Apprenez cette méthode unique de conception de personnages

1. Présentation de la classe: Voilà, Martin ici. Je suis très heureuse de partager quelque chose sur lequel je travaille depuis un moment. J'appelle cela une étude exploratoire , une technique créée pour rendre l'étude de la conception de personnages plus rapide et beaucoup plus amusante Cela a changé ma façon d' aborder la création de personnages et j'ai hâte de vous montrer comment cela peut fonctionner pour vous aussi. Cette classe est divisée en deux parties. Dans la première partie, je vais vous expliquer en quoi consiste l'étude exploratoire, comment elle fonctionne, pourquoi elle est si efficace, puis nous passerons à la technique proprement dite, décomposer les personnages complexes qui consiste à décomposer les personnages complexes d'une manière simple et amusante Ainsi, vous pouvez vraiment comprendre ce qui le fait fonctionner et en apprendre beaucoup plus. Dans la deuxième partie, nous allons utiliser ces connaissances et approfondir les bases de la conception de personnages, en commençant par certains concepts tels que le geste, trois mannequins en D et l'anatomie de base, puis en appliquant la technique de copie exploratoire pour obtenir un système permettant de créer des personnages très facilement Prêt à rendre l'apprentissage de l'art plus rapide, plus facile et plus amusant. OK, commençons. 2. Expliquer le système: Dans cette leçon, je vais vous expliquer un peu comment le système va fonctionner et comment il fonctionne Je parlerai également de la philosophie qui le sous-tend et des raisons pour lesquelles je pense que c'est un excellent système pour les débutants. Commençons par la question centrale autour de laquelle tourne ce cours Comment apprends-tu à dessiner des personnages ou quoi que ce soit d'autre à partir de l'imagination ? Si vous êtes plutôt un artiste intermédiaire, vous savez que tout commence par création de votre propre bibliothèque visuelle. Cela implique d'étudier et de mémoriser l'apparence de différents objets, tels que l'apparence d'un chapeau de cow-boy ou l' apparence d'un pied vue de face Ou la forme d'une botte. Il ne s'agit pas de copier-coller ce que vous étudiez dans vos dessins Au contraire, plus vous avez de choses en tête, plus votre cerveau peut effectuer d'opérations. Par exemple, si vous avez dessiné de nombreuses bottes et que vous avez une nouvelle image d'une botte en tête, la prochaine fois que vous aurez besoin de dessiner une botte spatiale ou une botte, quelque chose qui n'existe pas dans la réalité, vous aurez un point de départ. Vous comprenez à quoi ressemble une botte, vous pouvez donc modifier cette image mentale pour l' adapter à votre nouveau concept. Ce sont des exemples spécifiques, mais dans la pratique, la question de savoir comment dessiner quelque chose à partir de votre imagination se traduit par un simple exercice de dessin. Copier, que ce soit à partir de la vie réelle, photos ou du travail d'autres artistes. Vous devez vous asseoir et copier à plusieurs reprises différents types de choses que vous souhaitez apprendre. Pour nos besoins, si vous souhaitez dessiner des personnages de dessins animés, vous devez commencer par copier d'autres personnages de dessins animés. Maintenant, une tangente rapide. Avant que quiconque ne le demande, oui, il est vrai qu'il est avantageux de copier et d'étudier des personnes réelles lors de la création de personnages de dessins animés. Après tout, les dessins animés sont une abstraction de la vie réelle. Cela devient encore plus important si vous recherchez un style de dessin animé plus réaliste. Cependant, comme il s'agit d'un cours conçu pour les débutants, qui commencent tout juste par la conception de personnages, il est plus efficace d'étudier d'autres dessins animés plutôt que de vraies personnes Plus tard dans le cours, nous aborderons l'étude en situation réelle, mais ce n'est qu'une fois que vous aurez maîtrisé les bases en revenir à apprendre à dessiner des personnages de dessins animés , en termes simples, vous devez constamment copier des choses similaires à ce que vous voulez dessiner. Si vous aimez les anime, copiez beaucoup de vos animaux préférés. Si vous aimez les bandes dessinées, copiez-en beaucoup. Si vous continuez ainsi pendant une longue période, vous finirez par dessiner ces choses imagination, car vous avez beaucoup de modèles et de solutions à des problèmes courants, triez dans votre mémoire de longue date C'est pourquoi nous appelons le processus d' étude et de mémorisation des références la construction de votre propre bibliothèque visuelle. Voilà le truc. J'ai remarqué que même si la copie est un processus assez complexe , il n'est souvent pas suffisant de chanter ce que vous avez copié dans votre mémoire à long terme et de l'avoir prêt à être réutilisé Après quelques jours, vous pourriez commencer à oublier ce que vous avez étudié comme si vous ne l'aviez jamais appris. Ensuite, il y a aussi le fait que la copie peut être assez ennuyeuse et ennuyeuse. Cela donne accidentellement une copie insensée où votre cerveau s'arrête et vous n'apprenez rien J'ajouterais également que c'est un peu stressant et, honnêtement, pas amusant du tout, si vous me demandez. Cependant, mon principal problème a toujours été que je ne voyais aucun avantage clair après avoir copié quelque chose, et je ne suis pas le seul. Au cours des dix dernières années, j' ai vu de nombreuses personnes concevoir différentes techniques pour rendre l'acte de copie plus bénéfique. J'intègre même des approches scientifiques. Différentes méthodes d'étude sont devenues très populaires en ligne pendant cette période et de nombreux grands artistes les recommandent. Ces méthodes varient, mais elles ont toutes un point commun : la répétition. Si je devais résumer toutes ces différentes méthodes, elles impliquent toutes de copier la même chose encore et encore pour l' ancrer profondément dans votre esprit. C'était logique pour moi. J'ai vu le raisonnement sous-jacent et j'ai lu des choses qui valident en quelque sorte cette idée d'un point de vue scientifique J'ai donc dû la mettre en pratique, mais je n'ai pas pu Je déteste juste copier. Je ne peux me résoudre à faire ne serait-ce qu'une seule copie par jour, encore moins dix ou vingt copies de la même chose. Après un peu d'introspection, je me suis rendu compte que mon principal problème avec la copie que je trouvais le résultat final ennuyeux et dénué Il n'y a ni plaisir ni défi. Je ne vois aucune raison de copier les proportions et les formes exactes de l' objet original exactement telles qu'elles sont. Après tout, vous n'allez pas réutiliser ces proportions à moins d' étudier un visage ou un corps réaliste, où les proportions et les formes restent plus ou moins les mêmes. Mais pour quelqu'un comme moi qui s' intéresse davantage aux dessins animés, je ne voyais aucun avantage à faire des copies ultra précises C'est là que, par pur hasard, m'est venue l'idée d'études exploratoires En copies, sans vous soucier des proportions ou de la structure spécifiques et en vous concentrant sur l'étude de la façon dont les formes imbriquent les unes dans les autres pour créer un dessin Et après l'avoir essayé pendant un moment, j'ai trouvé les résultats fascinants. Tout d'abord, c'était beaucoup plus engageant. La modification des proportions m'oblige à adapter les détails aux nouvelles formes, ce qui m'oblige à porter une attention particulière à la façon dont tout fonctionne ensemble, à la façon dont tout fonctionne ensemble, à la fois dans son ensemble et dans les détails. Cela signifie qu'il n'y a plus de copies insensées. Ensuite, c'était beaucoup plus amusant et gratifiant parce que je ne me contentais pas de répéter un dessin. Au lieu de cela, je découvrais de nouvelles variantes. Ce n'était pas aussi gratifiant que créer quelque chose de totalement original, mais au moins j'ai fini par obtenir quelque chose que j'ai aimé regarder. Troisièmement, cette approche m' a encouragée à redessiner plusieurs fois à partir de la même référence pour voir quelles nouvelles variations je pourrais créer Après avoir joué avec ces idées pendant un certain temps, j'ai développé un processus systématique, une méthode pour étudier et appliquer ces études à de nouveaux personnages. Bien entendu, sur la base du concept de copie multiple, faites référence et explorez les possibilités de conception. Je ne le dis pas à la légère, mais pour moi, personnellement, cette méthode ressemble un peu à une solution miracle. Je comprends que ce ne sera pas le cas pour tous les artistes. Chaque artiste pense et apprend de manière complètement différente. Et ce que je trouve être la façon la plus excitante et la plus efficace d' apprendre peut être fastidieuse et ennuyeuse pour quelqu'un d'autre. Cependant, pour moi, cela a transformé ma façon d'aborder le dessin, en éliminant complètement le stress lié à l'apprentissage. Je ne dis pas que cette méthode fera la même chose pour vous, je pense qu'elle vaut certainement la peine d'être essayée, surtout si vous êtes débutant. En résumé, ce cours est basé sur une méthode systématique d' étude ou d'adaptation à l'art, très efficace et basée sur des variations. La méthode d'étude est au cœur de ce cours. Cependant, il ne s'agit que de la première unité. Dans la deuxième unité, nous combinerons cette méthode avec concepts de conception de personnages essentiels pour vous aider à développer des variations plus attrayantes et plus équilibrées. Présentation de quelques concepts de conception de personnages très basiques. La dernière unité réunira tout appliquant la méthode et les concepts que nous abordons pour créer nos propres personnages uniques et attrayants. Je pense que ce cours offre un moyen très efficace d'apprendre le design de personnages de dessins animés. Une dernière chose avant de commencer, je tiens à souligner que cette méthode ne fonctionnera que si vous consacrez du travail aux exercices. Même s'ils vous semblent accablants, faites-le tous. C'est le seul moyen de vraiment le faire fonctionner. Mais surtout, essayez de profiter du processus d'apprentissage. Moi, ce système a rendu le processus d'apprentissage agréable comme aucune autre méthode d'étude ne l'a fait. Essaie de trouver cet endroit. Essayez de trouver le plaisir d'étudier et cela deviendra votre solution miracle. 3. Les bases de la copie exploratoire: Vous ne pouvez pas dessiner quelque chose à partir de votre imagination sans disposer d'une bibliothèque visuelle pour vous aider. Même si vous avez des références, il est toujours préférable d'avoir des informations stockées dans votre mémoire. La première partie de cette méthode consiste en une approche systématique de l' étude et de l'apprentissage, ce qui représente plus de la moitié de la bataille lorsqu'il s'agit de créer des personnages. Dans cette leçon, je vais aller droit au but avec la méthode d'étude et d'apprentissage, vous montrant comment utiliser les bases et expliquant pourquoi et comment tout fonctionne. Dans une prochaine unité, nous nous appuierons sur ces connaissances pour créer de nouveaux personnages. vous donner un bref résumé du déroulement de Pour vous donner un bref résumé du déroulement de cette leçon, nous allons suivre un processus en trois étapes. Tout d'abord, nous choisissons quelque chose que nous voulons étudier, puis nous le déconstruisons pour qu'il soit plus facile d'en apprendre davantage à ce sujet dans une leçon ultérieure Enfin, nous explorons de multiples variantes en redessinant ou reconstruisant l'œuvre d'art ou la référence encore et encore, expérimentant différentes parties du design J'expliquerai plus en détail comment tout fonctionne au fur et à mesure que nous passerons par les étapes. La première étape consiste à trouver une référence. Si vous voulez copier ou étudier un réchauffement rapide pendant le reste du cours, je pourrais utiliser le terme référence manière interchangeable avec l'illustration ou la photo que vous souhaitez étudier Commencez par vous rendre sur Pinterest à la gare ou tout autre site Web où vous pouvez recueillir des images de votre artiste préféré. Vous pouvez obtenir une image qui vous plaît. Mais comme c' est la première fois, je vous recommande de suivre quelques directives pour choisir l'image la plus efficace à étudier. Tout d'abord, choisissez toujours quelque chose qui se situe juste au-dessus de votre niveau de compétence actuel en matière de dessin de personnage. Choisissez toujours quelque chose qui semble trop facile ou quelque chose qui semble extrêmement L'objectif est de choisir une œuvre qui a quelque chose à vous apprendre, mais qui reste relativement facile à comprendre pour vous. La première règle n' est donc pas trop facile, vous avez l'impression de pouvoir déjà la dessiner et pas trop difficile, ne pas savoir comment l'aborder. Deuxièmement, évitez les œuvres d'art trop anatomiques. En tant que débutant, vous n'avez peut-être pas encore une bonne compréhension de l'anatomie. Nous verrons comment appliquer cette méthode à l'anatomie des étudiants plus tard. Mais pour l'instant, nous ne voulons pas ajouter de complexité à la copie de quelque chose. OK pour éviter les personnages lourds en anatomie. Des personnages simples feront très bien l'affaire. Éloignez-vous des styles artistiques très anatomiques, comme les personnages d' anime réalistes ou tout personnage de dessin animé qui montre une grande partie du corps, comme une silhouette torse nu ou un animal trop C'est tout pour les règles. Voici quelques images que j'ai rassemblées pour montrer comment cette méthode fonctionne dans la pratique. Comme vous pouvez le constater, ce sont toutes des œuvres fantastiques réalisées par des professionnels. Ils ne sont pas si compliqués. La plupart d'entre eux sont assez simples, utilisent des formes simples et apparaissent immédiatement dans une pose neutre. C'est parce que cela facilite les variations. J'ai décidé d'y aller en particulier parce que je pense qu'ils correspondent au niveau de compétence moyen des personnes qui suivent le cours. Mais encore une fois, vous devez choisir avec soin les références qui vous conviennent. La deuxième étape consiste à déconstruire la référence. À mon avis, la meilleure façon d'apprendre quelque chose n' est pas de se lancer directement dans le copiage, mais plutôt de le déconstruire d'abord Si le design n'est pas créé par le dessin au trait ou par les détails, il est créé par les grandes formes interagissent les unes avec les autres. Il est extrêmement important de pouvoir visualiser cela pour comprendre la façon dont il est construit. Nous allons donc identifier les grandes formes qui composent le dessin et les tracer. Cela donnera quelque chose comme ça, un dessin très simple composé principalement de formes géométriques Même à ce stade, vous pouvez voir à quel point il communique très fortement avec le design. Lorsque la plupart des gens regardent le personnage, ils ont tendance à penser aux détails et à la composition. Mais la vérité est que si vous pouvez créer quelque chose qui ressemble à ceci, si vous pouvez dessiner quelque chose qui soit beau à ce stade, alors vous avez atteint 95 % du chemin. Les détails et la gamme deviennent incroyablement simples. Mais d'abord, avant de pouvoir créer quelque chose comme ça, nous devons être capables d'étudier. Pour cela, nous devons être en mesure d'identifier les formes de base. Ce n' est pas difficile à faire. Il suffit de trouver les éléments importants dans le design et d'utiliser la forme géométrique la plus simple qui correspond Voici donc quelques conseils. Utilisez toujours la forme géométrique la plus simple pour correspondre parfaitement à une zone du dessin Cela signifie des cercles, des rectangles et des triangles. Bien sûr, n'ayez pas peur de les plier et de les tordre. Nous ne voulons pas d'un dessin animé entièrement géométrique. N'oubliez pas que ces formes représentent les grandes formes du dessin, non le corps du personnage. Si un personnage a un bouclier un chapeau, des lunettes, un manteau ou une armure, cela fait partie du design, et vous devez également le déconstruire . Optez pour des formes simples. Si une forme doit être plus complexe, divisez-la en deux ou plusieurs formes plus simples. J'aime utiliser des lignes pour les membres, sauf si les membres sont délibérément épais et que cela fait partie du design J'aime utiliser des ovales et des rectangles pour les mains et des triangles pour les pieds Selon le personnage et la vue, vous devrez peut-être dessiner certains traits du visage. Dans ce cas, vous devez également les dessiner de manière simplifiée. Il s'agit d'un petit conseil qui peut vous aider dans les étapes ultérieures. Parfois, il peut être difficile de voir où le personnage regarde ou où se trouve le centre du torse Dans ces cas, il peut