y avoir un écart entre ce genre de Lee platonique, réalité idéale des pixels et la réalité réelle et pratique de votre peinture. Et la meilleure façon de comprendre comment combler cet écart est à travers l'expérimentation, l'expérimentation répétée, et en tenant compte du fait que différents tubes de peinture, différents fabricants de peinture, tous ceux différentes choses vont jeter un peu cela et apporter leurs propres bizarreries et idiosyncrasies à ce processus. Donc, en plus de nos couleurs primaires sont des couleurs secondaires, nous avons des couleurs tertiaires et ce que ceux-ci représentent est une irrégularité dans le mélange. Donc, nous avons quelque chose qui favorise visuellement penche d'un côté ou de l'autre dans le mélange. Donc, par exemple, nous avons ici ce genre de Fuchsia, violet rougeâtre. Donc, ce que c'est c'est un mélange techniquement de rouge et de bleu, mais c'est un mélange qui favorise beaucoup plus le rouge. Donc, il se penche lire. Ici, nous avons un mélange de bleu et de jaune, mais il privilégie le bleu extrêmement, il y a juste un peu de ce jaune et vous obtenez cet aqua. C' est donc un tertiaire. Ici. Nous avons également un mélange de vert, jaune et bleu. Mais dans ce cas, ce vert favorise le jaune. C' est donc un tertiaire. Dans ce cas, nous avons une orange, mais elle se penche fortement vers le rouge. Il se penche loin du jaune, bien qu'il englobe un peu de jaune et c'est un tertiaire qui favorise le rouge. Donc, vous obtenez un rouge orange ou violet rouge, un bleu vert, et un vert jaune. C' est ainsi que cela tombe en panne. Juste à la surface, nous avons des mélanges de couleurs primaires , secondaires, tertiaires. Donc, un autre concept en couleur que vous voudrez être familier est celui de la température colorée. Vous avez probablement entendu parler de couleur chaude, de couleur fraîche. Qu' est-ce que ça veut dire exactement ? Allons dans ça juste un peu. Donc, une couleur fraîche se réfère simplement à la présence de bleu dans cette couleur. Et donc généralement, c'est cette partie de la roue de couleur que l'on pourrait appeler les couleurs fraîches. Donc ici, nous avons le bleu, ici, nous avons le bleu ici, nous avons le bleu. Le bleu est dans ce vert et le bleu est même dans ce vert. Bien que la chose à propos de chaud et cool que vous devez garder à l'esprit est que ce sont aussi des termes relatifs. Ils signifient quelque chose indépendamment de toute autre information, mais ils commencent vraiment, vraiment, vraiment commencer à devenir plus significatif quand vous réalisez qu'il y a relatif. Donc, quand je regarde cet écran et que je le compare à ce vert, ce vert a beaucoup plus de jaune dans son mélange. Il est plus proche du jaune sur la roue de couleur, et cela est représenté par la façon dont il se trouve à côté du jaune. Il contient plus de jaune dans ses composants. Donc ce vert est plus cool que ce cri. Les deux sont des couleurs fraîches. Mais quand je pourrais dire quelque chose comme l'échauffement que vert, ce que je veux dire est d'y ajouter une couleur chaude. Si je devais dire refroidir ce vert, je voudrais dire que vous y ajouteriez du bleu et vous vous retrouveriez avec un vert qui est plus proche de cet aqua. Donc, c'est ce qu'on entend par couleur chaude et fraîche. Chaud. Inversement, englobe cette partie de la roue de couleur. Et chaud peut être un peu délicat parce que chaud implique qu'il y a un rouge en train d'être ajouté à cette couleur. C' est vraiment vrai, nous le savons. Mais chaud peut aussi signifier que vous ajoutez du jaune. Cependant, il y a des couleurs qui ont du jaune, mais elles sont considérées comme fraîches. Donc le jaune est un peu glissant, il est un peu plus ambigu chaud. C' est une couleur chaude, mais le rouge est généralement considéré comme la couleur la plus chaude sur la roue de couleur. Cela dit, à cette extrémité du spectre, encore une fois, des choses funky commencent à se produire. Vous obtenez des violets très, très bleus, qui vraiment, bien qu'ils contiennent du rouge, sont du côté plus frais de la roue de couleur. Il y a donc un peu d'ambiguïté sur les bords de la définition comme il y a tendance à l'être. Alors gardez ça à l'esprit. Et gardez à l'esprit qu'il n'y a pas de règle universelle dure et rapide à ce sujet. Ce sont des termes relatifs. Ils ne sont pas aussi objectifs que des termes comme la couleur primaire, par exemple. Jusqu' à présent, nous avons parlé de couleurs claires, pures, vibrantes et attrayantes. couleurs qui sont vraiment intenses et amusantes à regarder. Et il y a une école de pensée que vous ne voulez jamais laisser votre couleur éloigner trop loin de ce genre d'idéaux de bâton coloriste quand vous peignez. Parce qu'une peinture qui s'éloigne de ces idéaux commence à prendre ce qu'on appelle une apparence boueuse. Comment faire de la boue et comment éviter de faire de la boue ? Voilà le genre de questions que vous entendez encore et encore. Et ce sont les types d'avertissements que j'entends encore et encore dans les leçons de couleur et les types d'avertissements qui m'ont été donnés moi-même. Mais je pense que ce genre de pensée est un peu malavisé. Pour peindre un paysage. Vous avez vraiment besoin de couleurs neutres. Vous avez besoin de gris et de Brown, verts de faible intensité, couleurs qui ont l'air citation, sans citation sale. Sans ce genre de couleurs, il est très difficile de représenter le monde naturel avec n'importe quel degré de fidélité. Et il est même difficile de créer un espace qui pourrait avoir un peu de la nature contemplative en elle. Jetons un coup d'oeil à ce que Marc Chagall voulait dire quand il a dit que les couleurs sont amis avec leurs voisins, mais amoureux de leurs opposés. J' ai ma roue de couleur ici, la façon dont on l'a regardée. Et je vais ajouter une super imposition d'une version légèrement différente de cette roue de couleur. Ce que nous allons ajouter est une roue de couleur où chaque couleur dans ce que nous allons, chaque coin va être remplacé par sa couleur opposée. C' est comme si je tournais cette roue. Donc, en plus de ce vert citron, je vais avoir ce fuchsia opposé sur ce rouge. Je vais avoir ce vert sur cette orange. Je vais avoir ce bleu. Donc, je vais cliquer sur mon deuxième calque et vous verrez cette deuxième version de la couleur que nous allons apparaître. Maintenant, j'ai retourné toutes ces couleurs. Nous avons donc la couche un et la couche deux debout pour l'idée d'avoir un mélange de couleurs. Je vais donc changer l'opacité de cette couche. Et quand je fais cela, il approchera l'idée de mélanger dans certaines de ces couleurs opposées à toutes les couleurs ci-dessous. Ici. Voilà ce que je veux dire. Je vais changer ça à 25%. Et vous voyez que cette couche superposée d' opposés affecte toutes ces couleurs de manière assez significative. Et cela les affecte tous un peu différemment. Donc remarquez juste cette différence. Ce n'est pas une différence que vous pouvez répliquer exactement si vous peignez avec ces couleurs automatiquement. Mais vous pourriez probablement obtenir des approximations de toutes ces couleurs en mélangeant les couleurs suggérées par ces deux roues de couleur séparées. Vous remarquez que toutes ces couleurs deviennent plus modérées. Ils ont un calme ou sentir le bord et la vibrance a été retiré d'eux. Et tout est juste composez le bas d'un cran. C' est une représentation plus calme. Ce sont des couleurs laides ? Eh bien, c'est vraiment subjectif. Et je pense que l'idée péjorative de quelque chose de boue ou de boue, un peu mal avisée. La beauté et l'efficacité de l'utilisation des couleurs sont relatives. Cela concerne le contexte. Quelle est votre couleur est placée à côté de. Jetons un coup d'oeil à ce qui se passerait si nous ajoutons un peu plus de couleurs opposées au mélange ? J' ai une autre couche à 25% d'opacité. Cela représente donc ajouter plus de la couleur opposée à chacune de nos couleurs d'origine. Et vous voyez que cela devient encore plus modéré. Une autre chose à remarquer est qu'il y a très peu de contraste maintenant entre un coin et l'autre. Si je fais cela en une image en noir et blanc, tous ces coins seront une nuance de gris similaire, assez proches les uns des autres. Donc ce n'est pas une palette qui nous saute dessus et dit : «  Ne suis-je pas belle, regarde-moi. Mais je pense qu'il est vraiment important d'honorer, de reconnaître et de comprendre comment déployer des couleurs comme celles-ci. Laisse-moi te montrer pourquoi. Alors voilà le truc. Si je vais dehors et que je regarde le monde, et que je cherche la beauté, je vais toujours voir 90% Brown, vert émoussé et boue. Certains pâturent peut-être dans le ciel. Un peu d'un casting bleu. ensemble, le monde n'est pas un endroit particulièrement pur et vibrant riche en couleurs beaucoup du temps. Cependant, c'est 10%. Ça fait vraiment la différence. J' ai donc un Cardinal du Nord à la mangeoire. Et cette couleur est devenue beaucoup plus efficace et tellement plus significative à cause du contexte qui l'entoure. Ici. J' ai un de ces cieux d'octobre très bleus. Et cela devient tellement plus beau et tellement plus significatif à cause du contexte qui l'entoure. J' espère que vous comprenez mon point de vue. Nous allons être en mesure de créer ces points d'exclamation intenses et beaux en apprenant à créer une gamme complète de mélanges tamisés entre une couleur vive et vibrante et son opposé sur la roue de couleur, nous allons créer nos peintures en utilisant une couleur et des variations de cette couleur. Donc voisins, et il est opposé et variations de son opposé. Donc, les voisins de la couleur opposée. Nous inclurons également le noir et le blanc. L' utilisation de Black est un peu controversée. Beaucoup d'artistes le rejettent. Et il est vrai que vous obtiendrez un sombre plus vibrant, profond et riche si vous mélangez une couleur et c'est contraire pour l'obscurité. Mais avec nos peintures d'étudiants et de bricolage, cela n'est parfois pas aussi efficace qu'avec les peintures de haut de gamme. Donc, nous allons utiliser le noir et nous allons toujours obtenir de très bons résultats. 