Aquarelles marines expressives : capturer la lumière, le mouvement et l'ambiance

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston, et aujourd'hui nous allons peindre un magnifique phare au bord de la mer au coucher du soleil Ce cours vise à capturer l' essence sereine de l'océan, le mouvement des vagues et la douce lueur de la lumière à l'horizon Nous utiliserons une combinaison de techniques de mélange, de superposition et de levage sur sol mouillé pour créer une sensation de profondeur et de mouvement dans le ciel et dans l' Nous verrons également comment peindre les vagues, les reflets et la structure du phare lui-même avec une approche libre et expressive. Même si vous n'avez jamais peint de paysage marin auparavant, ne vous inquiétez pas Je vous guiderai à chaque étape, en rendant ce cours amusant et relaxant et en vous donnant de nombreux conseils et astuces en cours de route. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Alors plongeons-nous dans le vif du sujet et créons ensemble quelque chose de beau. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. Peindre le ciel et la mer est un excellent moyen de pratiquer autant de techniques différentes à l'aquarelle Nous utiliserons des lavages doux, des couches et des pinceaux fluides sans ressentir de pression pour obtenir la perfection dans les moindres détails, créant un ciel doux et atmosphérique qui crée l'ambiance, en capturant le mouvement des vagues avec des coups de pinceau lâches et expressifs, et en peignant le phare comme point central sans trop Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer à peindre, nous allons chercher tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir Et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, cela vous donne plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excès de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Cependant, je vous encourage à expérimenter et à explorer tout ce que vous souhaitez utiliser pour cette peinture soit vraiment la vôtre. Maintenant, allons-y et commençons le dessin. 4. Comment faire une ébauche: Donc, commencez très légèrement avec mon crayon, créant simplement la ligne d'horizon, divisant le papier en deux, gros tout droit au milieu Ensuite, juste à côté du centre, environ un tiers de la largeur, je vais tracer cette ligne verticale pour indiquer où se trouvera le phare. Voyez comment je commence avec des marques très légères au crayon. Juste assez pour cartographier les principaux éléments, rien de trop détaillé. Avec l'aquarelle, nous ne voulons pas de lignes épaisses, car elles peuvent apparaître à travers la peinture ou du moins limiter notre relâchement au pinceau que nous voulons Donc, placer ce phare juste à droite du centre, suivant la règle des tiers, nous donne une composition plus dynamique que le simple fait de le placer au point mort. Ensuite, les lignes de rochers aident à diriger le regard vers elle selon une sorte de motif en S ou en Z, créant un mouvement naturel sur la page. Découvrez comment je simplifie formations rocheuses en formes angulaires de base Ils n'ont donc pas besoin d'être parfaits ou trop réalistes. Nous pouvons suggérer des détails plus tard avec le pinceau et la valeur. Marquez différents plans, le premier plan, le milieu, arrière-plan, quelques oiseaux pour créer une impression de profondeur Parce que ce croquis n' est qu'une base. Ce n'est pas un plan et cela me donne confiance en moi pour la phase de peinture Mais je laisse toujours l'aquarelle avoir son mot à dire sur la façon dont les choses évoluent Seule la structure, le squelette de la peinture et ce qui constitue le tout sera la peinture à l' aquarelle. 5. Peindre le soleil: Commençons donc par l'un des grands principes de l'aquarelle, savoir peindre du clair au foncé donc commencer par peindre les valeurs de lumière, commençant par le ciel, l'arrière-plan et en prémouillant la zone où le soleil sera juste au milieu Parce que nous n'allons pas vraiment peindre le soleil directement. Nous allons laisser le blanc du papier pour créer cette illusion de lueur là où se trouvera le soleil. Ensuite, progressivement, nous allons ajouter plus de pigment au fur et à mesure pour créer une transition en douceur, commençant par ce jaune de cadmium. Le papier est donc mouillé là où le soleil sera. Il se peut que vous ne puissiez pas le voir à l'écran. Je vais également prémélanger un peu de bleu serléen parce que nous allons l'utiliser pour le Je veux juste m' assurer de me faire une idée de ma palette de couleurs avant de commencer à peindre avant mettre un pigment sur le papier Je veux être sûre de ma palette de couleurs, juste pour la voir visuellement, car il peut être difficile de voir les choses dans votre esprit. Ainsi, en intégrant les couleurs physiques à votre palette, vous pouvez simplement les voir de vos propres yeux et voir comment elles pourraient être utilisées dans votre composition. Un peu de rouge mêlé à ce jaune de cadmium. Le rouge camium et le jaune camium se sont donc mélangés pour former une jolie orange Lorsqu'il n'y a aucun autre pigment sur le papier, il est facile de peindre trop fort. Mais nous voulons rester très légers à ce stade, en ajoutant un peu d'eau pour faciliter cette transition douce, puis en appliquant une très petite quantité de jaune sur le pinceau, ce qui est à peine perceptible, en Et nous descendons jusqu'à l' endroit où se trouvera la mer, là où se trouveront les vagues, pour laisser entrevoir un peu de lueur. Mais vous pouvez voir qu'au fur et à mesure que nous l'étalons , c'est à peine perceptible Vous pouvez à peine voir ce jaune, et c'est ce que nous voulons. Nous ne voulons pas que ce soit une indication aussi évidente ou subtile pour effacer la blancheur du papier L'avantage de cette étape est qu'elle est si légère cela n'a pas vraiment d'importance car cela n' influencera pas l' image principale à la fin. Le contraste n'est pas trop saisissant. C'est quelque chose de très subtil. Il suffit d'utiliser un mouchoir en papier pour adoucir ou éliminer une partie de l' eau là où elle est trop humide. Nous pouvons maintenant commencer à appliquer la couche suivante, un joli mouvement circulaire qui reflète la nature circulaire du soleil Petit à petit, le pigment reste très léger, mais nous devons procéder avec prudence. C'est pourquoi nous le faisons léger, car il est plus difficile d'enlever les pigments que de les appliquer. Il suffit donc de parcourir cet arc de soleil d' avant en arrière parcourir cet arc de soleil d' avant J'utilise une brosse à balai. Il est utile d'utiliser un pinceau de taille moyenne, pas trop petit. S'il est trop petit, il sera difficile d'appliquer tous ces pigments de manière uniforme. Il vaut mieux avoir un pinceau trop grand que trop petit pour cette partie du tableau. Et tout est jaune cadmium à ce stade. Ce n'est que maintenant que lorsque nous nous déplaçons sur le côté droit, là où le ciel est derrière le phare, nous commençons à ajouter un peu de que nous commençons à ajouter un peu de cette orange, mais pas trop. Maintenant, nous