Appréciation de la musique classique : fondamentaux des parties 3 et 4

1. Introduction: Dans cette troisième section du cours, nous allons aborder certains termes importants liés à l'enregistrement. En passant par la musique classique. J'en ai déjà utilisé certains, il est donc bon de mieux comprendre ce que nous avons abordé dans les dernières conférences. Ce sera une partie très instructive. Il y aura des notions, il y aura des guerres, il y aura des informations en général, pas tant de musique et désolé, après cela, Bruckner, cela ne vous semblera peut-être plus si excitant. Toujours. C'est, c'est un bon investissement en temps et cela permettra de gagner du temps à l'avenir. Entrons directement dans le vif du sujet. Le premier terme que nous devons apprendre est le mouvement. Qu'est-ce qu'un mouvement  ? J'ai déjà utilisé ce mot à plusieurs reprises aujourd'hui. Nous pouvons définir le mouvement comme une sous-pièce. La plupart des pièces de musique classique sont assez grandes et sont divisées en plusieurs, généralement trois ou quatre, mais pas toujours plus petites. Cela signifie qu'ils ne vont pas du début à la fin sans interruption. En revanche, ils sont divisés en plus petits. Pourquoi cela a-t-il été inventé ? Parce qu'à l'époque baroque, une pièce entière qui pouvait durer dix ou 15 minutes, comme de nombreuses pièces baroques, s'intègre en moyenne. Sans aucun changement dans la vitesse de fin le personnage était perçu comme ennuyeux, pas attirant, attirant. C'est pourquoi une pièce qui durait par exemple 10 minutes et qui, au lieu d' être rapide ou lente de 10 minutes, a été divisée en trois pièces plus petites selon la formule courante « rapide, lent, rapide ». Il s'agit donc d'une pièce à plusieurs moments différents avec plusieurs caractéristiques différentes. Plus de maladies, plus de matériel, et l'expérience musicale globale était plus variée et plus intéressante. Plus le temps passait, plus l'attention et l'espace augmentaient, et les pièces commençaient à prendre de l'ampleur. C'est pourquoi, s'il s'agit de Concerto, nous verrons ces paroles plus tard. Un concerto baroque, par exemple, dure en moyenne 10 minutes. À l'époque classique, le même type de composition durait de 20 à 30 minutes, pour nous le rappeler au fur et à mesure que nous approchons des quatre minutes, etc. Comme les mouvements individuels prennent de plus plus d'importance, ils obligent les compositeurs à accorder une assez grande attention à chacun d' entre eux et ils prolongent la durée de vie de chacun d'entre eux. Maintenant, le mouvement est quelque chose que nous verrons beaucoup. Schumann, c'était le premier mouvement de l'ensemble du concerto in broken air. C'était la fin du premier mouvement de la symphonie. Donc, en gros, tout est terminé. Alors. Quelque chose comme les commutateurs n' appartient pas vraiment au sujet de base. Mais j'en ai parlé tout à l'heure en parlant de romantisme. Je pense donc qu'il est juste d'expliquer ce que cela signifie pour vous. Les expressions, la musique absolue et la musique de programme. Mange une pizza. En général, dans la musique classique, il devait y avoir l'un ou l'autre des deux. Quels sont-ils ? musique absolue est donc le morceau de musique générique qui n'a vraiment aucune référence à autre chose. La musique pour la musique, le masque à chaussures, concerto pour piano, la symphonie de Bruckner et chacune des symphonies de Bruckner. Une musique absolue. Parce qu'ils, ils le sont, le contenu musical est tout ce qui compte. Nous n'avons besoin d'aucune source d'inspiration autre que la littérature ou autre chose. C'est juste de la musique en elle-même. Et la musique est le but final. n'y a pas d' interférences, d' interférences, d'interférences d'autres arts ou d'autres disciplines en ce qui concerne la musique programmée, est-ce le contraire ? Un morceau de musique de programme est toujours inspiré. Décrit ou raconte l'histoire. histoire tirée d'une autre œuvre qui n'est pas musicale. Par exemple, l'hybride est, comme nous l'avons vu dans le cours précédent, un morceau de musique de programme. Je devais vous raconter l'histoire de l'inspiration de la grotte des doigts. Sur la grotte que Madison a connue au cours de son voyage. C'est une pièce qui parle d'un lieu. Un lieu n'est pas quelque chose d'un point de vue musical. La musique s'y rapporte. Cela fait de la musique de programme un morceau de musique de programme qui peut raconter une histoire. C'est donc narratif, on peut s'inspirer d'un poème. Il essaie donc d'exprimer le contenu du poème avec le son et ainsi de suite. Je l'ai mentionné dans le chapitre sur le romantisme, car pendant le romantisme, l'utilisation du programme devient de plus en plus importante. Il a toujours été là, honnêtement. Mais dans le romantisme, le romantisme prend le dessus. Et même s'il s'agit d'une musique absolue, l' acier reste très important et occupera toujours une place prépondérante dans la musique, la production musicale, la musique de programme est présente et gagne en importance. Nous en trouverons beaucoup au XIXe siècle. Passons maintenant corps principal de cette section, qui portera sur genres les plus importants et les plus courants. genres que j'ai pratiqués avant de filmer la prononciation de ce mot, mais ma bouche italienne n'est pas vraiment généreuse. Mais qu'est-ce que le genre ajourné ? C'est une sorte de pièce. Chaque pièce possède des caractéristiques différentes. Et chaque pièce appartient à une catégorie qui repose principalement sur les instruments ou voix impliqués dans son interprétation. donc la formation d'une pièce, est donc la formation d'une pièce, la reformation des joueurs, qui définit l' identité de la pièce. Nous allons voir dans les prochaines conférences, les conférences à venir. Les genres les plus courants et les caractéristiques des plus importants de la musique classique. Vous en avez probablement déjà quelques-uns dans les oreilles. Symphonie, concerto, sonate, ce sont mots assez connus si vous aimez la musique classique, si vous ne l'aimez pas, nous les verrons. Donc pas de problème. Donc, avant de les aborder un par un, il est important de savoir maintenant que tous les genres appartiennent à l' une des deux catégories principales. Ces catégories sont la musique de chambre et la musique complète. La musique de chambre concerne de petites formations. Donc, une poignée d' instruments avec des voix mixtes, peut-être des voix de ces instruments, puisqu' ils sont identiques. À cette fin, de la musique entière. D'autre part, les longs métrages, les grandes formations et, bien sûr, doivent être joués dans une grande salle. C'est pourquoi il porte ce nom. Maintenant, nous sommes également liés, et cela sera très important, au contenu de la chronologie que nous avons abordé précédemment. Si vous ne l'avez pas vérifié, veuillez le faire. La chronologie est la chose la plus importante. Et parce que nous devons nous adapter au contexte culturel pour vraiment comprendre pourquoi certaines personnes généreuses se sont développées d'une certaine manière. Alors allons-y, passons au thé. Nous partons des plus petites pour aller progressivement vers les plus grandes formations. Nous commençons donc par la musique de chambre. 