12. Étudions la couleur: Dans cet exercice, notre objectif est d'être à l' aise avec le mélange des couleurs et les relations, mais aussi de se sentir à l'aise avec les propriétés physiques de la peinture en couleur. Donc, je vais utiliser une version cool de ma couleur choisie et c'est le contraire. Donc, dans ce cas, j'utilise un rose qui contient un peu de bleuâtre. C' est donc un rose plus frais, même si c'est un très vibrant. Et j'utilise un vert foncé frais, cette peinture qui a l'air noirâtre est en fait un bleu-vert très foncé. J' utilise une version beaucoup plus légère et plus chaude de rose sous la forme de cette couleur pêche. C' est donc un rose qui contient des faveurs d'un peu de jaune. En outre, j'utilise une feuille verte qui privilégie le jaune sur le bleu. C' est aussi une version plus légère de la couleur. Donc, dans le cas de ces peintures, quand une couleur est plus claire, elle a tendance à contenir un peu de blanc. Donc, ces couleurs plus claires sont en fait des versions légèrement pastel de leurs homologues plus sombres. Je vais commencer par créer une série de petites boîtes où je fais dialoguer ces peintures. Donc, je vais commencer par mon vert clair et foncé. Et fondamentalement ce que je pratique est juste de faire une transition convaincante et au moins un peu adoucie entre mes couleurs sombres et claires. Vous verrez que je travaille de l'obscurité à la lumière. Et que je travaille la peinture ensemble à travers la zone de transition avec le pinceau juste un peu. Non, pas une énorme quantité. Je vais répéter ce processus avec mes deux autres couleurs correspondantes. Peut être plus frais, plus foncé, plus intense, et mon rose plus pastel, plus clair et plus chaud. Et encore une fois, je travaille la peinture à travers une zone de transition. Je veux commencer par ma couleur foncée. Transition entre les niveaux de valeur et la température de couleur et de couleur du froid au chaud. Et complétez mon petit test carré ma zone de test avec une version plus ou moins pure de ma couleur plus claire. Je recommande fortement de pratiquer cela plusieurs fois et de faire l'une de ces bandelettes de test sur une page de test comme celle-ci, qui a été divisée en quatre domaines de test. Il est donc important de comprendre les propriétés de ces peintures dans leur forme la plus pure, mais il est également très utile de travailler avec des mélanges et de les couper en sourdine les mélanges de ces couleurs. Donc, dans ce cas, je le suis. Expérimenter avec un mélange de mon vert chaud et de mon rose chaud. Et je commence par créer la zone de transition entre ces couleurs et l'ajouter à ma page plutôt que l'une des deux couleurs. J' ajoute la couleur foncée à mon carré de test avec sa zone de transition d'un côté. Et j'ajoute une version pure de ma couleur claire de l'autre côté. Maintenant, je mélange ces zones de transition où les différentes couleurs de la viande. Et vous verrez qu'il crée une transition convaincante et douce entre ces deux couleurs opposées. Je fais la même chose en utilisant mes versions plus froides de mes couleurs, commençant par un mélange des deux au milieu et en ajoutant chaque couleur dans sa forme pure d'un côté ou de l'autre. Vous remarquerez que j'essuie mon pinceau soigneusement entre le changement d'une couleur à son opposé dans la forme pure. Et puis j'essuie à nouveau mon pinceau avant de travailler ensemble ces zones de transition. La brosse propre permet vraiment une partie de la couleur pure de rester stagnante et intacte dans la portée de ces petits carrés. Et vous remarquerez qu'il y a des zones de vert foncé pur et rose vif que je laisse intacte par le pinceau pendant que je travaille mes zones de couleur ensemble. Certainement pratique ça un peu. Il est vraiment payant d'avoir une bonne maîtrise sur la façon de faire ces transitions physiquement. Je mélange maintenant différentes proportions de chaque couleur avec son opposé. Donc, dans ce cas, j'ajoute mon rose chaud à mon vert foncé. Ce sont des couleurs opposées. Donc, les couleurs qui en résultent vont être en sourdine et un peu citées, décitées, boueuses. Mais ce n'est pas vraiment le but. Le point est de savoir si ces couleurs sont attrayantes, objectif Li, Le but de cet exercice est de comprendre combien d'une couleur doit être ajoutée à une couleur afin de changer la nature de cette couleur autour complètement. Vous verrez que ce vert se déplace vraiment vers le rose assez rapidement. Et le rose commence à égayer assez rapidement. Cela semble susceptible de se produire en raison de l'intensité de cette couleur rose. Quand une couleur est très intense et saturée, elle tend à monopoliser la palette assez rapidement. Donc, si je veux ajouter un peu de ce rose vif à une couleur de ma palette pour juste l'influencer légèrement. Vous pouvez imaginer que vous n'avez pas besoin d'en ajouter beaucoup. Cette série de bandelettes de test est vraiment une chance pour vous de jouer et d'expérimenter. Essayez de comprendre ce que font vos couleurs lorsque vous les mélangez avec leur opposé en quantités croissantes. Ce n'est vraiment pas très différent de la façon dont nous avons manipulé notre peinture quand nous peignions en noir et blanc. Donnez-vous l'occasion de jouer et d'expérimenter dans un faible enjeu, des arènes peu coûteuses et simples comme un carnet de croquis bon marché ou un morceau de papier à gratter. Il n'est pas important de tout peindre sur Canvas et de tout traiter comme s'il devait être affiché. De même, je trouve que la pression de m'exprimer ou d'exprimer quelque chose de significatif ou profond à chaque séance de peinture que je fais peut créer un peu d'une situation de haute pression. J' aime peindre de manière expressive. n'y a rien de mal à cela, mais parfois juste être dans le moment et juste voir ce que vos couleurs feront dans des circonstances différentes suffit. Cela justifie l'effort de peinture que vous mettez dans et il vous apprendra beaucoup sur la façon de manipuler votre peinture afin que vous puissiez utiliser ces nouvelles techniques d'une manière plus expressive et plus significative plus tard. Je combine donc mon rose clair chaud avec mon bleu ou vert en petites quantités croissantes et décroissantes. Et je compare mes résultats dans cette expérience. Les résultats en dessous. Remarquez la différence entre ces deux types de légumes verts. Un, chaud et frais, et leur influence sur mon chaud, rose de couleur pêche. Toutes ces différentes versions de pH, beige peut vert clair, pourraient être pertinentes dans une situation paysagère. Donc, il est vraiment agréable de regarder la peinture, échantillon, C'est des mélanges et de voir combien de choses différentes vous pouvez obtenir à faire. Tu n'as pas besoin d'analyser. Vous pouvez continuer à expérimenter avec faire des transitions. Et je recommande fortement de faire plus d'une page comme celle-ci. Voyez combien de différents types de tests et d'expériences vous pouvez faire. Il suffit de prendre votre temps et payé consciemment pour que vous remarquiez ce qui se passe dans des circonstances différentes. Vous pouvez prendre des notes si vous avez l'impression de perdre la trace de vos mélanges. Maintenant, j'ajoute mon rose frais à mon vert chaud. Et vous verrez que j'ai une gamme intéressante et intense de verts d'olive et d'Oliver Brown. Ceux-ci pourraient également être très utiles dans une situation paysagère. Laissez votre première couche sécher, puis envisagez de revenir en arrière et essayer d'ajouter de la peinture à votre couche d'entraînement pour voir ce qui se passe. Donc, si j'ajoute juste du rose chaud droit à ces légumes verts, il y a un contraste très fort entre la première couche et la seconde. Et cela peut être utile dans certaines situations. Mais c'est une très bonne idée de s'habituer à créer des mélanges de couleurs qui ont une relation de contraste étroite avec la couleur en dessous ou à côté d'eux. Ceci est vraiment utile dans vos détails de peinture à l'intérieur d'une ombre. Comme des feuilles sur les arbres. Donc, le rose droit sorti du tube est un peu intense dans un cas. Mais si je passe dans un plus rose sous la peinture, cette peinture presque droite devient plus appropriée comme une correspondance de couleur. Cela crée un détail chaud et léger sur cette surface bronzée. Je peux également utiliser une couleur plus fraîche pour créer un détail chaud sur le dessus de ce bronzage sous la peinture. Et dans ce cas, j'expérimente en ajoutant juste un peu de vert à ma teinte rose à la couleur bronzée. Jouez avec différents mélanges et différentes proportions dans votre mélange. Pour trouver des façons de peindre des détails comme des feuilles sur les arbres et les buissons. Expérimentez avec vos combinaisons chaudes de couleurs et expérimentez avec votre refroidisseur ou des appariements de couleurs. Dans ce cas, je voulais trouver une façon subtile pouvoir ajouter de la dimension à une zone plus ombragée. Donc, en ajoutant un peu de ce pH, mes mélanges plus sombres, le blanc dans la pêche rend cette peinture un peu plus terne et un peu plus opaque. J' ajuste un peu cette couleur pour créer un côté avec un peu plus d'une relation cool, et un côté avec une relation un peu plus chaude. Encore une fois, jouez avec différents types et températures de couleurs et voyez si vous pouvez obtenir ces marques pour interagir avec la surface peinte, sous elle d'une manière qui est intéressante ou a un certain potentiel visuel, ou crée une texture que vous aimez regarder. Prenez une demi-heure à la fois ou une heure à la fois pour simplement expérimenter comme ça. Vous créez un catalogue de marques, une sorte de dictionnaire visuel personnel. Et si vous prenez des notes et essayez de vous rappeler comment vous êtes arrivé aux solutions aux problèmes que vous êtes arrivés. Vous commencerez à apprendre et à mémoriser de nombreuses approches différentes pour amener vos couleurs à interagir de nouvelles façons. n'y a pas de règles strictes et rapides, ce qui peut être un peu intimidant, mais cela peut aussi être très libérateur. Il suffit de jouer et de voir ce que les différentes couleurs feront les unes par