BD pour débutants - Comment écrire et dessiner des BD

1. L'histoire première: Bonjour, Bienvenue dans ce programme d'apprentissage Web sur la façon de créer des bandes dessinées. Vous en savez probablement déjà un peu depuis que vous avez trouvé cette page. Vous en savez peut-être même plus que moi, mais j'espère que cette petite série de vidéos vous donnera de l' inspiration et peut-être vous aiderons à regarder un nouveau point de vue sur les choses. Ma première bande dessinée de 48 pages a été publiée au Danemark en 1999. Depuis, je travaille à plein temps en tant qu'écrivain indépendant, illustrateur et artiste de bandes dessinées. Et l'année dernière, mon roman graphique, The Devil's Concubine, est sorti aux États-Unis à partir de mon DW, publié. Au cours de mes 13 années d' expérience, j'ai lu des tonnes de livres sur l'écriture et le dessin. Mais ce format vidéo est un moyen vraiment génial pour moi partager certaines de mes expériences avec vous. Une sorte de moyen facilement accessible. Maintenant, bien qu'il existe de nombreux tutoriels pour artistes et écrivains, je n'ai pas encore vu quelque chose qui couvre toutes les bases de la création de bandes dessinées. Ce qui est si génial dans la création de bandes dessinées, c'est qu'on peut raconter n'importe quelle histoire sans dépenser un centime. Vous pouvez avoir des monstres à trois têtes, vaisseaux spatiaux qui explosent ou des hordes d'éléphants battant des armes, tout ce que vous voulez, tant que vous pouvez le dessiner. Et si vous ne pouvez pas le dessiner maintenant, j'ai quelques conseils pour vous. Je vais également examiner comment écrire et planifier votre histoire pour ne pas vous retrouver dans le fossé comme tant d'autres aspirants artistes de bandes dessinées. J'apprends constamment de nouvelles choses moi-même et j'ai essayé de partager ce que j'ai appris autant que possible, ici et sur ma page Web personnelle. Je serai également disponible pour des questions ou des commentaires sur ces vidéos. Assurez-vous donc de consulter les commentaires ci-dessous pour en savoir plus. Dans ce premier épisode, nous allons parler de commencer votre histoire. Et d'autres épisodes. Nous allons passer en revue les formats de script, planifier votre histoire, esquisser, encrer, mettre en page, envoyer des textos, colorier, tout ce que vous voulez savoir. Je vais essayer d'être aussi pratique que possible. Je ne suis pas ici pour vous dire comment faire des bandes dessinées. Je vais juste vous dire comment je m'y et voir si vous ne pouvez pas décrocher une gâchette , d' accord, alors commençons. Beaucoup de dessinateurs commencent par une page blanche et une vague idée de ce qu'ils veulent faire. Je ne recommande pas de le faire. Eh bien, il arrive généralement que vous soyez tous virés lorsque vous dessinez la première page ou deux, puis l'histoire est bloquée ou vos intérêts diminuent. Habituellement, quand on arrive à quelque chose qui est difficile à dessiner. Bien qu'il y ait des créateurs qui font du bon travail sans autant qu'un plan écrit. Je vais toujours élaborer un script avant de commencer le dessin. Il n'est pas nécessaire qu'il d'un script complet avec chaque image décrite, surtout si vous allez le dessiner vous-même. n'y a pas de règles concernant l'apparence de votre scénario, mais regarder des scénarios de films peut être une source d'inspiration. Lorsque vous ouvrez un nouveau document sur votre ordinateur ou dans votre ordinateur portable, vous rencontrez le même problème que celui dont je vous ai parlé précédemment. Cette page blanche, une page blanche, n'est jamais un bon point de départ. Lorsque je commence une nouvelle histoire, j'ai généralement un tas d'idées, personnages ou de scènes dans ma tête. Il peut s'agir d'un lieu, d'un dialogue. Donc, ce que je fais, c'est d' essayer de faire tomber ça sur papier, d' obtenir un carnet pour le projet et garder avec vous en tout temps. Écrivez des idées, faites de petits croquis, peut-être insérez un écrêtage ou une image qui vous inspire. C'est l'une de mes parties préférées de la préparation d'une histoire. Tout est possible. Rien n'est gravé dans la pierre. Après un certain temps, vous devez jeter un coup d'œil à votre liste d'ingrédients, voir quel type de plat vous faites. Vous constaterez que tout n'appartient pas au pot. Vous pouvez créer une petite carte mentale avec des notes et voir si vous ne pouvez pas y donner plus de sens. Tous. Ce qui est génial avec les bandes dessinées, c'est que vous pouvez faire ce que vous voulez. Cela ne coûte rien, juste un travail acharné. Mais vous devez vous limiter d'une certaine manière, sinon votre histoire n'aura probablement aucun sens. L'une des premières choses à prendre pour décider du genre est une romance, un opéra spatial, une histoire de détective ? Il y a peut-être un film ou un livre en particulier que vous pouvez utiliser comme source d'inspiration pour vous déclencher. Il y a peut-être un style, un ton ou une structure de parcelle que vous pouvez emprunter. Ne vous inquiétez pas du vol. Votre histoire sera votre histoire. Plus sur le vol dans moins de cinq ans. Bon, maintenant vous savez quel genre d'histoire vous voulez faire. La prochaine chose à décider, c'est qui s'agit-il ? Chaque histoire a un personnage principal. Maintenant, nous passons en revue le design des personnages et moins de quatre, mais il s'agit plutôt des visuels en ce moment, concentrons-nous sur l'histoire. Une histoire. Toute histoire parle de quelqu'un qui veut quelque chose et qui a du mal à l'obtenir. choses arrivent, les choses se gênent. Il doit donc travailler encore plus fort pour atteindre son objectif. Il obtient peut-être ce qu'il veut. Ce n'est peut-être pas le cas. Peut-être qu'il obtient ce qu'il veut, mais découvre que ce n'était pas ce qu'il voulait. Après tout. Voici une petite liste de contrôle de ce dont vous avez besoin avant de commencer à travailler sur votre script. Premièrement, genre à un personnage principal. Trois, un décor. Pour un début, un milieu et une fin. Vous n'avez pas besoin d'être absolument sûr de tout ce qui figure sur cette liste. Vous pouvez encore changer les choses plus tard. Mais avoir une idée à ce sujet aide énormément. Ce qui est génial de travailler sur les ordinateurs, vous pouvez tout annuler et déplacer tout autour de votre document. C'est beaucoup plus difficile à faire une fois que vous commencez à dessiner. Assurez-vous donc d'avoir la structure de votre histoire juste avant de commencer à dessiner la première page. Parfois, vous devez mieux connaître vos personnages avant de commencer à écrire. Nous allons passer en revue la conception des personnages dans la leçon 4. Mais pour l'instant, si vous n'êtes pas complètement désactivé par la quantité de travail, il est temps de commencer à écrire votre script. Ensuite, à la deuxième leçon. 2. Écrire votre script: Bienvenue à l'épisode 2 de cette série vidéo sur la création de bandes dessinées, sur l'écriture de votre scénario. Cet épisode est probablement celui que la plupart des gens vont ignorer parce qu'ils veulent bien se retirer. Mais c'est toi qui l'as fait. Je te fais donc pencher mon chapeau. Un bon roman comique ou graphique est comme un film. Sans une bonne histoire, le cœur de celle-ci, peu importe le nombre d'explosions, de bébés ou de monstres CGI cool que vous avez dedans. Vous avez besoin de personnages, vous pouvez vous rapporter à des problèmes qui semblent importants. Passons maintenant en revue la liste du dernier épisode sur ce dont vous avez besoin avant commencer à travailler sur votre script. Premièrement, genre à un personnage principal. Trois, un décor. Pour un début, cinq, un milieu, six et une fin. Si vous n'avez pas la moindre idée de la façon de le remplir. Eh bien, c'est peut-être le moment mettre cette vidéo en pause et de le faire. Cela vous épargnera beaucoup de chagrin, croyez-moi. Supposons donc que vous ayez une idée lâche de votre histoire et votre personnage principal. Que veut-il ? Vous devez savoir ce qui est en jeu pour lui ou elle. Que se passera-t-il s'il échoue ? Disons qu'il postule pour un emploi. Que se passe-t-il s'il ne comprend pas ? Il décroche un autre emploi. Ok, histoire assez ennuyeuse. Mais s'il est sur le point de perdre sa maison et que son fils et sa mère ont besoin d'une opération et s'il ne trouve pas d'emploi pour que nous puissions payer pour cela, elle meurt. Un peu plus intéressant, non ? C'est ce que la plupart des scénaristes ont appelé à augmenter les enjeux. Il est donc important pour vos personnages principaux qui réussissent. Si ce n'est pas important pour lui ou pour elle, pourquoi devrions-nous nous en préoccuper ? parfois s'avérer nécessaire de regarder votre histoire peut parfois s'avérer nécessaire de regarder votre histoire sous un autre angle. Je fais parfois une page de test juste pour avoir une idée de ce à quoi ressemblera le livre final. Je saute aussi un peu quand j'écris