retournons au soleil, et encore une fois, c'est du jaune de cadmium pur. Lorsque vous appliquez les coups de pinceau pour la première fois, cela peut sembler irrégulier, mais si le papier est suffisamment humide, il s'égalisera tout seul 6. Peindre le ciel: Il s'agit d'expérimenter et de s'habituer à la bonne quantité d' eau sur votre papier, pas seulement sur votre pinceau, mais aussi sur votre papier S'il n'y a pas assez d'eau, elle ne déplacera pas les pigments et ne sera pas distribuée de manière uniforme. Et s'il y a trop d'eau, en séchant, il sèchera de manière inégale Certaines zones seront donc gorgées d'eau et seront très humides, tandis que d'autres commenceront à sécher. Et encore une fois, ça n' aura pas l'air aussi uniforme. Il s'agit donc de trouver cet équilibre entre un subtil éclat d'eau, un reflet Sans qu'il soit trop saturé. Et vous pouvez voir, j'ai juste appliqué du bleu silan en haut Et comme les pigments, les particules qu' ils contiennent sont de tailles différentes, tant que vous n'en abusez pas avec le pinceau, ajoutez juste quelques coups de pinceau sûrs, puis le mélange ne se mélange pas au jaune pour donner du vert vert Dans ce scénario particulier, le bleu ne se mélange pas pour donner naissance au car les pigments sont tailles différentes et ne se combinent pas aussi vite. Ils se bloquent mutuellement. Encore une fois, il faut être prudent et peut-être que je ne le suis pas assez avec la mouillure de mon papier Il devrait être un peu plus humide en fait, car ces marques de pinceau devraient idéalement se fondre. Mais remarquez ces coups de pinceau, ces lignes font face au phare. Ils pointent vers le centre d'intérêt, qui est le phare. Et sur le côté droit, nous utilisons du violet. Il existe donc une belle gamme de couleurs. Nous utilisons un contraste de tons chauds et de tons froids dans cette peinture, qui crée à la fois un équilibre émotionnel et une tension. La chaleur évoque tôt le matin ou le coucher du soleil, la paix au coucher du soleil, tandis que les tons froids évoquent la puissance de l'océan ou l' immensité du ciel Nous utilisons donc un équilibre entre oguus et les couleurs complémentaires, dont nous parlerons plus tard, mais pour les passer brièvement en revue, les oguleuses sont des couleurs unes à côté des autres sur les roues chromatiques, par exemple le bleu Ils sont côte à côte. Ils vont bien ensemble, puis les couleurs complémentaires se font face. Comme vous pouvez le constater, le violet et le jaune apparaissent actuellement à l' écran, violet et le jaune sont des couleurs complémentaires. Nous expérimentons la roue chromatique et les choix de couleurs, et j' en parlerai plus tard lorsque nous aborderons le schéma chromatique complet lorsque nous intégrerons plus de couleurs par la suite. Juste sur le côté droit, là où le ciel rencontre les rochers, j'utilise du bleu cobalt épais. Et comme il fait humide, transition se fera en douceur. Je ne veux pas qu'il y ait trop d'avantage parce que ce n'est pas le centre d'intérêt. Je garderai les bords les plus forts et les contrastes les plus forts de lumière, d' obscurité et de couleur là où se trouve le phare. Donc, même s'il fait noir, j'essaie de faire en sorte que ce soit un peu plus une transition. 7. Peindre les nuages: Nous allons maintenant peindre des nuages illuminés par la chaleur du soleil. Je vais donc utiliser du rouge, peut-être quelques oranges, même si le ciel est un peu jaune de toute façon. Donc, utiliser du rouge par-dessus ce jaune le rendra automatiquement un peu orange de toute façon sans avoir à ajouter beaucoup de jaune. Mais il est préférable que vous ne soyez pas trop sûr de faire sécher complètement votre papier au préalable. Le mien ne contient qu'un tout petit peu d'humidité, mais ce n'est pas nécessaire. Il est beaucoup plus facile de contrôler la deuxième couche une fois qu'elle est complètement sèche. Et j'utilise des lignes très horizontales ici. ajoutons une touche de bleu à mesure que nous nous éloignons de cette ligne d'horizon, mais juste une touche. Si nous ajoutons trop de bleu, le contraste sera trop fort et l'ensemble n'aura pas l'air aussi cohérent Je vais perdre son unité. Je l'attache aux rochers et au phare ici parce que je ne veux pas que les choses soient isolées. les relier tous rend l'endroit où ce nuage rencontre le rocher plus agréable à regarder J'ajoute un peu plus de bleu. Je pense que c'est un travail de ligne, en fait. Même, bien entendu, les marques de pinceau sont plus épaisses qu' une simple ligne fine. Je pense à la direction de ces lignes. Ces nuages sont donc assez horizontaux et les lignes du ciel pointent vers le point focal, le centre d'intérêt, le phare. Et ces nuages aussi. Et je tiens à souligner que le phare est la seule forme verticale de ce tableau. Tout le reste est horizontal ou pointé vers le phare. Et c'est ce qui le distingue. Nous devons maintenant commencer à peindre les nuages l'autre côté du soleil de gauche à droite. Encore une fois, vous pouvez le sécher complètement si vous le souhaitez, si vous ne voulez pas risquer de toucher le mouillé. C'est ce que je viens de faire. Il se peut que je doive placer ma main sur le papier et je ne veux pas qu'il touche les zones humides. Encore une fois, en utilisant de fines lignes horizontales. Mon pinceau est assez petit maintenant parce qu'il a un joli petit bout, mais il contient encore assez d'eau. Ce n'est pas une petite brosse à aiguilles. Il doit encore contenir suffisamment de pigments et d'eau. Ces pinceaux que j'utilise en ce moment, ce pinceau en particulier, est l'un des plus petits pinceaux que j'utiliserai. Je ne serais pas beaucoup plus petit que celui-ci parce qu' il ne capterait tout simplement pas assez de pigment ou d'eau. Et en fait, la pointe de ces pinceaux est beaucoup plus fine que celle d'un pinceau plus petit, ironiquement, car l'eau agit comme une sorte de lien qui réunit toutes les mèches et tous les poils du pinceau en une Et si la brosse est trop petite, il n'y aura pas assez de tension d'eau à l'intérieur pour aller droit au but. Il se déplie presque sur le point au lieu d'y entrer. J'essaie donc de ne pas utiliser un pinceau plus petit que celui-ci. Lorsque nous expérimentons des transitions ici, nous avons la lueur rouge du nuage au-dessus, qui devient légèrement bleue à mesure qu'il se rapproche de la ligne d'horizon Ces nuages ajoutent non seulement un sens directionnel à la composition, mais augmentent également le contraste là où se trouve le soleil. 