Aquarelle d'été

1. Introduction des fruits d'été à l'aquarelle: venez de commencer votre voyage à l'aquarelle et vous recherchez un projet artistique amusant et non accablant qui peut vous aider à développer des compétences et des connaissances essentielles sur les techniques de base. Ou peut-être que vous faites votre voyage à l'aquarelle depuis un moment et que vous êtes un peu plus avancé. Vous recherchez des projets qui vous aideront à perfectionner vos compétences, mieux maîtriser votre médium et peut-être de nouvelles idées d' illustrations plus rapides que vous pouvez ajouter sur nouvelles idées d' illustrations plus rapides que vous des cartes de vœux ou des signets à donner cette saison estivale si vous appartenez à l'une de ces catégories, ce cours est fait pour vous. m'appelle Erica et je travaille avec des artistes médiatiques traditionnels et un professeur d'art en ligne. Je travaille avec une variété de médiums de dessin et de peinture allant du graphite au stylo et à l'encre, aquarelle, l'aquarelle, le crayon, l'acrylique et plus encore. J'ai adoré dessiner et peindre une grande variété de sujets, allant des natures mortes aux animaux, les paysages et plus encore. J'ai toujours été intéressée à me lancer des défis de différentes manières et à améliorer mes compétences dans de nombreux domaines différents. Et je n'aime pas être mis dans une boîte. C'est donc ce que je partage en ligne. Mes journées tournent autour de la création artistique et de la vente locale, ainsi que de la création constante contenu utile destiné aux artistes débutants et artistes intermédiaires qui cherchent vraiment à faire progresser leur compétences à un niveau plus profond. Et je partage ce contenu sur mon site web, mes différents réseaux sociaux. Aussi, bien sûr, mon adhésion. J'ai plus de 15 ans d'expérience dans les domaines créatifs et artistiques. Après avoir obtenu mon baccalauréat en design graphique, j'ai travaillé dans une agence de publicité en tant que graphiste et directrice artistique. Ensuite, je suis devenue professeur d'art en chef dans un environnement scolaire. J'y ai travaillé pendant sept ans. Au cours des dernières années où j'ai travaillé à plein temps, j'ai créé ma propre entreprise artistique. En parallèle, j'ai commencé à créer du contenu pour l'espace en ligne et à développer ma propre entreprise. Et c'est ce que je fais à plein temps de nos jours dans ce cours, je vais vous expliquer mon processus en cinq étapes pour développer une illustration vibrante, colorée et lumineuse de fruits qui ont une dimension . Ce cours est inspiré de l'été, nous allons donc peindre un fruit d'été. Nous allons peindre une tranche de pastèque, une pomme verte, une clémentine, une paire de cerises et une tranche de pêche. J'ai organisé les cours de ce cours de manière à ce que nous puissions commencer par travailler sur l'illustration la plus simple et la plus simple et nous puissions progresser progressivement vers l'illustration la plus difficile. Je vous recommande de suivre les cours dans cet ordre, je vais tout décomposer pour vous en étapes simples. Et ce qui est cool avec ce modèle qui rend si génial pour les débutants, c'est que nous pouvons pratiquer des techniques centrales telles que la superposition mouillé sur mouillé, mouillé sur sec et plus encore. Et ce n'est pas tout, mais nous allons utiliser exactement le même processus en cinq étapes pour chacune de ces illustrations, ce qui vous permettra de vous entraîner à suivre les les mêmes étapes encore et encore, ce qui vous aidera à maîtriser ce processus en cinq étapes et à atteindre un point où vous pourrez facilement et rapidement peindre chacun de ces fruits en moins de dix minutes. Et avant de me lancer dans le processus de peinture proprement dit, je vous explique comment je crée mes points de contour préliminaires, à main levée au crayon. Vous pouvez vous attendre à recevoir de nombreux conseils et informations importantes sur un dessin qui vous aidera avec type d'œuvre future sur laquelle vous déciderez de travailler. Et je partage également avec vous comment je me suis préparé pour un plus grand succès et un flux plus facile pendant le processus de peinture en choisissant les couleurs spécifiques que je vais utiliser pour chaque illustration et préparer des mélanges de couleurs efficaces avant de se lancer. En tant qu'éducatrice artistique, je suis incroyablement passionnée par le fait d'être minutieux, d'être complètement transparent et partager tout ce que je sais. Et je suis toujours parsemé de connaissances sur les fondamentaux de l'art, ainsi que d'informations et conseils qui vous aideront à améliorer vos compétences en dessin. Parce que je crois vraiment que le dessin est la base de toutes sortes d'œuvres d'art. Et si vous savez dessiner, vous allez pouvoir peindre beaucoup plus facilement et avec beaucoup plus de succès. Ce que je veux pour chacun de mes étudiants, c'est de les amener à un endroit où ils puissent créer en toute confiance œuvres d'art originales à partir de zéro . C'est pourquoi il est important pour moi de partager chaque étape du processus et de partager réellement tout ce que vous devez savoir pour en arriver là. accord, avec tout cela dit, allons-y et passons directement à la classe numéro un, où je vais parler des fournitures que je recommanderais d'avoir sous la main afin que vous puissiez tirez le meilleur parti de ce cours. 2. Fournitures artistiques: Bonjour, mon ami et bienvenue dans la classe numéro un, dans laquelle je vais tout expliquer sur les fournitures et outils essentiels pour la peinture à l'aquarelle que je me suis assuré d' avoir sous la main pour ces fruits d'été illustrations. Allons-y et sautons directement. Pour mon papier aquarelle. Je vais utiliser une feuille de mon bloc-notes de Rosier. Il s'agit d'une épaisseur ou d'un poids de 140£ et il est pressé à froid. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai découpé cette feuille en sections plus petites. J'avais besoin de cinq petites sections pour mes cinq fruits différents. Et j'ai décidé de fabriquer chacune de ces petites feuilles de papier aquarelle de quatre pouces sur 4,5 pouces. C'est donc la taille dans laquelle vous allez me voir travailler aujourd'hui, quatre pouces sur 4,5 pouces. Tu n'es pas obligée d'utiliser exactement la même taille que celle que je vais utiliser. Vous pouvez certainement agrandir un peu vos draps. Mais je ne les réduirais certainement pas plus petits que ça. Si vous réduisez votre petite section, il est fort probable que vous ne puissiez pas très bien pratiquer vos différentes techniques. Et peut-être que vous aurez du mal à ajouter certains de ces détails. Ma peinture, je vais utiliser palette de Daniel Smith. Je vais diviser ce tutoriel en cinq sections, une pour chaque fruit. Et je vais vous dire quelles couleurs j'utilise pour chaque fruit avant de commencer avec chacune, je tiens à vous rappeler qu' il n'est pas nécessaire que vous utilisiez exactement les mêmes couleurs que celles que j'utiliserai. Vous pouvez utiliser tout ce que vous avez qui est le plus similaire et vos illustrations seront superbes. Je vais balayer tous mes différents mélanges de couleurs sur mon morceau de papier aquarelle avant de sauter dans voir à quoi ressemblent ces couleurs sur le papier. Et vous pouvez choisir la couleur que vous avez sous la main qui ressemble le plus à ce que je montre. Je vais utiliser les zones de mélange cette palette en plastique pour créer mes différents mélanges de couleurs pour mes pinceaux. Je vais juste en utiliser deux pour toutes ces illustrations. Les deux sont des pinceaux ronds. L'un d'eux est une taille dix et l'autre une taille trois. En plus de ces fournitures de base pour la peinture à l' aquarelle, j'ai également mon récipient contenant de l'eau propre. C'est à vous de décider si vous voulez utiliser 12 ou même trois contenants. J'ai ma serviette absorbante bleue Scott, que vous pouvez utiliser n'importe quel type de serviette absorbante ou même des essuie-tout ordinaires. J'ai toujours des bouts de papier aquarelle sous la main afin de tester les couleurs et la translucidité, j'ai également quelques fournitures de croquis sous la main et celles-ci sont que je puisse les créer Avant de commencer le processus de peinture, je recommanderais d'utiliser quelque chose comme E à H ou HB pour vos esquisses préliminaires au crayon ? J'aime bien utiliser un crayon HB pour mes esquisses préliminaires. Mais aujourd'hui, je vais utiliser un grade B parce que le graphite à la base est un peu plus mou que le HB. Et vous pouvez voir ce que je fais un peu mieux parce que les lignes sont un peu plus foncées. Mais j'aime bien m'assurer que mes esquisses préliminaires sont belles, légères et propres. Ainsi, à la fin, je ne vois pas mon travail au crayon à travers ma peinture translucide, mais aussi pour pouvoir effacer les erreurs lorsque je crée ces esquisses préliminaires et que crée ces esquisses préliminaires je peaufine mes dessins. Et aussi pour ne pas rayer ou endommager mon papier parce que je ne pourrai pas le réparer si j'ai endommagé mon papier lorsque je dessine, et c'est tout pour mes fournitures de peinture. Et pour terminer, je tiens également à vous rappeler qu' avec ce cours, vous aurez accès à quelques fichiers téléchargeables que vous pourrez trouver dans les projets et ressources, que vous pouvez trouver juste en dessous cette vidéo ici sur Skillshare. Pour celui-ci, je vais m' assurer d'inclure mes esquisses pour tous ces différents fruits. Et c'est au cas où vous voudriez sauter le processus de dessin à main levée et simplement prendre mes esquisses pour les transférer sur vos feuilles de papier aquarelle et vous déplacer directement dans la peinture. processus. Mon cours précédent, aquarelle 101, que j'ai partagé ici sur Skillshare il y a quelque temps, comprend un cours complet dans lequel je vous ai expliqué comment utiliser du papier calque pour transférer votre contour des croquis sur vos feuilles de papier aquarelle. Il comprend également des tonnes d'informations incontournables et d' exercices de base sur lesquels je recommande vivement de travailler en tant que débutant, se familiariser avec l'aquarelle, des informations, des conseils et aussi des exercices qui Je partage que le cours d'aquarelle 101 va vous aider à progresser beaucoup plus rapidement avec ces médiums de peinture. Donc, si vous ne l'avez pas vérifié, je vous recommande vivement d' inclure également des photos de mes illustrations finies, que vous pouvez utiliser comme références lorsque vous travaillez sur ces pièces. Enfin, vous pourrez également trouver ma liste de fournitures avec des liens vers tous ces différents produits que vous allez me voir utiliser aujourd'hui, ainsi que la liste des couleurs spécifiques que Je vais utiliser pour chaque fruit, et ça ira, euh, pour ce cours. Alors allez-y, récupérez vos fournitures, et je vous verrai dans la classe numéro deux, dans laquelle je vais parler du projet sur lequel nous allons travailler pour ce cours. Quand tu seras prête, je te vois là-bas. 3. PROJET DE COURS: Bonjour et bienvenue dans la classe numéro deux, dans laquelle je vais vous expliquer plus en détail ce sur quoi nous allons travailler dans ce cours et ce que vous pouvez vous attendre à avoir produit d'ici la fin de ce cours en chacun des cinq cours suivants, juste après celui-ci, je vais vous expliquer mon processus simple en cinq étapes pour esquisser et peindre ces illustrations de fruits à l'aquarelle vibrantes. Nous allons donc nous attaquer à un fruit par classe. Pour chaque illustration de fruit. Dans chaque cours, je vais vous faire suivre le même processus en cinq étapes. Il s'agit de mon propre procédé de peinture à l'aquarelle que j'ai développé au cours des nombreuses années que je travaille avec ce médium, qui donne d'excellents résultats lorsque je travaille sur cette œuvre en passant par le même processus en cinq étapes, soit un total de cinq fois une. Avec chaque fruit, vous aurez suffisamment de pratique pour que l'ensemble du processus, la méthodologie et les techniques que nous apportons puissent vraiment s'intégrer. Et avec assez de pratique, tu pourras très bien peindre ces fruits, très rapidement. Et tu seras aussi capable prendre ce que tu as appris. D'autres aquarelles et illustrations sur lesquelles vous souhaiterez peut-être travailler dans le futur. Chaque fois que je commence avec un nouvel étudiant qui souhaite apprendre l'aquarelle. L'une des premières choses que j'aime expliquer est l' importance d'adopter une stratégie, du moins très basique. Parce que, en particulier lorsque nous travaillons avec de l'aquarelle, nous ne sommes pas facilement capables de corriger erreurs, comme nous le pouvons lorsque nous travaillons avec de l'acrylique ou des huiles où nous pouvons simplement masquer notre erreur avec une couche de peinture ou gratter la toile avec un couteau. Lorsque nous travaillons avec de l'aquarelle, nous travaillons non seulement sur du papier qui peut être très facilement endommagé et surchargé, mais l'aquarelle est également translucide. C'est transparent. Donc, quelle que soit l'erreur que vous faites, elle sera très probablement visible jusqu'à la fin. Ou si vous êtes capable de corriger cela quelque peu, il ne pourra pas être complètement effacé. Donc, même si quelque chose attire beaucoup de monde vers ce médium, fait que l'aquarelle a un esprit propre à cause de l' eau que nous apportons. Et comment nous sommes capables de développer ces magnifiques effets organiques irréguliers qui sont si uniques à ce médium. Il est important d'adopter au moins une stratégie de base et oui, être flexible au sein de cette stratégie et prévoir des surprises dans cette stratégie. Mais il est essentiel que nous visualisions au moins un peu ce que nous voulons que soit notre produit final, le style que nous recherchons, le niveau de détail que nous recherchons, etc., afin de pouvoir nous définir nous-mêmes pour réussir et créer au moins les grandes lignes des étapes que nous allons suivre. Les domaines que nous allons aborder en premier, le nombre de couches sur lesquelles nous allons travailler, les techniques spécifiques que nous allons intégrer, etc. Cela a eu un impact positif énorme avec le mien peinture à l'aquarelle. Cela m'a aidée à arriver à mon propre processus de création, ma propre façon de faire, et cela fait en sorte que je suis beaucoup plus susceptible d'arriver à résultats que je vais vraiment aimer, ne vous y trompez pas. Mon ami, même cinq minutes de préparation avant mettre de la peinture sur du papier peuvent faire beaucoup de chemin. Cela