Apprendre à dessiner : une introduction complète au dessin de bases et au style

1. Introduction: En tant qu'ancienne avocate devenue créatrice à plein temps, je sais à quel point il peut être difficile d'apprendre à dessiner des bases par soi-même. Même si j'ai appris grâce à des livres et des cours donnés par de grands artistes, il n'a pas toujours été évident de savoir comment relier les points et évoluer vers mon propre style. Il m'a fallu beaucoup de pratique, d'études et d'expérimentations pour en arriver là où je suis aujourd'hui. Je suis reconnaissante d'avoir travaillé avec des clients tels que Disney, Adobe et Samsung. Aujourd'hui, je crée principalement pour mon studio, Mimochai, où je mes propres produits illustrés, où je fais du fun collapse et où j'anime une communauté internationale de dessinateurs qui aide les gens à surmonter leurs obstacles créatifs et à découvrir la créativité grâce à l' art du C'est cette communauté qui m'a fait réaliser que je voulais donner un cours sur les bases du dessin à ma façon. Je me souviens de ce que c'est de penser qu'il est peut-être trop tard pour commencer à dessiner ou que je ne deviendrai jamais bon dans ce domaine. Ou même je suis allée assez loin sans jeter les bases, mais maintenant je suis bloquée et je ne sais pas comment continuer à grandir. Je sais que dessiner des bases peut être très aride et ennuyeux à apprendre. Cela peut sembler peu inspirant, surtout pour ceux d'entre nous qui souhaitent dessiner dans un style d' illustration moderne Louer une boule réaliste et une ombre nous intéressera peut-être pas tant que ça La plupart des artistes débutants que je rencontre ne veulent qu'une chose, dessiner magnifiquement dans leur propre style. Je comprends tout à fait, j' étais pareil. Je veux dire, nous nous intéressons au dessin parce que nous voyons œuvres d'autres artistes que nous admirons et nous voulons aller droit au but Malheureusement, cela revient généralement mettre la charrue avant les boeufs. Ce que je me suis rendu compte à maintes reprises au cours de mon parcours c'est que même si vous pouvez ignorer les bases du dessin, vous finirez par vous rendre compte que vous êtes limité dans la mesure où vous pouvez réellement limité dans la mesure où vous pouvez réellement évoluer vers votre propre style et vous exprimer véritablement. Quels sont les fondements du dessin ? À un niveau de base, ces techniques fondamentales sont à la des dessins et des peintures Considérez-les comme des outils de votre boîte à outils d'artiste ou ingrédients de votre garde-manger d' artiste Je les regroupe en fonction de l'observation, de la ligne, de la forme, la valeur, de la composition, de la forme, de la couleur et de la lumière. L'apprentissage de ces compétences est important à la fois pour observer l'art, afin de pouvoir décomposer le travail de votre artiste préféré et comprendre les choix qu'il a faits, et pour créer votre propre art, afin de pouvoir utiliser chacune de ces compétences de manière intentionnelle lorsque vous développez votre propre style unique. Ce qui m'a fait défaut dans ce parcours de dessin, alors que j' apprenais grâce à des livres et cours, c'est le comment et à des cours, c'est le comment et le pourquoi, ainsi que le comment faire le lien entre la façon de dessiner et la façon dont je veux dessiner dans mon propre style Le problème pour moi, c' est que la plupart de ce que j' apprenais se concentrait sur quelques outils et n'expliquait pas vraiment comment tout cela s'intègre dans un dessin vraiment stylisé L'accent a été mis presque entièrement sur études de dessin réaliste et s'arrête là, ou au contraire, un tutoriel d'artiste peut m'apprendre à dessiner dans son style spécifique, sans expliquer toutes les considérations sous-jacentes qui m' aideraient à l'appliquer à mon propre style. Il y a une grande différence entre savoir quelles sont les compétences et les étapes, comment elles se sont réunies et pourquoi les artistes ont fait les choix qu'ils ont faits. J'ai décidé de créer un cours de base du dessin en utilisant ma propre approche parce que j'aurais vraiment aimé avoir quelque chose comme ça quand j'ai appris à dessiner pour la première fois. Un classique donne un aperçu clair non seulement des bases du dessin, mais aussi de la manière de relier ces points pour m' aider à dessiner comme je le souhaite. Je passe en revue toutes les heures que j'ai passées apprendre à dessiner les bases et j'ai utilisé une approche 80/20 pour un cours complet mais digeste qui couvre les parties qui ont le plus contribué à ma croissance et à mon amélioration J'utilise un projet de classe principal comme point d'ancrage pour toutes les sections et j'ai inclus de nombreux exercices supplémentaires pour renforcer chaque étape. J'explique comment voir comme un artiste à travers la ligne et la forme, la valeur et la forme, la couleur et la lumière, portraits, la profondeur et la composition. Plus important encore, j' explique comment tous ces outils et compétences se connectent et se rejoignent. Ce cours ne remplace bien sûr pas des années d'école d'art. Au lieu de cela, cela vous donnera une base très solide et point de départ pour acquérir toutes les compétences et tracer la voie à suivre. J'aime le considérer comme une carte ou un guide pour votre propre parcours de dessin. Cela ressemble à ce que vous recherchiez , commençons. 2. Commencer : Trousse à outils d'artiste: Au fil des ans, j'ai beaucoup expérimenté et rationalisé mes outils de base en matière de processus de dessin pour en un flux efficace qui me convient le mieux J'ai également développé quelques points de vue qui m' ont beaucoup aidé dans mon parcours créatif. Nous sommes souvent confrontés à des défis tels que la critique intérieure et la peur. Voici un aperçu du contenu de ma boîte à outils d'artiste. Je l'ai divisé en trois parties. Bien que j'aie commencé presque exclusivement en tant que peintre numérique, j'ai senti qu'il me manquait quelque chose et j'ai commencé à expérimenter avec des outils traditionnels. Aujourd'hui, j'adore utiliser à la fois les médias traditionnels et numériques, car chacun présente des points forts et des avantages La sensation tactile des supports traditionnels est tellement agréable et bonne pour l'esprit, alors que la flexibilité des supports numériques est si efficace et puissante Je trouve également que l'apprentissage de l'un m' aide à améliorer l'autre. J'ai condensé mes outils de dessin préférés dans un ensemble simple qui peut tenir dans ce petit étui J'ai des crayons graphite, des fusains, des pinceaux et des stylos à encre Je explique comment les utiliser dans mon cours de pages quotidiennes, auquel je vais accéder dans la description ci-dessous. heure actuelle, je dessine la plupart de mes dessins avec des crayons de couleur Prismacolor Je les colore aussi et j'aime aussi gouache acrylique de Holbein ou la peinture acrylique dorée Bien sûr, j'adore la peinture numérique avec Procreate sur iPad Chacun de ces outils a ses avantages et ses inconvénients. Les crayons sont un excellent moyen facile de commencer. Ils ne nécessitent pas beaucoup de nettoyage et sont faciles à transporter. Les modèles professionnels se marient merveille et j' aime aussi beaucoup la texture. En revanche, ils peuvent facilement fatiguer la main et vous ne pouvez pas vraiment éclaircir Si tu fais trop sombre, ne peux pas revenir en arrière. La peinture acrylique à la gouache a une belle finition mate qui ressemble à mes peintures numériques Peindre est une joie une fois que vous savez comment le faire. La peinture elle-même est très opaque et peut également être superposée facilement et apporter des corrections ou être entièrement recouverte de peinture. En revanche, ils nécessitent plus de préparation et de nettoyage et ne sont pas faciles à transporter La peinture numérique, c'est comme avoir des centaines d' outils et de peintures avec vous dans un tampon ultra fin, sans aucun nettoyage nécessaire Le bouton d'annulation, le chronométrage des saisies et myriade d'effets et de réglages sont tous géniaux En revanche, vous devez souvent créer vos propres textures de manière plus illusoire que comme c'est le cas avec des supports traditionnels où c'est un phénomène organique naturel En termes d'expérience tactile, je trouve cela un peu moins satisfaisant que les supports traditionnels sur papier ou sur toile J'ai compilé une liste de tous les outils que j' aime utiliser sur une page de notions partagées. C'est bien parce que je peux le tenir à jour car je suis toujours en train d' expérimenter de nouveaux outils et de faire évoluer ma pratique Vous pouvez trouver un lien vers celui-ci dans la description de la vidéo ci-dessous. N'oubliez pas que vous pouvez toujours commencer avec les outils dont vous disposez. Ne laissez pas l' attente de l'outil parfait vous empêcher de commencer. Un crayon et du papier, c'est très bien. Même les meilleurs outils n'ont pas compensé le manque de compétences Parlons donc des compétences techniques de notre boîte à outils À un niveau de base, il s'agit techniques initiales sur lesquelles appuient les dessins et les peintures. L'observation, la capacité de voir comme un artiste avec précision et sans idées préconçues Line, la capacité de dessiner avec des lignes astucieuses qui reflètent avec précision ce qui est observé ou imaginé Forme, la capacité de construire des dessins à l'aide de blocs de construction et de formes familières. Valeur, la capacité de voir et regrouper les lumières et les ténèbres avec intention et clarté Forme, capacité de communiquer la forme d' un objet à l'aide de valeurs telles que la texture et la masse. La couleur, la capacité de voir, comprendre et d'utiliser la couleur à des précision et d'expression. lumière, la capacité de restituer la lumière et d'exploiter les illusions de couleur. Composition, capacité de guider l' œil et de cadrer une image selon vos intentions, y compris l'utilisation de la profondeur et de la perspective. L'apprentissage de ces compétences est important à la fois pour observer l'art afin de pouvoir décomposer travail de vos artistes préférés et comprendre les choix qu'ils ont faits et pour créer de l'art, afin de pouvoir utiliser chacune de ces compétences de manière intentionnelle au fur et à mesure que vous développez votre propre style unique. Par exemple, dans mon illustration, vous pouvez observer que j'utilise principalement des formes et aucun trait. Utilisez une perspective de planification, des couleurs relativement plates, mais utilisez un système de 2 à 3 valeurs pour communiquer la forme et utilisez une tonalité majeure et mineure pour créer une atmosphère lumineuse et énergique La pratique et l'étude de ces compétences sont très importantes pour améliorer nos compétences fondamentales et notre propre style. Pour trouver un équilibre sain en tant que créateur, j'ai découvert qu'il est très important de disposer des bons outils mentaux avant toute autre chose. La principale raison pour laquelle je trouve que les gens arrêtent d'être créatifs ou ne s'y mettent jamais est à cause de leur propre critique intérieure et d'attentes malsaines. Beaucoup d'entre nous peuvent s'identifier au syndrome de l'imposteur, doute de soi ou simplement à la peur, à la peur de l'échec, à la peur de paraître stupide ou à la peur de la page blanche Même les grands artistes en souffrent. Pour les débutants, j'ajouterai également qu'il existe un fort syndrome de gratification immédiate qui peut causer beaucoup de chagrin En étant conscients de ces obstacles dès le départ et en apprenant à les gérer, nous pouvons apprendre à les surmonter et à continuer Je trouve qu'il est très important d'intégrer un sentiment de pleine conscience à la boîte à outils de l' artiste La pleine conscience est définie comme la prise de conscience sans jugement de ce qui se passe en vous et autour de vous dans le moment présent Quand je parle de dessin conscient, je veux dire adopter une attitude bienveillante et sans jugement envers vous-même et votre travail Observez avec curiosité et ouverture d'esprit. Il est naturel et utile de voir qu'il y a place à l'amélioration. Mais ne laissez pas votre voix autocritique devenir si forte et si déraisonnable qu'elle vous empêcherait de créer Lorsque ces voix dures apparaissent inévitablement, vous pouvez simplement les remarquer avec soin et les laisser passer doucement. Je pense que ces perspectives mentales sont tout aussi importantes que n'importe quel autre outil ou compétence de ma boîte à outils artistique, si ce n'est le plus important Personnellement, j'ai trouvé que la pleine conscience était un outil incroyable pour les créatifs et le processus de Et je crois vraiment que la pleine conscience et la créativité vont de pair J'espère que vous essaierez ces outils au fur et à mesure que vous créerez votre propre boîte à outils artistiques Tout est une question d'exploration. 3. Lignes et formes 1 : Apprendre à voir: Commençons par nos premiers outils. Cette section est entièrement consacrée aux lignes et aux formes. Mais en fait, le premier outil dont nous devons parler est l'observation. Apprendre à dessiner, c'est vraiment apprendre à voir. fur et à mesure que vous changerez d'œil d'artiste, vous commencerez à remarquer des détails que vous n'aviez jamais vus auparavant, même dans choses que vous voyez tous les jours que vous pensez bien connaître. Vous allez également commencer à voir de nouvelles couleurs, à comprendre ce qu'est la valeur et comment la lumière affecte tout ce que nous voyons et expérimentons. Au fur et à mesure que vous commencerez à comprendre ce que vous voyez, vous serez en mesure de l'associer à vos compétences artistiques et à d'autres outils pour commencer à exprimer votre expérience personnelle et unique de ce monde, et c'est ce qui est vraiment passionnant. Je voulais commencer par cela parce que je sais que certains de ces exercices peuvent devenir très secs ou très ennuyeux Même si j'ai essayé de les rendre aussi amusants que possible, il est également très utile de comprendre pourquoi vous apprenez ces choses Vous pouvez donc garder à l'esprit qu'en faisant tous ces exercices techniques, vous perfectionnez cette superpuissance qui consiste essentiellement à être capable de voir le monde d'une manière nouvelle et beaucoup plus vivante, alors chaque étape sera beaucoup plus agréable Cela dit, commençons nos exercices. Avant de nous lancer dans les exercices et les exercices, je voudrais expliquer comment tout cela s' articule dans le dessin que nous allons créer pour notre projet de classe Quand vous regardez cette illustration, que pensez-vous du fait de dessiner en premier si je vous demandais de recréer ce dessin ? Habituellement, les débutants envisagent de commencer par un détail qu'ils voient ou de commencer par quelque chose qui n'est pas nécessairement une forme. Les artistes qui ont été formés au dessin d'observation commenceront à le décomposer en formes Je veux donc que vous preniez un moment dès maintenant avant de commencer à identifier les formes que vous voyez. Laissez-moi vous montrer comment je décomposerais cela. C'est vraiment évident, les formes sont bien sûr, ce cercle juste là. Alors disons qu'il y a tout ce mur ici, et qu'il y a un ovale juste ici. Il y a cette forme de cylindre ici. Ensuite, il y a la forme ovale de sa tête. Il y a aussi une forme de triangle avec ses cheveux. Il y a une autre forme de triangle qui est peut-être un peu moins évidente. Ensuite, ici, la forme d' un triangle tronqué, et bien sûr, tous ces petits objets sont aussi petits rectangles et de petits cylindres Il y a un cylindre derrière , dans la face arrière. Chacune de ces fleurs, pourrait-on dire, est un grand cercle ou est composée de quelques ellipses plus petites Ensuite, il y a, bien sûr, cette porte cintrée à l'arrière, qui est en demi-cercle Ses bras peuvent être divisés en formes trapézoïdales ou Puis la même chose de son autre côté. Je vais juste imaginer que ça va jusqu'au bout. C'est un autre aspect important du dessin d' observation lorsque vous commencez à composer ou à comprendre la construction d'un dessin Tout son corps a cette forme trapézoïdale. Le livre est alors une sorte de rectangle en perspective. Le crayon est un petit cylindre. Vous pouvez même remplir n'importe quoi les cylindres ou les pieds du télescope, et même ses petits traits, vous pouvez voir qu' il s'agit d'un triangle. C'est une autre forme de feuille, une forme de feuille. Et puis bien sûr, toutes ces petites feuilles en forme de feuille ici. C'est une forme que j'utilise beaucoup. Je compte donc presque la forme de la feuille comme faisant partie du groupe cercle, carré, rectangle triangulaire. C'est donc une façon de décomposer cette illustration en formes. Ensuite, vous pouvez également commencer à réfléchir à une ensemble : quels sont les motifs de forme généraux que vous voyez sur une image ? Par exemple, dans cette image, il y a cette composition triangulaire globale ici. Ensuite, la porte cintrée crée cette forme et ce cadre plus grands qui sous-tendent notre personnage Ensuite, j'examine également le geste général qui sous-tend la façon dont les choses sont placées et comment elles façonnent notre personnage Ensuite, ici, nous simplifions cela en un cercle et un rectangle. Ce sont les principales formes que je regarde dans cette illustration. 4. Lignes et formes 2 : Exercice: Maintenant que nous savons ce que nous cherchons, nous pouvons revenir en arrière et commencer à travailler sur des exercices d'échauffement un crayon et du papier ordinaires Notre premier exercice va simplement consister à tracer des lignes droites. Un papier pointillé est utile pour fournir des directives à ce sujet Mais honnêtement, le papier blanc fonctionne tout aussi bien à mon avis. Le but de cet exercice est simplement d'habituer votre main à dessiner lignes droites, car c'est quelque chose qui est très utile tout au long du dessin. Encore une fois, vous serez capable d'effectuer certains de ces mouvements avec votre coude et votre épaule et de vous en mouvements avec votre coude et votre épaule et faire une idée. Vous pourrez ainsi essayer de recréer le naturel de certains de ces dessins lorsque vous dessinez très serrés avec les risques, c'est ainsi que vous devez dessiner avec de nombreux outils numériques Cela dit, commençons simplement par quelques lignes. Avec elles, je pivote à partir de mon coude, et la sensation est vraiment différente de celle que j'ai si j'essayais simplement de dessiner avec mon poignet, ce que j'essaie de faire en ce moment et ça me serre. Ce qui est plus important que d'avoir des lignes parfaitement droites, c'est qu'elles soient naturelles et qu'elles me donnent cette liberté de mouvement, tout en évitant le type de dessin trop serré avec lequel les débutants ont tendance à travailler Après avoir tracé beaucoup de lignes droites, je recommande d'en faire des pages et des pages. Je sais que cela peut sembler ennuyeux, mais vous pouvez les faire lorsque vous parlez au téléphone ou que vous regardez la télévision, ou lorsque vous attendez quelqu'un. Il est donc très utile de porter un carnet de croquis pour cela Après les lignes droites, c'est également très bien de pratiquer les lignes courbes. Encore une fois, certaines personnes les pratiquent pour les rendre aussi parfaites et espacées que possible. Personnellement, je trouve que la règle des 80/20 signifie que je veux simplement obtenir une sensation naturelle et être capable créer la forme générale que je souhaite, mais elle n'a pas besoin d'être parfaitement parfaite comme sur la matrice Passons maintenant aux formes. Après les lignes, il est préférable de pratiquer les cercles et les ellipses, car ils constituent une grande partie de nos dessins Beaucoup de gens sont très impressionnés lorsque quelqu'un peut simplement dessiner une main libre, un cercle parfait, et cela vient simplement mémoire musculaire et du fait de le faire encore et encore. L'avantage du papier pointillé c'est que si vous le souhaitez, vous pouvez vous entraîner à entraîner la coordination de votre bras ou de votre main de fer à repasser pour l'adapter à une mesure particulière Vous pouvez sentir la différence entre ces petits cercles serrés avec votre poignet et un autre plus grand avec votre coude et votre épaule. Ensuite, un autre excellent exercice consiste dessiner des ellipses qui ne sont que des ovales Peut-être les faire dans des directions différentes, des tailles différentes. Voilà à quel point vos exercices d' échauffement en cercle et en ellipse peuvent être simples exercices d' échauffement en cercle et en ellipse Encore une fois, il en va de même pour les lignes et je recommande d'en faire des pages et juste pour que votre bras mémorise la façon dont il dessine des lignes lisses et des cercles lisses. Maintenant, je vais personnellement revenir à l'iPad et à Procreate, car de cette façon, je peux enregistrer l'écran et effacer les démos de ce que je dessine Mais vous êtes tout à fait invités à continuer à utiliser les médias traditionnels pour poursuivre. Nous avons notre cercle, notre carré, triangle et notre rectangle. Bien entendu, un rectangle n'est qu'un carré allongé et écrasé Mais ceux qui doivent se transformer en sphère, en cube, cône et en cylindre, c'est pourquoi nous incluons le rectangle à la fin. Pour une sphère, nous commençons par le cercle, puis vous pouvez créer ces lignes qui suggèrent la sphère. Encore une fois, une autre courbe sur la face du cercle. Si vous le souhaitez, vous pouvez continuer comme ça pour avoir une idée de l' arrière de la sphère. Vous pouvez commencer à voir comment cela fonctionne déjà pour suggérer une partie de ce formulaire. Avec la boîte, encore une fois, vous commencez par le carré, puis vous l'étendez et vous pouvez simplement créer ces lignes parallèles sortant latéralement Dessinez le dos de la boîte, fermez-la par le bas puis refermez-la par l'arrière. Ensuite, vous pouvez créer les lignes pointillées Ces deux lignes forment un carré à l'arrière pour créer la face inférieure de notre cube aide d'un cône, vous souhaitez créer les deux premières branches du triangle, puis créer une ellipse en bas au lieu d'une ligne droite Vous pouvez également tracer une ligne pointillée au milieu, se terminant au milieu du bas du cercle du cône, pour suggérer le volume intérieur de ce cône Maintenant, avec le cylindre, c'est pareil, car si vous voulez imaginer deux cercles en haut et en bas du cylindre, puis une forme de rectangle si vous regardez directement le cylindre. Comme pour le cône, vous allez commencer par les deux côtés droits, puis vous allez dessiner un bas incurvé et un sommet incurvé pour suggérer cette ellipse Encore une fois, vous pouvez tracer une ligne au milieu se terminer au milieu du bas pour suggérer le volume qu'il contient. Je vous suggère de vous entraîner à les dessiner encore et encore, comme les lignes et les ellipses , afin de commencer à vous familiariser avec leur étirement ou leur représentation sous différents angles En fait, j'ai acheté ces jouets en bois qui sont techniquement destinés aux enfants, mais ce sont d'excellents modèles pour faire vos propres études. Ce qui est génial, c'est que vous pouvez simplement les regarder sous différents angles et les dessiner face vers l'avant. On dirait que vous les regardiez bas ou d'en haut, veniez vers vous ou que vous vous éloigniez de vous. Ils ont pratiquement toutes les formes dont vous avez besoin. Je pense qu'elles sont vraiment géniales parce que vous pouvez créer vos propres natures mortes. Utilisez-les avec des exercices d'éclairage dont nous parlerons plus tard. Obtenir l'ensemble n'était pas trop cher et vous pouvez les utiliser pour toujours. La prochaine chose dont je veux parler est de savoir comment vous pouvez faire des exercices d'échauffement rapides de manière amusante Je sais que dessiner des cercles, des lignes et des formes n'est pas nécessairement la chose la plus excitante au monde. J'ai donc imaginé cet exercice qui, nécessairement la chose la plus excitante au monde. J'ai donc imaginé cet exercice qui, je l' espère, vous permettra de dessiner rapidement quelque chose. Si vous avez, disons, 5 à dessiner rapidement quelque chose. Si vous avez, disons, 15 minutes le matin, c'est un excellent moyen d'être à la fois attentif faire votre exercice de dessin L'idée de cet exercice est de créer vos propres compositions florales en utilisant des formes de construction de base. J'ai commencé avec cette ellipse en bas, puis une autre ellipse pour créer cette forme d'ombre en dessous ou en dessous d'une plaque, puis le trou d'ouverture Puis j'ai dessiné mes courbes. Une façon très simple de procéder consiste simplement à en dessiner deux à un angle , puis à en croiser une ou deux autres dans l'autre sens et à dessiner des branches sortant de Ensuite, il suffit de suivre ces lignes et de créer un bouquet de fleurs différentes à travers de simples cercles. Ajoutez ensuite des feuilles entre ces cercles. J'ai évidemment varié les formes, les tailles, puis j'ai ajouté des feuilles plus grandes et plus petites entre les deux. Nous allons nous arrêter là pour le moment. Mais bien sûr, vous pouvez continuer avec la couleur, le rendu et la pratique de l'ombrage lorsque nous en reparlerons plus tard C'est vraiment bien parce que vous pouvez être dans le courant et simplement exprimer vos émotions actuelles ou votre état mental actuel à travers ces différentes formes. Vous pouvez, bien sûr, apporter des triangles, des boîtes et ajouter des tasses à thé sur le devant, créer un arrangement quotidien et peut-être utiliser de la couleur ou la façon dont vous utilisez la valeur, ce dont nous parlerons plus tard. Vous pouvez indiquer votre humeur moment ou simplement vos couleurs préférées, comme vous le souhaitez. Un moyen très simple de ne pas avoir à penser à autre chose que de s'échauffer Comme je l'ai mentionné plus tôt, dessiner des lignes droites est très important pour s'entraîner, je sais que cela peut devenir un peu sec. Cette esquisse est un excellent exemple de quelque chose où vous pouvez commencer avec juste quelques lignes en arrière-plan, et je vais vous montrer un peu à quoi cela ressemblerait afin que vous puissiez créer des arrière-plans et des textures intéressants pour vos croquis 5. Lignes et formes 3 : Techniques de dessin par observation: C'était donc un exemple de dessin à partir de l'imagination ou sans aucune référence, mais un point important pour les débutants commencer à apprendre à dessiner est la pratique de l'observation C'est donc sur cela que ce cours va se concentrer en grande partie est donc sur cela que ce cours va se concentrer Je vais utiliser cette photo que j'ai prise de petites boules et d'un vase. Ce qui est génial , c'est qu'il est construit à partir de formes très simples, mais c'est aussi quelque chose d'agréable à regarder et à dessiner. Je serai en mesure de vous montrer chaque étape du dessin d' observation à travers cette photographie très simple ou apparemment simple afin que vous puissiez ensuite l'appliquer à des dessins d' observation Avant d'aborder les méthodes plus techniquement précises d'observation, je voudrais d'abord parler du dessin gestuel, qui, à mon avis, est vraiment fondamental et important Les dessins gestuels sont des croquis très rapides que vous utilisez à l' aide de lignes libres que nous étions pratiquer. Le but est de capturer le geste et le mouvement de votre objet Vous pouvez le considérer comme son essence ou même son esprit. Souvent, votre rôle en tant qu' artiste est de faire ressortir ce geste, à moins que votre intention soit d'avoir un design très rigide ou structurel Quoi qu'il en soit, commencer à faire du geste un instinct naturel dans votre flux de travail vous aidera à apporter plus d'âme et d'énergie à votre travail final. Notre dessin gestuel est le plus souvent enseigné dans le contexte du dessin de figures, tout comporte un geste. Un rideau fait un geste lorsqu'il se plie, un rocher fait un geste dans la direction dans laquelle il repose et dans son angle. Je veux vous montrer que même cette simple nature morte comporte un geste. Regardez comment les balles ressemblent petites têtes inclinées dans différentes directions Bien entendu, les tiges ont ce geste naturel que l'on peut exagérer. Ce vase et la façon dont il se courbe ont également un caractère gestuel. Voici donc à quoi pourrait ressembler un croquis gestuel rapide pour moi. Je pourrais le faire très légèrement avant de commencer à m'échauffer, ou simplement m' échauffer sur une couche séparée Je veux garder cela à l'esprit et vérifier quand j'aurai terminé mon dessin pour voir si j' ai perdu un geste que je pourrais ramener. Je tiens à souligner que le geste ne se limite pas aux objets individuels d'un dessin. Souvenez-vous que j'ai fait remarquer plus tôt que toute la composition de notre illustration principale comporte un geste. Un paysage entier peut comporter un geste. Mais commencer par le remarquer dans des objets individuels vous aidera à affiner votre capacité à le voir dans son ensemble et mettre en valeur dans vos futures compositions Maintenant que nous avons compris un dessin gestuel de base, parlons de méthodes de dessin observationnel plus précises sur le plan technique dessin observationnel Nous allons parler de huit approches différentes du dessin d'observation Nous allons parler du blocage, puis de l'identification des formes, des points de repère, des angles, des proportions, de l' espace négatif, des formes d'ombre, puis de vérifier votre étude à l' aide d'une grille ou d'un retournement Tous ces termes peuvent vous sembler très mystérieux ou peu familiers pour le moment, mais à la fin de cette séquence, vous les aurez tous compris et serez en mesure de les utiliser dans vos études d'esquisses d'observation Un blocage consiste à identifier d'abord le cadre général de l'objet que vous dessinez et créer l'espace dans lequel il se trouve. Je regarde essentiellement cette forme générale. Au début, dessiner côte à côte avec une photo de référence ou une autre illustration est un excellent moyen de pratiquer votre capacité à mesurer avec vos yeux Il s'agit d'une comparaison directe très similaire d'un affichage à l'écran quelque part ou d'une taille différente, et c'est ce que l' on appelle parfois la mesure de la taille du site. Pendant que je dessine, je fais constamment des allers-retours entre mon croquis et la photographie. Comme c'est encore plus simple, je peux même commencer à y insérer les lignes que je vois et peut-être même cette table arrière, afin de créer le cadre. J'ajouterais le cadre à votre dessin car le cadre aide à effectuer de nombreuses mesures. L'étape suivante consiste à identifier les formes qui se trouvent dans votre référence. Celui-ci est très simple, mais je pense qu'il est important de commencer par quelque chose simple et d'évident, car il y aura aussi des détails que vous n'auriez peut-être pas remarqués dans ce document qui semble très évident. Bien sûr, ces petites fleurs Billy Bob ont cette forme de cercle. Ce sont des lignes, mais vous pouvez aussi les considérer comme des cylindres très fins, et puis il y a, bien sûr, cette forme ici, qui est l'ouverture du vase, cette forme générale de galet J'ai peut-être même mis cette ligne d'ombre là pour que je puisse commencer à l'imaginer. Ce sont les choses que je regarde, et peut-être aussi cette ombre ici. Techniquement, c'est une ouverture sur cette surface. Dans ce cas, vous pouvez techniquement dire qu'il y a une forme de rectangle ici. Une chose que je tiens vraiment à souligner, c'est qu'il faut commencer par la lumière. Commencez donc par un croquis au crayon très léger, en particulier avec le bloc-in Si vous utilisez du fusain, par exemple, ou un crayon graphite, vous devez commencer par le toucher le plus léger possible, puis vous foncez de plus en plus. Si vous commencez par un bloc très épais et foncé, ne seront pas vos dernières lignes et elles ressortiront ou seront plus difficiles à dissimuler plus tard dans vos dessins Commencez donc toujours par le clair, puis passez au foncé de plus en plus foncé. Maintenant, la prochaine chose dont je veux parler concerne les points de repère. repère ou tout autre point sur lequel vous souhaitez vous concentrer qu'il s'agisse d'un objet que vous regardez ou d'un élément de la vie réelle. Pour moi, les points de repère sont donc ce point de contact, endroit où ils se croisent sur ce vase, et peut-être même la relation entre la fin de cette balle et le point de départ de ce vase Avec ce vase, bien sûr, il n'est pas important de connaître très précisément la taille de l'ouverture du vase, par exemple, mais