être très utile de tracer une ligne médiane pour la tête, le torse et parfois même les bras et une ligne médiane pour la tête, le torse et parfois même les bras et les jambes La déconstruction finale devrait ressembler presque exactement au dessin, mais avec des formes géométriques simples comme celle-ci Il est maintenant temps d'explorer. La déconstruction nous a permis de simplifier la copie, mais nous devons maintenant l' internaliser Et comme je l'ai indiqué dans la résine précédente, nous le faisons en le copiant encore et encore. Cependant, nous ajoutons une touche d'originalité. Au lieu de faire une copie exacte de ces formes, nous allons délibérément jouer avec les proportions Expérimentez avec les formes, agrandissez les autres, écrasez-les, étirez-les et pliez-les. Pour l'instant, je recommande de ne pas modifier, changer ou supprimer directement les formes réelles. Restez aussi fidèle que possible aux originaux. Changez simplement la proportion. Comme ces formes correspondent à la forme, vos variations doivent correspondre à la pose et à la perspective de l'original. Bien que vous puissiez modifier les proportions, la pose et la perspective du personnage doivent rester les mêmes. N'oubliez pas que vous êtes attaché aux pots et à la perspective d'origine. Si vous essayez de changer cela, vos variations commenceront à mal paraître. La répétition est la clé de cette étape. Si vous avez correctement déconstruit le dessin, devriez pouvoir créer de nombreuses variantes rapidement et facilement Je recommande un minimum de six variantes, et si vous voulez un maximum , 15 ou 20 sont largement suffisantes. Essayez d'obtenir des variations complètement différentes. Par exemple, si quelqu'un a une grosse tête et un petit corps, essayez-en un autre avec un gros corps et une petite tête. Évitez de répéter plusieurs fois les mêmes concepts de design. Explorez différentes possibilités. Juste en jouant avec ces proportions et ces formes, sans apporter d'autres modifications, vous remarquerez que chaque mannequin ressemble presque à des personnages complètement différents. Quelque chose d'intéressant se produit quand on fait ça J'ai remarqué que sur une dizaine de mannequins, environ deux ou trois sont vraiment bons, et le reste est un peu nul ou médiocre. Normal. Vos premiers designs seront forcément timides et craintifs à l'idée de dépasser les proportions C'est pourquoi plus vous en ferez, meilleurs seront les résultats . De plus, dans la prochaine unité, nous allons explorer quelques principes de conception qui amélioreront la qualité de ces variations et de vos propres personnages. Mais il va falloir attendre. Pour l'instant, tenez-vous-en à la quantité. Passons maintenant à la deuxième partie de cette étape, ou peut-être pourrions-nous l' appeler étape 3.5. Nous allons copier le dessin au trait de l'original sur toutes les variantes. C'est important car cela vous apprend comment construire un personnage à partir des formes de base. Bien que les formes soient la base d'un personnage, il y a de fortes chances que la création de formes ne vous intéresse pas. Vous voulez dessiner le dessin au trait. Et cette étape est très utile car elle vous oblige à comprendre, à pratiquer et à improviser la façon dont le dessin au trait correspond à ces formes Ce n'est pas grand-chose à expliquer ici. Il suffit de jeter les formes et d'essayer de faire correspondre chaque ensemble. Ce n'est pas grave si le résultat final n'est pas aussi bon que l'original, l'original a été conçu avec intention, et nous ne faisons qu'explorer. Vous pourriez même être surpris par le résultat final, en fonction qualité de la variation et la correspondance entre les détails et les nouvelles proportions. Il est très possible de se retrouver avec une ou deux études qui vous plaisent plus que l'original. Mais cela dépend aussi un peu de chance. Comme je l'ai dit, parfois les détails et la linéarité ne correspondent pas à 100 % aux proportions les plus bizarres. C'est ce qui arrive lorsque vous réalisez une étude basée sur l'exploration. Parfois, vous trouvez quelque chose de vraiment cool et parfois non. Dans les deux cas, vous exécutez et manipulez toujours votre bibliothèque visuelle. En parlant de remplir votre bibliothèque visuelle, vous remarquerez qu'après quatre ou cinq variations, vous pouvez presque toujours dessiner le reste de mémoire. Quand on y pense, c'est impressionnant. Vous parvenez à mémoriser le personnage dans son intégralité, ses formes principales et ses détails. Je pense juste que c'est génial. seul conseil que je puisse vous donner, et je pense que c'est très important, c'est de ne pas trop vous attarder sur le dessin au trait. Il est facile de passer trop de temps à s'assurer que le dessin au trait soit parfait parce que nous voulons que nos dessins soient jolis, même s'il s'agit d'une pratique. Mais ce n'est pas le but ici. Vous le faites pour apprendre, pas pour le montrer à qui que ce soit. Maintenant, voici un avertissement important. Cela n'est probablement pas nécessaire pour la plupart d'entre vous, mais juste au cas où, ces variations que vous avez faites ne sont pas vos propres personnages. Les études du travail d'un autre artiste. Ne les publiez pas en ligne comme les vôtres ou sans créer l'original. J'aime comparer cela au téléchargement d'une image protégée par des droits d'auteur, l'application de certains filtres dans Photoshop, puis à l'identification de l'image comme vôtre Ce n'est pas comme ça que ça fonctionne. Ces études constituent une excellente base pour construire vos propres personnages, et nous aborderons cela plus tard dans le cours. Mais pour l'instant, gardez ces études pour vous. C'est ainsi que s'achève notre méthode d'étude. Comme je l'ai mentionné dans la leçon précédente, cette méthode me semble un peu une solution miracle car c'est vraiment amusant de découvrir de nouvelles versions d'un design. Cela vous encourage à copier la même chose encore et encore, qui vous aidera à vraiment vous familiariser avec la référence. En résumé, nous suivons un système en trois étapes pour étudier en profondeur une référence particulière en la déconstruisant, puis en la reconstruisant encore et encore abord, nous trouvons une référence qui correspond à votre niveau de compétence, pas trop facile, mais pas trop difficile non plus. Évitez les dessins animés trop anatomiques et réalistes pour le moment. Ensuite, nous déconstruisons la référence en formes simples telles que des rectangles, des ellipses et des triangles pour faciliter son apprentissage Restez simple. Troisièmement, nous explorons le design en le redessinant plusieurs fois, en enfouissant les formes en les écrasant , en les étirant et Ou supprimez ou ajoutez des formes, modifiez simplement les proportions tout en conservant la bonne pose et la bonne perspective. Ensuite, nous ajoutons les détails et les dessins au trait de l'original à toutes les versions modifiées. Cela nous aide à comprendre comment la forme construit le design et comment adapter les lignes aux nouvelles formes. Maintenant, pour les exercices de cette leçon, suivez exactement ce processus en trois étapes du début à la fin avec au moins dix personnages différents. Créez un minimum de cinq variantes par personnage, mais dix seront idéales. N'oubliez pas les directives pour sélectionner les bonnes références et ne vous fiez pas trop aux dessins au trait lors de la dernière étape. Une fois que vous avez terminé tous les exercices, passez à la leçon suivante. 4. Élargir le système avec des « couches »: Si vous avez effectué les exercices comme je vous l'ai recommandé, vous remarquerez probablement à quel point cette méthode est amusante et efficace pour apprendre. C'est un excellent moyen d'ancrer réellement des connaissances dans votre mémoire. De plus, c'est une approche fantastique pour aborder quelque chose qui semble tout simplement hors de portée, quelque chose de plus complexe que ce à quoi vous vous sentez prêt. Et c'est le sujet de cette leçon . Bien sûr, vous avez rencontré des dessins qui semblent un peu trop complexes. Peut-être que vous les essayez sans succès de les copier ou que vous vous sentez dépassé. Les prochaines leçons en parleront. Apprendre à voir et à comprendre et, bien sûr, à étudier des dessins plus complexes. Vous pouvez donc dessiner des choses plus complexes. Tout d'abord, nous allons voir une technique très connue et très basique qui peut être très utile pour n'importe quel personnage, pas seulement pour les personnages complexes. En fait, si vous avez vous-même expérimenté le métal, il y a de fortes chances que vous ayez trouvé quelque chose de similaire Je ne pense pas que cela ait un nom, mais je l'appelle superposition parce que vous utilisez différentes couches de formes ou de mannequins, comme nous les avons nommés dans la dernière leçon pour obtenir le résultat final Regardez cette illustration. C'est le genre de dessin qui m'aurait intimidé quelques mois avant que je n'aie une approche systématique Peut-être que cela ne vous intimide pas. Mais j'espère que vous verrez que c'est un peu plus complexe que les exemples des leçons précédentes. Si vous tracez toutes les formes qui affectent le design, comme dans la dernière résine, nous obtiendrons quelque chose comme ça. Chaque forme correspond à un élément du dessin. Cela affecte le panneau. Si nous voulons maintenant, nous pouvons très facilement en faire une copie car la résine s'adapte parfaitement. Ce n'est pas vraiment difficile à faire une fois que vous l'avez. Ce qu'il est difficile de faire, c'est d'arriver à ces formes pour commencer. Parce qu'il y en a tellement, il est assez difficile de les copier tout seul. C'est quand même plus facile que d' y aller directement sans aucune forme, car ce sont des formes simples, mais ce n'est pas aussi simple que cela pourrait l'être. Cependant, il existe une solution très évidente à ce problème, si vous y réfléchissez, qui consiste à utiliser différentes couches de mannegins Nous commençons par un mannequin très facile à dessiner et qui correspond aux grandes formes, puis nous utilisons ce mannequin pour en construire un nouveau pour détails les plus fins et nous répétons ces étapes jusqu'à ce que nous arrivions au mannequin final, celui que nous allons utiliser pour ajouter la C'était si difficile à obtenir aussi. En prenant l'exemple de cette soirée, suivons le processus complet jusqu'à ce que nous arrivions au dessin au trait. La première couche doit simplifier l'illustration autant que possible, en utilisant le moins de formes possible tout en la faisant correspondre complètement. Vous devez donc trouver un équilibre et évaluer ce qui est vraiment important et ce qui vaut la peine d'être façonné. Dans ce cas, j'ai pensé à utiliser une seule forme pour le torse, une autre pour la tête, les jambes, j'ai décidé de les joindre en une seule forme Pour moi, cela m'aide à être plus précise lorsqu'ils ne sont pas droits et parallèles les uns aux autres. Et la cape aurait pu avoir une forme unique, mais je ne sais pas pourquoi je l'ai séparée en deux. À ce stade, il ne sera généralement pas nécessaire d'utiliser plus de quatre ou cinq formes pour que cela ressemble au dessin original. Et voici quelques autres exemples d' autres mannequins de cette première couche Arrêtez la vidéo et étudiez-les si vous en avez besoin. À partir de là, nous pourrions passer directement au mannequin final, en utilisant les proportions et la forme pour construire sur le dessus. Mais si l'illustration est suffisamment complexe, nous pouvons également ajouter un autre mannequin entre les deux. Pour ce mannequin, il y a un peu plus de détails. Cela peut être considéré comme une augmentation de la résolution, détaillant les petites formes telles que la plaque d'épaule ou le pagne et les bras et en séparant les jambes. Et d'autres exemples de ce niveau de mannequin. Une fois cela en place, il est plus facile de construire mannequin difficile que nous avons vu plus tôt. C'est le dernier. À ce stade, chaque élément de conception important du personnage doit être simplifié en une forme simple, comme dans la leçon précédente. La seule différence ici, c'est qu' a une tonne d'éléments à simplifier, mais sinon, c'est pareil , j'espère que vous vous êtes beaucoup entraînés. Quelques exemples de cette dernière couche. Et maintenant, avec le mannequin final, le dessin au trait est facile à réaliser. Un bon mannequin qui suit correctement le dessin est un peu comme l'une de ces grilles que les débutants utilisaient pour faciliter la copie, sauf que nous avons la flexibilité de le dessiner comme bon nous semble. Et oui, il faudra peut-être un peu d' entraînement pour s'habituer à copier choses plus complexes, comme c'est le cas pour tout ce qui concerne l'art. Une fois que vous êtes à l'aise, l'étape du dessin au trait devient l' étape la plus stupide de l'étude Et voici la copie d' un dessin assez complexe réalisé. Mais pour ce qui est de quelques points à garder à l'esprit, tout d'abord, s'agit d'une technique tellement basique que vous pouvez l'utiliser avec n'importe quoi, y compris de simples illustrations. Si ce n'est pas quelque chose de vraiment très basique, vous aurez certains avantages faire en au moins deux couches. Nous reviendrons plus tard dans le cours. Cependant, son utilisation ajoute un peu de surcharge au processus. Donc, si ce n'est pas nécessaire, ne l'utilisez pas. Et deuxièmement, il ne sera généralement pas nécessaire d'utiliser plus de trois couches. La plupart des dessins, vous pouvez également utiliser une couche simple qui gère le corps et autres formes principales et une deuxième couche avec le mannequin final. Ne passez donc pas en revue les deux sur le nombre de couches. L'ajout d'un trop grand nombre de couches ne facilitera pas le dessin. OK, mais maintenant il est temps d'appliquer les couches à la méthode de copie explorative de Last Son Tout restera plus ou moins pareil. Mais j'ai quelques conseils que je voudrais partager. Si vous vous souvenez d'avant, la première étape consiste à trouver des mannequins en les remontant Et je vous recommande vivement de trouver d'abord tous les mannequins que vous allez utiliser avant de passer à la méthode C'est plus important maintenant, car vous devrez peut-être les ajuster ou même les modifier. Fabriquer ces mannequins par traçage n'est pas particulièrement difficile Il n'est pas rare que le premier que vous créez nul et ne soit pas aussi simple ou facile qu'il pourrait Avant de dessiner quoi que ce soit, prenez temps de fabriquer tous les mannequins que vous allez utiliser Cela vous permettra également de vous familiariser avec la référence, ce qui vous permettra de dessiner encore plus facilement par la suite. La façon dont je vous recommande de faire des variations maintenant est de commencer par couches. Vous pouvez donc faire plusieurs variations de la première couche avant de passer à la suivante et ainsi de suite. C'est utile car cela vous permet de vous familiariser avec la couche actuelle sur laquelle vous travaillez et avec l' essence du design Suivez les mêmes conseils avant d' appliquer, dessinez 5 à 15 copies, créez autant de variété que possible tout en adaptant la pose et la perspective et essayez de créer de la diversité dans design en variant différents groupes de formes Comme vous pouvez le constater, certains de mes mannequins ont de gros talons et un corps court, tandis que d'autres ont une petite tête et un corps énorme J'ai même fait une erreur avec la cape, car elle joue également un rôle important dans le design Nous passons maintenant à la couche suivante. Cette fois, nous ne sommes pas en train de revenir, nous n'avons donc que le manque précédent pour nous guider Cela signifie que cette étape sera probablement la plus difficile. Quoi qu'il en soit, ce qui est bien maintenant, c'est que nous pouvons ajouter de la variété, car nous n'avons pas à nous en tenir aux proportions trouvées dans le mannequin tracé. Nous avons maintenant un véritable pouvoir créatif, ce qui signifie que nous devons apprendre à improviser Vous remarquerez que certains de ces mannequins ont des proportions tellement différentes de celles de l'original Ils ont dû faire quelques ajustements. Par exemple, dans celui-ci, les pattes sont si petites que le pagne cache la majeure partie de la patte arrière. Quelque chose qui n'arrive pas dans l'original. Ici, les bras sont si grands qu' ils recouvrent une grande partie du torse, y compris la ceinture complètement Vous remarquerez également que je dois improviser quelques mots très bizarres correspondent à la nouvelle position des bras La dernière couche, le dernier mannequin. Cette fois, il s' agit simplement d'adapter le mannequin tracé aux nouvelles proportions. Cela signifie que certaines parties devront être omises ou, dans certains cas, vous