dit, voici les cinq étapes que nous allons suivre pour ces cinq illustrations de fruits d'été. La première étape sera créer notre croquis préliminaire au crayon. Donc notre esquisse, essentiellement à l'étape numéro deux, nous allons choisir les couleurs spécifiques que nous allons utiliser pour chaque illustration de fruit. Et je vais vous expliquer comment préparer vos différents mélanges de couleurs afin que vous ayez les couleurs dont vous avez besoin sur votre palette et aussi pour qu'elles soient cohérentes. Vos différents mélanges de couleurs vous seront utiles en cours de route. Passons à l'étape numéro trois. Et dans celui-ci, nous allons développer nos valeurs les plus légères. C'est juste. Nous allons commencer par notre première couche de couleur, qui sera la couche la plus claire. Et je vais vous expliquer comment vous assurer que vous arrivez à une bonne humidité uniforme. Et nous vous donnerons de nombreux conseils sur le contrôle de l'eau et sur la façon de vous assurer que cette couche reste humide plus longtemps afin que vous puissiez ensuite passer à l'étape numéro quatre sur une surface mouillée, on passe à l'étape numéro quatre. Et dans celui-ci, nous allons développer tons moyens plus foncés, mouillés sur mouillés. Cela signifie que nous allons ajouter de la couleur pour développer une gamme plus large de valeurs, ce qui va finalement donner de la dimension à ces illustrations. Et nous allons le faire mouillé sur mouillé en ajoutant plus de couleur sur du papier mouillé, en déposant de la couleur sur du papier encore humide et maniable, nous allons pouvoir créer beaux des transitions douces entre nos différentes couleurs et valeurs. Enfin, à l'étape numéro cinq, nous allons travailler humide sur sec. Tout va donc être sec à ce stade. Et ce sur quoi nous allons travailler c'est repousser les zones les plus sombres, comme ajouter des formes d' ombre les plus sombres. Et nous allons également ajouter des textures et des détails finaux. Comme je l'ai expliqué dans l' introduction de ce cours, je recommande vivement de travailler sur ces illustrations dans l'ordre. J'ai organisé les cours de ce cours afin de travailler à partir de l'illustration la plus simple et la plus simple. Et nous allons nous frayer un chemin vers le plus difficile. Donc, surtout si vous débutez avec ce médium, je vous recommande de parcourir les classes dans cet ordre et de prendre le temps dont vous avez besoin avec chaque illustration. avant de passer au suivant. À la fin de ce cours, vous aurez créé cinq illustrations aquarelles de fruits d'été vibrantes qui ont de la dimension et de l'éclat. Et vous allez maîtriser le processus afin que vous puissiez utiliser vos connaissances et vos compétences pour appliquer ces illustrations, des dessins de cartes de vœux, des signets et d'autres types de des goodies que vous pouvez offrir à vos proches cet été. Très bien, ça ira pour le deuxième cours de ce cours. Je suis très heureuse de commencer avec notre première illustration à l'aquarelle, qui sera la tranche de pastèque. Alors allez-y, préparez-vous et amusons-nous avec ce premier. voit là-bas. 4. Illustration de tranches de pastèque: Bonjour, bienvenue dans la classe numéro trois où nous allons peindre une tranche de pastèque. Bon, allons-y et commençons avec le croquis préliminaire. À l'aide de mon crayon B, je commence à poser la plus grande forme générale. Une fois que cette forme générale la plus grande de la tranche de pastèque a été définie. Je le diviserai ensuite en zones de taille moyenne, et je continuerai à ajouter des formes et des détails de taille moyenne. Je m'assure que la taille de mon illustration sera bonne. Ensuite, je vais utiliser mon espace de dessin efficacement, commençant par les plus grandes formes, vous vous assurez que le dessin est exactement là où vous voulez qu'il soit et avoir la taille que vous souhaitez. Vous devez vous assurer que vous utilisez efficacement votre espace de dessin, que votre illustration ne sera pas trop petite ou trop grande et qu'elle est quelque peu centrée détruire l'espace. Remarquez que je dessine légèrement. Je n'appuie pas trop fort du tout, et j'incorpore beaucoup d' imperfections et d' irrégularités partout. Et c'est parce que le fruit est un sujet biologique et naturel. Il y a beaucoup d' irrégularités et de fruits, fruit n'est pas parfait. Comme vous pouvez le constater, mes lignes présentent de petites imperfections. Les bords ne sont pas parfaitement lisses et j'incorpore un peu d'asymétrie lorsque je dessine les graines. Je m'assure également que certains d'entre eux sont plus petits, d' autres plus grands. Ils ont des orientations légèrement différentes ou s'inclinent dans directions différentes et ils s' agglutinent de différentes manières. Je ne veux certainement pas créer l'apparence d' motif organisé ou quoi que ce soit de ce genre lorsque je dessine les graines, cela aidera à rendre la tranche de pastèque un peu plus naturelle. J'ai ajouté une ligne à l'intérieur de la forme où le rouge va lentement passer au vert. Donc, généralement, dans les pastèques, le rouge devient rose, parfois même en blanc. Et puis tu as le vert. Et avoir ce trait de crayon là-bas va m'aider à savoir ou à me souvenir où je dois m' assurer que j'ai beaucoup de ce papier blanc qui brille. Je vais également m' assurer que la majorité de mon pigment rouge se dépose en dessous de cette ligne. De cette façon, je peux m'assurer qu'il y a très peu pas de pigment rouge qui monte vers cette section blanche ou cette section très, très rose pâle où je veux qu'une grande partie de ce papier passe à travers. Vous pouvez voir comment mon crayon dessine bien, léger et propre. Avec ça, tous mes croquis sont terminés. Il est temps de passer à la phase numéro deux, qui va être la présélection de nos couleurs et la création de nos mélanges de couleurs. Je vais simplement utiliser quatre couleurs différentes pour créer mes différents mélanges de couleurs pour celui-ci. Ces couleurs sont le pyrrole, le rouge, jaune Hansa, le clair, le vert sous-marin et la teinte neutre. Je vais les analyser dans un moment afin que vous puissiez voir à quoi ils ressemblent sur le papier. Donc, dans ces zones de mélange, sur ma palette de couleurs, je vais d'abord préparer un peu de mon rouge avec de l'eau. Maintenant, je suis à la recherche de jolis mélanges de couleurs juteux. Ce que je veux dire avec Juicy c'est que j'essaie de m'assurer que mes mélanges de couleurs contiennent environ 50 % d'eau ou 50 % de peinture. C'est ce que certains appellent une consistance semblable à celle du café au lait. Vous voulez une bonne quantité de pigment et de couleur dans le mouvement de l'eau. J'utilise mon pinceau rond taille 10 pour créer mes différents mélanges de couleurs. Juste en haut, j' ai du rouge pyrrole avec de l'eau ajoutée. Et je commence à créer mes mélanges de couleurs vertes dans cette partie inférieure de ma palette de mélange. Au fait, il est très important que vous rinciez complètement la couleur précédente poils de votre pinceau avant de créer votre prochain mélange de couleurs afin de ne pas contaminer le mélange de couleurs suivant. Cela est particulièrement important lorsque vous souhaitez créer une couleur très différente de celle sur laquelle vous avez travaillé précédemment. Dans ce cas, par exemple, rouge et le vert sont des couleurs complémentaires. Ils sont opposés dans la roue chromatique, ce qui signifie que si vous commencez à les mélanger, vous pouvez commencer à créer des bruns ou gris et vous pouvez les désactiver. Parce que nous recherchons de jolies couleurs éclatantes dans ces illustrations. Nous voulons vraiment nous assurer que tout reste propre et que nous tout reste propre et que séparons ces couleurs si possible sur votre palette. Surtout comme je l'ai dit, celles qui sont très différentes les unes des autres, qui peuvent créer des couleurs que vous ne recherchez pas vraiment lorsqu' elles sont mélangées ensemble. Je voulais m'assurer d'avoir un vert plus clair et un vert plus foncé prêt pour moi. Donc, pour créer mon vert plus clair j'ai mélangé un peu de mon vert sous-marin, qui est un vert très foncé, profond et riche avec certaines de mes mains une lumière jaune, ce qui me donne ce plus clair vert. Et puis juste en dessous de ce vert plus clair, j'ai préparé une flaque d'eau verte plus foncée et qui est juste verte sous-marine avec un peu d'eau ajoutée. Enfin, j'ai créé une petite flaque d'eau et de teinte neutre. C'est la couleur que je vais utiliser à la fin de ce processus de peinture pour ajouter les graines. Et avec ça, j'en aurai fini avec ces mélanges de couleurs dont j'ai besoin pour commencer avec cette illustration. Nous n'avons vraiment besoin de rien d'autre. Je tiens à vous encourager à utiliser simplement ces couleurs que nous avons présélectionnées. Et si vous êtes à court de l'une de ces couleurs ou mélanges de couleurs en cours de route, assurez-vous de prendre plus de la couleur que vous avez déjà prévue. Vous ne voulez pas ajouter un autre rouge ou un autre vert ou quoi que ce soit d'autre, assurez-vous de respecter les couleurs que nous avons déjà présélectionnées. D'accord, nos mélanges de couleurs sont prêts à être utilisés. Faisons en sorte de changer notre eau avant de sauter dedans. Après avoir changé mon eau, il sera temps de commencer la phase numéro trois de ce processus. Et cela va créer notre première couche de couleur. Je vais utiliser mon pinceau rond taille 10. L'objectif de cette première couche de couleur est de commencer à créer ou à développer les valeurs les plus claires dans cette illustration. J'ai donc toujours commencé avec la couleur la plus claire du bouquet, qui dans ce cas est le rouge. Et parce que nous voulons développer une couche ou un lavage très pâle au départ, je prélève juste une petite quantité de couleur sur le bord de ma flaque d'eau sur ma palette de mélange de couleurs. Et je suis juste un peu de couleur dans le cerveau. Et vous remarquerez que je trempe constamment mon pinceau dans mon récipient d'eau et que je tire et étend cette petite quantité de couleur dans la forme la plus grande. J'essaie de garder le rouge dans cette partie inférieure du triangle afin que partie supérieure, qui est la peau extérieure de la pastèque, puisse avoir les verts. Vous remarquerez que je ne place pas de peinture rouge fraîche près de cette section de peau externe. Et je m'assure juste de placer une très petite quantité de rouge dans cette partie extérieure du triangle où le vert va se trouver. Si vous commencez accidentellement à placer trop de rouge, trop près de cette section extérieure pour arrêter ce que vous faites, retirez la couleur de votre pinceau, de vos poils, retournez avec un nettoyant légèrement humide pinceau. Utilisez les poils de votre pinceau comme une petite éponge absorbante pour éliminer l'excès de couleur grasse. Vous pouvez toujours le faire avec votre serviette absorbante. Enlevez l'excès de couleur, puis retournez avec un pinceau propre et humide et adoucissez cette couleur, étendez le pigment que vous avez déposé et que vous n'avez pas pu soulever dans une section plus grande et cela va adoucir cette couleur. Je continue à faire ressortir un peu de couleur à la fois de ma palette de mélange. Et je vais continuer à tremper mon pinceau dans mon récipient d'eau pour adoucir encore plus cette couleur et étendre dans cette forme plus grande pour créer ce premier lavage. Et il sera très important que vous vous déplaciez rapidement et que vous utilisiez de l'eau, de l'eau propre de votre contenant, et que vous passiez en revue l' ensemble de la forme environ trois à quatre fois, parce que vous voulez vous assurer que Tout le lavage reste humide pour le travail que nous allons faire ensuite, vous pouvez probablement voir comment j'ai laissé quelques minuscules sections de papier blanc briller à travers. Cela s'est produit naturellement et naturellement alors que je déplaçais rapidement mon pinceau et je les ai laissés là parce qu'ils vont ressembler à des reflets à la fin. Et cela va ajouter de la dimension et de l' éclat à mon œuvre. N'oubliez pas que lorsque nous peignons à l'aquarelle, la blancheur et la brillance du papier sont mises en place pour nos reflets. Et si nous nous assurons d' intégrer cette luminosité au papier, il est beaucoup plus probable que nous arriverons à de belles peintures lumineuses et lumineuses. Prenez vraiment votre temps avec cette première couche de peinture et assurez-vous d'obtenir une belle humidité uniforme tout au long de cette forme sauf, bien sûr, si vous avez laissé ces petits mettez en surbrillance les sections comme je l'ai fait. Parce que si votre peinture commence à sécher sur vous, lorsque vous passez à la phase suivante du processus où nous allons développer ces différentes valeurs, ajouter plus de rouge et laisser tomber dans le verts. Vous ne serez pas capable de créer ces belles transitions douces et diffuses entre vos valeurs et vos couleurs. Remarquez qu'il y a une très, très petite quantité de rouge dans la partie extérieure du triangle où le vert va se trouver. De cette façon, je peux m' assurer que j'ai la majorité de ce rouge dans le bas du triangle. Ensuite, il commence à devenir plus clair en rouge ou en rose, même là où une grande partie de la luminosité du papier brille sous cette couleur pâle très translucide. Et puis ce rose très pâle ou blanc va devenir vert, revenant sur tout pour s'assurer que tout reste beau et humide. Vous voulez faire votre pré-mariage en douceur, mais vous voulez vous assurer de tout parcourir suffisamment pour que la forme entière ait une humidité uniforme pour la prochaine partie du processus. Il est maintenant temps de passer à la phase numéro quatre de ce processus au cours de laquelle nous allons développer des valeurs et une dimension. Maintenant que nous avons ces reflets et ces valeurs très pâles les plus claires créées avec le rouge. Il est maintenant temps de commencer à développer nos rouges moyens et nos sections plus foncées. Toujours en utilisant mon pinceau rond taille dix, j'ai commencé à introduire plus de rouge pyrrole dans certaines sections de manière très irrégulière. Et vous pouvez voir comment, parce que je laisse tomber ce rouge plus saturé, ce qui signifie simplement que la couleur que je dépose ou la peinture que je dépose est plus épaisse et moins plus liquide que la couleur que j'ai utilisée initialement. Mais parce que je dépose cette deuxième couche de couleur sur une couche encore mouillée. Ce mu a lu que je tombe doucement dans les transitions et progressivement il saigne dans cette