8. La mer lointaine: Maintenant que nous commençons à peindre la mer, et comme le soleil au-dessus, je dois ajouter de l'eau pure là où se trouve le soleil, puis créer une petite transition entre la gauche et la droite. Mais au lieu du soleil, là où le cercle est complet, il s'agit d'une ligne Nous ne voulons donc pas peindre au-dessus de l'endroit où se trouve la mer, et nous voulons nous assurer que cette ligne est parallèle aux bords du papier en haut et en bas du papier. Nous voulons nous assurer qu' il est complètement droit, comme l'est l'horizon. Ajoutez progressivement plus de pigment et transformez-le en eau pure Vous pouvez avoir un mouchoir dans l' autre main au cas où il serait surchargé ou que vous deviez le refaire Je peins jusqu'à la première vague, qui est subtilement marquée au crayon En utilisant du bleu cobalt. Mais vous pouvez utiliser la couleur de votre choix. Cela n'a pas vraiment d'importance. Tant que c'est du bleu, le bleu est la couleur principale de cette composition, donc c'est bien d'avoir une variété de bleus différents de toute façon. Maintenant, je peins le phare, et je frotte délibérément mon pinceau parce que le nuage rouge que nous avons peint en dessous comporte une ligne dure, et je veux me débarrasser de cette ligne dure et la rendre belle et J'utilise donc les poils de ma brosse pour éliminer les lignes dures afin de la rendre belle Maintenant, idéalement, je veux que ce phare soit plus clair que l'arrière-plan. Mais bien sûr, ce ne sera pas parce que la nature de l'aquarelle est la suivante : plus il y a de pigment, plus elle sera foncée car elle est translucide Je suis donc en train de bloquer le phare, bloquer le phare, puis je reviendrai plus tard avec un peu de badigeon juste pour le faire ressortir. Je ne fais que simplifier ce que devrait être une maison anti-poux. Il n'est pas du tout nécessaire d' être aussi détaillé pour donner une idée de ce que c'est exactement On y ajoute un petit toit triangulaire. Quelques fenêtres, peut-être un balcon circulaire. Le toit peut être plus sombre que le reste du bâtiment. Peut-être pourrions-nous ajouter un peu de rouge pour le faire ressortir en utilisant des lignes fines. Comme il s'agit du centre d'intérêt, nous pouvons y ajouter la plupart des détails, ajouter des lignes nettes, des contrastes nets, afin d'encourager l'œil à se concentrer sur cette zone, même s'il y a beaucoup plus à regarder, et ce ne sera pas nécessairement la partie préférée de la peinture. C'est censé être le centre d'intérêt. Alors maintenant, je pense qu'il est temps de peindre dessus en blanc. Et le blanc peut être délicat car lorsque vous commencez à l'utiliser, il semble très intense. Il a l'air très blanc en effet, en ce moment, il a l'air super fort. Mais vous remarquerez que lorsque je commence à le sécher, elle s' assombrit, car lorsque la peinture blanche est mouillée, elle paraît beaucoup plus claire que lorsqu'elle est sèche De même, lorsque la peinture foncée est mouillée, elle paraît plus foncée que lorsqu'elle sèche. Donc, quand je mets le sèche-cheveux dessus maintenant, voyez à quelle vitesse il s'assombrit et vous pourrez commencer à le monter en couches 9. Peindre le phare: Si vous n'avez pas de peinture blanche, c'est parfait. Vous pouvez simplement le laisser tel quel et peindre un phare plus sombre. Ce n'est pas vraiment un problème. En fait, le fait de l'assombrir augmentera le contraste, ce que vous voudrez peut-être de toute façon. Il n'y a pas de bien ou de mal. La seule vraie raison pour laquelle j'utilise ce blanc, c'est cause de la forme du nuage qui se trouve derrière. de la nature translucide de l' aquarelle, il était difficile de la camoufler sous une grenouille Donc, le simple fait d'utiliser ce blanc pour le masquer m'a un peu aidé, mais vous pouvez aussi peindre plus foncé. Tu pourrais peindre un phare noir, si tu veux. Utilisez un trait très doux juste pour remonter le bord de la maison, juste pour l'affiner, en ajoutant peut-être une petite fenêtre à mi-chemin, le bout du pinceau. Je ne veux rien de trop gros ou d'évident. Ce n'est pas parce que c'est petit que ce n'est pas évident. Parfois, la subtilité a autant d'impact que ce qui est directement évident En utilisant le bleu cobot en haut ici. Il suffit de créer un petit cadre, quelques cases et des formes simples, fait des triangles, des carrés, des rectangles J'ai délibérément positionné ce phare vers la droite, environ un tiers sur la droite, ce qui crée une sorte d' équilibre asymétrique au lieu de le centrer en plein milieu, ce qui semblerait plutôt statique ou prévisible fait de le placer légèrement décentré permet à la scène de paraître plus dynamique et naturelle. Et cela est contrebalancé par l'espace ouvert sur la gauche, avec le ciel, la mer, puis les mouvements rapides des vagues que nous peignons plus tard. Il équilibre visuellement le poids du phare sur la droite. Et toute la composition repose sur ce contraste entre la solidité de cette structure et le mouvement de la mer sur la gauche, même si nous ne l'avons pas encore peinte, c'est le plan Je pense également à la manière dont le phare est soutenu du point de vue de la composition Nous aurons donc des rochers déchiquetés en contrebas pour créer une sorte d'escalier ou des lignes naturelles qui guideront le regard du spectateur vers le haut en direction de ce phare Et même le dégradé subtil du ciel, là où il devient plus lumineux derrière le phare, aide à se faire remarquer comme un petit projecteur. Le contraste des tons lui confère donc de la présence sans qu'il soit nécessaire d' exagérer trop les détails. Il est également intéressant de réfléchir au contraste de forme ici. Le phare est très géométrique. Il s'agit d'un cylindre droit propre doté de balustrades et d'un toit raffinés Cette forme structurée créée par l'homme se démarque magnifiquement des formes plus organiques et irrégulières du reste de la scène, des rochers, des nuages, des vagues. C'est donc une autre façon d'utiliser le contraste dans forme pour qu'elle soit ancrée, forte, et qu'elle ancre réellement l'ensemble de la scène Donc, lorsque je peins ces bâtiments, c'est là que je suis un peu plus précis dans mon travail au pinceau. Quel que soit l'usage, y compris les vagues et les rochers, même s'il faut être un peu précis, nous pouvons être plus expressifs et plus lâches. 10. Faire monter les vagues: Maintenant, nous allons commencer à peindre les vagues, et j'utilise le bleu cérlean, qui est mon bleu préféré Mais nous pouvons également commencer à intégrer de nombreuses teintes différentes. Et j'ai aussi du violet pour ajouter un peu de variété. Lorsque nous peignons les vagues, nous devons garder à l'esprit que nous utilisons le blanc du papier pour conserver les reflets et obtenir cette mousse de mer sur la crête de la vague, le sommet de la vague où elle s'écrase Il faut donc un peu de précision le maintien de ces blancs. Mais comme nous avons configuré le dessin, nous pouvons voir où se trouve le sommet des vagues, et il suffit de peindre jusqu'à l'endroit où se trouvent les lignes. Je pense qu'il s'agit trouvent les lignes. Je pense formes plus grandes que de petits détails. Je regarde donc la zone que je veux peindre et je la remplis essentiellement. Mais entre cette forme, je laisse passer quelques trous blancs sur le papier dans le sens de la courbe de la vague. Donc, si vous imaginez qu'une vague se courbe avec l'eau, je laisse quelques lignes blanches du papier y rester. Ce n'est donc pas une forme solide. C'est une sorte de forme découpée, mais dans mon esprit, je pense que c'est une forme plus grande. Bien entendu, nous pourrons y