le script. Je pourrais avoir une idée d'une scène vers la fin pendant que je travaille sur la scène d'ouverture, je me suis laissé sauter hors de la scène, sachant que je peux toujours revenir en arrière. Tant que vous avez terminé le script à un moment donné, vous avez ma permission de sauter, mais ne commencez pas à dessiner des pages réelles avec un dialogue réel avant la fin de votre histoire. Dessiner des bandes dessinées est un travail difficile. Vous ne voulez pas avoir à dessiner la même chose deux fois. Et cela arrivera si votre histoire n' est pas entièrement exposée à l'avance. Vous ne voulez pas avoir à revenir en arrière et redessiner les choses et à faire beaucoup de corrections. Lorsque vous faites cela, neuf fois sur 10, cela vous oblige à vider complètement le projet. Avant d'entrer dans le glorieux royaume des pages de dessin, regardez bien le panneau d'entrée ici. Votre histoire est-elle déjà terminée ? Si ce n'est pas le cas, eh bien, c'est le bon moment que n'importe quel autre. S'il s'agit de votre première tentative de création de bandes dessinées, je vous recommande de le garder court et simple. Les histoires de quelqu'un qui veut quelque chose et qui a du mal à l'obtenir. C'est ça l'histoire. Vous pouvez faire toutes sortes d' appareils de narration fantaisie autour de lui. Mais au fond, chaque histoire ne concerne que cela. Même si vous avez plusieurs caractères, pour chaque personnage, la configuration est la même. Ils doivent avoir quelque chose qu'ils veulent. La plupart des scripts actuels contiennent ces éléments de base. Description de la scène. Où sommes-nous, à quel moment de la journée ? Qu'y a-t-il dans la scène ? Dans les scripts de bandes dessinées, cela est souvent divisé en descriptions de panneaux. Action, ce qui se passe dans la scène ou dans le panneau. N'oubliez pas qu'un personnage ne fait généralement qu'une seule chose dans un panneau. Donc, ne pas attraper une balle et regarder par la fenêtre et balayer le sol en même temps. Dialogue, le nom du personnage, suivi d'un deux-points. Et ce qu'il dit. Habituellement, le dialogue est centré pour le faire ressortir. Dans une bande dessinée. Ce dialogue est le seul texte de votre script qui se retrouve sur la page réelle à l'intérieur des bulles de mots. Prenons maintenant un moment pour examiner la structure de l'histoire. Vous avez peut-être entendu parler de la structure à trois actes, qui est utilisée dans les films. Mais Hollywood est devenu une telle influence sur nous tous que vous trouvez cette structure presque n'importe où ces jours-ci. Diviser votre histoire en morceaux gérables. Les chapitres, les séquences vous aideront en tant qu'écrivain, mais aideront également le lecteur comprendre où ils se trouvent dans l'histoire. La première séquence d'une histoire consiste généralement à mettre en place le personnage principal, le monde dans lequel il vit et un soupçon des problèmes à venir. Veillez à ne pas laisser cette séquence jouer trop longtemps. Nous n'avons pas besoin de tout savoir dès le départ. Vos lecteurs ont juste assez d'informations pour qu'ils puissent suivre l'histoire et se rapporter à vos personnages. Au cours des 10 premières minutes du film, dans les premières pages d'une bande dessinée, quelque chose d' extraordinaire doit se produire. Quelque chose auquel notre héros doit réagir. Une fois que notre héros se rend compte qu'il doit résoudre lui-même ce problème, il doit souvent sortir de sa zone de confort, faire un voyage quand il passe de son monde ordinaire à un nouveau monde spécial, il entre dans le deuxième acte de l'histoire. Les choses deviennent continuellement plus difficiles pour lui alors que ses adversaires ripostent. Lorsque nous atteignons le milieu de l'histoire et que l'événement se produit , le héros a pleinement pris sa quête. Cela est souvent appelé le point de non-retour, où il ne peut plus simplement abandonner et rentrer chez lui. Dans une histoire d'amour. C'est peut-être le premier baiser dans un thriller. Le premier meurtre. Après le milieu, nous avons besoin d'un peu de temps pour se reproduire, mais nous trouvons bientôt notre héros en course vers l'acte final. Maintenant, rappelez-vous qu' une histoire ressemble à un morceau de musique. Si tout cela est un crescendo, cela ressemblera à un bruit assourdissant. Le rythme est important. Laissez votre héros réussir un peu avant que les choses ne deviennent encore plus difficiles. C'est ce que l'on appelle les tournants. Fondamentalement, cela signifie que les choses ne se passent pas comme prévu ou comme prévu. À la fin du deuxième acte, nous trouvons notre héros à son plus bas, l'endroit où tout semble perdu. Mais en ce moment de désespoir est également caché. La clé du succès, notre héros doit utiliser ce qui est appris dans ce processus pour réussir. Maintenant, vous avez probablement remarqué que toutes les histoires n'ont pas une fin heureuse. Une fin malheureuse peut être tout aussi satisfaisante si nous comprenons pourquoi le héros échoue. La plupart du temps, c'est à cause d' une faille fatale de sa part. Juste parce qu'un piano tombe sur sa tête. Et à quoi devrait ressembler un script ? Eh bien, certains artistes écrivent le scénario comme des gribouillis, certains dialoguent, certains sont tout simplement impossibles à comprendre pour d'autres. Bien que cela puisse fonctionner pour vous, il a l'avantage d' écrire un script réel. Le principal avantage est que vous pouvez demander à d'autres personnes de le lire. Le but, bien sûr, est de ne pas obtenir l' opinion aléatoire de tout le monde. Vous obtiendrez de mauvais commentaires. Si vous demandez à votre mère ou à votre meilleure amie, ils vous diront que c'est génial quand ce n'est pas le cas, ou ils vont le choisir, vous dire un tas de choses qui ne vont pas avec ça. Et ils ont peut-être raison. Mais je recommande de demander à quelqu'un un peu plus éloigné de vos milieux sociaux quotidiens. Quelqu'un en qui vous pouvez avoir confiance pour donner son avis honnête. Et s'ils détestent ça, au moins vous ne le prendrez pas si personnel. Comme si c'était votre petite amie ou un ami proche qui vient de marteler votre histoire. Lorsque vous laissez quelqu'un d'autre lire votre script, assurez-vous qu'il comprend les règles de base. Si c'est dramatique, ils ne devraient pas le critiquer pour ne pas être assez drôle. Et s'il s'agit d'une comédie, leur principale préoccupation devrait être comment pouvons-nous rendre cela encore plus drôle ? This Is Your Story, pas leur histoire. Ils ne devraient pas penser qu'ils devraient tout changer. Vous êtes le patron ici. Mais avoir quelques lecteurs est un excellent moyen de s' assurer que tout fonctionne à votre avantage. Trouve quelqu'un qui a l'habitude de lire des histoires. Ce devrait être quelqu'un qui partage en quelque sorte vos goûts dans les histoires et quelqu'un est assez intelligent pour non seulement vous dire si quelque chose ne fonctionne pas, mais aussi pourquoi cela ne fonctionne pas. Vous pouvez d'abord définir des règles de base, comme les parties de l'histoire que vous voulez qu'ils regardent sont l'intrigue, motivations des personnages, le dialogue ou même la grammaire. Assurez-vous d'indiquer à vos lecteurs ce qu'il faut rechercher. Laissez les questions de masse, plutôt que de vous dire que c'est nul. Je ne sais pas pourquoi votre héros réagit ainsi à la page cinq. Vous connaissez probablement déjà la réponse. Ce n'est peut-être pas clair dans le script, ou peut-être que cette personne ne l'a pas compris. Mais si vous recevez le même genre de commentaires ou de critiques de la part de plusieurs lecteurs, c'est à ce moment que vous devez penser qu' il y a peut-être un problème ici. Mais comme pour tout le reste dans ce monde, vous devez vraiment compter sur votre propre jugement. Si vous n'avez pas d' opinion sur les lunes en qui vous pouvez avoir confiance, demandez-vous si c'est assez drôle, excitant ? Eh bien, comment pouvez-vous être objectif à ce sujet quand vous venez de l'écrire ? Eh bien, vous ne pouvez pas. C'est pourquoi la meilleure chose que vous puissiez faire après avoir écrit un script est de le mettre dans un tirage au sort et de l'oublier. Votre cerveau est vraiment bon pour oublier les choses, vous savez, ranger le scénario pendant au moins deux semaines. Essayez de ne pas y penser. Si vous pouvez commencer à travailler sur une autre histoire géniale, occupez-vous. Après un certain temps, ouvrez ce tiroir et vous regarderez votre script avec des yeux frais et vous pourrez dire ce qui est bon et ce qui ne l'est pas. Croyez-moi. Maintenant, je sais que cela peut sembler beaucoup de travail, surtout si vous faites juste une bande dessinée de trois pages pour votre journal scolaire, mes histoires sont généralement plus longues. C'est pourquoi l' écriture de scénarios est vraiment importante pour moi. Mais j'aime aussi bien le faire et je n' ai pas besoin de revenir en arrière et