il est par exemple, mais bon de commencer à entraîner votre œil à voir ces choses, car il y aura choses où cela sera vraiment important, comme le visage de quelqu'un. À partir de là, les points de repère, les angles , les proportions et l'espace négatif fonctionnent tous en harmonie. Laissez-moi vous parler de chacune d'elles. concerne les angles, je parle de choses comme ça, voir comment ces angles se rejoignent, même de la façon dont cette tige se plie puis revient en arrière. Comment ce vase remonte un peu avant de redescendre. Comment cet angle droit de l'oreille touche la table. En gros, les angles sont des indices, ils vous aident à dessiner et constituent un excellent moyen de vérifier les erreurs. Ainsi, par exemple, plus tôt, alors que je regardais le point de repère, j'ai remarqué que ce point de repère ou cet angle était légèrement décalé, qui m'aide à corriger cette tige Il y a aussi cet angle ici. Maintenant, ça a déjà l' air beaucoup mieux. Ensuite, j'examine la pente de cet angle, son lien avec la table. Il y a des angles un peu partout, en particulier au niveau des tangentes ou aux endroits où les objets se rencontrent En plus des angles, vous examinerez l'espace négatif. Lorsque nous regardons un objet, nous avons tendance à nous concentrer uniquement sur la chose physique que nous connaissons bien, mais cela crée de nombreuses formes dans l'image de référence ou dans la vie réelle qui sont tout aussi utiles à notre dessin. Les espaces négatifs ne sont donc que des espaces comme celui-ci qui sont créés par l'espace entre les objets Et même ces choses seraient considérées comme espaces négatifs dans cette forme, ici même. Techniquement, cet espace négatif est créé ici, à la fin, juste pour voir un détail qui aurait pu être oublié plus tôt, ce qui en est un très bon exemple. Et puis une autre chose que nous pouvons vérifier, ce sont les proportions. Pour mesurer des dessins avec une extrême précision, de nombreux artistes utilisent leur crayon, par exemple en le tenant ainsi, ou en utilisant leurs doigts ou en utilisant leurs doigts. C'est une méthode très courante pour vérifier la taille d'un objet. Alors disons que c'est une boule de villosités et je dis, OK, 1, 2, 3, 4, 5 Il y a donc environ cinq petites boules de différence entre l' endroit où se trouve la fleur et le point de départ de la base, et c' est ce que devrait être fait mon dessin également. Je peux donc compter jusqu'à 1, 2, 3, 4, 5 Cela semble assez précis. Je regarde ce cercle par rapport à ce cercle, et en fait je remarque juste qu'il semble plus étroit sur cette photo que sur ce dessin, donc je vais en parler un peu Enfin, une chose que vous pouvez observer, ce sont les formes des ombres. Beaucoup de personnes ne prêtent donc pas vraiment attention au début à la lumière et à l'ombre, mais c'est un autre excellent endroit pour rechercher des indices sur la façon de construire votre dessin. Cela deviendra encore plus important lorsque nous parlerons de valeur dans la section suivante, mais même pour l'instant, suffit de placer ces formes d'ombre et cela contribuera à créer cette sensation de volume dans de nombreux cas. Je vois donc cette forme d'ombre au bas de la boule à villosités, et je peux techniquement être très détaillée avec petits morceaux à l'intérieur de la fleur, mais pour l'instant je ne vais pas le faire Il y a évidemment celui-ci, et puis il y en a un gros ici. Je vais placer celui-ci, et il y a cette ombre ici et puis il y a bien sûr celle-ci en bas. La dernière chose que vous pouvez faire est de simplement retourner votre dessin ou d'ajouter une grille sur les deux pour pouvoir le vérifier. Je peux m'en servir pour vérifier mon travail et je constate qu'il n'est pas parfait. Je peux commencer à voir où j'ai mal calculé distance latérale du vase et dans quelle mesure la relation entre les boules et le reste de l' image est correcte ou non Et ils peuvent également retourner cette image juste pour vérifier qu'elle est globalement correcte et qu'elle n'est pas déformée. Et cela devient encore plus pratique lorsque vous dessinez des objets tels que des visages humains. Vous pouvez toujours en tirer des leçons. Dans ce cas, peu importe que le visage soit un peu plus long que celui la photo de référence, mais si j'essayais d'être très précis, c'est quelque chose que je corrigerais attention, car ce sont les petites choses qui, si vous voulez créer un dessin d' observation vraiment précis seront vraiment importantes Au lieu de tracer ce que vous pouvez, je vous recommande de le garder de côté et de corriger à partir de là. De cette façon, vous pouvez vraiment entraîner votre œil. Une façon dont j'aurais dû vérifier est de regarder cette relation. Il est évidemment beaucoup plus petit, ce qui me dit que ce type sort un peu trop loin. Une autre façon de vérifier est de vérifier cet angle. Un crayon est un excellent moyen de mesurer l'angle, puis de l'amener sur votre papier pour vous assurer qu'il correspond. Je vais comme ça, bord à bord. Je viens juste d'emménager ici. Cette nouvelle ligne semble beaucoup plus précise. Et puis, même chose de ce côté, cette forme par rapport à celle-ci, donc celle-ci est évidemment un peu plus large, celle-ci est un peu plus courte mais pas beaucoup plus courte Je vais donc vouloir l'étendre un peu plus pour qu'elle soit considère cette forme par rapport à celle-ci, donc celle-ci est évidemment un peu plus large, celle-ci est un peu plus courte mais pas beaucoup plus courte. Je vais donc vouloir l'étendre un peu plus pour qu'elle soit un peu plus proportionnelle à ma référence. s'agit de mon étude d'esquisse Il s'agit de mon étude d'esquisse et si vous souhaitez la nettoyer pour le dessin au trait, vous créez simplement une autre couche, ou vous utilisez du papier calque ou une boîte à lumière pour créer des lignes épurées au-dessus de votre esquisse. Et c'est une excellente façon de s'entraîner à avoir la capacité de nettoyer des travaux légers, réunir ces lignes vraiment droites en une seule et de les terminer. Je vais faire un petit entraînement rapide ici et vous pouvez suivre ou passer à la section suivante. En fait, je voudrais filmer le bloc, en utilisant à nouveau l'effet de superposition de grille afin que les gens puissent voir à quoi cela ressemblerait Lorsque vous débutez, il est utile d'utiliser une grille en option pour vous aider à observer les de repère et les points d'intersection des objets et à apprendre à effectuer des mesures précises. Personnellement, je n' aime pas l'utiliser après peu d'entraînement car cela peut devenir une béquille Vous n'accordez pas autant d'attention à votre conscience naturelle de votre capacité à utiliser vos yeux, mais contentez de l' évaluer vous-même sans directives, car il n'y directives, car il n'y en a pas dans le monde réel Cela peut être une bonne façon de commencer à entraîner votre œil, mais je finirais par m'en servir pour vérifier votre travail au lieu de toujours compter sur lui pour créer un dessin parfaitement précis. Cela a en quelque sorte créé le cadre qui correspond exactement. C'est le point médian du canevas. Je les fais occuper exactement la moitié de l'espace, Je les fais occuper exactement la moitié de l'espace ce qui me permet de savoir que mes proportions seront exactement les mêmes. Encore une fois, je ne dessinerais pas nécessairement avec lignes aussi épaisses ou foncées que celles sur lesquelles figure mon bloc, mais je veux m'assurer que c'est lisible pour vous Quand je le fais seule, j'aime beaucoup utiliser une couleur pêche claire et une main beaucoup plus claire. Cela permet un dessin sous-jacent très succinct pour la couleur suivante sur le dessus Les lignes de la grille peuvent être un peu difficiles à voir et je veux juste vous montrer que vous les activez en activant le guide de dessin sur Canvas, et vous pouvez modifier le guide de dessin pour nombreuses choses, comme l' épaisseur des lignes, taille, alors agrandissez-les beaucoup plus. Je le fais avec environ cinq cases parce que je trouve que c' est la bonne quantité d'informations, mais pas très petite. Ensuite, vous pouvez modifier l'opacité et, bien sûr, la couleur. J'aime donc qu' ils soient assez légers, mais c'est ainsi que vous changeriez les choses. Ici, je vais juste vous montrer qu'en mettant l'accent sur la précision de cette méthode, c' sur la précision de cette méthode, est en fait ainsi que de nombreuses grandes peintures murales, des peintures de la vie sont réalisées en utilisant cette méthode de grille Comparons ce dernier dessin au trait avec le dessin gestuel que nous avons fait plus tôt. Je remarque que je pourrais incliner légèrement les têtes des fleurs pour qu'elles donnent encore plus l'impression qu'elles se rejoignent et exagérer certaines de ces courbes pour leur donner plus de vie Il est bon de commencer par des marques gestuelles rapides, car elles peuvent facilement se perdre lorsque vous vous lancez dans le travail de mesure détaillé d'un dessin d'observation 6. Lignes et formes 4 : Projet de classe Partie I: Je fournis de nombreuses photos de référence et des recommandations qui me permettront de continuer à pratiquer ces études d'observation Pour l'instant, commençons à travailler sur notre projet de classe qui consiste à utiliser la même formation pour observer une illustration et créer le bloc, les points de repère, les angles, etc. sur notre esquisse de dessin de base structurelle. Je vais d'abord faire mon bloc. Pour ce qui est de l'intérieur de mon bloc, je regarde la forme générale de l'extérieur. Ensuite, en même temps, je vais commencer à examiner formes générales et les points de repère. Comme je l'ai dit, même si je vous ai montré chacune des méthodes de mesure sous forme d'éléments distincts, il existe, comme vous l' avez peut-être remarqué, quelque chose qui commence à s'intégrer. Lorsque vous regardez un espace négatif, vous remarquez également Lorsque vous prenez des proportions, vous voyez également vos points de repère, et ainsi de suite. Pour ce qui est du bloc, je commence déjà à examiner les relations à examiner les relations entre cette ligne et le bord des frontières. Certains de ces angles sont ici entre le télescope et les fleurs et le télescope et cette porte arrière, une arche en va de même pour ce vase en bas, en voyant à quelle distance il se trouve du bas de mon cadre, puis en remontant. Je remarque que ce livre est un peu plus haut que le fond de ce vase Même chose avec le fond de ce globe, un peu plus haut que ce vase. Alors ce flux atteint ce bord juste ici. Ensuite, en parcourant un peu les zones de ce livre, il va commencer à en placer un peu. Ensuite, j'ai besoin de ce point pour commencer à sentir où ces fleurs commencent à pousser. Il y a cette fleur qui ne touche pas vraiment la porte et a un peu moins d'espace que le globe n'en a sur le bord du sec. Je suis en train de regarder ça. Ensuite, j'y reviens et remarque cet angle juste ici et la distance Cette ligne initiale que j'ai insérée est en fait un peu trop proche du bord. C'est pourquoi c'est comme un casse-tête. Si vous continuez à vérifier toutes vos mesures, ne pouvez pas vous tromper, car vous vous surprendrez. Je veux m'arrêter ici au fur et à mesure que je pourrai commencer à m'occuper un peu de la fille. Sa tête commence un peu en dessous du télescope. Ses cheveux sont un peu éloignés de cette fleur , comme ça. Je commence à vérifier les angles en même temps, juste en regardant cet angle du télescope. Puis ses cheveux arrivent ici et je commence à regarder cette forme, cette forme d'espace négatif qui est en train d'être créée. C'est la même chose ici. Il y a cette petite forme d'espace négatif. même si je n' Techniquement, même si je n'ai pas essayé de vérifier les espaces négatifs, je remarque et observe naturellement ces éléments pour mon bloc. Je traiterai de tous ces petits espaces négatifs plus tard. J'ai juste besoin de savoir où se situe sa position générale et je veux voir les coudes et les mains tout de suite. Voyons voir. Je vais les placer ici, remarquant son bras dans le livre Puis sa main dépasse légèrement le globe. Ensuite, je commence à remarquer les formes qui composent ce dessin. Je vais commencer à placer certaines d'entre elles. Placez cette sphère ici. Ici, c'est une forme rectangulaire. Pour cette partie, je dessine beaucoup parce que je veux m' assurer que mon illustration s'aligne. Je dessine cette forme ici, petite ouverture. Même chose avec le porte-crayons de ce côté. Je peux continuer à vérifier que mes lignes correspondent. Ensuite, en dessinant dans cette règle, vous pouvez obtenir des détails très détaillés. Ici, vous pouvez vérifier l' angle, puis remarquer l'espace négatif et l' angle créés entre le crayon et la règle. Ce télescope possède cette partie cylindrique destinée à la lentille. Ça passe un petit peu, puis ça descend jusqu'ici, au-delà de son épaule. Tu vois, je regarde la distance entre les deux jambes ainsi que l'angle ici. Cette jambe doit en fait dépasser ce crayon. Ce crayon se trouve plutôt ici. Ensuite, il y a cette jambe. Je peux alors voir que cette jambe sur le dos part essentiellement du bord de cette porte C'est un autre point de référence, un point de repère. Je peux regarder cet espace négatif juste ici et y placer la jambe. Je peux voir que le pied entre dans le vase juste à cet endroit et qu'il présente un petit angle. Ça a l'air bien. Cette patte, on ne la voit pas, mais elle se termine tout autour de ce côté de la trousse à crayons. Alors je vais juste terminer cette partie puisque je suis ici avec cette feuille qui touche presque ses cheveux ici. C'est un bon point de référence. Ensuite, mettez cette fleur. Avec une fleur, je peux m'y prendre de plusieurs manières. Je peux voir très exactement où se trouve la ligne. Je peux d'abord le remettre dans sa forme générale. Vous mesurez et vérifiez constamment, assemblez comme une pièce de puzzle et vous détectez naturellement vos erreurs. Il est naturel de commettre un grand nombre de ces erreurs au début et au fur et à mesure du processus et de la pratique. Soyez simplement fier de vous lorsque vous constatez ces erreurs. Ou simplement des inexactitudes générales afin que vous puissiez les corriger et simplement entraîner votre œil à voir plus clairement et avec plus de précision. Encore une fois, je suis constamment en train de regarder en arrière. Celui-ci, je peux voir ce bord est juste ici par rapport à la porte Il y a une petite feuille qui sort juste ici. Alors cette feuille est dans l'embrasure de la porte. Il y a ce tout petit coin vert du vase qui sort. Les feuilles de ce côté ou similaires par rapport à, je regarde où cela se situe par rapport à cette fleur ? Où est-ce que cela se situe entre ce vase et cette fleur, puis l'un par rapport à l'autre ? C'est sous quel angle ? Je vais certainement vérifier ces fleurs plus tard, car il y a beaucoup de mesures qui peuvent correspondre à son corps Cette fleur aussi. Je peux le voir parce que le haut de sa tête va se trouver juste à côté d'ici, alors celui-ci n'est en fait qu'un peu plus haut que celui-ci, qui se trouve tout en bas et certainement plus bas que le haut de sa tête. Il faut que je descende par là. Passons à la fille. Quels sont les bons points de mesure ? Ces cheveux qui sortent jusqu'ici. Ses cheveux forment cet espace négatif , c'est ce que je regarde en ce moment. Ensuite, il y a ce bel espace négatif. Je peux faire rentrer les cheveux comme ça. Encore une fois, j'essaie de ne pas penser ça comme à des cheveux. Quelle est cette forme ? On dirait un poisson, en fait, un petit poisson noir. Alors celui-ci ressemble à un rideau. Puis son visage. Je vais juste appeler ce visage pour que nous puissions faire référence la même chose que cet angle de la manière suivante. Puis sa main sort comme ça. Ensuite, il y a en fait ce tout petit espace négatif entre son pouce et son dos. Maintenant je regarde son menton qui remonte un peu au-dessus de ses cheveux, comme ça. Je vais voir si j'ai tracé cette ligne correctement. Ensuite, vous pouvez voir cette forme qui se crée à partir de son cône jusqu'à son cou. Elle dessine dans sa veste maintenant. Je vois que le bras est à peu près aussi loin de son télescope. Sa veste va ici. Alors il y a cet espace négatif ici. Nous avons mis cette forme d'ombre. concerne les points de repère et les angles, j'ai souvent hâte de voir la ligne d' un bout à l'autre, ce qui est très utile. Vous ne penseriez pas forcément à associer l'ouverture de sa veste au crayon, mais vous verrez que c'est en fait un point de référence très utile. Cela m'aidera également à placer mon crayon plus tard. Je commence à entrer dans les moindres détails maintenant, alors je regarde cet espace négatif ici. En fait, j'utilise l'espace négatif comme quoi, comme outil de mesure. Je commence à me rendre compte que tous ces objets sont en fait un peu trop hauts, ce qui est une solution facile. Mais si nous ne le remarquions pas, cela pourrait devenir un gros problème plus tard. Ce globe est en fait trop grand. Cela gâche beaucoup de choses. Le sommet de la fleur, là-dedans. Cela signifie que cela entre un peu plus en ligne de compte. C'est en partie parce que j'ai oublié la taille de beaucoup de fleurs tout à l'heure. Ce sont en fait de parfaits exemples de choses à surveiller, donc je suis heureuse. Maintenant ça a l'air bien mieux. J'ai la petite découpe juste ici. J'ai vu ça comme une découpe. C'est l'espace entre son bras et son corps. Observez ensuite cette connexion entre la tête du crayon sur le dessus de ses aisselles, dessinez-la Cela va m'aider à placer ma main en dessinant. Je regarde cette petite forme qui est en train d'être créée. Nous n'allons pas entrer dans les détails des doigts pour l'instant. Nous le ferons plus tard, c'est sûr. Mais pour l'instant, je regarde juste la forme générale, qui ressemble à une petite boîte, à une pierre. Ça commence vraiment à se mettre en place. J'ai juste quelques détails supplémentaires. La gauche sur son visage. C'est super délicat, mais tellement amusant à dessiner. Je vais simplement le mettre dans les lignes de base afin de pouvoir me donner un outil de mesure. Puis à partir de là, tu le lui mets dans les yeux. Cela commence à paraître très proche. N'oubliez pas que vous pouvez vérifier en retournant cette image. Ça a l'air plutôt bien. Voyons la superposition. Assez proche. Je vois que le monde a encore besoin de travail, mais de nombreux éléments sont bons. Le télescope là-haut a besoin d'un peu plus de travail. Si j'avais pris le temps de vérifier, j'aurais dû me rappeler que j'aurais dû m'asseoir un peu plus loin au-dessus de sa tête qu'ici Mais dans l'ensemble, c'est un excellent exemple de la façon dont vous pouvez utiliser tous les outils que je vous ai montrés pour mesurer et regarder afin de créer des croquis d'observation 7. Lignes et formes 5 : Résumé et pratique complémentaire: Nous avons beaucoup appris dans cette section. Passons en revue un bref résumé des points clés que nous avons abordés. Apprendre à dessiner, c'est apprendre à voir. Abandonner les idées préconçues nous permet de voir ce qui existe réellement Les dessins sont construits à partir de lignes et de formes Nous devons donc nous entraîner à bien les dessiner et à les voir dans tout ce que nous observons. Outre la forme et la structure d'un objet, il est important de voir son geste. Tout a un geste, tout a un esprit. La semaine dernière, nous avons passé en revue les huit techniques de dessin observationnel que vous pouvez utiliser pour affiner votre coordination œil-main et améliorer la précision de vos Donc, pour continuer votre pratique, continuez comme ça. Dessinez des lignes et des formes sur les pages. Fais-les à nouveau. Essayez d'autres images lorsqu'il s'agit de dessins d'observation. Je recommande de pratiquer un flux de dessin en utilisant le dessin gestuel, puis les huit techniques de dessin d'observation Vous pouvez utiliser les références de dessin que j'ai sélectionnées trouver les vôtres ou vous inspirer de la vie. Ce sont des moyens très simples remplir les pages de votre carnet de croquis, développer votre mémoire musculaire et de vous aider à pratiquer la pleine conscience tout en créant Pour des études plus approfondies sur ces sujets, consultez mes recommandations dans les ressources de la classe. Lorsque vous vous sentez prêt, passons à la section suivante. 8. 3: Bienvenue dans la deuxième partie de mon cours de base du dessin. Dans la première partie, nous avons abordé les lignes et les formes et avons vu comment elles constituent les éléments constitutifs de tous nos dessins. Dans la plupart des formations artistiques, le processus géant se décompose en trois étapes. Il y a la ligne, la forme et la forme. Vous pouvez le considérer comme le passage d'un dessin au trait unidimensionnel à des formes aplaties bidimensionnelles, puis à des formes puis Dans cette section, nous allons passer des lignes et des formes la valeur et à la forme. Nous devons commencer par la valeur car c'est ce permettra de comprendre comment donner sa forme à une forme 2D. Qu'est-ce que la valeur ? La valeur correspond à la luminosité ou à l'obscurité d'un objet de couleur sur une échelle allant du blanc au noir. Pour chaque couleur, il existe une valeur correspondante sur une échelle de gris. Avec le blanc à une extrémité du spectre, noir à l' autre extrémité du spectre, et toutes les nuances de gris entre les deux Si vous essayez de photographier ou de peindre en niveaux de gris, vous voyez toutes ses valeurs. La valeur est également appelée tonalité. Dans les outils de peinture numérique tels que Procreate et Photoshop, vous verrez l'échelle de valeurs sur le sélecteur de couleur C'est une façon simple de comprendre que la valeur est une mesure de la quantité de blanc ou noir dans une couleur particulière. Lorsque nous étudions la valeur, nous examinons à la fois la couleur d' objets tels qu'une boule blanche et une table noire, ainsi que les lumières et les ombres, telles que les nombreuses nuances de blanc à noir projetées sur la boule blanche par une source lumineuse. La valeur fait référence aux tons clairs et foncés, c'est-à-dire la quantité de blanc et de noir dans une couleur, ainsi qu'aux lumières et aux ombres Voici une échelle de valeurs standard. Le classement en haut montre le spectre complet de centaines de nuances de gris En dessous se trouve une échelle de neuf valeurs. Cela peut être décomposé en étiquettes d'ombres, de tons moyens et de tons clairs Notez que tout au long de cette section, nous n'allons traiter d'aucune couleur, mais simplement de travailler en noir et blanc. En fait, la plupart des formations artistiques formelles commencent par l'étude du fusain et du crayon, et elles se poursuivent sur le dessin en niveaux de gris bien avant d'aborder la moindre couleur. Cela est dû au fait que la couleur peut nous empêcher de comprendre la valeur Les couleurs se mélangent en termes de teinte et de saturation . Il peut donc être difficile pour un débutant de voir la valeur sous-jacente de la couleur. concentrant d' abord sur la valeur vous concentrant d' abord sur la valeur et en la comprenant vraiment elle-même, vous aurez une compréhension beaucoup plus approfondie de la couleur plus tard et serez en mesure de l'utiliser pour attirer l'attention. Il s'agit d'un outil essentiel pour concevoir des illustrations et des illustrations de qualité, et pour visualiser avec précision vos photos de référence ou des exemples réels Faisons maintenant quelques exercices de valeur ensemble afin que vous puissiez vraiment comprendre comment tout cela fonctionne. 9. Valeur et forme 2 : Exercices d'étude de valeur: La première chose que je souhaite faire pour commencer nos exercices de dessin de démonstration est de jeter un coup d' œil à notre illustration principale et expliquer en quoi la valeur constitue la prochaine étape de notre analyse. Voici notre pièce finale, puis je passe aux réglages, à la saturation des teintes. Je réduis simplement la saturation au maximum et cela me donne les valeurs que je souhaite voir. Ce que je regarde ici, c'est si cette image est lisible ? Mon regard est-il attiré vers l' endroit où je veux qu'il soit ? Ici, la première chose que je vois, c'est évidemment le personnage. Nous la regardons d'abord parce qu'elle présente le contraste le plus élevé entre son visage et ses cheveux. Nous avons également ce contraste le plus élevé en tant qu' objet global par rapport au reste des articles. Ensuite, j'ai ajouté ces valeurs plus sombres, une pour distinguer les formes entre ces différents objets, puis deux, cela commence à attirer progressivement votre attention sur l'illustration. En ce qui concerne les objets sur le côté, j'ai choisi cette valeur moyenne pour m'assurer que les objets sont bien distingués afin que vous puissiez voir que les fleurs ne disparaissent pas dans le télescope ou la trousse à crayons, mais bien sûr, j' aurais pu également créer un contraste beaucoup plus fort. Ici, je vais vous montrer une version où j'ai rendu les fleurs un peu plus foncées et, bien que soit techniquement un peu plus lisible, cela va à l'encontre de ce que je veux faire, qui est de me concentrer sur le personnage parce qu' il commence à être un peu plus compétitif en termes de ce que notre œil veut attirer un peu plus compétitif en termes de en premier J'aime bien le fait qu' il y ait un contraste plus faible entre ces éléments, puis un contraste plus élevé avec quelques objets plus petits qui orientent votre œil. C'est ce à quoi je pense lorsque je vérifie la valeur et j'en parlerai plus loin dans la section. Pour l'instant, j'espère que nous comprenons à quel point la valeur joue un rôle dans notre illustration et notre conception artistique. Nous pouvons donc nous lancer dans certains exercices pour nous familiariser avec les valeurs, manière dont nous les contrôlons à l'aide de nos outils puis les développer à partir de là J'ai déjà créé ce document avec ces boîtes pour nous faire gagner du temps, mais si vous le souhaitez, vous pouvez créer vous-même des carrés, cinq carrés seulement, puis je vais faire une démonstration de trois types d'outils différents. Vous n'êtes pas obligé de faire les trois, mais si vous ne savez pas laquelle vous semble la plus intuitive ou celle que vous souhaitez utiliser le plus, cela peut être un excellent moyen de simplement tester différentes choses tout en en découvrant la valeur. Commençons par le charbon de bois. Le fusain est l'un de ces médiums traditionnels et constitue un excellent moyen d'en apprendre davantage sur la valeur car il produit un noir véritable par rapport au gris qu'un crayon graphite peut Je pense que c'est vraiment un bon point de départ pour comprendre et disposer d'un outil très simple et très abordable pour vous aider à comprendre la gamme de valeurs. Commençons par le noir le plus sombre. Je vais juste le rendre aussi noir que possible et appuyer le plus fort possible pour créer un carré très sombre ici. Je tiens à souligner ici que dans une étude à deux valeurs, vous ne considérez que le noir et blanc. Cela pourrait donc littéralement être ça. J'utilise le blanc du papier comme première valeur, puis celle qui est la plus foncée Si vous n'en utilisez que deux, vous n'appuyez pas trop fort. Le noir fournira déjà un tel contraste, mais il s'agirait d'une étude à deux valeurs. Pour un système à trois valeurs, vous voulez simplement créer quelque chose qui se 50 % entre les deux. L'une des façons d'y parvenir est bien sûr de simplement dessiner ici. Il suffit de vous entraîner et de sentir le poids de votre main et la façon dont le fusain ou tout autre outil que vous utilisez réagit à vous pour savoir à quel point il est lourd ou difficile à pousser et comment atteindre cette valeur moyenne Avec du graphite, du crayon et du fusain, vous pouvez toujours effacer et atténuer une partie de la couleur que vous avez appliquée si elle devient un peu trop foncée. C'est un shamoy et on l'appelle aussi shammy et shammy Artist Et avec ce shammy, vous pouvez également dessiner avec votre doigt. C'est vraiment très utile pour les vraiment très utile pour grandes études. Donc, rien qu'en l'utilisant, je vais commencer à saisir ma deuxième valeur ici Ça a l'air plutôt bien. Je vais juste soulever une partie du charbon de bois que j'ai renversé sur celui-ci pour créer ma quatrième valeur La quatrième valeur doit bien entendu se situer à 50 % entre la troisième et la cinquième valeur. J'aime beaucoup le fusain parce que presque l'impression d'être de nouveau un enfant, c'est de la peinture au doigt et puis quand on fait des études sur le fusain, on est vraiment étonné quel point c'est beau quand on fait études de valeur sans avoir à être très précis, ce qui me semble assez uniforme. Passons au stylo. Il se peut que vous ne travailliez pas avec un charbon de bois qui peut créer différents niveaux en fonction de la force avec laquelle vous appuyez. Au lieu de cela, vous pouvez utiliser hachures ou des lignes pour transmettre les différentes valeurs Permettez-moi de recommencer avec la cinquième valeur. Remplir complètement sera ma cinquième valeur. Encore une fois, je vais laisser ce premier champ vide comme première valeur , puis je vais créer quelque chose entre les deux Je vais donc simplement utiliser la marque [inaudible] pour cet exemple le moment, je n'essaie pas de rendre la ligne parfaite, mais juste pour vous donner une idée, il vaut mieux commencer par un stylo plus clair puis passer à une hachure plus foncée si j'ai besoin de créer cette différence. Je vais maintenant passer à la quatrième. En gros, je vais doubler cette quantité de patchwork Passons ensuite à la deuxième valeur. En fait, je pense que mon travail consiste simplement maintenir l'épaisseur du trait très fine et bien étalée. [BRUIT] C' était vraiment sympa de commencer la version fusain. C'est un bon moyen de comparer et de regarder si vos autres versions ressemblent généralement à celles-ci Avec toutes ces hachures, il semble toujours nettement plus clair que ceux totalement foncés. Je vais les utiliser comme mes cinq valeurs avec un stylo. Enfin, je voudrais vous montrer un crayon de couleur. Ce qui est bien avec les crayons de couleur, c' est qu' avec la couleur [inaudible], qui est ma marque préférée de crayons de couleur, vous pouvez les obtenir préfabriqués pour vous . Ils ont un gris, un gris froid et un gris français. Vous pouvez simplement choisir vos cinq valeurs et choisir vos Bien sûr, vous pouvez simplement utiliser la couleur noire, par exemple, et faire des traits de plus en plus clairs comme je l'ai démontré avec le fusain. Mais je voulais juste vous montrer à quoi cela pourrait ressembler si vous utilisiez simplement ces crayons prêts à l'emploi. C'est exactement ce que j'ai aimé utiliser des crayons de couleur, généralement avec de la couleur, mais avec la même idée d'avoir une valeur foncée, une valeur moyenne et une valeur Je vais commencer par celui-ci en noir. Je ne vais pas utiliser un crayon graphite ou un crayon mécanique standard parce que c'est une idée très similaire à celle du fusain. Vous n'obtiendrez tout simplement pas un noir aussi foncé qu'un fusain, mais c'est la même idée suffit de commencer par la marque la plus foncée vous puissiez faire comme première valeur, puis de la diviser au milieu pour obtenir votre troisième valeur, puis votre deuxième valeur et votre quatrième valeur Ce que j'aime vraiment avec les crayons de couleur, c'est qu' permettent d'obtenir un noir assez foncé ne laisse pas de traces. Ces crayons de couleur particulièrement cireux, ceux de qualité artistique, se mélangent très bien les ils permettent d'obtenir un noir assez foncé qui ne laisse pas de traces. Ces crayons de couleur particulièrement cireux, ceux de qualité artistique, se mélangent très bien les uns aux autres. Il intègre les meilleurs crayons et peintures d'une certaine manière, et du fusain, donc un juste milieu pour moi Je vais maintenant m'occuper de la valeur moyenne, juste pour continuer avec notre modèle. C'est le gris chaud à 50 %. Ces crayons sont cassés. Il y a 10 %, 20 %, 30 % , 40, 50, puis ça passe à 70 et 90. Passons aux 20 suivants. C'est le gris chaud à 20 %. Je choisis le gris chaud car j'aime le ton plus que le ton froid mais là encore, chacun a sa place. n'y a aucune raison pour que vous ne puissiez utiliser que du gris chaud pour ces exercices. Vous pouvez également utiliser du gris froid ou du gris français. Si vous essayez de transmettre des températures différentes, vous pouvez mélanger les deux. Il s'agit des cinq études de valeur. Allez-y et prenez le temps de terminer le vôtre si vous avez besoin d'un peu plus de temps, puis nous passerons à l'exercice