Boîte à outils pour la conception de patrons : 6 conseils pour améliorer vos patrons

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Sarah Rain et je suis un concepteur de motifs de surface actuellement basé au Japon. Maintenant, si tu es quelque chose comme moi, parfois quand tu fais un modèle, ça marche et ça se rassemble comme de la magie et tu es genre, oui, et tu veux montrer le monde. Mais ça ne va pas toujours comme ça. En fait, le plus souvent qu'autrement, lorsque nous mettons un correctif ensemble, nous avons l'impression qu'il a besoin d'un peu de travail ou vous ne pouvez pas tout à fait déterminer ce que c'est qui n'est pas correct, mais quelque chose ne va pas. Juste pour faire des charges et des charges de modèles, j'ai développé une liste de contrôle mentale des choses que je traverse quand je sens que les choses ne sont pas encore tout à fait là. Ce sont les conseils que j'aimerais partager avec vous aujourd'hui dans cette classe. Cette classe est pour ceux d'entre vous qui peuvent déjà faire un modèle de répétition, mais qui sont prêts à prendre les choses au niveau suivant. Je vais passer en revue quelques conseils et théorie de l'art que vous pouvez appliquer à vos modèles, et vous fournir la boîte à outils de choses que vous pouvez essayer de prendre vos modèles de, « Ma », « Whoa, ils sont si bons, je les aime tellement. Je veux montrer à tout le monde. » Juste une note de côté, bien que je travaille dans Photoshop et Illustrator, juste pour garder les choses simples, je ne montrerai que dans Illustrator aujourd'hui. 2. PROJET DE CLASSE: Pour le projet de classe, j'aimerais que vous fassiez une des deux choses. Créez un modèle implémentant les conseils couverts dans la classe, ou choisissez un modèle existant que vous avez déjà fait et qui, selon vous, pourrait utiliser des améliorations et apporter des modifications à l'aide de ce que vous avez appris dans la classe. Si vous le souhaitez, vous pouvez poster un avant et après. J' adorerais voir les progrès que vous avez faits. Maintenant, on commence ? 3. Liste de contrôle: Examinons d'abord la liste de contrôle, avant de passer en revue chacune en détail. Nous avons le contraste, la couleur, profondeur, la texture, la disposition et la direction, et le flux. Maintenant, regardons le premier, qui est le contraste. 4. Constraste: Qu' est-ce que le contraste ? En termes d'art, le contraste est à quel point quelque chose est différent de quelque chose d'autre. Par exemple, des couleurs claires et sombres, textures lisses et rugueuses, formes grandes et petites. Vous pouvez voir dans cette diapositive que les couleurs de gauche ont un faible contraste et celles de droite ont un contraste élevé. augmentant le contraste entre deux éléments, nous pourrions ajouter des intérêts ou des modèles. Avoir assez de contraste et de couleur peut vraiment faire la différence entre avoir un grand motif et celui qui tombe à travers. faible contraste peut rendre les éléments difficiles à voir, voire disparaître complètement. Regardez comment les cercles sur la droite se transforment avec une augmentation de contraste. Par exemple, regardons ce motif de requin baleine que j'ai fait pour un ami. Ou le manque de contrastes a vraiment laissé tomber tout. Je ne l'ai pas réalisé jusqu'à ce que je l'ai fait en maillot de bain. Au fait, à quel point c'est cool. J' ai fait un modèle de nage de mon amie avec des requins baleines, puis je l'ai fait en maillot de bain qu'elle portait ensuite à nouveau nager. J' ai finalisé ce design dans une précipitation que vous ne devriez jamais faire et je n'ai pas pris le temps d'imprimer les couleurs et de les vérifier. Votre écran ne donnera pas toujours une représentation précise de la façon dont quelque chose va s'imprimer, en particulier sur le tissu. Bien sûr, cela varie d'une imprimante à l'autre, mais je vous recommande toujours d'imprimer votre design à