de redessiner des pages entières. L'écriture est beaucoup plus rapide pour réaliser le dessin réel. Alors, faites le travail maintenant, et cela vous fera gagner du temps plus tard. Smart Hub. 3. Mise en page: Bienvenue de retour. toi qui l'as fait. Vous avez écrit un script ? Non. Très bien. Tu es sorti. C'est bon. Vous pouvez regarder cet épisode. Nous allons parler de la façon de diviser votre script en pages. Diviser vos pages en panneaux. Comme je vous l'ai dit dans l'épisode 2, j'écris toujours un scénario pour mes bandes dessinées. Je ne décrit pas tous les panels uniquement ce qui se passe dans l'histoire. Donc, lorsque j'arrive au dessin, j'imprime mon script et je le lis, en marquant partout où je pense que c'est une bonne idée de couper à une nouvelle page. Il existe des techniques pour cela, comme le cliffhanger finissant là où quelque chose d'excitant est sur le point de se produire. C'est un excellent moyen de garder l' intérêt de vos lecteurs dans l' histoire et la page. Juste s'ils ouvrent le Salvador ou voulaient juste qu'une grenade à main passe par la fenêtre. Très bien, peut-être pas sur toutes les pages, mais vous comprenez l'idée. Marquez votre scénario, vous pensez que c'est peut-être une bonne idée de le couper. Et quand vous avez terminé, comptez les pages sur lesquelles vous l'avez divisé, est-ce trop long ou trop court ? Vous seul savez que c'est votre histoire. Mais essayez d'avoir au moins quelque chose de vaguement intéressant sur chaque page. Non seulement cela permet une meilleure lecture, il est également beaucoup plus intéressant pour vous de dessiner. Un excellent emplacement ou une bonne ligne de dialogue devrait le faire. Vous n'avez pas besoin de grenades à main. Faites attention à la quantité d'informations que vous saisissez dans chaque page. N'oubliez pas que vous devez le décomposer en panneaux. Plus de six ou neuf panneaux par page sont généralement très durs pour les yeux. Et plus de trois ballons vocaux dans un seul cadre rendent l'histoire difficile à suivre. Pensez également au type de rythme que vous voulez. Certaines scènes, vous voudrez peut-être être calme et tranquille. Cela se fait généralement avec l'utilisation de grandes images sans beaucoup de dialogue. Vous avez peut-être déjà quelques images clés dans votre tête déjà esquissées. Assurez-vous de laisser de la place pour ces images. C'est probablement l'une des principales raisons pour lesquelles vous faites cette histoire. Lorsque je décompose mes pages en panneaux, je fais généralement de petites esquisses que certains appellent des miniatures. La raison en est qu'ils sont plus rapides à dessiner et que vous pouvez avoir une idée de la mise en page beaucoup plus facile qu'avec un gros morceau de planche à dessin surdimensionné. Encore une fois, cette préparation vous fera gagner du temps et du chagrin. Vous ne voulez pas en avoir fini avec la page uniquement pour découvrir qu'il faut deux autres panneaux pour fonctionner. Faites les vignettes et obtenez une idée du rythme, puis commencez à faire les croquis pour les pages réelles. Je sais qu'on est à trois épisodes et maintenant il commence à parler de dessin. Eh bien, pas encore, exactement. Ce que je fais, c'est généralement que je texte mes pages avant de commencer à dessiner dessus. Il y a deux raisons à cela. Premièrement, c'est ennuyeux, donc je veux le faire, en finir avec. Deuxièmement, il est beaucoup plus facile d'insérer mon dialogue dans les ballons. Ensuite, je vais entrer dans les détails sur les textos dans l'épisode cinq. Mais maintenant, avant de commencer à mettre en page vos pages, voici quelques lignes directrices. Assurez-vous d'avoir un plan d'établissement. Vous connaissez cette technique du cinéma ou encore mieux de la télévision. Vous commencez par une ligne d'horizon new-yorkaise. Vous voyez ensuite une maison et vous zoomez sur une fenêtre. L'image suivante est probablement deux personnes assises dans une cuisine qui parlent. Cette scène est tournée dans un studio quelque part. Très certainement pas dans la ville de New York. Mais parce que nous avons eu le plan d'établissement, nous savons tous et croyons à la télé à l'intérieur d'un bâtiment de New York. Ils font cela pour économiser de l'argent. Dans les bandes dessinées, nous faisons cela pour gagner du temps. Nous ne voulons pas avoir à montrer toute la ville de New York dans chaque panel. Nous voulons également donner au lecteur une idée de l' endroit où nous sommes, ce qui les aide à suivre l'histoire. Si vous faites correctement votre plan d'établissement, vous pouvez vous en sortir en dessinant très peu de fond sur le reste de votre page. Nous passons en revue les arrière-plans et le dessin en perspective en moins de six, alors ne vous inquiétez pas à ce sujet. Maintenant, la prochaine ligne directrice que je veux vous donner est la variation. S'assure que tous les panneaux ne sont pas identiques. La variation de taille est bonne. Lorsque j'ai commencé à faire des bandes dessinées, j'ai copié un tas de mises en page comme celle-ci, juste pour avoir une idée de ce qu'il fallait faire. Mais la variation au sein des cadres est encore plus importante. Et cela vous permet également de gagner du temps. Si vous deviez déjà faire des gros plans de vos personnages qui parlent. Secouons un peu les choses et montrez-les en chiffres complets, silhouettes pour le cadre 3, car nous savons à quoi elles ressemblent maintenant, pas besoin de montrer tous les détails. Lorsque vous avez un panneau de réaction spécifique et explosion émotionnelle ou quelque chose du genre, ce n'est peut-être pas le meilleur moment pour une silhouette. Mais là encore, c'est peut-être tout à fait juste. Vous seul saurez que c'est votre histoire. Avant de passer à la leçon 3 sur la création de personnages, je veux vous donner quelques idées de mise en page. Maintenant, vous ne pouvez pas vraiment vous tromper avec la grille à neuf panneaux. Si vous voulez secouer un peu les choses, faites quelques variations dans la taille et le nombre de panneaux, mais plus de neuf panneaux sur une page ont tendance à donner une sensation très mouvementée. Plus vos panneaux sont grands et détaillés, plus vous tentez de ralentir la lecture. Un panneau ouvert ici et là est idéal pour la variation, mais fonctionne mieux avec un seul personnage, objet, une voiture ou un bâtiment en pleine vue. Vous pouvez également fausser votre grille et créer panneaux irréguliers donnant l'idée d' un monde hors du commun. Si vous avez lu des bandes dessinées de super-héros américains, vous connaîtrez la page de démarrage, un panneau qui s' étend sur deux pages. Vous aurez également remarqué que beaucoup d' entre nous ont tendance à diriger, ce qui signifie que l'art va jusqu'à la fin de la page. Si vous utilisez cette méthode pour imprimer, veillez à ce que votre illustration s'étende sur le bord de la page. Une autre idée intéressante pour une mise en page est le panneau divisé où une seule image est divisée en plusieurs panneaux, ce qui donne l'illusion du temps qui passe. Lorsque vous expérimentez votre grille, faites preuve de prudence. Soyez toujours au courant de votre ordre de lecture. Votre affichage de la page doit être naturellement diffusé. Si vous devez vous arrêter et réfléchir quel panneau ou ballon vocal lire ensuite, cela nuit à la narration. Il est temps de terminer l' épisode 3. Alors, qu'avons-nous appris ? Les vignettes, la variation, l'ordre de lecture, ce sont des choses très importantes. Maintenant, mettons certaines personnes dans votre bande dessinée dans un épisode pour créer des personnages. 