revenir plus tard à la fin avec du badigeon pour l'affiner davantage Il n'a donc pas besoin d'être complètement affiné. Il suffit de le généraliser pour le moment. Et je vous encourage à regarder ma dernière peinture comme référence, car je peux comprendre à quel point ces petits détails et formes abstraits peuvent être un peu bouleversants. J'ajoute un peu de variété de ton. Vous n'avez pas à vous inquiéter trop à ce sujet, réfléchissez à la forme pour commencer, puis vous pourrez revenir avec une deuxième couche pour corriger le ton plus tard si nécessaire. À l'aide du bout de mon pinceau, vous pouvez voir comment je fais pivoter mon pinceau de nombreux angles différents pour essayer de placer le bout à différents endroits. fait, j' essaie en quelque sorte de donner le ton, d'établir et de déterminer où se trouve le flux d'eau là où une vague se brise avant de se connecter à l'autre en déclenchant la lumière. C'est en fait très abstrait. La plupart des marques sont abstraites, et ce ne sont que quelques éléments qui les unissent. Cela ressemble un peu à un gâchis au départ. Mais une fois que nous avons précisé où se trouve la crête des vagues, ajouté quelques lignes horizontales pour la maintenir en place afin d'ancrer les vagues, cela commence à prendre un peu plus de sens. Mais je fais en sorte que les couleurs soient assez diluées. Bien sûr, des bleus doux, peut-être un soupçon de violet. Ensuite, en nous dirigeant vers la droite, nous y ajouterons un peu plus de couleur chaude pêche T, 11. Tons d'eau: Je veux que les teintes restent froides mais pas inanimées. Il y a encore un peu de chaleur dans l'eau grâce au soleil. Mais nous n'avons pas encore besoin d' y penser. Cela arrivera un peu plus tard. Pour le moment, nous pouvons simplement penser au blues, et j'ai intégré le bleu serlean, le bleu cobot et le bleu ultra marine Alors que nous arrivons au premier plan, je renforce le ton, je le rends un peu plus sombre Et c'est essentiellement du bleu ultra marin, mais il y a quand même une touche de serléon là-dedans Et je pense à la structure des vagues. Et une fois la vague brisée, il y a beaucoup de mousse dans l'eau, et je peins cette mousse en utilisant un espace négatif. Je peins entre les mousses en laissant le blanc du papier entre les deux Je pourrais et je reviendrai probablement avec de la gouache blanche à la fin pour améliorer encore les lignes Mais pour le moment, je ne fais que peindre petites taches d' eau qui remplissent de petites zones, sans les relier entre elles. Ensuite, nous pouvons adoucir le bord de l'eau vers la gauche. Nous pouvons commencer à intégrer un peu de vert pour le rendre joli et turquoise. Le vert varidien est une jolie couleur pour cela. Le mélange de ce viridien avec outremer ou du bleu seran donne une belle couleur turquoise donne une Comme la couleur d'une mer tropicale. Bien sûr, il ne s'agit pas nécessairement d'une scène tropicale, mais j'essaie toujours de créer des couleurs vives ou d'en tirer parti lorsque je le peux. Et cette couleur turquoise est l'une de mes teintes préférées, donc je vais certainement essayer de intégrer dans cette scène. Et j'utilise un peu d' eau au fond juste pour créer un léger dégradé. Je ne veux pas qu'il y ait un bord dur dans le coin gauche. Nous y reviendrons plus tard pour le connecter. Maintenant, j'ajoute un peu de violet de l'autre côté. 12. Premier plan expressif: Et maintenant, vous pouvez voir où se trouve le soleil que ces points forts soient alignés avec le soleil. Il peut s'agir de lignes horizontales, mais verticalement, elles se connectent au soleil. Il y a donc un petit écart entre les endroits où se trouve le soleil, et vous pouvez voir les lignes blanches que nous avons peintes en laissant simplement le blanc du papier. Mais maintenant, nous avons entamé le grand bain de mer, nous sommes en train de relier tout cela et d'y intégrer de nombreuses couleurs différentes Nous pouvons être très abstraits ici, mais nous voulons tout de même obtenir des transitions fluides et douces Nous avons trié tous les détails et les reflets sur la gauche, et nous expérimentons maintenant avec gamme de couleurs tout en restant abstraits dans nos choix de couleurs et dans l'uniformité des tons Mais nous voulons essayer de maintenir une transition fluide entre chaque couleur. Donc, je profite vraiment de la technique humide et humide ici. C'est là que vous pouvez être très, très audacieux. Nous avons fait le lavage jusqu'à l'endroit où les rochers commencent sur la droite, vous pouvez le voir. Maintenant, dans cette zone, c'est juste un terrain de jeu de couleurs. ajouté un peu de Sienne brûlée pour ajouter la chaleur dont je parlais, car nous ne pouvons pas simplement utiliser des couleurs froides et pures Nous devons également utiliser des couleurs complémentaires. marques de pinceau abstraites, mais comme il est mouillé et mouillé, il reste doux. Il n'y a pas de bords durs ici. Parce que nous reviendrons sur ce point un peu plus tard avec un pinceau plus raffiné. Nous peignons des pierres. Nous ajouterons quelques points saillants à l'écume de mer afin de lui donner un contexte et de donner une perspective à tout cela. Mais nous devons créer cette intéressante sensation de couleur organique en dessous. Là où l'aquarelle brille vraiment c'est dans sa magie. Nous ne le peignons pas. Nous permettons à l' aquarelle de faire son œuvre en l'influençant avec des touches de Une fois que nous nous serons amusés à expérimenter avec couleurs et les marques de pinceau abstraites, nous pourrons commencer à affiner un peu plus les bords Donc, là où ce lavis rencontre les pierres, nous devons adoucir certains bords. C'est parce que nous ne voulons pas que le bord dur soit accroché au hasard sur les rochers. Nous devons réfléchir à l'endroit où nous voulons que ce lavage s'arrête, peut-être en parler pour le relier au ciel, afin que la transition se fasse en douceur. Puis, au fur et à mesure qu'il commence à sécher, il est encore très humide, mais nous pouvons commencer à ajouter des coups de pinceau qui fondent dedans, tout en gardant leur forme. Avant, lorsque nous étions gentils et abstraits, le papier était tellement mouillé que si vous appliquiez un coup de pinceau, il disparaissait pratiquement. Mais maintenant, il a eu un peu de temps pour sécher et être absorbé par le papier. Nous utilisons également un coup de pinceau moins dilué. Nous utilisons un pigment plus épais. Ces marques de pinceau garderont donc maintenant un peu plus leur forme, tout en leur conservant une belle douceur Je pense à l'endroit où se trouvent les rochers et j'ajoute ces marques de pinceau foncées où vous pourriez voir les rochers sous l'eau, mais ils seraient un peu déformés, diffusés par l'eau Maintenant, ces lignes horizontales qui encore une fois, vont se fondre doucement, elles vont avoir un joli bord doux. Ce seront des répercussions implicites. Quelques pointes où les vagues se déferlent au sommet. C'est une couleur très chaude, un violet chaud. 