la maison avant de finaliser les couleurs. Une astuce que Bonnie Christine enseigne est de voir votre design en niveaux de gris. Chaque élément doit encore être clairement visible même en noir et blanc. Cela garantira que rien n'est perdu en raison d'un manque de contraste de couleur. Vous pouvez voir ici combien de différence augmente le contraste fait. Je vais sauter dans Illustrator maintenant et vous montrer comment je vais résoudre ce problème. Donc nous sommes dans Illustrator maintenant et j'ai ce modèle ouvert et vous pouvez voir que nous avons un petit problème de contraste ici. Si je fais un zoom avant, vous verrez que ces petits éléments bleus se perdent un peu et aussi le contraste du vert est un peu trop proche du rouge et ça fait mal à vos yeux de le regarder. C' est juste un peu trop. Comment pouvons-nous réparer ça ? Je vais commencer par dupliquer ça deux fois. Appuyez sur V pour le sélectionner, puis appuyez sur option sur un Mac ou alt sur un PC et faites-le glisser une fois. Effectuez un panoramique à l'aide de la barre d'espace et faites glisser à nouveau. Vous pouvez sélectionner celui à l'extrême gauche et nous allons faire petit tour de Bonnie Christine pour le rendre gris et pour que nous puissions voir exactement où se trouvent nos problèmes. Assurez-vous qu'il est sélectionné. Nous montons à Modifier, puis convertissons en niveaux de gris. On y va. Maintenant, nous pouvons voir clairement où est le problème. Contrairement à ce que je pensais, ce vert était trop proche du rouge. Au début, ce n'est peut-être pas si évident que c'est un problème parce que vous pouvez voir le vert contre le rouge. Ce n'est pas comme s'il était perdu dans le bleu. Parfois, quand un motif ne semble pas correct, le contraste n'est pas la première chose qui me vient à l'esprit. Mais si vous le vérifiez en niveaux de gris, vous pouvez voir qu'il y a un problème ici et c'est la raison pour laquelle vous pourriez ne pas penser que vous êtes le modèle est tout à fait là. Nous pouvons voir que nous avons un problème avec le vert et nous avons aussi un problème avec le bleu ici. C' est trop proche, contrairement au blanc, et c'est pour ça que nous ne pouvons pas le voir. Effectuons un zoom arrière, appuyez sur Z, puis sur Option ou Alt pour obtenir le signe moins, barre d' espace pour effectuer un panoramique. Juste à notre plus loin ici appuyez sur V, sélectionnez-le et nous allons à cette petite icône ici, qui est l'outil d'illustration de recolor. Je suis sûr que la plupart d'entre vous l'ont utilisé avant si vous êtes patch de surface et des concepteurs, c'est un excellent petit outil. C' est un de mes favoris. Nous n'allons pas en profondeur aujourd'hui, mais je vais vous montrer comment vous pouvez l'utiliser pour ajuster votre contraste. Comme je l'ai dit, nous avons eu un problème avec le vert. D' abord, je vais cliquer sur le vert ici et ici nous avons les couleurs CMJN qui composent les couleurs du motif. Pour changer le contraste, je veux changer le K, qui est le noir et je vais juste le rendre plus léger pour voir à quoi ça ressemble. Si j'en parle, vous verrez que ça marche. Cela rend les contrastes beaucoup plus élevés, mais je ne veux pas qu'ils soient aussi élevés. Allons le tonifier un peu. Je pense que ça a l'air sympa. Ensuite, nous allons cliquer sur le bleu clair et le rendre un peu plus lumineux. Trop lumineux ? Apportons du noir. Je ne veux pas devenir trop fou ici. On y va. Le noir l'a comprimée un peu. Peut-être quelque chose comme ça. Je regarde le bleu contre la balle blanche, donc le bleu contre le rouge et je me demande si le rouge pourrait être un peu trop proche, mais je pense que ça ira. Revenons au vert et ajustons-le juste un peu plus parce que je suis un perfectionniste fou. On y va et on touche « Ok ». Si vous le comparez à celui que nous avions auparavant, ignorez ces petites lignes blanches d'ailleurs, c'est Illustrator