devrez improviser certaines sections Dans ce cas, le mannequin aux jambes courtes dont j'ai parlé il y a une seconde, la jambe gauche était tout simplement trop courte. Comme je n'arrivais pas à mettre les trois pièces d'armure, j'ai décidé d' omettre celle sur le genou Et pour le gros gars aux gros bras, comme je l' ai déjà dit, le bras couvre une grande partie du torse, donc il y avait pas mal de choses que je ne pouvais pas dessiner Une fois ces mannequins réalisés, il est très facile d'imaginer à quoi pourrait ressembler l' illustration finale Si vous n'êtes pas totalement convaincu de la variation à ce stade, il y a de fortes chances que le dessin au trait sur le dessus ne vous fasse pas grand-chose. Vous pouvez gagner du temps en supprimant cette variation. Ensuite, la dernière étape consiste simplement à adapter le dessin au trait. Voici le mot pour désigner votre dur labeur, où vous pouvez découvrir de nouvelles variantes sympas entièrement créées par vous. De même, lorsque vous appliquez la capacité d'improviser en fonction de références, d'improviser en fonction de références, comme avant, mais encore plus astucieuse maintenant parce que les designs sont plus complexes pas grand-chose à dire ici si ce n'est que j'ai remplacé le symbole du soleil qui était partout dans la nuit par un cercle beaucoup plus simple car c'était super complexe, cela n'ajoutait rien et il fallait du temps pour le dessiner. C'est la même raison pour laquelle je n'ai fait que quatre variantes. En revanche, vous essayez de vous en tenir à cinq, même dans le cadre d'études complexes. En résumé, si vous trouvez un personnage trop complexe, vous avez toujours la possibilité de l'étudier en couches, ce qui implique de construire des mannequins les uns sur les autres, en augmentant la complexité jusqu'à ce que vous obteniez un type final de mannequin complexe que vous utiliserez pour ajouter le dessin au trait La première couche de mannequin doit correspondre au dessin avec un maximum de quatre ou cinq grandes formes, et la dernière doit avoir autant de formes que nécessaire pour correspondre complètement au dessin. Il est donc plus facile d'ajouter le dessin au trait final sur le dessus. En général, vous n'aurez pas besoin de plus de deux ou trois couches de mannequins pour réaliser les illustrations les plus complexes N'oubliez pas de rechercher d'abord les formes , puis de passer à autre chose pour apporter des variations. Il est très utile d'avoir cette version spatiale pour vous guider. Lorsque vous créez des variations, il est plus facile de varier par étapes, en les limitant à une couche à la fois Passons maintenant aux exercices, trouvez dix dessins qui, selon vous, sont juste au-dessus votre niveau et qui vous intimident , mais que vous pensez pouvoir aborder avec effort Les mêmes limites que celles d'avant s'appliquent pour l'instant : placez deux personnages dans une pose debout relativement neutre et évitez toute sorte d'anatomie. Ensuite, bien sûr, vous les étudiez en utilisant notre méthode, comme je vous le montre ici. Suivez les trois étapes, trouvez les mannequins, faites-les varier et tracez le linéaire 5. Élargir le système avec la « concentration »: Cette leçon traitera de l' autre technique importante pour gérer la complexité. Cette fois, c'est un peu plus simple et direct. Tout comme pour la couche et la technique, vous avez probablement trouvé quelque chose similaire si vous jouez avec le système assez longtemps. Cette technique est super simple. Il s'agit d'isoler les parties particulièrement difficiles d'un personnage et faire une étude exploratoire complète de cette partie avec de multiples variations et Et ceci avant que vous ne fassiez l'étude complète de votre personnage. Eh bien, vous vous familiarisez vraiment avec cette partie compliquée et vous risquez beaucoup moins d'être dépassé lorsque vous faites le tout. Il s'agit d'une autre technique. J'ai décidé de lui donner un nom amusant juste parce que, encore une fois. C'est ce que j'appelle de la concentration et un peu de spoilers pour les prochaines unités Nous allons faire un usage intensif de cette technique pour dessiner nos propres personnages. Regarde ce dragon. Cela semble difficile à première vue, mais cela arrive avec bon nombre de ces dessins complexes En réalité, la complexité se concentre sur certaines zones. Si nous supprimons ces zones, le reste du dessin est très facile, en fait. Pour cette illustration, en particulier, je dirais que la seule partie difficile est la tête et peut-être les mains et les pieds, qui sont toujours un problème pour la plupart des dessins. Nous allons donc maintenant isoler la tête et réaliser une étude complète comme s' il s'agissait d'une illustration unique. Maintenant, en soi, cela n'a pas l' air aussi compliqué. Et si nous le déconstruisons avec des formes, cela semble encore moins intimidant Si vous avez fait les exercices et que vous n'avez pas sauté jusqu'ici, vous savez à quel point cette méthode est efficace pour vous aider à mémoriser les formes. À la fin de cette étude, vous serez capable de dessiner la tête de ce dragon les yeux fermés. Quelques conseils, vous remarquerez que j'utilise la technique du chargement. Pour cette tête, ce n' était probablement pas nécessaire car ce n'était pas si complexe que ça, mais j'ai pensé à montrer que l' on peut mélanger les deux techniques. R, il est utile de savoir que vous n'aurez peut-être pas besoin faire autant de variations à cette étape, principalement parce que votre objectif est de vous familiariser suffisamment pour pouvoir créer le personnage complet sans vous retrouver coincé dans cette partie. C'est ici. Maintenant, je me sens beaucoup plus à l'aise avec la tête. Et comme c'est souvent le cas, lorsque l'on utilise cette méthode d'étude, la tête qui semblait si compliquée il y a une minute semble désormais aussi simple que du gâteau. Mais puisque nous nous concentrons sur certaines zones, pourquoi ne pas consacrer un peu de temps à la deuxième zone la plus complexe, les mains et les pieds ? Cela peut sembler une perte de temps puisque vous avez l'intention de tout étudier plus tard. Mais la vérité est que chaque fois que vous faites une étude, vous apprenez quelque chose. Tu ne perds pas de temps. Ce sera une perte de temps encore plus importante si vous passez directement à l' intégralité du personnage et que vous n'apprenez rien parce que c'est un peu plus compliqué que ce que vous pouvez gérer. Il est possible de sauter cette étape, de vous dépasser et de simplement surmonter les zones difficiles. Mais j'ai remarqué que cela donne souvent lieu à de mauvaises études avec de mauvaises copies. Je recommande donc que si vous trouvez un domaine qui vous semble le moins intimidant, vous fassiez une étude ciblée dessus avant de passer à l'étude complète. C'est l'objectif principal de faire une étude complète d'un personnage complexe. Après avoir réalisé l'étude ciblée, il devrait être très facile d'en réaliser une complète. Maintenant, vous ne vous précipiterez pas dans les zones difficiles ou ne serez inexact parce que vous avez déjà expérimenté les complications, et maintenant, vous les avez probablement mémorisées entièrement ou presque Ne soyez pas paresseux maintenant que vous considérez que ce n'est plus un défi et que vous décidez de sauter le tout. ce que j'ai fait. Une fois que je me rends compte que les parties compliquées ne sont plus difficiles, j'ai tendance à perdre un peu d' enthousiasme à l'idée de les expérimenter. Mais ne fais pas ça. Il y a de la valeur à tout mettre en place . Et il l'a. Un autre type d' étude complexe réalisée sans effort. Avant de terminer cette leçon, je voudrais passer en revue quelques points à garder à l'esprit lors de l' utilisation de cette technique. Les domaines les plus courants où l'on constate de la complexité sont, bien entendu, la tête. Selon le dessin, environ 50 % de la complexité du design peut y être concentrée. Les mains et les pieds sont également une autre source de problèmes bien connue pour les artistes, et il n'est pas nécessaire qu'ils fassent partie du corps. Il peut s'agir d'objets spécifiques le personnage porte, comme une épée, potion ou un sac. Ou des éléments de design tels qu'une ceinture ou un casque. pas nécessaire qu' une section soit difficile à copier ou complexe pour être une bonne candidate à la focalisation. Parfois, vous trouverez des parties d'un dessin qui vous posent problème pour une raison ou une autre, même si elles ne sont pas particulièrement difficiles. Ces parties valent vraiment le temps d'étude supplémentaire. Alors ne soyez pas paresseux. Si vous trouvez quelque chose de compliqué, étudiez-le. Le temps que vous passez à vous concentrer sur un domaine n'est jamais perdu. Vous en apprenez toujours quelque chose, même si vous le redessinez à nouveau. Donc, pour résumer, l'autre méthode pour gérer la complexité, je l'appelle focalisation. Elle consiste identifier les éléments de la référence que vous trouvez trop complexes, les isoler et à réaliser une étude complète avec de multiples variations, dessins au trait, Cela facilitera l' étude complète une fois que vous aurez terminé, car vous avez déjà étudié et appris les parties complexes. éléments complexes courants à surveiller incluent la tête, mains et les pieds et les objets particuliers que tient un personnage, mais il peut s'agir de tout ce que vous trouvez dans ce qui est mais il peut s'agir de tout ce que vous un peu compliqué Maintenant, pour les exercices, trouvez une référence, comme le dragon qui semble assez simple mais qui comporte une ou deux zones compliquées. N'oubliez pas d'éviter les personnages à anatomie détaillée ou réaliste. C'est une complexité que nous ne voulons pas gérer pour le moment. Comme je l'ai déjà dit, évitez l'anatomie. Un type de référence simple à rassembler personnages qui détiennent des objets tels que des boucliers, sacs, des potions, des ceintures intéressantes ou des objets de ce genre Réalisez au moins cinq études sur différents personnages avec au moins cinq variations chacune. Bien entendu, chaque personnage doit avoir au moins un élément sur lequel vous vous concentrez. Assurez-vous de faire au moins trois variantes de cet élément. 6. Travailler avec des références réelles: Vous ne pouvez pas toujours vous fier références à des dessins animés au moment de créer vos propres personnages. Finalement, vous voudrez commencer à utiliser des références à la vie réelle, non seulement parce que vous risquez de vous retrouver avec quelque chose trop dérivé du travail d'un autre artiste, mais aussi parce que les dessins animés représentent une version déjà digérée de la réalité, qui limitera ce que vous pouvez en faire Nous verrons plus tard dans le cours que référence à la vie réelle est essentielle pour certaines choses, mais surtout lorsque vous voulez habiller vos personnages, il est important que vous sachiez comment prendre une photo réelle et l'adapter à votre personnage de dessin animé. Bien entendu, nous nous appuyons sur notre système de copie exploratoire vous oblige déjà à jouer avec les proportions et à créer des choses exagérées et caricaturales. Et oui, c'est un bon point de départ car le dessin animé consiste à jouer avec les formes et les proportions Mais il y a d'autres choses à garder à l'esprit lorsque vous utilisez des références réelles. Considérez donc cette leçon comme quelques conseils pour dessiner des références réelles à utiliser avec nos personnages Je ne suis ni une dessinatrice experte ni une bonne nonne, mais d' après mon expérience, j'ai découvert trois éléments ou concepts importants à garder à l'esprit au moment de C'est de l'exagération, de la clarté et de la simplicité. Le concept le plus simple à appliquer est celui de l'exagération. Vous êtes déjà en train de modifier les proportions utilisées dans notre système. J'ai tendance à les changer avec détermination. Votre premier objectif doit être d'identifier les parties de la référence qui semblent étranges, uniques ou loufoques et de faire en sorte que cette partie soit vraiment grande ou très petite ou de faire toute autre transformation qui mettra en évidence l' Dans le cas de ce casque, je me suis rendu compte que la zone de la bouche présentait une extrusion très étrange. Ça a l'air vraiment bizarre. Je savais que c'était un bon point de départ pour faire des variations. Pour le dessiner, nous utilisons exactement la même méthode de copie exploratoire qu'auparavant Maintenant, nous proposons des variantes qui ciblent spécifiquement l'embouchure chose la plus intuitive à faire est d'agrandir la surface de la roue, mais vous pouvez également faire l' inverse , la réduire et voir ce qui se passe. Une référence particulière peut avoir une tonne de choses possibles dont on peut se moquer. Votre objectif est de découvrir quels sont ces domaines et de faire des variations but précis d' accentuer l'étrangeté d'une manière ou d'une Le prochain concept à garder à l'esprit est la clarté. Ce que je veux dire par clarté, c'est que chaque partie d'un dessin animé doit être immédiatement claire à lire, ce qui n'est pas toujours le cas avec les photos réelles. Une bonne règle de base que j' ai est que chaque partie doit être évidente, perceptible et explicite. Une référence très courante que vous utiliserez dans les dessins animés concerne les armes Si vous regardez l'épée, elle est pleine de formes intéressantes : la poignée, le pommeau et la lame de protection C'est un look vraiment génial car les formes sont très subtiles, ce n'est pas aussi évident. La solution consiste à exagérer ces zones pour rendre le design plus clair à la première lecture, comme avant, mais cette fois, nous les rendons plus visibles au lieu de modifier leur taille Juste pour le démontrer , je dessine le type avec les mêmes proportions et la même référence. La plupart du temps, vous y parviendrez en épaississant ces zones, et pas seulement en les agrandissant. Autre exemple, la botte comporte des couches et des couches d' armure métallique qui permettent de se perdre plus facilement. Je suis sûr que cela correspond plus ou moins à la réalité et il y a une bonne raison à tout cela. Mais le problème, c'est qu'on ne sait pas immédiatement ce qui se passe ou quel élément fait quoi. Notre objectif est maintenant d' apporter quelques ajustements afin que la séparation des couches d'armure soit claire et facile à lire. Encore une fois, vous pouvez jouer avec les proportions pour agrandir certaines choses, mais ce principe consiste à s'assurer que tout est lisible, notamment en épaississant certains de ces sauts sur les bordures, ce qui notamment en épaississant certains de ces sauts est important Éliminez une partie du bruit en ajoutant un espace vide autour de celui-ci. Si tout est complètement délabré , c'est difficile à lire N'ayez pas peur de supprimer purement et simplement certaines sections qui apparaissent dans la référence C'est la raison pour laquelle ma version pendant Has re Belts. n'y avait pas de place pour eux au dos, et je pense que le résultat final est excellent. J'espère qu'il est clair à quel point il est important qu'un dessin de bande dessinée soit facile à lire Chaque partie doit être évidente et visible et si ce n'est pas le cas, vous devez les supprimer. Le concept final que j'ai trouvé est la simplicité. Même si tout est beau et clair, s'il y a trop d'informations, trop de choses, le dessin aura tendance à ne pas sembler caricatural Ce principe est similaire au principe de clarté, mais cette fois, nous voulons nous assurer que les choses que nous dessinons sont simples au départ. En pratique, cela signifie que vous ne voulez pas suivre la référence un à un et que vous devrez peut-être retirer certaines pièces et les ajuster selon vos besoins. Une situation très courante. Tu te retrouveras tout le temps. Nous avons une belle référence à une armure à droite et à un mannequin à gauche Nous n'avons pas encore vu comment fabriquer des corps, donc pour l'instant, nous devons créer ces formes simples. Nous voulons adapter la référence de droite au caractère de gauche, mais vous remarquerez à quel point la référence est compliquée. Il est rempli de couches et de couches d' armures aux textures différentes, avec tonnes de ceintures et de boulons et des détails texturaux C'est tout simplement trop complexe. Si nous voulons utiliser une version de cette armure, va falloir tout simplifier. Voici une jolie petite technique que je vous recommande vivement d'utiliser lorsque vous utilisez cette référence complexe : réduisez l'opacité et commencez à tracer dessus Ne le tracez pas exactement tel quel. Tracez-le plutôt comme vous le souhaitez. C'est beaucoup plus simple. Oubliez tous ces détails inutiles et toutes les formes dont vous pensez ne pas avoir besoin Il est tellement plus facile de faire