4. Conception de personnage: Bonjour, bienvenue sur des bandes dessinées pour débutants, épisode sur le design de personnages et un peu sur les accessoires et les lieux. Et au cas où vous vous demandiez que l'endroit où nous sommes en ce moment, c'est mon home studio. Commençons donc. Comme n'importe quelle histoire. Le personnage principal d'une bande dessinée est la chose la plus importante. Avant de commencer à dessiner. C'est une bonne idée de concevoir votre personnage pour savoir comment le dessiner sous tous les angles. C'est également un excellent moyen de connaître vos personnages, quel genre d' expressions ils utilisent, leur style et leurs vêtements, des trucs comme ça. Beaucoup d'artistes réalisent des feuilles de conception de personnages ou des guides de style, souvent à présenter à l'écrivain ou à l' éditeur pour approbation. Mais même si vous faites tout vous-même, c'est une bonne méthode. Voici un petit quiz pop. Un grand personnage de bande dessinée doit être cool, mémorable, drôle ou reconnaissable ? Eh bien, la réponse est, bien sûr, des, pour être reconnaissable, il faut que vos lecteurs soient capables distinguer les personnages. posture spécifique, un choix de vêtements ou une coiffure spécifique. Tout ce qui peut aider vos lecteurs à naviguer dans l'histoire. Les archétypes de personnages peuvent être un bon point de départ, surtout si vous tordez un peu les clichés. le personnage est faible, plus sa fonction devrait être claire et moins vous devez développer son look personnel. Les personnages principaux doivent être suffisamment distinctifs pour que le lecteur puisse les distinguer. Vous devez savoir quel est leur rôle dans l'histoire, leur personnalité et peut-être une histoire de fond. Et bien sûr, la conception visuelle de l'identification des personnages est importante. Essayez donc de penser à ce qui nous pousse prendre soin de cette personne en particulier. C'est souvent parce qu' ils nous rappellent quelque chose en nous-mêmes. Je vous suggère de créer un guide de style pour chacun de vos personnages principaux ou de placer vos pensées dans un carnet de croquis à côté du personnage et de vous assurer que chaque personnage est différent et reconnaissable. Si vous avez une grande distribution, essayez de les mettre l'un à côté de l'autre et de comparer les hauteurs, etc. Les guides de style sont également parfaits pour les lieux, les voitures ou les accessoires qui apparaissent souvent dans votre bande dessinée. Je suis sûr qu'il existe des guides de style pour la chauve-souris Mobius, étain, l'appartement des boîtes et le marteau Thor par exemple. Comme je l'ai déjà dit, faire ces guides de style peut être un excellent moyen de connaître vos personnages. Et c'est aussi un excellent exercice d' échauffement avant commencer à travailler sur votre bande dessinée. Mais attention à ne pas passer des heures concevoir quelque chose qui n'est guère dans la bande dessinée. Essayez de penser au nombre de pages sur lesquelles cette invite particulière apparaît. Et est-il vraiment important de savoir à quoi il ressemble sous tous les angles ? Lorsque vous concevez un ensemble de personnages, essayez la silhouette. Approche. Alignez votre casting d'ensemble et bloquez-les sous forme de silhouettes. Pouvez-vous dire qui est qui à partir de leur formulaire de contour ? Si ce n'est pas le cas, peut-être que vous pouvez changer de posture ou de coiffure, peut-être proposer un tout nouveau design. Maintenant que vous avez un bon casting, il est temps qu' ils fassent quelque chose et qu'ils commencent à interagir entre eux . Maintenant, beaucoup de cela est dans le scénario, l'écriture de l' histoire évidemment, mais lors de la conception du personnage est non seulement les regards sont importants, mais aussi les perspectives. Comment ce personnage voit-il le monde ? Comment se voient-ils eux-mêmes ? Quel est leur système de valeurs ? Qu'est-ce qui est important pour eux ? Et surtout, que veuvent-ils ? Cela est tout aussi important pour les personnages de soutien. Si vos personnages n' ont pas leur propre vie, leur propre agenda, ils deviennent des figurines en carton, un dispositif d'histoire uniquement là pour fournir des informations ou une résistance à votre héros. Maintenant, un mot ou deux sur le dialogue, attribution d' une voix à chaque personnage majeur ajoute vraiment une couche supplémentaire à la narration. Si chaque personnage vous ressemble, alors peut-être devriez-vous essayer changer un peu les choses. Si vous pouvez savoir qui parle, même lorsqu'ils sont hors écran, alors vous êtes sur quelque chose. Parfois, aller contre le type peut être intéressant. Pensez à certains archétypes comme le géant doux ou le triste clown. Vous pouvez également essayer de baser vos personnages sur des personnes que vous connaissez, d'utiliser leur personnalité ou leur apparence. Mais assurez-vous que vos personnages ne sont pas une parodie grossière de vos amis ou que vous ne finirez pas avec beaucoup d'amis. Rendre vos personnages différents uns des autres de plusieurs façons possible est un excellent moyen d' ajouter du conflit à l'histoire. Et le conflit est une histoire. Passons maintenant à quelque chose de vraiment intéressant. Dans l'épisode cinq, nous allons parler de textos et de frontières. 5. Balloon et bordures: Bonjour et bienvenue dans l'épisode 5 de bandes dessinées pour débutants. Aujourd'hui, nous parlons de mots. Bien qu'il soit parfaitement possible de faire des bandes dessinées sans mots, un ballon vocal est ce à quoi la plupart des gens pensent lorsqu'ils entendent le mot bande dessinée. Un ballon vocal peut être façonné de plusieurs façons. Il peut émettre des émotions comme la colère, la frustration ou même le lobe. Vous pouvez entendre les pensées des gens avec un ballon de réflexion ou même une légende, peu comme la voix off d'un film. Ou vous pouvez faire chuchoter ou crier vos personnages. Et plusieurs façons. Vous pouvez également insérer des effets sonores dans votre bande dessinée pour nous aider à comprendre ce qui se passe. Quelques mots sur les ballons vocaux, ils doivent toujours être placés dans les zones les moins intrusives du panneau. C'est généralement en haut. Et les queues des ballons devraient pointer vers celui qui parle, si possible, vers sa bouche, car c'est de là que vient le son. Méfiez-vous de l'ordre de lecture et faites attention à l'endroit où vous placez vos personnages parlants afin de ne pas avoir les queues qui se croisent et ne confondent pas vos lecteurs. Si vous dessinez d' abord vos bulles vocales et que vous placez ensuite le texte, vous risquez de vous retrouver avec des ballons trop petits ou trop grands. C'est exactement la raison pour laquelle je texte toujours mes bandes dessinées avant de commencer à dessiner. Autrefois, avant les ordinateurs, nous, dessinateurs, avons eu beaucoup plus de temps que maintenant. La création de mises en page et de textos n'a jamais été aussi facile avant les ordinateurs. La mesure des bordures des gouttières entre les panneaux a été effectuée à l'aide d'une règle et les textos se font généralement à la main. Aujourd'hui, nous pouvons compter sur des programmes informatiques et des polices pour cela. Plus tard, vous pourrez imprimer l'intégralité de votre bande dessinée et tracer les boîtes et les ballons d'une boîte à lumière. C'est ce que je fais de toute façon, j'aime le look dessiné à la main. Certains artistes créent leur propre police pour qu'ils envoient des textos, ressemblent à leur propre écriture manuscrite. Aussi cool que ça sonne, et ça semble cool. Je vous déconseillerais à moins que vous n'ayez beaucoup de temps sur vos mains et que vous n'ayez pas les compétences nécessaires pour le faire. Allez en ligne et cherchez des polices gratuites, voyez ce que vous pouvez trouver qui correspond à votre histoire. J'utilise souvent un endroit appelé font.com. Mais il y a beaucoup d'endroits en ligne où vous pouvez trouver des polices gratuites. Assurez-vous simplement de ne pas dépenser Bayes à chercher et finissez avec une version d'essai de quelque chose que vous ne pouvez pas vraiment utiliser. De nombreux sites annoncent des polices gratuites. Et quand vous cliquez dessus, ils veulent toujours votre argent. Lorsque vous décidez de la police à utiliser, vous devez penser au ton ou à la voix de votre histoire. Est-ce un dessin animé loufoque ou une histoire d'horreur ? La police en fait partie. Vous aurez peut-être également besoin caractères spéciaux pour votre langue. Assurez-vous donc que la police contient ces polices avant de les télécharger. Dans le dernier épisode, nous avons parlé de mises en page et de miniatures. Ce que je fais, c'est que j'utilise mes vignettes comme guide. Je fais des croquis grossiers de toute mon histoire. Je le fais en format d'impression ou même plus petit. Il s'agit toujours de la phase de planification. Je ne veux pas m' inquiéter des détails ou du papier à utiliser pour la bande dessinée finale. Ce que je fais ensuite, c'est de numériser mes croquis grossiers et de les coller dans un document InDesign. Certains utilisent Photoshop ou Illustrator, je dirais utiliser le programme qui vous convient le mieux. abord, créez une page standard qui correspond au format que vous souhaitez utiliser. Nous, par exemple, les bandes dessinées sont plus grandes et plus étroites que les bandes dessinées européennes. Trouvez la bande dessinée sur votre étagère qui correspond à ce que vous voulez et mesurez la bande dessinée. Utilisez-le comme standard. Pendant que vous y êtes. Mesure l'espace entre les panneaux, souvent appelés gouttières. Utilisez-le aussi. Vous remarquerez qu'il n'existe aucune norme de l'industrie quant à la largeur des gouttières ou à l'épaisseur des cadres. Choisissez un standard que vous aimez et respectez-le. Expérimentez, mais soyez cohérent dans l'histoire. Dans le programme de mise en page de votre choix, définissez un fond perdu standard pour l'ensemble de la page et créez une bordure standard. Si vous n'avez pas l'intention de laisser votre art aller jusqu'au bord de la page. Vous n'avez pas à vous soucier du saignement. Mais si vous faites une couverture, vous en aurez besoin de toute façon pour l'imprimerie C'est donc une bonne idée d'y réfléchir. Je dessine