humidité. Parce que n'oubliez pas que l'aquarelle va toujours se dilater se dissiper et saigner sur du papier mouillé. Lorsque le papier est sec, cette couleur ne s'étendra pas et vous aurez des bords nets et définis. Ce n'est pas ce que je veux. Et la raison pour laquelle je voulais m' assurer que la couche initiale bien humide afin de pouvoir passer à cette partie du processus. Et comment faites-vous ? Vous vous assurez de prendre votre temps avec cette première couche et travailler relativement rapidement. Ce sont les clés juste ici. Après avoir créé une belle variété de rouge, les valeurs sont les tons dans cette partie inférieure de la pastèque, j'enlève cette couleur des poils de mon pinceau et je suis retournée dans la partie extérieure, la partie supérieure de cette forme triangulaire avec juste de l'eau dans mon pinceau pour m' assurer que tout était encore beau et humide. Avant de commencer mon travail avec les verts, je l'ai maintenu en mouvement. Il est important que vous vous déplaciez rapidement avant que les choses ne commencent à sécher sur vous. Vous devez absolument travailler avec le green avant que la partie supérieure ne commence à sécher. Une fois que vous avez laissé tomber, vous aurez une certaine quantité de rouge et vous aurez une belle variété de roses et de rouges tout au long de la section inférieure. Enlevez cette lecture des poils de votre pinceau et vous allez commencer par mettre le vert plus clair d'abord, vous remarquerez que je peins en vert beaucoup plus clair que vert plus foncé parce que je veux juste que le vert plus foncé soit dans la partie externe de la peau. Et une fois que ce vert plus clair sera n, vous allez commencer à tomber dans le vert plus foncé, le bord extérieur. Encore une fois parce que je l'ai maintenu en mouvement et que je me suis assuré de déposer dans mon mur de verdure la première couche plus claire était encore humide. Vous pouvez voir comment je me suis retrouvé avec une belle diffusion hors des faits dans mes greens également. À ce stade, vous pouvez voir des reflets avec ces minuscules formes de papier blanc que je n'ai pas peintes. Vous pouvez également voir des valeurs de rouge ou de rose très claires dans cette partie inférieure où il y a beaucoup de blancheur du papier qui brille à travers. Vous pouvez voir des sections rouges plus foncées où j'ai une couleur plus saturée. J'ai également développé une large gamme de valeurs vertes, des verts plus clairs et des verts plus foncés. C'est mon ami qui va créer la mention et un aspect crédible de cette illustration, de ce large éventail de valeurs et de ce que vous êtes en train de créer. Et le fait que vous intégrez la blancheur du papier dans de nombreux domaines où vous souhaitez développer ces valeurs plus claires. Une fois cela fait, il sera chronométré pour permettre à tout de sécher complètement. Et vous remarquerez probablement qu'au fur et à mesure que cette peinture sèche, elle paraît plus claire. C'est tout à fait normal. Lorsque l'aquarelle sèche, elle est beaucoup plus claire que lorsqu'elle est mouillée. Plus tard, nous reviendrons dans une autre phase de ce processus et nous allons assombrir certaines sections et ajouter un peu plus d'approfondissement et assombrissement des zones de valeur les plus sombres et plus contraste. Si vous souhaitez accélérer le processus de séchage afin de pouvoir passer plus rapidement à la phase suivante. Vous pouvez vous servir d' un sèche-cheveux si vous le souhaitez ou laisser sécher naturellement , puis revenir une fois qu'il est sec. Mais il est essentiel que tout soit complètement sec avant de passer à la prochaine étape de ce processus. Très bien, nous passons à la toute dernière phase de ce processus, qui va être d'approfondir et d'assombrir les zones de valeur les plus sombres, ainsi que d'ajouter les derniers détails. Nous allons donc faire tout cela mouillé sur sec en peignant sur du papier complètement sec. Nous allons avoir des bords nets et définis autour des formes que nous peignons. La couleur de cette peinture ne va pas déteindre et se diffuser parce que nous ne la laissons pas tomber dans l'humidité. Lorsque vous recherchez des détails, lorsque vous recherchez des bords définis, vous devez vous assurer que tout est sec. J'utilise mon pinceau rond taille trois pour commencer à peindre les graines. Et j'utilise ma teinte neutre pour cela. Il y a un instant, vous m'avez vu tester mon mélange de couleurs grises sur mon morceau de papier aquarelle avant entrer et de commencer à peindre mes graines. C'est très important, surtout lorsque j'utilise des couleurs très, très foncées comme celle-ci, le gris ou le noir. Je veux m'assurer que j' y vais d'abord avec une couleur pâle et diluée afin de ne pas créer de trous négatifs dans ma peinture. Et aussi pour que même les graines puissent avoir au moins une certaine variété de valeurs de gris, il y a des tons à l'intérieur. Cela va rendre ce look beaucoup plus naturel, beaucoup plus subtil, beaucoup plus réaliste. Donc en entrant dans un premier temps avec mon gris dans un état translucide assez pâle, eau en aval. Je peux ensuite laisser sécher cette première couche dans mes sièges, puis y retourner pour assombrir certaines zones afin de créer au moins deux ou trois valeurs de gris différentes . Et ces graines peuvent également avoir une dimension en elles. Si j'y vais avec un seul gris saturé très foncé ou même un gris très clair. Ces graines vont être plutôt plates. Et surtout lorsque vous utilisez une couleur très foncée, ils peuvent finir par être très nets, très distrayants. Et je n'ai vraiment pas envie de faire ça. Je veux qu'ils restent subtils. Et comme je l'ai dit, je veux m'assurer que je suis capable de développer une variété de valeurs, pratiquement partout dans la pièce parce que je sais que c'est la clé pour rendre ce look léger et brillant et elle a de la dimension. Une fois que j'ai fini de peindre dans les graines, j'utilise mon pinceau rond taille trois pour assombrir certaines sections du bord vert extérieur. Remarquez cependant qu'il y a une variation d'épaisseur de trait dans cette forme verte allongée plus foncée que j'ai peinte le long du bord, je me suis assuré qu'elle ressemblait davantage à une forme verte abstraite et longue que j'ai Je peignais dans et non dans un contour parce que je sais que si je me contente entrer et de commencer à esquisser les choses, cela ne finira pas vraiment par paraître très réaliste parce que dans le réalisme, il n' y a pas de contours. Donc, dans cette dernière partie du processus, lorsque je vais assombrir certaines formes, je m'assure de voir les formes que j' assombrit comme des formes irrégulières abstraites et non des lignes. Il n'est pas non plus nécessaire de contourner tout le bord de toutes ces différentes parties composant cette tranche de pastèque. Et sentez que vous devez définir tout ce qui est le plus susceptible d' entraîner un effet de contour. Je ne fais que définir ou assombrir certaines sections de certains bords. Et je m'assure de garder tout très irrégulier et de rester à l' écart de tout motif organisé ou de forme lourde en blocs ou quoi que ce soit de ce genre. Ici, j'utilise mon avion, rouge pyrrole et de l'eau dedans, un mélange de couleurs. Et je peins encore une fois formes rouges allongées le long de certains de ces bords dans la partie inférieure de la tranche de pastèque. Pour ajouter un peu plus de contraste et de définition certaines sections de ces bords. Je me suis assuré d'enlever tout ce vert pour mes poils de pinceau avant de commencer avec mon rouge. C'est important car rappelez-vous que si le vert commence à se mélanger à votre rouge, vous pouvez commencer à créer un brun ou un gris. Et je veux m'assurer que le rouge dans lequel je peins est beau brillant et vibrant parce que je , brillant et vibrant parce que je peins toutes ces formes abstraites et irrégulières sur du papier sec, je me retrouve avec un net des arêtes définies autour de ces formes. Quand il s'est agi d'ajouter un peu de rouge plus foncé sur les bords de cette partie inférieure de la tranche de pastèque, j'ai adouci certains bords intérieurs de ces formes. j'ai Après avoir peint dans cette forme, retiré la couleur des poils de mon pinceau et j' y suis retourné avec un pinceau propre et légèrement humide. J'ai passé les poils de mon pinceau sur ce bord pour qu' il adoucisse avant que la peinture ne sèche. Et la dernière chose que j'ai faite ici est que j'ai assombri l'un des bords. J'ai juste choisi le côté et j'ai assombri un bord le long de chaque graine à l'aide de mon rouge. Je n'ai pas fait ça pour toutes les graines. Et je me suis assuré d'y aller avec un joli duvet édulcoré, un rouge pyrrole. Et je n'ai pas tracé tout le bord de la graine parce que je savais que cela me donnerait un aperçu. J'ai donc gardé les choses simples, lâches, subtiles et minimalistes. Et voilà, nous en avons terminé avec notre première illustration de fruits d'été. Félicitations pour avoir réussi ce cours. Et n'oubliez pas de passer le temps dont vous avez besoin avec celui-ci avant d'aller de l'avant. J'ai hâte de te voir dans le prochain cours où nous allons peindre une pomme verte. Quand tu seras prête. On se voit là-bas. 5. Illustration de pommes vertes: Salut, bon retour. C'est la classe numéro quatre. Et dans celui-ci, nous allons travailler sur notre pomme verte à l'aquarelle. Donc pour commencer avec mon esquisse préliminaire, même chose ici. J'utilise mon crayon B et je vais dessiner légèrement afin de pouvoir effacer les erreurs et de ne pas avoir ce travail au crayon super visible à la fin, travers ma peinture. Une fois de plus, je commence par la forme générale la plus grande pour cette Apple, et je vais me diriger vers les formes et les détails plus petits, en m' formes et les détails plus petits, assurant que la forme globale, la forme générale la plus grande pour cette Apple, et je vais me diriger vers les formes et les détails plus petits, en m'assurant que la forme globale, les proportions semblent bonnes. Et aussi que le croquis est exactement de la taille que je veux qu'il soit et qu'il est relativement centré sur ce papier. Vous remarquerez qu'après avoir fini de dessiner les contours de cette pomme, je vais également cartographier une petite forme qui sera en fait une section de surbrillance ou une valeur plus légère section. Parfois, lorsque je crée mes esquisses préliminaires avant de me lancer dans un processus de peinture à l'aquarelle. J'aime m'assurer que je visualise où je vais développer ces valeurs les plus légères. Et cela m'aide vraiment à me souvenir que lorsque je peins, je veux vraiment beaucoup de la brillance et de la blancheur du papier qui brille sous cette peinture. C'est là que tu vas me voir faire ici. Je tiens à mentionner que lorsque je peins, ces formes de surbrillance sont plus claires. Les formes de valeur finissent par être beaucoup plus petites que la taille de la forme que j'ai initialement esquissée. Et c'est normal. Je le fais intentionnellement pour me donner une marge. Ok. Après avoir fait mon esquisse préliminaire, il était temps de choisir mes couleurs et de créer mes mélanges de couleurs. Donc, pour la pomme verte, nous allons simplement utiliser trois couleurs différentes. J'ai utilisé du vert sous-marin, encore une fois, du feu jaune hansa et de l'ombre brûlée. Encore une fois, je vais utiliser mon pinceau rond taille 10 pour créer mes mélanges de couleurs. Et je vais m' assurer que je commence avec de l'eau propre et que je rince complètement les poils de mon pinceau entre les couleurs que je prépare, en particulier lorsque je vais passer à une couleur assez différente de celle sur laquelle je travaillais précédemment. J'ai donc commencé par mes verts. Et pour celui-ci, je vais créer trois greens différents. Un vert plus clair, un vert moyen et un écran plus sombre. Je vais donc utiliser mon feu jaune Hansa et mon vert sous-marin. Et le tout premier juste en haut est un mélange de jaune hansa clair et de vert sous-marin, qui est très lourd sur le jaune. Cela donne à ce vert un aspect très, très clair, ou comme un vert jaune. Sous celui-ci, je crée mon vert moyen, qui est également un mélange de jaune hansa clair et de vert sous-marin. Seulement celui-ci a beaucoup plus de vert sous-marin que de lumière jaune hansa. Juste en dessous, je crée mon vert le plus foncé. Et ce vert le plus foncé est juste un vert sous-marin avec un peu d'eau ajoutée sous mes verts, je prépare quelques bruns différents. Je vais préparer un brun plus clair et un brun plus foncé. Le brun clair est un mélange d' ombre brûlée et donc d'une lumière jaune. Et le brun foncé n'est que de l' ombre brûlée avec un peu d'eau dedans. Comme avant, je m'assure que mes mélanges de couleurs sur ma palette sont bons et juteux, qu'ils contiennent une bonne quantité de pigment ou de couleur, mais aussi un peu d'eau. Encore une fois, j'essaie d' aller quelque part entre le café et la consistance du lait. Et ici, je vais tamponner toutes ces couleurs sur mon morceau de papier aquarelle afin que vous puissiez voir à quoi elles ressemblent sur le papier en vous assurant que je prépare un vert plus clair, un vert immédiat et un vert plus foncé et même un brun plus clair et un brun plus foncé. Je me prépare à réussir à développer rapidement ces différentes valeurs pendant que je peins, ce qui est si important parce que, encore une fois, c'est ce développement de zones plus claires, de zones de tons moyens et les zones les plus sombres qui créeront cette sensation crédible de dimension d'ombre et de lumière en vous assurant de connaître les couleurs que vous allez utiliser pour développer ces différentes valeurs et Assurez-vous que vous avez suffisamment de mélanges de couleurs dont vous avez besoin. Avant de commencer, tu vas pouvoir peindre beaucoup plus rapidement. Parce que n'oubliez pas que si vous vous arrêtez et que vous devez créer davantage de mélanges de couleurs en cours de route, en particulier dans les premières phases du processus de peinture où nous faisons beaucoup de peinture mouillé sur mouillé, très probablement, votre peinture va commencer à dessiner sur vous. Et quand tu reviendras pour créer ces jolis effets de diffusion, ces jolis effets de diffusion, tu n'y arriveras pas parce que cette couche va commencer à sécher et tu vas te retrouver avec un genre de splotch et texture que vous ne voulez probablement pas à côté celle-ci en vous assurant que présélectionné vos couleurs et que vous savez exactement quelle couleur vous devez rechercher pour créer vos différents mélanges de couleurs. Si tu n'as plus de peinture. beaucoup