preuve de créativité et expérimenter lorsque vous dessinez juste au-dessus de la référence, d' expérimenter lorsque vous dessinez juste au-dessus de la référence, et vous n'avez pas à vous soucier précision ou de l'assemblage de toutes les pièces. Bien entendu, vous êtes obligé de respecter les proportions, mais nous nous en occuperons nous-mêmes à l'étape suivante. Si vous comparez les deux versions, vous remarquerez à quel point je simplifie vraiment la version originale. Il y a beaucoup moins de choses à faire. Elle est plus claire et permet de conserver toute la sensation de l'armure d'origine. Désormais, l'ensemble du processus d' adaptation des détails à notre gestion est beaucoup, beaucoup plus facile. Nous allons reprendre cette trace et l'utiliser comme source pour nos variations. Nous n'avons plus besoin de la référence réelle . Nous sommes en train de le remplacer. Comme nous n'avons pas à effectuer cette simplification à la volée lorsque nous dessinons, il est beaucoup plus facile de nous concentrer sur la bonne adaptation de la variation. Vous devez maintenant suivre les mêmes étapes que précédemment, déconstruisant notre nouvelle référence en apportant des variations et tout ça Il existe de nombreuses façons de simplifier une référence complexe, et la plupart d' entre elles sont liées au niveau de complexité du dessin animé que vous recherchez. Dans ce premier exemple, j'ai opté pour un dessin animé un peu plus réaliste. Mais si vous voulez dessiner quelque chose d'encore plus caricatural, vous devrez simplifier encore plus la référence Et il existe une version de dessin animé beaucoup plus simple de la même référence. Il existe un dernier type de problème que vous rencontrerez lors de la traduction de références réelles, lié au concept de modèles de simplicité importe quoi, n'importe quel type de forme qui se répète encore et encore. En général, tout type de motif répétitif est difficile à cartoniser Il suit une règle empirique très simple. Simplifiez simplement le motif en agrandissant les formes du motif. Et composé de moins d'articles. Cela dépendra du style de dessin animé. Plus le style est caricatural, plus le motif doit être simple avec des formes moins nombreuses et plus grandes Dans cet exemple, l'armure comporte tous les petits rectangles, qui, je suppose, sont en cuir avec un cordon au centre. Ils sont tout simplement trop nombreux. Il ne lira pas ces dessins animés. Nous devons donc dessiner moins de divisions de particules et augmenter et réduire le nombre de rectangles Et maintenant, cela semble un peu plus adapté au personnage de dessin animé. C'était tout pour cette leçon sur l'utilisation d'images réelles. En résumé, pour faire correspondre une référence réelle à vos dessins animés, il ne suffit pas de jouer avec les proportions Vous devez garder à l'esprit trois concepts ou outils au moment de dessiner : l' exagération, la clarté et la simplicité L'exagération implique de jouer avec les proportions dans un but précis, réfléchir à ce qui rend une référence unique ou étrange C'est drôle et exagéré. La clarté implique de s'assurer que tout est correctement lisible. Deux outils importants à utiliser ici sont d'épaissir et d' agrandir tout ce qui est important et de supprimer tout le reste. La simplicité consiste à ne pas trop compliquer le résultat final. La référence peut être complexe, mais vous ne souhaitez généralement pas que la version dessin animé le soit. Un petit outil intéressant que vous pouvez utiliser pour gérer la complexité consiste à simplifier pendant que vous effectuez le suivi. Cela facilite considérablement la simplification. Pour les exercices, il suffit de prendre dix éléments de référence réels. Je vous recommande d' opter pour des costumes, ce qui est le plus probable pour lequel vous utiliserez des références réelles. Vous pouvez également opter pour d'autres objets tels que des armes, des potions ou des livres Faites une étude de chacune avec au moins cinq variantes. Essayez différents niveaux de dessin animé, rendez-les plus ou moins réalistes, expérimentant votre style préféré 7. Dessiner un corps complet: Commençons par le moyen le plus simple créer un personnage à l'aide de notre système, savoir appliquer la méthode d'étude exploratoire à une image réelle Comme nous l'avons fait dans le cours de dessin animé, mais appliquez-le à l'ensemble du corps pour créer un personnage entier. À mon avis, cette méthode a ses inconvénients, comme vous le verrez plus loin dans la leçon, mais elle peut être un excellent point de départ pour créer vos propres personnages. De plus, nous allons nous appuyer sur cela pour les méthodes plus avancées de création de personnages que nous verrons dans les prochaines leçons. À présent, vous connaissez probablement la procédure. Nous commençons à recueillir des références cette fois, des photos réelles. Mais voici quelques conseils et quelques points à garder à l'esprit au moment de choisir la bonne référence. Tout d'abord, étant donné que vous créez vos propres personnages et y a de fortes chances que vous vouliez les montrer, vous devez porter une attention particulière au copyright de la référence. La plupart du temps, vous n'aurez aucun problème tant que vous vous éloignez de personnages ou de costumes protégés par des droits d'auteur, tels théâtre ou des photos prises lors d'une production Ce qui peut donner lieu à une version animée accidentelle d'un personnage déjà existant. Idéalement, vous voudriez que vous preniez une photo de vous-même ou d'un ami. De cette façon, vous vous assurez que tout va bien légalement, mais bien sûr, plupart des gens n'ont pas d'offres ou costumes de roi prêts à être utilisés à tout moment. Faites juste attention à l' image que vous utilisez. Faites quelques recherches légères avant de commencer à dessiner. Une dernière chose à ce sujet, je sais que c'est un sujet un peu controversé, mais en cherchant des références sur Pinterest, j'ai découvert que la plupart des meilleures références avaient été créées avec l'IA. Je ne sais pas ce que vous pensez personnellement de l'utilisation de l'IA en tant qu'artiste, mais dans le cas de son utilisation à titre de référence, c'est peut-être l'utilisation la plus correcte sur le plan éthique que vous puissiez en faire en ce moment, du moins à mon avis De cette façon, vous pourriez éviter tout problème de droit d'auteur et obtenir exactement ce dont vous avez besoin. Mais c'est à vous de décider si vous pensez que c'est un cas d' utilisation acceptable ou non. Poursuivez avec d'autres conseils artistiques, assurez-vous d'obtenir une référence à un corps entier. Vous disposez ainsi de toutes les informations dont vous avez besoin. N'inventez rien. Nous allons laisser cela pour la prochaine leçon. Faites attention aux références avec des tonnes de vêtements et de pellicules. Le vêtement est un sujet à étudier à part entière, tout comme l'anatomie. Nous n'avons pas besoin de cette complexité supplémentaire pour le moment. Ne négligez pas le tissu en cas de chute, mais si vous constatez une trop grande complexité, passez peut-être à une autre référence. Un peu plus sur l'anatomie. Référence à Boyd où il y a une grande partie du corps visible, du moins pour le moment Plus tard, nous en verrons plus à ce sujet. Et aussi lié à la santé, à la phase. Nous ne l'avons pas encore vu, je vous recommande donc d'ignorer références qui montrent trop le visage. Bien entendu, je ne veux pas dire que vous devriez chercher des références à des personnes décapitées, mais vous devriez peut-être étudier références dont le visage recouvert au moins partiellement de casques ou de capuchons, du moins pour le moment, jusqu'à ce que nous voyions le rythme plus en détail plus tard Tu peux toujours juste tracer le rythme. La dernière étape concerne davantage l' ensemble du processus que la première étape consistant à recueillir des références. Si vous constatez que vous ne pouvez pas correctement cartographier une référence complète du corps, le problème vient peut-être de la référence particulière que vous avez recueillie . Essayez-en un autre. Il m'est arrivé que certaines photos, pour une raison ou une autre, semblent faciles à étudier, mais ensuite, vous essayez de les caricaturer et elles mais ensuite, vous essayez de les caricaturer ne sont tout simplement pas belles Il s'agit peut-être d'un problème de référence d'une pause délicate ou quelque chose que vous ne connaissez tout simplement pas. Ne le jure pas. Cela m'arrive tout le temps. Essayez simplement avec une autre référence. Voyons un exemple rapide. Je sais que vous l'avez fait des tonnes de fois et que vous n'avez probablement pas besoin d'un exemple, mais vous n'avez pas vu comment l'appliquer à un personnage à part entière. Regardons-en une rapide. Si vous vous souvenez, dans la leçon de dessin animé, j'ai mentionné une technique permettant de résoudre les problèmes liés à la transformation d'un objet réel en dessin animé avant de commencer par les variations. Revoyez cette leçon si vous en avez besoin. Cette technique est super simple. Il suffit de courir et de trouver ce qui va être supprimé et ce qui va rester. Et c'est fait. C'est sur ce dessin que nous allons faire des variations. C'est notre nouvelle référence. Nous n'avons plus besoin d'une image réelle. Cela devrait être plus facile à dessiner car c'est la même chose que les autres explorations de dessins animés que nous avons faites jusqu'à présent Mais cette fois c'est toi qui as fait le dessin animé. Comme la plupart des personnages d'identification humaine seront assez complexes, vous devrez probablement utiliser la méthode de superposition Et selon la complexité de certaines zones, vous devrez peut-être utiliser la méthode de focalisation. N'oubliez pas que les zones de complexité les plus courantes sont généralement les mains, les pieds et la tête. Nous ne sommes pas en train de nous coiffer en ce moment et les mains et les pieds de ce personnage ne sont pas si compliqués que Nous ne faisons donc que deux couches simples. C'est maintenant l'heure des variations. Je n'en ferai que trois pour le démontrer. Mais comme toujours, plus vous en faites, mieux ils sont cartographiés. Maintenant, c'est exactement le même processus qu'avant. D'abord les couches, puis vous créez à partir de là. Pendant que je termine les dessins, j'aimerais passer en revue quelques points à garder à l'esprit lorsque je crée des personnages en utilisant cette méthode. Tout d'abord, une fois que vous aurez terminé vos premières variations, vous commencerez à voir les limites de l'utilisation d'une seule référence. Le problème, c'est que ce qui est beau dans la vraie vie ne se traduit pas toujours aussi bien en dessin animé. La vie comporte une tonne de petits détails qui occupent l'œil et créent quelque chose de cool, tandis que les mêmes choses dans un dessin animé peuvent finir par être distrayantes en résulte un dessin qui semble vide ou qui manque de quelque chose. À ce stade, chaque partie de mon cerveau d'artiste me dit de commencer à faire quelque chose avec ces espaces vides, d'ajouter peut-être des détails intérieurs ou de commencer à dessiner autre chose ici et là. Mais je veux m'en tenir à ce que nous voyons dans cette leçon, donc je ne vais pas le dire dans une seule référence qui peut être un excellent point de départ. Mais si vous voulez quelque chose qui soit plus esthétique, plus unique et qui permet de mieux contrôler son apparence, vous devrez le compléter par d'autres références. J'avais initialement prévu d'en parler ici dans cette leçon, mais cela s'est avéré trop long et j' aime que mes leçons soient axées sur le laser. Nous allons voir cela dans le prochain. Passons maintenant au résumé et aux exercices. méthode la plus simple pour créer un personnage de dessin animé à l'aide notre méthode d'étude exploratoire consiste à l'utiliser avec des références réelles Rassemblez des photos de personnes réelles déguisées ou simplement de personnes normales qui, selon vous, constitueront un bon dessin animé. Procédez à une étude exploratoire en utilisant tout ce que nous avons vu jusqu'à présent Cependant, l'utilisation de références réelles peut être source de difficultés, par exemple des images protégées par des droits d'auteur ou des références choses que nous n'avons jamais vues jusqu'à présent, comme du faux ou de l'anatomie, que vous devriez éviter pour De plus, si une référence particulière vous pose trop de problèmes, pensez à en essayer une autre. Parfois, cela arrive tout simplement. Copier une référence réelle peut être difficile et parfois, la référence n'est pas copie, alors ne la triez pas Au moment de réaliser l'étude, n'oubliez pas que tout ce que nous avons vu s'applique également ici. Mais vous voudrez peut-être revoir cette leçon sur le dessin animé, référence à la vie réelle Si le résultat final n'est pas impressionnant ou s'il n' est tout simplement pas aussi beau qu'une référence, c'est normal. Souvent, les références réelles ne contiennent pas la même quantité d'informations dont un dessin animé aurait besoin. C'est pourquoi vous pouvez être tenté d' inventer quelque chose pour combler l'espace vide ou simplement d'avoir des éléments supplémentaires. Une implémentation directe d' une référence réelle peut ne pas toujours sembler correcte à 100 %. C'est pourquoi vous n'utilisez généralement pas une seule référence, mais plusieurs fois plus tard. qui concerne les exercices, je pense que vous savez ce que cela va être. Rassemblez simplement des références réelles appropriées. Bien sûr, je veux dire le corps complet d' un personnage et l'adapter à un dessin animé. Réalisez au moins dix études comportant chacune au moins cinq variantes. Si vous le souhaitez, vous pouvez inventer de nouvelles choses pour pallier tout défaut que vous voyez dans l' adaptation. C'est très bien. Mais d'habitude, je ne vous recommande pas de simplement inventer des choses. Au moins pour le moment, si le résultat final semble vide, acceptez-le, et dans la prochaine leçon, je vais vous montrer comment y remédier. 8. Les bases des gestes: dessiner avec imagination, vous devez être capable de dessiner un personnage dans toutes les poses que vous pouvez trouver, pas simplement en vous tenant droit. Il existe un outil très puissant et très courant que les artistes utilisent pour les aider à créer des poses dynamiques. Vous en avez probablement au moins entendu parler si vous n'êtes pas complètement nouveau dans le dessin de figures, c'est le dessin gestuel. geste signifie différentes choses pour différents artistes formés de différentes manières. La définition du geste peut donc être un peu compliquée. Mais l'idée générale est qu'un geste est un dessin que l'on fait pour établir la pose et les proportions. Aussi vite et sans effort que possible. Cela peut être quelque chose d'aussi simple qu' une figurine ou simplement quelques lignes simples, mais cela peut être bien plus compliqué. Dans ce cours, nous allons choisir type de geste le plus simple possible, parfait pour les débutants et je pense qu' il fonctionne particulièrement bien avec notre système. Notre concept de dessin gestuel sera essentiellement une figurine en bâton, mais réalisée d'une manière très particulière. Maintenant, avant de parler de la façon dont j'aime faire des gestes, vous devez savoir qu'un geste a tendance à être une chose très personnelle vous devez savoir qu'un geste a tendance à être une chose très personnelle et que chaque artiste a sa propre façon de procéder. C'est quelque chose que vous développez vous-même avec le temps pour être plus efficace. Cela a du sens pour un artiste et peut ne pas fonctionner pour vous. J'ai développé ce type de geste en dessinant et en testant ce que j' aime personnellement et ce que je n'aime pas, et je pense que vous devriez essayer même si au début, cela n'a pas beaucoup de sens pour vous. Avoir un geste qui ne vous convient est toujours bien mieux que de ne pas avoir cet outil du tout. Commençons donc. Pour moi, le moyen le plus simple de représenter le mouvement d'une figure est d'utiliser des lignes simples. Juste quelques lignes qui correspondent aux parties les plus importantes du corps. N'oubliez pas que notre objectif est d'établir le plus rapidement et le plus facilement possible les proportions et la pose Je pense qu'il n'y a rien de plus facile ou de plus rapide à tracer qu'une ligne. Ce que nous voulons faire avec ces lignes c'est correspondre à l'axe long. Dans un cylindre, il y a deux axes, le court qui traverse le cylindre et le long qui longe le cylindre. Nous pouvons considérer toutes les parties du corps comme des cylindres. Tout est un cylindre, la tête, le torse, les bras, les jambes et même les mains et les pieds Faire correspondre l'axe long signifie essentiellement adapter l'inclinaison, puisque nous travaillons