toujours les panneaux finis à la main. Donc, dans mon document de mise en page, je crée simplement une boîte pour représenter la gouttière, copier et la coller là où j'en ai besoin. Le texte est un peu plus délicat. Si vous avez fait ce que j'ai recommandé dans les leçons 1 et 2 et que vous avez écrit un scénario pour votre bande dessinée. Vous aurez votre dialogue dans un document Word ou quelque chose du genre. Vous pouvez donc facilement le coller dans vos zones de texte, dans votre document de mise en page. Commencez par coller le tout dans une boîte et coupez le dialogue au fur et à mesure. Ne vous inquiétez pas de le placer au début, faites simplement le travail ennuyeux d'obtenir le dialogue sur les bonnes pages. Utilisez la même boîte standard pour tous les textes. Un sans cadre. Assurez-vous que votre dialogue est centré et que vos légendes sont alignées à gauche. Lorsque vous avez fini de coller dans votre boîte de dialogue, ajustez vos cases et peut-être modifiez certaines lignes ou divisées en deux bulles distinctes. Si votre dialogue est trop long, vous le placez sur la page où elle convient. En règle générale, deux ou trois phrases par ballon suffisent. Vous ne voulez pas que le lecteur perde sa place ou de ses intérêts. Lorsque j'ai fait le travail fastidieux de présenter et d' envoyer des textos dans toute mon histoire de cette façon, j'ai l'impression d'avoir besoin d'une récompense. Et cette récompense est d'imprimer tout et de commencer à dessiner. Passons donc à la leçon 6, dessin en perspective et les arrière-plans. Bonjour. 6. Dessin et arrière-plans: Bonjour, bienvenue dans l'épisode six de bandes dessinées pour débutants. Aujourd'hui, nous allons examiner la conception de vos arrière-plans et de vos dessins en perspective. Je serai honnête avec vous, je n'aime pas particulièrement dessiner des arrière-plans. Et le dessin en perspective a beaucoup à voir là-dedans. C'est deux logiques pour moi. Trop de règles, c'est comme les mathématiques. Mais les antécédents sont un mal nécessaire lorsqu'il veut raconter l' histoire sous forme de bande dessinée. Allons-y donc. L'un des éléments fondamentaux du dessin en perspective est la ligne d'horizon. Vous devez déterminer où se trouve la ligne d'horizon, car c'est là que vont toutes vos lignes de perspective. Voici un exemple classique de la route au milieu de nulle part. Remarquez comment toutes les lignes vont au même point à l'horizon. C'est ce que nous appelons le point de fuite. va de même pour la ville, la forêt ou une pièce, beaucoup de gens dedans. Le problème, c'est que vous pouvez vous perdre dans toutes ces lignes en essayant de trouver où et comment placer vos objets. Ou plus important encore, vos personnages. Comme dans toute histoire, votre collègue parle personnes, de chiens ou d' extraterrestres, ou autre chose. Mais vous avez des personnages principaux et ils devraient être au centre de la plupart de vos panneaux. Donc, au lieu de dessiner l'environnement et obtenir toutes les lignes dès le début, j'ai tendance à mettre mes personnages dans le plan abord, puis à déterminer où se trouve l'horizon. Disons que je fais une photo de ces deux personnages qui marchent dans une rue. Je veux que l'homme marche un peu derrière la femme et que la femme paraisse plus grande et plus déterminée. Je dessine mes deux personnages en grande partie par instinct. Maintenant, je veux qu'ils marchent dans une rue. Alors, comment puis-je faire ça ? Comme je l'ai dit, nous devons savoir où se trouve la ligne d'horizon. Pour comprendre ça. J'ai besoin de voir mes personnages en entier , puis de prétendre qu'ils sont sur une ligne invisible. J'ai tracé le haut de leur tête et le bas de leurs pieds. Et ces deux lignes remontent vers Yep. Vous l'avez deviné sur la ligne d'horizon. Comme vous le remarquez peut-être, j'ai réglé l'angle un peu bas. La raison en est exactement ce que j'ai dit. Je voulais que la femme apparaisse plus grande devant l'homme. J'ai tendance à penser à mes dessins comme si je voyais à travers un objectif d'appareil photo. Où serait cette caméra ? haut ? En téléchargement au niveau de fer. Si j'avais réglé la caméra et que je me mettais à niveau, mon dessin ressemblerait à ça. Notez que la ligne d'horizon est toujours là où se trouve la caméra. J'ai mis mes personnages en premier sur le plan parce que c'est eux qui parle de l'histoire. Si je commence à penser aux lignes et aux boîtes, ça m'amuse de dessiner dès le début. Je commence donc par un premier plan et je travaille en quelque sorte dans ce sens. L'astuce est de ne jamais dessiner plus de deux personnages avant de déterminer où se trouve l'horizon. Ou vous pourriez finir par placer tout mal. Si nous voulons comprendre comment fonctionne la perspective, regardons une image réelle plutôt qu' une feuille de papier vierge qui a tendance à mieux fonctionner pour moi. Vous pouvez vraiment prendre n'importe quelle photo et simplement tracer les lignes, voir où elles vont. Ce point s'appelle le point de fuite et il se trouve sur la ligne d'horizon. Comme vous pouvez le constater, il est tout à fait possible d' avoir plus d'un point de fuite. Tout dépend de la façon dont les objets, les voitures, les maisons, les cartons de lait, quoi que ce soit. Que se passe-t-il si vous voulez dessiner une pièce d'en haut comme ceci ou si vous ne pouvez pas voir la ligne d' horizon sur l'image. Eh bien, vous pouvez ajouter d'autres papiers ou votre dessin et avoir un point de fuite placé à trois pieds du cadre. Ou vous pouvez tricher de la même manière qu'avant que nous ayons besoin de quelque chose. Nous pouvons prendre le point de fuite de prendre les deux personnages, par exemple. Mais au lieu de les tracer jusqu'au point de fuite, nous trouvons quelque part le long du chemin et nous terminons par une ligne parallèle à ligne en haut ici. Nous avons maintenant une belle place en perspective. Voyez en passant, je recommande de faire des lignes de perspective ou des lignes d'aide comme celles-ci dans un crayon de couleur différente ou peut-être au dos de votre tableau. Vous perdrez donc votre chemin dans toutes ces lignes qui se croisent sur votre dessin. La place va nous guider dans construction de toute la pièce autour de ces personnages. Vous commencez par trouver le milieu du carré, en faisant un X entre les quatre coins. Lorsque vous avez trouvé le milieu de cette racine carrée, vous pouvez trouver toutes les autres lignes de perspective dont vous avez besoin en divisant continuellement vos carrés en deux. Vous pouvez également ajouter plus de carrés et de perspective en faisant glisser une ligne diagonale un quart de votre premier carré. Donc là où elle rencontre la ligne parallèle. Je sais que c'est difficile à comprendre et c'est aussi très difficile à expliquer. Mais après que vous l'ayez fait vous-même quelques fois, ou plutôt quelques, 100 fois, cela aura tout à fait logique, je le promets. Voici un autre exemple classique de dessin en perspective. Comme vous pouvez le constater, les arbres situés au bord de la route semblent plus petits à l' approche de la ligne d'horizon. Et ils semblent également être plus proches les uns des autres. Découvrez où placer ces arbres. Encore une fois, nous avons besoin d'un carré dans lequel nous pouvons nous diviser. En trouvant le milieu de cette place. Nous sommes maintenant à mi-chemin entre ces deux arbres où nous pouvons mettre un troisième arbre. Vous voulez mettre en quatrième, cinquième année, vous trouvez à mi-chemin entre DES et ainsi de suite. Voici le même exercice que celui de la rue. Au lieu de diviser constamment mes carrés en deux, je divise maintenant ma hauteur en six car cela me donne d'autres lignes d'aide tout de suite. Remarquez que même si le point de fuite est loin de la caméra, je peux toujours avoir la bonne perspective. Si vous voulez vraiment apprendre l'art du dessin en perspective, je vous suggère de passer des heures, des jours, voire des mois à faire le travail fastidieux de dessiner des boîtes, les diviser et à tracer les lignes jusqu'à le point de fuite. Je vous promets qu'il sera payant. Malheureusement, il n'y a pas de solution rapide à ce problème, moins bien sûr que vous ne retracez simplement une image. Mais même dans ce cas, vous devez savoir où se trouve la caméra et vous pouvez finir par placer vos personnages à quatre pieds en l'air. Ou pire encore, l'un de vos personnages à quatre pieds près et l'autre deux pieds dans le sol. Je n'entrerai pas dans une perspective à deux ou même trois points dans cette série. Mais croyez-moi, ce n'est vraiment pas aussi compliqué que cela en a l'air, tant que vous comprenez les règles de base. Et la seule façon d' y parvenir, c'est par la pratique. Si je pouvais vous laisser une dernière astuce pour dessiner des arrière-plans. Avant de passer à la leçon 7 sur l'esquisse et l'encrage, il s'agirait de mettre quelque chose au premier plan de votre photo. Par exemple, si vous avez dessiné cette belle image d'un parc dans votre premier panneau en tant que plan d'établissement. Assurez-vous de mettre un arbre ou un banc au premier plan. Les objets au premier plan aident à masquer votre arrière-plan , de sorte qu' il y a moins de choses à dessiner. Et cela nous donne également l' illusion que tout cela fait partie de l'ensemble ou du monde réel qui s'étend au-delà des panneaux. Si nous restons dans le parc pendant une minute, une branche qui s'extrude du côté du panneau nous donne l'illusion d'un arbre entier juste à l'extérieur du cadre. Même les ombres des feuilles au-dessus peuvent donner le même effet. Nous devons savoir où nous sommes. Nous n'avons pas besoin de voir tous les détails dans chaque panneau. En fait, cela peut détourner notre attention de l'histoire. Vous avez compris les petits détails ? Comme quelques lignes verticales dans l'herbe, une ligne d'arbre en arrière-plan. Vous n'avez pas besoin de dessiner l'ensemble du tableau. Moins, c'est plus. Ok, donc plus d' arrière-plans pour l'instant. J'espère que cela vous a été utile. On se retrouve ici pour l'épisode 7 sur l'esquisse et l'encrage. 