rapport aux autres. Essayez de garder vos mélanges à ces premiers stades de votre expérimentation de peinture pour consister en deux couleurs à la fois. Généralement, il est normal d'ajouter trois couleurs ensemble. Mais plus vous vous en tenez à, plus vous serez en mesure de comprendre comment vous êtes arrivé à la couleur que vous peignez de façon. Et plus vous serez en mesure de rétroconcevoir cette couleur à l'avenir. Je vous encourage à prendre des notes. Il est très facile de perdre une trace de ce que vous avez fait et comment vous avez obtenu un certain résultat. Et il est très utile de savoir comment vous êtes arrivé à un résultat afin que vous puissiez l' ingénierie inverse et l'inclure plus tard dans un travail plus détaillé et plus complexe. N' oubliez pas de vous amuser quand vous faites ça. La couleur est intrinsèquement amusante pour passer du temps avec. Et il est vraiment utile d'utiliser les couleurs qui vous attirent, voir jusqu'où vous pouvez les pousser et ce qu'ils vont faire. Une fois que vous avez terminé quelques pages d'étude des couleurs et d'échantillons de couleurs, comme celui-ci. Prenez votre ancienne nuance de valeur, en particulier l'échelle où chaque valeur est séparée par une ligne distincte. Et prenez le temps d'essayer d'apprendre à faire correspondre la valeur de l'échelle avec une couleur particulière que vous avez créée. C' est vraiment utile de passer du temps à faire ça. Et juste pour commencer à s'habituer à l'idée de faire correspondre une couleur avec une valeur correspondante. Ce que vous essayez de faire est de faire correspondre votre couleur avec sa valeur correspondante. Ainsi, si vous preniez une photo en noir et blanc de la couleur et des échelles de valeur, vous saurez où cette couleur disparaît par rapport à une valeur similaire. C' est juste une bonne habitude de passer un peu de temps à remarquer ces relations et à devenir plus à l'aise à identifier ces relations. Plus vous expérimentez comme ça, mieux vous aurez à repérer ces couleurs importantes et relations précieuses dans la nature sauvage d'une peinture finie. 13. Explorons l'arrière-plan: Lorsque nous peignons dans des peintures opaques comme ces acryliques, il aide à peindre sur un fond teinté dans une gamme de valeurs moyennes. Dans cette vidéo, nous allons jeter un oeil sur façon dont notre couleur choisie fonctionne dans différentes situations. Va faire quelques expériences sur différentes couleurs de fond. Pour choisir sont sous la peinture par rapport à notre palette. J' ai une chaude sous peinture, une couleur neutre et non peinte Toile et Toile qui a été peint une couleur de fond cool sur toutes ces différentes toiles de fond. Je vais utiliser exactement les mêmes couleurs de peinture rose. J' ajoute donc des versions différentes de rose à ma palette. J' ai donc une sorte de poussiéreux payant, une sorte de rose fluorescent, beige ish, rose et une sorte de couleur blush. Et tous ces roses et je suppose que couleurs adjacentes roses sont pré-mélangées et prêtes à partir. En plus de ces couleurs, je vais ajouter du blanc à ma palette. Et parce que le vert est le contraire du rose, je vais ajouter un vert clair bleuâtre à ma palette. Et je vais l'utiliser pour modifier certaines de mes couleurs pré-mélangées un peu vers le neutre et loin du brillant. Et je vais ajouter une version chaude de la couleur gratuite ou opposée, qui est verte. Donc, le vert aqua que j'ai ajouté jusqu'à présent à ma palette est une version. Ce vert jaunâtre est en fait plus chaud parce qu'il y a plus d'une présence jaune dans cette couleur, alors il y a une présence bleue. Donc, quand je combine mon rose serait ces verts opposés, ils se comporteront chacun d'une manière légèrement différente. Et explorer l'effet de la couleur opposée sur la couleur choisie fait partie de ce que vous avez l'occasion d'explorer dans ce mini-projet. Donc, pour commencer, ce que je vais faire, c'est ajouter ma peinture à ma toile et faire une série de marques ou de gestes sont des manœuvres, comme vous voulez y penser. Et je vais faire plus ou moins la même chose avec la même couleur au même endroit sur ces quatre toiles de façon cohérente. Donc, quand je fais cela, il devrait assez rapidement devenir évident que la façon dont cette couleur se sent et la façon dont nos yeux interprètent la chaleur ou la fraîcheur de cette couleur est très, très fortement influencée par la couleur qui est à côté de cela couleur. Le rose prend une caractéristique légèrement différente lorsqu'il est superposé sur tous ces différents arrière-plan. Et c'est l'une des choses les plus importantes et les plus profondes de la peinture. Et pour moi, je considère ce genre d'exploration de ces subtiles et genre de relations éthrées entre les couleurs. Je considère que c'est quelque chose qui est un travail en cours. C' est la chose que je suis toujours ennuyeuse quand je peins. Je ne suis jamais arrivé au point où j'ai l'impression d'avoir cloué cette entente. Il y a toujours quelque chose à apprendre en testant une palette de couleurs et en mettant les couleurs les unes à côté des autres et en voyant ce qui se passe. Donc ce prochain geste que j'ai fait sur ma palette est le résultat de la moitié de ce rose fard à joues que j'ai utilisé pour la première note, combiné avec 50% blanc. Donc c'est 50-50 entre le blanc et la première couleur que j'ai posée. Maintenant, j'utilise mon couteau à palette pour utiliser un peu de ce rose poussiéreux, genre de rose directement sorti du tube. Et il suffit de l'appliquer dans une marque angulaire épaisse à chaque zone correspondante à chacune de ces toiles. Vous voyez comment ça fait tellement plus chaud et plus rosé. Et il se sent tellement plus enterré et une sorte de bleuâtre et saturé quand on le regarde sur l'or plutôt que sur le blanc. Donc, ces influences subtiles de la couleur qui est à côté de la couleur avec laquelle vous peignez. Sur la couleur que vous venez de peindre. C' est quelque chose que vous apprendrez à prédire un peu mieux avec l'expérience au fil du temps. Mais c'est aussi l'aventure. Et je pense que si jamais je l'ai totalement compris et que je pouvais anticiper ce qui se passerait chaque fois que je mélange une couleur ensemble et chaque fois que je mets une couleur vers le bas sur un fond coloré spécifique, je pense que la peinture perdre beaucoup de son mystère et c'est de l'aventure pour moi si je savais vraiment toujours ce qui allait se passer. Donc des tests comme celui-ci sont vraiment importants. Ils jouent un rôle important. Cette couleur est une version neutralisée de ce rose que je viens d'utiliser pour faire la marque d'angle. Et je l'ai neutralisé en ajoutant un montant décent. Je dirais environ un tiers de ce bleu aqua vers l'arrière de ma palette. Et cela se traduit par cette couleur rose violacée, ramollie. Remarquez à quel point c'est différent. La caractéristique de cette couleur est si différente dans la pièce à dos doré par rapport aux pois bleu de l'acte BE. Et pourtant. Je dirais que la façon dont cette peinture sort est similaire dans la pièce arrière dorée et dans la pièce à dos gris. Dans ces deux cas, vous remarquez la façon dont la marque que je viens de faire se cache un peu contre la valeur de la couleur d'arrière-plan. C' est donc quelque chose qui est vraiment important pour comprendre comment le choix de la couleur peut vraiment affecter la façon dont quelque chose saute et contraste de l'objectif plutôt que d' avoir un faible niveau de contraste très similaire avec la couleur contextuelle qui l'entoure. J' ai maintenant mélangé une partie de cet aqua neutralisant avec une partie de mon blanc et un peu de mon rose fard à joues pour faire cette base à charnière rose très neutralisée. Cette couleur semble assez cool contre les fonds plus froids de blanc et de bleu. Et il prend un peu, je pense qu'un peu plus chaud jaune ou coulé contre l'or et sur le fond neutre. Vous n'avez pas besoin d'utiliser le rose pour ce processus. Vous pouvez utiliser la couleur que vous voulez utiliser, puis une version cool et chaude de l'opposé de cette couleur. Et je vais inclure dans le PDF ce que je considère comme le plus commun et le plus évident choix que vous pouvez faire. Donc, si vous voulez utiliser une combinaison différente de couleurs, vous pouvez aller dans votre propre direction avec cela, c'est très bien. Et je vous encourage à explorer votre couleur dans un processus similaire à celui que je fais ici. Vous aurez également besoin d'un type de neutre, d'un type de cool, et d'un type de chaud pour vos couleurs de fond, ainsi que d'une toile apprêtée blanche non peinte. Je voulais changer un peu ma marque, alors j'ajoute de la peinture et puis j'enroule mon Breyer dessus. Dans l'intérêt de faire quelque chose qui est amusant à regarder. J' aime faire varier la marque. J' aime varier la façon dont je fais la marque, et j'aime varier la taille de l'élément sur la toile. Donc, en fin de compte, mon plan est de faire neuf de ces petits gestes, patchs ou échantillons. Et pour que ces neuf choses fonctionnent raisonnablement bien d'un point de vue compositionnel et visuel sur ces toiles. Maintenant, vous pouvez certainement garder ces peintures, mais ce que je recommande de faire avec ces toiles d' étude peu coûteuses, c'est de faire vos peintures d'essai et de les documenter, de les photographier ensemble dans une formation de quad comme celle-ci. Et puis vous pouvez passer à autre chose. Vous pouvez peindre sur eux avec une couleur différente de sous peinture ou avec un geste blanc. Et vous pouvez continuer à réutiliser cette surface d'étude au moins plusieurs fois. Et créer un petit essaim de ce genre de taches roses chaudes, presque fluorescentes. Donc, je voulais voir à quel point ce rose intense se comporte différemment sur tous ces différents fonds. Vous obtenez l'idée, amusez-vous avec cela et profitez de votre mélange. Assurez-vous que vous deux micros juste un peu de blanc dans votre couleur pour alléger la valeur. Et aussi expérimenter avec mélanger certaines des couleurs complémentaires ou opposées dans votre couleur. Voyez jusqu'où vous pouvez le pousser en ajoutant