étant Illustrator, vous voyez qu'il a disparu. C' est juste là où se trouve ma répétition et vous pouvez voir que c'est bien mieux. Je vais zoomer pour que vous puissiez voir un peu mieux ici. Celui-ci peut vous blesser les yeux. C' est juste un peu dur à regarder. Celui-ci, alors qu'il est encore brillant et qu'il est encore assez occupé, il est un peu plus calme et les couleurs ne se battent pas les unes avec les autres. Je parie que si je transforme cela en niveaux de gris, que chaque élément sera maintenant clairement visible. Laisse-moi faire ça. Je vais appuyer sur V, le sélectionner, modifier l'option et faire glisser. Sélectionnez celui-ci, allez jusqu'à Modifier, Modifier les couleurs, convertir en niveaux de gris et voilà. Nous zoomons. Vous pouvez voir maintenant que chaque élément est visible et si je le compare à l'autre échelle de gris, vous pouvez voir est beaucoup mieux. Là. Elles sont perdues. Maintenant, ce n'est pas le cas. Maintenant, nous pouvons tout voir. 5. Couleur: La couleur à nouveau peut faire ou freiner un motif. Cette fois, je vais me concentrer plus de teintes plutôt que de Contraste. Maintenant, seulement deux couleurs doivent être en harmonie, mais le contraste et le placement à l'intérieur d'un motif et doivent être considérés aussi bien. Par exemple, une couleur contrastante peut être pointillée sur les motifs façon stratégique pour guider l'œil du spectateur dans la façon dont vous souhaitez qu'il voit le motif. Le spectateur ne le reconnaît peut-être pas nécessairement, mais cela ne veut pas dire qu'il ne va pas trouver esthétiquement agréable. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire avec ce patch de singe que j'ai ici. Maintenant, j'admets que j'ai intentionnellement rendu ces couleurs hideuses et les ai rendues aussi mauvaises que possible, et ce n'est pas une chose facile à faire pour que ça paraisse aussi terrible. Mais je voulais vraiment vous montrer que même un bon motif peut paraître terrible, avec les mauvaises couleurs. J' ai fait presque toute une collection en utilisant cette palette de couleurs ici, et ils ont tous travaillé de manière cohérente. Mais pour une raison quelconque, cette palette de couleurs n'a pas fonctionné sur ce modèle de singe, et donc j'ai failli abandonner. Je pensais que c'était un mauvais modèle. Je suis si content que je ne l'ai pas fait, parce que dès que j'ai abandonné la palette de couleurs et que j'ai décidé de jouer, il suffit de suivre mon instinct et de voir ce qui se passe. Cela a fonctionné, il s'est avéré beaucoup mieux que je ne l'avais prévu. Laisse-moi te montrer pourquoi je l'ai fait. Donc d'abord, vous voulez faire un tour et dupliquer ceci comme nous l'avons fait dans la dernière vidéo. Assurez-vous que celui de droite est sélectionné et accédez à l'outil de recoloriage de l'illustration. Vous pouvez donc voir ici que les couleurs de notre motif apparaissent maintenant dans nos couleurs actuelles, et aussi que nos nuanciers ici sont tombés dans l'outil de recolor. Maintenant, lorsque je clique ici, les couleurs vont remplacer instantanément les couleurs que j'ai actuellement dans mon motif. On y va, et si j'appuie sur ce bouton, ça va changer au hasard l'ordre des couleurs. Maintenant, comme vous pouvez le voir, ce sont les meilleurs que certains sont hideux, autres ne sont pas si mauvais. Mais aucun d'entre eux ne fonctionne vraiment. Aucun d'eux n'a fait sauter mes chaussettes. J' ai donc décidé d'aller dans un membre et de faire ce que je veux, et j'ai donc décidé que j'aime cet or en arrière-plan, donc je vais garder ça, et je vais passer à ce bouton d'édition ici. Lorsque vous cliquez dessus, vous pouvez voir que la roue de couleur apparaît, et ces petits cercles correspondent aux couleurs de l'échantillon que vous avez ici. Maintenant, quand je les déplace, vous pouvez voir que toutes les autres couleurs se déplacent avec celle que