7. Croquer et contenir des bandes dessinées pour les débutants épisode 7: Bon, bonjour et bienvenue dans l'épisode 7 de bandes dessinées pour débutants aujourd'hui avec des conseils sur le croquis et l'encrage. Le processus d'encrage est l'endroit où tout se réunit. Certains artistes font des croquis très minutieux, donc les encres ne sont que du traçage. D'autres ont tendance à réaliser la plupart du dessin réel dans les encres. Certains artistes collent des figures qu'ils ont ensuite étoffées. D'autres utilisent des lignes d' aide pour s'assurer que tout est au bon endroit. Maintenant, je ne couvre pas vraiment l'anatomie et le dessin de base, ce programme. Vous devrez le ramasser ailleurs par la pratique. C'est comme ça que je l'ai fait. Comme je vous ai montré un épisode 5. J'imprime mes mises en page et utilise ces impressions comme pages de croquis. Maintenant que j'ai déjà les cadres et les dialogues pour rentrer dans les ballons, il est beaucoup plus facile de creuser, alors si je n'avais que quelques pages vierges, j'imprime parfois ma mise en page dans un bleu clair et encre directement sur mes pages imprimées. Mais d'habitude, je me contente de dessiner dessus, puis de l'encre à l'aide d'un morceau de papier séparé et d'une boîte à lumière. Beaucoup d'artistes utilisent crayon bleu pour leurs croquis grossiers. Autrefois, nous l'avons fait parce que les photocopieurs ne pouvaient pas capter les lignes bleues de la plupart des scanners, et vous n'avez plus besoin d' effacer le crayon par la suite. De nos jours, beaucoup de scanners sont beaucoup plus sensibles, vous devez donc supprimer le bleu dans Photoshop après l' avoir numérisé. Mais cela se fait facilement en ajustant les niveaux. L'autre avantage de l'utilisation d'un crayon bleu est que vous alignez l'art est clairement visible par-dessus. Avec un crayon ordinaire. Vous avez parfois du mal à distinguer les lignes et vous devez effacer vos crayons avec le risque que l'encre devienne pâle. Le crayon bleu n'est pas un outil magique. C'est juste un crayon basique dans un bleu clair. Vous pouvez les obtenir n'importe où. En ce qui concerne l'encrage, il n'y a pas de bonne façon de le faire. Les gens doivent pouvoir suivre l'histoire plutôt que d'être impressionnés par le line-up. C'est ce qui est important. Je vous recommande d'essayer différents outils comme le fameux Quill, différents types de pinceaux et de marqueurs. Vous devez trouver ce qui vous convient. Il ne s'agit pas seulement de savoir ce que vous aimeriez voir dans d'autres bandes dessinées. Il s'agit également de savoir ce que vos mains veulent faire. Et ce n'est pas toujours la même chose. Maintenant, même si j'adore les encres très serrées réalisées dans Quill, je trouve que ma méthode de dessin particulière ne fonctionne pas très bien avec cet instrument. De nos jours, j'utilise différents types de marqueurs, mais aussi quelques crayons parfois, puis j'ajuste le contraste dans Photoshop par la suite. Lorsque l'encrage a essayé de penser à vos dessins en termes de lumière et d'obscurité. Décidez d'où vient la lumière et ce que vous voulez mettre au point. Vous pouvez prendre une photocopie de votre page esquissée et expérimenter des marqueurs dessus pour obtenir la bonne composition. Souvent, quand les gens commencent à dessiner, ils ont peur de foirer. Ils y font donc très attention avec le crayon, rendant lentement chaque image à la perfection. Et c'est cool. C'est le processus d'apprentissage. Mais on apprend aussi beaucoup de choses en refaisant le même dessin, avec un gros marqueur noir. Utilisez une boîte lumineuse ou même une fenêtre. Placez un nouveau bout de papier sur votre croquis et tracez l'image. Si vous faites complètement le travail, vous avez toujours l'esquisse originale et vous pouvez simplement redessiner le tout. Si vous utilisez un marqueur qui mène, procurez-vous du papier d'origine avec un peu de poids pour qu' il ne perde pas. Vous devez expérimenter différents types de papier et différents types de marqueurs pour découvrir ce qui fonctionne pour vous. Si vous êtes vraiment bon ou simplement pressé, vous pouvez également faire vos croquis en bleu et encre directement sur votre page de croquis. Mais vous risquez de ruiner votre original. Pour les débutants et ceux qui veulent jouer en toute sécurité, je recommande toujours la visionneuse. Aussi parce que vous pouvez ajuster vos dessins avant l'encrage. Vous pouvez également utiliser des références photo pour le traçage. Plus d'informations sur l'art du vol. Dans l'épisode 9, lorsque vous encrez sur une boîte lumineuse, vous avez également eu l' occasion de retourner le tableau et de faire des croquis au verso. Parfois, le fait de retourner le tableau révélera également des erreurs que vous n'aviez pas remarquées auparavant et vous donnera une chance d'avoir une perspective différente. Soyez toujours conscient de ce qui est le plus important au sein du panel. Vous pouvez utiliser des lignes plus fines pour les arrière-plans, mais vos personnages principaux doivent se démarquer. Si vous coloriez votre bande dessinée. Vous pouvez aider la narration de cette façon. Mais s'il s'agit d'une histoire en noir et blanc, il faut des encres claires pour que les gens puissent comprendre ce qui se passe. Nous en parlons dans l'épisode trois, mais la mise en page de la page est tout aussi importante dans la face d'encrage. miniatures sont des photocopies demi-taille de vos pages esquissées peuvent être vraiment utiles pour décider quelles parties des images doivent être rendues noires. Effectuez un test avec un marqueur et voyez ce qu'il fait sur votre page globale. Une autre astuce pour l'encrage est de connaître la structure. Maintenant, il y a une énorme différence entre un objet en pierre et un objet en acier, en bois ou même pour ajouter minuscules taches d'encre qui peuvent vraiment faire toute la différence. façon de transmettre différents matériaux et structures est différente pour chaque artiste. Vous devez trouver vos propres riffs. Mais rappelez-vous, moins c'est plus. Ne vous inquiétez pas trop commettre des erreurs lorsque vous encrez, vous pouvez facilement corriger vos erreurs avec du blanc ou en collant un morceau de papier blanc sur votre art et simplement recommencer. J'utilise des marqueurs acryliques car ils sont faciles à appliquer et que la peinture sèche très rapidement. Parfois, je laisse simplement des erreurs sur le tableau et je fais mes corrections dans Photoshop, mais j'ai tendance à rendre mon dessin au trait original aussi fini que possible. Pour résumer, utilisez les outils qui vous conviennent. Utilisez une boîte à lumière pour essayer différentes techniques sans gâcher votre croquis original. Essayez la distribution des noirs sur une photocopie. Utilisez des lignes plus fines pour l' arrière-plan et des lignes plus épaisses pour le premier plan. Et enfin, moins c'est plus. Très bien, c'est tout pour l'instant. J'espère que vous êtes tous virés pour faire de l'encrage. Rejoignez-moi ici pour la leçon 8 sur la coloriage dans Photoshop. 