suivant. Nous allons continuer avec cette photo de référence que j'ai fournie car elle vous aidera à comprendre en renforçant quelque chose que vous connaissez bien et en montrant comment chaque étape se superpose. Commençons par créer un petit système de valeurs pour nous-mêmes à l'aide de ces outils numériques et je vais rapidement analyser le système à cinq valeurs C'est mon noir le plus sombre. Allons-y. Ma quatrième valeur. Je suis juste en train de le faire monter d'échelle. Ensuite, le blanc de notre arrière-plan peut être notre lumière la plus claire ou nous pouvons essayer d'utiliser une couleur tonale C'est à peu près mes deux , puis ajoutez le blanc pour que nous puissions vraiment voir les points forts que nous voulons ajouter. En fait, je préfère travailler de cette manière pour les études de valeur et vous pouvez faire de même avec du papier teinté ou simplement en arrière-plan de votre tablette, si vous suivez le processus numériquement À ce stade, je vais prendre un moment pour vraiment regarder cette image et commencer à planifier à l'avance quelles sont les différentes valeurs que nous voyons. Certaines choses évidentes sont que la zone d'ombre et l'ouverture du vase sont très sombres Ce serait donc notre cinquième valeur. Dans ce cas, mes couleurs les plus brillantes seront certainement le bord de cette fleur Le jaune me semble très clair , puis en descendant le long de la tige, il y a de l'obscurité. Lorsque vous réalisez des études de valeur, une grande partie de la tâche consiste à regrouper les valeurs. Bien sûr, encore une fois, comme nous l'avons mentionné précédemment, la photographie contient des centaines de valeurs. Pour que les choses soient vraiment claires, les études de valeur doivent parfois prendre des décisions là où les choses se situent souvent dans la zone grise, puis décider d'une manière ou une autre quelle valeur se rapproche le plus de cette zone. Allons-y. Nous pouvons toujours nous ajuster au fur et créer une nouvelle couche pour commencer mon étude de valeurs. Je vais commencer par ma valeur moyenne. Lorsque vous utilisez des valeurs, je vous recommande de commencer par la valeur moyenne, puis de passer à la valeur la plus foncée, puis de placer dans la gamme des tons moyens et de terminer par les tons clairs L'avantage du travail numérique réside bien sûr dans la possibilité d' annuler et de créer de nouvelles couches, mais dans la mesure du possible, je recommande de respecter les limites des méthodes traditionnelles afin de vous entraîner à prendre de bonnes décisions au lieu de vous fier au bouton d'annulation ou de suppression Je vois aussi cette forme d' ombre ici. C'est très important de faire n'importe quelle table à partir du mur. Je vais juste en mettre un peu là. Avec les études de valeur, vous n'essayez pas vraiment d'être très précis, sauf si vous le souhaitez. Mais le but n'est pas nécessairement d'être très précis, il s' agit simplement de transmettre les formes générales que vous voyez. Ici, l'optique se fond essentiellement dans ses ombres Nous les traitons donc toutes comme une seule forme. Encore une fois, je plisse les yeux parce que le billy-ball lui-même est une chose assez complexe Si vous regardez tous les détails, mais si je plisse les yeux et regarde simplement les ombres que je vois, je peux certainement voir la sphère qui entoure ou constitue les boules Je vais juste mettre en forme le spectacle. Voici un bon point sur lequel je dois porter un jugement. Je vois que cette tige est un peu plus foncée, mais elle tombe clairement contre le dos du billy ball Je dois dire que la tige est plus légère là-bas et ici, pour l' instant, j'utilise les quatre. Il faudra peut-être ajouter un peu de cinq pour que ce soit encore plus clair. Vous pouvez prendre ces quatre points et commencer un peu plus bas pour que je trouve toujours cette partie de la tige pour montrer qu'elle entre dans la boule devant nous. Je vais maintenant commencer à travailler sur le dessus de cette base parce que, pour moi, cela ne ressemble pas à ça. Je pense que ce trois-là sera certainement le point culminant. Peut-être juste comme de petites spécifications qui indiquent qu'il y a une lumière qui rebondit là-bas Je remarque qu'il descend ici et c'est très bien indiquer la forme du vase Je fais juste quelques mouvements plus légers pour commencer à entrer dans cette transition. Je peux certainement voir qu' il y a une partie plus claire à l'extérieur de ce vase où la lumière se reflète. Nous en apprendrons plus à ce sujet dans un instant. fait d'avoir ces connaissances vous aidera également à le saisir dans votre observation. Je vais ajouter un peu la quatrième valeur ici, juste pour que cela soit encore plus clair. Ça a l'air plutôt bien. Je pourrais peut-être ajouter un peu de vert boisé à ce vase. Mais je voudrais l'essayer pour que vous puissiez voir à quel point il y a une différence, de subtils changements de valeur dans la communication de nos formulaires et nos volumes, parce que ce sont des petites choses que la plupart des gens ne remarqueront pas la première fois qu'ils regarderont une image comme celle-ci. Mais une fois que tu commences à le dessiner, je l'apprécie beaucoup plus. Ensuite, je vais y retourner parce que j'ai l' impression que le haut de ce billy ball mérite plus de contraste. Je vais couvrir mon bloc de base des lignes que nous avons créées plus tôt et examiner ceci. Je vais juste ajouter quelques éléments de ma troisième valeur en haut. Vous pouvez juste voir à quoi ça ressemble, la texture du billy ball. Bien sûr, je peux entrer dans encore plus de détails à ce sujet, mais je voudrais garder cela pour plus tard dans cette section. Remarquez que plus je les assemble, plus la zone n'est pas claire, cela peut les garder étalés. La quatrième valeur que vous pouvez toujours dominer. En apportant une petite touche de noir à certaines zones. Ajoutons juste un peu de surlignage. C'est surtout au bord de cette boule que je le vois. Ensuite, nous pouvons peut-être en ajouter un peu dans le vase pour le faire ressortir. Vous pouvez simplement voir à quel point la lumière blanche est puissante en raison du contraste. fait d'avoir ce point surligné ici que cette boule se trouve devant la boule de gauche Ce que j'aime, c'est que je peux penser à la forme laquelle je veux que cette fleur apparaisse. C'est mon étude des cinq valeurs d'un Billy Balls. Prenez le temps de créer le vôtre. Passons ensuite à exercice un peu plus poussé avec le même concept. Maintenant que nous avons fait exercice d'étude des valeurs de base avec Billy Balls, que nous connaissons bien, je voudrais vous montrer une image plus complexe et vous montrer comment les mêmes concepts s'appliquent, quelle que soit la complexité de l'image au premier abord. C'est un excellent exemple pour commencer. Vous pouvez utiliser des guides de dessin si vous souhaitez parcourir l'ensemble du bloc et faire de l'exercice. Je voudrais passer en revue celui-ci un peu plus rapidement et vous montrer à quel point les vignettes de valeur peuvent réellement être rapides Voici la ligne d'horizon. Voici que cette forme se termine ici. Alors je regarde les formes des ombres maintenant. Voici celui-ci, il y en a un gros ici. C'est mon blocage de base. En introduisant les cinq mêmes valeurs que j'utilisais plus tôt, Sum, abaissez légèrement l'arrière-plan pour que vous puissiez mieux voir le blanc. Encore une fois, je vais commencer par ma valeur moyenne et je vais saisir mes grandes formes. Je vais plisser les yeux et voir où se situent mes zones les plus sombres, où je pense que la troisième valeur est le camion ou camionnette, puis le ciel et certaines parties de la route sont certainement les lumières les plus claires, selon moi, puis tout le reste Permettez-moi de commencer par placer certaines de ces grandes formes et de partir de là. N'oubliez pas que les valeurs sont relatives. Bien que cela puisse sembler un peu trop contrasté, c'est parce que nous n'avons pas intégré le reste de nos valeurs pour le moment. Je vais saisir la quatrième valeur dans la section suivante et travailler dans suivante et travailler dans l'obscurité la plus foncée pour cette image en particulier Quand je regarde ça, je ressens vraiment la fluidité de l'image globale. J'adore vraiment ce balayage. Alors que je regarde les valeurs, je pense certainement à ce que j'ai vu sur la photo, mais je commence également à réfléchir à la manière d'exagérer certaines de ces formes pour mettre encore plus en valeur ce flux Je vais peut-être aborder celui-ci un peu. C'est là que de nombreuses considérations de conception peuvent entrer en jeu, ce dont vous n'avez pas à vous soucier au début, mais je tiens à vous montrer que cela fera partie de cette étape au fur et à mesure que vous commencerez à familiariser avec l'observation à identifier différentes valeurs. Tout a un geste, même ces formes d'ombre. C'est vraiment une bonne chose à apprendre lorsque vous développez votre design. Cela a vraiment aidé à définir le bord. Alors je vais juste continuer à mettre certaines de ces formes ici. C'est un très beau geste de la descente de la colline. Jusqu'à présent, vous pouvez voir que je n' ai travaillé qu'avec deux valeurs, trois plus l'arrière-plan. Cela ressemble beaucoup à l'image. Je pourrais m'arrêter ici, c'est en fait une étude d'un bon rapport qualité-prix. Je vais maintenant vous donner quelques détails supplémentaires pour vous montrer la différence entre une valeur de trois et une valeur de cinq Permettez-moi de passer à ma deuxième valeur maintenant. Comme je l'ai dit, plus vous aurez de valeurs, plus cela paraîtra réaliste. Vous pouvez commencer à voir les formulaires être extraits au fur et à mesure que j'ajoute cette deuxième valeur. Je n'essaie pas de faire correspondre exactement l'image de ces études approximatives, mais je recommence, encore une fois, à réfléchir au sentiment général que je veux transmettre par différents gestes et à la façon dont j'ai intégré les valeurs que je voulais souligner et celles que je voudrais peut-être minimiser un peu. Cette zone est en fait une forme plus grande lorsque je plisse les yeux. Laisse-moi essayer de le mettre dedans. Je pense que ça a l'air mieux. Ça a cette fluidité avec cette forme de dos comme ça. Commençons par appliquer mes couleurs les plus sombres et à apprécier la sensation de brume qui émane de cette image. Je ne l'aborderai vraiment que dans un très petit nombre de domaines sélectionnés. Attire un peu le regard sur la voiture. Voyez comment ce petit bout de noir contribue vraiment à rendre les choses encore plus claires et plus éclatantes . Nous ajoutons du blanc, ce sera encore plus Vous pouvez voir à quel point je choisis vraiment où placer mes valeurs pour souligner ou ne pas mettre l'accent sur certaines choses. Cela commence tout juste à devenir un choix artistique que vous pouvez pratiquer par la pratique. Nous avons besoin de différentes études de valeur, idéalement de la même image. J'espère que vous pouvez maintenant voir comment ces cinq études de valeurs peuvent être appliquées à des dessins très simples, puis appliquées à des dessins même très complexes. C'est une belle façon d'étudier les photos que vous aimez et de commencer à apprendre à voir les lumières et les ténèbres 10. Valeur et forme 3 : Introduction au concept de forme: Maintenant que nous avons compris la valeur, revenons à ce dont nous parlions au début de cette section, à savoir comment la valeur est liée à la forme. Souvenez-vous des trois étapes de notre processus de dessin des lignes à la forme, puis à la forme. Nous avons nos lignes et nos formes en place. Comment le rendre ensuite pour communiquer sa forme ? Sa masse, sa profondeur ou ses textures. Tout se résume à des valeurs habilement placées. Commençons par parler de la valeur dans le monde de la 2D par rapport à celui de la 3D. Dans un monde en 2D, la valeur permet communiquer sous forme d' images de grandes formes. Il peut également être utilisé pour créer un modèle de valeur, qui nous aide à utiliser la distribution des lumières et des ombres pour guider l'œil. Dans un monde en 3D, la valeur est ce qui communique la forme, texture et le volume d' un objet en utilisant des lumières et des ombres. Plus le nombre de valeurs est élevé, plus le résultat sera réaliste. Parlons du rendu du formulaire. Souvenez-vous de ces formes que nous avons dessinées ensemble dans la première partie de la section. Voyons comment nous pouvons les ombrer afin de leur donner un aspect 3D. À cette fin, il est utile de connaître l'ordre classique de la lumière. Comprendre cela à travers toutes les formes 3D de base vous aidera à effectuer le rendu de bien d'autres choses. C'est l' ordre classique de la lumière, mais il suffit de connaître trois domaines principaux le côté clair, la forme de l'ombre, puis l'ombre projetée. Mais la connaissance de ces termes supplémentaires vous aidera à comprendre et à parler de la gamme complète de la lumière. Réaliser des études à haute valeur ajoutée peut sembler fastidieux, surtout si vous souhaitez dessiner dans un style plat moderne Mais en faire au moins quelques-unes vous aidera à comprendre comment ajuster votre style pour qu'il soit plus plat ou plus réaliste. d'étudier une fourchette de valeurs et peut être très utile d'étudier une fourchette de valeurs et peut-être d'utiliser une échelle comme celle-ci afin de voir où, dans ce spectre plat et réaliste, vous , entre plat et réaliste, vous aimez personnellement. Enfin, la texture et l'étirement constituent un aspect important de la communication sous forme de formulaire à connaître de la communication sous forme de formulaire à connaître . Communiquer que quelque chose est flou, bosselé, que ce qu'il contient ou quoi que ce soit d'autre est en fait une question de variation de valeur Entraînez-vous à créer une feuille composée de différentes textures et de différentes hachures afin de pouvoir expérimenter avec ce que vous souhaitez utiliser dans votre travail Quelques notions de base pour commencer sont le pointillé, le gribouillage, le hachurage de l'herbe, les hachures croisées et les hachures de contours 11. Valeur et forme 4 : Exercices de rendu de forme: Faisons maintenant quelques exercices ensemble sur la forme afin commencer à comprendre comment rendre des formes 3D. Passons maintenant au rendu d'une sphère afin que nous puissions vraiment nous concentrer sur compréhension du degré de rendu que nous apprécions et sur la manière d'y parvenir. Je vais commencer par dessiner la ligne d' ombre principale, puis par placer la ligne d'ombre la plus foncée Je n'irai pas jusqu'ici, mais je vais juste l'avoir pour que je puisse déjà commencer à voir la forme de ma sphère. J'utilise du charbon de bois. Nous faisons rapidement une démonstration de l'ombrage car je peux le mélanger facilement avec ma peau de chamois Je suis juste en train de suivre la forme du bol en ce moment. [BRUIT] Je vais également penser au fait que le point culminant se trouve ici. Je vais m'offrir du charbon de bois pour travailler. Je vais faire tout le chemin jusqu'ici. Maintenant je vais prendre mon chamois. Je vais commencer à estomper cette zone d'ombre principale. Ce n'est pas grave si ce n'est pas une arête très tranchante. C'est parfait car évidemment, plus je mélange, plus je perds le morceau de fusain Je vais donc le porter de haut en haut Vous pouvez obtenir un rendu très détaillé et technique, en particulier dans le cadre d'une formation en atelier, en particulier dans le cadre d'une formation en atelier, créer une sphère parfaite et créer des marques très douces. Mais pour les besoins de notre formation, je pense que c'est un excellent point de départ et vous pouvez approfondir vos connaissances si vous le souhaitez. Ça a déjà l' air plutôt bien. Je vais juste commencer à assombrir certaines zones pour faire ressortir encore plus le formulaire Avec le fusain, je ne travaille pas uniquement avec cinq valeurs simples, j'essaie d'intégrer toutes les différentes tonalités disponibles. Les variations de valeur indiquent réellement la forme, la lumière et la force de cette lumière. Les ombres ont également leurs arêtes vives et bords flous en fonction de l'intensité de la source lumineuse de son emplacement au-dessus de celle-ci C'est pourquoi étudier à partir de la vie réelle est vraiment utile, car vous commencerez à avoir une idée de la façon dont cela se comporte dans la vie réelle. Vous voulez aiguiser vos bords avec du fusain. Votre gomme est un véritable outil. Avec votre gomme, vous pouvez à peu près dessiner, surtout lorsqu'il s'agit de fusain Laissez-moi vous montrer très rapidement à quoi ressemblerait l' ajout d'un peu de blanc. Comme je l'ai dit, le blanc se fond aussi bien que le noir. Maintenant que nous avons une certaine expérience du rendu d'une sphère, revenons à notre image de référence de Billy Ball pour nous entraîner à ajouter de la texture. Dans cette étude, nous allons nous concentrer sur l'ajout de texture. L'étude de la texture est un excellent moyen d'observer de nombreuses choses différentes. Un exercice que vous pouvez faire consiste simplement à créer des feuilles entières de textures différentes. Étudier les choses naturelles, juste les plantes, le bois et les roches, mais aussi étudier peut-être certaines choses synthétiques , comme le rendu de l'acier inoxydable ou du plastique. Je vais commencer par une couleur foncée. Je ne fais que dessiner mes formes et je n' essaie pas d'être très précise. Votre valeur la plus foncée, ou peut-être votre deuxième valeur la plus foncée, est une bonne façon aborder le rendu de ces types de textures détaillées, pour des objets tels que les feuilles et le feuillage, car mise en évidence est plus intuitive En fait, c'est la façon dont l'objet est structuré si vous y réfléchissez. Comme si l'obscurité la plus noire se trouvait à l'intérieur du Billy Ball et les lumières les plus claires étaient les pièces qui en sortent. C'est la sphère si vous y réfléchissez. Il y a cette sphère ou cette ellipse qui sort comme ça. L'ombre centrale est autour d'ici. Alors la zone claire correspond à toute cette zone là-haut. La lumière entre par le haut puis se reflète sur le sol par le bas. Mais ce serait notre zone d'ombre. C'est ainsi qu'il faut envisager cette sphère d'une manière générale. C'est quelque chose qu'il faut vraiment garder à l'esprit tout au long du processus, car il est facile de se perdre dans les petits détails et de ne pas prêter attention à la structure globale des ombres et à la façon dont la valeur se répercute sur l'objet que vous observez. Surtout parce que c'est en couleur, il est facile de se laisser distraire par tous les petits détails et finir par oublier presque de vérifier vos valeurs Même si lorsque vous avez commencé ce cours, vous avez probablement regardé ce Billy Ball et vous vous êtes dit : «  C'est un Billy Ball jaune, fleur jaune, une seule couleur. Vous pouvez constater qu'il existe un nombre infini de couleurs, un nombre infini de valeurs que vous allez maintenant apprendre à regrouper dans votre palette de valeurs limitées et à déterminer dont vous avez besoin pour réellement communiquer avec cette texture Vous verrez que les parties les plus sombres deviennent certainement plus épaisses C'est donc quelque chose que vous devez garder à l'esprit. Peut-être étirez ces parties un peu plus loin et gardez-les assez propres et serrées Ensuite, si vous pensez que chacun d'entre eux est un cône, et que je les vois également , c'est là que la lumière les atteint au sommet. Même vos petites formes principales peuvent ensuite être décomposées en formes plus petites blanc. Je vais me concentrer sur cette zone et peut-être un peu sur le bord. Je pense qu'en toute justice, vous devez être très sélectif quant à l'endroit où vous voulez attirer l'attention. Même si vous voyez techniquement le même point fort ailleurs, le point fort est vraiment puissant. Vous savez maintenant comment effectuer le rendu de ces textures. Je continuerais à m' entraîner si c'est quelque chose que vous souhaitez intégrer à votre style. Tu peux dessiner un oiseau, tu peux dessiner des feuilles, tu peux dessiner des fleurs, bien sûr. Si vous pouvez vraiment réduire cela avec une échelle de gris, cela vous aidera beaucoup plus lorsque vous passerez à la couleur 12. Valeur et forme 5 : Valeur pour les artistes: Maintenant que nous avons une compréhension de base de la valeur, approfondissons-nous un peu plus et voyons comment cela nous aide en tant qu'artistes. La valeur aide à bien des égards. Mais pour moi, le moyen le plus important d'aider est nous permettre de voir l'essence d' une image derrière tous les détails. [inaudible] a aidé en plissant les yeux. Deuxièmement, la mise en place d'une structure de base solide pour notre dessin. Se souvenir de la façon dont nous travaillons, de la vue d'ensemble aux détails. Troisièmement, cela nous aide à choisir les bonnes couleurs dont nous parlerons plus en détail dans la section suivante. Enfin, il nous aide à gérer nos relations entre la couleur et la lumière. Un moyen simple de vérifier la lisibilité de votre dessin est de vérifier ses valeurs, ce qu'il peut faire en le transformant en niveaux de gris S'il est toujours lisible sans couleur, s'agit d'une configuration à forte valeur Lorsque je travaille sur mes propres illustrations et quelque chose d'original et de différent, j'ai tendance à commencer par la couleur, puis vérifier avec des valeurs par la suite. Je peux ajuster les couleurs selon mes besoins, et c'est juste pour moi, une façon plus naturelle pour moi de réfléchir à mon processus. Pour vous, je vous recommande de commencer par ces études fondamentales sur le ventre, de bien les comprendre, puis d'essayer les deux méthodes, et de voir laquelle vous est la plus utile pour obtenir les meilleurs résultats finaux Je veux également parler de la description de la valeur en termes de clés majeures et mineures. J'ai appris ce concept grâce à Perkins, professeur à la New Masters Academy, et je trouve très utile de réfléchir à la valeur de cette façon La clé principale fait référence aux proportions entre les blancs et les tons foncés dans l'ensemble de l'image touche majeure élevée signifie que l'image présente principalement des valeurs claires, tandis qu'une touche majeure faible signifie l'image présente principalement des valeurs sombres. clé mineure, quant à elle, fait référence à la plage de contraste entre les valeurs elles-mêmes. Une touche mineure haute signifie qu' il y a beaucoup de contraste, tandis qu'une touche mineure faible signifie qu'il n' y a pas beaucoup de contraste. Vous pouvez voir comment les différentes combinaisons de touches créent ces différentes ambiances, ce qui est logique car ces combinaisons ont beaucoup à voir avec l' éclairage Quel est le degré de luminosité ou de flou d'un réglage ? Un autre aspect à garder à l'esprit lorsque vous réalisez des études de valeurs est celui des pouces de valeur, à savoir qu'une vallée peut apparaître claire ou foncée selon les valeurs qui l'entourent La même teinte de gris peut apparaître totalement différente selon son environnement. Vous pouvez l'essayer vous-même en recréant cette image. est très utile d'entraîner vos yeux à se faire des illusions visuelles. Maintenant c'est ton tour. Vous allez utiliser tout ce que nous avons appris dans cette section sur la valeur et la forme et l'intégrer à notre projet de classe principal. Nous avons commencé cette section par une discussion sur la façon dont la valeur suit les lignes et les formes . C'est maintenant à vous de faire une étude des valeurs de l'illustration et vous pouvez la vérifier en transformant simplement l' illustration fournie en niveaux de gris Il suffit également de le fournir sous forme d' image afin que vous puissiez comparer. Pour celui-ci, je ne vais pas donner un exemple vivant juste pour que nous puissions garder ce cours d'une durée plus raisonnable, et c'est quelque chose que vous pouvez simplement pratiquer vous-même et le comparer avec les images fournies Les concepts que je vous ai présentés à l'aide des billy-balls et des études de paysage sont les mêmes dans cette situation. Les quelques exercices supplémentaires que vous pouvez intégrer incluent : fois que vous avez fini de saisir les valeurs que vous voyez, vous pouvez les ajuster afin de créer différentes ambiances en fonction des touches majeures et mineures que vous avez apprises. À partir de là, envisagez d'effectuer le rendu de certains objets en fonction des formes 3D qu'ils prennent. Par exemple, nous pouvons faire un rendu un peu plus détaillé du globe et voir si vous plaît en tant que style plus réaliste. Je sais que c'était beaucoup, mais j'espère que c'était utile et intéressant. Résumons ce que nous avons appris ensemble dans cette section. Dans cette section, nous l'avons appris, la valeur est l'étude des lumières et des ténèbres. Comprendre les valeurs nous aide à concevoir des œuvres d'art claires et faciles à lire ou, si ce n'est pas le cas, intentionnelles de notre part. La planification de la valeur est un outil essentiel pour créer une ambiance et attirer l'attention du spectateur. Une peinture peut toujours fonctionner si les couleurs ne sont pas correctes, mais si les valeurs sont correctes. Ce n'est généralement pas vrai et vice versa. Lorsque nous étudions les valeurs d'une image, ce que nous pouvons faire pour y voir plus clair, c'est de plisser les yeux strabisme est un outil légitime enseigné dans les écoles d' art et les livres d'art professionnels Lorsque vous donnez des études de valeur, moins il y a de valeurs, mieux c'est. Une photo en noir et blanc possède spectre complet de centaines de valeurs. Vous n'avez vraiment besoin que de 3 à 5 pour faire une étude efficace. Il s'agit de regrouper des valeurs connexes ce qui permet de plisser les Avant de commencer à dessiner, étudiez réellement les valeurs et trouvez un motif que vous souhaitez représenter intentionnellement pour focaliser l'œil Enfin, le plus important est de continuer à vous entraîner grâce à de nombreuses études de valeur tirées de photographies, la vie réelle et d'autres œuvres d'art et cela commencera naturellement à affiner votre sens de la lumière et de l'obscurité. Lorsque vous vous sentirez prêt, retrouvons-nous dans la section suivante, nous parlerons enfin de couleur et de lumière. Je te verrai là-bas. 13. 4: Nous avons enfin atteint la couleur et la lumière, ce qui, je le sais, est la partie préférée de nombreuses personnes. Dans cette section, nous allons parler de la théorie de base des couleurs, des relations entre les couleurs, de la façon de choisir une palette et de voir comment tout cela s'articule grâce à des études guidées. Prenez vos outils et commençons à explorer le monde de la couleur. La couleur est l'une des premières choses que nous apprenons lorsque nous sommes enfants. Nous apprenons que les couleurs de l'arc-en-ciel sont le bleu de l'océan, les arbres verts, mais la compréhension de la couleur en tant qu' artistes est beaucoup plus complexe. Pour certains, le choix des couleurs et leur utilisation sont intuitifs, tandis que pour d'autres, l'ensemble du processus est très difficile. Quoi qu'il en soit, ne t'inquiète pas. Comprendre la théorie de base des couleurs peut vous aider , quel que soit le camp dans lequel vous vous trouvez, et cela vous apportera une toute nouvelle appréciation de votre façon de voir le monde. La couleur est belle et complexe et vous pouvez passer toute votre vie à découvrir la science et l' art qui se cachent derrière la couleur. Encore une fois, je l' aborde avec mon principe 80/20. Je vous fournirai des ressources si vous souhaitez approfondir l'un de ces sujets. En ce qui concerne les outils que vous utiliserez, vous pouvez suivre ce cours avec des outils numériques ou traditionnels. Mais je tiens à souligner que je trouve personnellement que l'apprentissage la théorie des couleurs est préférable avec les supports traditionnels En effet, avec les outils traditionnels, vous êtes vraiment obligé de réfléchir à la façon dont les couleurs sont créées et de vraiment ressentir ce que signifie mélanger les couleurs. Les outils numériques, en revanche, sont vraiment parfaits pour expérimenter avec les palettes de couleurs, car vous pouvez utiliser tous ces excellents réglages à votre avantage C'est pourquoi j' utiliserai une combinaison d' outils traditionnels et numériques dans cette section. À quoi devons-nous nous attaquer en premier ? La plupart des écoles commencent par théorie de base des couleurs lorsqu'elles parlent de couleur. Mais j'ai personnellement trouvé utile de commencer par étudier la couleur et comprendre certaines nuances pour me mouiller les pieds avant de me plonger dans les détails techniques. De cette façon, je comprenais pourquoi j'apprenais la théorie des couleurs afin mieux voir les couleurs dans la pratique. Au lieu de la roue chromatique, commençons par la nature. Voici une photo de quelques belles feuilles. Au début, nous voyons les objets comme une couleur évidente. enfants, nous pensons à une pomme rouge, à un citron jaune, et même à l'âge adulte, nous pensons toujours au monde en général en ces termes. Mais au fur et à mesure que vous étudiez réellement les objets, en particulier à des fins artistiques, vous commencez à voir toutes ces subtilités magnifiques dans Sur cette photo, vous pourriez dire qu' il y a une feuille verte, jaune, rouge, rouge-orange, orange et rouge, rouge-orange, orange et vert foncé, ce qui est tout à fait vrai. Mais regardez de plus près et voyez combien de couleurs chaque feuille possède réellement. N'hésitez pas à faire une pause ici si vous souhaitez abord avoir le temps de l'étudier vous-même. Passons en revue certaines des couleurs que je vois. En commençant par cette feuille verte en haut, je peux voir de nombreuses nuances de vert, de jaune-vert, de jaune, de brun, de vert foncé et de gris et peut-être même quelques notes de bleu dans les zones d'ombre. Dans cette feuille jaune, je vois des bruns, des bruns foncés, des notes de violet, rouge violet et aussi des notes de vert Dans cette feuille rouge, il y a une très belle couleur vin foncé, et dans l'ombre, on peut voir qu'elle devient presque noire. Il y a certainement des touches de jaune, magenta, de rouge et peut-être même des notes de vert , dans cette feuille rouge-orange De même, dans cette feuille rouge-orange, il y a beaucoup de jaune sur les bords, quelques rouges, puis des bruns et des points noirs qui recouvrent la feuille En ce qui concerne cette feuille vert foncé, je vois certainement des bruns et des jaunes, des rouges Dans cette feuille jaune d'ici, il y a principalement des jaunes et des oranges jaunes, mais aussi beaucoup de bruns Je peux même voir quelques notes de vert à la pointe, et cela apporterait du rouge dans certains détails. Quelles sont les couleurs que tu as choisies ? Étaient-ils encore plus nombreux que ce que tu as vu que je n'en ai pas vu ? C'est un excellent moyen de commencer à exercer votre œil et à réfléchir aux couleurs que vous utiliseriez pour créer ce type d'image. Nous y reviendrons plus tard. Mais je voudrais d'abord vous montrer cette citation de Winston Churchill « Peu à peu, le voile qui recouvrait mes yeux s'est levé et j'ai pu regarder un objet et voir ce que mes professeurs voyaient, un mélange éphémère de couleurs. Une excellente façon de perfectionner notre capacité à voir les vraies couleurs est de faire des natures mortes. Mais il est important de faire des études observationnelles sur les couleurs même si vous ne voulez pas peindre de façon très réaliste Comprendre le fonctionnement de la vie réelle va de soi. À partir de là, vous pouvez interpréter et styliser. Sans cela, vos dessins et vos peintures seront construits sur des bases fragiles. 