2. Sonata et suite: Dans la conférence précédente, j'ai dit que nous nous rapprocherons des périodes chronologiques afin comprendre l'évolution et la naissance, tout d'abord des différents genres. Je dois dire que Barack est un peu problématique à cet égard. Pourquoi ? Parce que c'est un peu anarchique dans ce sens et dans bien d' autres aspects de la question. y avait pas beaucoup de communication entre les différentes parties de l'Europe. qui signifie que les noms des genres étaient également arbitraires, il n'y avait pas de façon courante d'appeler, de nommer les pièces. Cela signifie que si un auteur a initialement au concerto un nom en Allemagne ou en France, il pourrait être nommé d'une autre manière. Et c'est quelque chose d'un peu surprenant. Dans le classicisme. Nous assistons à la première standardisation des revues et d'un grand nombre d'entre elles, qui sont ensuite considérées comme les plus importantes, les plus importantes jusqu'à l'ère moderne, où nous sommes placés dans cet état et codés par le classicisme. Pendant le classicisme, toujours dans le baroque, nous avons déjà quelque chose qui est né et qui durera pendant toute l'histoire de la musique. Le principal, l'un de ces genres, est le. Alors, qu'est-ce que la Sonate ? La Sonate est une pièce de très petites proportions en termes de formations, qui la joue, la joue. Il s'agit d'une pièce pour un ou deux instruments , divisée en trois ou quatre mouvements, janvier, mais ce n'est pas un nombre fixe. Je ne dis pas qu' il faut faire attention ce que chaque pièce pour un ou deux instruments soit une sonate. Il y en a d' autres, d'autres genres secondaires, en particulier, je dirais, en particulier pendant le romantisme et aussi pendant Barak. Ce ne sont pas des sonates et c'est en acier que se trouve cette petite formation composée d'un ou deux instruments. De l'acier, c'est sûr. Sonata est toujours pour un ou deux incidents. Lorsque vous voyez le mot sonate, c'est ce à quoi vous devez vous attendre. Maintenant, cette sonate traverse toute l'histoire de la musique, du poumon, bien sûr, elle a évolué au fil des siècles. Il est composé et utilisé par des auteurs. Dans le capteur Baroque. Habituellement, nous avons un instrument mélodique, qui est souvent le violon, mais qui ne doit pas nécessairement être évalué. Il s'agit d'une campagne menée par un instrument harmonique, qui peut être un instrument à clavier. Parfois, l' instrument à clavier est doublé par un autre instrument grave de renforcement, mais ce n'est pas toujours le cas. C'est à ce moment-là que la sonate est destinée à de vrais instruments. Quand c'est pour une personne, plupart du temps, nous avons un instrument à clavier. Plus tard, la sonate pour deux instruments change légèrement. Pendant la période classique, par Beethoven. Les deux instruments acquièrent la même importance. Ce n'est pas une liste complète avec l'accompagnement. Mais nous avons généralement, encore une fois, le piano. La plupart du temps, il y a un instrument à clavier et un violon mélodique, violoncelle ou tout autre , qui ont la même importance. C'est quelque chose d' important, car si vous écoutez une sonate de Bach, si vous écoutez c'est complètement différent du point de vue de l'expression. Et l'équilibre entre les deux instruments, l'un romantique, lorsqu'il s'agit d'un piano et l'autre, a le même poids. Pour ainsi dire. Avant de passer aux principaux généraux des cours, je voudrais mentionner les cours de, le, le, une autre musique de chambre baroque, le mois de janvier, qui se situe principalement dans la catégorie de musique de chambre. Pas toujours. Ça l'est. Le doux. Sweet est totalement Barak. Ce n'est pas le cas, il meurt avec Barak. Quand tu croises le mot doux. À une autre époque, en particulier à la fin de la période romantique, cela signifie quelque chose les gars. Alors, s'il vous plaît, ne vous y trompez pas. Je suis désolée que parfois, dans la musique classique , les mêmes mots soient utilisés pour plusieurs choses. Mais c'est pourquoi nous devons être précis. La suite baroque est une œuvre de musique divisée en plusieurs mouvements, qui a la particularité que chaque mouvement est une danse. Cela ne veut pas dire qu'il est destiné à être dansé. Pas du tout. La suite est uniquement destinée à des fins d'écoute. C'est de la musique de danse. Sans danseur. De la musique de danse, qui est destinée à être écoutée et appréciée comme n'importe quel autre morceau de musique. Normalement, la suite est une pièce de musique de chambre. Cela signifie pour une petite formation, mais pas toujours. Par exemple, Johann Sebastian Bach a écrit une poignée de superbes suites pour orchestre. Cela signifie donc une plus grande. Avant de passer à autre chose, je dois dire que dans un Baraka, la frontière entre la musique de chambre et l'ensemble de la musique n'est pas là. C'est le coffre tel qu'il sera plus tard. Pourquoi ? Parce que la différence qui ne réside pas seulement dans les chiffres , mais aussi dans l'état d'esprit et la conception de musique de chambre, n' était pas vraiment là. Et aussi parce que les orchestres baroques ne sont généralement pas si grands, ils se situent un peu entre les deux. Ils le sont, on les appelle souvent l'orchestre de chambre. L'orchestre, qui se situe entre toute l'énergie et la formation de chambre. Peut-être une formation de dix à 20 personnes. Sauf quand il y a des cours. y a donc beaucoup de voix alors, bien sûr, l' orchestre doit être plus grand. Mais normalement pour des orchestres de musique purement instrumentale et jamais nous embarquons. Maintenant, je suis désolée, c'était peut-être un peu confus. Parce que Barack l'est malheureusement, la chose la plus importante que nous avons abordée dans cette conférence est la Sonate. Souvenez-vous de la Sonate , pour un ou deux instruments divisés en 34, généralement des mouvements. C'est, c'est la chose la plus importante, qui mérite d'être rappelée. Tout le reste aura du sens au fur et à mesure que nous acquerrons l'expérience en matière d'écoute de musique classique. En général, je n'écouterais pas d'exemple correspondant à cette partie parce que nous allons beaucoup rencontrer ces concierges et ce n'est pas une obligation maintenant de prolonger chaque conférence. Mettre dedans 2 minutes de musique juste pour le plaisir, ça ressemble à ça. Nous abordons maintenant le concept très important de la musique de chambre classique, qui est quelque chose de réel ou de bonbon au sens, en termes culturels. C'est le petit chocolat le plus doux, très, très beau, qui lui donné et donné à a donné et donné à composer la chance de produire de la bonne musique. Nous le voyons maintenant. 3. Musique de chambre classique: Comme déjà mentionné, pendant la période classique. Nous sommes donc dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, musique de chambre prend un tout nouveau sens. Surtout, ou du moins à partir de la ville dans laquelle je vis. Oui, à Vienne. Quelque chose de nouveau commence. Il y avait ici des conditions sociales très particulières et uniques , avec un goût prononcé les relations entre les gens ordinaires, la population et la musique. Ici, à Vienne, il y avait un nombre sans précédent de musiciens amateurs. Beaucoup, beaucoup, plusieurs milliers de huit, des centaines, probablement des milliers de personnes qui n'étaient pas musiciens professionnels aimaient jouer la musique pendant leur temps libre. Et la musique était considérée comme un outil social exquis et très efficace. C'était tout à fait normal de passer une soirée entre amis et de se retrouver après le dîner à jouer de la musique ensemble. Cela était considéré comme faisant partie des rituels sociaux consistant à passer un bon moment ensemble. Encore une fois, cela explique la très forte demande de musique de chambre au cours de ces années. C'est pourquoi le grand compositeur que nous connaissons déjà