plus ou moins ici. Mais il est bon de comprendre qu' il ne s'agit pas simplement de correspondre à l' inclinaison de la forme Il est censé passer par l'intérieur d'un formulaire en trois D, et il est important d'en tenir compte lorsque vous travaillez avec un raccourcissement Mais nous ne voulons pas dessiner des gestes pour les tracer sur des images. Nous voulons dessiner des gestes par imagination ou en copiant une image, ce qui rend les choses un peu plus complexes. Voici donc quelques conseils et techniques qui, espérons-le, vous y aideront. N'oubliez pas que les lignes gestuelles doivent dépasser exactement le centre de la partie du corps. Gardez toujours cela à l'esprit. Donc, si vous pouvez essayer de le considérer comme existant en trois D, cela peut demander un peu d' expérience en dessin, mais cela vous aidera à faire des gestes plus précis. J'ai déjà mentionné qu'un moyen simple de tracer ligne gestuelle est de regarder l'inclinaison. Parce que nous travaillons ici, cela correspondra. Cependant, gardez à l'esprit qu'une forme courte aura air plus courte qu' elle ne l'est dans la vraie vie. Le torse est la partie la plus importante du geste, puisqu'il contrôle le mouvement de l'ensemble du corps Si votre torse est bien fait, chaque sN est égal à ety, alors vous devriez peut-être commencer à partir de là J'aime d'abord comprendre la relation entre le torse et la tête Si c'est exact, tous les autres SN se mettront en place selon mon expérience. Le torse est composé de deux grands volumes, la cage thoracique en haut et l' os pelvien en bas Les deux peuvent se déplacer quelque peu indépendamment l'un de l'autre, et vous constatez souvent une différence de direction marquée. Donc, la ligne qui la compose sera probablement une courbe en C, mais parfois elle peut même être une courbe en S. Si vous avez de la difficulté à maintenir le rythme des bras et des jambes et définir la bonne longueur du torse, une bonne astuce consiste à tracer deux lignes horizontales, une en haut de la ligne du torse, qui vous aidera à bien écarter et localiser les bras, et l' autre en bas, qui fera de même pour les Le geste ressemblera donc un peu à ceci. Personnellement, je n'aime pas toujours tracer ces lignes, mais aime pas toujours tracer ces lignes, cela peut parfois vous aider, surtout lorsque la référence indique que le haut ou le bas du torse regarde dans une direction qui n'est pas droite devant Cela vous aidera également, lorsque vous dessinez un dessin animé avec d'autres proportions, à rapidement impliquer les proportions du torse Celui-ci, tu l'as probablement deviné par toi-même. Vous pouvez soit utiliser une autre ligne pour les mains et les pieds, soit, si vous préférez, vous pouvez utiliser les mêmes formes que nous utilisons pour la première couche, ellipses ou un carré pour les mains et un triangle pour les pieds La tête peut être une autre ligne droite, mais si cela peut vous aider, vous pouvez également faire un cercle ou un rectangle. Le geste est quelque chose que l'on apprend presque instinctivement au fur et à mesure que l'on le pratique Permettez-moi de passer en revue certains des exercices que je vous donnerai à la fin de la leçon. Premier exercice : trouvez des photos de personnes réelles dans des poses dynamiques, puis tracez-les à l'aide de notre geste. Cet exercice est assez simple. Je ne pense pas avoir besoin de clarifier quoi que ce soit. exercice plus avancé consiste à faire des dessins gestuels en regardant une référence au lieu de tracer dessus. Il s'agit d'un exercice classique très courant qui vous aidera à développer une approche instinctive pour comprendre le corps. Je vous recommande essayer pendant quelques jours avant passer à la leçon suivante C'est vraiment important. En fait, il est si courant et utile pour tous les niveaux qu' il existe une tonne de sites Web exclusivement destinés à faciliter ce type d'exercice. Des sites Web tels que Line of Action, Quick Poses et Sketch Daily, n'en sont que quelques-uns. Vous pouvez obtenir beaucoup plus en recherchant le site Web d'exercices gestuels. sont tous excellents et vous permettent de définir les heures et les types de postures et de corps, et ils afficheront automatiquement différentes images ou rendus de corps dans un processus dynamique pour que vous puissiez les copier Il est recommandé de tous les essayer et de vous en tenir à votre préféré. En ce qui concerne leur utilisation, la plupart de ces sites Web vous permettent de définir une tonne d'options, principalement liées au temps Combien de temps souhaitez-vous vous entraîner et combien de temps le MH restera-t-il affiché avant qu'il ne passe à un autre Pour nos besoins et pour notre type de geste, je vous recommande de le régler sur 30 secondes. Nos gestes sont conçus pour être rapides et faciles à faire, ne devraient donc pas vous prendre plus de 30 secondes chacun. C'est un petit avertissement. Certaines des positions affichées peuvent être trop compliquées, en particulier celles qui sont affichées peuvent être trop compliquées, raccourcies Si vous voyez une photo qui vous semble trop importante pour vous, plupart de ces sites Web vous permettront d'ignorer les références Sinon, si vous préférez faire cet exercice rythme avec votre propre référence, vous pouvez toujours prendre des photos de Pinterest ou d'un autre site Web de votre choix. Recherchez simplement des poses dynamiques ou des poses combat ou quelque chose comme ça. Le prochain exercice que je vais vous donner devrait être fait après le premier et le deuxième exercice, et il consistera à trouver des poses dynamiques intéressantes. Si vous le souhaitez, vous pouvez rechercher des poses similaires et simplement les exagérer ou vous en inspirer. C'est ce que je vous recommande de toujours faire de toute façon. Il s'agit d'un autre exercice qui s'explique assez bien. Et le dernier exercice consistera à créer un personnage à partir de zéro, comme dans la dernière leçon, mais à partir d'une référence lors d'une pause dynamique. Encore une fois, cela va de soi, et nous verrons un exemple dans une minute. il en soit, vous trouverez plus de détails à la fin de la leçon lorsque je vous donnerai les exercices exacts que vous devrez faire. N'oubliez pas que plus le geste est beau, meilleure sera la pose finale de votre personnage. Et la pose est extrêmement importante pour n'importe quel personnage. est donc essentiel de faire de bons gestes pour créer un beau personnage dans l'ensemble. Nous allons maintenant passer en revue plus en détail comment créer des gestes plus esthétiques , ainsi en détail comment créer des gestes plus esthétiques , certains outils et astuces que vous pouvez utiliser. Et le premier et le plus important à garder à l'esprit, je pense, c'est la ligne d'action. ligne d'action est une ligne imaginaire qui correspond au mouvement global de l'ensemble du corps. Il ne correspond à aucune partie du corps en particulier, mais il s'agit plutôt d'une simple courbe qui indiquera le mouvement global. Être capable de le voir et de l' analyser vous permettra mieux reproduire les sensations et les subtilités de la pose Et surtout, comme nous le verrons dans une minute, exagérer tout en gardant l'esprit de la pose Ainsi, une ligne d'action bien définie se traduira par une pose plus agréable et engageante. Vous pouvez même le dessiner avant de commencer le geste pour vous assurer que chaque ligne est liée à la ligne d'action. Mais d'habitude, je n' aime pas le dessiner, car je trouve que cela rend souvent le dessin confus pour le reste du geste. Que vous aimiez le dessiner ou non, c'est toujours une bonne idée de le garder à l'esprit lorsque vous faites le geste. contraposto est un autre concept important pour rendre les poses plus agréables à regarder Cela signifie que la ligne du haut des bras et la ligne des jambes vont dans des directions opposées. Ce n'est évidemment pas obligatoire pour toutes les poses, mais si possible, il est toujours préférable que ces deux lignes ne soient pas parallèles. Un peu là-dessus. Ce principe vous sera utile lors de la conception de vos propres poses. N'oubliez pas que lorsqu'un personnage s'allonge, le côté avec les hanches les plus hautes est celui qui supporte le poids et c'est celui qui doit être droit. Équilibre. Cela s'applique aux poses debout. Non quand une pose est censée être déséquilibrée. Il arrive parfois que votre geste donne l'impression de flotter dans les airs au lieu de donner l'impression d'être ancré dans le poids. Cela se produit généralement lorsque vous faites des poses debout qui ne sont pas équilibrées alors qu'elles devraient évidemment le faire. La solution est simple. Il suffit de tracer une ligne entre le point central où se trouverait le torse et le sol À partir de là, vous pouvez savoir si impression que c'est équilibré ou non. Même si vous ne tracez pas cette ligne, imaginez que cela puisse être un petit outil sympa pour vous aider à diagnostiquer si quelque chose est déséquilibré ou non Le concept suivant est très important pour exagérer les dessins animés La plupart du temps, vous ne voulez pas copier la pose exacte, mais plutôt l'exagérer un peu Il est donc plus expressif et communique mieux l'idée. Bien entendu, cela commence par exagérer soit la ligne d'action, soit le contraposto, soit les Mais cela peut aussi se faire en poussant l'idée qui sous-tend la pose à ses limites, voire en la modifiant complètement. N'oubliez pas non plus que vous devrez ajuster le geste si vous prévoyez de l'adapter à un dessin animé de toute façon Vous pouvez donc tout aussi bien l'exagérer pour qu'il soit plus beau Pour terminer cette leçon, je vais vous donner un petit exemple de ce que ce nouvel outil gestuel vous permettra de faire. Jusqu'à présent, vous n'avez fait que des variations basées sur personnages et des poses plus ou moins statiques. Appliquons ce geste pour nous aider à copier un personnage plus dynamique. Ce que nous allons faire maintenant, c'est ce que nous avons fait dans la leçon de création de base où nous avons pris une photo et en avons fait un dessin animé. Mais cette fois, nous trouverons une pose dynamique , avec beaucoup de mouvement. Ou du moins avec une pose intéressante. Le point de référence doit être celui d' personne qui fait du contorsionnisme, qui prend une pose dynamique, mais il ne faut pas se contenter de se tenir debout C'est ce que j'ai trouvé. Nous allons en faire un dessin animé. Si vous avez besoin de regarder cette leçon, je ne vais pas y revenir dans cette vidéo. Pensez que le moyen le plus simple d'intégrer le concept de geste à notre système est de le considérer comme la toute première couche de la couche métallique, couche zéro, si vous le souhaitez. Cela aura deux effets. Bien sûr, cela vous aidera à être plus précis dans la pose et les proportions, ce qui se traduira également par un dessin plus fluide. Mais c'est aussi parce que vous avez une sorte de corps sous les formes, ce qui vous permettra de coller plus facilement les formes avec précision. Vous comprendrez mieux ce dernier point en l'essayant. Bien entendu, je vais commencer par trouver les différentes formes en traçant le geste, puis en superposant les couches 1 et 2. Et bien sûr, en utilisant la technique du traçage tout en dessinant. Vous pouvez donc supprimer la photo et l'utiliser comme référence. Ensuite, c'est l'art de faire des variations, et voici un autre avantage de l'utilisation des gestes. Il est tellement plus facile et rapide de jouer avec les proportions. Maintenant, vous pouvez facilement faire 20, 30 ou 50 gestes dans le temps qu'il vous faut pour créer cinq formes simples, car comme je l'ai déjà dit, faire des gestes ne devrait pas vous prendre plus de 30 secondes chacun. À ce stade, vous pouvez en fabriquer des tonnes et des tonnes trouver ceux que vous aimez le plus et continuer à partir de là. Je pense que vous avez déjà réussi à créer au moins cinq variations de tout avec un outil gestuel. Vous pouvez jouer très facilement avec les proportions et ne continuer que lorsque vous avez trouvé celles que vous aimez. Bien entendu, je pense à tous les concepts que nous avons vus plus tôt, à savoir tous les concepts que nous avons vus plus tôt, la ligne d'action, le contraposta, l'exagération et l'équilibre, etc. N'ayez pas peur de rompre complètement la pose en l'exagérant La plupart du temps, il vaudra mieux rompre la pose que non. Dans ce cas, j' aime beaucoup ces trois points, et je ne vais pas passer aux autres. Je ne pense pas que ce soit nécessaire. Ensuite, il est temps de passer à la première couche, la plus simple. Déjà à ce stade, vous remarquerez à quel point il est facile de créer les formes lorsque vous avez un squelette pour indiquer l'emplacement. Et je vais répéter les mêmes étapes avec les autres couches. Et là, il s'est passé quelque chose. Je ne comprends pas le design de ces deux versions. Je ne vais pas passer à l'art au trait pour ces deux-là. C'est un autre avantage de travailler ainsi en couches. Si à tout moment vous vous rendez compte que le design ne fonctionne pas, vous pouvez simplement l'abandonner et ne pas perdre trop de temps. J'espère donc que les 30 secondes supplémentaires que vous passez à faire le geste sont vraiment payantes à la fin, vous permettant d'explorer positions plus dynamiques très facilement. OK, récapitulons tout. Le geste est un outil qui permet d' établir très facilement et rapidement des dépôts et des proportions de poses complexes et dynamiques Il existe de nombreux types de dessins gestuels, mais nous en utilisons un très simple qui consiste n'utiliser que des lignes pour les principales parties du corps. C'est le strict minimum dont nous avons besoin pour établir les dépôts et les proportions, et c'est ce dont nous avons besoin dans notre geste En dessinant un geste, il faut penser à la ligne d'action. Il s'agit d'une ligne imaginaire qui traverse le corps et vous donne une forme générale de la position, et vous devez être capable de la voir et de l'imaginer au moment de dessiner. Il faut également penser au contraposto, c' est-à-dire lorsque les bras et la ligne des hanches vont dans des Cela se traduit toujours par une posture debout plus agréable. Réfléchissez également à la façon d'exagérer le geste à partir d'une référence réelle Dans les dessins animés, en particulier, exagérer les poses est toujours une bonne chose. Enfin, faites attention à l'équilibre. Si la position debout donne l' impression de flotter dans les airs, c'est peut-être parce qu' elle n'est pas équilibrée. Lorsque vous dessinez une référence, vous pouvez considérer le geste comme la toute première couche à superposer les autres. Les exercices sont l'endroit où vous passez le plus clair de votre temps maintenant. Le geste est quelque chose que l'on apprend presque instinctivement, au fur et à mesure que l'on dessine Il y aura donc beaucoup d' exercices pour cette leçon, et je vous recommande vivement de tous les faire, surtout avant de passer aux leçons suivantes. Premier exercice, ça va être facile. Nous en avons déjà parlé. Il suffit de trouver 20 photos de poses dynamiques et de les parcourir. D'abord la ligne d'action, puis le geste. Ensuite, le deuxième exercice consiste à se rendre sur l'un de ces sites Web de dessin gestuel que j'ai déjà mentionnés et à en faire au moins 132e copies Si vous trouvez certaines poses trop difficiles, pas de problème, il suffit de les ignorer. Bien sûr, ne les comptez pas dans le total. Gardez à l'esprit les conseils que nous avons vus pour améliorer les poses, la ligne d'action, l'exagération, l' équilibre et le contraposto L'exercice suivant ne doit être effectué qu'une fois que vous avez terminé avec les deux précédents. Faites 100 poses. Encore une fois, ne consacrez pas plus de 30 secondes à chaque pose et assurez-vous qu'elle soit crédible et belle Si quelque chose ne va pas, ne les comptez pas jusqu'à 100 et essayez-en un autre. Vous pouvez et devez utiliser des poses déjà existantes pour vous inspirer ou informer vos nouveaux patrons, prendre des poses similaires mais distinctes à celles de la référence. Enfin, cet exercice est peut-être un peu facultatif, mais je pense qu'il vaut certainement la peine de le faire. Créez au moins un personnage à partir d'une image réelle, comme nous l'avons fait dans la leçon de création de personnages de base, mais cette fois en utilisant une pose dynamique. En gros, il suffit de faire ce que nous avons fait il y a une minute, d' explorer une tonne de gestes , puis de faire au moins trois variations. 