14. Couleur et lumière 2 : Étude d'une plante: Réunissons donc ces concepts en effectuant une étude couleur de cette photographie. C'est une excellente référence pour notre classe car elle représente une avancée en termes de complexité par rapport à nos bulls et nous permet également nous rapprocher de notre photo de dessin de référence initiale. Il possède ces superbes lignes, formes, valeurs et couleurs. Nous pouvons réunir tout ce que nous avons appris. Je voudrais d'abord parler de nos différents médiums de coloration et des avantages et inconvénients de chacun Je voudrais consacrer un peu de temps parler des trois matériaux que j'ai tendance à utiliser le plus et des avantages et inconvénients de chacun d'eux. À commencer par le crayon de couleur, parce que je pense que c'est le plus facile d'accès et le plus familier parce que nous avons tous utilisé des crayons de couleur étant enfants J'adore ces crayons de couleur pour avoir quelque chose de rapide et facile à utiliser lors de mes déplacements Cela donne lieu à de nombreux accidents heureux et c' est agréable d'avoir un crayon sur du papier. Cela me donne de superbes textures et j' adore le résultat des pages. C'est à ce moment-là que j'ai commencé à utiliser beaucoup plus de crayons de couleur dans les pages de mon carnet de croquis Ils ont juste cette très belle qualité. Elles se mélangent très bien et je suis capable d'expérimenter, puis d'intégrer ces pages à intégrer ces pages ma pratique numérique et créer des impressions ou quoi que ce soit d'autre avec elles. L'inconvénient, c'est qu'il est parfois difficile de revenir en arrière. Il y a un certain point et les crayons de couleur Si vous optez pour une teinte trop foncée ou trop foncée, vous ne pouvez pas vraiment y remédier Parfois, avoir ces limites est une bonne chose. Mais pour régler ce problème, nous pouvons alors faire venir notre prochain ami. Cela se fait à la gouache, c'est en fait de la gouache acrylique C'est à la fois de l'acrylique et de la gouache, ce que j'aime bien plus que la gouache ordinaire Ils sont vraiment parfaits pour avoir cette finition extrêmement mate. C'est presque comme une peinture numérique et c'est pourquoi je l'aime bien, car elle peut vraiment très bien imiter mon style numérique ou vice versa. Mais il présente également ces limites qui m' aident à résoudre les problèmes de manière traditionnelle. Et j'ai pu y revenir avec ces couleurs foncées et ces reflets. Je ne peux pas le faire avec un simple crayon de couleur. C'est ce que j' aime vraiment dans la gouache. La gouache, en revanche, ne me donne pas cette texture de crayon que j'aime beaucoup chez les crayons de couleur et, bien sûr, elle n'est pas aussi facile à emporter et à utiliser J'ai tendance à le faire plus à la maison, puis à utiliser des crayons de couleur Enfin, il y a le numérique. Le numérique est incroyable car il permet d' expérimenter ces différentes couleurs. peux également utiliser mes textures traditionnelles, puis créer de nouvelles couleurs ou textures et expérimenter en plus de cela Vous avez de grandes couches, bien sûr, et vous pouvez très bien nettoyer les choses conservant un aspect très traditionnel ou en le rendant vraiment abstrait. Le numérique a tellement de potentiel et de puissance que je pense vraiment que c'est un outil incroyable. J'utilise encore le numérique la plupart du temps. réunir ces deux éléments a été très utile pour mon propre cabinet et je pense vraiment qu'il y a des avantages et des inconvénients de chacun. J'avais l' inconvénient du numérique, c'est que c'est juste que c'est différent Vous n'avez pas l'impression d'être autant dans le courant que lorsque vous travaillez avec du papier et un crayon. Parfois, le fait qu'il n'y ait pratiquement aucune limitation complique le choix de la bonne palette de couleurs ou la création des bonnes textures. Toutes les textures qui apparaissent vraiment naturellement et magnifiquement avec papier, le crayon et la peinture doivent être créées manuellement en numérique. Ce sont les avantages et les inconvénients des trois matériaux que j'aime le plus utiliser. Je vous encourage à expérimenter toutes sortes de choses et à voir ce qui vous convient le mieux. Maintenant, je vais commencer la démo depuis le début. Cela me donne l'occasion de rassembler tout ce que nous avons appris jusqu'à présent, commençant par le blocage et la d'un dessin d'observation Je commence par mon crayon de couleur pêche parce qu'il est idéal pour pose légère et m'aide à colorier et à peindre. Si j'ai besoin de faire des ajustements, je dessine simplement dessus pour m'entraîner à ne pas effacer et à remarquer les points que je n'ai pas observés avec précision. fur et à mesure que j'expose cela, je passe en revue les techniques de dessin observationnel que nous avons apprises plus tôt Je fais très attention au geste de la branche dans son ensemble, la forme triangulaire générale de cet objet, puis aux formes individuelles des feuilles, points de repère indiquant comment les feuilles se chevauchent et où elles s'alignent avec les feuilles qui l'entourent, directement en dessous ou sur le côté Je remarque également les angles des bords et la façon dont ils rejoignent la branche, la proportion globale entre la taille et la taille des feuilles les unes par rapport aux autres et aux branches, et bien sûr l' espace négatif entre les Une fois que nous aurons terminé notre travail d'observation au trait, je vais ensuite vous montrer un peu mon processus de coloration au crayon de couleur et vous faire part de certains de nos apprentissages sur Au début, nous pourrions regarder cette photo et penser qu' une plante verte peut être considérée comme une seule couleur. Mais vous remarquerez maintenant qu'il y a tellement de couleurs différentes qui composent cette étude. À ce stade, je fais attention aux valeurs et je commence à remarquer les changements de couleur. Je commence avec une coloration vert moyen environ 50 % du poids de ma main. Mais je vais également devoir ajouter vert foncé, marron foncé couleurs vert foncé, marron foncé et même indigo et noir pour obtenir ces formes d'ombre et ces changements de valeur. Les variations de valeur nous permettent de voir la forme de la feuille là où elle est pliée et où elle projette des ombres. Je dois également ajouter des teintes jaunes et bleu-vert pour modifier la température car la lumière reflète sur les différents angles des feuilles Je peux vraiment voir ici à quel point les légumes verts chauds les légumes verts froids sont très différents une fois que j' y regarde de plus près. Vous pouvez expérimenter ici voir quelles autres couleurs vous remarquez. Le crayon de couleur est intuitif et familier. Mais vous remarquerez aussi qu' une fois que j'aurai appliqué une couleur plus foncée, je ne pourrai pas l'éclaircir à nouveau uniquement avec un crayon de couleur Il y a certainement des avantages et des inconvénients, ce qui, je l'espère, sera évident grâce à cette démo. Cela nous amène à la gouache. Je vais d'abord exposer certaines des peintures de base que je sais que je vais devoir utiliser. Si vous n'avez aucune de ces teintes particulières, ne vous inquiétez pas. Tant que vous disposez des couleurs de base, vous serez en mesure de les mélanger à peu près. Par exemple, avec le bleu-vert, vous n'avez pas nécessairement besoin de cette couleur Vous pouvez mélanger le bleu et le vert. J'utilise la gamme de pinceaux Princeton Velvet Touch, qui est vraiment idéale pour l' acrylique et le lavis à l'acrylique Je colorie juste directement sur mon crayon de couleur, en commençant par cette couleur jaune-vert parce que c'est la plus grande forme de couleur que je puisse voir. Je le place simplement là où j'ai l' impression de remarquer cette couleur dans ma référence photo. Je regarde beaucoup la référence photo en faisant des allers-retours. Ce n'est que ma première couche inférieure. Je n'ai pas besoin d'être très précis. J'essaie de le placer dans autant d' endroits que je peux le remarquer. Les crayons de couleur et la gouache fonctionnent vraiment très La gouache peut recouvrir complètement les couches. Vous cachez les erreurs et les crayons de couleur ou vous ajustez simplement les choses que vous souhaitez changer et que vous ne pouvez pas faire uniquement avec un crayon de couleur Vous pouvez choisir de laisser transparaître les parties présentant cette jolie texture de crayon tout en laissant autres parties avec le mat mat de la gouache Je n'ai pas l'habitude de couvrir mes études au crayon de couleur avec de la gouache comme celle-ci , mais cette démo m' aidera à démontrer le même exercice avec ce nouveau médium Maintenant, je mélange la couleur verte en faisant entrer le bleu dans ma couleur verte, ajoutant un peu de blanc pour l'éclaircir Une autre astuce est que vous pouvez mélanger les couleurs avec ces petits couteaux à palette. Ce qui est bien, c'est que dès que vous le mélangez avec votre pinceau, votre pinceau devient très gras à cause de beaucoup de peinture et il est difficile vraiment le gratter et de retrouver un toucher délicat avec la peinture Ainsi, ces couteaux à palette, l'un peut être très efficace pour mélanger les peintures grâce à leur large surface, et les deux permettent de garder vos pinceaux pour peindre au lieu de mélanger les couleurs. Je vais commencer à appliquer cette couleur partout où je vois cette teinte verte plus froide. Avec la gouache, vous pouvez mélanger les couleurs avec un peu de temps , mais elle sèche rapidement. La plupart du temps, cela ressemble un peu plus à des couleurs séparées, ce qui peut être un défi si vous essayez obtenir un aspect très mélangé ou un avantage si vous aimez un look un avantage si vous vraiment épuré et plus numérique Maintenant que vous avez commencé à remarquer les lumières et les ombres des objets de notre classe de valeurs et de formulaires, vous pouvez réfléchir aux couleurs principales que vous voyez et à la façon dont elles passent de valeurs claires à des valeurs plus foncées. Gardez un œil sur ce changement de couleur soudain. Même sans connaître la théorie des couleurs ou la science de la lumière et de l'ombre, vous pouvez simplement observer ce que vous voyez littéralement devant vous. mesure du possible, essayez d' isoler une couleur que vous observez. Nous pensons souvent qu' une couleur est différente en raison de ce qui l' entoure , par exemple un gris qui semble vraiment vert parce qu'il est entouré de rouges très puissants. Et en analysant certaines des couleurs en haut de la page pour voir la différence et les variations de température de chaque teinte que j'utilise, puis créé cette petite palette ici Il est également intéressant d'essayer de petits échantillons, soit directement sur votre bureau, soit papier brouillon à côté de vous Cela vous permet de prévisualiser une couleur avant de la mettre sur votre étude Donc, lorsque vous mélangez, je recommande vraiment de mélanger d' abord en petites quantités pour que le tout atteigne la bonne température. Je mets juste ma couleur foncée là où je vois les formes de mes ombres. Quelque chose d'aussi organique qu'une feuille est un peu plus délicat parce qu'il n'a pas cette forme d'ombre claire aux bords très durs que l'on peut souvent obtenir avec des objets fabriqués par l'homme, mais je pense que c'est un Commencez simplement à vraiment voir comment ces petits changements peuvent vraiment faire une telle différence, et la façon dont vous pouvez attribuer les différentes couleurs et la façon dont vous pouvez revenir en arrière et les colorier par-dessus pour créer l' effet que vous souhaitez. Sachant que nous commençons à voir trois valeurs différentes à ce stade, dans l'ensemble, nous avons cette couleur d'ombre très foncée, la couleur jaune-vert plus clair et cette couleur vert moyen froid Juste avec trois valeurs, comme nous en avons parlé dans notre classe de formulaire de valeurs, puis-je créer autant de définitions et de formes ? Bien sûr, c'est plat, mais cela fait vraiment une énorme différence de passer d'une valeur à trois. Maintenant, je vais juste mélanger certaines de mes couleurs de surbrillance. peux déjà voir à quel point cette valeur ajoutée crée une énorme différence . Maintenant, comme la gouache est vraiment opaque et sèche rapidement, je peux y ajouter des couleurs plus claires et des reflets je peux y ajouter des couleurs plus claires et des reflets ou corriger des couleurs qui ne correspondent pas à ce que j'imaginais C'est vraiment utile et ressemble un peu à de la peinture numérique en fait. J'adore le rendu opaque et éclatant de la peinture. Maintenant, j'ajoute un peu de jaune créer cette touche plus chaude. En ajoutant ce jaune à cette crinière jaune-verte que j'avais tout à l'heure, il est intéressant de voir le léger décalage que cela crée qui la rend un peu plus chaude au centre Il ne vous reste plus qu'à ajouter des reflets encore plus chauds et plus lumineux. Je commence à remarquer que le contraste entre les parties froides et chaudes de ces feuilles va être un peu trop différent Je sais donc que je vais devoir l'harmoniser un peu plus à l' avenir. C'est vraiment incroyable d' observer comment ces changements, ainsi que la température et la valeur des couleurs, commencent réellement à faire ressortir l'angle de cette forme, emplacement de la source lumineuse et ensemble de la peinture un aspect plus dimensionnel C'est aussi là que vous pouvez vraiment commencer à avoir l'impression que la couleur est si relative et que cela dépend des couleurs à côté desquelles elle se trouve. Ce vert qui a l'air vraiment cool. À côté de ce vert chaud, il peut sembler beaucoup plus chaud s'il est placé à côté d'un bleu ou d'un violet. Et même si ces deux légumes verts que vous pensiez vraiment similaires lorsque vous avez commencé à les mélanger peuvent sembler si différents si ce sont les deux seules choses vous essayez de comparer. J'ai maintenant créé cette couleur d'ombre légèrement moins saturée et je la place partout où je vois une partie de ce décalage et les formes d'ombre de la photo de référence. Même dans ces parties très sombres d'un objet, certains changements peuvent être difficiles à remarquer au début, mais qui font toute la différence en termes de rendu du formulaire. Vous remarquerez que l'étude au crayon de couleur et l'étude à la gouache ont également contribué à renforcer l'observation de la couleur me concerne, je capte des choses la deuxième fois que je n'avais pas remarquées la première fois. Et comme j'ai déjà bloqué le dessin au crayon, je peux me concentrer entièrement sur l'étude la valeur et le colorier avec ma gouache J'entre vraiment dans les détails, définis davantage la branche et j'ajoute certains de ces petits plis dans les feuilles, en essayant de vraiment faire attention à la essayant de vraiment faire attention à façon dont les différentes feuilles sont inclinées par rapport à la branche, m' assurant de montrer les bons chevauchements, en les inclinant correctement vers Très bien, donc ça a l' air plutôt bien. J'ai décidé de nettoyer l'ensemble de l'image en mettant cette teinte vert très clair, en masquant toutes mes marques de crayon, mais ce n'est pas nécessaire. En fait, je trouve que ça a l'air cool avec certaines marques de crayon qui apparaissent en dessous. Cela m'aide également à vraiment clarifier mes espaces négatifs et à en atténuer les limites. Maintenant, j'utilise ce pinceau de trois huitièmes de pouces Filbert Greener, qui est Il a essentiellement cette tête de brosse amincie qui crée ces petites marques de hachures Je vais donc me contenter de mes couleurs vives. Maintenant que vous avez vu une démonstration complète avec crayon de couleur et une peinture à la gouache, vous encourage à l'essayer vous-même si ce n'est pas déjà Voyez comment vous aimez les utiliser et peut-être comment vous aimez les utiliser ensemble. Gardez à l'esprit qu'il faut de la pratique pour commencer à utiliser ces matériaux. Mes crayons de couleur sont restés sur mon bureau pendant années avant que je ne découvre comment j'aime les utiliser, et mes premiers essais avec la gouache semblent si plats, ternes et tristes que je les ai mis de côté pendant un certain temps avant de les reprendre. Pour la gouache comme pour les crayons de couleur, j'ai découvert que la clé était de comprendre les valeurs, superposer les couches et de mélanger les couleurs pour en tirer le meilleur parti C'est pourquoi nous avons d'abord examiné la forme valorisée, et nous allons maintenant passer à et nous allons maintenant passer à la théorie des couleurs. Quand tu seras prêt, retrouvons-nous au prochain cours. 15. Couleur et lumière 3 : Comprendre la couleur: Maintenant que nous avons découvert subtilités et les couleurs, parlons de la théorie de base des couleurs Alors que nous nous penchons sur la théorie des couleurs, je veux que nous gardions à l'esprit qu'en fin de compte, nous parlons vraiment de la nature. La couleur fait partie de notre expérience naturelle. Elle est présente dans tout ce qui nous entoure et dans tout ce que nous percevons. Ainsi, même si ces sujets ont été divisés en ces diagrammes, ces graphiques et ces théories, gardez à l'esprit le contexte global, c' est-à-dire que nous parlons de la nature et notre capacité à mieux voir le monde qui nous entoure. Commençons par cette roue chromatique de base que vous connaissez probablement tous. Il capture les couleurs que nous voyons dans le spectre de la lumière visible qui nous apparaît le plus clairement lorsque nous voyons un arc-en-ciel. Nous avons les couleurs primaires que sont le rouge, le jaune et le bleu, puis les couleurs secondaires que sont l'orange, le vert et le violet, et enfin les couleurs tertiaires intermédiaires produites en mélangeant les couleurs primaires et secondaires Certains d'entre vous savent probablement déjà que les couleurs opposées sur la roue chromatique sont considérées comme complémentaires, comme le rouge et le vert, bleu et l'orange, le jaune et le violet. En se trouvant aux extrémités opposées du cercle, elles éclatent l' une à côté de l'autre lorsqu'elles sont placées l'une à côté de autre, ce qui les rend complémentaires. Notez également que lorsque nous les mélangeons, nous produisons une couleur neutre. Je trouve que c'est un très bel aspect de l'art et de la vie. Nous le comprenons en théorie, mais pour intégrer cela à nos inexpérimentés, créons ensemble une roue chromatique Parlons maintenant de ces crayons de couleur et de la façon dont nous allons faire l' exercice de la roue chromatique avec J'ai sélectionné les 12 teintes notre palette chromatique aussi près que possible ce que proposent les crayons de couleur Commençons simplement par dessiner de petits cercles très rapides pour que nous puissions les faire Nous avons 12 teintes dans notre roue. Ce que vous pouvez faire, c'est commencer par le nord, le sud, l'est et l'ouest. Ils n'ont pas besoin d' être parfaits, mais ce sera à vous de les remplir plus tard. Les teintes créent deux cercles espacés de manière égale entre chacun d'eux pour obtenir votre 12. Ce que nous allons faire, c'est mettre l'une de ces teintes dans chacune d' puis nous allons choisir une teinte plus claire, puis une teinte plus foncée à placer à l'intérieur et autour de celle-ci. Ensuite, nous allons commencer à voir comment la palette de couleurs se reflète dans notre palette, puis nous pourrons également les mélanger sur le côté de la page. Commençons par notre rouge. Il suffit d'entrer et de remplir votre cercle. Vous pouvez toujours les agrandir ou les réduire au fur et à mesure que vous vous êtes rapproché. Ensuite, je prends l'orange rouge, qui est du vermillon pâle 921 Ensuite, il y a l'orange 918. Ça va ici. La raison pour laquelle je ne commence pas par le rouge, le jaune, le bleu, ensuite les mélanger un vert secondaire, à un orange, à un violet, puis à des couleurs tertiaires, c'est parce qu'avec ces crayons de couleur, ils ne vont pas se mélanger parfaitement comme ça Maintenant que nous comprenons la théorie de base des couleurs sur le fonctionnement de la roue chromatique, allons maintenant la voir en pratique avec leurs matériaux réels. Puis le jaune-orange, qui est le jaune éclatant de soleil 917. Passons maintenant au jaune. J'ai choisi ce jaune canari, qui est 916. Puis ce vert jaune, qui est notre chartreuse 989 Ensuite, notre vert véritable, qui sera un peu plus bleu que ce à quoi vous vous attendez, moins ce à quoi je m'attendais. Vous voyez qu'ils se trouvent du côté opposé à sa couleur complémentaire, le rouge. Puis du bleu-vert qui ne sera que de l'aigue-marine 905. Ensuite, nous avons le True Blue 903. Si vous le souhaitez, vous pouvez placer les petits chiffres à côté de chaque cercle si vous voulez vous rappeler de quels chiffres il s'agit. Ensuite, nous avons la teinte bleu cobalt 133. Maintenant j'ai la violette 932. Enfin, nous avons la violette rouge, que j'ai choisie sous le nom de Mulberry 995 L'exercice suivant consiste à sélectionner la version claire et la version foncée de chaque teinte. Si vous deviez obtenir un papier à gratter et y ajouter simplement du blanc et du noir, vous obtiendrez quelque chose comme ça. Ce ne sont pas exactement les couleurs que nous voulons avoir. Certains d'entre eux fonctionnent dans les zones les plus sombres. Mais surtout ici, cela ne ressemble tout simplement pas oranges foncées que nous allons aux oranges foncées que nous allons utiliser pour nos illustrations. Un bon exercice consiste alors à parcourir votre sac à dos et à choisir la version la plus proche que vous voyez être la version foncée et la version claire de chacune d'elles. Même si vous n'avez pas exactement les mêmes teintes que celles que j'utilise, utilisez simplement les teintes les plus proches et cela fait partie de l'expérience afin que vous puissiez voir quelles couleurs vous avez. Pour le rouge, j'ai choisi le rose blush pour ma couleur plus claire, puis rouge cramoisi pour ma couleur plus foncée Je vais juste mettre un petit cercle ici. Ensuite, avec le rouge cramoisi, je mettrai ce cercle plus foncé à l'extérieur. Agrandissons-le un peu. Cela n'a pas vraiment d'importance. Tu trouves que tu en choisis une qui te ressemble, en fait, elle ne se passe pas vraiment comme je m'y attendais. Vous pouvez toujours mélanger une couleur adjacente plus proche, comme une couleur plus foncée ou plus claire pour essayer de vous rapprocher de ce que vous voulez. Mais c'est un bon moyen de mieux connaître son palais. Pour le rouge orange, j'ai choisi le rose saumon comme teinte rouge, 1001 et le rouge coquelicot comme teinte plus foncée, soit 922 Continuer dans mon petit cercle et faire mon grand cercle. Vous pouvez vraiment commencer à comparer et voir à quel point c'est plus orange. Alors que seul, vous pourriez penser que c'est du rouge pur. Ensuite, pour l'orange, j'ai choisi cette teinte orange cadmium 118 , puis cette orange espagnole 103 pour ma teinte plus claire. Encore une fois, n'hésitez pas à prendre votre temps, à profiter de ce processus. Vous apprenez à utiliser tous vos outils et à utiliser la couleur, tout en créant quelque chose de très beau. Ensuite, j'utiliserai l' orange espagnole comme orange jaune plus foncé. Pour ce modèle plus clair, allez essayer cette couleur jasmin 1012 Ensuite, après le jaune clair, j'ai choisi le jaune déco, qui est 1011 Ensuite, pour la plus foncée, j'ai choisi Goldenrod, qui est 1034 Je vais le mettre dans cette déco jaune 1011. Ensuite, le bâton d'or, de couleur plus foncée. C'est un peu trop foncé pour ce que je préfère. Ce que je vais faire, c'est introduire le jaune-orange, je veux dire le jaune soleil parce qu'en fait, j'ai impression que c'est une version plus foncée Ce jaune ocre 942 se rapproche enfin de ce que j'imagine être un jaune plus foncé Passons maintenant à la Chartreuse. J'ai ramassé cette chartreuse jaune. C'est le numéro 1004. Vous pouvez commencer à voir cette chartreuse et cette chartreuse jaune Parfois, lorsque vous voulez éclaircir quelque chose, vous n'avez pas nécessairement Il se peut que vous deviez ajouter sa couleur plus vive adjacente. Ensuite, pour la couleur plus foncée, j' ai choisi le vert printanier 913 Ce ne sera pas un match parfait. Je vais prendre un peu plus de briquet et voir si je peux l' ajuster à partir de là. Il est un peu plus vert que ce que je pense qu'il devrait être. Permettez-moi d'apporter la chartreuse elle-même. Cela ressemble beaucoup plus à une version plus sombre de cela. Vous voyez qu'il est préférable de mélanger uniquement la teinte la plus foncée ou la teinte adjacente plutôt que d'ajouter du noir. Pour le vert clair, j'ai choisi celui-ci, le vert clair 920. Ensuite, pour le vert foncé, j'ai choisi le vert gazon 909. Passons maintenant à ce bleu-vert. J'ai choisi l'eau claire. Ensuite, pour la version plus foncée, j'ai choisi cette turquoise cobalt 105. Ensuite, nous entrons dans le bleu. Je vais faire le bleu ciel. En fait, pour le bleu foncé, je vais utiliser ce denim bleu 1101 Ensuite, je pourrais essayer d'ajouter un peu de bleu à la lumière bleu ciel. Peut-être un peu plus loin. Chaque fois que vous ajoutez votre teinte d'origine couleur dans laquelle vous essayez à la couleur dans laquelle vous essayez de la mélanger cela commence bien sûr à l' harmoniser davantage. C'est déjà plus beau. Passons ensuite à ce bleu violet. J'ai choisi la couleur bleue du lac, comme la pervenche. Passons à notre version sombre, Ultramarine. Ça a l'air sympa. Entrer dans notre violette. J'ai choisi la lavande comme violet clair 934. J'ajoute le violet impérial 1007 comme couleur plus foncée. Ensuite, pour la violette rouge, j'ai choisi cette rose rose 1018 Ensuite, pour le violet rouge foncé, j'ai choisi ce Dahlia violet 1009 J'espère que c'était relaxant. C'est comme faire un mandala. Voici votre jolie petite roue chromatique. Si vous le souhaitez, vous pouvez entrer et le nettoyer un peu ou je passe à la section suivante. Dans la section suivante de ce côté, nous allons parler de la fusion avec ces gris, noirs et bruns neutres Vous pouvez choisir n'importe quelle teinte, mais choisissez-en une parmi les principales. Je vais utiliser le vert gazon parce que c'est une couleur que j'utilise beaucoup et qui me serait très utile pour voir comment ils interagissent avec toutes ces couleurs. Je vous recommande de choisir la teinte que vous préférez. Il est préférable de commencer par un produit qui peut être mélangé. Peut-être pas quelque chose d' aussi sombre que ça. Si tu dois en choisir un, je choisirais celui des couleurs intermédiaires. Je vais commencer par le gazon, mais vous pouvez bien sûr commencer par ce que vous voulez. Ce que je vais faire, c'est dessiner huit rangées de cinq cercles et ils vont tous commencer par cette teinte verte. Ensuite, j'ai rassemblé ici un groupe de quatre de chacun des neutres avec lesquels je souhaite mélanger En commençant par ces bruns, j'ai le beige, l'ambre clair, ambre foncé et le noir Ensuite, j'ai essentiellement les 30 %, 50 %, 70 % et 90 % de chacun des gris Si vous avez toutes ces teintes, allez-y et collectionnez-les. Sinon, vous pouvez simplement regarder la démonstration et voir comment ils interagissent les uns avec les autres. Ensuite, vous pouvez l'utiliser et décider lesquelles vous aimez le plus et peut-être simplement obtenir ces couleurs spécifiques, sinon toutes. Permettez-moi de commencer par les cinq cercles. Toutes nos pratiques en cercle et en ligne vous seront utiles. Il y aura huit rangées de chaque rangée, et vous pouvez ajouter une étiquette ici, sur le guide latéral, c'est pourquoi il est légèrement incliné de cette façon. Commençons par simplement remplir tout cela avec votre vert. Je n'irais pas trop loin, mais peut-être qu' il est rempli à 50 à 60 %, nous laisse une certaine marge de manœuvre pour mélanger N'hésitez pas à mettre de la musique ou lire un livre audio et à remplir vos cercles Lorsque vous serez prêt, passons au mixage. L'objectif est essentiellement d'avoir une version claire à foncée. Nous voulons voir comment obtenir les différentes couleurs que nous voulons réellement. Avec ce top, nous allons en fait commencer par le vert. Ensuite, je veux voir comment cela fonctionne en ajoutant des couleurs plus chaudes adjacentes. Je vais mettre du jaune, puis une couleur plus froide adjacente, du bleu. Ensuite, ce à quoi cela ressemble de mettre des couleurs réellement complémentaires, cela le neutralise, mais comment Après cela, nous allons mettre nos ambres. Je vais mettre notre juste u pour l'ambre, les noirs et les beiges, puis nous allons faire nos trois gris Nous allons utiliser du gris français, du gris chaud et du gris froid. Commencer par le vert va être similaire à cet exercice. C'est pourquoi les crayons de couleur ont une limite, évidemment avec de la peinture similaire ou numérique si vous mélangez de plus en plus de blanc, vous pourriez obtenir des couleurs très claires Mais avec les crayons de couleur, il y a une limite à ce que vous pouvez récupérer Ce que j'aime faire, c'est de commencer par une main de poids moyen , puis de mélanger au besoin. Ensuite, je mets du vert clair. C'est remarquer comment les deux interagissent. Celui-ci va devenir mon véritable vert. Ensuite, je vais continuer à mélanger dans un vert foncé. Je vais d'abord en faire peut-être la moitié, peut-être 50 ou 50. Alors pour celui-ci, je vais faire de mon mieux pour qu'ils puissent obtenir le plus de vert foncé possible. Ce sont mes cinq meilleurs pour le moment, en mélangeant simplement différentes versions du vert. La prochaine fois, je vais essayer le jaune pouvoir réellement essayer ces différentes oranges jaunes et voir comment elles affectent ma couleur. Je vais commencer par cette couleur crème. C'est l'un de mes jaunes les plus clairs, 914. Alors voyons si je peux essayer cette déco jaune. C'était le one-zero, une-un. Mettons du jaune, du jaune. Ce sera notre jaune canari ici. Vous pouvez voir comment cela commence vraiment à l'amener davantage dans cette couleur jaune-vert. Et puis essayons l'ocre jaune. Encore une fois, vous pouvez ajouter les petits chiffres en bas si vous souhaitez suivre. Essayons ensuite l'orange espagnole, et enfin, je vais essayer la verge d'or, c'est un orange jaune foncé assez foncé Nous commençons tout juste à voir la différence entre ces verts plus foncés et le type d'effets que nous essayons d'obtenir. Passons maintenant au bleu. Cela va rafraîchir nos légumes verts. Je vais donc commencer par ce bleu ciel. Cela donne vraiment une petite sensation de menthe ici. C'est de l'ardoise bleue, 1024. Alors je vais faire du True Blue. Commençons par voir à quel point les deux sont différents. Alors essayons ce bleu denim plus foncé. ressemble vraiment à un bleu-vert plutôt cool temps en temps. Essayons l'outremer, il suffit de prendre cette gamme de bleu et de voir comment ils bleu outremer est évidemment beaucoup plus foncé que ces jaunes, il est donc capable de le rapprocher sa couleur que ne le sont les jaunes Vous pouvez commencer à apprendre à quel point vous pouvez pousser un crayon de couleur vers teinte plus claire plutôt que vers une teinte plus foncée. J'ai ajouté le rouge, j'ai commencé par le rose, puis je suis passé rouge coquelicot, puis au rouge vrai, au rouge cramoisi et au rouge toscan Vous pouvez voir à quel point cela l'a brouillé tout de suite et a transformé en une couleur de sang de bœuf très foncée Puis je suis passée aux chiffres, alors j'ai choisi le beige, l'ombre alors j'ai choisi le beige, claire, l'ombre foncée et le noir, puis les trois gris différents Ce sont 30 %, 50 %, 70 % et 90 %. Tu peux juste le voir. Ce sont des changements très subtils, mais certainement comme si l' un était un gris plus chaud et l'autre un gris plus froid, et puis le gris français avait une teinte différente. Ce qui est bien, c'est que lorsque je veux faire une étude, je peux m' référer pour savoir comment atteindre les ombres que je souhaite. Cela peut vraiment dépendre du fait que vous voulez faire quelque chose d'un peu plus réaliste ou quelque chose d' un peu plus stylisé Je vais travailler davantage dans ce domaine, mais il est bon de savoir comment faire entrer les noirs et les gris si je veux que les couleurs se rapprochent de cette gamme C'est assez simple, mais cela ne couvre que les teintes les plus élémentaires. Qu'est-ce que j'entends par teinte ? Chaque couleur possède trois propriétés qui nous permettent de la mesurer : la teinte, la valeur et la saturation. La teinte est probablement ce que la plupart des gens considèrent comme une couleur. Dans la roue chromatique que nous venons d'examiner, les noms que nous avons donnés à chaque couleur sont plus précisément considérés comme le nom de sa teinte. Maintenant, rappelons-nous comment nous avons appris que chaque couleur a une valeur correspondante. N'oubliez pas qu'il existe ce spectre complet avec des centaines de valeurs. Qu'en est-il de toutes ces valeurs correspondant à une teinte particulière ? C'est là que nous commençons à voir des versions plus claires et plus foncées de chaque teinte. Vous ajoutez nos valeurs en noir et blanc pour éclaircir ou assombrir une teinte Ainsi, en ajoutant du blanc pour éclaircir une teinte, cela s'appelle une teinte En ajoutant du noir pour assombrir une teinte, on l'appelle une teinte. Enfin, nous pouvons considérer notre troisième propriété, la saturation. Pensez à la façon dont vous pouvez être plus intense, plus sourde ou plus pastel pour obtenir une teinte donnée . C'est ce que l'on appelle la saturation Nous parlons de la brillance ou l'intensité d'une couleur Ainsi, une saturation à 100 % sera une teinte pure, ou l'ajout d'une valeur quelconque, ce soit du blanc ou du noir, désaturera cette Maintenant que nous connaissons la teinte, la saturation et la valeur, examinons une roue chromatique plus approfondie. J'aime utiliser le disque couleur de Procreate, l' application numérique avec laquelle je dessine , car la teinte se trouve sur l'anneau extérieur , puis les contrôles de saturation et de valeur pour chacune des teintes se trouvent sur l'anneau intérieur Comparez cela à un dégradé plus traditionnel au niveau roue chromatique où vous pourriez penser que toutes les couleurs sont présentes, mais où la valeur est mesurée sur une échelle distincte dans ces cas. Le disque Procreate est très intuitif pour moi. Vous pouvez également le comparer au sélecteur de couleurs classique et aux outils de peinture numérique, qui comportent trois curseurs de commande pour la teinte, saturation et la valeur C'est peut-être une meilleure façon de commencer à comprendre les niveaux de teinte, de saturation et de valeur de chaque couleur que vous choisissez. Nous avons donc parlé de la teinte, de la saturation et de la valeur de base , mais un aspect de la couleur qui est vraiment important qui n'est pas inclus dans cette conversation traditionnelle est la température de couleur. La température de couleur n'est pas une mesure exacte comme c'est le cas pour la teinte, la saturation ou la valeur, mais vous pouvez certainement la sentir. Ainsi, même pour un œil non averti, vous pouvez sentir quelque chose de chaud ou de froid En regardant ces deux célèbres tableaux de Monet sur des tas de foin, lequel est cool et lequel est chaud selon vous ? Cela vous semble probablement assez évident, mais réfléchissez vraiment à pourquoi et comment un artiste doit transmettre ces sentiments. À un niveau élevé, nous considérons les rouges, les jaunes et les oranges comme des couleurs chaudes, puis les bleus, les violets et les verts comme des couleurs froides Mais pensez à la façon dont chacune de ces teintes contient également des versions froides et chaudes de chacune d'entre elles. C'est là que ça devient vraiment intéressant. Réfléchissez à la façon dont vous pouvez avoir un vert très chaud, qui a tendance à être un peu plus jaune, puis un vert très froid, qui a tendance à être un peu plus bleu-vert, puis voyez combien de personnes utilisent un mélange de roses et de bleus pour cette peinture de botte de foin Si vous regardez celui-ci, est-ce qu'il fait froid ou chaud ? D'un côté, on dirait que c'est hivernal, mais il y a aussi du rose dedans Donc, traditionnellement, on dirait que ce doit être une couleur chaude, mais dans l'ensemble, c'est plutôt cool. de pouvoir mélanger ces différentes teintes avec différentes valeurs et différentes températures peut vous aider obtenir l'atmosphère à obtenir l'atmosphère que vous recherchez. Notez que la température se retrouve même dans les blancs, les gris et les noirs La même idée s'applique lorsqu'il s' agit de les réchauffer ou de les refroidir. Donc, en ajoutant un peu de jaune et d'orange, vous obtenez des blancs plus chauds, et si vous ajoutez plus de bleus et de violets, vous obtenez des blancs plus froids Il en va de même pour les gris et les noirs. Maintenant que nous maîtrisons les couleurs, parlons de couleur et de lumière. Scientifiquement parlant, la couleur est la partie du spectre d'un rayon de lumière qui n' pas absorbée par l'objet. Nous voyons la partie qui se reflète. Comprendre cela nous aide à comprendre ce que nous voyons lorsque nous prenons une photo ou que nous prenons un style de vie. Lorsque vous commencez à comprendre pourquoi une couleur est plus claire lorsque la lumière touche un objet et plus foncée et moins saturée dans l'ombre, ou pourquoi les couleurs deviennent plus claires et plus atténuées lorsqu'elle est plus éloignée ou recouverte par l'atmosphère, c'est parce que moins de lumière parvient à notre perception Ces connaissances nous aideront également à créer des couleurs crédibles sans référence Maintenant que nous avons abordé les bases de la théorie des couleurs, rassemblons tout cela dans notre prochaine étude sur les couleurs. 