plus probable que vous puissiez faire plus de ce mélange de Il est beaucoup plus probable que vous puissiez faire plus de ce mélange de couleurs rapidement parce que vous ne pouvez pas deviner, vous savez ce que vous faites. Encore une fois, je tiens à vous rappeler d' utiliser ces couleurs que vous avez présélectionnées, quelles que soient les couleurs que vous avez prévues. Assurez-vous de rechercher les couleurs que vous avez déjà prévues au fur et à mesure de votre progression, en créant davantage de couleurs différentes selon votre progression, en créant davantage de couleurs différentes besoins tout au long du processus de peinture. Ne choisissez pas des couleurs au hasard par caprice que vous n'avez pas planifiées. Cela vous aidera à rester à l'écart couleurs indésirables et à vous assurer d' obtenir un résultat agréable, éclatant et propre. Très bien, nous passons à la phase numéro trois dans laquelle nous allons développer nos valeurs les plus légères et nous assurer que nous créons une belle humidité uniforme. Nous pouvons donc passer à la phase suivante dans laquelle nous allons développer des tons moyens plus foncés. Comme vous pouvez le voir, je me suis assuré de changer mon eau après avoir créé mes différents mélanges de couleurs pour m'assurer que je vais bien avec mes couleurs à l'aide de mon pinceau rond taille 10. Je m' assure encore une fois d'y aller avec juste un tout petit peu de peinture au départ, bien sûr, avec ma couleur la plus claire du bouquet que j'ai préparé pour cela, qui est mon vert le plus clair, le jaune-vert, qui est un mélange de jaune hansa clair et de vert sous-marin. Et je fais ressortir juste un peu de couleur à la fois, étendant cette touche de couleur à cette forme de pomme plus grande, en faisant sortir un peu d'eau de mon contenant et en passant en revue tout un peu fois très doucement encore et encore pour m'assurer que tout reste beau et humide pour le processus que je vais faire ensuite, j'ai fait de mon mieux pour éviter avant le mariage la forme de la tige sur le dessus de la pomme. Remarquez à quel point cette couleur est très pâle, très translucide, très diluée, partout. Et j'ai laissé une petite section de surbrillance blanche où le papier brille à travers l'intérieur complètement non peint de cette forme plus grande et plus claire que je n'avais pas cartographiée pour moi-même pendant le processus d'esquisse. Avec cela, il est maintenant temps de passer à la phase numéro quatre de ce processus, où nous commençons développer nos tons moyens plus foncés et donner à cette pomme une impression de dimension de la lumière et de l'ombre. Tout est beau, humide et réalisable parce que j'ai pris mon temps avec cette première couche de couleur pâle. Je vais d'abord avec le même écran le plus clair. Juste cette fois, je l'utilise dans un état un peu plus saturé et moins d'eau en aval. Je vais progressivement me diriger vers le vert le plus foncé. Donc d'abord le vert plus clair que le vert moyen que le vert le plus foncé. Je dépose ces couleurs dans certaines sections de manière très irrégulière, mais surtout dans certaines sections le long des bords gauche et droit de la pomme, du bas de la pomme, et aussi dans cette section concave haut où la tige assombrit certaines sections le long des bords gauche et droit et assombrit également certaines sections en bas et laisse plus de zone médiane de la pomme. valeur plus légère aidera à compléter cette structure. Cela dit, rappelez-vous ce que je partageais auparavant. Assurez-vous que vous voyez ces différentes formes de valeur comme des formes abstraites et irrégulières. Et que vous ne créez pas accidentellement l'apparence des contours parce que vous y entrez et que vous ne faites qu'assombrir ces bords de manière très organisée et précise. C'est pourquoi je m' assure d'apporter un peu de ce vert plus foncé dans la pomme également. J'en apporte juste une petite quantité, je le garde lâche et je le garde irrégulier. Et bien sûr, dans la partie supérieure concave d' où sort la tige, en assombrissant cette section, je donne l'impression qu'elle va vers l'intérieur. Pensez donc à la structure de la pomme et réfléchissez à la façon dont les zones vertes plus claires et les zones vertes plus foncées seraient créées si la lumière frappait cette structure. Je suis en mesure de continuer à faire tout ce développement de valeur et de continuer à ajouter de la couleur au besoin. Vous pouvez même l' adoucir avec un pinceau propre et légèrement humide. Aidez à créer des transitions plus douces entre mes greens et à éliminer les petites textures que je crée accidentellement parce que tout est encore humide et maniable. Si j'ai accidentellement placé trop de couleur sur du papier ou trop sombre dans une certaine zone, ou si je le fais paraître un peu trop plat. Je peux redonner de la dimension à cette zone en examinant plus de papier en dessous, en utilisant soit les poils les plus propres et légèrement humides de mon pinceau, les utilisant comme un peu absorbants pour soulever l'excès de peinture. Ou je peux aussi y aller avec ma serviette absorbante pour faire mon lifting alors que la peinture est encore humide, je peux prendre mon temps à faire toutes ces choses parce que tout est encore humide et maniable. Et la raison pour laquelle tout est encore humide et maniable, c'est parce que j'ai pris mon temps dans la première phase de ce processus avec cette première couche de vert translucide très pâle. Si je n'avais pas pris mon temps sur cette partie du processus, vous pouvez être sûr que certaines sections de ma pomme auraient commencé à sécher assez rapidement et que je n'aurais pas pu continuer à travailler de cette façon, lorsque nous travaillons avec de l'aquarelle, il est très important que vous remarquiez le moment où votre papier commence à sécher, car à ce moment-là, vous ne devriez pas faire grand-chose du tout. Vous devez le laisser sécher complètement. Si vous continuez à travailler alors que votre papier commence déjà à sécher, vous allez créer des splotch en nous et des texteurs indésirables ici, je commence à peindre dans la tige. Pour cela, j'ai opté pour mon pinceau rond taille trois parce que sa forme est très petite. Et j'ai d'abord commencé avec un brun plus clair, qui est mon ombre brûlée plus un peu de lumière jaune hansa. Et puis j'assombrit certaines zones avec mon brun plus foncé qui est de l'ombre brûlée, j'ai laissé de minuscules sections de papier blanc non peintes afin de créer une petite illusion de points forts. Juste là, vous pouvez voir comment quand j'ai commencé à peindre dans les bruns, une partie de ce brun dans la partie inférieure droite de la tige a commencé à saigner dans le vert. Cela s'est produit parce que le vert juste à côté de la forme était encore mouillé. Et n'oubliez pas que l' aquarelle se développera toujours dans du papier mouillé. Donc, si vous ne voulez pas que cela se produise, si vous ne voulez pas que cela se produise, assurez-vous de laisser sécher complètement la peinture verte et de peindre ensuite dans la tige. Certains artistes aiment saigner et d'autres non. C'est donc à vous de décider. Après avoir peint dans la tige, je pousse les zones de valeur les plus sombres avant laisser sécher complètement le tout. Et la seule raison pour laquelle je m'autorise à le faire à ce stade, c'est parce que tout est encore humide et fonctionnel. Certaines sections de ma pomme, nous sommes déjà bien secs. Je préfère simplement le laisser sécher complètement puis revenir plus tard pour assombrir les zones si nécessaire. N'oubliez pas que ce que nous essayons de faire avec tous ces différents greens, c'est de créer une grande variété de verts différents. Vous ne voulez pas commencer à utiliser votre écran vert moyen et plus sombre et commencer à masquer complètement les valeurs de vert les plus claires, car cela va nous aplatir. Vous devez développer une large gamme de valeurs, allant des zones très, très claires à une large gamme de tons moyens aux tons foncés plus foncés. C'est ce qui permet de créer un sentiment de dimension et de réalisme dans une œuvre. Vous avez donc besoin de ces tons clairs, ces tons moyens, ces tons foncés les plus sombres. Bien sûr, comme je l'ai déjà dit, aquarelle a tendance à sécher plus légèrement que ce à quoi elle ressemble lorsqu'elle est mouillée. Donc, une fois que tout sera sec, très probablement, vous devrez revenir pour pousser les zones de valeurs les plus sombres, surtout si vous recherchez des niveaux de réalisme plus élevés, ce qui est ce que nous allons faire dans la prochaine phase du processus. J'en ai fini avec ce développement de valeurs plus claires et de tons moyens plus foncés. Et il est temps de laisser tout sécher complètement avant de passer à la phase suivante du processus. Mais avant de poursuivre, je voudrais ajouter une petite note ici pour expliquer pourquoi ce pré-mariage dans la première partie de ce processus a été si important et si utile. Surtout quand j' essaie d'arriver à ces résultats que je montre en ce moment. Donc, en prenant ce temps au début pour arriver à cette belle humidité uniforme où non seulement nous créons ces magnifiques effets et dégradés diffus, mais nous nous achetons également plus le temps de pouvoir faire plus de travail en une seule couche. Et c'est la clé de la fraîcheur, car plus vous créez de couches dans une aquarelle ou une illustration, plus il y a de chances que vous arriviez à un résultat. Donc, plus vous pouvez faire de description pour vos différentes valeurs et même des textures avec un même calque. Souvent, la fraîcheur ou le résultat sera, d'accord. Passons à la dernière phase pour la pomme d'écran, qui va être l'assombrissement des zones de valeur les plus sombres, ainsi que l'ajout de détails finaux. Comme vous pouvez le constater, tout a complètement séché. La couleur semble certainement plus claire que ce à quoi elle ressemblait lorsqu'elle était mouillée. Nous allons donc maintenant pousser les zones de valeur les plus sombres. Je commence avec la tige. Et bien sûr, comme la tige est si petite, je m'assure d'utiliser mon pinceau rond taille trois parce que je cherche juste à assombrir petites formes sombres de la tige. J'y vais avec mon brun plus foncé, qui est une terre d'ombre brûlée avec un peu d'eau dedans. Vous pouvez voir comment j'assombrit certaines petites sections et j'ai laissé apparaître une partie de la couche brune plus claire précédente afin que je puisse développer cette plage de valeurs de brun même dans la tige. Vous pouvez également déjà percevoir ces minuscules reflets où j'ai laissé ce papier complètement non peint. Depuis la toute première couche de la tige. est-à-dire que même dans cette toute petite partie de la pomme, la tige, j'ai créé des reflets. J'ai créé des zones brunes plus claires et j'ai créé un brun plus foncé pour assombrir ces valeurs brun foncé et la tige, je passe à l'assombrissement mes zones de valeur vert le plus foncé dans toute la pomme. Pour cela, parce que la forme est beaucoup plus grande, je passe à mon pinceau rond taille 10 car je cherche vraiment à repousser tons moyens les plus foncés et les zones les plus sombres. Je n'utilise vraiment que mon écran vert moyen et mon écran sombre à ce stade. J'ai dû ajouter un peu plus de peinture et d'eau mes mélanges de couleurs parce que je n'avais plus de peinture. Donc, avant de commencer avec mes verts, je me suis assuré de le faire et je me suis également assuré que les mélanges de couleurs que je crée sur ma palette de mélange de couleurs soient bons et juteux. Ils contiennent une bonne quantité de peinture et d'eau. Et en m'assurant qu'ils contiennent une bonne quantité d'eau, je peux juste être sûr que je n'irai pas avec un mélange de couleurs saturé très foncé mélange de couleurs saturé qui va être très d'apparence sévère, en particulier par rapport aux valeurs vertes plus claires qui pourraient être derrière elles. Si vous peignez une forme saturée très sombre au-dessus d'une zone de valeur très claire, ce sera très net à cause du contraste que vous créez. J'essaie donc de rester subtil. N'oubliez pas que vous pourrez toujours entrer et assombrir, mais qu'il est beaucoup plus difficile d'entrer et d'éclaircir, surtout lorsque vous travaillez avec de l'aquarelle. Assurez-vous donc que vos mélanges de couleurs contiennent de l'eau et qu' ils ne sont pas super secs. Encore une fois, nous nous concentrons sur la peinture dans des formes irrégulières abstraites, en particulier le long des bords gauche et droit ainsi du bas de la pomme et la partie supérieure concave où se trouve la tige. Parce que je peins ces formes vert foncé sur du papier sec. Je n'obtiens pas cet effet diffus doux. J'obtiens des bords nets et définis autour des formes dans lesquelles je peins. Donc, chaque fois que je veux adoucir ces bords, ce que je fais, c'est après avoir peint dans cette forme vert foncé, j'enlève la peinture de mes poils de pinceau et je reviens avec une peinture propre et un pinceau légèrement humide et passez doucement les poils de mon pinceau sur bord que je veux adoucir. Donc, dans ce cas, ce serait bord intérieur de ces formes qui est plus proche de la section centrale de la pomme dans laquelle je vais adoucir. Il n'est cependant pas nécessaire de tout adoucir. Si vous y allez et que vous faites de l'adoucissement, assurez-vous de le faire doucement et très peu. Plus vous frottez et adoucissez votre peinture, plus vous risquez d'obtenir un résultat surchargé de travail. Donc, n'assombrir que les zones qui doivent être assombries et adoucir uniquement les bords qui doivent absolument être adoucis. Commencez à vous entraîner à entrer dans les sections assombries en toute confiance, et laissez cette peinture autant que possible. Bon, je suis en train de terminer avec ces derniers petits détails. Et avec cela, nous en aurons fini avec l'illustration de la pomme verte. Félicitations pour avoir réussi ce cours. Passez le temps dont vous avez besoin avec celui-ci avant d' aller de l'avant. J'ai hâte de commencer avec notre prochaine illustration, qui sera une clémentine. Quand tu seras prête, je te vois là-bas. 6. Illustration de clémentine: Bienvenue dans ce cours où nous allons dessiner puis peindre une clémentine ensemble. Commençons par la phase numéro un, qui est notre phase d' esquisse préliminaire. Je sors à nouveau mon crayon B et je vais d'abord me concentrer sur les formes les plus grandes, assurant que je dessine légèrement et que je vais me diriger vers les formes et les détails plus petits. Pour la Clémentine, nous avons une forme un peu ovale, mais elle est très irrégulière. C'est très