cette couleur opposée presque au point où elle change la couleur et oriente la balance de l'autre côté. Vous verrez qu'à 1, j'ai fait pencher la balance trop loin vers le vert, et je finis avec un vrai vert mutant sur ma palette au lieu du rose. Si cela se produit, continuez à ajouter une partie de votre couleur d'origine au mélange et vous serez en mesure remanier cet équilibre afin que vous ayez une autre version de votre couleur principale que vous avez choisi d'explorer. Ce genre de dentifrice D rose semble si radicalement différent sur ces surfaces. Il a presque l'air de cendre blanc et a vraiment l'air très délavé contre la surface neutre. Mais contre les autres surfaces, il a une intensité très lumineuse, n'est-ce pas. Donc, ce que je veux explorer est une gamme de versions cool, neutralisées et chaudes de la couleur que je suis intéressé à étudier dans cet exercice. Vous verrez de quoi je parlais tout à l'heure. Cela laisse vraiment tomber les échelles dans le Graeme et je dois travailler un peu pour le repousser dans le rose et le spectre. Mais si vous trouvez que vous ajoutez trop de votre couleur neutralisante sont gratuits, il suffit de continuer à ajouter une partie de la couleur précédente au mélange et finira par faire basculer les échelles en équilibre. Et ici, j'ai, comme, je pense que, autant que je peux m'éloigner d'être rose tout en étant peut-être encore rose. rose proximal adjacent assez que ce genre de Sandy beige joue bien sur ma toile, sens conceptuel sur ma toile et m'apprend encore un peu plus sur mon choix et la couleur et son comportement avec ces différents types de et ces différentes couleurs de toile de fond. J' espère donc que cela clarifiera vraiment le rôle d'un sous-tableau. 14. Pins fantaisistes échauffés: Il est temps de créer une étude abstraite et simplifiée qui nous enseignera les relations de couleur, de température et de couleur par rapport au paysage. Divisez votre toile en neuf parties égales et esquissez dans une image de paysage extrêmement simplifiée, comme nous l'avons fait dans notre étude simplifiée en noir et blanc. Vous pouvez voir que j'utilise une version offset de la règle des tiers pour trouver un petit arrangement raisonnablement agréable de ces représentations triangulaires de pin. Et j'ajoute quelques zones de terrain inégal, ainsi que certaines zones de terrain plat à la composition dans le ciel. J' ai mis un peu de ligne juste pour suggérer un peu de variation de couleur et de démarcation dans le ciel. Ce n'est pas une seule couleur plate uniforme dans ce cas. Les connaissances que nous allons aborder ici sont cumulatives. Tout ce que vous avez appris sur noir et blanc et la structure des valeurs va toujours s'appliquer ici, ainsi que quelques nouvelles informations. Parce que nous avons beaucoup de pièces mobiles à surveiller. Il n'est vraiment pas nécessaire de compliquer cela avec des arbres compliqués ou des détails dans nos peintures. Donc, garder les choses aussi simples et géométriques que possible vous aidera vraiment à réussir dans cette étude. Je vais maintenant ajouter du blanc et du noir à ma palette. Et je vais ajouter des versions chaudes de ma couleur, qui paie, et son contraire, qui est vert. Vous remarquerez que le rose chaud a tendance à être pêche. Il a un casting orangé et un caractère orangé. Le vert chaud a tendance à être un printemps jauni manger vert. Il favorise le jaune, qui est une couleur chaude sur le bleu, ce qui est cool. J' ajoute maintenant une version cool de ma couleur et son contraire. Dans ce cas, un vert bleu profond et un rose chaud mais légèrement violacé. Ce rose vif a un sous-ton légèrement violet, ce qui lui donne un caractère plus frais que l'autre rose sur mon palais. Rappelez-vous que nous allons également travailler de manière cumulative par rapport à la connaissance de la valeur. Ainsi, comme nous le savons, la valeur la plus légère dans un paysage est le ciel, généralement vers l'horizon. C' est aussi la partie la plus chaude du ciel. Donc, je commence avec une version légère de ma couleur la plus chaude, qui est ma teinte pêche, rose. Et je réchauffe cette couleur claire que j'ai tombée en bas vers l'horizon. Lorsque vous voyagez de l'horizon jusqu'au sommet de votre champ de vision, le ciel devient plus frais dans la nature et il s'approfondit en valeur. Donc je crée une situation où ces deux choses se produisent progressivement que notre regard monte de l'horizon pour se refroidir, ma couleur légèrement. J' ai ajouté juste une touche de ma couleur la plus bleue sur ma palette. Cette couleur la plus bleue est que vert foncé, donc j'en ajoute juste un peu à ma couleur lumineuse chaude. Et vous voyez qu'il change la caractéristique de la couleur, mais ne change pas significativement la valeur en ajoutant un peu plus de cette couleur. Au fur et à mesure que je progresse, j'ai maintenant changé à la fois la couleur et la valeur. J' ai renversé cette couleur au lieu d'être rose. Et maintenant, il est classé comme un type de vert bleuâtre clair. Comme cette couleur se déplace vers le haut de l'horizon, elle s'approfondit et s'assombrit légèrement. Il y a donc un changement de valeur et un changement de température de couleur, ainsi qu'un changement d'intensité de couleur. Vous verrez que j'ai réservé le bleu le plus profond comme couleur la plus sombre, pas seulement pour la bande supérieure du ciel, mais pour une présence inégale qui suggère un peu de couverture nuageuse. Il nous ombre de la lumière du soleil et forme juste un peu d'une couleur plus profonde au milieu de cette toile. Juste un peu d'irrégularités dans notre application peut suggérer l'idée de nuages, de profondeur et d'espace. J' utilise mon pinceau pour faire dialoguer ces couleurs les uns avec autres juste un peu afin que les transitions d'une couleur à l'autre ou pas si difficile. La zone la plus légère dans un paysage, comme vous le rappelez, est le sol plat qui reflète directement le ciel. Au fur et à mesure que nous créons cette zone de valeur plus légère, nous devons être conscients des transitions de couleur qu'elle contient maintenant. La partie arrière du terrain plat va monter ici un peu plus bleuté que la partie la plus proche. Et ça va aussi paraître un peu délavé. Je crée un vert bleu clair et puis réduit une partie de l'intensité de la couleur en ajoutant un peu de noir. Et j'applique la version de cette couleur qui n'a pas été tendue avec le noir devant la version qui a. De plus, pour le premier plan, terrain plat, je mélange dans un petit peu de rouge ou de rose. Cela réchauffe un peu la couleur. Et vous verrez que la couleur chaude avance visuellement vers le spectateur. Alors que la version lavée, plus bleue de la couleur s'éloigne du spectateur visuellement. Vous pouvez également vous rappeler que le groupe de valeurs le plus sombre suivant, le troisième groupe de valeurs le plus sombre, est occupé par un terrain inégal. En arrière-plan. Cela apparaîtra un peu plus bleu et un peu plus délavé par rapport à plus en avant sur un terrain irrégulier. J' ajoute du bleu à mon vert, ainsi qu'un peu de blanc et de noir pour ajuster la valeur et pour laver une partie de l'intensité de la couleur. C' est la couleur que j'utilise pour la majorité des collines lointaines dans cette image. Vous remarquez que la valeur est beaucoup plus foncée que celle du sol plat, qui est comme il se doit. Il y a quelques élévations plus proches dans le sol. Et pour ceux-ci, j'ajoute un peu plus de ma couleur verte pure, fois un peu plus de la version jaunie ainsi qu'un peu plus de la version bleu-vert. Je veux que cette couleur soit un peu plus fraîche que la couleur de premier plan, mais aussi un peu plus sombre en valeur. Vous pouvez voir que bien que la valeur de ces Hills de milieu de distance est très proche de celle des collines de distance arrière. La couleur plus chaude permet à ceux-ci d'avancer vers nous, et donc ils s'assoient plus loin en avant des collines en arrière-plan. Maintenant, vous vous souvenez également que la structure de valeurs la plus sombre est affectée à des structures verticales comme les autres objets de notre peinture. Plus l'objet est proche, plus la couleur est intense, et plus la couleur est chaude. J' ai décidé que ces pins sont un peu bleu-vert. Donc, la version la plus chaude et la plus intense de couleur de cette couleur va être assignée à l'arbre qui se trouve le plus près du spectateur. J' utilise une version presque pure du bleu-vert sur ma palette. C' est un vert frais, mais c'est une couleur agréable, intense et riche. Les autres arbres sont un peu en arrière de celui-ci. Par conséquent, il y a plus d'atmosphère entre nous. Et les arbres eux-mêmes l'indiquent. J' ajoute un peu de noir et un peu de blanc à la couleur que j'ai utilisée sur l'arbre le plus proche. Cela grise un peu la couleur, il suffit de la laver sans affecter trop la valeur. Je veux garder la valeur proche de la valeur de l'arbre au premier plan. Mais peut-être un peu plus léger et un peu délavé. Vous remarquerez l'effet que cela a sur ces arbres, car ils semblent être un peu plus éloignés que l'arbre au premier plan. Pour indiquer que l'arbre le plus éloigné est encore un peu plus loin, j'ajoute un peu plus blanc et un peu plus noir à la couleur que j'utilise sur mes deux autres arbres. En même temps que je fais cela, je dois faire attention pour que la valeur de cet arbre soit encore un peu plus sombre que les collines derrière lui. Je ne veux pas les affecter et une valeur identique car cela casse la structure de valeur dont j'ai déjà parlé dans l'étude en noir et blanc. Et c'est cette structure de valeur qui donne à notre peinture et à notre logique sous-jacente. Comme vous le verrez, la couleur, la couleur, la température et la valeur fonctionnent ensemble. Ce ne sont pas des choses que je suis vraiment capable de penser complètement indépendamment les unes des autres. C' est pourquoi nous gardons nos images assez simples. Parce qu'il y a beaucoup de considérations différentes à garder à l'esprit quand vient le temps de penser à la couleur et à la température de couleur. Il y a quelques directives supplémentaires dans