16. Couleur et lumière 4 : Exercice de théorie des couleurs: Nous allons maintenant faire ensemble un exercice que j'appelle le jardin des couleurs. En créant ces fleurs, nous apprendrons à mélanger différentes températures de couleur et à faire varier notre teinte, notre saturation et notre valeur Voici les matériaux que je vais utiliser pour cette étude sur les jardins colorés. J'ai ici ma gouache acrylique Holbein en rouge, orange, jaune foncé, vert, bleu clair, bleu outremer foncé, violet, blanc titane, terre de Sienne brûlée Ensuite, j'ai cette petite palette Masterson Stay Wet, qui est vraiment idéale pour garder vos peintures humides plus longtemps, en particulier pour les peintures comme la gouache, qui a tendance à sécher très rapidement En ce qui concerne les pinceaux, j'utilise ces pinceaux mixtes Princeton Velvetouch ces pinceaux mixtes Princeton Velvetouch, que j'aime beaucoup. J'ai un filbert en taille 8, un shader angulaire et un 3/8 de pouce, puis ce petit liner à points serrés, mais n'importe quel petit liner fin d' environ une taille 0 serait bien Nous allons faire cet exercice expérimentant différentes températures de vert pour les feuilles et les tiges, puis expérimentant différentes teintes de la roue chromatique des fleurs ci-dessus. Nous pouvons commencer par notre couleur verte de base , puis je mets le jaune foncé d' un côté et le bleu outremer l'autre. Cela va me donner mes tons verts chauds et de l'autre côté mes tons verts froids Je vais également utiliser un peu de blanc si je veux éclaircir l'une des couleurs Allons-y et commençons à mélanger cette couleur verte chaude qui sera notre première feuille et notre première tige. Il n'existe pas de mesure précise de la quantité de jaune et de la quantité de vert à utiliser. C'est vraiment votre préférence de voir quel type de jaune-vert chaud vous voulez avoir J'ai ajouté pas mal de jaune à mon vert pour obtenir ce très beau jaune et vert chauds. En fait, je vais commencer par mes crayons couleur pêche Je place juste une ligne en bas pour m' assurer que tout est bien espacé et je mets juste ROYGBIV, donc R-O-Y-G-B-I-V pour savoir donc R-O-Y-G-B-I-V pour quelle teinte je vais mettre sur quelle tige, donc rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo, violet bas pour m' assurer que tout est bien espacé et je mets juste ROYGBIV, donc R-O-Y-G-B-I-V pour savoir quelle teinte je vais mettre sur quelle tige, donc rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo, violet. Maintenant, je vais juste commencer à mettre les feuilles et les tiges. Cela peut prendre un peu de temps pour m'y habituer, mais c'est vraiment assez naturel, juste avec le flux du pinceau J'utilise donc le tuteur d' angle ici Nous pouvons obtenir un effet très similaire avec le noisetier. En commençant par le bord effilé, puis en poussant vers le bas pour créer la partie la plus épaisse de la feuille Ensuite, pour les tiges les plus longues, il suffit de ne pas trop appuyer vers le bas pour obtenir les parties les plus grasses, tout en obtenant une petite variation d' épaisseur et d'épaisseur du trait J'aime superposer légèrement les tiges et les feuilles pour créer un aspect naturel. Vous pouvez décaler les feuilles pour que certaines soient plus hautes et d'autres plus basses Il n'y a vraiment pas de mauvaise façon de procéder. C'est censé être quelque chose d'agréable, de se détendre, c'est tout simplement magnifique de commencer à voir les feuilles et les tiges se rejoindre. Vous n' avez pas nécessairement besoin d'avoir un plan précis de son apparence, mais vous pouvez simplement commencer à remplir certains espaces vides avec des feuilles supplémentaires, en ramifiant légèrement les tiges et assurant qu'elles en ont suffisamment pour placer toutes vos différentes teintes sur le dessus Si vous le souhaitez, vous pouvez commencer par un morceau de papier à gratter pour avoir l'impression de cet angle en passant par quelques-uns juste pour obtenir la bonne forme, mais c'est quelque chose qui doit vraiment sembler naturel Si vous remarquez des taches qui semblent un peu vides ou si vous souhaitez les épaissir un peu, vous pouvez simplement y ajouter un peu plus de peinture Au fur et à mesure, je réduis simplement la quantité de jaune. Au milieu, j' obtiens à peu près juste la teinte verte pure, puis à partir de là, je vais ajouter plus de blues. Jusqu'à présent, je n'ai pas fait de lignes droites donc d'une certaine manière, c'est un peu moins difficile en créant un look plus naturel. On dirait déjà qu' il y a de la chaleur du soleil sur les tiges et les feuilles de gauche. J'entre dans cette zone plus fraîche et ombragée de notre forêt ou de notre jardin, ici sur la droite. Ce que j'aime dans cet exercice, c'est qu' il le place dans des contextes réels. Le vert est un excellent moyen d'observer la nature. Il ressemble à quelque chose qui est influencé par la lumière et les ombres simplement en expérimentant explorant la température de couleur du vert Nous n'avons pas besoin de [inaudible] aussi avec ça. Nous pouvons toujours revenir en arrière et ajouter un peu plus de couleur après avoir mis nos fleurs. À ce stade, passons à l'ajout de nos fleurs colorées. Je vais commencer par cette couleur rouge pur. Maintenant, j'utilise le pinceau à noisette, et j'aime beaucoup ce pinceau pour créer ces jolies formes de petits pétales. Encore une fois, il suffit d'utiliser la courbe naturelle du pinceau en appuyant vers le bas puis en soulevant pour créer la forme du pétale Lorsque je pense aux fleurs, je fais simplement varier l' épaisseur de certains pétales, en ajoutant une pédale plus fine sur le côté pour faire ressortir le bord des pétales Ce que je fais ici, c'est de commencer par la teinte pure du tube de peinture, donc c'est une fleur rouge. Ensuite, j'ajoute du blanc pour voir comment cela l'affecte. Cela me donne cette jolie couleur rose rosé. Ensuite, je veux voir ce qui se passe si j'ajoute sa couleur complémentaire et aussi ce qui se passe lorsque j'ajoute du noir. Quelle est la différence entre le fait d'assombrir ce rouge à travers ces deux teintes différentes ? Cela me donne pratiquement la couleur du sang de bœuf , puis il fait très foncé et la dernière est presque entièrement teintée de rouge. C'est peut-être une couleur que je voudrais utiliser, exemple si j'ai une zone très foncée d'un objet rouge ou d'une fleur rouge, et je vais juste essayer placer un peu sur mes fleurs pour voir et contraster et voir si cela fonctionne comme une couleur d'ombre. Passons maintenant à l'orange. Encore une fois, je mets simplement la teinte pure du tube de peinture pour voir à quoi elle ressemble et je pense aux coquelicots à ce stade Je fais donc ces très jolis petits pétales avec un plus épais au milieu, puis je vais le mélanger avec mon rouge pour obtenir mes oranges rouges Je mélange du blanc pour obtenir cette belle couleur orange clair. Ce pourrait être une bonne pêche, abricot, puis un peu de noir Cela me donne cette couleur brune qui touche la table, en fait. J'ai essayé une couleur complémentaire pour obtenir cette couleur boueuse très foncée Passons maintenant à nos jaunes. Encore une fois, nous allons apporter nos teintes jaunes, puis mélanger avec de l'orange pour obtenir notre jaune-orange Tout d'abord, je suis juste en train de mélanger ce jaune orange qui est vraiment plus dominé par l' orange en ce moment. Ajoutez du noir, mélangez des couleurs complémentaires pour voir comment cela assombrit cette couleur Essayons maintenant le jaune pur tout droit sorti du tube. Mon papier a encore un peu de couleur qui n'a pas été effacé Il a donc l'air un peu boueux, mais aussi beau Ce sont là quelques-uns des heureux accidents qui peuvent se produire lorsque vous peignez quelque chose vous n'aviez pas l'intention dont vous n'aviez pas l'intention, mais qui crée en fait un bel effet comme celui-ci. On dirait qu'il a un peu d' ombrage et de valeur maintenant Voilà à quoi ressemble un jaune plus clair avec un peu de blanc. Ajoutez maintenant quelques couleurs complémentaires. Passons maintenant au jaune-vert. Encore une fois, je vais essayer différentes formes ici, mais en gardant le tout dans la même idée, parce que j'ai commencé avec un jaune foncé, ça va me donner ce jaune-vert plus foncé Je peux également ajouter du blanc pour l'éclaircir, puis à partir de là, nous pouvons passer à notre vert vert Pour celui-ci, je vais en faire une petite fougère. Nous pouvons maintenant passer à nos bleu-verts. Je commence par ce bleu clair que j'ai. C'est sorti du tube, il a ce bleu ciel très riche qui crée des formes d'iris en forme de lys. Maintenant je veux voir et revenir un peu en arrière à quoi ressemblera ce bleu mélangé avec du vert parce que c'est vraiment une belle couleur bleu-vert J'adore cette couleur bleu sarcelle. Nous allons maintenant aborder notre blues plus profond en abordant votre indigo et vos violettes. Je vais éteindre une partie de mon Ultramarine Deep. C'est vraiment un beau bleu moyen riche. Maintenant, je reprends le bleu outremer, gouache est assez indulgente, donc il s'avère que c'est une forme que vous n'aimez pas. Vous en ajoutez toujours un peu plus ou Maintenant que nous avons enfin notre teinte finale, j'ai introduit le violet et je vais abord le mélanger avec le bleu outremer et y ajouter du blanc parce que pour le bleu outremer et y ajouter le violet, plus que n'importe quelle autre couleur, je trouve qu'il faut un peu de blanc pour faire ressortir davantage de sa couleur parce que vous verrez à quoi ressemble la peinture pure agit du violet tout droit sorti du tube par rapport à un violet mélangé avec du bleu rouge et du blanc par-dessus. Voyons vraiment à quel point cela le désature. Essayons de rétablir une partie de cette saturation. Maintenant je vais juste mélanger une violette rouge, voir à quoi elle ressemble pour que nous puissions boucler notre boucle. Maintenant, je suis juste en train d'essayer d'ajouter des roses à la fin J'ai ajouté du blanc à mon rouge, mais j'ai aussi ajouté un peu plus violet pour voir comment cela affectait les choses parce que la première fois que je l'ai fait, je ne l'ai fait qu'avec du rouge et du blanc. Vous pouvez voir ici la différence entre le rose tout à gauche et le rose plus foncé que j'ai fait au début Maintenant, je peux juste faire un dernier nettoyage, vous pouvez remplir les blancs avec peut-être vos couleurs préférées ou expérimenter un peu plus, mais maintenant vous avez une idée de la façon de faire cet exercice de jardin de couleurs et vous pouvez le faire C'est un exercice vraiment relaxant. Vous ne faites qu'expérimenter et jouer avec les couleurs. Vous n'avez même pas besoin de tous les utiliser, peut-être préférez-vous en faire un qui se concentre uniquement sur les rouges, les oranges et les jaunes ou sur tous les tons froids et en fait des expériences. Vous pouvez les mélanger et ne pas les avoir dans l'ordre spécifique et simplement commencer à expérimenter des relations. Il y a tellement de possibilités, mais en fin de compte, je veux simplement que ce soit quelque chose de relaxant et d' agréable à faire tout en apprenant la théorie des couleurs 17. Couleur et lumière 5 : Utiliser la couleur: Réaliser toutes ces études colorimétriques par observation est un excellent moyen d' affiner votre capacité à voir les couleurs et à comprendre comment les rendre en fonction de la réalité Mais bien sûr, il y aura des moments où vous aurez envie de créer votre propre palette de couleurs. Peut-être que vous réalisez une peinture imaginaire originale ou que vous réalisez une étude, mais vous souhaitez faire abstraction des couleurs pour en faire votre propre interprétation Quoi qu'il en soit, comment choisir une bonne palette de couleurs ? Voici quelques conseils sur la façon d'aborder cette question. Pour commencer, je recommande de rester simple. Concentrez-vous sur des familles de couleurs complémentaires et définissez clairement vos valeurs. Vous pouvez faire beaucoup de choses même avec une palette de trois couleurs. Quand je dis « élogieux », je fais référence à ce dont nous parlions tout à l'heure. Il existe en fait de nombreuses autres relations traditionnelles dans la théorie des couleurs. Parlons de chacun d'entre eux ici. Il existe une relation monochromatique. Ainsi, le fait d'avoir une teinte composée de différentes nuances et au sein de cette teinte est complémentaire. Ainsi, les teintes opposées sur la roue chromatique, telles que le rouge et le vert, dont nous avons parlé plus tôt, se complètent deux, c' une teinte plus les deux autres qui sont espacées de manière égale par rapport à son complément opposé. Il existe également une double complémentarité, très similaire à la double complémentaire, mais avec deux de chaque côté. Ensuite, il y a l'analogue, qui est un regroupement de teintes adjacentes telles que le rouge, l'orange et le jaune Enfin, il existe des relations triadiques. Trois teintes équidistantes les unes des autres sur la roue chromatique En ce qui me concerne, je pense très rarement à mes palettes de couleurs et à ces termes traditionnels de relation entre les couleurs. J'ai tendance à trouver la couleur très intuitive lorsqu'il s'agit de choisir des palettes de couleurs, pas nécessairement pour le rendu des couleurs. Quand je pense aux palettes, je pense plutôt à l'émotion et aux humeurs de ce que j'essaie de transmettre J'utilise très rarement des couleurs primaires et des relations très basiques comme le bleu, le jaune et le rouge, mais j'essaie de trouver des versions plus nuancées de chaque teinte et de les assortir en fonction de compléments généraux tels que des relations chaudes et froides Quand je parle de l' émotion et de l'ambiance liées aux couleurs, il existe en fait toute une étude sur émotions et la psychologie des couleurs. Bien que cela soit subjectif et dépend souvent de la culture, de nombreux modèles émergent de ces études sur la façon dont les gens perçoivent la couleur. Mais pensez à la façon dont chacune de ces teintes, selon la version, peut indiquer quelque chose de très différent. Même si le vert a tendance à indiquer la nature, il peut également être utilisé pour exprimer des sentiments d'envie, d'argent, ou peut-être même quelque chose de dégoûtant, donc quelque chose de très différent de la nature Ce que je recommande, c'est simplement d'étudier ces concepts généraux de psychologie des couleurs puis d'observer votre propre réaction instinctive aux couleurs, et de vous en servir pour vous guider dans la façon dont vous sélectionnez les couleurs en fonction de ce que vous voulez que votre image transmette. Avec toutes ces connaissances à l'esprit, la prochaine étape consiste simplement à expérimenter. De nombreux accidents heureux se produisent lors de l'utilisation de supports traditionnels, en particulier les peintures et les outils numériques qui constituent un excellent moyen d' expérimenter les palettes de couleurs Par exemple, vous pouvez aplatir votre image et simplement utiliser les réglages de teinte et de saturation pour essayer de voir à quoi elle pourrait ressembler dans nuances totalement différentes et simplement partir à la découverte Il y a vraiment cette inspiration partout. La nature est un excellent point de départ, mais je trouve beaucoup d'inspiration pour la palette de couleurs dans des domaines tels que la mode, les objets fabriqués par l'homme et l'architecture Il y a littéralement de l'inspiration partout, même les couvertures de magazines et le design de livres, je veux dire, je pourrais nommer à peu près tout, la nourriture, la décoration d'intérieur. Il existe de nombreuses façons de s' inspirer des palettes de couleurs. Si vous souhaitez commencer avec une palette existante, certaines ressources que vous pouvez utiliser sont, bien sûr, Pinterest, ainsi qu' Adobe Color et le sélecteur de couleurs Procreate Procreate propose cette option intéressante où vous pouvez télécharger une photo ou une image avec les couleurs que vous aimez, et cela générera une palette de couleurs pour vous En ce qui me concerne, je commence très rarement avec une palette de couleurs définie provenant d'une source extérieure. Habituellement, lorsque je crée un dessin, j'ai une palette de couleurs générale en tête parce que j'ai une humeur en tête. C'est avec ça que je commence. Habituellement, il y a une couleur dominante, qu'elle soit plus foncée ou plus claire, puis je la complète avec une couleur chaude ou froide. J'utilise beaucoup de bleu marine et les pêches sont d' vert plus foncé, tandis que les oranges, les coraux et les pêches sont plus clairs Personnellement, j'aime beaucoup ces combinaisons de couleurs en ce moment. Cela dit, laissez-vous évoluer en matière de palettes de couleurs. J'ai beaucoup travaillé dans ce monde fantastique très bleu et violet. Récemment, j'ai aimé travailler avec davantage de ces couleurs chaudes et naturelles, mais je suis sûre que je vais également évoluer au-delà de cela Il s'agit d'expérimenter, de jouer et de vraiment ressentir ce que vous voulez communiquer à travers votre voix artistique Je vais vous montrer quelques démonstrations rapides de la façon dont je crée des palettes de couleurs Personnellement, j'ai tendance à avoir une couleur qui me plaît au départ. Utilisons cette orange pêche. Ensuite, j'aime généralement avoir quelques nuances différentes de cette couleur. Disons une couleur plus foncée. Ensuite, je le complète avec une couleur froide, généralement un bleu ou un vert. C'est une couleur que j' apprécie beaucoup ces derniers temps. Ensuite, à partir de là, nous avons généralement une couleur qui ressemble à une version foncée de celle-ci, donc presque noire. Ensuite, souvent, j'ai une couleur de surbrillance qui, selon moi, ne fait qu'ajouter Ces derniers temps, je vis dans un jaune très vif, je l'utilise comme couleur d'accent. Même avec celui-ci, vous pouvez l'ajuster pour voir s' il existe une autre couleur d'accent que vous aimez. Peut-être un peu plus chaud, peut-être un peu plus audacieux. Essaie un peu plus. J'ai ce sentiment en ce moment. Mais en les maintenant sur des couches différentes, vous pouvez utiliser les réglages pour jouer avec cela. Ensuite, vous pouvez également les regrouper, aplatir, puis conserver la même valeur et les aplatir, puis conserver la même valeur et la même relation de saturation Essayez ensuite différentes teintes et voyez s'il y a quelque chose qui vous intéresse. Ou désaturez-le et voyez  : « Oh, est-ce que je veux que je sois un peu plus sourde ou quelque chose de super audacieux et de chiot Ensuite, je veux aussi un peu plus soufflé , quelque chose d'un peu plus foncé. Je vais vous voir en général. Si vous voulez opter pour une teinte plus claire, vous pouvez également ajuster la teinte et la saturation en conséquence. Habituellement, cela ne fonctionnera pas de simplement modifier la luminosité. Une autre chose intéressante est que vous pouvez importer une nouvelle palette à partir d'une photo. Supposons que vous preniez cette photo de fleurs que vous trouvez très belles et que vous créiez ensuite une palette de couleurs à partir de cette image. Ensuite, il a créé cette palette de couleurs pour moi. Tu peux voir que ce n'est pas parfait. C'est donc peut-être un bon point de départ. Mais ce que je dirais, c'est : OK, pourquoi ne commencez-vous pas à choisir les couleurs que vous aimez vraiment Mais n'oubliez pas qu'une photo contient des tonnes de petits pixels. Selon l'endroit où vous placez votre compte-gouttes, même si elle semble être de la même couleur, vous obtiendrez de nombreuses couleurs différentes Parfois, je choisis la couleur, puis je l' ajuste en fonction de ce que je perçois comme étant la couleur. Techniquement, c'est peut-être la bonne couleur, mais elle ne me donne pas la couleur que j'ai l' impression de voir. Je vais juste y aller et l' ajuster un peu. C'est comme ça que j'ai l'impression que ce jaune a la même apparence. Le jaune est peut-être techniquement correct, mais il semble un peu terne. Je vais juste en parler. Maintenant, cela ressemble beaucoup plus à ce que j'ai en tête. Alors tu pourras continuer comme ça. Il choisit cette couleur. Ça a l'air plutôt sympa. En choisissant cette couleur, vous pensiez que c' était une fleur blanche, mais cette couleur à l'intérieur est pratiquement de la menthe. Voyons de quelle couleur il s'agit. Cela ressemble à une fleur grise, et je suis sûr que cela ressemble à une fleur jaune, mais elle a en fait rouge très foncé, un peu trop foncé pour moi. J'aime bien cette couleur. Il suffit de faire le tour et ressortir ce que vous aimez sur cette photo. Ce qui est intéressant, c'est qu' il suffit de regarder cette palette. Je ne sais pas si je dirais  : « Oh, c'est une si belle palette », mais en les regardant dans leur ensemble sur cette photo, je peux vraiment voir comment on peut la faire fonctionner. Les combiner dans votre processus est un excellent moyen de déterminer les couleurs et les palettes de couleurs que vous aimez également. Prenez le temps de taper pour collecter les palettes de couleurs que vous aimez. Vous pouvez consulter la palette de couleurs réelle, par exemple sur Pinterest, ou les trouver en ligne, collecter des œuvres d'artistes que vous aimez ou la palette de couleurs vous parle. Vous pouvez également consulter des coupures de magazines ou vous inspirer des photos que vous avez sur votre téléphone pour commencer à constituer votre bibliothèque avec les combinaisons de couleurs que vous aimez C'est peut-être un exercice auquel vous n'aviez jamais vraiment pensé auparavant, mais vous avez juste une photo qui vous plaît, mais vous n'avez jamais pensé à la regarder pour savoir vous n'avez jamais pensé à la regarder pourquoi ces couleurs fonctionnent ensemble. C'est le moment idéal pour commencer à le faire, et cela peut prendre toute une vie. Mais pour l'instant, commencez simplement à vous mouiller les pieds. Je pense aux palettes de couleurs que tu aimes. Alors, quand tu seras prête, rencontrons-nous. Dans la section suivante, nous allons réunir tout cela dans notre projet de classe 18. 4: Travaillons maintenant ensemble sur notre projet de classe. Je vais d'abord faire une démonstration de coloriage de l'image exactement comme elle est montrée. Cet exercice va nous aider à réfléchir à la palette de couleurs. Pourquoi les couleurs complémentaires fonctionnent-elles ensemble ? Comment nous avons fait certains ajustements pour créer différentes variations et certains intérêts, et les choix que j'ai faits en cours de route. Pour celui-ci, vous pouvez essayer de mélanger les couleurs en les regardant abord, puis en vérifiant avec le sélecteur de couleurs Pour gagner du temps, je vais utiliser directement le sélecteur de couleurs afin que nous puissions nous concentrer sur la discussion sur la sélection des couleurs et la technique de peinture numérique En général, je pense à appliquer de grandes couches de couleur, c'est-à-dire à de grandes formes, puis à travailler sur grandes couches de couleur, c'est-à-dire à de grandes formes, les détails à la fin. À ce stade, je n' essaie pas de créer des bords parfaits, mais je vais ensuite nettoyer tous les bords. Pour cette section, je vous recommande de conserver vos couleurs sur des calques séparés afin que, dans la section suivante, vous puissiez ajuster chaque couche et expérimenter facilement différentes palettes de couleurs. Maintenant, cette couleur orange vif pour les fleurs vaut la peine d'être abordée parce que vous vous souviendrez que dans la section des valeurs, j'ai expliqué comment j'ai délibérément choisi cette valeur plus moyenne qui était proche des autres couleurs afin de ne pas trop distraire notre personnage principal Nous n'avons pas pensé aux valeurs. On pourrait penser que cette orange est très distrayante Vous n' auriez peut-être pas deviné que les valeurs des différentes couleurs étaient en fait si proches les unes des autres J'aurais aussi pu envisager différentes nuances ou tonalités de l'orange dans les fleurs. C'est certainement une option. J'aurais pu envisager de les rendre davantage. Mais cela commence à devenir un choix plus stylistique qui consiste avoir ces fleurs graphiques vraiment plates, les garder toutes d'une seule couleur, et à les joli cadre autour d'elle au lieu d'attirer beaucoup d'attention sur elles en y ajoutant plus de détails et plus de variations de valeur. Vous pouvez déjà commencer à voir le contraste entre le vert froid que j'ai utilisé et les jaunes chauds et les pêches qui l'entourent Même si techniquement, en théorie des couleurs, nous avons appris que le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires. Je trouve que l'utilisation des couleurs adjacentes peut être très agréable. Ici, je mélange des tons chauds et froids, mais au lieu du rouge et du vert ou de l'orange et bleu, j'utilise un bleu-vert ombré, puis j'ajoute jaune foncé et un peu de Je n'ai pas tout de suite commencé avec cette palette. Je savais que je voulais qu'il soit vert et qu'il soit entouré de couleurs chaudes. Mais en fonction de ces teintes et de la gamme, je ferais quelques ajustements, par exemple en le rendant un peu plus bleu ou un peu plus foncé, en rendant l'orange un peu plus saturé jusqu'à ce que j' obtienne la relation que je recherche. Nous avons nos couches de couleur de base en place et je ne fais que mettre les détails de son visage, ce qui peut être très difficile. Dans la section portrait, nous parlerons davantage des proportions de phase typiques de l'être humain. Mais même sans connaître les proportions typiques d'un visage, vous pouvez simplement observer et utiliser les mêmes techniques de dessin observationnel que celles que nous avons apprises plus tôt pour savoir comment tout s'aligne ? Où se trouve sa bouche dans les relations exemple au bas de sa chemise, l'intersection du V, endroit où elle est alignée à côté de ses doigts, ou à la fleur à côté de son visage ? Ensuite, à partir de là où l'œil est placé, combien d'espace y a-t-il entre ces yeux ? Quel est l'espace entre ses yeux et ses lèvres ? Toutes les mesures que nous avons apprises lors du premier cours s'appliquent tout autant au visage humain C'est en fait ainsi que les gens ont obtenu les mesures et les proportions simplement en observant et en remarquant des modèles. Voici quelques conseils pour peaufiner votre coloration et vos palettes de couleurs Je trouve que ce qui réunit vraiment une pièce et harmonise une palette, c'est lorsque vous les mélangez de manière subtile Ceci est basé sur la science réelle de la couleur et de la lumière réfléchies, et aussi sur quelque chose que j'ai personnellement découvert grâce à des expériences. Par exemple, j'ai ajouté cette touche orange à ses cheveux, c'est-à-dire qu'un peu d'orange est créé sur son interface cutanée qui fait écho à l'orange des couleurs des fleurs Ce sont toutes des choses que les gens ne remarqueront peut-être pas dans votre illustration, mais ils peuvent certainement les ressentir même s'ils ne peuvent pas l'expliquer. Une autre astuce est de se rappeler que la couleur est relative. pic peut paraître plus rouge, être entouré de vert, plus pâle s'il est entouré de rouges. Il existe un excellent livre sur ce sujet intitulé The Interaction of Color de Joseph Albers Je suis sûr que vous avez déjà vu ces images où une couleur semble totalement différente selon ce qui se trouve à côté et vous jurez que ce sont des couleurs différentes, mais lorsque vous les placez côte à côte, elles sont vraiment identiques. C'est intéressant d'être une illustration plate comme celle-ci. Il faut encore beaucoup compte les tons clairs et foncés pour apporter un peu de cette forme , ce qui fait vraiment la différence entre un dessin ultra plat et un dessin qui donne un sens de la forme presque, à peine perceptible mais vraiment à peine perceptible mais vraiment important, et des morts. Nous pouvons nettoyer tous les détails de cette image. Ça a l'air bien. Nous avons beaucoup appris sur observation des choix de couleurs. Lorsque vous regardez travail d'autres artistes, vous pouvez maintenant vraiment penser aux différentes palettes qu'ils utilisent, lesquelles elles fonctionnent ensemble, et commencer à observer comment ils utilisent également leurs techniques de coloration. Vous remarquerez également que cette illustration se déroule probablement pendant la journée ou dans un endroit bien éclairé. Une expérience que vous pouvez faire consiste à intégrer tonalités majeures et mineures dont nous avons parlé plus tôt ainsi que toutes les différentes ambiances dont nous avons parlé avec des couleurs différentes Combinez-les et réfléchissez à la manière dont vous pouvez créer différentes ambiances dans cette image Par exemple, si je voulais qu'elle ait davantage l'impression de travailler au crépuscule. Elle travaille et il y a cette sensation vraiment magique. Ensuite, je pourrais expérimenter avec beaucoup plus de bleus et de violets. Il suffit de penser à différentes variations dans ce sens, de créer différentes palettes de couleurs, de jouer. Un excellent moyen de le faire si vous travaillez numériquement est de simplement enregistrer chaque couche, est de simplement enregistrer chaque couche puis d'ajuster la couleur à partir de là J'espère que c'était très intéressant et amusant à expérimenter et que vous avez beaucoup appris sur la couleur grâce à cet exercice. Lorsque vous vous sentirez prêt, retrouvons-nous dans la section récapitulative finale. 