à plusieurs reprises aujourd'hui, Franz Joseph Haydn, avec l'un des principaux fondateurs du classicisme musical, forgé ce nouveau type de musique de chambre, qui répond aux besoins de ce public particulier. Alors, qu'en est-il de cette musique de chambre ? Tout d'abord, la musique de chambre est bien entendu une gamme de formations. Cela commence par la sonate la plus, la plus petite, avec un ou deux instruments, et passe à huit, soit environ huit instruments. pièces en acier pour six instruments ou plus ne sont pas très courantes, surtout dans les années classiques. Pourquoi ? Parce qu'ils posent des problèmes pratiques. Pas toutes les chambres. La musique de chambre était jouée dans, dans, en privé, dans des maisons privées. C'était assez grand pour accueillir autant d'instruments et aussi pour le public, qui était bien sûr très restreint. Et il n'était pas facile de trouver autant de musiciens pour jouer une pièce, 468 instruments. C'est pourquoi les formations préférées étaient trois ou quatre instruments. C'était un bon chiffre, un bon compromis entre les conditions pratiques et la richesse des possibilités offertes par cette formation. C'est pourquoi les deux grands genres de musique de chambre classique sont apparus. Et ces deux généraux sont restés importants également pour le romantisme. Et puis il y a le Trio pour piano, violon et violoncelle, et en particulier le quatuor à cordes. Le quatuor à cordes est le genre de musique de chambre par excellence qui est le plus important. La formation à quatre cordes, c'est-à-dire de véritables violons, un alto et un violoncelle, est perçue par les compositeurs présente une formation parfaite car elle rappelle la corde vocale une voix basse pour les hommes et deux femmes pour une voix haute. Les deux violons étant Sovereign, alto, et les deux alto et violoncelle, ténor et basse, les voix masculines. Et cela crée une image de perfection de bas en haut, avec le premier violon, qui est le plus haut, l'enfant, qui est le plus bas, qui a joué des parties extrêmes. Et le second violon qui joue plus bas que le premier. Les altos, qui sont les parties internes, couvrent l'ensemble du spectre sonore et sonore comme un grand instrument, car le son des instruments à cordes est très similaire, même s'il provient de têtes différentes. Et c'est-à-dire que cela ressemble à des possibilités infinies. Et puis un instrument parfait. Maintenant, quelles sont les caractéristiques de la musique de chambre classique. Ils sont conçus pour être parfaits pour l'environnement dans lequel ils ont été joués. Musique classique, musique de chambre, pièces de musique de chambre classique mime, une conversation très raffinée, polie , élégante, avec T et intelligente. Comme une source dans un événement social, lorsqu'un groupe est un groupe de voix qui discutent, nous avons un groupe d'instruments passent tout l'été, sains, non pas intentionnels au sens moral du terme, mais ensuite, dans le cadre d'une conversation agréable et rythmée. C'est pourquoi les rôles des instruments sont égaux. n'y a pas d'instrument plus important qu'une seule réponse. De même, quand c'est le cas, quand, pour les gens, habitude, parlez ensemble. Haydn, l'acier a l'habitude de donner plus d'importance au premier violon qu'aux trois autres. Mais il était également violoniste. Mais de Mozart aux quatre instruments et à d'autres formations, toutes plus anciennes encore. Le nombre d'instruments a la même importance. C'est une chose très classique typique. La conversation est, même si elle est raffinée et même si ce n'est pas un voisin vulgaire, elle est souvent un peu frivole. Pourquoi ? Parce que c'est une façon exquise de passer du temps ensemble. Cela ne doit pas être sublime. Cela ne doit pas être inoubliable. Pas du tout pour l'esprit rationaliste classique. Cela n'est pas obligatoire. Cette idée selon laquelle chaque œuvre d'art doit être unique, doit être très significative, doit être mémorable, est typiquement romantique née de Beethoven et particulièrement appréciée par les romantiques. Ici. Nous vivons ici dans une société différente. La vision de la musique est différente, et en particulier celle de la musique de chambre est différente. Pour le classique. Intellectuels classiques. Et les artistes sont des intellectuels en ce sens. Être frivole n'est pas nécessairement une mauvaise chose, condition que la conversation soit intelligente, intéressante et qu' elle ne se résume pas à un laboratoire vulgaire. Vous pouvez, vous pouvez vivre des moments artistiques incroyables, même en étant frivole. Et aussi parce qu'ils sont tous un peu frivoles. C'est l'esprit de la musique de chambre classique. C'est le premier public de la pièce. Pendant qu'ils jouent, les musiciens eux-mêmes s' amusent à jouer ensemble. Et il y a aussi généralement un petit public composé des autres invités, des familles, etc. C'est l'environnement. Nous y sommes. Dans une pièce comme celle-ci, c'est celle dans laquelle je me trouve, je peux facilement y jouer de la musique de chambre. C'est l'esprit, puis, à partir de Beethoven et de bien d'autres choses, cela commence à changer. Cette fois, je voudrais vous donner un exemple, car la façon dont cela sonne est importante pour vraiment en comprendre l'esprit. Réécoutons donc, comme d'habitude, un court extrait d'un quatuor à cordes de Haydn. Haydn a écrit plus de 70 quatuors à cordes. Il est le maître du quatuor à cordes. Et écoutez à quoi cela ressemble vraiment. Trouvez des moments sociaux. Maintenant, vous voyez à quel point cela ressemble vraiment à un dialogue, à une conversation, et à quel point le type de rhétorique question-réponse est si important ici. En général, la musique est basée sur le schéma de questions-réponses, l'action et la réaction qui sont cruciales pour moi. Mais ici, tout est vraiment là et flou. À deux. Pour compléter le tableau, je voudrais bien entendu mentionner le fait que le trio avec piano et les quatuors à cordes sont les tribunaux de district qui constituent les genres les plus importants. Mais il peut y en avoir beaucoup d'autres avec n'importe quel mélange d'instruments. Il n'y a vraiment aucune règle. Nous avons un quintique, le sexe d'un octuor équivaut à 568 instruments. Seven n'est pratiquement jamais là. Je dirais presque jamais. Et c'est ainsi que le concept moderne de musique de chambre, cette planche. Nous examinons maintenant le romantisme et voyons brièvement comment, au cours du siècle suivant, ces changements diélectriques se sont produits. 4. Musique de chambre romantique: En cours. Avec le temps, la société change. La musique, les changements, l'art en général et la conception de l'art qui les modifie, cette façon de concevoir la musique de chambre que nous avons connue pendant les années classiques à Vienne, en particulier, mais bien sûr, elle a été exportée ne pouvait pas durer aussi longtemps. Au siècle suivant, au XIXe siècle, ces changements surviennent d'abord Beethoven, qui refuse ce concept de conversation raffinée mais un peu frivole, pas du tout. Pour la version bêta de chaque morceau de musique. C'est le but principal. Être sublime, être inoubliable, raconter l'histoire de la paroisse tout entière et embrasser le monde entier. Cela contraste bien sûr avec ce qui existait déjà, mais de nombreux compositeurs romantiques nous choisiront comme modèle, même pour la petite formation. Cela se rapporte peut-être plus naturellement au monde des grandes formations, grands orchestres, des compositions qui créent un mur sonore véhiculant ces grandes idées. Mais encore Beethoven et certains de ses admirateurs à l'époque romantique. Nous essayons toujours d'y parvenir, même avec de petits chiffres. 