9. Les bases de la 3D: Si vous voulez dessiner par imagination, vous devez dessiner en trois D en utilisant formes telles que des cubes, des sphères et des cylindres. Dessiner à l'aide d'un formulaire vous permettra de faire certaines choses que vous ne pourriez pas faire simplement en dessinant en deux D. Comme, par exemple, prendre une référence dans une vue et l'adapter à un dessin animé dans une vue complètement différente. Notre méthode est très orientée, comme vous vous en êtes probablement rendu compte, mais même dans ce cas, nous avons encore besoin des bases du trois D pour la compléter au moment de dessiner avec imagination. Dans cette leçon, nous allons examiner les trois exercices essentiels pour vous préparer aux prochaines leçons. Cependant, nous n'allons pas passer en revue les bases du dessin en trois D. La leçon portera davantage sur des exercices spécifiques qui s'adapteront à notre système global. Pendant le reste du cours, je vais partir du principe que vous pouvez dessiner une boîte appropriée en trois D à la main et pas seulement une boîte comme celle-ci, mais une boîte de toutes les dimensions et dans les trois positions principales liées à l'horizon en dessous et au milieu. Je suppose également que vous pouvez dessiner un véritable cylindre en trois D à la main, bien sûr, de toutes les dimensions et en pointant partout et dans les trois positions principales liées à l'horizon. Si vous ne pouvez pas le faire, je vous recommande une ressource en ligne gratuite vraiment fantastique appelée drawbox.com C'est un endroit très connu pour apprendre les bases du dessin. Il s'agit de leçons très détaillées , très rapides et faciles qui incluent dessin en trois D. Cela ne devrait pas vous prendre plus de deux heures pour les terminer et vous mettre au courant. L'une des principales capacités qu'apportera un TD actif est de pouvoir enrouler des vêtements autour du corps. Vous allez donc prendre une référence vestimentaire et l' appliquer sur un corps complètement différent dans une vue complètement différente. La façon de le faire n'est pas difficile, en fait. Dans la dernière leçon, j'ai brièvement mentionné que le corps entier pouvait être pensé comme plusieurs cylindres empilés les uns sur les autres. enrouler des vêtements, il faut pouvoir visualiser et toucher trois de ces surfaces, en particulier les cylindres. Le premier exercice consistera donc à dessiner une tonne de sphères et de cylindres aléatoires , puis à enrouler une ligne autour d'eux comme s' il s' agissait d'un élastique enroulé le long de la surface. L'important ici, c'est la précision. R pour sentir la surface. C'est le meilleur moyen que j'ai trouvé correct. Une bonne petite astuce consiste à dessiner tout autour comme si le formulaire était en verre. Et puis supprimez le côté qui ne doit pas être affiché. Portez une attention particulière aux coins. C'est là que la courbure se produit. Je ne pense pas avoir besoin de clarifier cela, mais juste au cas où vous verseriez les cylindres, enroulez la ligne autour de l'axe long, bien sûr. Le corps et les autres références que vous pourriez trouver ne correspondent pas toujours parfaitement à une sphère, à un cylindre ou à un cube. Parfois, vous avez des formes d'apparence organique aléatoires et vous devez être capable de travailler dessus, sculpter et de dessiner sur leur surface Nous en parlerons plus tard au cours du cours. Pour l'instant, il existe un exercice vraiment incroyable et super amusant qui permettra de découvrir une nouvelle façon de voir et penser en termes de formes organiques en trois D. Dessinez des taches aléatoires de formes comme celle-ci , puis commencez à imaginer une surface juste au-dessus et dessinez sur sa surface comme si elle était en trois D. Tracez au moins trois de ces lignes qui montent et descendent sur le côté de la Essayez de faire attention aux bords et de lui donner cette courbure pour qu'il donne l' impression qu'il a du volume. Une fois que vous serez plus à l'aise, vous remarquerez que vous pouvez impliquer différentes surfaces en modifiant la forme de la ligne. Par exemple, créer facilement des dépressions ou des reliefs. C'est ainsi que vous impliquez de changer une surface dans un endroit qui n'est pas sur le côté. N'oubliez pas qu'il existe différentes manières d'enrouler des lignes autour d'une même forme et que, selon les directions, vous pouvez impliquer différentes formes et même différentes vues. Je vous recommande vivement de jouer avec cela et de voir comment cela fonctionne. Si vous faites suffisamment cet exercice, vous aurez l'impression instinctive sculpter des formes organiques en trois D. Pour moi, c'est vraiment très amusant, et cela va changer votre façon de dessiner. Mais pour vraiment libérer la capacité de toucher et de tracer trois surfaces en D, nous devons enrouler les lignes de surface autour de formes organiques plus complexes Je ne peux pas vous dire à quel point cet exercice sera utile, puissant et amusant. De plus, il s'agit d'un outil très puissant pour corriger et diagnostiquer les dessins en trois D appropriés , comme vous le verrez bientôt Prenez simplement une illustration ou une photo que vous aimez et commencez à en surélever les surfaces. Comme si vous dessiniez directement sur la peau, sur les vêtements ou sur toute autre surface sur laquelle vous dessinez, essayez de réagir aux changements de la manière plus réaliste possible Tracez toutes sortes de lignes horizontalement et verticalement partout. J'ai toujours trouvé que le résultat final était incroyable et qu'il vous familiarisait vraiment avec la référence d'une manière tridimensionnelle. Faire cela sur des dessins animés et sur des images réelles est différent. J'oserais dire que c'est un peu plus difficile à faire dans les dessins animés, car vous n'avez pas autant d'informations sur la lumière à la surface pour vous aider à être précis Cela vous oblige à utiliser davantage votre imagination. C'est pourquoi je vous recommande de commencer par vous habiller sur des photos, puis de passer aux dessins animés. Plus d'informations à ce sujet dans une minute lorsque je vous donnerai l'exercice complet. Et c'était tout pour cette leçon. Donc, pour résumer, notre méthode est très référentielle et orientée. Mais quand même, si nous voulons mieux dessiner par imagination, nous devons connaître les bases du dessin en trois D. Nous pensons en termes de surfaces, pour pouvoir dessiner directement sur celles-ci. Et cela nous donnera beaucoup de solidité à nos dessins. Nous pensons que le corps est fait de cylindres. La plupart du temps, nous avons un guide sur la façon d' enrouler les vêtements et autres objets autour de lui. Quelque chose que nous ferons plus tard. OK. Passons maintenant à la partie la plus importante de la leçon, les exercices. Nous les avons déjà vus. premier exercice consiste à dessiner 20 sphères et 20 cylindres et à enrouler des lignes de surface tout autour. Au moins trois à cinq pour chacun. Assurez-vous d'être aussi précis que possible. Dessinez, si nécessaire, vous devez avoir l'impression que la ligne trouve à la surface de la forme. Pour les sphères, les lignes doivent être horizontales et verticales, et pour le cylindre, les lignes doivent s'enrouler autour du grand axe. Assurez-vous que chaque cylindre pointe dans une direction complètement différente et à différents niveaux par rapport à l'horizon. Ensuite, créez au moins 50 formes organiques comme nous l'avons fait il y a une minute et tracez de nombreuses lignes de surface qui s' enroulent dans différentes directions. L'objectif est de communiquer ces formes. Il s'agit en fait d'une surface tridimensionnelle, alors faites attention aux bords. Encore une fois, soyez aussi précis que possible et parcourez le texte si nécessaire. Cette fois, vous pouvez enrouler les lignes comme vous le souhaitez, alors essayez d'expérimenter. Ne vous en tenez pas aux lignes verticales et horizontales. Comme si vous vous sentiez prêt à relever le défi, essayez de modifier la surface au milieu de la forme en modifiant les lignes Enfin, trouvez 20 références réelles et 20 références de personnages de dessins animés et tracez-les à l' aide de lignes de surface. Encore une fois, tracez plusieurs lignes dans plusieurs directions et le corps entier ou l'illustration. 10. Les bases de la tête: Nous allons maintenant examiner tout ce dont nous avons besoin pour fabriquer la tête. J'ai créé et refait cette leçon plusieurs fois parce que je ne savais pas exactement comment l'aborder J'ai d'abord pensé à m'intéresser davantage à l'anatomie, mais cela m'a permis de trouver quelque chose qui, selon moi, ne correspondait pas à l'objectif du cours. Je pense toujours que connaître les bases de l' anatomie est toujours important pour tout type de tête de dessin animé. Ce n'est pas une de ces conceptions entièrement graphiques. Cependant, au lieu d'apprendre le crâne et les muscles de la tête, nous allons voir un outil vraiment utile qui contient tout ce dont vous avez besoin pour fabriquer des têtes anatomiquement saines Il existe une méthode très connue pour dessiner les têtes, appelée « mishead ». La tête umis a été conçue par le légendaire professeur d'art Andrew Lumis et était censée être un système étape par étape permettant de construire la tête facilement avec une anatomie correcte et sous tous les angles possibles Comme la tête umis a déjà intégré dans ses pas les repères anatomiques les plus importants de la tête, vous avez atteint le strict minimum d'anatomie requis pour ces têtes plus réalistes et anatomiques Maintenant, notre objectif est d'utiliser cette méthode avec des têtes de dessins animés. Nous allons donc utiliser une version légèrement modifiée qui nous convient mieux dans notre système. La première étape consiste à créer une ellipse. Cela représente la partie ronde du crâne. Dans une tête réaliste, cela devrait probablement être un cercle parfait. Mais dans le cas des dessins animés, vous avez un peu plus de place pour jouer Pour la prochaine étape, nous allons tracer des lignes de surface. Assurez-vous de regarder le dessin en trois leçons si vous en avez besoin. Nous allons utiliser une ligne de surface verticale recouvrant le centre exact pour indiquer le point central de la tête. Cela nous aidera à indiquer très rapidement où regarde la tête sans qu'il soit nécessaire de dessiner une quelconque caractéristique. Puis une autre, cette fois à l'horizontale. Dans une tête réaliste, ce sera le sourcil. Mais dans une tête de dessin animé, les proportions peuvent changer. Ajoutez ensuite un dernier sur le côté, qui doit être perpendiculaire à la verticale. Il suffit de l'évaluer et d'essayer d'être aussi précis que possible. Ce dernier sera utile pour savoir où placer l'oreille. Une tête est plus proche d'une boîte que d'une sphère, nous devons donc clairement définir les côtés. Nous allons utiliser une autre ellipse alignée sur la ligne de surface verticale Ces ellipses doivent commencer au centre du côté de la tête, là où les deux lignes de surface se croisent, et avoir environ les deux tiers de la hauteur de l'ellipse principale Le plus important pour bien faire est que ces ellipses soient parallèles à la ligne de surface verticale Portez donc une attention particulière à cela. La tête ressemble plus à un œuf qu' un cercle parfait la partie frontale étant moins large que la partie arrière. Cela signifie qu'en vue de face, vous verrez une partie du côté de la tête. Ceci est fait en faisant les côtés comme deux demi-cercles comme celui-ci. La forme de la mâchoire est un peu plus compliquée qu'on ne le pense, mais la méthode Lumius permet de la résoudre très facilement À partir du centre exact de la sphère, étendez la ligne verticale vers le bas, pas à travers la surface, mais verticalement vers le bas. Cela définira la longueur de la mâchoire. À partir de là, vous tracez la ligne qui sera le menton. Pour joindre le menton au reste de la tête, il faut être conscient des fractures de la mâchoire. Vue de face, vous verrez que la mâchoire comporte deux lignes avec des inclinaisons différentes Aux trois quarts, vous verrez qu'un côté de la mâchoire est masqué et relié au menton par une seule ligne l'autre côté, vous voyez la mâchoire composée de deux lignes qui se connectent vers le centre de l'ellipse. Remarquez le changement d'angle. Notez également que cette ligne descendante n'est pas entièrement plate. Il a un angle vers le haut assez notable. Vue latérale, vous pouvez également voir le bas de la ligne de la mâchoire, qui recule vers le cou Mais remarquez simplement l'angle prononcé et sa courte durée. C'est environ la moitié de la largeur de la mâchoire. Une information anatomique importante qu'il est vraiment utile de connaître est de savoir quelle partie de la tête représente le devant et quelle partie est le côté. Parce que, comme je l'ai déjà dit, la tête a une forme assez unique que la plupart d'entre nous n'envisagent pas de prendre en compte. La tête d'illum y parvient en traçant une ligne courbe depuis l'un des côtés du menton jusqu'à l'intersection des lignes de surface situées sur les côtés Cette ligne doit passer par le centre de la joue. Vue intérieure, vous ne pouvez tracer cette ligne que sur l' un des côtés. Et dans les trois quarts, selon l'angle, vous ne pourrez tracer complètement qu'une de ces lignes, et l'autre pourra être absente ou partiellement masquée. Chaque péché au centre de cette ligne est pointé vers l'avant. Tout ce qui est sur le côté est pointé sur le côté. J'ai découvert que la plupart des gens ne pensent pas trop à l'anatomie de la tête et ont tendance à penser que tout le devant de la tête pointe vers l' avant comme ça, mais ce n'est pas le cas. C'est donc quelque chose à garder à l'esprit lorsque vous vous faites des têtes et aussi quelque chose que la méthode ums résout pour vous. Enfin, je voudrais parler du cou. On peut considérer le cou comme appartenant à la tête ou au corps. Je considère que cela appartient au chef. Voyons comment cela fonctionne. Le cou est relié à la tête juste en dessous des oreilles et a la même largeur que la tête. Dans un dessin animé, vous pouvez jouer avec la largeur. Il est très courant de la rendre très fine , quel que soit le type de femelle, mais elle doit toujours se connecter derrière les oreilles et sortir de là. Vu de côté, on voit souvent ce plan triangulaire, qui est un plan inférieur de la mâchoire. La plupart du temps, vous n' aurez pas besoin de le dessiner sauf si vous créez une tête vue d'en bas. Sachez simplement que le cou se connecte à peu près à mi-chemin de la mâchoire. Nous pourrions terminer avec la tête ici en indiquant l'emplacement des entités avec la ligne, mais je ne veux pas le faire. Je veux plutôt approfondir l'anatomie et l'étendre un peu pour marquer quelques autres repères anatomiques vraiment importants qui sont particulièrement utiles pour définir les traits du visage. Donc, si l'on continue dans la vraie vie, le oui appuie à l'intérieur d' une zone légèrement sculptée entre le front et les joues indication de cette section est très importante pour la structure globale. Pour ce faire, nous dessinons deux plans courts juste en dessous de la ligne des sourcils plan supérieur commence au niveau du sourcil et se termine au centre de la tête, jusqu'à ce qu'il soit relié aux ellipses latérales que nous avons créées Cet avion pointe vers le bas. L'autre plan se termine au niveau de la joue et pointe vers le haut dans un angle important de noter ici qu'aux est important de noter ici qu'aux trois quarts, cette zone est très visible dans la silhouette, et on la voit tout le temps dans dessins animés et aussi dans la vraie vie Les yeux doivent se situer juste entre les deux, une paupière dans un plan et l' autre dans l'autre Nous allons utiliser seulement deux ellipses pour indiquer l'ensemble de la zone du globe oculaire, et il ne s'agit pas simplement d'une partie visible de l' C'est le globe oculaire entier. Notez que le globe oculaire doit tenir à l'intérieur de ces deux plans, vous devez lui donner un beau signal spatial autour de vous, y compris au niveau des bordures C'est une erreur très courante, qui consiste à agrandir le globe oculaire et à laisser un espace autour de lui et à laisser un espace autour Vous voulez agrandir les yeux, agrandissez simplement les deux plans sans oublier cet espace. fois le globe oculaire en place, il n'est pas difficile de créer la partie visible de l'œil, l'ouverture des paupières Ne dessinez donc pas les paupières comme des ellipses, dessinez-les comme des sphères volumineuses Le nez est probablement la simplification la plus complexe car je pense qu'il est utile d'indiquer quelques détails anatomiques avant passer au tout. Fondamentalement, le nez est une forme cubique trapézoïdale qui repose sur le plan inférieur de la cavité oculaire Il possède également cette partie supérieure très visible qui apparaît dans presque toutes les utilisations, et elle se connecte à la zone des sourcils en de trapèze inversé Il occupe une grande partie du plan supérieur de la cavité. Vous avez donc ces deux formes trapézoïdales. Une façon de le