8. Coloriage dans Photoshop: Bon, bienvenue à l' épisode 8 de bandes dessinées pour débutants aujourd'hui sur la coloriage dans Photoshop. Maintenant, bien sûr, vous pouvez appeler vos bandes dessinées comme vous souhaitez avec des crayons ou des aquarelles ou autre. Assurez-vous simplement de prendre une photocopie de votre art original afin de ne pas gâcher votre original, moins avant d'avoir quelques années d'expérience. Ce qui est génial dans Photoshop, c'est que vous pouvez toujours annuler. L'astuce est de garder votre dessin au trait clair et d'utiliser vos couleurs pour vous aider à raconter l'histoire. J'aime rester simple et j'envoie pour couper un peu mes couleurs en sourdine et en utilisant éclaboussures de couleur ici et là pour l'effet. Maintenant, bien sûr, tout cela est une question. Goût personnel. Vous aimerez peut-être d'autres types de couleurs et c'est génial. Mais je ne peux pas vraiment vous dire comment appeler chaque personnage dans un gazillion de tons différents, sauf pour vous dire que cela prend probablement beaucoup de temps. Alors, comment commencer ? Tout d'abord, vous avez votre dessin au trait. Je suis à l'ancienne, donc je dessine toujours sur du papier , puis je le scanne. Parfois, j'ai des lignes bleues sous mes encres qui peuvent être facilement supprimées dans Photoshop comme nous l'avons mentionné dans l'épisode 7, en ajustant les niveaux. Ou vous pouvez numériser en bitmap si votre scanner vous permet de le faire disparaître en bleu. Assurez-vous de numériser votre dessin au trait en haute résolution. Si votre page est surdimensionnée, 300 ppp devraient suffire, mais moins de 300 ppp ne suffiront jamais. En particulier, le dessin au trait a tendance à être pixélisé s'il est numérisé en basse résolution. Donc, s'il est de la même taille que la taille d'impression, j'irais toujours avec au moins 600 ppp. Une fois que vous avez numérisé vos pages, ouvrez-les dans Photoshop, vous devrez peut-être effectuer un peu de nettoyage. Je trouve qu'il y a toujours des petits points ou qu'on les saisit de l'analyse. J'ai tendance à ne jamais zoomer plus de 50 % lorsque je fais le nettoyage pour éviter un travail inutile. S'il n'est pas visible à 50  % sur votre écran, il ne sera pas visible en impression. Il y a donc un endroit où gagner du temps. Lorsque vous avez votre dessin au trait épuré, vous devez créer un calque distinct pour les couleurs. Il y a plusieurs façons d'y parvenir. Ma méthode consiste à convertir mon image bitmap en niveaux de gris, puis en RVB. Je duplique mon calque d'arrière-plan et j'ai défini ce mode de calque pour qu'il se multiplie. Ensuite, je clique sur le calque d'arrière-plan d'origine. Je n'ai pas supprimé. Croyez-moi, vous allez accidentellement peindre la mauvaise couche de temps en temps. Gardez donc le type original de sauvegarde. Vous devez maintenant mettre un nouveau calque en mode normal pour vos couleurs. Vous le placez sous votre copie d'arrière-plan. C'est un moyen simple et rapide de se préparer à colorer. Vous pouvez bien sûr créer autant de nouvelles couches que vous le souhaitez. Je fais parfois un nouveau calque au-dessus de mon calque d'arrière-plan ou dessin au trait où je mets effets spéciaux comme des lumières vives et des choses comme ça. Vous devrez expérimenter vous-même. N'oubliez pas de toujours créer une nouvelle couche pour ces expériences et n'oubliez pas de sauvegarder votre fichier Photoshop en cours de route. Mon approche pour colorier les pages de bandes dessinées est la suivante. J'ai essayé de donner un certain ton à chaque nouveau réglage afin d'aider le lecteur à comprendre ce qui se passe. Oh, c'est dans la boîte de nuit 0 maintenant on est dehors tôt le matin, des trucs comme ça. Je ne fais généralement qu' une couleur plate ou un dégradé sur chaque image ou même sur toute la page. Ensuite, dans un calque séparé, je mets les couleurs sur les personnages et les objets. J'ai souvent fixé l'opacité de cette couche à 50 à 60 %. De cette façon, tout prend en quelque sorte la tonalité de couleur de l'arrière-plan, tout comme la couleur d'arrière-plan est souvent visible dans une peinture. Voici un petit conseil qui vous fera gagner beaucoup de temps et de frustration. Au lieu de peindre chaque objet ou personnage au fur et à mesure que vous les rencontrez, essayez d'aplatir tous les éléments principaux. Tout d'abord, tracez les bordures extérieures d'un personnage. Utilisez l'outil de sélection et remplissez le formulaire. Maintenant, vous avez une belle figure dans laquelle travailler. Encore une fois, utilisez l' outil de sélection et allez travailler. Et maintenant, vous n' aurez plus à vous soucier de peindre en dehors des lignes. Rappelez-vous toujours qu'une image est constituée de premier plan, milieu et d'arrière-plan. Certains artistes tonifient l'art au trait et l'arrière-plan pour faire ressortir le personnage principal. Mais c'est probablement quelque chose pour une leçon plus avancée. Disons simplement que vous avez dû faire en sorte que votre personnage principal se démarque du fond. Et il existe de nombreuses façons de le faire. L'une des façons consiste à les appeler un ton plus chaud que le fond. Cela les fera apparaître plus près tant qu'ils ne sont pas peints dans le même ton que votre arrière-plan, vous irez probablement bien. Et plus l'art au trait est fort, plus il est facile de l'appeler. Comme je l'ai dit, j'ai tendance à faire glisser ma palette de couleurs dans les zones plus grises et à rester à l' écart des couleurs primaires. Mais c'est une question de goût personnel, bien sûr, et tout dépend du type d'histoire que vous créez. Lorsque vous avez fini d'utiliser une page, aplatissez tous les calques et enregistrez-le en tant que fichier image. Le format est le meilleur. JPEG conviennent aux copies Web et à résolution inférieure, mais pour l'impression, passez toujours au format tiff. De plus, vous devez convertir vos couleurs en CMJN s' il s'agit d'une impression. Le RVB est idéal pour le web, et il vous donne également plus de place pour les effets lorsque vous coloriez. Mais s'il est censé être imprimé, CMJN est la voie à suivre. D'accord. J'espère que vous avez décroché une gâchette ici. Il est maintenant temps de prendre une petite leçon de vol. À propos de l'épisode 9. 9. Comment dessiner tout de la bande dessinée pour les débutants: Bonjour, bienvenue dans l'épisode 9 de collègues pour débutants, comment tout dessiner. Maintenant, c'est en fait une leçon de vol. Si vous avez téléchargé l'ebook gratuit que nous proposons sur comics for beginners.com. Vous saurez de quoi je parle, mais laissez-moi entrer plus en détail ici. Est-ce que c'est déjà correct de voler ? Je dirais oui. Eh bien, il y a des degrés de vol de toute façon. Il y a de l'inspiration, puis il y a une copie flagrante, mais il n'y a aucun moyen d'être bon dans quelque chose à moins de pratiquer. Et quelle meilleure façon de pratiquer que de copier quelque chose qui existe déjà ? On ne peut pas s'attendre à ce que vous puissiez tout tirer juste du haut de votre tête. Cela vient avec de la pratique, beaucoup de pratique. Je vous recommande de dessiner ce que vous n'êtes pas très doué pour dessiner encore et encore et encore. Disons que vous avez du mal à dessiner les mains. Les mains sont très difficiles à dessiner. Mais heureusement, vous en avez deux juste devant vous. Si vous n'avez pas de mains, je ne sais pas ce que vous dessinez avec vos pieds, je ne sais pas. Mais de toute façon, regarder comment les mains sont construites, copier des images et des dessins de mains améliorera considérablement votre capacité à dessiner des mains, créer un journal et à continuer à y ajouter. Chaque fois que vous voyez une paire de mains intéressante dans un magazine ou un livre photo, essayez de dessiner ce que vous voyez et placez le croquis dans votre journal. Les premières pages ressembleront à des saloperies. Mais vous devez conserver ces premières esquisses pour suivre votre amélioration et voir que vous allez vraiment mieux. Vous vous retrouverez souvent à penser, mec, que je suis un mauvais artiste. Je ne serai jamais bon dans ce domaine. Mais gardez vos tentatives ratées dans vos dossiers afin que vous puissiez les retirer et les regarder et voir que cela s'est réellement amélioré, que vous allez mieux. Je parie que vous pensez que l'artiste pro américain peut dessiner tout ce qui est bien ou mal. Nous, tout autant que n'importe qui. On est juste mieux pour le cacher. Disons que vous devez dessiner un chien. Ou vous allez juste essayer de penser à quoi ressemble un chien, puis de le dessiner ? Ou allez-vous regarder des photos de chiens ? Techniquement, c'est ce qu' on appelle la référence. Nous le faisons tous. Maintenant, ce que nous ne faisons pas, c'est prendre une photo de chien bien connue et simplement la retracer. Je ne suis pas avocat, mais je suis presque sûr que c'est illégal et les résultats seront souvent bizarres. Alors n'y allez pas. Utilisez plusieurs références, retournez l'image ou n'utilisez que des parties de celle-ci et faites le reste vous-même. Ne perdez pas des heures à regarder les images Google pour trouver quelque chose que vous savez déjà dessiner. Mais si vous avez besoin d'une image comme référence ou pour vous inspirer, allez-y. Je commence souvent à trouver des références photo comme source d'échauffement ou d' inspiration. Lorsque je commence un nouveau projet, j'utilise des références pour stimuler ma créativité et y obtenir des détails qui rendent tout cela plus réel. Vous devez trouver un équilibre qui correspond votre style et qui vous permet de gagner du temps au lieu d'y ajouter. C'est ce que je ressens