24 instruments essaieront de jouer comme un ocre. Donc avec la même force d'orchestre et la même roue d'approvisionnement et de terrain. agit certainement d'un courant de musique de chambre qui existe dans le romantisme, mais qui n'est pas le principal. Il y a autre chose qui remplace la conversation raffinée que nous avons pendant le classicisme. Et c'est la recherche, la recherche pour Teamocil. C'est quelque chose qui est typique du romantisme. La musique, la musique de chambre, s'impose comme un produit à consommer, ce qui était certainement le un produit à consommer, cas dans le classicisme, elle se vendait et se consommait. Vraiment. Cela ne veut pas dire que c' était une œuvre d'art inférieure, pas du tout, mais elle pourrait être une œuvre d'art de meilleure qualité, mais elle a tout de même été produite pour être, vendue et appréciée par le public. Pendant le romantisme, cela s'arrête vraiment. Le romantisme est en soi plus militaire. Le cercle autour de l'artiste est petit, la masse aussi petite, parce que vous pouvez comprendre cette vie intérieure, les luttes, la fantaisie et l'imagination du romantique. Romantic sait déjà qu'il écrit pour quelques personnes choisies. C'est la raison pour laquelle la musique de chambre vise également à créer une atmosphère intime, lien intérieur entre les musiciens, qui sont bien plus que les protagonistes des personnages principaux de la conversation. Ils sont la voix de l'auteur. Et ce public très, très restreint, choisi en fin de compte. En équipe, dans le miasme, c'est le terme que nous utilisons pour définir cette tendance qui produit un si grand nombre de chefs-d'œuvre de nos œuvres sont vraiment époustouflants. Chapin en est sûr, la production étant entièrement dédiée au piano. Un seul instrument est donc le maître en la matière. Mais ce n'est pas seulement Chapin, mais il existe un genre typique du romantisme, qui dépeint l'intimité à son meilleur, est le rôle principal allemand. En allemand, « plomb » signifie Sanger. Et c'est ce qu'est l'élite. Une chanson pour une voix, qui peut être masculine, féminine, peu importe. Habituellement, le même rôle principal peut être chanté par un homme ou une femme. C'est très bien. Il n'est donc pas dédié à une voix, en particulier à un piano. Piano ou combinaison et voix chantant une chanson simple. Beaucoup de ces pièces d' intimité romantique sont plus petites. Tout ce que j'ai mentionné pendant le classicisme, c'est que le quatuor à cordes et le trio pour piano, qui se prolongent dans le romantisme, sont divisés en mouvements, généralement pour. Ce sont donc des pièces assez grandes. Toujours. Même dans l'atmosphère de notre conversation que nous avons vue pendant le classicisme et le romantisme, ils s' agrandissent de plus en plus. Nous avons donc le Quatuor à cordes de Schubert, durée d'environ 50 minutes avec Bramson, du romantisme tardif. De grandes pièces, 35, 40 minutes, toutes, avec tous les mouvements, avec la durée des quatre mouvements. Pourquoi ? Tellement d'autres pièces qui portent plusieurs noms différents, nous ne les voyons pas, pas plus que la principale d'entre elles. Ils n'ont pas plusieurs mouvements à l'intérieur. Ils ne sont pas séparés, en petits morceaux. Ils ne durent qu'une, généralement quelques minutes de plus. Pièce, 3 min, 4 min jusqu'à CS6 ou quelque chose comme ça. Ils sont considérés comme une expression émotionnelle chuchotée associée à un risque, qui est également facilitée par le choix d'un point. Parce qu'un leader est perdu et que nous avons donc des mots, le rôle principal vise à créer un lien fort entre l'expression musicale et poétique. C'est un genre très poétique en soi, et c'est typique. Le plomb allemand est vraiment allemand. Dans d'autres pays, nous avons l'opéra, qui capte de la musique vocale. Bien entendu, l'opéra n'appartient ni à la musique de chambre, ni à la musique de groupe. opéra se trouve dans le théâtre d'opéra, l'opéra, et c'est une catégorie à part entière 0 Opéra de Paris. Maintenant, nous parlerons certainement du plomb à l'avenir. Nous allons écouter plusieurs listes car le plomb, le plomb, est la principale source d' inspiration du romantisme allemand. C'est donc quelque chose de très important. Presque tous, je dirais, sans le, presque tous les grands compositeurs romantiques allemands ont écrit leader, qui est le pluriel des chansons principales. C'est un genre très, très puissant et très exquis sur le plan culturel. Maintenant, rapidement, pour terminer cette conférence, que se passera-t-il après le romantisme ? n'y a pas vraiment tout un tas d'innovations à l'ère moderne, cette intimité romantique s'estompe, s'estompe. Les pièces de musique de chambre perdent un ensemble général de caractéristiques culturelles, elles ne restent que la base d'une formation restreinte. Ce qui est nouveau, c'est que les compositeurs commencent à expérimenter, car expérimentisme est la chose la plus courante et la plus importante du nouveau siècle. Au 20e. Nous allons expérimenter une formation étrange. Une formation qui n'était pas traditionnellement cultivée par les romantiques et les compositeurs classiques. Nous verrons plus souvent des mélanges d'instruments à cordes et d'instruments à vent. Nous rechercherons des instruments de percussion entrent dans la musique de chambre, ce qui est vraiment étrange car la chambre n'est pas le lieu habituel pour les instruments de percussion. Parce qu'ils sont agaçants dans une pièce plus petite, dans une petite pièce. C'est la caractéristique principale de la musique de chambre du XXe siècle. Le côté de la chambre. Vous devez vraiment vous attendre à tout ce qui concerne les pièces de musique de chambre modernes. Maintenant, c'est fini pour la musique de chambre. Nous continuons à parler des immenses formations et de leurs deux principaux genres. 5. Symphonie et concerto: Nous découvrons maintenant la musique dans son ensemble, c'est-à-dire l'ensemble des genres qui mettent en scène de grandes formations, de nombreux instruments ou des voix. Il existe deux genres principaux dans cette catégorie. En fait, il y en a plusieurs autres, mais ils ne sont pas très importants et nous allons les suivre un par un, des cours séparés , parce que cela en vaut la peine, mais cela ne vaut pas la peine maintenant de se souvenir de nombreux noms, de nombreux mots, nous les verrons. Les deux principaux sont donc la symphonie et le concerto. La symphonie est née à l'époque classique. En fait, pendant Barack, il y avait quelque chose qui s'y cachait, quelque chose comme la symphonie. Mais au début, cela ne s'appelait pas Symphony. Et ce n'est pas le cas non plus, ce n'était pas un mois de janvier, ce qui était suffisamment mûr pour dire que cela existait déjà à l'époque baroque. Il est né avec des lunettes. Il a été expérimenté lors de la transition entre Barack et le classicisme. Et puis notre thème habituel, Franz Joseph Haydn, lui a donné sa forme finale. En gros. Cette forme finale est une assez grande pièce pour orchestre divisée en quatre mouvements, généralement en quatre mouvements. Les quatre mouvements en sont à l'origine, tels qu' ils ont été inventés par Haydn. Nous avons un mouvement de danse plus rapide, lent , en troisième lieu, puis un endear rapide, rythmé et passionnant. Plus tard, le troisième mouvement de danse sera remplacé par un autre type de mouvement. Nous le verrons quand ce sera le cas. Voici donc la gamme qui constitue la colonne vertébrale