faire est de donner l'impression que deux pyramides se reflètent l'une dans l' autre en termes d'épaisseur et de volume. Les oreilles doivent simplement avoir des cercles situés juste dessous de la ligne horizontale et juste derrière la ligne latérale. Les lèvres peuvent être facilement simplifiées sous d'une ellipse rapide ou d'un simple trapèze Peut-être qu'avec les coins centraux, je pourrais être arrondi. Et c'était notre tête de citron expansée. Je pense que c'était super facile à apprendre. Et une fois que vous avez mémorisé tous les éléments et les étapes, c'est super flexible et vous pouvez l'utiliser non seulement pour créer n'importe quel type de dessin animé, mais aussi pour étudier et apprendre comment certaines têtes sont fabriquées. Avant d'utiliser la tête « um » pour créer un personnage, il serait judicieux de renforcer ces connaissances par la pratique. trouverez plus de détails dans les exercices à la fin de la leçon, mais l'idée est que vous mémorisiez absolument comment le construire sans avoir besoin de regarder un schéma. Ce n'est vraiment pas si complexe, et après quelques répétitions, vous devriez être capable de l'apprendre C'est là que la méthode de copie exploratoire brillera. Notre objectif est de créer des têtes de dessins animés, dont les proportions varieront très probablement . Explorez des proportions et des formes uniques. Ce faisant, vous pouvez créer des designs intéressants qui peuvent facilement être transformés en têtes de finition. L'un des avantages de l'utilisation de la tête de mixage est que tant que vous suivez la construction, vous obtiendrez une tête belle et structurée, quelles que soient les proportions et les formes que vous utilisez. Et un petit avertissement dans les exemples à venir : il se peut que certaines de ces lignes et formes de construction soient omises. Cela ne signifie pas qu'ils ne sont pas importants. Je ne fais que les imaginer. En tant que débutant, vous voudrez probablement tous les dessiner juste pour être sûr de les mémoriser et de vous assurer que la structure est correcte. OK, donc l'outil qu'est la tête Ums nous permet de construire une base bien structurée pour notre tête. Mais pour le terminer, nous devons encore apprendre à dessiner les traits , les cheveux, les expressions et tout le reste. ce faire, nous allons utiliser notre méthode de copie exploratoire L'exercice est plus détaillé , mais l'idée principale est de vous familiariser avec les fonctionnalités que vous aimez pour apprendre à créer , puis d'en faire une copie exploratoire Cela vous aidera à mémoriser la façon dont le style agit sur les traits, les expressions et les cheveux. Si vous répétez cette opération avec plusieurs types de caractères, un style similaire. Vous finirez par mémoriser la façon dont ils dessinent leurs yeux, leur nez, bouche et finalement, vous pourrez simplement mélanger les éléments de votre mémoire pour créer quelque chose de nouveau Cela ne signifie pas que vous ne pouvez plus utiliser la référence pour jongler avec votre mémoire, mais il est toujours utile de mémoriser autant d'informations visuelles , car autant d'informations visuelles, car vous pouvez ainsi avoir une idée instinctive de la façon dont chaque caractéristique mémorisée fonctionne pour chaque caractéristique mémorisée fonctionne obtenir l'impression que vous recherchez Mais cela vous oblige à étudier de nombreux types de personnages, bons personnages, personnages méchants, jeunes, vieux hommes, femmes. Vous avez du pain sur la planche avant de pouvoir facilement trouver de nouvelles têtes grâce à La prochaine étape consiste à vous faire votre propre idée avec ce que vous avez appris. Le processus qui vous permet de vous faire votre propre tête devient plus facile au fur et à mesure que vous devez vous en sortir. Donc, si vous avez du mal à trouver des choses, faites simplement d'autres études et souvenez-vous que vous pouvez toujours utiliser les références, mais idéalement, uniquement pour vous aider à trouver des idées et non comme le seul moyen de vous souvenir des fonctionnalités. Voici un conseil d'efficacité que vous avez peut-être découvert vous-même. Lorsque vous débutez, c'est probablement une bonne idée concentrer sur un style de personnage en particulier. Les styles partagent généralement un plus petit ensemble de traits faciaux et de motifs de design. En concentrant votre étude sur un style que vous aimez, vous arrivez à créer des personnages plus rapidement à partir de votre imagination. Récapitulons donc tout. Pour dessiner les têtes apparentes, nous utilisons une méthode de construction appelée tête Lumis, qui vous guide tout au long de la construction de la tête sous n'importe quel angle en suivant un processus simple étape par étape En plus de la tête Lumis, nous ajoutons également les avions en vedette la tête en place, Une fois la tête en place, nous l'utilisons comme première couche pour réaliser études exploratoires et mémoriser les traits du visage, les cheveux et même les expressions Ce n'est qu'après avoir bien étudié notre tête que nous pouvons commencer à fabriquer les nôtres. Pour accélérer un peu le processus, vous pouvez simplement vous concentrer sur un style particulier que vous aimez. Comme les styles ont tendance à partager des traits et des cheveux similaires, vous arrivez au point où vous pouvez dessiner vos propres objets plus rapidement. Les exercices. Tout d'abord, fabriquez des têtes d'au moins 50 ums sous différents angles, face avant et trois quarts. Vous voulez mémoriser comment le faire et ne pas vous fier à un guide. N'oubliez pas non plus de jouer avec les proportions. Essayez de les varier autant que le permet la tête d'Umis. Tracez au-dessus de la tête des Lumos et de ses traits jusqu' à au moins 20 portraits réels différents dans différentes vues Faites de même avec les dessins animés. Tracez au-dessus de la tête des Lumos avec les traits d'au moins 20 dessins animés Assurez-vous que le style que vous choisissez correspond plus ou moins à l'anatomie réelle. C'est-à-dire, n'optez pas pour des têtes de dessins animés graphiques plates qui ne suivent pas du tout l'anatomie réelle. Choisissez un style que vous aimez, je rassemble des tonnes de références de ce style. Réalisez ensuite au moins 20 études sur des personnages appartenant à ce style. Si vous le souhaitez, vous pouvez également le restreindre à un type de personnage en particulier. À partir de là, vous pouvez répéter la même chose avec d'autres styles que vous aimez si vous le souhaitez. 11. Mannequin du corps principal: Dans cette leçon, nous allons voir tout ce dont vous avez besoin pour créer le corps. Tout comme pour la leçon de tête précédente, nous allons utiliser un mannequin standard présentant le minimum d'anatomie nécessaire Nous savons déjà comment faire le geste, qui gère la pose et les proportions, ou bien copier à partir de photos qui fonctionne bien. Mais si vous voulez commencer à jouer avec les proportions et les formes comme c'est souvent le cas dans les dessins animés, nous avons besoin d'un outil pour nous aider C'est là qu'intervient le corps de mannequin standard. Jusqu'à présent, nous avons appelé tout type de sous-dessin un mannequin Mais dans le langage artistique courant, un mannequin est généralement désigné un type spécifique de sous-dessin qui représente le corps humain et peut être ajusté à n'importe quelle position et proportion peut-être plus important pour nous, c'est qu'il est composé de trois formes en D comme des sphères et des boîtes. Je m'excuse si j'ai rendu les choses un peu plus confuses en lui donnant le même nom, mais en réalité, la fonction était plus ou moins la même. C'est pourquoi j'ai pensé à utiliser le terme mannequin pour nos couches. Je veux maintenant vous montrer les formes qui constitueront le mannequin avant de commencer à l'utiliser. J'ai décidé d'utiliser ce schéma du corps humain réalisé par Andrew Lumis, qui est le même type que nous avions vu dans une résine précédente J'ai choisi ce schéma parce que j'avais besoin deux personnes debout devant et de côté, non parce qu'il fallait apprendre tout ce qui se passe ici. Cette illustration contient beaucoup plus d'informations que celles dont nous avons besoin actuellement. Concentrons-nous sur les formes de mannequins que je vais mettre en évidence dans un instant. Mais si vous le souhaitez, vous pouvez apprendre beaucoup de choses simplement en le regardant et en l'étudiant, mais je ne vais pas vous envoyer faire cela ici. Quoi qu'il en soit, continuer. Le corps est composé de trois grandes masses la tête, la cage thoracique et le bassin Ensuite, il y a les extrémités qui sont plus faciles à ouvrir. Votre objectif est d'abord de déterminer ces trois masses et leur position dans l'espace. Si vous faites cela, les extrémités sont triviales à Le torse est la forme la plus importante à adopter car il contient deux des trois masses principales, la cage thoracique et le bassin Il est important de l'indiquer. Ainsi, dans notre mannequin corporel, nous utiliserons deux formes rectangulaires qui s'étendent à partir du trapèze, les muscles du dos qui apparaissent à l'avant, en haut du torse Juste en dessous de l'extrémité de la cage thoracique, autour du ventre, il s'agit de la partie la plus fine du torse Chez un mâle, cette boîte peut être plus trapézoïdale en fonction Chez les femmes, ils ont tendance à avoir une forme plus rectangulaire. En ce qui concerne la poitrine, vous pouvez en faire deux demi-cercles en suivant cette forme de tête inversée Sur le côté, les seins ont cette forme avec le haut droit et le bas plus rond. Ensuite, il y a la partie inférieure, qui est un peu plus compliquée, mais nous verrons cela dans une minute. Nous allons simplifier les crampons en utilisant une autre forme rectangulaire qui correspond à la forme supérieure et s'étend jusqu'à l'entrejambe Sur le côté, vous remarquerez cette nette inclinaison des deux formes. C'est important à prendre en compte lorsque vous voyez le personnage d'un autre point de vue que de face. Il est plus important pour les femmes de lui donner un look plus féminin. Les bras pendent sur le côté du torse, ce qui donne une grande liberté de mouvement Pour indiquer cela, une méthode courante consiste à dessiner une sphère dont la largeur du torse indique la connexion et la taille des bras Ensuite, fabriquez un cylindre pour le haut du bras et un autre pour le bras inférieur. Les aiguilles ne seront pour l'instant qu'un cube rectangulaire. C'est au niveau des jambes qu'un peu de complexité commence à apparaître, en particulier lors de la connexion avec le torse Les jambes sortent directement de la partie inférieure du torse Ils sont en quelque sorte fusionnés. Cela lui donne moins de mobilité, mais je veux que vous remarquiez un détail très important, savoir cette rupture, cet angle. Si les jambes sortaient du torse vers le bas, elles n'auraient aucune mobilité Au lieu de cela, ils trouvent cet angle qui leur permet d'avancer. Donc, à partir de l'avant, nous créons ce sous-vêtement en forme de sous-vêtement pour indiquer la séparation entre le torse et les jambes Tout ça, c'est du torse et ce sont des jambes. Maintenant, ces deux choses. Lorsque vous êtes accroupi, vous voyez que les jambes sont séparées Souvent, les graisses peuvent donner l'impression qu' elles sortent exactement du même point, mais vous devez toujours garder à l'esprit la séparation entre les jambes. De côté, vous pouvez voir la séparation reculer vers l'arrière et vers le haut. Tout ce qu'il y a derrière, c'est du cul. Le point de rotation de la jambe où sort l'os de la jambe est très important car il agit de la partie la plus large de la région pelvienne Il est également plus ou moins aligné avec l'entrejambe. Nous pouvons fabriquer les pieds comme deux cylindres empilés l'un sur l'autre. Et les pieds, vous pouvez en faire une pyramide comme celle-ci. Enfin, la tête, vous pouvez transformer le cou en cylindre, mais remarquez comment elle est reliée au corps. Il pénètre un peu à l'intérieur. Vous pouvez le voir plus clairement de côté. Une chose que j'aime faire à ce stade est de transformer la tête en cylindre et d'indiquer la direction dans laquelle elle regarde en utilisant une ligne médiane. De cette façon, je peux facilement dessiner la tête dans n'importe quelle position en quelques secondes. Nous avons un mannequin tridimensionnel de base que nous pouvons utiliser pour indiquer le volume dans l'espace. Je vais maintenant passer en revue les exercices de cette leçon. Le premier exercice que je vais vous faire est de tracer le mannequin sur des photos. C'est juste pour que vous puissiez mémoriser les formes et les subtilités des formes et du mouvement Essayez simplement de créer chaque forme aussi précisément que possible en trois D. Nous regardons le dessin en trois D si vous n'êtes pas très à l'aise pour créer des formes en trois D. Lorsque vous choisissez une pose, assurez-vous qu'elle est agréable et dynamique. La plupart des dessins animés que vous souhaitez dessiner seront dans des poses dynamiques. Ils répètent exactement la même chose, mais avec des dessins animés. Mais l'important ici est de trouver des dessins animés anatomiquement corrects. Vous ne serez pas en mesure de mettre un manque sur un caractère graphique plat Le style Disney ou anime est anatomiquement correct, par exemple, alors qu'un personnage d'un dessin animé des années 90 ne l'est peut-être pas, cela vous obligera à adapter le mannequin à des morphologies nouvelles et uniques Assurez-vous de choisir des personnages qui ont un corps intéressant. Le prochain exercice va être super intéressant et amusant car nous concevons essentiellement des personnages. Il suffit de maquiller des mannequins dans une pose statique simple vue de face Jouez avec les proportions, expérimentez et amusez-vous simplement. Vous pouvez, si vous voulez sécher d'autres vues. La plupart des personnages que vous allez dessiner le seront aux trois quarts, mais vous pouvez également les dessiner en vue latérale ou dans la vue de votre choix. Je pense que dessiner des personnages en trois quarts est plus difficile, mais aussi plus gratifiant, car cela leur donne l' impression d'un vrai personnage. Je vous recommande vivement de vous inspirer des corps de dessins animés existants. Ne copiez pas d'emblée un mannequin, mais inspirez-vous d'eux Par exemple, si vous voyez un personnage coriace avec un torse énorme et une petite tête, vous pouvez peut-être faire quelque chose comme ça et jouer avec cette idée Lorsque vous utilisez la référence pour vous inspirer, vous avez toujours plus d'articulation au moment de concevoir. Inspirez-vous donc des personnages existants, mais ne les copiez pas directement. Le dernier exercice sera le plus intéressant car nous allons suivre exactement le même processus que celui que nous allons suivre pour créer un personnage complet, sauf que nous nous arrêterons une étape avant de terminer. C'est pourquoi cet exercice sera probablement le plus difficile à ce jour, mais je vous promets que si vous faisiez tous les exercices précédents, ce ne sera pas si difficile. Choisissez l'un de vos corps préférés parmi ceux que vous avez créés. Si vous n'en avez pas enregistré, dessinez-en un nouveau. Choisissez ensuite l'une de vos poses préférées et adaptez le manequin à cette Adapter le geste aux proportions du corps que vous avez conçu peut être un peu délicat. Si vous obtenez un beau geste de pose bien proportionné et un bon mannequin, il n'est pas difficile de tout assembler Mais je trouve que ce processus peut être un peu difficile au début. Alors laissez-moi vous donner quelques conseils. Lorsque vous dessinez le torse dans n'importe quelle position aux trois quarts, il est parfois très utile d' indiquer la séparation du front et du côté Pour cela, vous pouvez utiliser une ligne si vous le souhaitez. Facturez-moi, cette petite indication peut vous éviter bien des tracas dans des points de vue plus complexes. Parfois, une pose ne fonctionnera pas à 100 % avec un type de corps en particulier. Par exemple, si une pose a été prise par une personne très maigre, essayer de faire la même pose avec un caractère très musclé peut être carrément impossible Vous devez vous demander si une pose convient aux formes de votre personnage avant même d'essayer. Autre conseil, il est parfois utile de tracer les formes du mannequin sur la référence utilisée pour le geste. Ainsi, vous pouvez voir la forme exacte de chaque pièce. Bien sûr, si chaque geste exagère trop la pose, parties du corps risquent de ne pas correspondre aussi bien aux formes du corps de votre personnage, mais c'est quand même agréable d'avoir quelque chose pour vous guider Et ce dernier conseil peut sembler sans importance, mais pour moi, il m'aide énormément J'aime ancrer les personnages en faisant une petite ligne aux pieds pour indiquer le sol. Cela vous aidera à voir où se trouve votre personnage et si vous devez y ajuster quelque chose. Une fois que vous pouvez faire ces exercices, vous y êtes presque. L'étape suivante consiste à mettre le skin des personnages juste au-dessus, mais c'est ce que nous allons faire dans la prochaine leçon. Pour l'instant, passons au résumé. Tout comme pour la tête, nous utilisons un mannequin générique qui suit les principales formes anatomiques du corps et que nous pouvons adapter aux différentes formes et proportions dont un dessin animé peut avoir besoin. Contrairement aux mannequins précédents que nous avons utilisés, ce mannequin est composé de formes tridimensionnelles, il est donc plus facile de le rendre solide et cohérent dans un espace en trois D. Maintenant, les exercices. Tracez les formes du mannequin et 20 photos. Sujet : des poses agréables et dynamiques, pas des poses complexes, des poses dynamiques et du mouvement. N'oubliez pas de tracer également la ligne médiane du torse et de la tête Répétez le même banc d'exercice avec des personnages de dessins animés, adaptez les formes du mannequin aux proportions du corps. N'oubliez pas de choisir des personnages présentant un certain type d'anatomie, et non des caractères complètement plats. Ensuite, composez au moins 20 personnages en utilisant les formes du mannequin dans le but de poser de manière neutre Vous pouvez et devez être influencé par la morphologie des autres dessins animés, mais ne les copiez pas directement Assurez-vous également de varier le plus possible les types de corps Si vous êtes audacieux, vous pouvez les dessiner sur d'autres plans, comme les trois quarts ou une vue latérale, mais toujours dans une position neutre. Enfin, dernier exercice dont nous avons parlé, trouver un joli mannequin de dessin animé. C'est toujours plus amusant de choisir une pose que vous avez créée, puis de trouver de belles poses dynamiques. Placez le mannequin dans cette pose, bien entendu, en conservant les formes et les proportions du mannequin Souvenez-vous lorsque nous parlons du geste et des astuces. Faites-le avec au moins 20 mannequins et poses différents. 