les formes qui peuvent être utiles à garder à l'esprit et je vais les examiner maintenant. ombres projetées par un objet sont fraîches dans la lumière chaude et la lumière chaude et fraîche. Cette lumière est principalement rose, donc j'utilise une couleur d'ombre plus fraîche. Je crée une version plus fraîche de la couleur de base pour mettre derrière l'objet loin de la direction de la lumière indiquée. Notez que j'ai changé à la fois la valeur et l'intensité de cette couleur que j'ajoute une ombre à cet arbre plus loin. La relation est plus entre le sol et l'ombre qu'elle ne l'est entre l'arbre et l'ombre qu'il jette. La valeur de l'ombre doit être légèrement plus claire que celle de l'objet qui la coule. Les arbres ont tendance à être plus légers et plus chauds au sommet qu'au fond. Globalement. Ceci est généralement causé par la lumière chaude. Donc, si votre lumière a une caste fraîche, vous devrez peut-être ajuster cela un peu. Et je travaille à créer une valeur qui ressemble beaucoup à ce que j'ai déjà peint en ce qui concerne ces arbres. Mais juste réchauffer cette couleur un peu en y ajoutant mon jaune ou mon vert. Vous verrez que cela commence à former un peu de dimension dans ces formes. Je fais les zones de transition entre ma couleur principale et ma couleur de surbrillance un peu inégales afin que les transitions ne soient pas si abruptes. Lorsque je fais cela, je couche la couleur au-dessus de la couleur plutôt que d'essayer de tout mélanger parfaitement. Comme les arbres sont un peu plus légers et plus chauds au sommet, ils sont un peu plus frais et plus foncés au fond, où les ombres sont projetées sous les branches. Si votre arbre est sur un tronc visible, cela aide à rapprocher le haut du tronc de cette zone d'ombre, un peu plus frais et plus sombre. Et le fond de votre arbre en fait juste une lumière légèrement plus chaude et plus légère viendra à travers ces branches au fond de l'arbre. Et cela indique un peu de cette dimension et un peu de ce point culminant. Je peux ajouter certaines de ces dimensions plus fraîches et plus sombres sur le côté de l'arbre qui est le plus éloigné de ma source lumineuse. Et cela donne à mes arbres une forme un peu dimensionnelle. Le dernier élément que j'aime ajouter est un peu d'un point culminant chaud quelque part où le soleil attrape le sol plat et les objets qui y collent. Vous n'avez pas besoin d'ajouter ce point culminant, mais c'est toujours amusant, je pense, laisser tomber ce petit peu supplémentaire de couleur vive. Et ça aide vraiment votre peinture à éclater. Testez ceci vous-même. Rendre vos images très simples et très réalisables. J' inclurai les cartes de valeur, de couleur et de température de couleur dans votre PDF, ainsi que quelques suggestions supplémentaires de compositions et de croquis préliminaires. Vous pouvez utiliser ces ressources pour suivre et structurer une belle petite étude fantaisiste comme celle-ci. J' ai hâte de voir ce que vous créez. 15. PARTAGER VOTRE PROGRESSION: Une grande partie de cette classe est en effet consacrée à explorer les bases de la couleur et à commencer cette relation à long terme avec l'étude de la couleur. Maintenant, c'est à ton tour. Il est temps d'ouvrir l'onglet de vos projets et de télécharger tout travail pertinent à la couleur relative à cette classe. C' est le moment pour vous de télécharger vos mini peintures issues de nos expériences avec le sous peinture. Ainsi que vos échantillons. Expériences avec faire des transitions entre une couleur et la suivante. Et des expériences dans la juxtaposition, la superposition et l'empilement de la couleur. Vos camarades étudiantes seront là pour offrir des encouragements et des commentaires. Et moi, j'ai hâte de voir ce que tu as fait. C' est aussi le moment idéal pour télécharger vos études de couleurs fantaisistes et abstraites inspirées par ma peinture très stylisée de pins. Entre votre compréhension de la valeur et de la composition, ainsi que de la couleur, vous êtes maintenant prêt à relever le défi de votre première peinture paysagère. 16. Peinture de paysage en de blocage.: Félicitations à tous. Grâce aux derniers exercices et peintures amusantes de pratique, vous avez maintenant acquis les compétences et la maîtrise des concepts dont vous avez besoin pour peindre une peinture de paysage impressionnante. Il est temps de synthétiser tout ce que nous avons appris et de prendre notre vision de sa miniature squelettique à son état fini entièrement réalisé. Vous trouverez cela plus facile que vous ne l'auriez jamais prévu. Maintenant que tu as ce qu'il faut. Pour commencer notre projet, nous allons esquisser les informations tirées de notre favori de nos croquis miniatures. Et nous allons transférer cette image sur un panneau de 12 par 12 ou un carré de toile. J' ai aussi apprêté mon panneau carré avec de l'oxyde jaune. Donc, une belle valeur moyenne, la couleur chaude est mon recommandé sous la peinture pour votre image. Comme pour les exercices pratiques, je fais des esquisses dans mes informations d'une manière très lâche et schématique. Je ne suis pas inquiet de l'apparence de ces objets particuliers. Autant que je suis concerné par leur placement et de placer mes objets dans une règle de tiers de manière réactive qui fonctionnera de manière compositionnelle. Je croquis avec une couleur Karen Dash Neo soluble dans l'eau au crayon. Et je recommande de le faire dans une lumière ou un moyen de valeur. Une fois que j'ai déterminé le placement des objets dans mon image, je vais configurer ma palette pour peindre dans mon groupe de valeurs le plus léger. Je vais peindre cela d'une manière qui soit sensible au fait que c'est la valeur la plus légère de ma pièce, mais aussi d'une manière qui détermine la progression des couleurs et la progression de la température des couleurs. Je pose donc une couleur claire chaude, mon rose pêche, ainsi qu'un peu de blanc. Pour alléger encore plus la valeur. J' ai mis en place une version neutralisée opposée de cette couleur, dans ce cas, un gris très verdâtre. Et c'est la couleur que je vais utiliser pour la majorité du ciel dans cette pièce. En plus de ces deux couleurs pour la progression de mon ciel, j'ajoute du blanc et du noir. Cela m'aidera à ajuster la profondeur de la valeur pendant que je peins le ciel. J' ajoute aussi un neutre chaud qui se rapporte un peu à mon rose pêche. C' est un beige un peu rose. J' ai donc un neutre chaud qui existe un peu entre les deux, la chaleur plus brillante de mon rose et le vert blanc et gris. Tout cela va bien passer d'un à l'autre, puisque la valeur la plus légère de cette pièce va se produire à l'horizon et la couleur la plus chaude va se produire à l'horizon par rapport au reste du ciel. Je peux mettre dans une version très légère et chaude de ma couleur principale, rose vers le bas à l'horizon. Comme je commence à peindre dans le ciel au-dessus de l'horizon et travailler mon chemin vers le haut du champ de vision du spectateur. En haut de la toile. Je peux ajouter des petits morceaux de ma couleur fraîche progressivement. Donc, j'empile des petits morceaux de ce vert gris dans ma peinture que je mélange la couleur et commence à ajouter un peu plus d'informations pendant que j'ai travaillé mon chemin dans le ciel. Vous voyez que cette couleur est très similaire en valeur à la couleur à l'horizon, mais elle est différente en température de couleur. C' est plus calme, plus frais et plus grisé, plus proche du grand vert. Puisque mon image a lieu un peu plus tard dans la journée, je commence à approfondir la valeur du ciel en travaillant ma peinture vers le haut vers la marge supérieure de mon panneau. Il y a des nuages esquissés dans mon ciel et pour l'instant, je décide de les laisser vides et vides. Je peux aborder la couleur, température et la valeur qu'ils doivent être plus tard dans mon processus de peinture. La partie supérieure du ciel contient à la fois la valeur la plus profonde et la couleur la plus cool. Le noir a un effet d'approfondissement et de refroidissement sur la couleur. La neutralisation du noir va être interprétée comme un peu plus fraîche que la neutralisation réchauffée du vert migrate. Quand nous peignons, nous travaillons du général au spécifique que nous avons bloqué dans notre groupe 1 valeurs dans le ciel. Le deuxième problème que nous devons résoudre est la zone de la deuxième valeur la plus légère. Lorsque nous peignons de cette manière générale, cela nous laisse de la place pour peaufiner les choses plus tard dans les couches suivantes. Le but de notre première couche est juste de mettre place la structure globale de base de notre peinture. Peindre le plan de sol qui pointe vers le ciel dans une orientation horizontale. J' ajoute à la fois des verts chauds et froids à ma palette. La valeur exacte n'est pas si importante car je peux ajuster la valeur de la peinture comme j'en ai besoin. J' ajoute un rose moyen et chaud à ma palette, ainsi qu'un rose frais et intense. Les deux vont être utilisés pour moduler les couleurs que j' ajoute et changer la température de couleur dans les cas où il doit être réchauffé. Ce type de peinture généralisée est souvent appelé « blocage ». Donc je continue à bloquer dans mon avion au sol. Je commence par le segment le plus léger et le plus cool, le plan du sol, qui est le sol le plus éloigné du spectateur. Mon sol va être vert, mais je veux amortir l'intensité de cette façon verte significative ainsi que le garder sur le côté frais. Je crée une lumière à moyenne valeur de gris vert à mettre vers l'arrière de mon plan au sol. Comme vous le voyez, cela semble très gris sur le panneau, mais nous allons l'ajuster comme nous le devons. Comme nous nous dirigeons vers le spectateur, nous pouvons ajouter un peu plus d'accord pour intensifier la couleur un peu. Vous verrez qu'il s'éclaircit, se réchauffe et s'illumine à mesure que nous nous rapprochons du spectateur. Vous remarquerez un bord dur entre ma première couleur et ma seconde. Et en ce moment, c'est exactement le genre de chose qui n'a pas beaucoup d'importance. Nous pouvons ajuster des choses comme les bords, le type de marque que nous fabriquons, les