13. Peaufiner les vagues: Nous pouvons commencer à retourner dans les vagues pour les affiner un peu plus afin de leur donner un sens. Donc, mélangez un beau bleu turquoise et suivez simplement cette courbure de la vague en pensant à la forme de la vague dans son ensemble , puis aux lignes que nous pouvons laisser pour montrer les couches sous-jacentes afin de lui donner une structure. Pour en revenir à mon pinceau fin, bien sûr. Nous avons dû utiliser le gros pinceau pour créer toutes les couleurs abstraites que nous venons de créer sur le côté droit, et maintenant nous utilisons le pinceau fin pour les contraster. Donc, sur la gauche, nous avons beaucoup de détails. Même s'il s'agit d'un détail assez abstrait, nous avons beaucoup de bords rigides. Beaucoup de formes et de bords durs. Mais sur la droite, nous avons une abstraction souple, des bords souples. C'est donc l'équilibre entre les deux qui rend une peinture très dynamique. Quels que soient les éléments que nous peignons ou les éléments que nous avons à l'intérieur d'un tableau, nous les utilisons pour leur avantage compositionnel Nous ne peignons pas quelque chose juste pour le plaisir. Nous essayons de le faire de manière la composition et le design de la peinture, et ces vagues ne font pas exception. Les vagues donnent du rythme et du mouvement à ce tableau. Sinon, c'est assez stagnant. Leur répétition, leur fluidité et leur direction amènent naturellement le regard du spectateur à travers la scène. Et vous pouvez voir la direction générale. Si vous suivez les vagues, elles mènent vers ce phare. Nous utilisons donc des coups de pinceau horizontaux incurvés pour créer le mouvement fluide qui transporte le regard du premier plan au milieu du Et nous faisons varier les hauteurs et les directions de manière subtile et l'espacement empêche qu'il ne soit trop rigide. Cela ajoute une touche plus naturelle à la pièce. Et la mousse blanche et les reflets brillants contrastent très nettement avec l'eau sombre qui se trouve en dessous, surtout ici. Donne une véritable sensation d'humidité de la lumière et de réflexion. Cela les fait presque briller. Et vous pouvez améliorer cela avec le contraste des couleurs. Vous avez des bleus et des violets froids dans l'eau ombragée, puis nous avons déjà quelques bords de l'eau éclairés par le soleil ou des reflets du ciel Bien que les vagues ne soient pas réellement le point central, elles soutiennent la composition en la guidant vers l'avant et vers Elles ressemblent à des flèches de composition qui pointent subtilement le spectateur vers Et la couleur principale de l'eau est le bleu cerlan. Et je suppose que le bleu cerlan est la couleur primaire principale de cette peinture parce que le ciel est bleu cerlan, et l'eau fait écho à cette teinte similaire, ce qui crée une unité dans l'ensemble du tableau, et nous en ajouterons également un peu dans les rochers J'ajoute simplement quelques lignes horizontales, pas des lignes horizontales droites parfaites, mais quelques lignes horizontales juste pour donner une impression un peu plus ancrée car nous ne pouvons pas tous l' avoir abstrait et ondulé. Nous voulons des ondulations douces. Et j'utilise une couleur plus chaude mais légèrement atténuée. Nous avons un beau bleu vif, qui est un bleu froid. Et ce rouge, eh bien, cette couleur marron brunâtre brûlée ajoute un peu de chaleur, mais aussi un peu de noirceur, un peu de contraste 14. Le rocher principal: Nous allons maintenant commencer à peindre le rocher principal, le rocher sur lequel se trouve réellement le phare. C'est une grande forme audacieuse, constitue littéralement le fondement du point vocal, le phare. C'est donc une masse sombre et solide, très contrastée. En fait, c'est la peinture qui contraste le plus, et elle contraste de différentes manières parce que nous utilisons du pigment foncé, et elle aura beaucoup de bords angulaires nets, ce qui contraste avec la douceur du ciel Il possède également une texture distincte, ancre cette zone et en fait le point focal évident, le centre d'intérêt C'est pourquoi les vagues n'ont pas besoin d'être aussi parfaites car elles n'en sont pas le principal point focal, bien sûr, intéressant à regarder. Ce n' est pas là que l'œil va naturellement être dirigé. C'est pourquoi nous voulons augmenter ce contraste petit à petit. Nous n'avons pas besoin de commencer par un pigment solide, nous devons simplement, pour le moment, remplir les zones que nous savons vouloir peindre. J'utilise actuellement une peinture un peu plus diluée, un peu de violet, suivant cette ligne de roche vers le haut et ne peignant pas directement vers le bas pour le moment. Laissant un petit espace blanc où les vagues s' écraseront sur les rochers Il suffit de masquer un joli contour irrégulier ou accidenté. Et puis, maintenant que tout est mouillé, nous pouvons commencer à tremper dans des pigments plus épais et plus foncés et à obtenir le ton que nous voulons Et la palette de couleurs à laquelle je pense devrait être en harmonie avec le reste. Nous ne voulons pas utiliser soudainement une orange parce que nous n' en avons pas vraiment , par exemple. J'utilise donc le bleu et le violet. Et je vais mélanger mon propre pigment foncé avec du brun, sienne brûlée et un peu de bleu Cela le rend automatiquement plus foncé que du noir, et je le tape simplement sur le bord supérieur. Et comme il s'agit d'une technique mouillée sur mouillée, elle s'étendra toute seule. Je n'ai pas besoin de trop l' influencer. Ensuite, nous pouvons simplement utiliser le bout de notre pinceau pour déplacer le pigment là où nous le voulons. C'est un peu trop bleu maintenant, alors je devrais peut-être ajouter un peu plus de violet. Je ne veux pas que ce soit exactement de la même couleur que la mer. Mais je veux qu'il reste unifié, donc je veux toujours que ce soit une couleur cool. Même le brun que j'utilise ici, je vais le relier au violet pour le relier au reste de la palette de couleurs. L'avantage de peindre à contre-jour , c'est qu'il ne s'agit principalement que d'une silhouette. Le soleil est derrière l'objet, nous ne voyons donc que la silhouette, juste sa forme principale. Si nous sommes derrière le soleil et le soleil fait face au sujet que nous essayons de peindre, nous devrons peindre toutes sortes de textures difficiles et textures difficiles et de formations rocheuses. Les meilleurs sujets pour l'aquarelle sont donc rétroéclairés lorsque la lumière se trouve derrière le sujet et que nous devons simplement nous concentrer sur les silhouettes Tout ce qui nous aide à tirer parti de jolis lavages, dégradés et pigments mélangés et fusionnés 15. Détails du point focal: Au bout d'un moment, vous commencerez à avoir une idée de la façon dont vous pouvez manipuler le pigment , du moment où il commence à sécher et du type de mallébilité de Si le papier devient trop sec, vous ne pourrez plus créer de jolis dégradés doux Vous devriez donc vous concentrer uniquement sur les petits détails plutôt que sur de gros coups de pinceau larges Comme le papier est sec, vous pouvez voir comment je passe à dégradés plus petits, comme même les petites cabanes sur les