imparfait parce qu'une fois de plus, nous dessinons puis peignons. Je suis un objet naturel, organique. Il y a donc beaucoup d'imperfection tout au long d'une irrégularité. Et pour cette raison, il n'est pas nécessaire d'être super perfectionniste pour créer un cercle ou un ovale parfait. Il peut même être un peu asymétrique et c' est parfaitement bien. En fait, je vous recommande intégrer certaines de ces imperfections et irrégularités dans votre croquis, car s'il s'agit d'un cercle ou d'un ovale parfait, il ne sera pas très réaliste. Ça va ressembler davantage à un dessin animé pour celui-ci, j'ai ajouté quelques feuilles en haut à droite. J'ai donc esquissé légèrement et librement deux formes de feuilles et j'ajoute uniquement la nervure centrale. Là-bas. Vous m'avez vu effacer cette ligne pour le bord de la clémentine que nous ne pourrions pas voir parce que la feuille la recouvre, mon croquis est prêt. Passons à la phase numéro deux pour celle-ci, qui sera la phase où nous choisirons nos couleurs et nous préparerons nos premiers mélanges de couleurs nos premiers mélanges pour cette illustration de Clémentine, je suis va apporter cinq couleurs différentes. Et ces couleurs sont chirales, lues, vertes sous-marines, Hansa, Yellow Deep, d' où une lumière jaune et une ombre brûlée. Allons-y et commençons à créer nos jolis mélanges de couleurs juteux sur nos palettes de mélange. Encore une fois, j'utilise mon pinceau rond taille 10 pour cela, et je fais ressortir un peu d' eau à la fois dans ma peinture, uniquement mon pinceau dans ma peinture et j'en fais ressortir un peu à un moment dans ces zones de mélange de ma palette de mélange. Je commence à créer ma variété d' oranges et d'oranges rougeâtres. Encore une fois, j'essaie de créer une couleur plus claire, une couleur moyenne et une couleur plus foncée. Et c'est pour que je puisse me préparer au succès afin pouvoir développer rapidement ces différentes valeurs tout au long de la Clementine. Donc, ces trois mélanges de couleurs sur la partie supérieure de ma zone de mélange, sur ma palette. tout est une combinaison de Hansa Yellow Deep et de rouge pyrrole. C'est juste que ces différents mélanges de couleurs contiennent ces deux couleurs dans des quantités différentes, deux rapports différents. Vous pouvez donc me voir continuer à travailler sur ces différents mélanges de couleurs. Celui en haut à droite est ma couleur la plus claire. Il contient beaucoup plus de Hansa Yellow Deep que de rouge pyrrole. Donc ça ressemble plus à un jaune, orange à gauche de ça. C'est ma couleur moyenne. Il ressemble plus à une orange secondaire normale. Il a donc environ 50 % de jaune foncé et 50  % de rouge pyrrole. J'ai juste continué à mélanger plus d' une couleur ou d'une autre couleur jusqu'à ce que j'arrive à une couleur légèrement plus foncée que la première qui ressemblait plus à un milieu de gamme, l'orange. Et puis en dessous, j'ai la couleur la plus foncée que je vais utiliser dans la Clémentine, qui est une combinaison de ces deux couleurs une fois de plus, mais elle est plus lourde sur le rouge pyrrole, ce qui la rend l'air plus sombre. Très bien, et dans la partie inférieure de ma palette de mixage, j'ai créé à nouveau deux verts différents. Je me suis préparé un marron, qui sont des couleurs que vous m'avez déjà vu préparer pour les illustrations précédentes. J'ai mon vert plus clair, qui est un mélange de vert sous-marin et de beaucoup de lumière jaune hansa. Ensuite, j'ai mon vert plus foncé qui est vert sous-marin avec un peu d'eau dedans. Et le brun que vous voyez sur ma palette est l'ombre brûlée avec de l'eau juste ici. Je vais juste tamponner ces couleurs pour vous sur mon morceau de papier aquarelle afin que vous puissiez voir quoi elles ressemblent sur le papier. Encore une fois, je veux juste vous rappeler, assurez-vous que vos mélanges de couleurs sont bons et juteux. Ils ont une bonne quantité de couleur, mais aussi un peu d'eau. Et assurez-vous d'en avoir assez, surtout des oranges et des oranges rougeâtres. Une fois que vos mélanges de couleurs seront prêts, il sera temps de passer à la phase numéro deux de ce processus de peinture, dont vous savez probablement déjà ce que c'est, ce que nous allons être faire. Nous allons développer ces valeurs de pâles les plus dans cette toute première couche de peinture, en apportant juste un peu de la couleur la plus claire du bouquet que nous avons préparé. pour cette section, qui est jaune, orange. Et une fois que vous avez placé une certaine quantité de peinture sur votre papier, vous pouvez y aller avec un peu d'eau de votre contenant pour dissiper cette couleur vers l'extérieur, puis répartir le pigment dans une plus grande section. Adoucir cette couleur et arriver à un jaune orangé très pâle et translucide sur tout le pourtour. Je ne suis pas avant le mariage de la tige ou des feuilles. J'essaie de les garder au sec. Je fais en sorte de bouger vite parce qu' au début, ce papier va avoir très soif parce qu' il est complètement sec. Donc vous voulez le garder en mouvement lorsque vous peignez dans cette forme, immédiatement, allez-y, prenez plus de couleur ou plus d'eau et entrez dans le bord de cette forme et retirez cette couleur et continuez à distribuer et étaler ce pigment dans toute cette zone avant que les bords ne sèchent sur vous. Et en plus de développer ces valeurs les plus claires, vous pouvez également ignorer, déplacer votre pinceau de différentes manières afin de laisser passer de minuscules sections de papier blanc afin que pouvez avoir quelques points saillants ici et là. Ces petites formes blanches que vous laissez peuvent également aider à décrire la texture de la peau de clémentine. Mais en dehors de cela, l'autre objectif cette première couche de peinture est bien entendu de s' assurer que nous arrivons à une belle humidité uniforme sur l'ensemble de la forme Clementine. Et c'est pour que nous puissions développer nos différentes valeurs avec ces jolies transitions douces entre nos oranges et nos oranges rougeâtres. Encore une fois, prenez votre temps pour cette partie du processus. Je suis comme avec les procédés d'illustration précédents, j'utilise mon pinceau rond taille dix. Et je passe tout en revue plusieurs fois très doucement pour ne pas affecter le dimensionnement du papier, bien sûr, mais j'aime bien tout revoir cinq à six fois. Assurez-vous donc qu'aucune section de ma clémentine ne commence à sécher trop rapidement sur moi. Ok, donc une fois que j'ai développé cette couche la plus claire, la plus pâle, la plus translucide avec la couleur la plus claire du bouquet, mon jaune, mon orange. Et j'ai laissé quelques petites sections de faits saillants. Il va être temps de passer à la phase numéro quatre, dans laquelle nous allons continuer à développer des tons moyens plus foncés et des zones sombres plus sombres et commencer à donner à cette Clémentine une sensation de lumière et ombre et dimension. Je me dirige progressivement vers la couleur la plus foncée de la grappe, qui est mon rouge, mon orange. J'ai donc d'abord choisi le jaune orangé le plus clair. Encore une fois, j'ai juste utilisé cette couleur et un peu plus d'un état saturé avec moins d'eau aval et j'ai commencé à faire mon chevauchement avec la même couleur dans les zones que je voulais assombrir un un peu plus, ce qui, tout comme pour la pomme que nous faisions auparavant, je me suis concentré principalement sur le fait de commencer à développer des tons moyens plus foncés le long des bords extérieurs de la clémentine le long du fond. Et aussi dans la partie supérieure qui est un peu concave où la tige sort. Je savais qu'en laissant, d'une manière générale, des valeurs plus légères au milieu de la Clémentine et de la section centrale, je pouvais créer une rondeur à la structure. Bien entendu, je développe également des valeurs plus sombres sous les feuilles, où les feuilles empêchent la lumière d'atteindre les sections de la peau de clémentine situées en dessous. J'utilise mon pinceau d'une manière légèrement différente de la façon dont je l' utilisais pour Apple. Parce que lorsqu'il s'agit de la peau de clémentine, elle est bien plus texturée. Si vous appliquez votre couleur et que vous la mettez dans cette zone humide en entrant rapidement et en touchant la pointe de votre pinceau avec cette peinture, puis en soulevant rapidement ce pinceau, vous remarquerez que vous pouvez créer plus de texture avec elle, au lieu d'entrer et de créer un coup de pinceau lisse, puis de soulever une sauvegarde. Je fais beaucoup plus de ce mouvement de pointage rapide pour cette illustration. Pas partout dans la Clementine. Vous n'avez pas à trop décrire cette texture qui va très loin avec celle-ci. Je n'irai pas lisser cette texture comme je l'étais avant. Je le quitte alors que je développe ma couleur, mes différentes valeurs. Je réfléchis également à la façon de changer la façon dont je fais mes coups de pinceau et à utiliser mon pinceau pour commencer à décrire un peu de cette texture. À ce stade du processus, j'ai utilisé ma couleur plus claire et ma couleur moyenne. Et là, vous me voyez faire un peu de nettoyage le long des bords, déplaçant légèrement les bords vers l' extérieur et adoucissant les transitions avec un pinceau propre et légèrement humide. Je voulais faire ce travail avant commencer avec la couleur la plus foncée du bouquet, qui est mon rouge, mon orange. À ce stade du processus, tout est encore très humide et réalisable. Il est donc temps de passer à la mise en place de ma couleur la plus foncée de bouquet. Donc le rouge, l'orange. Et celui-ci, je vais seulement placer dans les domaines de valeur les plus sombres que je pense développer. Encore une fois, je me concentre sur les bords, en particulier le bord inférieur de la clémentine. Également la partie supérieure où la tige sort et les zones d'ombre sous les feuilles. Je ne veux pas en faire trop avec cette orange rougeâtre parce que si je le fais, la Clémentine entière peut commencer à devenir plus rouge. Orange, et je ne veux absolument pas faire ça avec tous mes procédés de peinture. une manière générale, plus ma couleur est foncée, moins je place de couleur, plus je place cette couleur intentionnellement parce que je veux seulement assombrir les zones de valeurs les plus sombres et laisser toutes les les valeurs précédentes qui ont déjà été développées pour mes valeurs plus claires et mes tons moyens. Libérée de cette prochaine couleur que je place, je ne veux pas couvrir ces valeurs plus claires parce que cela va nous aplatir. Il s'agit de développer ce large éventail de valeurs. Si vous recherchez le réalisme et la dimension, je garde tout très lâche, très irrégulier, même si je suis délibéré sur l'endroit où je commence à développer mes tons moyens plus foncés et mes les ténèbres les plus sombres. Je m'assure de rester loin de l'apparence des formes organisées, des contours et de tout ce genre de choses. Je considère ces différentes formes de valeur comme des formes abstraites irrégulières et je m' éloigne de l'apparence des contours et des formes avec une épaisseur constante partout parce que cela ne va pas pour être très réaliste. Bon, il est temps de passer à la dernière partie de cette phase. Et cela va être la peinture des feuilles et aussi de la tige. Je tiens à vous rappeler que si vous ne voulez pas les verts et les bruns que nous utiliserons pour les feuilles et la tige. Si tu ne veux pas que ça saigne dans la partie orange de la clémentine. Assurez-vous de laisser sécher complètement l'orange avant de peindre les feuilles et la tige. Si cela ne vous dérange pas qu'un peu de saignement se produise, alors allez-y et commencez à peindre ces sections. Après avoir enlevé tout mon orange pour mes poils de pinceau, je suis allé de l'avant et j'ai commencé à peindre dans la première couche, dans les feuilles avec mon invitation au vert, j'en ai laissé de petites formes travers lesquelles mon papier brille, complètement non peintes parce que je voulais que ce papier reste en place pour mes mèches. Une fois que la couche verte la plus claire est entrée, j'ai ajouté une partie de mon vert plus foncé par-dessus cette couche verte plus claire alors qu'elle était encore humide. Je l'ai fait de manière très irrégulière et en manière très irrégulière et m' assurant de ne pas laisser tomber trop de mon vert plus foncé au point que le vert plus foncé dévore complètement et couvre dans toutes mes zones vertes plus claires. Je veux m'assurer que les feuilles ont des reflets, verts plus clairs et des verts plus foncés. Alors n'ajoutez qu'un peu de votre vert plus foncé et dans certaines sections, cela peut être difficile. Si vous peignez de petites formes, vous devez vous assurer qu'elles n' entrent qu'avec une petite quantité de peinture et d'eau dans votre pinceau, vos poils, sinon cette deuxième couleur plus foncée et commencez toute la couleur précédente et vous pouvez commencer à perdre le contrôle. Une fois que j'ai fini avec mes feuilles, il était temps de peindre la tige. Et pour la tige, j'ai opté pour mon pinceau rond taille trois. Et au début, je suis entré avec de l'ombre brûlée dans un état très pâle et très dilué afin de développer des valeurs de brun plus clair. Et une fois que cette première couche marron très clair est peinte, je n'entre avec ma même terre brûlée que dans un état plus saturé. J'ai donc ajouté un peu plus de peinture à ce mélange de couleurs pour l' épaissir un peu. Et en utilisant l'ombre brûlée légèrement plus saturée, je suis tombée dans noir dans certaines sections de la tige. Encore une fois, dans ma tige, j'ai une toute petite section de points forts. J'ai des sections brunes plus claires et des sections brunes plus foncées. Et avec cela, j' fini avec ce développement initial de valeurs et de textures tout au long de la Clementine. Il sera chronométré pour permettre à tout de sécher complètement afin que nous puissions passer à la toute dernière phase de ce processus, qui va être celle où nous allons assombrir les zones les plus sombres et aussi ajoutez les derniers détails. Je laisse tout sécher complètement et vous pouvez voir à quel point ces couleurs sont beaucoup plus claires maintenant que tout est sec. Il est donc temps de passer à la couleur moyenne. C'est donc mon orange moyen, essentiellement que je me suis préparé avant de commencer. Ensuite, je vais utiliser la couleur la plus foncée, qui est le rouge-orange, pour ne pousser que les zones les plus sombres. Donc, peignez ces formes d'ombre dans la plus grande partie de la Clémentine, je m'en tiens au pinceau rond de taille 10. Mais quand il s'agit de pousser