textures. Toutes ces choses peuvent être modifiées dans les couches suivantes. instant, je veux garder une trace de la valeur et de la température que j'ai besoin de peindre. Pour réchauffer ce vert, j'ajoute un peu de rose, qui est la couleur opposée du vert. Et par conséquent, mon vert chauffé est encore un peu sur le côté sourd. C' est bien pour l'instant. Cela me donne une ligne directrice à suivre pendant que je continue à peindre. Plus tard. J' ajoute un peu plus de rose et un peu de noir pour approfondir et réchauffer cette couleur de manière significative vers le premier plan. Le sol le plus proche du spectateur sera significativement plus profond et valeur, mais plus chaud que le sol qui est plus éloigné du spectateur. Je veux que cette zone soit éclairée par la lumière du soleil. Et pour inventer une couleur d'ombre pratique, je vacille entre le vert. Rose frais et un peu de noir pour venir avec un bip, neutralisé mais encore plus chaud couleur ombre. Il n'a pas besoin d'être une couleur chaude, il doit simplement être plus chaud par rapport aux couleurs derrière elle. Cela fait que cette petite zone au premier plan est vraiment plus proche de nous que toutes les couleurs de l'arrière-plan. J' ai maintenant réussi à bloquer et le plan au sol et l'avion du ciel. Maintenant, je dois bloquer dans le terrain inégal de mes collines lointaines. Cela représente un peu un défi de valeur. J' ai besoin que la valeur soit un peu plus légère que le premier plan. Parce que l'atmosphère et ses effets sur les collines Plus loin de nous par rapport au sol légèrement incliné vers nous. Ce différentiel va être exprimé par les collines lointaines étant un peu plus légères en valeur. Cependant, les collines lointaines doivent également être légèrement plus sombres en valeur que le sol directement en face d'eux, car il reflète le ciel plus directement. Je crée un beau gris moyen cool pour les enfers lointains. Et je peux ajuster cette couleur plus tard et changer certaines des valeurs dans la structure plus tard. Pour l'instant, je pense que c'est une relation raisonnable entre les collines lointaines et la zone ombragée au premier plan. Ainsi, les trois premiers groupes de valeurs, 123, ont tous été bloqués. Maintenant, il est temps de peindre les verticales qui sont proches de nous, les arbres au premier plan. Ceux-ci vont prendre la valeur la plus profonde et la plus sombre de ma toile dans son ensemble. Je veux créer une valeur sombre qui n'est toujours pas la valeur absolue la plus sombre que je puisse faire, car je pourrais avoir besoin d'ombre certaines zones dans ces formes. La lumière à la fin de la journée est chaude comme le suggère le rose à mon horizon. Donc ma zone ombragée sera fraîche par rapport aux zones chaudes de ma peinture. J' ai créé un vert très neutralisé, grisé, mais le sous-ton dans la base de cette couleur est toujours ma peinture vert bleu profond. Cela donne à ces arbres un aspect frais et ombragé dans l'ensemble. Je continue ma valeur sombre dans une zone ombragée derrière chaque arbre, face au soleil loin du spectateur. Alors ils jettent un peu d'ombre vers nous. En reliant l'ombre aux arbres un peu visuellement. Ça les empêche de se sentir comme s'ils venaient d'être piégés sur le sol. Il commence à faire allusion à l'idée d'une relation de transition entre le tronc et le sol et d'un peu de feuillage qui s'étend vers l'arbre. Les bords dans la nature ne sont pas durs et propres. Donc mettre en place cette relation va m'aider à continuer avec cette illusion alors que je continue ma peinture. Nous avons maintenant complètement bloqué dans notre première couche. Envisagez de prendre une photo rapide de votre peinture avec votre appareil photo. Parfois, regarder à travers mon viseur sur mon téléphone me rend un peu éloigné de ma pièce et je suis capable de voir des choses qui fonctionnent et de voir des choses qui pourraient ne pas fonctionner. C' est le moment idéal pour ajuster toutes les valeurs qui ne suivent pas vraiment la structure de valeurs que nous avons tracée dans nos cartes jusqu'à présent. 17. Peinture du paysage développer l'image: Si le processus de blocage dans notre peinture ressemble beaucoup à l'utilisation d'une carte, alors le processus de peinture au-dessus de cette couche bloquée est comme avoir une bonne conversation avec vos compagnons de voyage. C' est un va-et-vient et un échange et un échange entre les couleurs et les températures de ces couleurs. Prenez le temps de profiter de cette partie du processus et de la voir certainement comme un va-et-vient. Pendant que vous peignez, vous pouvez couvrir certaines choses. Mais pour tout ce que vous perdez, vous gagnerez autre chose de valeur. Nous pouvons utiliser la structure sous-jacente de notre bloc et décider ce qui doit se passer ensuite. Souvent, j'aime comprendre certaines des grandes formes au premier plan. Les choses dans ce tableau qui vont vraiment capter l'attention de nos téléspectateurs. Et dans un sens, c'était le plus important. Les arbres, comme je l'ai mentionné dans notre étude de couleur, ont tendance à être un peu plus chauds en haut et un peu plus frais en bas. De plus, notre source de lumière vient vers nous de l'autre côté de la colline. Donc, la façon dont ces arbres seront allumés sera autour de leurs bords. La partie faisant face au spectateur est partiellement dans l'ombre. Partout où les arbres sont un peu plus chauds et de couleur, commencent à leur donner un peu de dimensionnalité. Le léger réchauffement de cette couleur en utilisant mon rose chaud fait apparaître ces couches vers le spectateur. Cela donne à ces arbres un peu d'une sensibilité tridimensionnelle. Concentrez-vous la version Pincus la plus chaude de ces couleurs vers les bords que la peinture dérive de la lumière du soleil venant sur les collines. J' ajoute lentement plus de ce rose à mes points forts et je l'applique aussi au sol. Toutes les parties de la peinture qui font face aux signes vont attraper un peu de ce rose chaud. Notez que je n'ajoute pas le rose à ma peinture, mais je le mélange dans les autres couleurs connexes. Je commence lentement à me faufiler sur cette idée de Pinckney, plutôt que de l'aborder de front. Si je devais juste mettre des reflets roses sur ces arbres, ce rose sauterait vraiment vers l'avant au point où il semble flotter et déconnecté des objets. En combinant ce rose avec la couleur de base vert foncé avec laquelle ces arbres sont formés, il relie ces reflets à l'objet sur lequel ils sont assis. J' ajoute maintenant plus de vert foncé à la peinture pour la refroidir et travailler quelques petits morceaux de surbrillance vers l'arrière de mes arbres. Même si ces zones sont ombragées, elles devraient être proches en valeur des parties plus chaudes de l'arbre vers le sommet. L' ombre les rend plus sombres, plus vers la base que vers le haut. Et maintenant, je peux mélanger certains de ces différents verts ensemble afin que la transition entre l'ombre et la lumière ne soit pas si difficile et pas si rapide. Déjà mes arbres commencent à prendre un peu d'une forme tridimensionnelle satisfaisante. Et cela est principalement dû à de minuscules ajustements de température de couleur grâce à l'ajout d'une couleur chaude et complémentaire. J' ai terminé le premier ajustement de ma peinture, et maintenant je cherche à faire d'autres ajustements dans d'autres domaines. Quelque chose que je veux attirer l'attention est la taille du pinceau. Dans ma première couche, j'ai utilisé un pinceau plat d'un demi-pouce pour toutes les surfaces peintes. J' ai donc fait de gros coups qui ont couvert beaucoup de surface à la fois. Et j'ai peint de manière imprécise sur les arbres de premier plan, j'ai utilisé un pinceau rond plus grand, un numéro dix ou 12 rond. Cela m'a donc permis de couvrir plus de superficie, mais un peu moins et un peu plus spécifique que je ne l'ai fait lors de ma première passe. Pour entrer dans ces zones plus étroites au milieu de mon terrain plat. Et pour commencer à créer des points saillants encore plus légers sur cette zone qui suggère que c'est la planéité plus. J' utilise un pinceau encore plus petit, probablement autour de huit ou six pinceaux. La couleur du sol plat et devient plus chaud à mesure qu'il nous approche. Mais il devient aussi plus lumineux et plus intense à mesure qu'il nous approche. Donc, j'essaie vraiment de mettre en couches quelques versions vertes plus lumineuses, plus intenses et plus pures de ma couleur principale de revêtement de sol. Alors que je reviens à l'arrière-plan et à la distance, j'ajoute des versions plus fraîches et plus légères de ce point culminant, ramenant cette idée un peu au loin. Mais comme elle est allégée, elle se lit plus loin que si elle était plus sombre en valeur et de couleur plus brillante, choses s'éclairent, s'éclairent alors qu'elles s'éloignent de nous. Nous introduisons donc plus de bleu ou plus de grade ou ces couleurs, ce qui les rend plus cool. Lorsque vous calquez la couleur, vous ne mettez pas la couleur en superposition tant que vous n'avez pas couvert chaque trace de la couleur de base dans laquelle vous avez initialement bloqué. Vous êtes en superposition lâche et vous superposez d'une manière imparfaite. C' est mieux de le faire. Mettez un peu de superposition sur la surface, puis partez. Même en laissant votre superposition dans un état quelque peu imparfait. Vous pouvez toujours affiner vos décisions et affiner les informations ultérieurement. Ces collines ne sont pas plates, se dressant vers nous comme des paysages bidimensionnels. Il y a des surfaces rondes et plates sur le dessus d'eux qui attirent directement la lumière. Donc, Hills sont une combinaison de sol incliné dans une valeur plus foncée, mais aussi des versions légèrement allégées de cette couleur de fond angulaire. Et c'est ce que je laisse tomber dans ma peinture ici. Pour créer cette couleur de surbrillance, j'ai surtout réchauffé une version de la couleur principale de l'enfer. Et là où le soleil attrape le plus ces objets. Je crée une version encore plus chaude, un peu plus pointilleuse de cette couleur. Ainsi, les collines sont attrapées par