19. 4: Nous avons beaucoup appris ensemble dans ce cours. Vous avez maintenant un très bon point de départ comprendre cet aspect très important du dessin des fondations. Je vous encourage à continuer à explorer et expérimenter et à découvrir comment vous aimez travailler avec la couleur. Pour l'instant, voici un résumé de tout ce que nous avons appris ensemble. Nous avons commencé par parler de la perception des couleurs. Voir la couleur comme un artiste révèle tous ces mélanges nuancés de couleurs. La couleur est composée de la teinte, de la saturation et de la valeur. La température est un autre aspect important de la couleur. D'une manière générale, nous pouvons penser que lorsque vous vous dirigez davantage vers les rouges sur une roue chromatique, cela devient plus chaud, si vous vous dirigez davantage vers le bleu, cela devient plus froid, quelle que soit la teinte dont vous parlez. La couleur est la lumière réfléchie, et sans lumière, il n'y a pas de couleur. Cela nous aide à comprendre pourquoi nous observons tous les changements que nous observons lorsque vous regardez différents objets dans la lumière. L'étude de la couleur nous aide à remarquer ces changements subtils de teinte et valeur, ainsi que la lumière réfléchie et les illusions de couleur. Enfin, lorsque vous choisissez des palettes de couleurs, commencez par les garder simples, harmonieuses et adaptées à votre humeur. Il y a beaucoup d' émotions et de psychologie associées aux couleurs que l'on peut étudier. Lorsque vous serez prêt, passons à la partie suivante. Nous allons parler de portraits 20. Portraits 1 : Les bases de la tête et du visage: Bienvenue dans notre cours de portraits. Dessiner des portraits est quelque chose de très personnel et la plupart des gens veulent trouver leur propre style. Dans cette section, je vais vous présenter les connaissances de base que j'ai trouvées les plus importantes pour aborder la façon de dessiner des portraits, ainsi que les choses auxquelles je pense ces derniers temps lorsque je fais moi-même des études de portrait. Dessiner le visage et la figure humains englobe tout ce que nous avons appris jusqu'à présent. Aptitudes à dessiner par observation, à communiquer des formes par le biais de valeurs et à vraiment commencer à voir et comprendre comment appliquer de la couleur Dans cette section, nous allons également présenter une compréhension de base de l'anatomie et des mesures humaines standard afin que nous puissions compléter nos compétences en dessin d'observation par une compréhension de la construction sous-jacente Cela va également nous aider à apprendre à puiser dans notre imagination. Dessiner des portraits est un excellent moyen de perfectionner toutes vos compétences en dessin. C'est aussi quelque chose que la plupart des gens apprécient parce qu' il est très proche de notre expérience humaine. compréhension, c'est ce que vous allez apprendre dans ce cours, vous permettra de passer à l'étape suivante à mieux dessiner ce que vous voyez afin que ce processus soit encore plus agréable. Je vais aborder les proportions de base du visage, les repère du haut du corps et la construction de base des mains. Je vous donnerai également des ressources si vous souhaitez approfondir l' un d'entre eux. Nous allons commencer par notre tête et notre visage, car c'est généralement ce qui le plus intéressant à apprendre pour les gens en premier et c'est aussi l'un des plus difficiles. Lorsque les gens commencent à dessiner des visages, ils se concentrent vraiment sur le dessin d'un œil, et ils dessinent ce très grand visage, généralement sur une petite tête. Mais le fait de vraiment penser à notre tête en termes de formes que nous avons découvertes, à savoir la sphère, le cylindre, les colonnes, va vraiment nous aider à notre tête en tant que forme 3D, et à mieux voir les proportions et la façon dont les choses changent lorsque nous inclinons la tête. Penser à tout cela en termes de formes va vraiment aider, car souvent, lorsque les gens dessinent simplement un cercle pour représenter le visage, il est un peu plus difficile de communiquer ce que vous voulez vraiment Commencer par ce cercle de base , puis par une sorte de mâchoire en forme de V ou de triangle qui y est attachée , vous aidera en tant que point de départ Nous allons ensuite prendre la mesure de la tête, puis mesurer nos caractéristiques individuelles. Parlons donc de la construction de la tête et du visage à un niveau très élémentaire. Je suis sûr que vous avez déjà vu ces mannequins, et ils sont pratiques pour dessiner les différentes proportions du visage humain Mais je voudrais parler un peu ce que j'ai personnellement trouvé très utile lorsque j' étudie l'anatomie et façon dont je conçois le dessin du visage. Une chose que je trouve vraiment importante, c'est de penser aux formes dans l'espace. Vous pouvez donc considérer la tête comme une sphère, en gros, et il y a ce bouclier qui représente notre mâchoire et devant de la bouche Bien sûr, ces deux éléments ne sont pas tout à fait proportionnels, mais vous pouvez l'imaginer comme un bouclier recouvrant cette sphère ou une partie en forme d'œuf de votre crâne, puis vous pouvez penser que notre cou est ce cylindre, donc ce bouclier et cette sphère placés au sommet d'un cylindre En termes de construction proprement dite, je suis sûr que vous avez vu de nombreuses manières différentes de construire la tête. Je pense qu'il s'agit plus ou moins d'une forme ovale formée à partir de ce cercle supérieur avec la ligne de la mâchoire intégrée. Les mâchoires plus fines ont tendance à représenter des traits féminins tandis que les mâchoires plus larges ont tendance à représenter des Mais il s'agit vraiment de commencer à observer différentes personnes et de voir comment vous aimez dessiner des mâchoires Mais vous pouvez l' imaginer comme sortant des tempes et se rejoignant ensuite soit sous une forme pointue en bas, soit sous une forme plus large, un peu plus arrondie. Vous pouvez jouer avec toutes ces formes différentes pour la mâchoire. Maintenant, je vais juste commencer à remplir ces formes avec un peu de couleur maintenant que vous avez vu les lignes de construction de base. J'ai donc la forme de ma tête. Et le cou sort du dessous du crâne, mais il est important de s'assurer qu'il n'est pas trop fin. Pour les femmes, il a tendance à se situer un peu entre le menton et partie externe de la mâchoire, tandis que pour les hommes, il se situe un peu plus près de l' extrémité de la Ensuite, pour ce qui est de commencer à placer les traits du visage, le tour de tête est le moyen le plus courant mesurer les proportions de la silhouette. Il s'agit donc un mesure-tête et à l'intérieur de ce mesure-tête se trouvent plusieurs points de repère importants, mesure-tête se trouvent plusieurs points de repère importants afin que vous puissiez commencer à avoir un point de départ. Nous avons donc ce point à mi-chemin pour vos yeux, puis c'est juste le point à mi-chemin entre le bout du sommet de votre tête et votre menton, puis le point à mi-chemin entre vos yeux et votre menton sera le bas de votre nez J'ai donc mis ça comme un quart. Nous pouvons également penser qu'il s'agit d' une autre moitié de la moitié, puis entre le nez et le menton, et autre moitié ou un huitième passe par le bas de votre bouche Une autre mesure utile consiste à garder à l'esprit que les oreilles ont tendance à se situer entre le bas du nez et le haut des yeux Ensuite, pour placer quelques traits supplémentaires, nous commençons à regarder la racine des cheveux Pensez donc que le haut du visage se trouve en haut de la tête, puis divisez-le en trois. Donc, le tiers supérieur correspond à endroit où se trouve votre front, et le tiers inférieur à l'endroit où se trouve le bas de votre nez, et il s'aligne parfaitement avec quart de marque que nous avons créé pour le bas du C'est donc une bonne façon de vérifier où se trouve généralement le bas de votre nez Ce sont donc les mesures horizontales, mais il existe également de bonnes mesures standard verticales qui sont utiles pour utiliser certaines de ces fonctionnalités d'un point de vue vertical. Les yeux ont donc tendance à être espacés d'environ une autre largeur. Donc je dessine juste à la largeur des yeux. Les bords du nez ont tendance à tomber juste autour des coins des yeux. Certaines personnes sont un peu plus étroites, un peu plus larges, puis le bord de la bouche a tendance à se situer entre le coin des yeux et ensuite le bord intérieur de la pupille Donc un peu plus loin de ton nez. Je trouve que toutes ces mesures sont très utiles à garder à l'esprit. Donc, juste pour vérifier, nous avons la largeur des yeux à laquelle nous faisons face aux mesures du visage. L'arête nasale située tout en haut du nez a tendance à se situer entre l'œil et le sourcil Le point médian est un endroit sûr, mais je trouve parfois que certains ponts se trouvent juste entre les yeux La largeur du nez, encore une fois, correspond à peu près à la taille ou à la largeur d'un œil, et la largeur de la bouche est légèrement plus longue. Encore une fois, c'est quelque chose avec lequel vous pouvez jouer parce que différentes personnes ont des bouches de tailles différentes Mais je trouve qu'une mesure confortable a tendance à se situer juste entre le coin intérieur et la partie intérieure de la pupille Ce sont donc vos mensurations de base lorsque vous regardez directement un visage. Parlons maintenant de ces mêmes mesures à partir d'une vue de profil. À partir d'un profil, encore une fois, il est utile de commencer par le cercle. J'ai tendance à trouver qu' en fait, nos crânes sont un peu plus ovoïdes que des formes ovales Donc, si vous le souhaitez, vous pouvez ajouter une petite bosse à l'extérieur du cercle, mais le cercle est un bon point de départ . Ensuite, vous avez la mâchoire, qui se connecte juste devant le bas de l'oreille Et bien sûr, nos visages ne sont pas si plats. s'agit donc simplement de mesurer la ligne droite qui descend le long de votre visage, sans tenir compte de votre nez et de votre bouche, mais nous pouvons la placer dans les formes qui sortent. Encore une fois, nous voyons la marque à mi-chemin avec les yeux, les oreilles entre les yeux et le bas du nez, c' est-à-dire à mi-chemin entre les yeux et le bas du menton, puis le bas de la bouche entre la marque du coin et le Encore une fois, je vais simplement colorier ces formes afin que nous puissions commencer à les visualiser en termes de notre ovale posé sur le dessus du cylindre du cou. Ensuite, j'ai commencé à placer des formes très basiques pour indiquer où se situent toutes les entités. Cette carte est déjà très utile. J'ai donc cette barre essentiellement pour mes sourcils , puis ces petites formes ovales pour mes yeux. Une forme triangulaire pour le nez qui sort, puis une forme de cœur pour les lèvres. Et il est tout simplement important d' étudier les gens à partir de la vie réelle ou à partir de photos. Vous allez commencer à voir ce rythme du visage. C'est donc la tête de profil. Parlons maintenant rapidement de la tête inclinée. Encore une fois, nous voulons réfléchir à nos formes dans l'espace, et c'est pourquoi il nous a été si utile réfléchir à la sphère, au cône et au cube dans l'espace lors de notre premier cours ensemble. Il est donc également très utile de mettre tout cela en perspective, car vous pouvez alors vraiment commencer à vous demander, d'accord, si mon visage était là sur cette sphère et que j' incline cette sphère, comment cela affectera-t-il les différentes caractéristiques que j'ai placées sur la sphère. Bien entendu, elles sont déformées le bon angle de perspective Vous devez donc simplement commencer à visualiser si cette sphère tourne dans l'espace et regarde vers le bas, puis vous allez devoir incliner toutes ces caractéristiques en même temps. J'ai donc placé à nouveau dans mon collimateur la ligne de base de mes yeux et le centre de ma tête, juste pour que je puisse commencer à visualiser cette inclinaison, puis inscrivons les mêmes mesures au-dessus de l' Voici donc notre position du haut de la tête au menton. Encore une fois, pensez à l'endroit où se trouve le haut de la tête sur une sphère. Ce n'est pas au bord du cercle que nous avons dessiné, il va être au milieu, puis le menton est toujours en bas, mais maintenant il forme un angle. Ainsi, lorsque nous commençons à placer notre mesureur oculaire, notre tour de nez et notre tour de bouche, ceux-ci doivent être légèrement plus inclinés sur l'axe vertical afin qu'ils commencent à descendre plus bas lorsque la tête est inclinée Donc, évidemment, nous l'avons simplement dessiné tel qu'il semble droit, puis il ne semblera pas que la tête regarde vers le bas. J'ai donc à nouveau placé ces fonctionnalités sur la base de cette mesure. Les yeux suivent donc cette courbe, nous regardons vers le bas, puis nous avons le nez Si vous le considérez comme un cône pointant vers le bas ou comme une pyramide, il recouvre en fait l'endroit où le bas du nez repose sur le visage, le bout de votre nez va le recouvrir Ainsi, le bas de votre nez se trouvera en fait un peu en dessous de l'endroit où vous pourriez voir le bout de votre nez. Et il en va de même pour la bouche, le menton va paraître plus petit parce qu'il s' incline maintenant de loin et vers le bas par rapport à votre champ de vision Tout cela vise donc à vraiment souligner que nous voulons considérer notre visage comme une forme qui se trouve dans l'espace et qui s' incline vers le bas ou vers le haut en fonction direction dans laquelle regarde votre personnage [inaudible] ou à placer dans certains éléments sans les mesures et je pense vraiment à façon dont cela se trouve sur le dessus d'une forme J'ai mis cette racine de cheveux et elle s'enroule vraiment autour de la sphère de la tête Quand je commence à penser aux cheveux, je repense encore à l'emballage d'un formulaire. Même si mon style est très plat, vous pouvez toujours exprimer la façon dont les choses enroulent comme une simple courbe, comme la façon dont ses cheveux tournent autour ses oreilles et voici la partie arrière de ses cheveux, et vous pouvez également le voir sur l'image de démonstration de notre classe, car la façon dont ses cheveux se courbent sur son front indique vraiment comment ils s' enroulent autour de sa forme. Ensuite, vous pouvez jouer avec différentes coiffures et essayer d'ajouter une couche sur le devant et vous pouvez commencer à voir comment cela affecte la sensation de profondeur Ici, j'avais juste ce brun plus clair qui montre qu'il est devant son visage et que je couvre ses oreilles Vous pouvez simplement expérimenter différentes coiffures à partir d'ici Vue de profil, c'est une idée similaire avoir cette postiche dans le dos qui est dans l'ombre, donc elle est un peu plus foncée, puis la pièce sur le devant, où je la mets sur son oreille, qui est un peu plus claire, afin que nous puissions recommencer à sentir cette profondeur depuis la vue latérale. En ce qui concerne les cheveux, il faut vraiment les considérer comme un morceau de tissu presque de notre forme qui s'enroule autour de la forme de la sphère de la tête , ce n'est pas comme dessiner de petites mèches de cheveux. Un autre élément anatomique utile à connaître est que nous avons souvent tendance à dessiner le cou sous la forme de courbes inclinées ou simplement comme un cylindre droit de haut en bas lorsqu'il s'agit d'une combinaison Donc, selon notre anatomie, notre cou ressemble davantage à un cylindre, puis nous avons ces muscles trapèzes qui forme d'un triangle et forment le début de notre cou et de nos épaules Ici, je fais juste une démonstration très rapide de la structure squelettique de base de la structure squelettique de base de la tête. Nous avons notre crâne, qui ressemble Nous avons notre crâne, davantage à un œuf, comme je l'ai mentionné, nous avons l'os de notre mâchoire qui se connecte juste en dessous du conduit auditif, qui se trouve au milieu de tout cela, et enfin la moelle épinière, le crâne à sa base, dans le dos. Il s'agit donc d'une connaissance très simple qui peut commencer à vous aider à visualiser le fonctionnement sous-jacent d'une tête Et l'avantage, c'est que lorsque vous voulez créer votre propre pose dans votre propre tête, vous comprenez simplement pourquoi certaines choses sont inclinées ou comment voir les choses en perspective. Si vous étudiez uniquement à partir, par exemple, d'une étude réelle ou d'une photographie, il n'est pas aussi important que vous connaissiez la structure squelettique sous-jacente. Mais il est tout de même utile d'avoir connaissances, car cela permettra de combler ces connaissances, car cela permettra de combler certaines des lacunes visuelles et illusions dont nous parlons depuis tout ce temps. Il s'agit donc de la tête et du visage à un niveau très élémentaire, en les regardant de face et profil sous différents angles. Je recommande donc de prendre le temps de pratiquer vous-même certaines de ces mesures. Peut-être créez vos propres graphiques et ensuite nous pourrons passer au haut du corps. 21. Portraits 2 : Les bases du haut du corps et des mains: Parlons maintenant des proportions de base du haut du corps. Bien entendu, nous avons le chiffre complet et cela peut être ventilé selon nos mensurations habituelles de la tête. Un très haut niveau, je veux juste vous montrer à quoi cela ressemble. Une personne moyenne a tendance à avoir 7 à 8 mesures de la tête et, bien entendu, nous avons ces mannequins qui peuvent également vous montrer ces proportions Pour ce cours en particulier, je veux me concentrer sur les portraits et me concentrer uniquement sur le haut du corps. Nous examinons les trois premières mesures de la tête, partant de la calotte jusqu'au menton, en passant par la poitrine et la taille. L'utilisation de la tête comme mesure est une méthode très courante pour établir des proportions humaines. Il existe également d'autres moyens de le faire, mais je trouve que la tête est l'une des plus utiles et celle à laquelle je pense le plus. Regardons de plus près le haut du corps. J'ai configuré sa pose pour qu'elle reflète quelque peu notre illustration de héros afin que vous puissiez voir un par exemple. Une autre mesure utile est placer la taille juste autour de votre coude. Même si vous voulez prendre un moment pour serrer vos coudes et voir où ils tombent le long de votre corps, vous verrez que ces deux points de repère constituent une autre mesure utile Maintenant, quand nous commençons à réfléchir à la forme de notre torse. Pour les femmes, nous avons tendance à les considérer comme un ovale ou un rectangle légèrement plus étroit pour les hommes, nous avons tendance à avoir des épaules plus larges. Je vais m'en tenir à la figure féminine et nous avons tendance à mesurer la largeur des épaules à environ une hauteur de tête et demie Je ne le fais pas toujours à une heure précise , comme je mesure un mètre et demi, mais je m'assure simplement de garder cette silhouette générale, c'est-à-dire la façon dont l'angle entre la tête les épaules descend Gardez simplement à l'esprit qu' au-dessus des épaules, nous pouvons considérer les articulations des épaules comme ces deux formes ovales. Nous avons notre cou, puis les muscles trapèzes qui sortent presque comme un Il ne s'agit pas d'un angle droit de haut en bas de 90 degrés entre notre cou et nos épaules. Du point de vue de nos épaules, il est utile de penser à notre torse et à cette forme trapézoïdale Dans ce cas, la tête est une bonne mesure pour quelques parties plus importantes du corps. haut du bras et le bas du bras ont tendance à mesurer environ une longueur de tête , puis, entre l'arrière du poignet et le bout de nos mains, ils ont tendance à avoir une longueur de tête d'une autre longueur. Vous pouvez également vérifier toutes ces mesures sur vous-même. Il est utile de penser à tous ces points de repère fondamentaux du haut du corps en termes de ces ovales articulaires reliés par des cylindres, des coins et des trapèzes Ce sont les bases du haut de son corps. Mais regardons les mains de plus près. Ici, j'ai créé un modèle très simple pour commencer à penser aux mains. Encore une fois, nous utilisons la tête comme mesure et ce qui est vraiment utile en termes de proportions, c'est que nous pouvons penser que notre main mesure à peu près la hauteur de notre visage. Pas du haut de la tête au menton, mais de la racine des cheveux au menton Encore une fois, bien sûr, tout le monde a mains de tailles différentes et c'est le point de départ C'est un excellent moyen de disposer d'un outil de mesure pour leur donner une apparence au moins généralement correcte. Pensons maintenant au dos et au devant de nos mains. Ici, j'ai utilisé trois valeurs différentes pour que nous puissions voir clairement chaque partie principale et je l' ai présentée avec une vue arrière montrant où se trouvent les articulations et montrant un peu le bout des Il y a ce mouvement entre notre index et nos pouces. Ensuite, sur les doigts eux-mêmes, vous pouvez également le décomposer en deux mesures. Environ la moitié de votre majeur , puis vous pouvez remarquer que votre petit doigt commence près du milieu de votre majeur. C'est donc un bon moyen de suivre l'apparence de l'arche naturelle Une autre chose que je trouve importante à garder à l'esprit, c'est que nos articulations sont plus enfoncées dans notre paume qu'on ne le pense souvent Certaines personnes ont tendance à dessiner leurs articulations sur le bord de la paume, mais c'est un peu plus profond si vous regardez votre Ensuite, de l'autre côté, il y a ce muscle de forme ovale ou presque en forme d'œuf que nous avons devant la paume Nous avons nos trois sections principales. Nous avons les doigts, la paume, puis la zone du pouce. Nous pouvons également le décomposer en deux mesures. première est la longueur des doigts, puisque nous mesurons à peu près la longueur de votre paume, donc cela fait un et deux. ce qui est de la forme de nos mains, vous pouvez vraiment penser à la paume comme cette forme de coin rectangulaire pliable Quand vous le regardez depuis le profil, vous pouvez vraiment les imaginer comme la forme d' un butoir de porte à plateforme Ensuite, cette forme de pouce très souple, comme cet œuf qui peut enrouler sur le devant ou sortir sur le côté , puis ce muscle qui descend le long du pouce peut être un très bon point de repère à insérer Commencer à décomposer ses mains en formes est très utile si nous commençons à y réfléchir dans l'espace. Tout comme je parlais de la tête la sphère, du cylindre et de la mâchoire, notre main peut également être décomposée en ces formes constructives. J'ai essentiellement la forme de coin dont je parlais pour la paume. Nous avons une pièce pour le pouce au niveau de l'articulation du pouce, puis les trois sections des doigts individuels, soit deux articulations qui se plient Le simple fait de garder cela à l'esprit vous aidera à penser à la main beaucoup plus clairement. Eh bien, si je voulais tourner ma main sur le côté, à quoi cela ressemblerait-il et commencer à visualiser comment ces formes commencent à se chevaucher, comment cette forme de coin peut commencer à se plier et comment nous superposons légèrement les doigts Puis avec un poing et imaginez-le presque comme un rocher au début. Vous avez ces côtés de votre poing qui ressemblent beaucoup à une pierre. Mais il faut aussi penser aux formes dont nous avons parlé. Vous avez donc cette forme de coin, Vous avez donc cette forme de coin puis les trois cylindres de vos doigts s' enfoncent dedans, puis votre poing s'enroule autour J'ai reproduit le crayon qui tient le poing dans notre illustration et je commence tout juste à décomposer en fonction de son apparence Si nous regardions entre les doigts et que nous voyions le bord du coin de la paume, nous verrions le pouce en forme d'œuf dans le dos, puis nous verrions le dessus de nos doigts se courber vers Enfin, je voudrais juste parler rapidement des vêtements sur le corps. Lorsque vous séchez des vêtements, pensez à envelopper la forme du corps. C'est très important, même si vous dessinez dans un style très plat comme le mien. Quand tu portes des vêtements comme si tu tournais autour du cou, c'est très similaire à ce je parlais pour les cheveux. Vous devez le considérer comme cette forme qui enveloppe la sphère de la tête. Vous devez penser que les vêtements recouvrent réellement la forme 3D, même si vous ne donnez qu'un aspect très plat Si vous pensez, par exemple, à la manche ici, façon dont elle s' enroule autour de l'avant-bras et transmet réellement cette forme Même chose avec le coude de l'autre côté. Ces différences très subtiles par rapport au simple fait de tracer une ligne très droite sont très importantes pour commencer à faire évoluer vos compétences en dessin d'une matière basée sur la réalité puis stylisée par rapport à une activité qui ne repose pas sur une compréhension approfondie de l'anatomie de base Ensuite, en termes de conversion d'une certaine force en valeurs très simples, cela peut faire une énorme différence Même dans ce cas, je n'ai que deux valeurs, mais il y a un surlignage et une ombre, ce qui contribue à mais il y a un surlignage et une ombre, ce qui contribue à apporter un peu plus de réalisme à l'illustration. Si vous le souhaitez, je vous recommande prendre le temps de créer votre propre carte des points de repère et des mesures de base du haut du corps et la combiner avec ceux de la tête que nous avons fait plus tôt. Lorsque vous serez prêt, passons à la section suivante où je vais montrer comment j'aime faire une étude de portrait. 22. Portraits 3 : démonstration d'étude de portrait: En fait, j'ai trouvé cette photo de référence sur Unsplash qui est très proche de la pose que j'ai créée pour l' illustration de notre projet de classe Je pense que c'est un bon exemple pour vous montrer à quel point j'aime faire des études photographiques pour des portraits en dessin de figures, quoi je pense en les faisant et comment j'ai tendance à les styliser. Allons-y. J'ai la grille ici, juste pour revenir à notre premier cours et vous faire une démonstration de ce que c'est que de pouvoir dessiner avec une grille. Je viens de diviser cette photo en deux et d'avoir ma référence photo sur le côté et un dessin juste à côté pour pouvoir effectuer une mesure directe une par une Cela va être utile pour commencer à placer les points de repère généraux. Encore une fois, nous sommes en train de nous concentrer, nos techniques de dessin d'observation visaient simplement à intégrer une partie du dessin constructif dont nous avons parlé avec nos formes et nos formes Je vais commencer par la forme ovale de son visage et descendre jusqu'à son menton. Puis elle a commencé à se bloquer dans la forme de ses cheveux. Vous pouvez entrer et commencer à placer une croix très simple sur son visage pour commencer à placer son contour des yeux, le centre de son visage et la façon dont sa tête s' incline dans l'espace Je pense également à la forme de sa tête dans l'espace. Vous pouvez penser à la sphère et à sa mâchoire qui reposent à l'intérieur d' une boîte et à la façon dont cette boîte flotte dans l'espace et prend de la place. Vous pouvez voir qu'elle est inclinée vers notre droite, sa gauche, puis son visage n'est pas tout à fait droit sur la caméra, mais légèrement décalé sur le côté Ensuite, elle pose sa main sur son visage Je vais donc commencer à lui donner très basique rectangulaire très basique de bloc cunéiforme dont je parlais plus tôt et aussi ce cylindre qui se fixe sur le haut de son bras Ce qui est utile dans cette approche par rapport à simple observation de points de repère et de tous les angles dont nous avons parlé plus tôt, c'est que pour certaines personnes, il est encore très difficile de voir ce qui s'y trouve réellement parce que nous avons un tel biais en faveur de ce que nous voulons voir et de ce que nous pensons devoir y figurer C'est pourquoi parfois, lorsque les gens essaient de dessiner une main en perspective, c'est si difficile parce qu'ils veulent vraiment dessiner ce à quoi ils pensent que la main devrait ressembler et non ce qui s'y trouve réellement. Lorsque vous commencez à le considérer comme des formes, des formes et de l'espace, et que vous le décomposez vraiment comme des formes, des formes et de l'espace, et que vous le décomposez en différentes perspectives, cela peut vraiment nous aider à voir plus précisément. Ces deux approches vont vraiment de pair et s' entraident. Ici, je regarde à la fois les points de repère et la position ses doigts et de ses mains par rapport à la grille, mais je dessine également les formes afin vraiment réfléchir à la façon dont cela est construit. J'ai la forme mouillée de sa main, petits cylindres pour ses doigts, cylindres pour le haut de son bras, un peu de ses vêtements placés dedans comme points de repère. Maintenant, je vais regarder la forme cylindrique de son cou et commencer à la placer dedans. Je regarde les lignes et l' endroit où elles atterrissent pour ses vêtements maintenant, mets cette épaule, en essayant de garder le geste à l'esprit également. Au tout début, vous devez vous demander, par exemple, quelle est la pose ici ce que vous aimez et comment vous pouvez continuer à garder ce sens du geste dans votre bureau, puis, bien sûr pour son autre bras, une autre forme cylindrique. Revenons ensuite un peu aux détails de ses vêtements. Ces types de photos sont vraiment parfaits pour étudier les plis du tissu, quelle inclure ce que vous voulez transmettre, sans entrer dans les moindres détails, à moins que sans entrer dans les moindres détails vous ne préfériez un rendu vraiment haut de gamme. Ensuite, il suffit de remplir l'autre côté de sa veste. Comme nous avions déjà le blocage de base de notre portrait ici, je vais juste y mettre un peu de valeur pour montrer la forme de ses cheveux. Ensuite, j'entre et j'essaie de faire plus attention aux tenants et aux aboutissants de son visage. Comme je l'ai mentionné dans la section sur les mesures du visage et les points de repère, votre visage présente une vague qui et sort du front vers les orbites, le nez et les pommettes, puis redescend au-dessus de vos lèvres et de votre Ces variations subtiles font vraiment une énorme différence dans la transmission des structures faciales d'une personne Ici, je le fais toujours dans mon dessin, donc si c' est le cas, vous pensez que c'est vraiment utile, surtout pour un débutant de commencer à placer les mesures selon les mesures que nous avons apprises, dont nous avons parlé et à réfléchir à la façon dont elles se situent sur ce plan de notre visage d'études de portrait. Je l'ai mis à moitié pour son contour des yeux. Je mesure les tiers à partir de son visage pour connaître son front et la position générale de son nez et de sa bouche. Je vais juste coller ces formes très simples pour voir où vont ses yeux, son nez et sa bouche. Le visage comporte tellement de détails, mais les mêmes techniques de dessin observationnel s'appliquent ici heure actuelle, je peux voir que le bord intérieur de sa pupille s'aligne avec la partie intérieure de sa bouche, le haut de son revers et le poignet de son bras gauche On dirait que c'est le bon côté pour nous. Ensuite, à quelle distance se trouve la paume et à quelle distance elle se trouve de l'autre côté de son visage. Il s'agit d'un va-et-vient constant qui consiste à noter vos différents points de repère, noter vos proportions et la façon dont tout est lié les uns aux autres. Je commence à donner un peu de détails sur ses traits, juste pour commencer à donner une partie de cette forme de son nez qui sort, en continuant à penser à ce genre de cône pyramidal. Nous avons l'avion en haut qui est un peu plus éclairé et les deux côtés qui sont dans l'ombre. Avec les lèvres, on peut