de la symphonie. Il en sera essentiellement ainsi pour les mouvements ultérieurs, le nombre de mouvements à la fin du romantisme sera, variera un peu. Mais quatre mouvements restent la norme. Cette symphonie est certainement l' une des plus prétentieuses. Une fois. J'utilise prétentieux car ce n'est pas un très bon choix parce que prétentieux a un mauvais sens, etc. Je ne veux pas m'avouer que c'est une mauvaise idée. Voler. La symphonie est un général qui, peu après sa naissance, acquiert une importance particulière. Compositeurs qui écrivent des symphonies. Et cela est vrai pour les dernières symphonies, tant de Haydn que de Mozart et surtout de Beethoven. symphonie sera toujours une œuvre généreuse et un peu énorme, à la fois en termes de durée, car Beethoven Radiant, le moteur des jambes, nous permet d'inférer des poumons. Mais il s'agit également d'une composition qui raconte quelque chose d'inoubliable, qui soit une pièce difficile à écouter. Vous pouvez manger ne l'est pas, ce n'est pas vraiment une pièce à louer. Une sorte de paix qui vous permet d'écouter pendant que vous êtes distrait ou simplement détendu, ou simplement les deux, pour passer du temps sans vous concentrer. Leur symphonie est exigeante. C'est notre marque janvier dernier et Beethoven a sorti celui qui, qui dit cela après Beethoven. La symphonie ne peut pas être quelque chose d'oubliable. En fin de compte, cela peut être résolu, mais ce n'est pas dans l'intention du compositeur. Parlons maintenant du concerto. Le concerto est une pièce en trois mouvements, généralement rapide, lente, plus rapide, selon une formule standard pour un instrument, un instrument principal et un orchestre, ou une combinaison de ces deux mouvements. C'est dans ce genre de formule qu'il a fini par être établi. Comme d'habitude à l'époque classique. Je dois dire qu' à l'époque baroque, le Concerto existait déjà. Mais encore une fois, à la manière de Barak, ce fut succès grâce à l'invention du compositeur. Les règles définissant le concerto n' étaient pas standardisées et partagées. Dans toute l'Europe. Cela signifie que le nombre de solides, Verizon, peut être un, il peut être vrai de trois ou quatre en général. Et aussi l'orchestre, quels sont les instruments de l'orchestre ? Quelle est la taille de l'orchestre ? C'est chacun, chaque concerto comme un concerto différent. l'époque baroque, la plupart d'entre eux ne sont que des orchestres à cordes ou des incidents, mais ce n'est pas une règle. Parfois, nous avions des Wiggins, parfois deux, parfois trois, parfois six. Il n'y avait, il n'y avait pas de règles dans ce recensement. C'est pourquoi le concept moderne de Concerto, je dirais, est redéfini à l'époque classique, lorsque le solide est réduit. J'ai presque toujours 21 ans, c'est rouge. Et l'orchestre qui l'accompagne est généralement un orchestre symphonique. C'est le même genre d'orchestre que l'on retrouve dans les symphonies. Peut-être un peu plus petit mais pas, ça ne doit pas l'être. Cette symphonie de contraction régénérée est donc la plus importante. Encore une fois, il ne sert à perdre du temps à écouter quelques exemples. Des exemples parce que nous les trouverons un peu partout et que nous écouterons ces deux types de pièces. Plusieurs, plusieurs fois. En fait, nous avons déjà écouté un exemple des deux. Symphonie Bruckner. Schuman avait déjà joué un concerto. Vous pouvez donc y retourner et les écouter si vous le souhaitez. Maintenant, avant de passer à la dernière section de ce cours, je voudrais consacrer quelques réunions pour vous parler brièvement d' un autre ensemble de genres, à un autre ensemble de genres, la musique sacrée. 6. Musique sacrée: Cela vaut vraiment la peine de passer du temps à parler de musique sacrée, car dans l'histoire artistique européenne, en général, un art sacré est très important. C'est la plus ancienne et la plus ancienne de toute l'histoire de l'art. Cela signifie donc également que l'histoire de la musique est toujours présente. Ce genre de musique est donc le plus éternel dans le sens où il est le moins sujet à changement. Du baroque au moderne. Les oreilles modernes sont les deux principaux genres de musique sacrée. En gros, restez les mêmes. Ils sont le maître, le plus important, et l'oratorio, le second. Permettez-moi donc de les décrire rapidement. The mess est une composition destinée à être jouée lors de la messe dominicale. Le rituel est donc divisé en cinq mouvements, cinq parties. Ils ont un titre, qui est le premier mot du texte, qui est à chaque fois le même. La principale caractéristique du désordre est qu'il est vocal. Comprend des chanteurs, généralement pour des chanteurs solides et un noyau. Donc, la formation vocale est assez importante et c'est toujours sur le même texte. Les mots restent les mêmes. Ils sont intouchables. Bien sûr. Ceci pour ces 555 mouvements, ils, si vous voulez rapidement leur nom, mais il n'est pas important de les retenir. Zone clé, credo Gloria, Sanctus et utilisation De Santos est divisée en deux, Sanctus et Benedick. Ils veulent que le texte soit en layton, qui est la langue officielle de l'église. Et ils n'ont pas de vitesses fixes, de caractéristiques fixes. Les compositeurs ont la liberté d' écrire la musique qu'ils souhaitent sur les cinq corps principaux de la messe. Néanmoins, comme la musique fait référence à des mots, nombreux compositeurs font des choix habituels. Je pense que c'est suffisant pour le moment. Nous organiserons peut-être à l' avenir un cours sur la masse, car c' est très intéressant. De nombreux grands compositeurs ont écrit des messes. Il y a donc de la bonne musique là-bas. Le deuxième grand genre de musique sacrée est l'Oratorio. Oratorio est un mot italien. Elle est née comme bien d'autres choses dans la musique classique en Italie. Il n'y a pas vraiment de mot anglais original pour cela. Qu'y a-t-il dans l'auditorium ? C'est une immense composition de musique sacrée. La formation est la même que la masse. Nous avons un orchestre, deux oratorios et de bons chanteurs. Certains d'entre eux sont dans le pétrin pour lequel ils sont là. Dans les oratorios. Le nombre n'est pas fixe et il s'agit d'un noyau, généralement assez gros. La caractéristique principale de l'oratorio est qu'il est narratif. C'est une histoire, historique, tirée de la Bible, des histoires sacrées. C'est un peu comme un opéra. L'opéra sacré, qui fait la différence entre l' oratorio et l'opéra. Opera, pas tant que ça. Juste un couple. La première est qu'il n'y a pas de scène dans l' oratorio. Les chanteurs ne jouent pas. Peut-être qu'ils se contentent de suggérer, mais pas toujours. D'habitude, c'est comme lors d'un concert, ils restent immobiles et ils s'enfoncent. C'est ça. Ce n'est pas une mise en scène. C'est pourquoi ce n'est pas le cas. L'oratorio n'est pas joué à la chambre haute. Cela n'est pas nécessaire. Il est joué dans une salle de concert ou à l'église. Et la deuxième différence majeure est que dans les films de réalisateur, nous avons toujours un narrateur Une voix, qui est généralement une voix masculine, ne joue aucun personnage. Il y a tous les autres chanteurs ou personnages qui interviennent dans l'histoire, dans l'intrigue. Mais il y a une voix qui raconte ce qu'il y a entre les scènes. Et c'est essentiellement le lecteur du livre sacré. n'y a pas de livre ou de livre sacré pour lire, bien sûr, les choses singulières par cœur, mais il l'est, il est le ciment entre la scène et les valeurs principales de l'ensemble de la composition. Tout comme un opéra en oratorio peut être très