ce point culminant plutôt intense et chaleureux. Et c'est ce que j'essaie de vous présenter ici. Certains de ces points forts vraiment chauds où ce dernier petit peu de soleil attrape les différents points où mon paysage s'accroche ou où les textures s'accrochent pour répondre à cette lumière du soleil. Au milieu de la distance. J' utilise mon rose cool pour réchauffer ce déjà jaune, vert et c'est ainsi que j'arrive à cette distance moyenne, sorte de couleur brunâtre. J' ajoute un peu de cette peinture à la couleur de mon arbre, mon tricolore plus chaud. Et j'apporte cette idée au sommet des arbres. Certains de ces traits et gestes plus éclairés et plus légers donnent vraiment l'idée que le soleil attrape les bords des feuilles et les bords de divers objets dans le paysage. Le fils attrape beaucoup de zones différentes dans le tableau, mais il interagit avec cette couleur un peu différemment. Et tous ces cas, les ombres projetées par mes arbres vont être un peu du côté de contraste long et élevé parce que le soleil est si bas dans le ciel. Je peins les zones entre les arbres ombres un peu d'une valeur plus légère. Vous pouvez voir qu'en superposant d'avant en arrière, en créant différentes zones fragmentées de couleur chaude et fraîche, je peux commencer à aplatir la zone sur laquelle les arbres sont assis un peu. Je décide aussi d'apporter une partie de cette sensibilité rose très chaude aux extrémités des feuilles de mes branches. Cela fait écho à la couleur rose dans les collines et à la distance. En apportant de petites instances de la même couleur dans différents contextes à travers mon Canvas. Je peux conduire le spectateur autour de lui. Nous gravitons vers des couleurs chaudes et intenses afin que vous puissiez guider votre spectateur dans et autour de votre composition en créant des zones qu'il doit connecter visuellement. Le prochain sujet de préoccupation dans ma peinture sont mes nuages. Je commence par bloquer dans une version de la couleur du ciel qui a un peu plus d'intensité de couleur à elle. Elle est proche du ciel qui l'entoure. C' est quelque chose que je peux expérimenter, ajuster et changer. Comme je continue à expérimenter avec la correspondance des couleurs et des combinaisons de couleurs sur ma toile. En jouant et en explorant les possibilités, je garde quelques choses à l'esprit. première est que les nuages sont allumés par le bas, de sorte que des structures plus chaudes et plus légères vont se produire sur la surface inférieure du nuage plutôt que sur la partie supérieure. Les nuages sont également éclairés par derrière et le soleil est chaud. Dans ce cas, j'ai besoin d'expérimenter un peu avec des versions chaudes et fraîches d' une couleur de valeur légèrement plus profonde pour représenter les surfaces des nuages qui sont les plus proches du spectateur. Ce sont les zones les plus ombragées de mes nuages. Je vais et vient ajouter un peu de rose à mon vert pour montrer cette chaleur et créer cette zone ombragée. Et alors que je veux que cette couleur soit chaude dans l'ensemble, je dois penser à l'axiome d'avoir une lumière chaude et une ombre fraîche. Aller-retour entre le rose, le gris, le vert et le blanc. Je peux vraiment ajuster la couleur et tester différentes couleurs à couches dans cette partie de ma peinture. Notez que la douceur de mes bords n'est pas tellement créée par le mélange, mais en gardant ma couleur proche contrairement aux couleurs à côté. Il y a une très faible différence de contraste entre une partie de mes nuages et la suivante. Si vous êtes intimidés par les nuages et leur forme semi-solide, alors il est parfaitement acceptable de les laisser en dehors de votre composition. Pour créer un certain intérêt pour le ciel, vous pouvez créer des zones où la transition entre vos bandes de progression des couleurs peut être un peu plus difficile ou plus apparente par rapport à des zones douces et mélangées. Je vous encourage à commencer à peindre dans la pratique des nuages plus tôt que tard. Ils vont bien et ils vous donnent beaucoup de latitude pour différentes façons de gérer votre douleur et différentes façons d'expérimenter avec de faibles contrastes de couleur. J' ai mis un point culminant au bas de mes nuages pour montrer où le Soleil attrape vraiment fortement leurs surfaces. Je regarde ce que j'ai et j'évalue. Et je sens que le ciel manque en fait un peu de complexité des couleurs et de transition des couleurs. Le ciel a tendance à être le plus brillant, le plus bleu , le plus intense en haut de l'image. Je décide donc de mélanger une partie de mon bleu-vert dans ma douleur et de créer une valeur légèrement plus foncée. Je place cette valeur plus sombre au-dessus de ma ligne de nuage. Et j'ai l'impression que cela donne vraiment une sorte de profondeur à la peinture. Ce n'est peut-être pas la logique parfaite du réalisme en action, mais il y a une logique à cet approfondissement de la couleur, ne se sent plus équilibré avec certains des verts sombres dans les arbres de mon premier plan. Mon image passe de quelque chose qui est un peu lourd en bas à quelque chose qui se sent un peu plus équilibré. Le spectateur se sent un peu plus confortablement contenu. Quand ils regardent cette photo. Cela démontre un peu le rôle que joue l'évaluation dans notre processus de peinture. Et cela montre aussi combien la volonté de changer spontanément de direction peut parfois être précieuse . 18. Peinture de paysage Refining l'image: Après votre deuxième couche, il est temps de porter votre attention sur les détails. Nous utiliserons un pinceau plus petit et des coups de peinture plus fins pour ajouter du détail et de la spécificité à notre peinture. Juste un peu plus de superposition sur nos couches précédentes donne de gros résultats. Nous avons maintenant une idée plus détaillée de notre peinture. Et à partir de maintenant, ce que vous faites vraiment est simplement d'ajouter des détails, en soustrayant tout excès de détails qui pourrait avoir glissé dans votre image. Et le processus est vraiment un processus d'édition et de raffinement. Donc, en utilisant les directives que j'ai établies avec les images que j'ai peintes jusqu'à présent. Je peux m'étendre un peu sur certaines de ces idées. Je reviens à l'idée d'une conversation entre les couleurs. Ce vert chaud devient un peu une déclaration menant aux reflets roses chauds sur les bords mêmes de mes arbres. Demandez-vous si ces zones sont plates et de couleur ininterrompue bénéficieraient d'un peu plus de détails et d'informations. Demandez-vous s'il s'agit d'une déclaration qui nécessite un peu d'élaboration, et c'est votre réponse. Cela vous aidera à décider quoi faire. Je ne pense pas qu'il y ait un seul tableau que j'ai jamais fait où je n'ai pas fini par ajouter plus de détails ou plus d'élaboration dans une partie de celui-ci que nécessaire. Et je ne pense pas qu'il y ait un seul tableau que j'ai jamais fait où je n'ai pas eu à revenir sur une certaine décision que j'ai prise à un moment donné. J' ai remarqué que les zones d'ombre de ces arbres manquaient un peu de fraîcheur et un peu d'intensité de couleur. Les sombres dans ces arbres sont plutôt chauds. Je voulais les refroidir un peu. J' ai donc ajouté une partie d'un vert plus lumineux, plus saturé et légèrement plus bleu derrière les ombres immédiates. Je ne pense pas que ce soit tout à fait une mauvaise impulsion, mais je ne suis pas sûr qu'il ait été nécessairement peint de la manière la plus efficace ici. C' est bon. Notre peinture artisanale se couvre magnifiquement. C' est l'une des principales raisons pour lesquelles je me sens fortement à commencer avec un matériau comme celui-ci. Dans les zones où j'ai trouvé qu'il y avait un peu trop de détails et un peu trop de contraste entre les feuilles mises en évidence et les ombres qu'elles jettent. J' y vais et je crée des formes plus grandes avec moins de transitions entre elles. Ces arbres ne sont pas exactement là où je veux qu'ils soient, mais je n'ai pas besoin de tout réparer complètement dans la première tentative. Il est préférable d'arrêter ce que vous faites et de passer à une autre partie de votre peinture, ajustant en fonction des valeurs que vous avez déjà structurées. La bande tout en haut du ciel dans cette peinture semblait un peu dépourvue de couleur. Ce tableau, il a une palette globale en sourdine. Mais je ne veux pas couper les choses au point où il n'y a pas de rémunération et aucune sorte de friandises visuelles pour le spectateur. Pour cette raison, j'ai ajouté plus d'un bleu-vert et intensifié la couleur un peu vers le haut du ciel. Bien que ce ne soit pas la représentation la plus réaliste, je pense que cela fait fonctionner cette image. À la lumière de cette nouvelle valeur légèrement plus légère. J' avais besoin d'ajuster certaines de mes ombres et de mes reflets dans mes nuages. Vous remarquerez que je ne peins pas sur tout ce que j'ai fait. J' ajoute juste un peu d'informations à ce que j'ai. Et dans ce cas, j'ai utilisé un pinceau un peu plus grand. Et en gardant mes applications de peinture un peu grandes et un peu audacieuses, j'ai en fait adouci considérablement la forme en supprimant une partie du détail et du contraste entre une couleur et une autre. J' ai également décidé d'évoquer une partie de la chaleur et de la couleur de mon horizon, soulevant la ligne de cette transition et en me donnant une excuse pour mettre quelques reflets plus colorés dans mon ciel. Arrêter ce que tu fais. Mettre votre peinture verticalement et se tenir en arrière à environ cinq ou dix pieds est quelque chose que je ne peux pas insister sur l'importance de suffisamment. C' est incroyablement utile à divers intervalles, je vais le faire. Une autre chose que je vais faire pour évaluer ce que je regarde et ce que mon travail fait est que je vais prendre des photos régulièrement. Il y a un facteur de distance lorsque vous prenez une photo de votre peinture qui vous aide vraiment à la voir d'une manière unifiée afin que vous puissiez effectuer des ajustements et des corrections qui profitent à l'image globale. Je savais que je devais assombrir certaines zones d'ombre et les approfondir. Encore