les parties les plus sombres des feuilles et de la tige, je vais passer à mon pinceau rond taille trois avec cette partie du processus pour vraiment me concentrer uniquement sur assombrir les tons moyens les plus sombres et les zones les plus sombres et laisser intacts et découverts tout le développement antérieur de la teinte et de la valeur dans toute la Clementine ou nos zones de valeur les plus claires. Avec cette couche de peinture suivante, nous avons besoin de ces belles valeurs plus légères sur lesquelles nous avons déjà travaillé si dur. Concentrez-vous donc uniquement sur l'assombrissement des sections de valeurs les plus sombres. Et ce que je mentionnais avec les illustrations précédentes joue vraiment un rôle dans toutes ces illustrations. Et c'est très important lorsque vous passez à l'utilisation de ces couleurs plus foncées, en particulier lorsque vous peignez sur du papier sec. Les choses ont tendance à paraître plus vives, surtout parce que la peinture reste concentrée dans une zone. Il ne se dissipe pas parce que le papier n'est pas mouillé. Donc pour cette raison, vous voulez vous assurer que oui, vous utilisez votre couleur moyenne et votre couleur la plus foncée, mais assurez-vous qu'ils contiennent une certaine quantité d' eau que vous n'allez pas utiliser super, super saturé et sec avec vos mélanges de couleurs car cela peut créer beaucoup trop de contraste et cela peut être très net. Je suis très gênant pour le spectateur. Alors restez subtil. N'oubliez pas que vous pouvez toujours entrer et assombrir, mais il sera très difficile d'entrer et d'éclaircir, surtout lorsque la peinture est sèche. En dehors de tout cela, pensez également à reconnaître ces formes plus sombres comme des formes irrégulières abstraites et évitez l' apparence des contours et formes en blocs épais et de toute sorte de ligne ou de marque, tout ce qui est très net peut probablement nuire au niveau de réalisme que nous essayons de développer parce que nous peignons sur du papier sec et que cette peinture ne se dissipe pas et ne s'adoucit pas dans n'importe quelle humidité ou quoi que ce soit de ce genre, il nous reste des bords nets et définis autour des formes que nous peignons. Si vous souhaitez adoucir l'un de ces bords, retirez cette couleur de votre pinceau, poils et passez votre pinceau légèrement humide le plus propre sur le bord que vous souhaitez adoucir pendant que la peinture est toujours mouillé. Je suis donc entré et j'ai assombri toutes ces zones que je voulais pousser un peu plus, en particulier les ombres sous les feuilles, la partie supérieure où la tige sort et aussi le long certains bords de la clémentine. Ils sont ensuite passés à mon pinceau rond taille trois et ont assombri certaines sections en utilisant mon vert plus foncé dans les feuilles, j'ai fait un très léger traçage irrégulier sur cette nervure centrale que j'ai J'avais dessiné au crayon. Mais remarquez que même si j'utilisais mon vert plus foncé, je l'utilise dans un état translucide très pâle, de sorte que je n'ai pas créé de ligne très visible ou cette nervure centrale, les feuilles, donc c'est visible mais c'est toujours subtil. J'ai également utilisé un peu d' ombre brûlée pour assombrir certaines sections de la tige. Si vous avez le moindre doute sur le fait que votre mélange de couleurs n'a pas la bonne consistance ou qu'il n'a pas le bon niveau d' eau, vous pouvez donc passer à l'étape la plus foncée de la couleur que vous avez déjà sur papier, pastel, vos mélanges de couleurs sur votre morceau de papier aquarelle. C'est pourquoi j' ai toujours des bouts de papier aquarelle sous la main lorsque je peins. Et les bouts de papier aquarelle, ou juste de vieilles peintures qui ne se sont pas révélées ou que je n'aime pas du tout et je viens de découper en morceaux. J'utilise le dos. Enfin, j'ai supprimé tout ce brun pour mes poils de pinceau, et je vais toujours utiliser mon pinceau rond taille trois pour faire ma dernière édition de détails. Et cela va être pour développer un soupçon subtil de cette texture de la peau de clémentine ici que j'utilise mon orange moyen dans un joli état d'eau en aval. Et vous pouvez me voir commencer à griffonner même de petites formes irrégulières orange qui ont vraiment aidé à ajouter du détail et de la texture à cette clémentine. Comme pour tout ce que j'ai fait, je veux rester subtil. Et je veux aussi m' assurer que j'apporte des tonnes d'irrégularités. Je n'essaie pas de créer des pensées parfaites ou petits cercles parce que cela ne conduirait pas au réalisme. Je m'assure que ces petites formes que je crée sont imparfaites et que certaines d'entre elles sont plus grandes, d'autres plus petites et qu'elles se regroupent ou se regroupent de différentes manières. irrégularité dans à peu près tout est essentielle lorsque nous dessinons ou peignons un sujet organique naturel comme celui-ci. Une autre chose est que vous n' avez pas à ressentir le besoin d'entrer et de recouvrir toute la forme de clémentine avec de la texture. Je vais seulement ajouter cette texture à certaines zones. Et c'est largement suffisant pour décrire subtilement la peau de clémentine lorsque j'ajoute ces petites formes de texture dans des sections de la clémentine qui ont développé des valeurs plus sombres. Comme par exemple, dans les zones d'ombre plus profondes sous les feuilles, et peut-être dans d'autres formes légèrement plus foncées, orange rougeâtre que vous avez créées. Vous pouvez certainement utiliser la couleur la plus foncée du bouquet au lieu de votre orange moyen et créer ces petits textes ou formes avec cette couleur la plus foncée. Assurez-vous simplement de toujours tenir compte de la couleur et de la valeur que vous avez en dessous lorsque vous pensez à la couleur et au niveau de translucidité que vous utilisez pour peindre. cette forme ou cette petite marque au-dessus de cette couleur arrière afin que vous puissiez garder les choses subtiles et ne pas créer trop de contraste en peignant une forme très sombre ou marque au-dessus d'une valeur très claire. N'oubliez pas que cela va être très dur et très distrayant. Et vous voulez garder les choses minimes, lâches et fraîches et ne pas en faire trop , cela va loin, surtout quand il s'agit de peindre à l'aquarelle. Et vous ne voulez pas commencer à trop travailler ou à trop décrire vos pièces. Un conseil que je peux vous donner pour vous aider à ne en faire trop avec cette texture est de faire des pauses. Faites des pauses et admirez votre pièce d' un peu plus loin. Et demandez-vous si vous avez déjà développé suffisamment de texture. Si vous ne faites pas de pauses, il est très facile de continuer et de continuer et vous finirez avec beaucoup trop de texture et cela sera juste trop décrit. Et avec ça, nous en avons fini avec cette illustration aquarelle de Clémentine. Si vous avez réussi ce cours jusqu' ici, félicitations, je suis tellement fière de vous et je suis impatiente de passer au prochain fruit de l'été, qui sera une paire de cerises. Prends le temps qu'il te faut avec celui-ci et dès que tu seras prêt, je te verrai dans le prochain. 7. Illustration de cerises: Bienvenue dans ce cours où vous allez dessiner puis peindre une paire de cerises ensemble. Allons-y et passons directement la phase numéro un de ce processus, qui sera l'esquisse préliminaire. Donc encore une fois, à l'aide de mon crayon B, je commence légèrement avec les formes les plus grandes, concentrant sur l'obtention de bonnes proportions, de bonnes formes, et aussi une bonne utilisation de ma zone de dessin. Je ne veux pas que mon illustration soit trop petite ou trop grande pour ne pas tenir dans cette feuille d'aquarelle. Et je veux qu'il soit relativement centré dans cette zone de dessin. Vous avez probablement remarqué maintenant que vous m'avez vu en dessiner un bon nombre dans lesquels je ne vais pas entrer et essayer de créer un cercle ou un ovale parfait ou quelque forme que ce soit d'un seul trait. En fait, j'utilise plusieurs lignes et je les regroupe, faisant attention aux angles, de sorte que lorsque je rassemble ces lignes, elles créent la forme globale de ce fruit. J'aime bien aborder mon sketch de cette façon. plupart du temps, ça me facilite les choses. Et je suis capable de créer un aspect plus irrégulier, légèrement asymétrique à cette forme au lieu d' essayer d'entrer et de créer un ovale parfait ou un cercle parfait, après avoir créé les deux plus grands des formes pour les cerises, j'ai ensuite ajouté dans la tige qui les relie. Vous pouvez voir comment j'ai également introduit légères courbes et imperfections dans cette tige. Enfin, je suis en train de cartographier quelques sections de faits saillants, tout comme avec Apple. Ces formes de surbrillance que je suis en train de cartographier pour moi-même sont en fait beaucoup plus grandes lorsque je les esquisse au crayon que la taille qu'elles vont que la taille qu'elles vont réellement avoir. Ils deviennent presque toujours un peu plus petits pendant que je peins. Mais ces formes m' ont aidée à me rappeler que je voulais vraiment qu'une très petite quantité de pigment pénètre dans ces zones, cartographiant ces formes de reflets dans une taille légèrement plus grande ce que je veux vraiment qu'ils soient à la fin. Cela me donne un meilleur contrôle. Très bien, nous passons à la phase numéro deux pour ces cerises qui vont être planifiées, sont des couleurs différentes que nous allons utiliser et préparer nos mélanges de couleurs. Pour cette illustration, je vais utiliser quatre couleurs différentes. Et ces couleurs sont le pyrrole, le rouge, teinte neutre, d'où un jaune clair et un vert sous-marin. Je m'assure donc de commencer avec un contenant contenant l'eau propre, car cela aidera mes couleurs à rester belles et propres. Pour cette paire de cerises, je vais créer trois rouges différents. Un rouge plus clair, un rouge moyen et un rouge plus foncé. Et aussi aux verts, un vert plus clair et un vert plus foncé. Je commence à créer mes rouges. La première route au sommet, qui sera mon rouge le plus clair, est juste du rouge pyrrole uni avec un peu d'eau ajoutée. La deuxième rangée, qui est le rouge moyen. Juste en dessous, il y a du rouge pyrrole avec une toute petite teinte neutre. Et puis la troisième lecture que je suis créer juste en dessous est le Fred chiral avec une teinte plus neutre ajoutée. Vous pouvez donc voir comment je me retrouve avec trois rouges différents. Il n'y a pas assez de différence entre les rouges que je crée. Je m'assure de modifier les ratios de mes couleurs dans mes mélanges, en ajoutant plus de rouge ou de teinte plus neutre afin de m'assurer que je me retrouve avec le rouge plus clair, un rouge moyen et un rouge foncé, et enfin mûri au genou, je crée mes deux verts différents pour la tige, pour l' écran le plus clair, je mélange une fois de plus le jaune hansa clair et le vert sous-marin. Et mon vert le plus foncé est simplement vert sous-marin avec un peu d'eau ajoutée. Je vais commencer et changer ces couleurs pour vous sur ce morceau de papier aquarelle afin que vous puissiez à nouveau voir à quoi elles ressemblent sur le papier, sorte que vous puissiez choisir les couleurs que vous souhaitez qui vous aideront à obtenir des résultats similaires. Parce que les cerises sont petites, elles ont certainement des formes plus petites que les anciens fruits que j'ai peints. Je n'ai pas besoin d'autant de peinture sur ma palette. Cependant, je veux m' assurer que j'en ai assez et que je me suis préparé pour réussir. Encore une fois, en sachant comment je vais développer mes différentes valeurs de rouge et mes différentes valeurs de vert. Avec cela, nous sommes prêts à commencer la phase numéro trois de cette quatrième illustration, qui va être le développement de nos points forts, nos valeurs les plus légères et nous assurer que nous sommes arriver à une belle humidité uniforme afin que nous puissions commencer à développer nos différentes valeurs par-dessus cette première couche humide à l'aide de mon pinceau rond taille dix. Et vous pouvez certainement utiliser un pinceau plus petit si vous êtes plus l' aise avec un pinceau plus petit pour ces petites formes, j'applique un peu de ma première couleur la plus claire, qui est le rouge pyrrole additionné d'eau. Je fais de mon mieux pour ne pas ajouter de couleur sur la tige et sur les formes de surbrillance. Comme pour les autres, je m'assure de ne placer qu'une petite quantité de cette couleur. Et j'y vais avec de l'eau dans mon pinceau pour adoucir cette couleur et répartir cette petite quantité de pigment dans cette forme plus grande pour la rendre vraiment douce, légère et pâle. Ici, je suis même en train de soulever et d' enlever l' excès de couleur et d'eau parce que je commençais à déposer beaucoup trop d'eau dans cette toute petite forme. N'oubliez pas que vous pouvez toujours utiliser les poils les plus propres et légèrement humides de votre pinceau pour absorber l'excès d'eau ou de peinture que vous pourriez avoir accidentellement ajouté. Vous pouvez également y aller avec votre serviette absorbante pour faire du soulèvement ? J'utilise un pinceau propre et légèrement humide pour l'excès d'eau ou de peinture de cette forme. Touchez la pointe de mon pinceau à ma serviette absorbante pour l'enlever de ces poils et retournez-y pour le soulever au besoin. J'en ai presque fini avec cette légère couche de rouge. Je fais en sorte que tout soit bien et uniformément un pré-mariage. Et je suis sur le point de développer des valeurs plus sombres et de développer la dimension de cette cerise. Maintenant que c'est une paire de cerises, ce qui signifie que nous devons le faire, je vais les aborder séparément, donc je vais passer par la phase numéro trois et la phase numéro quatre deux fois, une pour chaque cerise. Et c'est parce que je veux assurer que je développe ces tons moyens plus foncés sur de la peinture encore humide. Si j'avais peint cette première couche pâle dans les deux cerises , puis que je suis retourné à la première pour développer mes tons moyens, je pourrais courir le risque de commencer à placer cette couleur sur de la peinture qui est commence déjà à sécher. Et je ne voulais pas que ça arrive. C'est pourquoi j'ai décidé d' aborder ces cerises séparément. Je peux donc vraiment prendre mon temps avec le processus et ne pas avoir l'impression courir contre la montre. Ce que je fais ici est donc la même chose que j'ai fait pour mes autres illustrations. abord, j'ai commencé par placer cette première couleur, qui est le rouge pyrrole plan avec un peu d'eau ajoutée en deux sections que je voulais assombrir un peu plus. Au départ, je