j'ai aimé. Je vais le ramener à l'or ici. Mais dans ce cas, je veux les éditer individuellement. Donc, je vais descendre ici pour dissocier les couleurs de l'harmonie, et quand j'appuie dessus et vous pouvez voir que je peux déplacer chaque couleur sans affecter les autres. Donc je vais garder ça comme une belle couleur jaune or, et puis je vais travailler avec le singe, reviendra à la banane plus tard. Il n'a pas l'air si gris pour le moment, dans ce bleu, il a l'air un peu grossier, mais c'est bien pour l'instant. On s'occupera du singe d'abord. Donc il est probablement cette petite couleur accrocheuse. Rouge, peut-être pas. Le rose, c'est un peu mieux. Continuons. Le bleu a un joli contraste. C' est bon avec la couleur sarcelle, je voulais être un peu plus sombre. Maintenant, traitons de la banane et il a un rôle vraiment vital à jouer dans le modèle parce qu'il va être la pop de couleur. Avec ça, la couleur pop c'est un peu ennuyeux. Trouvons le bleu et fais-le tourner. Non. Rouge peut-être, rose, c'est bon. Maintenant, si vous ne pouvez pas obtenir la couleur exacte que vous voulez et vous pouvez toujours double-cliquer ici et choisir la couleur dans cette sélection également. Si vous trouvez que plus facile, je suis heureux avec ce rose il ajoute une belle couleur pop là-bas. Alors maintenant, je vais juste appuyer sur « OK », et il est écrit « Enregistrer les modifications pour le groupe nuancier », couleurs de l'Inde avant de fermer. Je veux appuyer sur « non », car cela remplacera mes nuanciers par les couleurs du correctif actuel. J' ai une palette de couleurs de travail enregistrée ici que j'utilise pour une collection basée sur l'Inde. C' était étrange parce que la palette a fonctionné sur tous les dessins que j'ai faits jusqu'à présent, mais je n'ai pas travaillé avec celui-ci. Je fais souvent une collection entière en utilisant un ensemble de couleurs cohésives pour le processus de création, puis je change les couleurs plus tard. Parfois, ça ne marche pas quand on a un modèle de voyous comme ce gars. Regardons l'avant et l'après juste pour le plaisir. Le premier est horrible. Deuxième, c'est bien mieux. Le sujet suivant est la profondeur. 6. Profondeur: Qu' est-ce que la profondeur ? La profondeur est quand quelque chose semble n'être pas plat, comme s'il avait des couches, et il y a une certaine illusion de distance entre le premier plan et l'arrière-plan. La profondeur est un excellent outil pour ajouter de l'intérêt à un motif qui pourrait autrement tomber à plat. Désolé, j'ai dû remplir celui-là. Mon style est assez plat, mais j'aime ajouter une profondeur subtile à mes motifs. Regardons ces deux exemples un peu plus près. Le premier ici va bien, mais je pensais qu'il manquait un petit quelque chose. C' est juste un peu ennuyeux comme ça. J' ai décidé que je voulais ajouter de la profondeur en mettant quelques fleurs subtiles en arrière-plan. J' ai pris toutes les fleurs que j'avais, enlevé le contour et changé la couleur en gris clair, et je l'ai mis derrière les fleurs originales. Ce ne sont certainement pas l'objet du modèle, mais en les ayant, cela ajoute un peu d'intérêt supplémentaire au modèle. Celui de droite semble tellement mieux. Seriez-vous d'accord ? Pour celui-ci, j'ai été inspiré par les petits sommets de piliers en forme de pyramide que j'ai vus en Inde. Mon premier instinct était de dessiner un 2D comme vous le faites d'habitude. Puis j'ai pensé, ajouter plus de profondeur et être plus intéressant si je l'ai dessiné dans une perspective 3D. La première partie du modèle ressemblait à ceci. J' étais heureux avec elle, mais je voulais quand même ajouter quelque chose pour le rendre un peu plus spécial, et cela est venu sous la forme de texture. Vous pouvez voir juste avec l'ajout de texture, il donne au motif une autre couche et le rend un peu plus dynamique. Nous discuterons plus de la texture dans le prochain clip. 