vraiment entrer dans sa structure. Mais pour ce qui nous intéresse, je préfère m'en tenir à deux valeurs plus ou moins, peut-être trois avec le milieu ou la partie la plus foncée de la bouche. Mais commencer par une forme de cœur, comme une forme de cœur large, est un bon point de départ pour la mise en bouche. J'aime beaucoup ses sourcils forts, donc je vais m'en tenir à ça Ensuite, pour les yeux, j' aime personnellement faire un œil simplifié, je ne préfère pas personnellement un portrait vraiment réaliste. Lorsque je fais des études de portrait, c'est le niveau de détail des yeux que j'aime faire. Lorsque je fais des études de portrait, elles sont généralement un peu plus compliquées que la façon dont je finis par dessiner des personnages dans mes propres œuvres. J'aime le look plus simplifié parce que j'ai tendance à dessiner sur ces formes graphiques très simples, et si j'ai cette personne très bien rendue, cela ne me convient tout simplement pas. Mais en faisant ces études, je trouve vraiment que savoir où je veux ajouter et soustraire des détails est très utile pour pouvoir adapter mon style à ce que je veux et ne pas me contenter de me limiter à ce que je peux et ne peux pas dessiner je dirais qu'à ce stade les éléments les plus importants à prendre en compte sont la forme des cheveux, car je retransmets vraiment la forme de la tête et je crée souvent un fort contraste avec les mâchoires et le front Ensuite, bien sûr, les traits du visage, mais le plus important, c'est cette ombre sous la tête et sur le cou. Je trouve que cela définit et clarifie vraiment la position des formulaires les uns par rapport aux autres À ce stade, nous n'en sommes encore qu'à la section sur la ligne, la forme et le volume de ce que nous avons appris en classe jusqu'à présent. C'est pourquoi je pense que l'apprentissage de la valeur et forme est si important, car il est vraiment difficile de voir ces bases sous-jacentes invisibles de bons dessins entrer directement en couleur. Même si je sais que ce n'est pas aussi intéressant, c'est vraiment très important. Ici, je me concentre uniquement sur la façon dont les ombres et tous les changements de forme qui entourent son corps et indiquent ensuite les plis de ses vêtements. C'est vraiment utile de communiquer ce qui se passe. Encore une fois, c'est vraiment le bon moment pour vérifier votre geste. Bien souvent, lorsque je fais ces études et que je fais le nécessaire, je trouve que les choses commencent à devenir un peu raides. simple fait d'ajouter quelques flèches m' aidera à garder à l'esprit que je veux conserver ce que j' aime dans le geste de cette pose. Pour l'instant, je vais commencer à apporter de la couleur. Je vais travailler avec cinq valeurs. Ce que j'aime dans le fait de commencer par ces cinq valeurs, c' est que cela me donne ces cinq valeurs, c' est que cela me donne un point de départ pour mettre mes tons les plus foncés, mes tons, puis mes tons clairs, et cela finit généralement par se produire, c'est que pour chacune de ces valeurs, j'en choisirai une autre, comme une version plus claire et une version plus foncée de cette couleur pour qu' et je peux contrôler dans quelle mesure je veux qu'il soit plat plutôt qu'un peu plus rendu. J'ai actuellement mon dessin de base autour de la couleur à quatre valeurs, et je vais utiliser une troisième couleur et commencer à créer un peu plus de formes Je vais commencer par son menton parce que je trouve que l'ombrage et la transmission de la forme de l'extérieur du visage sont très importants, même dans un Bien sûr, sur notre photo de référence, elle a beaucoup de lumières et d' ombres différentes de celles de son environnement, mais je me concentre vraiment sur ce qui communique réellement la forme de son visage. Je ne vais pas copier ou étudier la lumière de cette photo en particulier, je vais juste regarder à quoi elle pourrait ressembler avec cette lumière environnante normale. Vous verrez que lorsque vous commencerez à intégrer les valeurs du visage, cela fait vraiment une énorme différence. Plus vous ajouterez de valeurs, plus le résultat sera réaliste, comme nous l'avons dit dans les catégories Valley et Form. simple fait d'entrer la deuxième valeur fait déjà une énorme différence pour ce qui est de voir comment l'espace situé sous les sourcils s'infiltre, comment le nez commence à sortir et remonte dans le visage Je repense à l'inclinaison de sa tête et à la façon de transmettre la façon dont votre visage commence à se plier, s' incliner loin de votre champ de vision, comme une sphère pénétrant dans le fond de l'espace, et à être capable de le transmettre de manière à ce que le visage reste plat tout en conservant une forme plus réaliste. Je l'ajuste un peu car il s'est avéré être un peu rose. Je l'ai fait un peu plus orange. Ensuite, je choisis cette couleur verte, qui complète bien sa couleur de peau, mais qui ressemble également à notre dessin de projet de classe, donc c'est une bonne référence. J'y vais juste d' un ton bémol pour l'instant. Vous pouvez collecter à la fois au-dessus ou derrière vos lignes. Je recommande vivement de le conserver sur couches séparées afin de pouvoir le déplacer comme vous le souhaitez. Pour ce type d'étude, c'est bien de ne pas m'en tenir compte , car je peux alors utiliser les lignes selon mes besoins. Si j'essayais de le finaliser pour, par exemple, une impression, je le nettoierais certainement Je vais juste en mettre un peu, on dirait une malle sur laquelle elle repose pour ancrer un peu ce portrait. Je vais commencer par utiliser notre valeur la plus foncée afin que nous puissions définir encore plus notre forme. Vous pouvez donc voir sur les photos de référence qu'il y un très fort contraste entre la couleur foncée de ses cheveux et sa peau. Ainsi, même si nous ne faisons pas une étude individuelle sur l' apparence exacte de son portrait, nous pouvons en apporter une partie ici. Au fur et à mesure que vous serez plus à l'aise avec ce type d'études, vous pourrez commencer à expérimenter en cours de route. Vous pouvez, par exemple, changer complètement ses cheveux, peut-être lui donner des traits du visage très différents et simplement garder la pose. Mais pour l'instant, j'essaie de trouver un juste milieu Je ne copie pas le portrait exactement comme s'il s'agissait d'un portrait réaliste avec un rendu élevé et je suis mesure de pratiquer davantage mon style, tout en m'en tenant plus ou moins aux principaux éléments du dessin afin que nous puissions nous assurer que c'est l'objectif de notre étude. Maintenant, je peux également entrer et commencer à détailler certaines de nos fonctionnalités. J'utilise donc à la fois la couleur foncée, mais aussi une couleur plus claire pour commencer à faire ressortir le blanc de ses yeux. Vous remarquerez vraiment que pour la plupart des gens, le blanc de ses yeux n'est pas vraiment blanc, il est juste un peu plus clair que la couleur de notre peau d'habitude. Vous pouvez faire entrer beaucoup d' ombre car, bien entendu, vos paupières projettent ces ombres sur les globes oculaires rendu du visage peut être un travail très fastidieux, mais c'est aussi très beau Prenez donc votre temps pour profiter de la pratique. Cela va commencer un peu dur, mais vous serez en mesure de vous rapprocher de plus en plus de la façon dont vous voulez dessiner les gens au fur et à mesure que vous vous entraînez, en conservant toutes ces différentes techniques, anatomies , constructions, formes et espaces dont nous avons parlé ensemble Maintenant, je joue avec plus de couleurs roses pour lui donner de la couleur sur les joues C'est un bon exemple de la façon dont je commence à m'éloigner de la référence photo C'est ainsi que j'aime dessiner les gens. C'est quelque chose que vous pouvez expérimenter de nombreuses fois en observant d' autres artistes que vous aimez et comment ils interprètent les gens. Vous finissez par choisir et sélectionner différentes choses provenant de différents artistes ou simplement de différents styles et les réunir dans votre propre style. Je vais juste éclaircir un peu les lèvres. Voici un bon exemple d'un changement très subtil des valeurs de cette couleur rose pêche que j'ai sélectionnée et commence à montrer cette forme de lèvre Donc, en ajoutant un peu d'ombre au bas de chaque portion, réfléchissant vraiment à ces petites formes de coussin, vous pouvez vraiment commencer à transmettre le mouvement des lèvres, même s'il s'agit d'un style plat. Je peux utiliser cette troisième valeur pour indiquer le milieu de la bouche. Ensuite, placez l' ombre sous la lèvre inférieure pour montrer également cette forme. Maintenant, je vais juste commencer à intégrer certaines des valeurs que j'ai créées dans le bras. Continuer à le considérer comme une forme cylindrique. Ses doigts, bien sûr, sont aussi de minuscules cylindres. Nous pouvons vraiment commencer à apporter certains de ces détails, voire plus. Il y a des changements très subtils que vous ne remarquerez peut-être pas au premier coup d'œil, comme le fait de mettre cette couleur pêche légèrement plus foncée sur son visage, sur le côté de son visage le plus éloigné de nous. Encore plus dans l'ombre. Ajouter cela fait pour moi une différence significative, même si cela ne se remarque pas tout de suite. Il y a beaucoup de choses que je ressens dans le dessin que vous ne remarquerez peut-être pas techniquement et que vous ne pourriez pas extraire, mais sans cela, vous sentez vraiment que cela fait une différence. C'est là que je pense vraiment que les bases du dessin entrent en jeu, en termes de capacité à faire passer votre technique de débutant à un style de base plus établi et plus solide. Il ne nous reste plus qu' à y entrer et à apporter la touche finale en utilisant l'obscurité la plus foncée C'est comme du dessin au trait, mais il faut vraiment réfléchir à l'endroit où placer le dessin au trait en fonction de l'endroit où se trouvent nos ombres pour transmettre cette forme. Cela m'a pris beaucoup de temps à comprendre parce que je savais que j' aimais ce style où les lignes ne sont pas simplement un contour complet autour de l'objet ou du personnage. Mais je devais vraiment comprendre les bases du dessin pour pouvoir apprécier ou comprendre comment les artistes savaient où placer les lignes au départ. C'est un autre excellent exemple de la façon dont vous pourriez penser que, bien sûr, cela semble être une phrase très simple et que c'est peut-être l' artiste simplement intuitif, mais non, elle est toujours basée sur des connaissances fondamentales Dans cette dernière étape, je recommence vraiment à réfléchir au geste . Lorsque je commence à saisir ces points forts, j'essaie d'exagérer certains mouvements J'adore la façon dont l'épaule remonte sur le côté droit et j'utilise peut-être même le revers pour exprimer un peu ce geste C'est un moment fort, mais c'est aussi une question de geste. peux mettre un peu plus de vert foncé si je veux faire ressortir les vêtements portés, mais j'aime aussi le style super plat des vêtements. Quelques conseils supplémentaires consistent à appliquer certaines de vos couleurs à des zones auxquelles vous ne vous attendez pas, par vos couleurs à des zones auxquelles vous ne vous attendez pas, exemple en ajoutant du vert à certains détails et de la pêche à ses cheveux, cela vous aidera vraiment à unifier votre palette de couleurs dans votre dessin Mettons un peu de cette pêche sur sa veste verte. Ensuite, je vais mettre un peu de vert sur son visage. Ces détails très subtils, encore une fois, aident vraiment à tout rassembler , même si vous ne le remarquez pas, vous le remarquez inconsciemment Je vais donc faire le dernier nettoyage et les détails, et c'est à peu près terminé avec mon dessin de portrait Si vous le souhaitez, vous pouvez également y ajouter une partie de l'environnement. Je veux juste vous montrer rapidement avec ce pinceau en schiste quel point il est possible de créer certaines de ces très belles formes de feuilles Bien sûr, vous voulez ajouter un peu plus de valeur, mais je le réduis simplement et j' utilise la pression du stylo pour créer ces formes de feuilles de palmier Il s'agit de notre étude de portrait terminée, une étude stylisée, mais toujours très fidèle à de nombreux éléments de cette photographie Vous pouvez commencer à vraiment comprendre comment prendre une photo et l' utiliser pour étudier tous les concepts que nous avons appris à partir des lignes et des formes et de la valeur jusqu'à la couleur et à l' anatomie Nous allons maintenant commencer à nous intéresser à la composition. Mais d'abord, retrouvons-nous dans la section suivante, où nous allons parler un peu plus façon de mettre cela en pratique dans notre projet de classe 23. Portraits 4 : Projet de classe Partie IV: Nous en sommes enfin à la partie consacrée aux projets de classe de cette section et nous revenons à notre illustration de héros qui a ancré tout ce que nous avons appris jusqu'à présent Bien entendu, nous avons déjà réalisé le dessin d'observation au trait et l'étude des couleurs d'un personnage et de la scène Pour cette section, nous allons vraiment nous concentrer sur l'une d'entre elles, en observant la construction de la façon dont il est créé, en combinant l'anatomie et les mesures que nous venons apprendre grâce à nos techniques de dessin observationnel Ensuite, je vais vous encourager à créer votre propre version pour commencer à voir comment vous pouvez puiser dans votre imagination et utiliser ces mesures standard pour créer vos propres personnages. commencer, je vous encourage à placer les points de repère sur le visage et le corps du personnage et à les comparer avec votre dessin de référence, maintenant que vous avez une compréhension de base des mesures standard et de l' anatomie Vous pouvez commencer par la forme circulaire de notre crâne et l'attacher à la forme triangulaire de notre visage, en insérant dans certaines des mesures que nous avons apprises la moitié du contour des yeux. Ensuite, la troisième concerne les traits du visage de la racine des cheveux aux sourcils, en passant par le nez et le menton Vérifiez ensuite cela en marquant un quart et un huitième pour le nez et le bas de la bouche Vous pouvez également le placer dans la forme cylindrique de notre cou puis des articulations des épaules et des coudes Bien sûr, les formes cylindriques de nos bras, à la fois dans les parties supérieures et inférieures. ai juste cela comme renfort, puis je vais me lancer dans un rapide dessin à main levée sur la façon dont je pense construire mes personnages lorsque je les dessine à partir de zéro Comme vous l'avez appris en classe, je commence par la sphère représentant la tête. pense à l' inclinaison que je place dans la forme triangulaire du visage, j'ai parfois tendance à y insérer des parties du corps qui ne sont pas nécessairement visibles. Sur ce dessin final, vous ne pouvez pas voir ses oreilles, mais je les placerai au cas où. Je vais ensuite aussi lui donner la forme des cheveux, puis commencer à les bloquer sur le haut de son corps. J'ai ensuite tendance à créer des formes très basiques en forme de coin et de cylindre pour les mains Maintenant, je ne le fais pas toujours, mais je pense que c'est une bonne pratique, surtout au début pour vérifier vos mesures. Ici, je suis juste en train de mesurer la tête. Je commence juste un peu plus bas car sa tête est inclinée, ce qui semble bien du point de vue de l' emplacement de notre poitrine et de notre taille. J'ai également indiqué les mensurations de base du visage afin de pouvoir commencer à définir des formes très basiques pour les yeux, le nez et la bouche. Encore une fois, en gardant à l'esprit l'inclinaison. Maintenant, je vais juste entrer un peu plus de détails sur les yeux, les sourcils, puis je vérifie mes mesures verticales pour m'assurer que mes yeux sont correctement espacés les uns par rapport aux autres, au nez et aux bords de la bouche. Ce que nous pouvons faire avec les études de portrait, c'est d'abord faire un dessin constructif comme celui-ci à partir d'une pose que vous regardez. Ensuite, entrez et effectuez certains détails à l' aide de techniques de dessin d'observation C'est bien sûr plus facile lorsque vous travaillez avec une photographie de manière à ce que personne ne bouge, mais travailler à partir d'un modèle vivant ou simplement en observant dans la vie réelle est également très bonne pratique, car vous devez placer certaines de ces mesures très rapidement. C'est également un bon défi si vous commencez une pose et que quelqu'un que vous observez bouge Êtes-vous capable de renseigner le reste des informations en fonction de l'anatomie que vous avez apprise ? Normalement, une fois le haut du corps en place, je commence à mettre certaines formes et à emballer les vêtements, afin de clarifier certaines formes dans les détails. Pour cet exercice, vous pouvez le terminer aussi complètement que vous le souhaitez, ou vous arrêter uniquement à l'étape de l' esquisse pour vous entraîner à observer et à construire. Peut effectuer un autre contrôle rapide en utilisant le tour de tête pour vérifier le haut du corps, les bras et le bas des bras. Un autre défi que vous pouvez relever dans cet exercice est de commencer à dessiner votre propre personnage en fonction de cette pose. Il suffit de changer certaines caractéristiques telles que la coiffure, la forme des yeux, du nez et de la bouche, et peut-être d'essayer un vêtement légèrement différent en fonction, par exemple, de votre tenue préférée ou de quelque chose que vous reprenez d'une photo de référence. Vous pouvez également essayer de vous lancer un défi en prenant une photo de référence d'autoportrait , puis en vous insérant dans la scène. Ici, je lui ai donné une coiffure différente. Vous pouvez maintenant voir ses oreilles est donc utile de les placer dans les points d' esquisse , puis de modifier légèrement la forme de son visage, en lui donnant simplement un haut et une tenue différents. De même, en simplifiant le nez et essayant l'une des nombreuses façons de dessiner les yeux Si vous voulez vraiment vous amuser, vous pouvez commencer par ajouter différents accessoires tels que lunettes, des écouteurs ou des bijoux, et encore une fois, penser à ces accessoires en termes de formes, puis les enrouler autour de la forme de sa tête et de son corps vous aidera vraiment à réfléchir à la manière de le construire à partir de votre imagination. Amusez-vous avec cette expérience et lorsque vous serez prêt, partageons le projet, puis passons en revue un résumé de tout ce que nous avons appris ensemble. 24. Portraits 5 : Résumé et étude complémentaire: Maintenant que vous avez acquis les bases du dessin de portraits, je vous encourage vivement à continuer à dessiner, à pratiquer, à observer et à approfondir votre compréhension de l' anatomie et des mesures de base comme bon vous semble Tout d'abord, passons en revue un résumé de tout ce que nous avons appris ensemble dans cette section. Nous avons appris les mesures de base de la tête et du visage humains commençant par une forme circulaire constructive reliée à une forme triangulaire, en plaçant les yeux à peu près à mi-chemin, puis en trouvant la ligne des sourcils , le nez et la bouche aux tiers du visage Nous avons appris à relier cela à la forme cylindrique de notre cou et à utiliser la tête pour mesurer approximativement la taille du haut de notre torse et placer la poitrine, la taille, les bras et Nous savons que les mains nécessitent une attention particulière et apprendre à les construire en forme de coin, d'œuf et de cylindre nous aidera à dessiner de meilleures mains Nous avons également appris les bases de l'enroulement des cheveux, des formes et des rapprochements autour de la forme du corps, et pourquoi il est important de penser à nos silhouettes sous forme de formes 3D, même dans un style plat. Enfin, nous avons appris que nous pouvions expérimenter notre compréhension des valeurs et de la couleur pour dessiner des personnes et des portraits à différents niveaux de réalisme et de stylisation c'est une question de pratique et d'observation continue pour trouver notre propre style personnel. Pour une étude plus approfondie, outre les livres de Juliette Aristide que j' ai recommandés dans les cours précédents, vous pouvez également consulter les livres d'Andrew Loomis et Morpho traitant spécifiquement du dessin de la figure humaine et de l'anatomie Je recommande également les leçons de la New Masters Academy pour études de figures plus classiques et cours Skillshare sur la façon de dessiner de jolis personnages stylisés Lorsque vous serez prêt, retrouvons-nous dans la dernière section où nous parlerons de la profondeur, de composition et de la façon dont tout cela s'articule. 25. Portraits 5 : Résumé et étude plus approfondie: [MUSIQUE] Maintenant que vous avez acquis une connaissance de base du dessin de portraits, je vous encourage vraiment à continuer à dessiner, à pratiquer, à observer et à approfondir votre compréhension de l'anatomie et des bases mesures comme bon vous semble. Tout d'abord, passons en revue un résumé de tout ce que nous avons appris ensemble dans cette section. Nous avons appris les mesures de base de la tête et du visage humains, commençant par une forme circulaire constructive reliée à une forme triangulaire, en plaçant les yeux à peu près à mi-chemin, et puis trouver la ligne des sourcils, le nez et la bouche au 1/3 du visage. Nous avons appris à relier cela à la forme cylindrique de notre cou, à utiliser la tête pour mesurer approximativement la taille du haut de notre torse et à placer la poitrine, taille, bras et mains. Nous savons que les mains nécessitent une certaine attention, et apprendre à les construire en forme de coin, d'œuf et de cylindre nous aidera à mieux dessiner nos mains. Nous avons également appris les bases de l'enroulement des cheveux et des vêtements autour de la forme du corps et pourquoi il est important de penser à nos silhouettes en 3D, même dans un style plat. Enfin, nous avons appris que nous pouvons expérimenter notre compréhension des valeurs et de la couleur pour dessiner des personnes et des portraits différents niveaux de réalisme et de stylisation, et que c'est une question de pratique et observation continue pour trouver notre propre style personnel. Pour une étude plus approfondie , outre les livres de Juliette Aristides que j' ai recommandés dans les cours précédents, vous pouvez également consulter des livres traitant spécifiquement du dessin de la figure humaine et de l'anatomie par Andrew Loomis et Morpho. Je recommande également les leçons de la New Masters Academy pour des études de figures plus classiques, et les cours de Skillshare sur la façon de dessiner de jolis personnages stylisés. Lorsque vous serez prêt, retrouvons-nous dans la dernière section où nous parlerons de la profondeur, de la composition et de la façon dont tout cela est assemblé. 26. Profondeur et composition 1 : Intro aux perspectives: [MUSIQUE] Bienvenue dans notre cours de profondeur et de composition. Je vais partager mon approche du point de vue et la façon dont je communique la profondeur, puis nous travaillerons ensemble à la création d'une composition. D'après mon expérience personnelle avec perspective, je n'ai jamais voulu dessiner un dessin linéaire réaliste en perspective. J'ai pris le temps de pratiquer des exercices de perspective en 1, 2 et 3 points. Je n'ai utilisé que le strict minimum dans mes dessins, comme le livre sur l'illustration de notre projet de classe. Pendant longtemps, j'ai pensé que l'apprentissage des subtilités de perspective mathématique était la bonne façon apprendre à dessiner car c'est ainsi que la plupart des enseignements l'insistent aujourd'hui. Cependant, au fur et à mesure que j'ai compris le style d' art qui m'attirait, au fil du temps, j'ai découvert une perspective différente. Dans ce cours, je vais donner un aperçu des différentes approches de la perspective et des techniques de composition. Ensuite, je vais vous montrer comment j'aime créer une illustration , comme le projet de classe. Pour mieux comprendre la perspective, j'ai trouvé utile d'en apprendre un peu plus sur l'histoire de perspective et son évolution dans l'art et la culture. Je vous promets qu'il ne s'agit pas d'une leçon d'histoire ennuyeuse mais d'une leçon vraiment pertinente qui vous aidera à comprendre comment étudier l'art que vous admirez et comment le traduire dans votre propre expression. À un niveau élémentaire, lorsque nous pensons à la perspective d'apprentissage, nous pensons à la perspective linéaire. La perspective linéaire est une approche mathématique qui permet de construire des objets dans lesquels toutes les lignes parallèles disparaissent en un ou plusieurs points de fuite sur la ligne d'horizon. Cela est particulièrement utile pour les objets fabriqués par l'homme, tels que les bâtiments et les routes. Il existe des perspectives à un point, deux points et trois points de vue. perspective linéaire, telle que nous la connaissons aujourd'hui, n'a pas toujours existé dans l'art. En fait, il n'a été créé qu'à la Renaissance par les architectes Filippo Brunelleschi et Leon Battista Alberti. Cette technique est née du désir et du besoin de transmettre de manière convaincante l'espace et les bâtiments et de représenter les structures du point de vue du spectateur. C'est un exploit vraiment remarquable qui a changé la façon dont de nombreux artistes, en particulier en Occident, représenté des scènes dans leurs œuvres. Cela était particulièrement important avant l'ère du cinéma et caméras, où la nécessité de transmettre le réalisme était une priorité. Les peintures historiques d'autres cultures, notamment de Chine, du Japon, Inde et d'Égypte, avaient priorités artistiques différentes de celles de leurs homologues occidentales. Dans de nombreuses peintures orientales, par exemple, le but de l'art était de transmettre l'esprit du sujet et l'expérience personnelle de l'artiste à ce sujet, plutôt que de représenter avec précision du point de vue de l'observation ça. En outre, étant donné que de nombreuses peintures trouvaient sur de longs rouleaux destinés à être se trouvaient sur de longs rouleaux destinés à être vus dans leur ensemble et en visualisant des parties individuelles, un seul point de fuite n' aurait tout simplement pas rempli son objectif. Avec une perspective plane, l'art oriental communique de la profondeur par le biais de superpositions, plaçant essentiellement le sujet sur trois plans distincts. D'abord, le plan de premier plan, puis le plan du milieu et enfin le plan d' arrière-plan. La distance entre chaque plan a été accentuée par le niveau de détail, la teinte et la valeur, autant concepts que nous avons appris tout au long de ce cours. Les bâtiments et les objets géométriques adaptés à perspective linéaire ont plutôt été dessinés en perspective parallèle, ce qui évite les points de fuite tout en donnant une impression d'espace dans relation avec les sujets qui l'entourent. grands groupes de personnes dans nombreux espaces différents ont ainsi pu être représentés avec cette perspective, qui n'a pas pu être réalisé dans une perspective linéaire. Ces peintures communiquent de manière artistique et efficace, même si elles ne sont pas techniquement réalistes. Vous pouvez constater à quel point la perspective linéaire peut être limitative, y compris le placement parfois rigide des sujets qui ne permet pas de transmettre des relations spatiales en dehors du point de vue humain individuel standard. La perspective plane, quant à elle, présente également des limites et présente également des limites et ne représente pas avec précision l'espace, en particulier la vue du point de vue d'une personne à l'intérieur ou à l'extérieur d' une structure. Chacun sert donc vraiment son propre objectif et est nécessaire à des moments différents. En comprenant les différentes approches en matière de perspective vous pourrez adapter vos besoins et votre vision artistique. En tant que débutant, je vous recommande commencer à vraiment identifier, observer et étudier ce que vos artistes préférés utilisent. comprenant l' approche prospective qu'ils utilisent, puis en les mettant en pratique et en les explorant par vous-même, vous pourrez comprendre comment vous aimeriez communiquez votre expression et vos points de vue. [MUSIQUE] 27. Profondeur et composition 2 : créer la profondeur dans la perspective planaire: [MUSIQUE] La plupart des illustrations modernes que j'aime utilisent une forme de perspective plane, et c'est le style d'illustration dans lequel j'aime dessiner également. Au départ, c'était juste mon goût esthétique personnel que je ne pouvais pas vraiment expliquer, mais après avoir mieux compris l'histoire de la perspective planaire, je me suis rendu compte que je m'identifiais vraiment à cette priorité qui consiste à exprimer l'esprit d' un sujet et mon expérience personnelle de celui-ci plutôt qu'une représentation techniquement précise. Je pense que, pour moi, cela se résume vraiment à j'aime dessiner les choses d'une manière que vous pouvez prendre en photo dans la vraie vie. J'aime également combiner différentes approches du point de vue et continuer à expérimenter des moyens de mélanger des points de vue qui, selon vous, ne fonctionneront pas bien ensemble. Par exemple, dans cette illustration que j'ai réalisée, intitulée The Courtyard, elle présente une perspective plane en couches, mais comprend également une ligne de haut en bas sur le sol qui représente des carreaux. Je préfère cela à une vue en perspective unique des carreaux car, pour moi, cela crée une subtile sensation de surréalisme, qui vient bien sûr compléter les très grandes fleurs géantes c'est ce qui entoure notre personnage. Je tiens à souligner qu'un style d' illustration plat ne signifie pas qu'il ne peut pas avoir de profondeur. Pour créer une simple sensation de profondeur et une illustration plate, je pense généralement le personnage au milieu ou au premier plan et à placer les objets au premier plan tout en ayant une contexte. Cela peut s'appliquer dans des environnements plus intimes, tels que les vases et l'illustration du portail dans la cour, ainsi que dans des environnements paysagers plus vastes. Ici, dans mon illustration, The Reflection, les personnages sont au premier plan, mais il y a une profondeur supplémentaire créée en ajoutant des pierres encore plus près du spectateur. Le plan médian devient alors le reflet dans les montagnes, qui est également un point focal majeur. Le fond est le ciel et les nuages. Tout cela est très simple mais permet de communiquer de la profondeur en déployant les trois plans distincts. Prenez un moment pour expliquer ce qui se trouve au premier plan, au milieu et à l'arrière-plan de notre illustration de projet de classe. Quelle impression de profondeur se crée dans votre vision ? Où avez-vous l'impression de vous situer par rapport au personnage et à quelle distance se sent-elle de vous ? Réfléchissez à la façon dont cela a été réalisé en superposant des profondeurs malgré le fait qu'il s'agit d'un style d'illustration plat. Pouvez-vous penser à des moyens de faire paraître le personnage de plus près ou de plus loin ? Maintenant que vous commencez à comprendre comment la profondeur est atteinte dans un style plat, observez attentivement et réfléchissez aux choix qui ont été faits afin de communiquer cela dans afin de communiquer cela dans œuvres d'art que vous admirez. [MUSIQUE] 28. Profondeur et composition 3 : Intro aux techniques de composition: [MUSIQUE] Parlons maintenant un peu des techniques de composition, car c'est une question que beaucoup de gens se posent actuellement. Vous connaissez le dessin d'observation, mais comment créez-vous vos propres dessins ? Explorons quelques techniques de composition de base qui peuvent vous aider à démarrer. Pour moi, la règle la plus populaire et la plus fréquemment utilisée est la règle des tiers, souvent utilisée en photographie et en cinéma. La règle des tiers signifie simplement que si vous placez une grille tic-tac-toe sur un cadre, les points focaux se situent aux intersections des lignes ou aux tiers des images. Vous verrez de nombreux exemples utilisant cette technique si vous commencez simplement à placer ce type de grille sur les images que vous voyez. Une autre approche courante que j'utilise pour composer consiste simplement à centrer un personnage, consiste simplement à centrer un personnage puis à créer un environnement autour de lui. De nombreux enseignements recommandent éviter de centrer une composition, mais je le fais tout le temps, tout comme de nombreux illustrateurs que j'admire. Il s'agit vraiment de ce que vous essayez réaliser