rochers Maintenant, utilisez un peu de blanc pour le faire ressortir un peu plus. Je pense que je veux faire ressortir le phare un peu plus, ajouter un peu plus de blanc, là où le soleil est sur la gauche. Vous remarquerez comment le soleil dicte l'éclairage de la scène Ainsi, chaque objet de gauche sera plus clair que celui de droite. Et sur le rocher principal nous ajouterons quelques points forts plus tard. Ces petits éléments ne sont plus censés être quelque chose de particulier. Bien sûr, ce sont de petits bâtiments ou des cabanes, mais ils ne sont pas censés être évidents Ils ne sont pas censés attirer l'attention. simple fait d'ajouter quelques détails supplémentaires dans cette zone aidera à nouveau le point vocal à créer ce centre d'intérêt. Je pense donc que cette zone est pratiquement terminée maintenant et nous pouvons commencer à penser à peindre certains des rochers qui aideront à ancrer la pièce et à mettre de l' ordre dans le chaos de l'eau, car il y a beaucoup de mouvement dans l'eau, et ces rochers vont évidemment la stationner. Et je vais ajouter cette belle chaleur de Sienne, cette lueur orange juste là où se trouve le soleil car la chaleur du soleil va se refléter sur les pierres mouillées Et nous allons créer cette transition. Et cette couleur de Sienne brûlée à l'orange ou Sienne se marie tellement bien avec le bleu parce que ce sont des couleurs complémentaires J'utilise ce violet pour changer de ton au fur et à mesure que nous avançons vers la droite. Ces roches contribuent au sens de la perspective, à la profondeur spatiale. Celles du premier plan seront légèrement plus détaillées ou auront des bords plus durs, tandis que celles qui passent à l'arrière-plan seront désormais un peu plus douces et plus claires ou un peu plus Comme toujours, nous commençons par simplement remplir la forme, gros avec la même valeur tonale Mais une fois que tout est mouillé, nous pouvons commencer à utiliser la lumière et l'ombre pour transformer ces formes plates en formes solides. Et pour ce faire, nous pensons à la direction de la lumière : les flancs des rochers orientés vers le soleil seront chauffés de brun clair tandis que les côtés ombragés seront un peu plus froids et plus foncés Des transitions douces ou des ombres nettes peuvent suggérer différents types de surfaces rocheuses. Et même ces formes rocheuses inclinées ou ces fissures peuvent également servir de guide subtil pour de guide subtil pour pointer vers le phare La base des falaises permet de déplacer naturellement les yeux du spectateur vers le haut. Et ils s' alignent également sur les vagues. Il y a un flux naturel. 16. Roches du sol intermédiaire: Comme pour la plupart des aspects de l'aquarelle, il est préférable de limiter le nombre de couches que nous utilisons pour capter l'énergie et la sensation de l'aquarelle Il est préférable d'essayer de le faire en une seule fois Je comprends que ce n'est pas toujours possible. Mais une fois que nous avons déterminé la forme principale, nous voulons lui injecter de l'énergie et la peindre rapidement pour éviter de les surtravailler et de les aplatir Souvent, ce qui semble désordonné de près se lit très bien à distance Et c'est l'une des choses les plus précieuses que nous puissions apprendre en tant que peintres, en particulier lorsque nous travaillons avec un médium souple et expressif comme l'aquarelle De près, un coup de pinceau peut sembler incontrôlé, irrégulier ou même Et vous pourriez voir une floraison qui n'était pas prévue ou des textures qui n'étaient pas prévues, une ligne trop bancale ou une texture qui semble irrésolue ou un Mais il est facile de se laisser emporter par ces détails et de presque tuer l'ambiance en essayant de tous les corriger. Et il est facile d'avoir l' impression que la peinture échoue d'une manière ou d'une autre, et nous essayons de contrôler ce chaos, et ce faisant, nous ruinons une grande partie de son énergie, de son authenticité, comme si elle était trop grossière, trop aléatoire ou qu'elle ne correspondait pas à vos attentes. Mais c'est là toute la magie de peinture lorsque nous prenons recul ou lorsque nous arrivons à la fin du processus et que les peintures sont réellement réalisées, et que nous avons foi dans le médium. Lorsque nous voyons notre travail à cette distance, nous voyons toutes ces marques lâches prendre un sens, les bords souples qui semblaient vagues devenir une atmosphère et les lignes irrégulières qui se les bords souples qui semblaient vagues devenir une atmosphère sentaient l' apparence maladroite ressemble soudainement à des textures rocheuses réalistes et le délavage irrégulier qui vous inquiétait pourrait en fait être la partie la plus intéressante de la peinture pleine de lumière et d'énergie. Pour moi, du moins, certaines des peintures les plus fascinantes ne sont pas vraiment des œuvres d'art très détaillées, parfaites et rapprochées, même si elles sont très impressionnantes. Ce sont ceux qui sont pleins de caractères gras, lignes brisées, de décisions prises avec assurance dans une perspective d'ensemble. Et c'est ce qui crée un impact visuel et une profondeur émotionnelle. Notre objectif n'est donc pas de créer une photographie ou une reproduction pure et simple. Il s'agit d'évoquer un sentiment, un sentiment du lieu, une idée des émotions que vous éprouvez à propos du sujet L'instant éphémère. Même si vous étudiez ma peinture, je suis sûre que vous éprouvez des émotions à son sujet, et je suis sûr que vous avez des opinions différentes ou des orientations différentes que vous pourriez vouloir prendre. Et pour que ce soit un succès, cela ne se fait pas à la perfection. Est atteint par la suggestion, suggérant des choses plutôt que de transmettre ou de les commander directement Ici, j' essaie de suggérer que vagues éclaboussent les rochers ou traversent les rochers , créer cette mousse en utilisant un peu l'effet d'un pinceau sec, qui est un pinceau sec, bien sûr, n'est pas un détail direct C'est une suggestion de texture. C'est particulièrement vrai lorsque vous peignez des éléments tels que des rochers, des vagues ou des nuages où la texture et l'énergie importent bien plus que la précision. Ainsi, lorsque vous êtes au beau milieu du processus, face chaos de la scène entre la peinture et le médium, chaque marque ressemble à un moment décisif, mais lorsque vous prenez du recul et que vous voyez comment les deux choses fonctionnent ensemble, l'œil arrête de lire chaque coup de pinceau individuellement et interprète l'image dans son ensemble 17. Faire confiance au médium: Je peins dans le reste de cette zone rocheuse sur la droite, et j'essaie de faire correspondre les mêmes tons que ci-dessus, laissant juste un petit éclat, une petite ligne de pigment du papier en dessous pour créer un peu de relief sans avoir à utiliser le badigeon. Nous pouvons simplement faire attention et conserver une partie du blanc du papier, puis simplement utiliser quelques ondulations horizontales pour moudre la pièce Comme je l'ai déjà dit, la plupart des lignes sont horizontales. Seuls le phare et