7. Texture: La texture peut ajouter un tout autre niveau d'intérêt et profondeur à vos motifs quand vous avez l'impression qu'ils manquent juste un petit quelque chose. Ajouter de la texture ne va pas rendre un mauvais motif bon. Mais il va injecter un peu de vie et s'accrocher au modèle que vous êtes déjà satisfait. Ce motif pyramidal que nous avons regardé dans le dernier clip était mignon comme il était. Mais avec un peu de texture, cela le rend beaucoup plus intéressant. La texture peut être ajoutée partout à la conception entière, ou elle peut être ajoutée aux éléments individuels. Regarde ce petit modèle de portrait que j'ai fait. J' ai ajouté la texture à ce motif dans Photoshop. Mais pour ce cours, je vais montrer un Illustrator seulement. Mais vous pouvez voir la différence que le petit peu de texture fait. Ce troisième motif montre une bande sur laquelle je mets une texture. Passons à Illustrator et je vais te montrer comment je l'ai fait. J' ai mon motif rayé ouvert ici, et je suis heureux avec les couleurs et le design global et je suis prêt à ajouter un peu de texture. J' ai acheté un pack de texture chez Creative Market. Bien sûr, vous pouvez faire le vôtre, mais acheter un pack est un moyen vraiment facile de commencer. Celui-ci n'était que $4 ou $5. Le pack contient trois fichiers Illustrator différents avec des textures comme ça, et vous pouvez les appliquer sur n'importe quoi vraiment. Je vais choisir celui-ci et appuyer sur Commande C ou Contrôle C pour le copier. Revenez à mon motif rayé et collez-le ici en utilisant Command V ou Control V. Maintenant, nous ne voulons pas mettre la texture sur ce motif, mais nous voulons la mettre sur la répétition originale. Je vais mettre ça hors du chemin pour l'instant. Pour accéder à la répétition originale, nous voulons trouver la petite nuance ici et simplement la faire glisser. On y va. C'est la répétition originale. Bien sûr, nous voulons que la texture aille sur le dessus et pour le moment elle est derrière. Avec elle sélectionnée, pour l'amener à droite à l'avant, vous pouvez appuyer Maj Command (Shift Command) le support droit ou Maj Control (Shift Control) si vous êtes sur un PC et qui l'amènera à l'avant. Alors on peut juste traîner ça. Ne vous inquiétez pas de limiter les proportions. Ça n'a pas vraiment d'importance pour un modèle comme celui-ci. On y va. Je n'aime pas vraiment qu'il soit noir, je pense que ça serait plus beau, blanc. Je vais juste cliquer ici et cela rendra la couleur de remplissage blanche et le contour noir et je ne veux pas de contour, donc je vais juste me débarrasser de ça. Il n'a pas été sélectionné, désolé. Avec elle sélectionnée, je vais faire la même chose à nouveau, me débarrasser du contour et cette fois il devrait être blanc. Là, parfait. Je pense que c'est un peu trop dur en fait. Je pense que je veux ajuster un peu l'opacité. Assurez-vous de sélectionner juste la texture et aller à la fenêtre et l'apparence, et ici nous pouvons ajuster l'opacité. Maintenant, nous ne pouvons pas vraiment voir ce que nous faisons. Donc je vais sortir de ça juste une seconde. Montez à la fenêtre ou à la vue plutôt, et descendez pour masquer les bords. Le raccourci pour cela est Commande H ou Contrôle H. Cela signifie qu'il est sélectionné, mais vous pouvez réellement voir ce que vous faites. Nous allons essayer à nouveau, nous allons revenir à l'apparence de la fenêtre, aller dans l'opacité et l'abaisser. Cette fois, on peut voir ce qu'on fait. Je pense que je suis content avec ça vers 64 ans. Ça a l'air sympa. On peut juste fermer ça maintenant. Bien sûr, normalement, le haut doit correspondre au bas et la gauche doit correspondre à la droite lorsque nous faisons une répétition. Mais avec une texture comme celle-ci, ça n'a pas vraiment d'importance parce que c'est juste comme des petits points, et donc vous ne devriez pas être capable de voir une ligne. Si vous ne