de toute façon, je voulais faire du travail pour ne pas me perdre dans les détails que personne ne remarquera probablement de toute façon. Je pensais que le traçage était la même chose que la tricherie. Il était tout à fait normal d' utiliser une photo, mais le traçage était tout simplement erroné. Je ne suis pas si catégorique sur cette distinction aujourd'hui, je vais retracer une photo sans honte, surtout pour les arrière-plans, car je trouve que cela me fait gagner beaucoup de temps. L'astuce ici est de ne pas se démarquer du reste de la bande dessinée. Obtenez le même niveau de détail et de style. Il s'intègre donc parfaitement. S'il semble que c'est Trieste, ne le faites pas. La bande dessinée est une question de narration. L'histoire doit s'écouler. Si le, je reste coincé sur quelque chose qui semble beaucoup plus détaillé que le reste de la page, alors ça nuit à la narration. Voici donc ma liste de conseils pour voler efficacement. Numéro un, utilisez des références différentes pour une image. C'est beaucoup moins évident si vous combinez des images différentes au lieu de copier directement le numéro pour le faire vôtre, faites le tout dans le même style et le même niveau de détail, que vous dessiniez des voitures, maisons ou personnes. Numéro 3, déguisez-vous que vous êtes volé. Retournez l'image sur une boîte lumineuse ou prenez uniquement des parties d'une photo et constituez vous-même d'autres éléments. Numéro 4, utilisez un autre média que celui sur lequel vous travaillez. Si vous peignez, utilisez une référence photo, pas un autre tableau. Si vous faites des bandes dessinées, ne copiez pas d'autres bandes dessinées. Numéro 5, jamais, ne retrace jamais œuvre d' un autre artiste. Apprenez des meilleurs. Bien sûr. Oui. Mais copier directement une pose de personnage ou un cadre est un non-non. Maintenant, saviez-vous tout sur quand et comment voler ? Va le faire. Je vous revois ici pour l'épisode 10. Merci d'avoir regardé. 10. Devenir artiste réel: Bienvenue de retour. Vous avez fait tout le chemin jusqu'à la fin de ce programme. Maintenant, vous savez presque tout ce qu'il y a à savoir sur la création de bandes dessinées. Mais je veux vous laisser quelques mots de sagesse supplémentaires. Quelques bons conseils pour vous, espérons-le développer votre propre style personnel et où aller à partir d'ici. Vous avez donc peut-être l' ambition de devenir des professionnels de l'industrie de la bande dessinée. Je ne suis pas sûr que je serais la bonne personne pour donner des conseils dans ce domaine, l'industrie où je suis est pratiquement inexistante. y a certainement pas d'argent qui circule. Je gagne de l'argent en réalisant principalement des illustrations et des storyboards. Mais voici ce que je sais. Il y a quelques années seulement, placer votre bande dessinée sur votre propre page Web pourrait nuire vos chances d' publiée. Pourquoi le publierait-il ? Je pense qu'ils pourraient vendre quelque chose que vous avez déjà donné gratuitement, n'est-ce pas ? Eh bien, ces jours-ci, on l'a vu mettre votre travail devant les lecteurs en premier et obtenir des fans fidèles est probablement le meilleur moyen de se faire publier. Si vous pouvez afficher des chiffres prouvant que vous avez déjà une audience pour votre histoire, cela peut aider à convaincre un éditeur que votre travail est bancable. Et il s'avère que les gens sont plus que prêts à payer pour quelque chose qu'ils ont déjà obtenu gratuitement. Tant que vous leur demandez gentiment. Regardez Kickstarter et d'autres ressources de financement participatif. Il est possible d' amener les gens à sortir leur portefeuille. Mais il n'y a pas de schémas rapides en bande dessinée. Si vous en trouvez un qui fonctionne, faites-le moi savoir. D'accord. L'édition connaît de grands changements ces jours-ci. Qu'il s'agisse d'un avantage ou d'une entrave aux nouveaux talents, il y a un débat. Ce qui n' est pas discutable, c'est que cela se passe rapidement. La meilleure chose que nous puissions faire est d'essayer de naviguer dans ce nouveau monde. Vous connaissez probablement la phrase, c'est tout ce que vous connaissez. Et ce n'est pas tout à fait vrai, mais ce n'est pas tout à fait faux non plus. Si votre travail n'est pas de qualité, peu importe que vous soyez meilleur ami avec un grand éditeur ou que vous jouiez au tennis avec un écrivain célèbre. Ils ne vous aideront pas à faire du mauvais travail, mais ils pourront peut-être vous aider à vous améliorer dans ce que c'est. Vous le savez. Vous voyez que le fait de connaître les bonnes personnes vous donne l' occasion de présenter le travail que vous avez accompli. Et cela vous donne également l'occasion d'obtenir des commentaires sur votre travail de la part de personnes qui savent de quoi ils parlent. Le Web a permis à tout le monde d'obtenir plus facilement des commentaires sur ses affaires. Le défi consiste à obtenir les bons commentaires. Comme nous l'avons dit dans la leçon 2, obtenir l'opinion aléatoire de tous n'est pas nécessairement une bonne idée. Trouver ses pairs n'a jamais été aussi facile. Il y a dix ans, il faudrait aller à une convention pour rencontrer des gens dans votre domaine, ce qui reste probablement la meilleure approche d'ailleurs. Mais de nos jours, vous pouvez trouver des forums en ligne de pairs via leur blog ou même Twitter et Facebook. Lorsque vous approchez une personne dont vous admirez le travail ou l'opinion, assurez-vous de respecter son temps et respecter la réponse qu'elle a à votre demande. Même si la réponse est non. Et aucune réponse n'est également une note. Au fait, si vous avez essayé contacter quelqu'un deux ou trois fois sans réponse, laissez-le tranquille. Ce n'est probablement pas personnel. Ce sont des gens occupés à suivre quelqu'un sur Twitter, commenter leur blog ou à l'amitié sur Facebook est un excellent moyen d'apprendre à connaître les gens. Dites-leur ce que vous aimez dans leur travail et donnez-leur de la valeur en partageant leurs publications, laissant des commentaires perspicaces ou en essayant d'aider de la moindre manière possible. y a des chances que vous ayez une petite faveur à demander, comme un examen de portefeuille, un conseil ou une recommandation. Ils seront heureux de vous aider. Ne commencez pas par leur demander une faveur, bâtissez d'abord la confiance et respectez qu'ils sont occupés. Et voici un autre conseil très important. Dites toujours merci. Même si vous recevez des commentaires, vous n'êtes pas d'accord avec eux, il suffit de les remercier et de vaquer à vos affaires. Qui sait ? Peut-être qu' une partie de cela résonnera ou aura du sens plus tard. Peut-être pas. Mais ne vous disputez pas avec eux. Ils ont droit à leur opinion et vous le demandez. Maintenant, ce que vous devez savoir quand vous sortez votre cou, mettez une histoire ou une œuvre d'art pour tout le monde. ne va pas plaire à tout le monde. Et certains ne sont peut-être pas si polis en vous le disant. Mais ne vous découragez pas. Créez des bandes dessinées pour vous-même parce que vous aimez le faire. Faites équipe avec d'autres personnes qui pratiquent le même genre de bandes dessinées que vous êtes. Connectez-vous à d'autres personnes en ligne ou dans votre boutique de bandes dessinées locale. Demandez à un partenaire d'écriture ou à un copain de dessin de rejoindre un studio. Vous avez besoin d'encouragement et d'inspiration si vous voulez y rester. Faire des bandes dessinées est un travail dur et solitaire. Et si vous voulez être bon dans ce domaine, cela prend énormément de temps. Nous avons déjà parlé de voler dans moins de neuf ans. Mais je pense que quelques mots supplémentaires sur le développement de votre propre style personnel sont pertinents. Certains d'entre nous sont assez chanceux ou talentueux pour avoir plusieurs styles en fonction du projet. J'ai tendance à atténuer mon niveau de caricature et aller vers un aspect plus réaliste pour certains projets. J'espère que c'est quelque chose que je peux ajuster sans perdre mon expression unique. Je ne peux pas vous dire quel style vous convient le mieux. J'espère que vous développerez le vôtre. Vous devez trouver un style qui correspond au genre d' histoires que vous souhaitez raconter ou raconter des histoires qui correspondent à votre façon de dessiner. Développer votre style n'est pas vraiment quelque chose qui peut être enseigné, mais uniquement par la pratique et par la copie d'autres artistes. Non pas en copiant tout ce qu'ils font, mais en observant les riffs, les techniques et les raccourcis graphiques qu'ils utilisent pour développer votre propre expression unique. Alors arrêtez de me regarder et allez faire des bandes dessinées. Mais rappelez-vous, commencez par une histoire et construisez à partir de là. J'espère que ces vidéos vous ont été utiles et inspirantes et je vous souhaite tout le meilleur pour que vos bandes dessinées progressent. Merci d'avoir regardé et de prendre soin de vous.