les lignes directrices ou les lignes implicites orientant les yeux vers le phare ne sont pas horizontaux. Je retouche les parties où je prends du recul pour regarder ma peinture, mais je le fais aussi, et je vous encourage à faire une pause car il est très important prendre du recul et votre peinture à distance pendant le processus. Vous pouvez même l' accrocher au mur, le regarder de l'autre côté de la pièce, plisser les yeux, le regarder également à travers le miroir, pour voir à quoi il ressemble, voir s'il y a des incohérences, et vous serez souvent surpris que les parties dont vous êtes le plus incertain soient souvent les plus Et les erreurs que vous vouliez corriger sont exactement ce qui donne vie à la peinture. Parce que lorsque vous les peignez, ils peuvent être inconfortables. Mais au bout de quelques jours, si vous vous déconnectez et que vous y revenez, cela peut sembler très intéressant, car vous vous dissociez du moment présent et vous le voyez sous un nouveau jour Vous êtes alors conscient de ces choses et vous n'avez pas vraiment besoin de prendre des jours de congé avant de regarder à nouveau votre tableau. Vous avez simplement davantage confiance dans le médium. Alors, la prochaine fois que vous aurez envie de corriger ou d' adoucir quelque chose, respirez, prenez du recul et demandez-vous c' est vraiment une erreur ou si c'est simplement la beauté désordonnée de l' aquarelle qui fait Et n'oubliez pas que ce qui semble désordonné de près peut parfois être ce qui rend la peinture belle et expressive vue de loin Maintenant, j'expérimente avec un peu de contraste. Nous avons cette sous-couche légère et expressive. Maintenant, j'ajoute quelques points plus foncés pour les roches qui traversent l'eau, car tout reflète le fait que l'eau et les roches qui surgissent ajoutent à ce contraste. C'est un langage visuel agréable et saisissant dont nous pouvons tirer le meilleur parti Et si vous regardez le phare, vous pouvez voir où fonctionnent les lignes directrices. Si vous suivez le rocher déchiqueté depuis le phare, en bas vers la gauche, c'est une sorte de zigzag Il descend le long du rocher, redescend jusqu'à l'autre rocher, puis redescend jusqu' au rocher suivant. Ensuite, il suit les ondulations de l'eau qui zigzaguent jusqu'à l'endroit où je Il y a beaucoup de facteurs de composition en forme de S en zigzag facteurs de composition En utilisant la même couleur violette, mais en ajoutant du brun à la roche du premier plan Mais en faisant le lien, j'ajoute ces petites marques blanches sur le papier ou au moins je préserve quelques petites traces blanches du papier entre les rochers. Mais ensuite, connectez-le en quelques clics. Donc, un peu de violet passe au brun et un peu de brun au violet. Et puis ces quelques petits reflets impliquent la forme. 18. Motifs: Je vais commencer à peindre quelques ondulations dans l'eau, et je réfléchis aux motifs, au rythme et à la façon dont ces éléments de composition constituent une manière subtile de raconter une histoire visuelle Ils sont facilement oubliés car il y a tellement de choses auxquelles penser lorsque l' on commence à peindre. Mais en fait, une fois que vous avez appris l'aspect technique de la peinture, lorsqu'il s'agit de construire vos propres pièces originales , vous devez penser exactement à la structure, au flux et à l' harmonie visuelle d'une peinture. Je viens donc de mentionner qu'il existe une sorte de structure en forme de z dans les roches et dans l'eau, et c'est un outil très courant dans la composition. Connue sous le nom de courbe en S, il s'agit d'une ligne ou d'une forme fluide qui se déplace dans toute la composition en forme de S, et qui guide le regard du spectateur sur la scène. Et il est utilisé dans de nombreuses choses différentes dans les paysages, les scènes de mer. Cela peut suggérer un chemin, une rivière, un rivage, et cela ajoute un rythme et un mouvement naturels La disposition de la mousse et de la peinture, les ondulations, les pierres Il s'agit d'une sorte de voyage dynamique pour le spectateur, ralentit le regard et encourage une progression calme dans le tableau plutôt qu'un mouvement directionnel brusque. Cela ajoute une sensation de confort d' une certaine manière parce que c'est juste rassurant Nous avons davantage confiance en la scène parce qu' elle suit le cours d' un véritable littoral, dans cet exemple, ou comme le font les modèles de la vie réelle, la façon dont les vagues se forment. triangles et les pyramides sont d'autres formes et motifs que vous pouvez utiliser pour structurer votre composition. Et techniquement, le phare est une composition triangulaire. Il donne une impression de structure et de solidité, et il relie le ciel au premier plan 19. Ajouter les oiseaux: Ici, je peins des oiseaux différentes tailles et de différents angles. Mais l'idée est d' ajouter une sensation de profondeur. En faisant peindre ces oiseaux à différentes tailles, nous savons à peu près quelle est la taille d'un oiseau. Ainsi, dans notre esprit, cela ajoute une illusion de profondeur et renforce également repères visuels qui nous incitent à regarder vers le phare Je place subtilement ces oiseaux de manière à ce qu' ils soient orientés vers le phare, pas nécessairement , en fait , mais simplement qu'ils soient disposés de manière à attirer naturellement le regard vers le phare Pas complètement uniforme. Je ne veux pas juste quelques points d'oiseaux juste en face, mais si vous fixez une ligne à partir du flux général des oiseaux, elle se dirigera vers le phare qui s' En fait, de nombreuses formes de lettres récurrentes sont utilisées dans la composition Nous venons de parler de la courbe en S, mais il y a aussi la forme en L. Vous pouvez voir qu'il est utilisé ici subtilement. Vous ne pouvez pas nécessairement voir un Al direct, mais la masse continentale qui s'étend à partir de l'endroit où se trouve le phare fournit un point d'ancrage visuel qui contraste entre l'ouverture du côté gauche du côté droit, plus structuré Et encore une fois, cela donne une sensation de stabilité et de poids. Il définit le point focal et lui donne un contexte. Nous utilisons également la forme en V dans ce tableau. Vous pouvez voir les rayons de lumière dans le ciel et même les oiseaux ont une sorte de forme en V et ils convergent vers le phare 20. Quelques accents: Il reste encore quelques choses à faire pour faire passer cette peinture au niveau supérieur. Tout d'abord, je vais prendre le guash blanc et affiner certaines vagues et certains reflets, car il est un peu difficile de peindre tous les détails de l'eau simplement en utilisant un pinceau pour peindre négativement et en laissant le blanc du papier Nous devons donc utiliser ce badigeon pour ajouter un peu de texture et de raffinement, ce qui est presque impossible à faire avec de la peinture en négatif J'ajoute également quelques lignes directrices sur les rochers qui pointaient vers le phare, mais elles ajoutent également au réalisme. Je ne le fais pas juste pour attirer l'attention vers le phare. Cela rend les choses un peu plus