voyez pas de ligne, vous pouvez revenir sur les arêtes et les modifier afin qu'elles soient plus transparentes. Maintenant, nous voulons sélectionner tout, la texture et le motif de répétition en dessous, et le faire glisser jusqu'à l'échantillon. Cela crée une nouvelle nuance de motif. Si on y va, je vais reproduire ça. Vous pouvez le faire en appuyant sur Alt ou Commande et en le faisant glisser. Ensuite, appliquons le nouveau modèle à celui-ci là. C' est très subtil, mais je pense vraiment que ça fait une énorme différence. Si on agrandit ça, on verra encore plus clairement. Il suffit de faire glisser ça. Je veux l'élargir aussi, donc j'ai besoin d'appliquer à nouveau l'échantillon. Allons le réduire. J' ai la boîte de dialogue d'échelle ouverte ici. Essayons 50 pour cent, mais je ne veux pas transformer l'objet, je voulais juste transformer le motif, donc je vais décocher ça et appuyer sur Ok. Vous pouvez voir ici que cela fait vraiment une telle différence sans la texture et avec la texture et ces lignes à nouveau, je sais que je l'ai dit dans chaque vidéo, mais ceux-ci ne sont pas réels, alors ne vous inquiétez pas. Si vous ne me croyez pas ou si vous êtes un peu incertain, vous pouvez toujours voir cette ligne ici. Vous pouvez sélectionner cette option, aller dans Fichier, Exporter, enregistrer pour le Web, et ici, dans la fenêtre Exporter la ligne a disparu. C' est comme ça que tu sais que ce n'est pas une vraie ligne. Essaie de le sauver. Si c'est une vraie ligne, vous allez devoir réparer votre répétition, mais c'est bon, c'est réparable aussi. Maintenant, je vais vous montrer comment appliquer une texture à un seul élément dans un motif, et donc j'ai mes deux petites tourterelles ouvertes ici. J' ai décidé que je voulais appliquer une texture au garçon. Je vais zoomer un peu pour qu'on puisse le voir mieux et aller à mon pack de textures. Je crois que je vais choisir celui-là. Vous pouvez appuyer sur Commande C ou Contrôle C pour copier. Revenez à votre document et appuyez sur Commande V ou Contrôle V pour coller. Maintenant, cela va mettre la texture sur tout comme vous pouvez le voir. Je n'aime pas ce noir, donc je vais juste le changer en blanc rapidement et me débarrasser du contour. On y va. Bien que ce soit blanc, vous pouvez toujours voir qu'il couvre tout et pas seulement le garçon. Pour qu'il soit juste sur le garçon, nous devons utiliser un masque de coupure. Nous le faisons en sélectionnant d'abord le garçon. Le garçon est en dessous de la texture, et donc pour sélectionner l'objet qui est en dessous, nous devons appuyer sur Commande et cliquer sur un Mac ou Control et cliquer sur un PC. Je vais le faire et sélectionner le garçon, appuyer sur copier et coller en place. C' est Shift Command V ou Shift control V, et cela le mettra dans la même position sur le dessus. Vous pouvez voir maintenant que c'est au-dessus de la texture. Nous voulons sélectionner ceci avec la texture ci-dessous. Nous pouvons le faire en maintenant Maj et en les sélectionnant tous les deux. Ensuite, nous voulons créer un masque d'écrêtage et nous pouvons le faire en allant vers l'objet, masque d' écrêtage, faire, là. Maintenant, la texture est limitée à la forme de l'oiseau. C' est essentiellement l'utilisation d'un effet, et nous ne voulons pas vraiment utiliser d'effets. Nous voulons en faire une forme propre. Nous ne voulons pas que ça ait un effet. Parce que ça va rendre votre ordinateur plus lent. Pour libérer le masque d'écrêtage, mais pour garder la texture dans ces contraintes, nous allons à l'objet et à l'expansion, puis nous frappons cette petite chose dans les finders de chemin. Si vous n'avez pas vos finders de chemin ouverts, vous pouvez aller dans Fenêtre, puis pathfinder, et cette case s'ouvrira. On veut frapper celui-là. Cela signifie que la forme n'est plus un masque d'écrêtage, mais fondamentalement, ce ne sont que des formes, ce sont juste des objets. Vous ne pouvez pas les voir lorsque je les sélectionne, car les bords sont à nouveau visibles. Vous pouvez aller voir, cacher les bords. On y va. Maintenant, si vous ne le voulez pas partout, à ce stade, vous pouvez sélectionner la texture, aller à l'outil gomme, et simplement augmenter les bits que vous ne voulez pas. Peut-être que je n'en veux pas sur son oeil, comme ça, et là tu l'as. C' est ainsi que vous textez un seul élément. 