long. C'est, c'est très difficile. Une composition très exigeante, très énorme, peut durer des heures autant qu'un opéra. En train de lire. Ce sont les deux principaux types de musique sacrée. Encore une fois, ils ne le sont pas, ils ne sont pas les seuls, mais les plus importants. Nous terminons ici pour l'instant le vif du sujet sur les genres. Ce sont les plus importants. Encore une fois, nous allons découvrir celui que je n'ai pas évoqué aujourd'hui dans d'autres cours. Nous passons maintenant à la dernière section pour aujourd'hui car je pense que ce cours est déjà assez long. Et je ne veux pas m' attarder sur les bases. Cours de dix heures. Nous parlons de l'un des personnages principaux de la musique classique , à savoir l'orchestre. Comment se porte l'orchestre, quels sont les instruments, etc. Nous passons à cela. Et nous terminons. Le cours d'aujourd'hui. 7. Introduction à la partie 4: Comme dernier objectif de ce cours, nous allons apprendre à connaître l'orchestre. L'orchestre est certainement l'un des personnages principaux de la musique classique. C'est l'une des réalités les plus courantes auxquelles nous sommes confrontés lorsque nous allons écouter opéra ou un concert dans une salle de concert, dans une grande salle. L'orchestre est toujours là. C'est un très bon instrument pris dans son ensemble. En raison de l'énorme quantité de sons différents, du renversement des auteurs de l' orchestre. Mais cela peut aussi sembler un peu difficile car il existe tellement d'instruments différents qu'il n'est pas si facile de se familiariser avec chaque type de son. Dans les conférences suivantes, nous allons donc voir, un par un, les principaux instruments de l'orchestre. En gros, tous les instruments que nous rencontrons couramment et que nous commençons à apprendre et à nous familiariser avec le bois dont ils disposent. Timbre est encore une fois le mot technique, c'est un autre de ces mots. Je ne pense pas qu'il soit nécessaire de s' en souvenir, car cela signifie littéralement «  type de son ». Le bois est le son d'un certain instrument. C'est ça. L'orchestre, on découvre un peu de son histoire très rapidement avant lancer dans la musique et les différents instruments sont nés à l'époque baroque. acier, comme nous l'avons déjà vu à l'époque baroque, est encore très sensible aux circonstances. Et la roue du compositeur. Et le mot orchestre à l'époque baroque peut désigner des formations très différentes. Cela correspond à bien d'autres choses que nous voyons uniquement grâce au classicisme, je dirais à propos de la viande, des classes, etc., bien sûr. La signification actuelle du mot orchestre est une formation plus large d'instruments. Au moins 2020 est le minimum. 25 ou 30 instruments, ça commence à être un véritable orchestre. Qui met en scène les instruments toutes les familles, toutes les familles instrumentales, que sont les cordes, les vents et les percussions. Au moins un instrument de percussion. D'habitude, il y en a un. Nous les verrons tous plus tard. Dans le baroque. L'orchestre peut signifier que seules les cordes ne peuvent signifier que des victoires, que des cuivres. Peut être très petit, peut être très grand. C'est le côté pratique. Les circonstances pratiques ont donc dicté le contenu de l'orchestre. S'il n'y avait pas d' instruments disponibles, ces mots seront utilisés pour désigner autant d'informations, par exemple, cela se passe dans la caserne. C'est sûr. Le parcours de l' orchestre est un chemin de croissance. Ça commence petit. La plupart du temps. Dans le bar en haut, l' orchestre est petit. C'est normalement lorsque les tribunaux ne sont pas impliqués, lorsque l'orchestre n'a pas à soutenir une masse de voix. Bien sûr, il doit être grand pour correspondre au son des voix. Mais lorsqu'il est seul, l'orchestre baroque est normalement le meilleur modèle. Passant au classicisme puis aux romantiques, l' orchestre s' agrandit de plus en plus. Pourquoi ? Parce que moi, les compositeurs qui évoluent avec le temps, veulent plus de types de sons. Ce qui signifie que plus d' instruments diffèrent, voire différents. En termes de qualité, pas de quantité. Je veux dire, différentes qualités d' instruments en font une plus grande quantité. Deux sont rassemblées par les compositeurs, en particulier la famille des victoires, s'accumule de plus en plus. Bien entendu, cela nécessite également un plus grand nombre de cordes, qui étaient toujours présentes afin de correspondre au son des bois et des cuivres. Maintenant, nous verrons ces mots en détail plus loin : victoires, bois, cuivres. Nous allons les voir. Le point central lorsque nous définissons l'orchestre, je dirais que l' orchestre standard, est Beethoven. L'orchestre le plus utilisé par Beethoven, dans la plupart des symphonies, est l'orchestre de taille moyenne qui Beethoven, dans la plupart des symphonies, est l'orchestre de taille moyenne généralement une quarantaine d' instruments, et possède déjà la plupart des instruments disponibles. C'est un assez bon équilibre entre les victoires et les cordes et utilise ce tympan comme instrument de percussion. Plus tard, passant au romantisme, en particulier au romantisme tardif, l'orchestre devient immense, immense, de plus en plus grand. Jusqu'à arriver à la toute fin du romantisme, la fin du XIXe siècle, des orchestres de 100, voire 150 instruments, une masse de sons énorme. Je dirais qu'il vaut mentionner le savant fou de l'orchestre, le compositeur qui, après Beethoven, a commencé expérimenter de nouveaux instruments et à agrandir l' orchestre afin d'obtenir différentes couleurs créées par différents types de sons. Ce compositeur est le grand génie français, Hector Berlioz. C'est vraiment un grand compositeur. Je ne l'ai pas mentionné lorsque nous avons parlé de romantisme en général . Je suis désolée. Nous l'avons mentionné. Maintenant, il est, il est vraiment génial. Et il a entamé ce processus. Wagner a ensuite suivi son exemple et nous avons eu l'élargissement à de très grandes formations. Maintenant. Nous passons abord aux familles, puis aux instruments individuels. Nous utiliserons une pizza , conçue comme une pièce pédagogique, pour enseigner réellement comment fonctionne l'orchestre, quels sont les instruments. C'est donc parfait pour nous. Dans la prochaine conférence, nous allons maintenant le décomposer. 8. Familles d'instruments: Au début du 20e siècle, les tactiques ont pris une importance accrue car elles n'ont jamais permis d' enseigner efficacement, en particulier de s'adresser aux enfants. Enseignement. Cela a également nui à la musique. Tout à coup, de nombreuses pièces didactiques pédagogiques ont été écrites. Des pièces, qui voulaient enseigner quelque chose sur la musique. Une musique qui, au fur et à mesure du passage du centre, devient de plus en plus empilée et complexe. Il en va de même pour l'orchestre. Des pièces pour montrer comment fonctionne l'orchestre. Il existe notamment deux chefs-d'œuvre de ce genre. Si on peut l'appeler ainsi. Le plus célèbre est certainement Pierre et le loup de Sergei per coffee. S'il s'agit d'un conte de fées musical, est-à-dire d'une histoire qui se déroule et est racontée par un narrateur, avec de la musique c'est-à-dire d'une histoire qui se déroule et est racontée par un narrateur, avec de la musique à l' appui et chaque personnage étant associé à un instrument différent, le jeune public a appelé l' apprenant à reconnaître de manière amusante le type de son de chaque instrument, et aussi à connaître son personnage parce qu'il le jeune public a appelé l' apprenant à