12. Assembler le tout: OK, nous avons tout ce dont nous avons besoin pour créer des personnages. Il est enfin temps de tout mettre en place. Nous allons utiliser tout ce que nous avons vu, de la méthode d'étude exploratoire aux bases des dessins animés figuratifs, pour créer ce Nous allons suivre un processus en quatre étapes pour créer un dessin animé avec nos connaissances, et je voudrais vous présenter les étapes avant de passer à leur démonstration. L'objectif est de prendre toute cette complexité liée à la construction d' un personnage à partir de zéro et de la résumer en étapes faciles à exécuter qui vous mèneront à quelque chose de terminé. Nous avons déjà vu la plupart de ces étapes et nous avons fait de nombreux exercices, cela ne devrait donc pas vous poser de problème. Bien sûr, au fur et à mesure que vous vous sentirez plus à l'aise pour terminer les personnages, vous pourrez simplement abandonner le système sauter certaines étapes et même faire vos propres pas. La première consiste à concevoir votre mannequin. Comme nous l'avons fait dans le précédent exercice de leçon sur le corps, nous concevons le personnage vu de face et debout dans une pose neutre. Ceci, bien sûr, consiste à éliminer une autre variable au moment du dessin et à nous concentrer sur l' obtention du corps adapté à ce que nous voulons. Quelque chose qui peut être plus difficile à faire dans une pose plus dynamique. Ensuite, nous terminons le dessin en habillant le mannequin et en lui donnant un rythme. Concevoir les vêtements en vue de face est beaucoup plus facile, de même pour le visage. Tout comme pour l'étape précédente, nous voulons éliminer autant de variables que possible. Cela nous permet de jouer et d'expérimenter beaucoup plus facilement. Ensuite, nous mettons le mannequin dans la ou les poses que nous voulons Nous avons déjà fait cet exercice. C'était la plus difficile, et cette étape est exactement la même que celle de la leçon précédente. Je suppose que vous avez fait ces exercices et que vous vous sentez plus ou moins à l'aise de les faire. La dernière étape consiste à adapter la fermeture et la phase au mannequin final C'est la dernière étape et vraiment la seule étape que nous n'avons pas encore franchie. C'est probablement la chose la plus difficile que vous ferez dans ce cours. Mais si vous suivez les quatre étapes précédentes, je vous promets que ce ne sera pas si difficile. Avant de montrer comment créer un personnage en suivant ces étapes, je voudrais parler un peu limites que je vais m'imposer dans cette leçon et des raisons pour lesquelles vous devriez envisager de travailler avec eux vous-même. Il y en a trois. Tout d'abord, je veux utiliser des vêtements qui couvrent tout le corps. Je vais minimiser la quantité de corps montrée par le personnage. Et la raison en est que nous n'avons rien vu concernant l'anatomie à part les bases , donc les bases du mannequin. Si vous vous sentez courageux et que vous voulez créer un personnage qui montre des parties du corps, alors allez-y. Mais à moins que vous ne soyez familiarisé avec l'anatomie, vous allez inventer cette partie, et cela ne se passe jamais bien lorsqu'il s'agit d'anatomie. Si vous voulez toujours dessiner le corps, je vous recommande d'utiliser une tonne de références à fois à des dessins animés réels et à d'autres dessins animés, montrant la partie du corps que vous souhaitez montrer Ce serait également une très bonne idée d' utiliser le concept de copie exploratoire pour apprendre et étudier le schéma du corps des diagrammes corporels Illumis Au premier coup d'œil, il semble impénétrable. Mais si vous prenez votre temps et que vous l'étudiez systématiquement, vous apprendrez beaucoup de choses très rapidement. Assurez-vous de vérifier les ressources pour les diagrammes. La deuxième limite est que je veux que les personnages aient des fermetures plus ou moins compliquées et superposées. Il n'y a rien de mal à créer des personnages simples. En fait, cela est parfois plus difficile à faire que d'ajouter des couches et des couches de complexité. Mais je veux profiter de la méthode d' étude exploratoire pour montrer à quel point est facile de créer quelque chose qui, même si ce n'est pas très compliqué, peut contenir plus de détails que ce à quoi vous êtes habitué Je veux vous montrer comment l'étude exploratoire peut aider les débutants à repousser les limites La troisième et dernière limite est que je veux éviter de cacher le corps derrière des vêtements. Insa évitera les références à vêtements amples ou à des peignoirs ou quelque chose comme ça Le problème, c'est que ce type de vêtement masque le corps du mannequin et introduit une complexité supplémentaire dont nous n'avons pas besoin pour le moment. Donc pour le moment, je vais éviter ce genre de vêtements, et je vous recommande de faire de même. Je vous recommande également de suivre ces limites, du moins dans les exercices. Plus tard, au fur et à mesure que vous vous sentirez plus à l'aise, vous pourrez commencer à vous en débarrasser. Et c'est tout. Passons maintenant à la création du personnage suivant notre processus en quatre étapes. La première étape est la signature des mannequins. Vous avez fait cette étape plusieurs fois si vous avez fait les exercices, donc je ne veux pas trop m'y attarder Mais voici quelques conseils rapides spécifiques à intégrer aux personnages. Concevoir implique beaucoup de jeu et d'essayer différentes choses. Je vous recommande donc de dessiner au moins dix variantes différentes du même concept, afin d'en avoir plus d'une parmi lesquelles choisir. Il s'agit d'un outil de conception courant qui vous permet de dessiner plus que dont vous avez besoin, puis de jeter un coup d'œil et de choisir votre favori parmi le lot. Et cette étape est probablement la meilleure pour essayer différentes petites variations d'un concept. C'est ce que je recommande de prendre en compte le type de corps et d'essayer différents petits changements subtils les proportions et de voir lequel vous aimez le plus. De plus, il s'agit d'un très petit conseil, quelque chose que vous avez peut-être remarqué ou non. Si vous fabriquez des mannequins dans le but de les habiller plus tard, ils sont toujours plus beaux et plus naturels s'ils ont les jambes un peu écartées et les bras un peu plus près du corps Une fois que vous aurez obtenu votre mannequin préféré, nous pourrons passer à l'étape suivante. Et l'étape suivante consiste à faire un dessin complet, habiller nos mannequins et à leur donner un visage Vous vous demandez peut-être pourquoi nous perdons notre temps à faire un dessin supplémentaire alors que nous pourrions trouver une pose, mettre le mannequin dans cette pose puis commencer à dessiner. Tout d'abord, vous n'êtes pas obligé de faire cette étape. Si vous vous sentez en confiance, vous pouvez sauter cette étape. Cependant, je vous recommande vivement de ne pas le faire, du moins au début. Il est très utile de définir et de résoudre de nombreux problèmes qui peuvent surgir de nulle part lorsque vous habillez un mannequin en mouvement. Le personnage est devant vous, vous n'avez pas à réfléchir à la manière de mettre la clause dans les références en trois D en même temps. Vous pouvez vous concentrer entièrement sur le design du personnage jusqu'à la fin. Commencez donc par étudier les références que vous avez recueillies. Maintenant, j'espère que vous savez comment vous y prendre. Je vais rassembler le plus de petites références possible, principalement parce que je veux vous montrer comment adapter une seule référence à un dessin animé, comme nous le faisions auparavant. Mais il est toujours utile d' étudier autant de références que possible. Voici donc un bon conseil pour la conception des personnages. Plus vous créez de versions de votre personnage, mieux c'est. Donc, tout comme pour les morphologies, il est toujours plus utile d'avoir plusieurs versions de notre mannequin habillé. Dans ce cas, je suis trois, mais tu peux en faire autant que tu veux. N'oubliez pas que plus vous utilisez de versions, plus vous avez de chances de trouver quelque chose que vous aimez vraiment. C'est la phase. Tu n' as pas à suivre le rythme pour le moment. En fait, je ne l'ai pas fait. Le visage que vous voyez n'est qu'un petit guide pour ce à quoi je voulais ressembler. Je le redessinerai plus tard, mais je pense que c'est utile à cette étape Au moins pour avoir une meilleure idée de la personnalité du personnage. Une fois que vous avez terminé, vous choisissez votre favori pour passer à l'étape suivante. L'étape suivante consiste à faire exactement la même chose que dans l'exercice de la leçon précédente pour adapter la maniaque à une pose intéressante Nous allons utiliser une pose un peu moins dynamique ici, et je vous recommande de faire de même. Je pense que les poses dynamiques ne sont pas si difficiles à faire si vous avez la référence, mais le problème vient lorsque vous ajoutez les vêtements par-dessus. Parfois, cela peut entraîner des problèmes très délicats, en particulier avec des vêtements amples. Ensuite, il y a aussi le problème que les vêtements peuvent en fait influencer la composition du corps, mais c'est un autre sujet. Dans tous les cas, dessiner les éléments à raccourcir est toujours compliqué, d' autant plus lorsqu'il va falloir adapter la référence d' une vue à l'autre. Il est recommandé de ne pas devenir fou avec les poses dynamiques, moins pour le moment, au début, au fur et à mesure que vous serez à l'aise pour dessiner des personnages, commencez à prendre des poses debout sympas. Il en existe une tonne de références en ligne. Souvenez-vous des étapes et des conseils que je vous ai donnés dans la leçon de corps. Commencez par tracer le geste sur la référence. Ensuite, faites également une trace supplémentaire sur le mannequin sur la référence à titre de référence. Essayez de reproduire le geste dans les proportions du mannequin, puis placez le mannequin au-dessus du geste Essayez de reproduire le geste en utilisant les proportions du mannequin Ne le jurez pas si les proportions ne sont pas correctes à 100 %. Un certain degré d'imprécision est normal à ce stade. Comme pour l'étape précédente, il est toujours utile de disposer de plusieurs options. Je vous recommande vivement d' essayer le mannequin dans différentes positions pour voir laquelle vous préférez. La dernière étape consiste à placer les vêtements que vous avez dessinés dans la vue de face dans cette nouvelle position. Selon la position et la pose, cela peut être très facile ou très difficile. En général, moins la pose est courte et dynamique, plus elle sera facile à dessiner De plus, moins il est ample, plus il est serré, moins il faut penser en termes de trois D ou en termes de composition et de formes Peut constater que les vêtements ne fonctionnent pas bien avec une pose particulière. est l'une des raisons pour lesquelles je vous ai dit d' éviter d'acheter des vêtements tels que des peignoirs ou des capes . Par exemple, si un personnage fait quelque chose d'important avec ses jambes, comme les croiser ou les tordre, puis que vous choisissez d'adapter à l'aveuglette des vêtements, comme une jupe longue ou quelque chose comme ça, vêtements masqueront la pose du C'est une autre raison pour laquelle il est judicieux d'avoir plusieurs poses parmi lesquelles choisir. Sentez-vous que vous vous écartez de l'une des étapes précédentes. Si vous avez envie d' improviser quelque chose qui ne figure pas dans les références originales, vous pouvez le faire. Il en va de même pour la pose. Peut-être aimeriez-vous modifier la pose et vous éloigner du mannequin. Le but ultime est que le dessin final soit beau. Toutes les étapes précédentes sont là pour vous y aider. Votre étude a commencé à dessiner la tête ici, sur le côté. Bien sûr, je travaille numériquement et je peux le faire ainsi que d'autres choses que vous ne pouvez pas faire en dessinant sur papier de façon traditionnelle Profitez de ces outils. Utilisez l'outil liquéfié, les couches sont grandes et isolées, puis déplacez cette partie du corps Il y a une référence réelle. Ce n'est pas de la triche tant que vous ne copiez pas directement les œuvres d'autres artistes OK, nous avons donc trouvé notre personnage. J'espère que cette méthode étape par étape a réussi à réunir les concepts que nous avons vus tout au long du cours d'une manière pratique et facile à suivre. Passons donc au résumé. Afin de faciliter les dessins animés, nous utilisons un processus en quatre étapes qui nous aidera à gérer la complexité Tout d'abord, nous concevons le mannequin dans une vue frontale facile à dessiner. Une fois que nous sommes satisfaits du design, nous l'habillons entièrement en utilisant nos références. Nous avons donc une petite référence autodidacte pour faciliter les étapes ultérieures. Ensuite, nous avons mis le mannequin en mouvement comme nous l'avons fait lors de la dernière leçon, et la dernière étape consiste à adapter au mieux le dessin réalisé dans notre vue de face à ce nouveau mannequin. Un seul exercice pour cette leçon, c'est de créer au moins 20 caractères en suivant ces quatre étapes. N'oubliez pas les conseils que je vous ai donnés et les limites qui existent pour vous aider. 13. Conclusion: Félicitations pour avoir terminé le cours. J'espère que vous en êtes ressorti avec un ensemble d' outils solides pour étudier et créer vos propres personnages. Lorsque j'ai initialement planifié ce cours, mon intention était de me concentrer davantage sur l'exploration du concept de copie exploratoire plutôt que sur la création d'un didacticiel et d'une conception de personnages traditionnels Même s'il ne s'agit peut-être pas concept le plus unique ou le plus révolutionnaire, je suis fier de ce cadre pour l'apprentissage et création de personnages, mais aussi pour à peu près tout le reste Pour moi, cela a été une sorte de solution miracle dans ma vie quotidienne, comme je l'ai mentionné dans l'introduction, et j'espère que cela vous a également été utile. J'aimerais avoir votre avis sur le cours et le concept de copie exploratoire aider et si cela a fait une différence dans la façon dont vous abordez la création de personnages Si vous avez des questions sur le contenu du cours, hésitez pas à m'envoyer par e-mail ma facture de contact et le fichier de ressources Donc, si cela vous intéresse, j'ai une chaîne YouTube où je partage des vidéos sur l'illustration, y compris des sujets sur le design des personnages. Le lien se trouve dans le fichier de ressources, alors assurez-vous de le consulter. C'est tout pour le moment. J'espère que tu passeras un bon moment. bientôt et fais-le dessiner. Au revoir.