8. Mise en page et direction: Par mise en page et direction, je veux dire comment vous choisissez de placer vos motifs. Certains semblent mieux comme une demi-goutte, d'autres semblent mieux comme une mise en page jetée, d'autres peuvent paraître bien dans des rangées soignées, tandis que certains semblent mieux avec plus de mouvement comme un motif multidirectionnel. Regardons de plus près ce modèle que j'ai fait inspiré des grues d'origami japonaises. J' ai choisi de les exposer dans une couche presque multidirectionnelle, bien qu'aucun d'entre eux ne soit à l'envers. Comparez ceci au moment où les motifs sont placés en rangées. Le premier est beaucoup plus intéressant que l'énergie et le mouvement et les oiseaux ont l'air de venir vers vous tandis que les oiseaux de la seconde ont l'air la queue au supermarché et ils sont sur le point de s'endormir de l'ennui. Ce suivant, cependant, est très soigneusement placé en rangées et cela fonctionne. Remarquez, j'ai changé la direction des filles pour ajouter un peu plus d'intérêt. J' ai aussi ajouté une pop de couleur dans la tulipe jaune. Le motif a commencé comme juste des rangées de tulipes, mais je pensais que c'était un peu ennuyeux. En ajoutant la fille, j'ai réussi à en faire un modèle beaucoup plus intéressant. Ce modèle suivant est un modèle d'horoscope avec le signe du Lion. Je l'ai rendu complètement multidirectionnel car je voulais qu'il soit libre et espacé comme la galaxie. Enfin, ce modèle avec les filles se faisant les cheveux de l'autre est rendu beaucoup plus intéressant par les filles qui changent de direction à chaque rangée. 9. Flux: Le dernier élément de notre liste de vérification des motifs de surface est le flux. Flow est quand quelque chose se déplace en douceur et régulièrement. Avoir un bon écoulement dans un motif signifie que l'œil est conduit agréablement. N' ayant pas de flux dans un motif signifie que l'œil peut fléchir autour et il peut se sentir chaotique et un peu occupé. C' est parfois ce que nous voulons. Si nous faisons un modèle qui est audacieux et fort, nous voulons que l'œil fléchisse autour. Mais la plupart du temps, nous voulons un bon flux car il rend le modèle plus satisfaisant à regarder. Regardons quelques exemples. Parce que chaque rangée de fleurs de ce motif froid se penche alternativement de manières opposées, elles ont l'air de bouger ou de se balancer dans le vent, ou ma tête danse. Si chaque fleur était penchée de la même manière ou si elle était droite, il y aurait un sentiment très différent au motif. Jetez un oeil à ce motif de feuilles. La façon dont celui-ci coule pourrait ne pas être aussi évidente que la première. Mais je l'ai toujours eu dans mon esprit en ajustant les motifs ensemble. Je pensais continuellement à la façon dont je voulais que l'œil des téléspectateurs se déplace à travers le modèle. en va de même pour ce dernier exemple de feuilles de bambou dispersées. Les feuilles ont l'air de flotter et de tomber doucement, cette façon et de cette façon vers le sol. Cela a été très intentionnel et réalisé en tenant compte du flux global du schéma. 10. Récap: Cela nous amène à la fin de ma liste de vérification. Faisons un résumé rapide. Contraste, couleur, profondeur, texture, mise en page et direction, et flux. 11. Conclusion: Cela nous amène à la fin de la classe, et j'aimerais beaucoup vous remercier. J' espère vraiment que vous le trouverez utile, et j'ai hâte de voir vos projets. Merci.