une fois, c'est un peu plus sombre et un peu plus chaud que je voulais vraiment y aller, donc j'ai besoin d'ajuster cette couleur un peu. Votre peinture est un processus qui consiste à faire une marque, puis à répondre à la marque, en faire une autre, puis à trouver une autre réponse à cette marque. Je reviens toujours à la conversation que je vais métaphore parce que je pense que c'est juste si approprié pour ce processus. Je voulais montrer à ce segment où je me bats un peu parce que je veux dire clairement que quand je peins, j'ai tendance à pousser un peu les choses. Il serait plus facile, je pense, laisser cela comme il était et peut-être éviter rencontrer certains de mes problèmes de température de couleur apparaissent à l'avant. Mais je pense que parfois donné le choix d' essayer quelque chose et d'avoir à le repeindre plutôt que de ne pas l'avoir essayé du tout. Je pense que la leçon la plus précieuse existe pour nous de le faire et de devoir la défaire. Il est également important de ne pas mettre toute la pression sur chaque peinture que vous faites. Je veux parler un peu de l'idée de mettre la pression sur un tableau. Pas de pression sur nous-mêmes, mais la pression sur le travail. Et ce que je veux dire par là, c'est que parfois je pense que les peintres prématurément décideront qu'ils veulent peindre une certaine image et décider dans leur tête et avancer à quoi ils veulent qu'elle ressemble. Et un peu avant que leurs compétences aient vraiment rattrapé toutes les choses qu'ils veulent accomplir. Ils vont entrer dans une situation où ils peignent la peinture. Et il y a tellement de problèmes et de défis rencontrés en cours de route qu'il faut remonter et recouvrir. Qu' ils développeront une relation vraiment intense, à long terme et quelque peu frustrante avec ce travail. Donc finalement, oui, il sera peint et il est beau et vous ne voyez même pas nécessairement toutes ces luttes. Mais j'ai l'impression que la valeur de ce genre de peinture est une chose. Et c'est quelque chose que je pense que nous avons tous une sorte d'idéal artistique fantastique qui nous est donné. C' est une sorte de récit. Les artistes luttent avec leur travail, non ? Et ils poussent à travers et ils finissent quoi qu'il arrive. Et maintenant, c'est un chef-d'œuvre. En dehors de ce récit. Je crois qu'il est beaucoup plus précieux de faire 51 heures ok, peintures. Ensuite, il est à faire 15, notre bonne peinture, l'heure 51. D' accord. Les peintures contribuent tellement plus à mon corps de connaissances que les travaux de dix heures, 30 heures ou 100 heures. Ces œuvres ne sont vraiment qu'un terrain d'essai pour synthétiser toutes les choses que j'ai apprises en faisant de bonnes peintures. Alors définissez ces minuteries et ne vous inquiétez pas à ce sujet. Et parfois être vraiment, vraiment méchant pour vous-même et régler la minuterie et vous avez terminé après une heure, que vous le vouliez ou non. Je pense qu'il y a leçons vraiment précieuses à ce sujet. Surtout si vous êtes un débutant et que vous cherchez à développer une pratique, développer un ensemble de compétences et développer. Ça a été vraiment important pour mon développement. Je voulais en parler parce que je ne pense pas que ces 5 heures vont bien. Les peintures sont super visibles. Ce n'est pas le genre de chose où je pense, je pense que les non-artistes et les artistes débutants apprennent vraiment à identifier un travail comme celui-ci et à comprendre le rôle qu'il joue. J' ai tendance à penser à quelque chose, voir quelque chose dans mon travail, puis à décider d'y répondre. Et ma philosophie est d'y aller et si ça ne marche pas, alors de s'ajuster. Vous comprenez ça en regardant ça et en étant sur ce voyage jusqu'à ce point. Donc, ce que j'ai remarqué quand j'ai regardé cela et l'évaluer était que la zone d'ombre était devenue un peu chaude par rapport à cool. J' ai eu l'impression de vouloir corriger le manque de fraîcheur dans la partie arrière de ces arbres, le spectateur face à une partie de ces arbres. Donc quand je dis retour, je veux dire le retour au soleil affecte la, la partie de cet arbre que nous voyons. Je conceptualise qu'ils sont de retour comme d'autres regardant au loin. J' ai donc senti que l'ombre avait perdu le mandat d'être une lumière fraîche et chaude. Et j'ai aussi senti que ces arbres devant, nous manquons un peu d'intensité de couleur qu'ils devraient avoir, même dans l'ombre, que les choses proches de nous sont plus colorées que les choses plus éloignées. Et j'ai perdu cette philosophie en les peignant. Donc pour corriger. Je suis entré et j'ai mélangé un bleu influencé mais un vert légèrement plus brillant pour jouer avec et juste travailler dans certains de ces, ces masses. Et à certains égards, je pense que cela a été un succès et, à certains égards, moins réussi. Mais j'ai passé du temps à résoudre ce problème. Voir si je pouvais faire des transitions entre mes sombres chauds et mes sombres frais qui me semblaient satisfaisantes. Ces ombres sont un peu plus chaudes que je voudrais qu'elles soient. Et la température de couleur est importante ici. Mais plus important est la valeur. Donc, ce sombre vraiment profond est, à mon avis, juste un peu trop sombre en introduisant juste une touche de mon tricolore principal dans le mélange de cette couleur noir foncé et ombre, je suis capable d'obtenir un gris qui frappe un sombre plus approprié de sorte que la forme de transition entre l'ombre et l'objet qui jette l'ombre, cette transition devient un peu plus douce, un peu plus convaincante et un peu plus satisfaisante. C' est une phase plus analytique de la peinture. Encore une fois, pour revenir à cette métaphore conversationnelle, c'est le moment de s'assurer que vous écoutez. Assurez-vous de mettre cette œuvre contre le mur et de vous tenir en arrière pour que vous soyez en relation avec elle, pas seulement en tant que peintre et auteur de l'œuvre, mais aussi en tant que spectateur. Prendre le temps de regarder ce que vous faites est vraiment payant. Vous remarquerez les zones qui pourraient être améliorées. Je sentais que l'arbre au milieu se penchait un peu trop loin, et je voulais lui donner un peu plus d'informations sur la gauche pour contrebalancer ce maigre au moins juste un peu. Une ombre chaude sur la gauche où le soleil ne frappe pas directement l'objet, mais briller à travers les feuilles rétroéclairées a vraiment aidé ceux-ci à devenir plus dimensionnels et juste une belle petite zone de paiement visuel. Ce n'est pas une couleur vive, mais c'est une couleur chaude. Et je pense que ce petit ajustement rend vraiment la lumière plus réelle qu'elle ne l'a fait sans elle. Remarquez à quel point c'est simple et ajustable. Ce n'est vraiment pas beaucoup d'effort et pas beaucoup de détails et de spécificité en elle. La spécificité est vraiment dans la couleur exacte que j'ai utilisée. Dernier. J'aime ajouter un peu d'un point chaud à mi-distance de terrain plat. Donc quelque part où ma couleur devient la plus chaude. Je trouve que cela ajoute un peu de dimension au travail. Et cela renforce vraiment l'idée que ces arbres sont des types de personnages qui s'affrontent loin de nous et regardent au loin comme s' ils étaient effectivement dans une forme de dialogue les uns avec les autres. Il est temps de jeter un coup d'œil, de reculer, d'évaluer et de réaliser qu'en fait, nous avons fini. Maintenant, c'est ton tour. Passez en revue les exercices, essayez quelques images d'étude préliminaire pour vous servir à valoriser la sensation de la peinture et différentes approches de la couleur. Sélectionnez ensuite une couleur. Créez des regroupements de cette couleur et de son contraire. Ajouter le noir et le blanc. Et allez-y et donnez-lui une image comme celle-ci, un essai. Rappelez-vous, vous arrivez à le faire encore et encore autant de fois que vous le souhaitez et vous amuser autant que possible à le faire. Prenez des notes sur les choses que vous remarquerez dans la peinture. Les couleurs que vous aimez, les relations de couleur qui vous ont intrigué. La façon dont vous aimez peindre le sujet. formes et les motifs auxquels vous vous trouvez gravitent sans y penser trop dur, sauvez votre état d'esprit analytique. Pour la troisième étape de couche, lorsque vous commencez à ajouter des détails et à évaluer la structure globale de votre travail. Quand vous reculez. Je sais que vous aimerez créer des peintures comme celles-ci encore et encore. Et je veux juste que vous sachiez à quel point je suis ravie en ce moment de vous accueillir à l'occasion de vous amuser, d' enquêter et de profiter de la peinture de paysage. 19. Récapitulé: Félicitations à tous. Avec votre nouvel ensemble de compétences, vous pourrez poster une belle image de paysage 12 par 12 sous l'onglet Projets de la page de la classe. J' ai vraiment hâte de voir toutes vos créations. Je voulais juste te remercier une fois de plus. Vous m'avez rejoint dans un cours assez complet et nous avons couvert beaucoup de compétences différentes, beaucoup de nouvelles mesures différentes et beaucoup de nouveaux concepts clés différents. Donc, j'espère que toutes ces choses vous serviront et vous serviront très bien votre travail. Si vous avez des questions, s'il y a quelque chose qui doit être clarifié, veuillez poster à cet effet dans l'onglet Discussions. Je le surveillerai et je chercherai vos questions et tous les points, ou je pourrai apporter des éclaircissements sur tout ce qui pourrait être un peu déroutant plus tard. J' espère que vous avez trouvé cela précieux et si vous avez aimé cette classe, s'il vous plaît envisager de laisser un commentaire à cet effet. Ça aide vraiment la chaîne et m'aide à sortir. Si vous voulez vous assurer de ne pas manquer nouvelles classes ou de nouveaux contenus au fur et à mesure qu'ils sont ajoutés à la chaîne, assurez-vous de cliquer sur le bouton Suivre et vous serez ajouté pour recevoir des notifications. J' ai eu beaucoup de temps à peindre avec vous aujourd'hui et j'ai hâte de peindre avec vous à nouveau. Jusque-là, prenez soin, restez en sécurité, soyez bons les uns avec les autres, et passez un bon moment à peindre.