et je comprends pourquoi, dans certaines situations, vous ne voudrez pas centrer une composition. Personnellement, je le trouve très efficace pour les portraits et l'art narratif centré sur les personnages. Étudier la composition de vos photos préférées, scènes de films et, bien sûr, de vos œuvres d'art, est un excellent moyen de commencer à aiguiser votre sens de la composition. Demandez-vous, lorsque vous observez quelque chose que vous aimez, pourquoi cette composition vous convient ? Même si vous n'avez pas de réponse claire tout de suite, fur et à mesure que vous continuez à observer et à réfléchir, des modèles émergeront et vous commencerez à comprendre comment vous souhaitez intégrer dans votre propre travail. N'oubliez pas que votre œuvre préférée est le résultat de nombreuses miniatures et concepts différents avant que les artistes n'atteignent leur design final. L'exploration et l'expérimentation font partie intégrante du processus. Voici quelques autres conseils de base pensez à diriger le regard, utilisez des points focaux et différents rythmes et motifs dans vos œuvres d'art pour attirer le regard et soyez intentionnel quant à l'endroit où regarde le spectateur. Gardez toujours à l'esprit le déroulement général et le geste de la pièce. Au fur et à mesure que vous commencerez à observer des œuvres magistrales ou simplement des œuvres que vous aimez, vous remarquerez qu' il existe de nombreux points de connexion qui n'étaient peut-être pas intentionnels mais qui fonctionnent, car ce sont les lignes, les motifs et les rythmes d'un dessin qu'un artiste utilise à son avantage pour communiquer et contrôler l' endroit où regarde le spectateur. Un autre conseil utile est de penser par groupes de trois. Trois est souvent considéré comme un chiffre magique dans la composition. Il est actif et évite le sentiment d' appariement à deux, ou à une trop grande symétrie avec des groupes de quatre. Plus que cela , votre esprit recommence à penser en groupe. Cela peut également s'appliquer aux zones focales ou à la forme de votre flux. Les triangles, de forme à trois pointes , procurent une sensation d'activité équilibrée. Dans notre dessin de héros, bien qu'il y ait techniquement sept fleurs, elles sont regroupées en trois grappes. Il y a également trois objets dorés autour d'elle qui forment un triangle. Il y a aussi trois objets verts, dont sa veste, et ils sont tous espacés selon un format triangulaire. Bien entendu, vous pouvez constater que la règle ne s'applique pas à tout strictement partout. Par exemple, j'ai des paires de feuilles, mais vous pouvez commencer à jouer avec vos propres modèles en partant de cette position , puis décider si vous voulez enfreindre la règle qui ne vous gêne pas. autres problèmes courants à prendre en compte sont d' éviter les tangentes gênantes, lorsque les bords des différents objets se touchent à peine ou se chevauchent simplement de manière gênante, généralement lorsque vous ne pouvez pas savoir où quelque chose commence ou se termine. Vous devez également éviter les hiérarchies de plans floues, comme le fait de ne pas clairement définir ce qui se trouve au premier plan, ce qui se trouve au milieu et ce qui se trouve en arrière-plan. En général, il s'agit simplement de superposer vos objets de manière claire et encore une fois, en vous assurant de ne pas avoir de tangentes gênantes. Évitez une symétrie trop parfaite si ce n'est pas votre intention. fait d'apporter un peu plus de fluidité à votre illustration contribuera à la rendre plus équilibrée. Enfin, assurez-vous que vos valeurs soutiennent votre structure. C'est une chose d'avoir l'intention d' attirer l'attention sur un sujet ou une action intéressant, mais si vos valeurs ne le soutiennent pas, votre spectateur risque de ne pas savoir où regarder. Les valeurs peuvent également intégrer de la couleur. Par exemple, vous ne voulez pas qu'un spectateur en arrière-plan porte un rouge très vif dans une composition très foncée. Au lieu de cela, vous voulez qu'ils cherchent ailleurs. Réfléchissez à l'endroit où l'artiste aurait pu vous voir , puis demandez-vous s'il y est parvenu. Avez-vous observé différents détails alors que vos yeux flottaient de manière naturelle et organique ? Vos yeux sont-ils attirés par les endroits où il semble que cela devrait être le point central ? Si c'est le cas, réfléchissez aux raisons pour lesquelles cela a fonctionné et, si ce n'est pas le cas, réfléchissez à ce qui aurait pu changer. simple fait de commencer à remarquer et à observer est déjà un bon début pour perfectionner votre capacité à penser à des compositions fortes. [MUSIQUE] 29. Profondeur et composition 4 : Projet de cours partie V: Revenons maintenant à notre projet de classe d'ancrage. Nous avons commencé toute cette série par le dessin d'observation, mais en fait, la toute première étape de votre dessin original sera de créer des vignettes. Il s'agit de concevoir différentes idées, faire des croquis très rapides, puis d'affiner ces pensées et idées grâce aux compétences que nous avons acquises en matière de lignes, de valeurs , de couleurs et de portraits. C'est là que ce cours permet de boucler la boucle. Nous revenons au début, mais avec une nouvelle perspective. Ensemble, nous allons élaborer un concept, créer de nombreuses vignettes, puis affiner la miniature que nous avons choisie et les compléter avec toutes les compétences que nous avons développées tout au long de cette période classe. Nous allons travailler avec l'invite à concevoir une couverture pour un cours de dessin sur les bases de l'art. Ils intègrent tout ce que nous avons abordé en termes de lignes et de formes, valeur et de forme, de portraits en couleur et en lumière, puis le tout dans leur ensemble. C'est littéralement ce à quoi je pensais lorsque je concevais l'illustration du héros ou le projet de classe pour ce cours. Je vais donc vous présenter un exemple très réaliste de ce à quoi ressemble ce processus. Vous pouvez travailler numériquement ou sur papier. Personnellement, je trouve que je préfère utiliser un carnet à gratter, du papier à croquis, et personnellement, j'aime utiliser ce crayon Col-Erase bleu de Prismacolor. Vous pouvez bien sûr faire la même chose sur l'iPad. L'iPad est vraiment idéal pour déplacer facilement des objets. Mais quand je veux juste avoir quelques idées rapides, je trouve qu'une feuille de papier est préférable. Commençons donc par cela. Si vous le souhaitez, vous pouvez commencer par créer de petites boîtes. Si tu as une feuille de papier de la taille du mien, j'en ferai six. Si vous en avez de plus grandes ou plus petites, ajustez-les en conséquence. Lorsque vous travaillez, par exemple, sur un brief client ou que vous créez votre propre illustration, il y a certains paramètres initiaux que vous voudrez connaître ou du moins savoir dont vous aurez besoin savoir par exemple quelle est la taille de cette illustration et où elle sera utilisée. Vous pouvez garder toutes ces considérations à l'esprit lors de la conception. Tout d'abord, trouvons des idées différentes. De toute évidence, c'est un cours de dessin sur les bases. Donc, avoir quelqu'un qui dessine semble tout à fait logique. Commençons donc par quelques idées à ce sujet. Il s'agit d'un point de départ très basique. J'ai quelqu'un qui dessine à son bureau. Au fur et à mesure, je dois vraiment commencer à me demander s'il faut cocher toutes les cases. Comment exprimer au mieux ma pensée sur la ligne et la forme, la valeur et la forme, la couleur et la lumière ? Je peux commencer à les voir dans mon esprit car même s'il s' agit d'un croquis, je peux imaginer à quoi il pourrait ressembler en couleur. Vous remarquerez que je commence par des formes très simples. n'est pas vraiment une figurine, mais en gros, ce sont de petits mannequins à dessiner, ce qui est largement suffisant pour avoir une idée de la composition globale. Au stade des miniatures, nous nous concentrons vraiment sur le contenu que nous allons inclure à un très haut niveau et sur la composition globale. Avec la deuxième idée, j'ai pensé à peut-être simplement montrer un carnet. Peut-être qu'il n'y a personne dedans et qu'il représente ces fleurs et juste des objets qui les entourent. Il s'agit d'une vue de haut en bas d'un bureau plus ou moins, mais avec une certaine perspective biaisée. Bien sûr, je me rends compte que maintenant je n'ai pas inclus la section portrait, alors je pourrais peut-être ajouter un petit portrait ici. Maintenant, il ne s'agit pas d'un dessin de personnage, mais le dessin est celui d'un personnage, mais il a tout de même l'avantage d'inclure tous les aspects de la classe. Encore une fois, je n'ai pas besoin de le détailler, juste assez pour que vous sachiez ce qui s'y passe. C'est une approche un peu plus graphique. Pensons à quelque chose peut-être un peu plus abstrait. Mon idée est que cela ressemble presque à une pile de livres, et puis il y ce crayon qui présente des lignes et des formes. Peut-être que cette partie aurait une certaine valeur et une certaine forme, puis cette partie du crayon serait colorée. Ce n'est certainement pas le plus fort en termes de présentation de portraits. Même si cela ne répond pas à toutes les exigences, il est bon d'avoir ce type d'explorations vraiment différentes de ce que vous avez fait afin de pouvoir tester les limites et voir ce qui vous donne l'impression d'être le meilleur candidat. Je vais essayer juste une scène, peut-être une scène extérieure. Peut-être que cette personne ne dessine pas. Cela n'a pas nécessairement besoin d'être si littéral. Voyons voir. Peut-être qu'ils sont dans un monde de dessin d'une manière ou d'une autre. Peut-être qu'au lieu d'un arbre, je pourrais vous montrer une montagne. C'est plus logique. Bâtir une base et gravir les échelons. Cela permet également de mettre en valeur l'aspect du parcours de dessin. Peut-être que l'étang au sol ressemble à une palette de couleurs. C'est une idée intéressante, mais tout d'abord, je ne pense pas qu'elle communique suffisamment avec les portraits, deuxièmement, je pense que c'est peut-être un peu trop abstrait. Pas assez clair, il s'agit d'un cours de dessin sur les bases. Je pense que la main est peut-être un bon exemple de quelque chose, comme la main qui tient la feuille. Cela indique qu' il y a cette branche ici, et peut-être que c'est elle qui présente les différents aspects qui peuvent être vraiment cool. Vous pouvez également vous écrire de petites notes. Cela a une ligne, une forme évidemment. Celui-ci aurait de la valeur et montrerait sa forme. Cette pièce serait en couleur. Cela représenterait le cours de portrait parce que nous avons également parlé de mains, et puis il y a la composition complète. C'est une option et une bonne façon d'ancrer toute une classe dans une illustration et ce que j'essayais d'obtenir avec notre design final. Permettez-moi de parler de notre design final. Bien entendu, vous pouvez continuer à créer autant de vignettes que vous le souhaitez. Plus vous en trouverez, je pense que meilleur sera votre résultat, car vous aurez réfléchi à toutes vos idées les plus faibles ressortir quelque chose de solide. D'habitude, à la fin, lorsque vous dites vraiment « je n'arrive pas à trouver d'autre idée », c'est à ce moment-là que vous avez une idée. Tu ne t'y attendais vraiment pas. Mais cela dit, parfois j' ai juste une idée et je la prends tout de suite, et je ne fais pas une tonne de vignettes différentes. Chaque dessin est donc une expérience qui lui est propre. Permettez-moi d'aborder ce concept de quelqu'un assis à un bureau en train de dessiner. Voyons dans quelle humeur elle est. J'ai déjà décidé que c'était une fille. Est-elle dans un environnement super excitant ? Est-elle calme et détendue ? Est-elle frustrée ? Est-ce très actif ou est-ce un équilibre ? Comme je l'ai mentionné, je veux que ce soit paisible mais engageant. Si actif et pourtant apaisant. Vous pouvez jouer avec différentes poses. J'ai pensé que ce serait bien de montrer sa main posée sur son visage, à la fois contemplative et un peu plus active, et aussi pour que nous puissions voir les deux mains. Puis j'ai pensé de quoi je voulais l'entourer. Cela peut être une exploration en soi. Mais vous pouvez en dire long sur un personnage par ce dont vous l'entourez, dont vous l' habillez et par chaque aspect de celui-ci. J'ai eu l'idée que ce serait comme un voyage de dessin. J'ai donc voulu lui donner une ambiance d'exploratrice. C'est pourquoi j'ai mis ce télescope, puis j'ai ajouté le globe. Je travaille ici en sachant à quoi ressemble l' illustration de la classe, mais en réalité, je ne saurais pas nécessairement exactement où vont toutes ces choses. Peut-être que le globe a commencé ici ou peut-être que le télescope n'était pas si haut. Mais j'ai fini par déplacer les choses jusqu'à ce que j'aie l'impression que la composition me convient. Je veux que les choses se chevauchent, qu'elle ait l'impression d'être immergée dans tout ce qui l'entoure. Nous la regardons à travers les objets qui se trouvent essentiellement à l'avant de son bureau. Je voulais apporter une touche de nature et peut-être un peu plus surréalisme, par exemple en imaginant que vous êtes dans un rêve ou que vous dessinez dans un état fluide. C'est pourquoi j'avais ces fleurs autour d'elle. Je savais que je voulais qu'on lui donne un cadre. C'est là que quelque chose comme ne pas l'avoir trop symétrique entre en jeu. Bien sûr, les fleurs peuvent être exactement symétriques et c'est un look. Mais pour moi, j'aime que les choses soient un peu plus fluides et organiques. C'est pourquoi il existe ce cadre qui n'est pas symétrique, mais qui a une belle fluidité. Je commençais à réfléchir aux différentes formes que je souhaitais intégrer C'est ainsi que j'ai choisi le reste des objets. J'avais cette ellipse aplatie en forme d'œuf pour ce visage, puis j'ai eu un cylindre pour la trousse à crayons et j'ai superposé les deux. La règle était un rectangle et les crayons étaient encore plus petits en forme de cylindre. Ici, j'avais un grand vase cylindrique et le globe est évidemment une grosse sphère, et puis le télescope est également un joli cône. Ce sont toutes des considérations lorsque j'ai commencé à réfléchir à ce que je voulais placer ici sur son bureau. Pour terminer, je savais que je ne voulais pas créer une scène complète, car il me serait alors difficile de placer, disons, sur une image horizontale ou simplement sur des formats différents. Le fait que ce soit quelque chose qui soit plutôt une illustration ponctuelle allait donc m'être utile. Je viens de terminer avec cette arche à l'arrière. Cela pouvait être considéré comme une porte, mais je pensais que c'était plutôt une fenêtre. Son bureau est placé là où le dos fait face à une fenêtre. C'est ma petite vignette. Passons maintenant à notre iPad et partons de là. Nous avons parlé de notre invite, nous avons dessiné nos vignettes et nous avons réfléchi au cadrage et à la composition globale. Maintenant, commençons à nettoyer cela un peu. Tout ce que j'ai fait, c'est de le prendre littéralement en photo avec mon téléphone et de la déposer sur mon iPad. Cela ne ressemble pas à grand-chose et je pourrais évidemment le recréer. Mais il y a des moments où votre esquisse très approximative sera un excellent guide pour votre pièce finale. J'aime bien l' avoir sur une couche. Vous pouvez toujours simplement le masquer et le référencer plus tard. Mais je vais vous montrer ce que je pense du nettoyage de certaines lignes de production. façon dont j'organise mes couches pour tirer pleinement parti des outils numériques lorsqu'il s'agit de travailler sur la composition. Maintenant, commençons vraiment à revenir en arrière et réfléchir à la ligne, à la forme, la structure, à l'œil ouvert et à toutes ces choses, mais maintenant du point de vue du design. Il se peut que vous suiviez pour recréer à nouveau le projet de classe avec cette nouvelle perspective, ou que vous travailliez sur votre propre design en fonction de l'invite. Quoi qu'il en soit, passons chaque étape ensemble en gardant les mêmes objectifs et les mêmes objectifs à l'esprit. Il existe plusieurs manières d' aborder cette question. Vous pouvez tout faire sur une seule couche, puis simplement sélectionner des objets et les déplacer, ou essayer de dessiner chaque objet sur un calque distinct pour vous déplacer plus facilement. Il peut s'agir simplement d' expérimenter ce qui fonctionne le mieux pour vous et votre flux. À ce stade, je vais commencer à obtenir des images de référence. À ce stade de l'esquisse, je ne regarde aucune référence. Je ne fais que dessiner avec mon imagination ce à quoi je pense que les choses ressemblent. Mais par ici, je vais commencer à chercher à quoi ressemble un globe et à savoir où se trouvent ces détails importants. J'essaie de penser aux gestes. Premièrement, compte tenu de l'inclinaison de sa tête et de ce geste de son corps, cette forme triangulaire générale. Maintenant, avec la sphère, il pourrait y avoir juste un aspect droit de haut en bas. Mais si je l'incline, cela fait écho à l'inclinaison de sa tête. Avec le télescope, c'était un peu délicat car je pouvais le faire pointer de différentes manières. Je veux avoir un rythme pour que ce globe soit là en bas. C'est pourquoi j'ai pensé que ce serait peut-être bien d'avoir un télescope de ce côté pointant dans une autre direction. Mais encore une fois, incliné. Même des éléments tels que les jambes leur écartement sont autant et leur écartement sont autant de décisions de conception qui peuvent affecter les choses de manière très subtile. fait d'avoir cette jambe devant le livre indique clairement où se trouve le télescope par rapport au livre. Si je le gardais ici, je ne saurais pas vraiment où il se trouve exactement. Est-ce derrière le livre, à côté du livre, plus loin ? Peut-être s'agit-il d'un tout petit télescope ou d'un très grand télescope. avoir sur une couche séparée me permet de jouer avec ça. Il a une forme ovale légèrement différente, plutôt une ellipse, et c'est pourquoi je veux le coller ici. Mais c'est un bon petit objet où je pourrais vraiment le déplacer dans toutes sortes d'endroits. S'il revient ici, il semblerait qu'il soit derrière. Au début, je crois que je l'avais plutôt à égalité avec le reste du monde. Puis réalisé en le déplaçant légèrement vers le bas, cela crée simplement une plus grande partie de ce rythme saute d'avant en arrière. Maintenant, avec les objets contenus dans la trousse à crayons, j'aurais pu rendre les choses très compliquées. Peut-être qu'elle a une tonne de choses ici. Mais j'ai décidé que c'était un espace plus minimal. Je ne veux pas me distraire avec une tonne de choses dans cette boîte parce que ce n'est pas le but. Juste assez pour pouvoir communiquer qu'elle a des outils de dessin à sa table. Vous verrez que j'aime bien dessiner jusqu' au bout, souvent parce que je ne suis pas sûre de savoir où les choses vont se terminer, et vous pouvez facilement faire le travail final sans cela plus tard. Mais de cette façon, vous vous assurerez vraiment d'avoir des lignes précises. plupart du temps, pour les débutants, La plupart du temps, pour les débutants, s'ils ne dessinent pas complètement, disons que c'est un coude, alors l'épaule sera là et ils oublieront peut-être qu'elle doit être connectée, et puis le coude sera légèrement incliné. Ce sont de bonnes raisons de faire des recherches jusqu'au bout et de faire des vérifications par vous-même. Ensuite, commencez à mettre ces fleurs. Juste une réflexion générale sur les formes. Voici certainement un groupe de trois. Je pourrais avoir la possibilité d'en mettre deux ici et un en bas ou vice versa. J'ai fini par en avoir deux en bas et un plus grand ici, mais laissons ça en place pendant un moment. Vous pouvez regarder ici, y a-t-il des tangentes étranges ? Je trouve que cette partie est un peu confuse. Peut-être que ce que je fais, c'est clarifier les choses devant le livre, plus près de nous. Ensuite, arrangez peut-être le globe et le vase un peu plus clairement de cette façon. À présent, le globe couvre le haut du vase. Pour m'assurer que ça tient bien, je vais prendre ceci. Alors maintenant, cette petite partie du globe touche le bord du vase, qui provoque cette étrange tangente. Je peux simplement entrer dans mon globe et l'incliner un peu plus. Pour ajouter un peu plus de détails, j'ai ajouté ces formes de feuilles très simples. Il s'agissait simplement de mettre tout ce que je pensais avoir besoin d'espace à remplir. Vous pouvez également les conserver sur couches distinctes afin pouvoir les déplacer selon vos besoins. Encore une fois, vous pouvez dire que cela enfreint techniquement les règles des trois que j'ai mentionnées plus tôt et j'aurais pu en inclure une autre ici. n'y a pas de bien ou de mal ici. Pour moi, les feuilles ressemblent davantage à des compliments. Cela devient donc presque un couple avec la fleur. Il y a un groupe de trois ici à la place et un groupe de trois ici. Quand je pensais à ses vêtements, cela fait aussi partie du design. Encore une fois, qu'est-ce que cela dit à propos de cette personne ? Que porte-t-elle ? Porte-t-elle un pull douillet et est-elle blottie avec une tasse à ses côtés ? Ou est-ce qu'elle porte quelque chose de plus professionnel ? Elle se prépare peut-être à travailler. Vous pouvez essayer de nombreuses approches différentes. Mais n'oubliez pas que les vêtements font partie de la narration, du design visuel. J'ai fini par lui offrir cette jolie tenue verte qui ressemble un peu à un blazer. Donc, je me sens vraiment très structuré. Cela m'a également donné l'occasion de parler de choses comme le fait d'avoir ce col en V ou d'autres domaines d'intérêt. Bien sûr, nous la regardons, mais nous pensons aussi subtilement au dessin. Pour ce qui est de sa coiffure, je l'ai gardée très simple et nette. Mais je pensais encore une fois au langage des formes. J'ai pensé que ce serait cool de parler la sphère, puis de son visage, puis de cette forme triangulaire de ses cheveux et du reste du haut de son corps. J'ai pris une photo de référence de moi-même dans une pose similaire pour m' assurer que mon anatomie était précise. Entrez un peu plus les détails de son visage pour réfléchir à l'expression qu'elle a. Est-ce qu'elle regarde ? Avait-elle les yeux ouverts et te regardait ou regardait-elle au loin parce qu'elle pensait à quelque chose ? J'ai décidé qu'elle allait avoir l'air calme et contemplative pendant qu'elle travaillait sur son dessin, puis qu'elle aurait un léger sourire. Désactivons ma couche d'esquisse à l'arrière et voyons comment cela se passe. Vous voyez, cela va être très similaire, bien sûr, au dessin d'observation que nous avons fait ensemble. Mais maintenant, pensez-y en disant ce dessin n' existait pas auparavant. y avait donc rien à observer. Nous avons maintenant assemblé ce dessin original à partir de notre imagination et de notre compréhension de diverses compétences fondamentales combinées. Pendant que vous travaillez sur le vôtre, réfléchissez à tous ces concepts ensemble et vous pourrez même avoir une liste des outils à votre disposition ou des différents aspects à chaque étape pour savoir ce qu'il faut garder à l'esprit. N'hésitez pas à continuer à expérimenter avec votre composition et quand vous serez prêt, passons à autre chose. Une fois que nous aurons mis en place notre composition d' esquisse de base, vous pouvez soit nettoyer la ligne soit créer une miniature de valeur rapide afin de vous assurer d'avoir une petite carte pour vous au fur et à mesure que vous vous déplacez pour sélectionner une palette de couleurs et affiner votre travail au trait. gardant à l'esprit tout ce que nous avons appris, notamment en évitant les tangentes, en nous assurant que les plans séparés sont clairs et en attirant l'œil sur les points focaux importants, commençons à utiliser notre système de cinq valeurs pour commencer à réfléchir à manière dont nous pourrions signer et regrouper les différentes valeurs dans notre esquisse. Je vais commencer par ma quatrième valeur sur ses cheveux. Sachez juste que je veux créer un contraste élevé entre son visage et ses cheveux. Ensuite, en utilisant ma valeur la plus légère pour sa peau, cela pourrait aussi être l'inverse. Puis je me suis frayé un chemin sur l'illustration. En utilisant ces valeurs et tous les concepts que nous avons appris, je peux m'assurer qu'il existe une différenciation claire qui sous-tend la composition et la structure de mes dessins. Même si j'ai des objets superposés, ce qui est déjà une façon claire définir différents plans, je peux également utiliser des valeurs de contraste pour le rendre encore plus clair. Je peux utiliser des valeurs plus fortes lorsque c'est plus proche du spectateur, puis des valeurs plus légères aux endroits où je n'ai pas nécessairement besoin que le spectateur regarde tout de suite. J'utilise également le contraste entre les valeurs plus sombres des vases et des feuilles afin d' attirer votre attention sur l'œuvre après avoir vu le personnage pour la première fois. Ensuite, une valeur plus claire pour l'arrière-plan car je veux qu'il soit davantage en arrière-plan et qu'il n'attire pas nécessairement l' attention dessus tout de suite. En parcourant les cinq valeurs, vous constaterez que vous devrez peut-être les ajuster parfois. Par exemple, sur sa veste, je voulais avoir deux valeurs qui montrent clairement une différence entre la chemise sous sa veste et la veste elle-même, mais pas une énorme différence. J'ai donc légèrement éclairci la couleur de la veste et légèrement assombri la couleur de la chemise pour mes trois et quatre valeurs. C'est le bon moment pour faire une pause et réfléchir à la différence entre une étude de valeur et la création d'une miniature de valeur pour votre propre travail. Ici, il n'y a rien que j' observe et que je copie, mais les études de valeur m' aident vraiment à comprendre comment les autres utilisent la valeur pour créer une structure vraiment solide pour leurs dessins. Quand vient le temps pour moi vignettes de valeur pour mes propres pièces, je peux vraiment commencer à faire attention à la manière de regrouper les valeurs et à un bon équilibre entre les deux de mes différentes valeurs. Je pense à la tonalité majeure et mineure pour qu' elle soit très lumineuse et vivante. J'utilise donc une touche majeure haute et aussi touche mineure assez haute en termes de niveau de contraste. J'ai mes ténèbres les plus sombres. J'ai des blancs très blancs. Je m'assure qu'il y a beaucoup de contraste sur son visage, mais aussi sur son écriture. Ensuite, juste l'équilibre général qui consiste à donner l'impression que c'est un cadre lumineux, mais aussi apaisant. J'ai commencé par les cinq valeurs de base, mais vous avez vu que j'avais fait quelques ajustements ici et là. Je travaille probablement presque davantage avec une échelle de neuf valeurs ou de près de 10 valeurs, car dans certains domaines, je souhaite qu'il y ait une différence un peu plus subtile. Avec cela, j' ai déjà une feuille de route pour ma palette de couleurs lorsque viendra le temps de réfléchir à la manière de choisir les couleurs, à partir de laquelle je souhaite collecter les teintes dans la plage de valeurs. Même si je sais que je veux que ce soit vert, orange et pêche, quel type d'orange et quel type de légumes verts je recherche ? Maintenant, je ne veux pas trop répéter ce dont j'ai parlé dans le cours de couleur, en termes d' émotions que j'essayais de transmettre, de la psychologie des couleurs et de la façon dont j'ai fini avec mon vert. et palette orange. À ce stade, je vais simplement parler un peu plus de la création de profondeurs et de ce à quoi je pensais du point de vue de la composition. Comme vous l'avez appris dans la section sur la perspective du planificateur, il y a quelques aspects de la couleur auxquels nous pouvons réfléchir, comme le fait de la rendre un peu plus désaturée et plus lumineuse parce qu'elle est plus loin loin. Mais pour moi, parce que je voulais attirer l'attention sur elle, j'ai décidé de la garder aussi vivante que le reste de l'image. Je ne dirais pas que les légumes verts que j'ai utilisés sur elle ou les rouges et les oranges que j'ai utilisés dans les détails sont vraiment beaucoup plus désaturés ou plus éloignés que les objets au premier plan. nous ne ressentons pas vraiment cette distance ou ce changement De toute façon, nous ne ressentons pas vraiment cette distance ou ce changement de valeurs et de teintes lorsque les choses se rapprochent si étroitement les unes des autres. Mais j'ai choisi une couleur de fond plus neutre et atténuée pour l' arche arrière. Quand j'ai pensé au rendu et à la valeur à accorder aux objets qui s'y trouvaient, j'ai décidé de garder les choses très simples, plus plates et un peu plus sobres. Si vous avez créé votre propre dessin ou si vous l'avez recréé maintenant avec votre propre compréhension de la façon dont tout s'assemble, j'adorerais voir comment tout cela s'est passé. 30. Profondeur et composition 5 : Résumé: [MUSIQUE] J'espère que vous avez beaucoup appris en voyant comment tout ce que nous avons appris s' intègre dans ce projet de fin de cours. J'ai hâte de voir ce que tu as fait. Tout d'abord, passons en revue un bref résumé de ce que nous avons appris ensemble dans cette section sur la profondeur et la composition. Dans cette section, nous avons découvert l'évolution des différentes approches de la perspective, y compris la perspective linéaire classique et la perspective planaire et parallèle, et pourquoi elles pourraient être utilisées des fins différentes dans les expressions artistiques. Nous avons appris à créer de la profondeur dans une perspective plane ou plane en utilisant le premier plan, milieu et l'arrière-plan, et en variant les détails et les tons. Nous avons appris des techniques de composition classiques, telles que la règle des tiers et des groupes de trois, et nous avons appris à diriger l' œil avec des points focaux et différents rythmes dans les lignes. Vous assemblez le tout en bouclant la boucle et en apprenant les premières étapes d'un dessin original, créer des idées et créer des vignettes. Pour poursuivre vos études, je vous encourage à continuer à vous entraîner, en particulier avec de petites vignettes simplement des croquis et en proposant différentes idées et, bien sûr, en observant les œuvres d'art, les photos, et des films que vous aimez pour mieux comprendre quelles compositions vous conviennent le mieux. Vous pouvez également consulter des livres contenant des techniques de composition adaptées à vos intérêts. Par exemple, j'ai ces livres très détaillés sur le travail de Hokusai et Muka, qui m'aident vraiment à étudier leur approche de la composition. Passez un peu de temps à explorer et à faire les exercices de compétition par vous-même Quand vous serez prêt, retrouvons-nous dans la dernière partie de ce cours [MUSIQUE] 31. Réflexions et conseils finaux: [MUSIQUE] Félicitations pour avoir terminé ce cours de base en dessin. Nous avons beaucoup appris ensemble et j'espère que vous êtes fiers de ce que vous avez accompli. Nous avons maintenant une base solide et nous comprenons comment nos outils de ligne, de forme, de valeur, de forme, couleur et de lumière peuvent se combiner pour commencer à renforcer nos dessins d'observation. À partir de là, nous savons comment utiliser ces mêmes outils ajouter de la perspective et de la composition et développer notre propre expression artistique. Continuez à pratiquer les exercices de ce cours et vous vous améliorerez. Pour vous faciliter la tâche, j'ai compilé les principaux concepts et exercices dans un classeur auquel vous pouvez vous référer à tout moment. Si vous avez apprécié ce cours et que vous souhaitez plus de soutien dans votre parcours de dessin, je vous invite à rejoindre mon studio de dessin pour des instructions guidées, d'autres cours et des sessions en direct avec moi et un , communauté intimiste dans le studio Mimochai. Quoi qu'il en soit, pratiquer avec la connaissance des outils que vous avez appris dans ce cours sera bien plus efficace que de simplement pratiquer aveuglément. Pendant que vous continuez à vous entraîner, n'oubliez pas de garder l'état d'esprit de votre explorateur et de dessiner ce que vous aimez. Ainsi, vous resterez motivé pour poursuivre ce voyage et le considérer comme une aventure de dessin. Je vous invite également à laisser une critique et un commentaire pour ce cours, car c'est très utile à la fois pour moi en tant qu'enseignant et pour les autres étudiants qui envisagent de suivre ce cours. Merci beaucoup de m'avoir rejoint. attendant la prochaine fois, prenez soin de vous et continuez à créer. [MUSIQUE]