excitantes en ajoutant ces petits reflets subtils , les reflets. J'imagine que ces rochers sont mouillés par les vagues déferlantes et que le soleil au loin ne fait que capter les reflets Et pour le moment, juste du blanc pur. Mais peut-être qu'au moins en ce qui concerne le conseil, je vais y retourner et peindre une belle lueur orange juste pour faire ressortir le contraste. Avec le bout de mon pinceau, tracez quelques lignes nettes dans le flux et le rythme des vagues. Nous avons été expressifs avec l'autre partie. Nous laissons l' aquarelle faire son travail, et maintenant nous utilisons simplement quelques marques de pinceau contrôlées pour lui donner le contexte nécessaire Quelques touches de peinture blanche donnent l' illusion d'une forme complète. Parce que souvenez-vous, c'était juste une masse bloquée, en fait. En ajoutant ces quelques petites marques blanches sèches au pinceau, le pigment est très épais sur mon pinceau. En fait, avec cette peinture blanche , elle ne trace pas de ligne continue lorsqu' elle glisse sur le papier , elle crée un peu de texture Et cela implique bien sûr la texture rugueuse et irrégulière des roches Juste quelques textures ambiguës. Et c'est très ambigu sur la droite parce que je ne sais même pas moi-même où se trouvent le rocher, où se trouve le ciel ou où se trouve l'eau. Je dois souligner qu'il s'agit de lignes très fines. Je ne suis pas très audacieux avec ces marques de pinceau. Je ne veux pas en faire trop. J'essaie juste d'y ajouter un peu de clarté. Il y a une belle gamme de vagues qui s'y déversent. Nous en avons quelques-uns qui sont sur le point de se casser. Ils sont donc en train de percer les rochers au milieu. Maintenant, je mélange cette sienne brûlée avec du blanc et je l'applique simplement sur le bout pour suggérer la chaleur éclatante du soleil Et le ton est assez similaire à celui du ciel derrière, mais il y a peut-être un peu plus de chaleur là-dedans. Et juste sur le côté gauche de chacun des rochers, là où il refléterait le soleil, j'applique cette touche chaleureuse. 21. Touches finales: Une autre façon de donner un peu plus de profondeur à votre peinture est de la considérer comme trois plans spatiaux distincts. Bien entendu, nous pouvons relier ces différents domaines. donne plus de profondeur et de dimension, mais cela aide le spectateur à comprendre la relation spatiale au sein l'image et à la rendre plus immersive. Nous avons le premier plan, que nous sommes en train de peindre, les vagues les plus proches, la mousse, les textures au bas de l'image, puis nous avons le plan intermédiaire où il y a autres pierres et le phare est vraiment l' endroit où se trouve le juste milieu Ensuite, au loin, en arrière-plan, nous avons le vaste ciel et nous les avons tous connectés à l'aide de lignes directionnelles et d'outils de composition tels que les Nous allons maintenant commencer ce que j'attendais avec impatience, à créer les ondulations et l' écume de mer pour créer encore plus Et en gros, je pense à des formes de losanges tourbillonnants ou à des formes en zigzag. Selon la façon dont vous y voyez les choses, je peins les ondulations de manière négative, mais en utilisant losanges tourbillonnants ou à des formes en zigzag Selon la façon dont vous y voyez les choses, du mais Je commence par peindre une seule ligne sinueuse, puis je m'en éloigne un peu en biais, en les gardant assez diagonales, pas droites ici Je commence par une ligne fine, puis je continue avec un pigment plus épais. Il suffit de se faire une idée approximative des formes, puis nous pouvons revenir en arrière et les remplir un peu, car nous ne voulons pas que le pigment soit trop humide parce qu' il sèche trop légèrement ou pas assez léger, en fait. Et je relie ces lignes blanches au blanc du papier que nous avons conservé avant le reflet du soleil. Et je modifie également la largeur et l'épaisseur de ces lignes. Vous pouvez voir où ils se courbent vers le haut, ils sont assez fins et là où ils se courbent vers le bas, ils sont assez épais. En créant simplement une variété de formes et de lignes qui se croisent, vous pouvez les considérer comme des diamants ou comme des X ou des Z incorporant des Z. Vous pouvez en voir plusieurs, des Z ou des X incurvés . Si, lorsque cette peinture blanche sèche trop légèrement ou qu'elle n'est pas assez solide, elle devient trop translucide, vous pouvez y revenir à nouveau Mais ce qui est bien, c'est que peu importe si c'est trop translucide. C'est bien d'avoir un peu de variété de toute façon. C'est très abstrait. Il ne s' agit pas beaucoup du côté droit du cerveau. Vous n'avez pas à y réfléchir de manière critique sinon ce n'est pas mathématique. C'est plutôt une question de ressenti. Tu regardes, tu te sens bien ? Spatialement, est-ce équilibré ? Où dois-je appliquer un trait épais et où dois-je appliquer un trait fin ? Et s'il y a deux fines lignes ici, peut-être qu'une ligne épaisse en dessous équilibrera le tout. Ou si j'ajoute des tas de lignes fines sur le côté droit , peut-être que seules quelques lignes épaisses de l'autre côté suffiront à équilibrer le tout. Vous pouvez donc avoir un équilibre asymétrique. Si j'aime bien cette partie, en ajoutant le guash blanc à la fin, c'est parce que cela comble le fossé entre le blanc du papier que nous avons conservé et les bits blancs que nous ajoutons maintenant Il est impossible de vraiment faire la différence à ce stade. Il fait le lien entre les deux. Cela harmonise le tout sur le plan sonore. Ce faisant, je prends du recul pour regarder le tableau dans son ensemble, voir s'il y a quelque chose qui ressort. Heureusement, la fin n'est pas encore très proche. Le point vocal est clair, les valeurs sont suffisamment fortes, le contraste semble équilibré, même que la couleur et la lumière. Y a-t-il quelque chose qui se dispute pour attirer l'attention et qui ne devrait pas simplement ajouter quelques petits accents ? Mais je ne veux pas trop travailler. Même si le tableau est terminé, il est facile de penser qu' il est surchargé de Nous avons juste besoin de nous déconnecter maintenant, et j'espère que c'est tout. 22. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce cours d'aquarelle sur le phare au bord de la mer J'espère que vous avez trouvé ce cours agréable, relaxant et plus facile que prévu. aquarelle est le support idéal pour peindre des paysages marins car elle permet un mélange naturel, transitions douces et une véritable sensation Nous explorons des techniques telles que la pose pour obtenir de la profondeur, mélange humide sur humide pour le ciel et de simples coups de pinceau pour créer des vagues et des reflets N'oubliez pas que la beauté de l' aquarelle réside dans sa fluidité. Laissez la peinture travailler pour vous plutôt que d'essayer de contrôler chaque détail. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. 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Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'ai hâte de voir vos peintures, et j'attends avec impatience notre prochain cours ensemble d'ici là Bonne peinture.