me contente d'utiliser la couleur la plus claire dans un état un peu plus saturé. Ensuite, je me dirige vers mon rouge le plus foncé. Ajoutez d'abord le rouge moyen dans les sections que je veux assombrir davantage. Enfin, j'ajoute le rouge le plus foncé dans sections plus petites que je cherche vraiment à pousser plus loin. J'essaie de nouveau de laisser des valeurs plus claires dans la partie centrale des cerises afin de créer un effet arrondi juste là, vous m'avez vu faire un petit lifting de couleur à partir de cette section centrale. afin que je puisse mieux révéler la blancheur du papier sous la peinture et ajouter de la dimension à cette zone. J'ai donc ajouté mon rouge plus clair dans un état plus saturé. J'ai ensuite ajouté un peu de mon rouge moyen et je commence maintenant à utiliser mon rouge le plus foncé, comme pour les autres. L'objectif ici est de développer un large éventail de valeurs. Donc, à ce stade, vous pouvez voir comment j'ai un point culminant, où j'ai cette blancheur et la brillance du papier qui brille complètement non peint. J'ai des zones translucides très claires qui semblent roses. J'ai ensuite des zones plus foncées qui ressemblent davantage à un rouge moyen. Et puis j'ai les zones les plus sombres, ou tu commences vraiment à avoir une couleur plus blanchâtre. Un peu de mon rouge est arrivé au fond de cette tige. Je vais donc y aller avec un pinceau légèrement humide le plus propre , pour adoucir cette couleur. Un peu de vert va le couvrir. Je ne suis donc pas très inquiet. Après avoir fini avec le développement des tons moyens et des foncés les plus foncés dans cette première cerise, je vais procéder exactement de la même manière avec la deuxième cerise. Je vais donc revenir à la phase numéro trois pour celle-ci. Ensuite, nous allons passer à la phase numéro quatre pour la deuxième Cherry. Alors que je développe toutes ces valeurs dans mes cerises, je pense à la structure, je pense à la structure, leur rondeur consciente qu'il serait logique les sections d'ombres plus sombres soient prises en compte où l'emplacement de la source de lumière est par rapport à votre sujet ou vos objets et quel effet cette lumière aurait sur la structure tridimensionnelle de l'objet, il est essentiel que si vous essayez pour ombrer quelque chose de manière efficace et plus crédible que vous pensez vraiment à la structure tridimensionnelle de l'objet car cela vous aidera à rester loin de la planéité. J'ai fini de créer la première couche la plus pâle de couleur rouge et rose, la deuxième cerise. Et je vais maintenant revenir avec ma version plus saturée de mon rouge pyrrole pour commencer à assombrir certaines sections. Et je vais progressivement me diriger vers le rouge plus foncé, en faisant de mon mieux pour contrôler l'eau, en m' assurant de laisser une bonne partie de la couche la plus légère précédente briller et assombrir uniquement les zones qui vont m'aider à créer un effet arrondi et un peu de forme concave en haut où la tige sort. Et comme pour les autres illustrations, je m'assure que les choses restent très irrégulières, très abstraites. Et que je m' éloigne de l'apparence des contours ou des formes très délibérées de toutes sortes. Comme ce sont des formes plus petites sur lesquelles nous travaillons, vous devez vous assurer de ne pas avoir trop de peinture ou d'eau dans les poils de vos pinceaux. la forme est petite, plus il est difficile de garder le contrôle. Et il est très facile de commencer à masquer toutes les valeurs plus claires précédentes si vous commencez à ajouter trop d'une couleur plus foncée sur le dessus, parce que cette couleur s' étend et se couvre très rapidement et Démolissez toutes vos valeurs plus légères sur lesquelles vous avez travaillé si dur. Soyez donc très prudent et assurez-vous de ne pas entrer avec trop d'eau ou peinture dans les poils de votre pinceau, en particulier lorsque vous utilisez le rouge le plus foncé, vous devez vous assurer que tu ne fais que tomber dans cette obscurité. Lisez dans les zones où vous cherchez vraiment à accentuer le contraste. Et si vous souhaitez adoucir les bords de vos formes de surlignage ou si vous souhaitez les réduire. Vous pouvez utiliser un pinceau propre et légèrement humide et passer les poils de votre pinceau sur le bord que vous souhaitez adoucir ou apportez un tout petit peu de ce pigment pendant qu' il encore mouillé dans cette grande forme de surbrillance pour le rendre plus petit. Il nous manque donc de peindre la tige, bien sûr. Je vais donc utiliser mon pinceau rond taille trois pour cela. d'abord, bien sûr, je vais utiliser mon vert le plus clair, celui que j'ai créé en mélangeant ensemble, donc un jaune clair et un vert sous-marin ressemblent à un vert jaune ici. Je peins juste ceci en humide sur sec, mais je m'assure de le maintenir mouvement afin de ne pas me retrouver avec des bords difficiles à trouver autour de ce vert dans lequel je peins. Et alors que ce vert plus clair est encore humide, je laisse rapidement tomber mon vert plus foncé. Si vous vous déplacez rapidement et que vous vous assurez laisser tomber votre mur vert plus foncé, le vert le plus clair initial est encore humide. Vous allez avoir des effets diffus doux. Je veux m'assurer que lorsque je laisse tomber l'écran dans ce noir , je laisse beaucoup de sections avec un vert plus clair, brillant, recouvert d'un vert plus foncé. Parce que même pour la tige, nous voulons au moins deux valeurs vertes différentes. Très bien, et enfin, nous passons à la phase numéro cinq, la dernière phase de cette quatrième illustration, qui va assombrir zones de valeur les plus sombres et ajouter derniers détails comme pour les autres, je laisse tout sécher complètement avant de commencer avec cette couche de peinture suivante. C'est très important. Nous voulons peindre humide sur sec. Dans cette phase, j'ai décidé d'utiliser mon pinceau rond taille trois car ces formes sont assez petites. Et je veux m'assurer que je ne pousse vraiment que formes de valeur plus sombres là où j'ai vraiment besoin d'assombrir. Je ne veux pas couvrir mes valeurs plus claires si je n'en ai pas besoin, je vais d'abord dans les sections supérieures où la tige sort pour pousser ces valeurs plus sombres dans ces zones, je suis en utilisant d'abord mon rouge moyen, celui qui a un tout petit peu de tentes neutres. Et plus tard, si je veux assombrir encore plus certaines sections, j'opte pour le rouge le plus foncé. Encore une fois, plus ma couleur est foncée , plus la forme dans laquelle je peins est petite. Comme je peins sur du papier sec, j'ai des bords nets et définis autour des formes dans lesquelles je peins. Ainsi, chaque fois que je veux adoucir ces bords, je retire la couleur mes poils de pinceau et j'y retourne avec un pinceau légèrement humide le plus propre pour passer les poils de mon pinceau sur le bord que je cherche à adoucir alors que la peinture est encore humide après avoir assombri partie supérieure où la tige sort, j'ajoute également un peu plus de contraste et de définition. Dans certaines sections le long de certains bords des cerises, je m'assurerais de ne pas dépasser tout le bord, car cela peut vraiment conduire à un contour. Je ne passe en revue que certaines sections de ces patchs. Je tiens à vous encourager à avoir les mains légères. Ne noircissez pas plus que nécessaire. Assurez-vous de laisser un grand nombre de ces valeurs plus légères inchangées. Et si vous voulez adoucir quelque chose ou faire un gommage et un soulèvement doux, soyez minimal et doux. Ok. J'ai presque fini ici. Je vais aller de l'avant et assombrir certaines sections de la tige. Donc pour cela, comme nous nous concentrons sur le développement de valeurs plus sombres, je vais utiliser mon vert plus foncé, mon vert sous-marin, et je laisse beaucoup de ces sections vertes plus claires de la tige qui brille à travers, découverte de cette nouvelle couche de peinture. Et avec cette dernière étape, nous en avons fini avec cette paire de cerises. Je suis très heureux de commencer avec notre dernière et la plus difficile illustration à l' aquarelle, qui sera la pêche en tranches. Si vous avez besoin de plus de pratique avec cette paire de cerises ou avec l'une des illustrations précédentes. Allez-y et prenez le temps de continuer à les pratiquer avant de passer au suivant. Et dès que tu seras prête, je te verrai au dernier cours. 8. Illustration de pêche: Bienvenue dans notre dernier cours dans ce cours où nous allons enfin aborder l'illustration à l' aquarelle la plus difficile, qui sera la demi-pêche. Cela pourrait également être appelé une section transversale d'un pH parce que le pH est réduit, n'est-ce pas ? Et maintenant, la raison pour laquelle je considère cette illustration comme l'aquarelle la plus difficile de toutes est à cause des transitions et des dégradés mouillés sur mouillés que nous devons créer. à l'intérieur de cette pêche. Dans certains cas, laisser une grande partie de ce papier blanc briller à travers les sections les plus claires. Nous voulons également nous assurer d'intégrer certaines sections qui paraissent plus jaunâtres, d'autres qui paraissent un peu plus orangées, et d'autres sections plus rouges. Le rouge peut être une couleur délicate car il peut facilement l'emporter sur les couleurs plus claires. Et si on ne fait pas attention, tout peut commencer à paraître un peu à lire. Je vous recommande vivement de vous munir de photos de référence. J'ai laissé une photo de référence d' une pêche en coupe dans l' onglet Projets et ressources que vous pouvez télécharger. Mais remarquez ces formes à l'intérieur du noyau de pêche. Remarquez la forme, mais aussi leur taille, la variation de ces formes dans toute la fosse. Remarquez s'ils deviennent plus clairsemés et que certaines sections et plus de types de chevauchement et d'autres sections sont nulles ensemble et voyez toutes ces formes comme des formes d'ombre abstraites et irrégulières qui vous allez développer ce qui créera ensemble la texture visuelle que vous souhaitez, tout en intégrant tout ce que vous avez appris jusqu'à présent, non seulement en ce qui concerne le processus, mais aussi les techniques, les petits conseils que j'ai partagés garder les choses subtiles, voir tout comme des formes abstraites et irrégulières, rester à l'écart des contours et voir cela davantage comme définissant certaines sections de certains bords, en veillant à ce que votre pré-mariage soit efficace et en y ajoutant juste la quantité de peinture dont vous avez réellement besoin. Tout cela va être super, super utile. accord, avec tout cela dit, allons-y et passons directement la première partie de ce processus, qui sera, bien sûr, le croquis préliminaire au crayon. Encore une fois, à l'aide de mon crayon B, je commence par la plus grande forme générale de cette pêche, en m'assurant que je me concentre sur la forme, sur les proportions et sur l' emplacement de mon croquis dans ce papier aquarelle, en veillant à ce que mon croquis ne soit ni trop petit ni trop grand et qu'il soit relativement centré dans ce papier, ma plus grande forme avait été créée. J'ai ensuite commencé à ajouter des formes de taille moyenne et des détails plus petits. Il y a certainement plus de formes et détails que j' ajoute à ce dessin pêche. Surtout parce que celle-ci a une grosse graine saillante et que la graine est très texturée. Je m'assurerai de laisser une photo de référence d' une pêche tranchée en téléchargement avec ce tutoriel afin que vous puissiez observer la texture des graines et apporter réellement ces informations visuelles au fur et à mesure que vous peinture, il est toujours très utile d'observer à quoi ressemblent les choses dans la vie réelle parce que cela va éclairer votre travail et cela conduira à des niveaux de réalisme plus élevés si nous ne prenons pas le temps Observez à quoi ressemblent les choses dans la vraie vie, il est très probable que nous allons oublier les détails et les subtilités. Et nous allons dessiner ou peindre ce truc comme nous le pensons et non pas ce à quoi il ressemble réellement dans la vie réelle. Ainsi, chaque fois que vous optez pour des niveaux de réalisme moyen à élevé, aidez-vous avec des références ou observez des choses de la vie réelle que vous avez devant vous à l'intérieur de cette forme de graine et au centre de cette pêche, j'ajoute de nombreuses formes abstraites irrégulières où je vais développer des valeurs plus sombres dans cette graine. Et ce développement de valeurs tout au long la graine va m'aider à créer une texture visuelle crédible, une taille, la forme et la quantité de ces petites formes que j'ai esquissées vont vraiment de pair avec ce que j'observais sur les photos de référence. Je n'ai pas commencé à dessiner des formes au hasard. Je tenais compte de ce que je voyais réellement sur une photo de référence. D'accord, notre croquis est prêt et il est temps de passer à la phase numéro deux, qui va être la sélection de nos couleurs et la création de nos mélanges de couleurs. Je vais utiliser quatre couleurs différentes pour cette illustration de pêche tranchée. Et ces couleurs sont Hansa, Jaune, Profond, rouge chiral, ombre brûlée et teinte neutre. Donc, à l'aide de mon pinceau rond taille 10, je vais recommencer à créer mes mélanges de couleurs. Vous pouvez voir que je commence avec un joli récipient contenant l'eau propre afin que je puisse m'assurer que mes couleurs restent belles, propres et éclatantes. Pour cette illustration, cette section supérieure de ma zone de mixage, je vais commencer par créer mes mélanges de jaune, d'orange et d' orange rougeâtre. Encore une fois, assurez-vous d'avoir ma couleur la plus claire, ma couleur moyenne et ma couleur la plus foncée, afin de pouvoir développer une sensation crédible de dimension dans cette pêche. La toute première petite flaque de couleur que vous voyez haut est unie Hansa Yellow Deep avec un peu d'eau. Dans la flaque d'eau orange à droite se trouve Hansa Yellow Deep plus un peu de rouge pyrrole. Et juste en dessous, j' ai aussi une combinaison de Hansa Yellow Deep et de rouge pyrrole. Mais celui-ci est plus lourd sur le rouge pyrrole, ce qui le rend un peu plus rouge. Et bien sûr, c'est la plus sombre des trois. Dans cette partie inférieure de ma zone de mélange, je prépare quelques bruns différents parce que la graine est une partie si importante de cette illustration, je me suis assuré de créer trois motifs différents pour moi-même. Le brun le plus clair est un mélange d' ombre brûlée et de Hansa Yellow Deep. Ma flaque d'eau brun moyen est l'ombre brûlée avec de l'eau ajoutée. Et ce brun le plus foncé que je suis en train