reconnaître manière amusante le type de son de chaque instrument, et aussi à connaître l'était, bien sûr, judicieusement associé à une personnalité différente. L'autre élément, sur lequel nous nous concentrons parce qu'il est plus schématique, convient mieux à nos objectifs. S'intitule le guide de l'orchestre pour jeunes par le grand compositeur anglais Benjamin Britten. Maintenant, cette pièce a également un autre titre, qui est un titre plus, je dirais, officiel. C'est plus conforme à la tradition de la musique classique, c'est sûr. Parce que cette pièce est si bonne qu'elle est également jouée, jouée en dehors de son rôle éducatif. Normalement, nous avons un haut-parleur qui pose la musique et explique ce qui se passe, ce sera mon rôle ici maintenant. Mais la pièce peut également être jouée comme une pièce de concert, comme un morceau de musique normal. En ce sens, il porte un titre différent, qui est Variations and food sur un thème de Henry Purcell. Un titre très long, oui. Encore une fois, le titre indique ce qu'est la pièce. Cela arrive toujours, cela arrive souvent dans la musique classique. Analysons donc ce titre, variations et brouillard, ornithine par poil, poil par cellule. La cellule Harry Potter est un excellent, je dirais le plus grand compositeur d'origine anglaise qui a vécu à Barak Handle, laissez-moi vous le rappeler. N'est pas né en anglais, est né en allemand. Mais Parcel est vraiment anglais et c'était un vrai génie. La Grande-Bretagne ressemble un peu cheveu par cellule. Prendre le rôle de leader, compositeur anglais de premier plan des temps modernes. Variations et Phuc. Alors thème. Avec des variations, qu'est-ce que c'est ? Un thème est une mélodie. Ce sont des synonymes. Le thème est synonyme de mélodie. Nous avons un manuel qui mélange le début, qui est à la base des variations. Qu'est-ce qu'une variation ? Si la variation est une pièce courte qui est généralement enchaînée à d'autres variations, comme c'est le cas ici, qui ressemble à un thème original, y ressemble suffisamment pour que nous puissions la reconnaître. Donc, oui, nous percevons un lien entre les deux, mais c'est aussi suffisamment différent pour apporter de la variété, pour introduire quelque chose de nouveau et pour nous ravir avec nouvelles fonctionnalités, généralement rythmiques ou mélodiques. Maintenant, vous pouvez comprendre que c'est un très bon moyen. Montrez différents instruments, car que va faire la Grande-Bretagne ? Nous écrirons une variation pour chaque instrument de l'orchestre. Et chaque instrument sera le personnage principal d'une variation. L'un après l'autre, nous allons créer une image. Cela créera une image de l'ensemble de l'orchestre. Nous verrons les différents instruments dès la prochaine conférence. Nous voyons maintenant le tout début de la pièce, qui ne parle pas des instruments individuels, mais de leurs familles. Les instruments sont regroupés en familles en raison de leurs similitudes. Nous avons trois grandes familles. Ce sont des victoires, des cordes, des percussions. Passons maintenant à l'écoute. Que se passe-t-il en premier lieu ? Le thème par set est joué par l'ensemble de l' orchestre afin que nous puissions entendre le son de l'ensemble est très puissant, très majestueux. Ça ressemble à ça. Maintenant, c'était tout, nous écoutons maintenant la même mélodie, qui vient ensuite, mais jouée par une seule famille, qui est la racine, gagne. Les instruments à vent sont donc les instruments dans lesquels il faut souffler pour être joués afin de produire du son. Cette famille est divisée en deux catégories principales. Ce sont les instruments à vent et les cuivres. La différence est que oui, le matériau dans lequel ils sont fabriqués, ou du moins ils ont été fabriqués à l'origine des instruments uniques, comme la flûte aujourd'hui, n'est plus en bois, mais c'était le cas, donc les instruments à vent constituent la première famille. Nous les verrons en détail les uns après les autres plus tard. Écoutons donc comment ils se sont rencontrés et nous verrons leur personnalité lors de la prochaine conférence. Les instruments à vent ne sont pas très puissants, mais ils ont une personnalité individuelle très particulière. Ce sont de vrais personnages. Ils ont chacun un son tout à fait unique. Alors que la famille qui vient d' arriver a des sons plus similaires, les instruments qui y sont impliqués sont très puissants. Les cuivres sont grands. Ils ont un son très puissant. Ils ont ce son juteux et gras qui fait vraiment plaisir à la salle. Au total. Ils sonnent comme ça. Les pinceaux ont, à eux seuls, un ton assez solennel lorsqu'ils entrent en jeu. Ils ne peuvent pas jouer, ils ne pourront jamais jouer des sets aussi vite. Ils ont donc ce visage grand, puissant et divin. Passons maintenant aux cordes, la famille du violon et aux instruments similaires au violon. Ils sont nombreux, ils font partie intégrante de l'orchestre. Et ils ont une voix douce. Elles ressemblent à la voix humaine, la voix virale en particulier, mais elles le sont toutes, elles se développent de la même manière. Le Byron est une imitation volontaire de la voix humaine. C'est censé sonner, comme si quelqu'un chantait. Le violon peut sembler si vous pouvez conseiller les violons les plus graves, les violons peu profonds, etc. Comme une voix principale. Ensemble, ils produisent ce genre de son que nous entendons aujourd'hui. La dernière famille est la famille des percussions. Ici, nous allons voir beaucoup de percussions. La Grande-Bretagne est tellement créative qu'elle est capable de créer quelque chose de vraiment étrange mais vraiment impressionnant, à savoir reproduire quelque chose similaire à la mélodie en utilisant uniquement les percussions. Ce qui est assez impressionnant. Oui, c'est quelque chose que l' on ne voit pas très souvent. Je dirais, et je le répéterai lorsqu'elles se succéderont, que les percussions ne sont pas vraiment à la hauteur dans l'orchestre, moins dans la majeure partie de l'histoire de la musique. Il n'y a qu'un seul instrument de percussion. Régulièrement dans l'orchestre, ce qui est très important, c'est le tympan, qui est le seul instrument d'orchestre. Nous allons l'écouter tweeter clairement maintenant car c'est celui qui lance le. Maintenant. Ce que nous écoutons maintenant, qui peut jouer sur de véritables nœuds. Tous les autres instruments, ou du moins la plupart d'entre eux, ne peuvent jouer aucune note, produisent simplement parce que si Nice, écoute quoi, prétend être capable de créer en utilisant uniquement cela. Maintenant que nous avons vu les groupes d' instruments, l'orchestre, les instruments à vent, les cuivres, cordes, les percussions, tout l'orchestre. Encore une fois, nous passons aux célibataires. Nous commençons par les instruments à vent, et nous poursuivons dans la conférence suivante avec les variations. 