de créer est un mélange d'ombre brûlée et d'une teinte légèrement neutre. Assurez-vous qu' il y a suffisamment de différence entre les jaunes, les oranges et les rouges que vous avez créés en haut. Et aussi qu'il y a suffisamment de différence entre vos bruns. Et s'il n'y a pas assez de différence, assurez-vous de modifier les ratios de vos couleurs et de vos mélanges afin d'obtenir une couleur plus claire, une couleur moyenne et une couleur plus foncée pour les deux, juste ici, Je vais prendre une petite seconde pour analyser toutes ces différentes couleurs afin que vous puissiez voir à quoi elles ressemblent sur le papier. Et décidez quelles sont les meilleures couleurs disponibles pour créer des mélanges de couleurs similaires aux miens. En prenant le temps de tamponner vos mélanges de couleurs sur un morceau de papier aquarelle. Vous serez également en mesure de vous assurer qu'il y a suffisamment de différence entre vos différentes couleurs. Cela vous donne la possibilité de modifier ces ratios si nécessaire avant de commencer le processus de peinture, ce qui est très utile. Maintenant que j'ai de jolis mélanges de couleurs juteux, toute ma palette de couleurs, j'ai une bonne quantité de chaque couleur et elles ont toutes été vérifiées sur papier. Je suis prête à commencer la phase numéro trois de ce processus de peinture final. Allons-y et commençons à développer la toute première couche de couleur la plus claire , la plus translucide et la plus pâle. Et faire en sorte que nous arrivions à bien même mouiller ça. que nous puissions ensuite passer à la phase numéro quatre, qui va développer nos différentes valeurs au-dessus de cette couche la plus légère à l'aide de mon pinceau rond taille dix, je commence par placer un peu ma couleur la plus claire que j' ai préparée pour ma pêche, qui est mon jaune. Voici Hansa Yellow Deep avec de l'eau ajoutée. Et j'ai juste peint avec un peu de couleur. Et j'y vais avec un peu d'eau dans mon pinceau pour adoucir cette couleur, répartir cette couleur sur cette plus grande forme pour vraiment adoucir et la rendre très pâle et très translucide. Et je passe tout en revue plusieurs fois pour m'assurer que tout a été bien et uniformément marié avant de commencer à tomber dans plus de couleur. Le temps que vous consacrez à votre pré-mariage variera en fonction de l'environnement dans lequel vous travaillez. Personnellement, je vis dans un environnement très chaud et sec et je dois m'assurer tout revoir plusieurs fois. Mais si vous travaillez dans un environnement chaud, un environnement froid, un environnement sec , un environnement humide. Si vous avez un ventilateur sur un système de chauffage, sur une unité de climatisation, toutes ces choses auront un impact sur la rapidité ou la lenteur avec laquelle votre papier commence à sécher sur vous. Assurez-vous donc que, quel que soit l'environnement dans lequel vous travaillez, vous avez cela à l'esprit lorsque vous peignez afin de pouvoir prendre des décisions. Passez plus de temps à votre pré-mariage, travaillez plus rapidement, éteignez peut-être le ventilateur, quel que soit le cas qui peut vous aider, en particulier pour cette première partie du processus de peinture, où nous en peignant cette forme plus grande et nous voulons vraiment incorporer beaucoup de mouillé dans des effets doux mouillés et flous afin que le processus ne soit pas plus difficile qu'il ne devrait l'être. Très bien, donc pour commencer avec la phase numéro quatre ici, je suis arrivé à une belle humidité uniforme tout au long et je me suis assuré que la couche initiale était très pâle, très translucide. Et je commence maintenant à ajouter un peu de cette première couleur une fois de plus, mais cette fois, cette couleur est légèrement plus saturée, moins diluée. Vous pouvez voir la différence entre la couleur développée dans ce premier calque le plus pâle et ces nouvelles sections où j'ai commencé à appliquer la même couleur, mais maintenant avec plus de couleur et un niveau de saturation plus élevé, il semble un peu plus sombre, même s'il est exactement de la même couleur. Après avoir placé un peu plus de ce premier jaune le plus clair, j'ai ensuite commencé à ajouter ma couleur moyenne, qui est l'orange. Vous pouvez voir comment je tombe principalement dans cette couleur moyenne le long des bords extérieurs de la pêche tranchée et aussi autour de la mer, cette section autour de la graine est plus foncée et elle semble plus rouge et beaucoup les photos que j'ai vues, mais je me dirige toujours progressivement vers la couleur la plus foncée, qui est le balayage rouge. Placez d'abord ma couleur moyenne dans ces sections. Ensuite, je vais placer le rouge sur cette couleur moyenne. Il s'agit de le faire petit à petit, étape par étape. Je sais également que je souhaite créer un petit effet d' ombre plus tard autour de la graine. Donc, en commençant à développer des tons moyens plus foncés dans cette zone, je commence à y arriver , en me dirigeant vers ma couleur la plus foncée ici, le rouge. Et vous pouvez voir comment plus je deviens sombre avec mes couleurs, plus je fais attention à ne placer cette couleur que dans certaines sections manière très irrégulière et assurer que je reste loin de l'aspect des contours mis à part cette section plus foncée autour de la graine que je vais développer, je veux m'assurer que les sections charnues intérieures de cette pêche restent très, très léger et translucide. Je ne veux pas commencer à les couvrir avec ma couleur moyenne ou ma couleur la plus foncée parce que cela aplatirait tout et rendrait tout trop lourd. Je ne veux pas me débarrasser de ces valeurs les plus légères. Mais si vous entrez beaucoup trop de couleur dans ces zones, il vous suffit d'entrer et soulever le pinceau avec les poils légèrement humides les plus propres de votre pinceau ou votre serviette absorbante pendant que la peinture est encore humide afin que vous puissiez redonner une dimension cette zone et révéler davantage de papier en dessous. La peau externe du pH est un peu plus foncée. C'est plutôt une couleur orange plus foncée, rougeâtre. Je veux donc m'assurer que les parties extérieures de la pêche sont un peu plus foncées. Et le troisième est une partie de la couleur rougeâtre ajoutée dans le bord extérieur. Je n'ai pas ajouté ce rouge tout autour de la forme pêche et je ne l'ai laissé tomber que sur certaines sections du bord. Cela rend les choses beaucoup plus subtiles et naturelles. Je suis donc content du développement des teintes et des valeurs tout au long de la pêche. Et avant que tout ne commence à sécher sur moi, je vais enlever toute cette couleur orangée pour mes poils de pinceau. Et je vais commencer à développer mes effets mouillés sur mouillés avec mes bruns dans la zone des graines. J'ai d'abord commencé avec mon œil brun le plus clair, ai déposé dans cette zone d'une manière très irrégulière et lâche. Je dépose ensuite une partie de mon brun moyen et finalement je dépose un peu de mon brun le plus foncé en faisant un peu d'effets mouillés sur mouillés et en valorisant les développements dans la zone des graines. Cela signifie que j'ai déjà des sections marron plus clair, sections marron moyen et des sections marron plus foncé. Je vais avoir une bonne base pour continuer à développer davantage de texture sur, plus tard, humide, sur sec. Il était temps de laisser tout ça sécher complètement. N'hésitez pas à vous servir à nouveau d' un sèche-cheveux pour accélérer le processus de séchage. Une fois que tout sera complètement sec, nous allons commencer avec la phase finale de cette illustration finale, dans laquelle nous allons assombrir zones les plus sombres et ajouter des détails. J'utilise d'abord mon pinceau rond de plus grande taille dix parce que j'assombrit les formes plus grandes ici autour de la pêche. Et pour cela, j' utilise ma couleur moyenne, qui est l'orange. Et je vais aussi utiliser mon orange rougeâtre après avoir assombri ces sections dans la partie supérieure de la pêche et également dans la partie inférieure de la pêche. J'ai opté pour mon pinceau rond de petite taille trois parce que je vais assombrir certaines sections le long des bords extérieurs de la pêche où se trouve cette fine peau. Je fais de mon mieux pour m' éloigner des contours. Tu regardes autour de la pêche. Et pour ce faire, je crée une petite variation d'épaisseur de trait dans ces lignes que je peins autour du pH, ce qui signifie que certaines sections de mes lignes sont plus fines et d'autres mes lignes sont un peu plus épaisses. Pour ce faire, j'appuie mon pinceau sur mon papier à différents degrés. Parfois, c'est juste la pointe de mon pinceau qui entre en contact avec mon papier. D'autres fois, j'appuie sur le ventre de mon pinceau ou un peu plus. Cela donne plus l'apparence d'une forme longue et irrégulière qu'un contour qui a un seul trait uniforme, ce qui ne donnera pas un aspect très naturel. Je me suis également assuré de garder sa subtilité avec cette couleur et de ne pas utiliser un rouge très foncé tout autour du pH parce que ce serait un peu pour commencer à regarder et rendre les choses un peu trop caricaturales. Très bien, pour en venir aux derniers détails, je commence par peindre des formes de valeur plus sombres dans la graine développant ces petites formes qui ont des valeurs différentes à l'intérieur, je vais développer une texture visuelle. Je peux encore voir mon crayon travailler très légèrement à travers ma peinture. Si vous ne pouvez pas voir les formes que vous avez esquissées vous-même à travers votre peinture, vous pouvez entrer et les esquisser à nouveau. Avant de commencer à peindre dans ces formes, je vous recommande de jeter un coup d'œil à photo de référence la photo de référence de la pêche tranchée que je vous mets à disposition en pièce jointe afin que vous pouvez revoir ces formes et vous assurer qu'elles sont fraîches dans votre esprit avant de commencer à les peindre. Remarquez leur forme, leur orientation, leur taille. Remarquez approximativement le nombre de formes abstraites brun foncé que vous voyez dans la graine. Parce que ces formes et la façon dont elles se regroupent de différentes manières sont ce que nous essayons de recréer de manière lâche et sans trop les décrire en utilisant mon pinceau rond taille trois, J'y suis d'abord allé avec mon médium. Rond et commencé à peindre dans bon nombre de ces formes avec quelques formes marron moyen peintes. J'ai ensuite commencé à utiliser mon brun le plus foncé et j'ai commencé à assombrir certaines de ces sections de mes formes marron moyen. Enfin, je vais utiliser mon brun le plus clair et ajouter d'autres petites formes dans certaines sections qui me semblent un peu trop vides. Et aussi autour de la graine où je veux créer un peu de brun plus foncé afin de pouvoir vraiment arrondir cette graine. N'oubliez pas qu'en conservant certaines valeurs les plus claires dans la section centrale de la graine et en assombrissant les bords extérieurs, vous allez créer un peu d' arrondi. C'est donc ce que je suis en train de faire ici. J'y vais avec mon brun le plus clair et je crée des formes brunes abstraites et irrégulières sur les bords de la graine. Bon, enfin, je vais assombrir certaines sections autour la graine et de la partie charnue de la pêche qui est en fait comestible. Donc, avant de mentionner que dans de nombreuses photos de référence que je voyais pour les pêches, j'ai vu une couleur plus foncée et une teinte rougeâtre autour de la graine. C'est donc dans cela que je peins en ce moment. J'ai réactivé mon pinceau rond taille 10 car ces formes sont bien plus grandes. J'utilise mon orange rougeâtre pour cela. Je me suis juste assuré d'utiliser cette couleur dans un état assez dilué afin ne pas y entrer et de créer des formes très pointues et distrayantes. Si vous avez peint dans votre forme orange rougeâtre et que vous souhaitez ajouter un peu plus de couleur rouge dans certaines sections pour les assombrir encore plus. Tu peux aller de l'avant et le faire. Vous pouvez également adoucir ce bord en utilisant un pinceau propre et légèrement humide et en passant les poils de votre pinceau sur le bord. J'ai remarqué que les choses devaient être sombres et un peu plus sur les bords de la pêche. J'ai voulu assombrir certaines parties de la peau très fine. Cette fois, j'ai utilisé mon pinceau rond taille trois et mon brun moyen pour assombrir certaines sections de ces bords. Très bien, mon ami, et avec ça, nous en avons fini avec cette illustration de fruits de l'été dernier. Je veux vous encourager à essayer celui-ci si vous n'avez pas aimé vos premiers résultats. Ce qui est cool, c'est qu'ils sont assez petits et assez rapides pour que vous puissiez non seulement créer tout un tas dans une même feuille d'aquarelle, mais vous pouvez également travailler sur plusieurs dans un laps de temps relativement court et voir des améliorations très rapides. Félicitations pour avoir réussi ce cours. Je suis très fier de toi. Ce n'est pas facile à faire. Ça. 100 % mérite d'être célébré. J'espère que cela vous a plu et je vous recommande maintenant d'avoir travaillé sur les cinq illustrations auxquelles vous avez les cinq illustrations auxquelles vous pensé, laquelle vous a posé le plus de défis et pourquoi vous pensez qu'elle est cette façon, vous pouvez avancer de manière plus stratégique. Pratiquez un peu plus consciemment avec ce que vous pensez avoir besoin de pratiquer davantage et vous serez en mesure de progresser beaucoup plus rapidement. Très bien, c'est tout pour ces cours de ce cours. Rendez-vous dans la vidéo de clôture. 9. Merci: Merci beaucoup de m'avoir rejoint pour ce cours. J'espère vraiment que cela vous a plu. J'espère que vous avez appris de nouveaux conseils outils et astuces que vous pourrez ajouter votre sac à outils et que vous pourrez utiliser pour futures œuvres d'art sur lesquelles vous pourriez décider de travailler. Si vous aimez ce cours, n' oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare car j'ai des tonnes de nouvelles choses à venir très, très bientôt. N'oubliez pas de partager votre travail dans l'onglet Projets. C'est super facile à faire et j' ai hâte de voir ce que vous avez créé. Et si vous êtes sur les réseaux sociaux, n'oubliez pas de me suivre sur Instagram, Facebook et YouTube, où je partage constamment plus de conseils, de tutoriels et d'actualités sur des sujets que j'ai à venir ou à Je travaille dessus et ça va suffire. Félicitations pour avoir terminé ce cours. Continuez à créer, je crois en vous, vous avez tout ce qu'il faut pour devenir un grand artiste. Prends bien soin de toi et à bientôt. Au revoir.