9. Bois: Commençons maintenant notre chemin à travers la découverte de chaque instrument. Je dois dire que c' était assez difficile de vous montrer une vidéo des personnes jouant le morceau ou non. J'ai choisi de ne pas le faire parce que je pense qu'il serait plus bénéfique de nous habituer à nous concentrer uniquement sur ce que nous percevons avec nos oreilles et à nous concentrer davantage sur le son de celles-ci et non sur leur apparence lorsque nous jouons. Nous commençons donc par les instruments à vent, normalement dans un ordre d'orchestre standard, c' est-à-dire l' orchestre de Beethoven, du dernier Mozart de la première partie du romantisme. Nous en avons deux. Deux de chaque. Instruments à vent. Chacun d' eux joue un rôle individuel. Cela signifie que pour chaque joueur, nous avons une ligne pour accéder au score complet. Le premier instrument que la Grande-Bretagne nous montre est le fluide. Le fluide est un instrument aigu et, comme vous le verrez dans un instant, sa voix ressemble à celle d'un oiseau. Vous ne serez pas étonné que le café, dans Pierre et le Loup, ait choisi le petit oiseau pour être représenté par le fluide. Avant d'écouter. Un autre instrument semblable à une flûte joue avec les deux fluides principaux. C'est l'instrument appelé piccolo. Qu'est-ce que le piccolo ? Piccolo est essentiellement un litre de liquide , deux fois plus long qu'un liquide normal. Cela sonne très, très haut, parce que dans la musique, toujours, plus l'instrument est gros , plus le son est bas, et inversement. Les piccolos sonnent terriblement haut, très, très haut. Le nom piccolo est un mot italien car couleur du pois en italien signifie mortel. Ainsi, le nom complet du nom officiel en italien est couleur pois fleuri. Cela signifie des liquides d'un litre littéraire. English a donc adopté la seule couleur de bec active qui transparaît pour nommer cet instrument. Écoutons la variation des fluides. Maintenant, nous en entrons déjà dans une nouvelle. Vous voyez que les variations se succèdent assez rapidement. L'instrument suivant est le hautbois. Nous avons déjà vu cet instrument avec le Schumann. Il joue la mélodie du début du concerto pour piano. Oui, nous en avons déjà parlé avec un instrument qui a une longue pâte, pleurant, gentille ou sonore. Je pense donc qu'il est inutile de consacrer plus de mots à ce sujet. Nous allons voir comment, bien entendu, la Grande-Bretagne écrit d'une manière assez similaire à Schumann pour montrer les caractéristiques de ces instruments. mélodie, oui, est dérivée de celle de l'analyseur, mais en tant que personnage d' un personnage linéaire, lent et assez triste. Maintenant, le personnage va changer soudainement. Bienvenue à la clarinette. Si dans Pierre et le Loup, Procope a choisi d'associer tout droit à la Dukkha. Le coude est la voix des ténèbres. Et vous voyez à quel point le Shizhen est bon, c'est la clarinette, qui est l'instrument qui joue. Vous voyez maintenant que son apparence est très similaire, oh mon dieu, seules les deux extrémités de l'instrument sont différentes. Pourtant, le type de son est complètement différent. La clarté est très agile, le type de son est très doux, mais peut être sinueux. Également. Si le, oh boy est une danse, si le son est très dense, concentré, c'est comme un peu Sandy. La clarinette est un son aussi pur qu'un son de verre. Je veux dire, essayer de décrire le son avec des mots, ça ne marche pas vraiment. Il suffit de l'écouter. Pour le café. Si je choisissais le chat pour les clarinettes. Maintenant, nous sommes déjà au bout du fil des bois. Il ne reste qu'un seul instrument, et c'est l' instrument juridique de cette famille. Le basson. Le basson est assez similaire car sa sonorité chez les personnes en surpoids est très, beaucoup plus faible. C'est un instrument plutôt cool. Il est très différent de tous les autres. Le café, si vous choisissez d'associer le basson au grand-père grincheux. Le grand-père de Peter, qui se plaint toujours, critique, roi, jamais content, toujours grognon. Vous allez voir maintenant à quel point ce choix est-il approprié ? C'étaient les bois. Vous remarquerez certainement que le basson, même s'il produit ce genre de son grincheux, malheureux et bouillonnant, où, surtout lorsqu'il est placé dans le registre aigu, ce qui signifie pas si haut, mais quand même. Elle peut également être très mélodique. Nous avons parfois de formidables moments de musique orchestrale lorsque le basson sort. Et personne ne s'y attend, car comme tout instrument grave, il n' attire pas beaucoup l'attention. Vous n' écouterez pas souvent les bassons. Pourtant, quand il a quelque chose d'important ici, cela crée de grands moments. Vous avez probablement déjà remarqué que si ce n'est pas le cas, vous pouvez revenir en arrière et l' écouter à nouveau. Ce n'est pas que plus longtemps , chaque instrument, chacun de ces quatre instruments seraient joués en couple, à l' exception des fluides, qui comportent également le piccolo. Il y en avait donc trois, mais tous les autres. Où s'arrêter, ils ont joué à différents nœuds. C'est ainsi que se déroule l'écriture orchestrale pour instrument à vent. Maintenant, nous passons à la prochaine conférence. Maintenant, nous allons examiner les chaînes qui viennent ensuite. 10. Cordes: Nous écoutons maintenant les instruments à cordes. Les instruments à cordes constituent l' épine dorsale de l'orchestre. Le début de la vie d'orchestre se fait en tant qu'orchestre à cordes. Les instruments à vent et les cuivres sont donc apparus progressivement par la suite, tandis que l'orchestre ne peut pas renoncer aux séries. Ils sont assez connus, surtout celui-ci, le plus haut d'entre eux au violon. Cela ne sert à rien de montrer des photos des autres car ils ressemblent tous à un violon, mais en plus grand. La plus grosse de toutes, qui est la plus basse, est la contrebasse, qui est si haute d'ici je ne sais pas si vous voyez la main au sol aussi grosse qu'elle l'est. Le nom des instruments à cordes. Nous les reverrons un par un, proposés par la Grande-Bretagne. Nous avons le violon, le plus haut, l'alto, basse, le violoncelle, encore plus grave, et la contrebasse, la plus basse de tous. Maintenant, passons à la musique. La variation les montrera un par un. Encore quelques points très importants : les instruments à cordes ne jouent pas vraiment. Qu'est-ce que cela implique ? Cela implique qu'ils doivent jouer en groupe. Elles sont appelées sections, sections de chaîne. Parce qu'on ne peut pas comparer le son d'un violon à celui d'un seul. Oh mon dieu, ou le climat. S'ils ne jouent que la version 1.1 ensemble, le son sera peut-être assez équilibré. Mais si vous prenez, encore une fois, pour des instruments à vent à quatre cordes, cela ne fonctionne pas vraiment. C'est pourquoi, dans l'orchestre, nous avons des groupes d' au moins 868, soit le nombre minimum normalement requis pour chaque corde. ils sont élevés, plus ils sont nombreux. Pour le violon, nous avons également deux groupes. La variante est très importante et c'est un instrument très polyvalent. Il peut jouer très haut, mais aussi dans une viande, une texture moyenne. Le premier violon joue donc normalement très haut. Les seconds violons jouent, jouent un registre intermédiaire plus bas que le premier. Ainsi, dans un orchestre standard pour éléments en ré, nous aurions quelque chose comme dix premiers violons, dix ou huit violons secondaires, six à huit altos, six bas-fonds et 34 contrebasses. Ce sont les proportions des numéros que l'on peut voir dans un orchestre symphonique ou d'opéra en ce qui concerne les cordes. De plus, qu'implique la section ? Cela implique qu' au sein d'une même section, tous les instruments jouent normalement ou que les joueurs n'en jouent qu' un seul. Les dix premiers violons, par exemple, jouent les mêmes notes. Dans certains genres de musique, chez certains auteurs, il peut arriver qu'elles soient divisées, mais en deux ou 34 parties dans cette section, mais normalement, elles jouent le même rôle. Maintenant, allons-y et enfin, écoutons les variations pour cordes. Tout d'abord, nous allons du plus haut au plus bas. abord, nous avons les violons avec leurs aigus vifs , bien sûr, étincelants. Bar pour ou oui. Vous allez, vous allez voir ce que je veux dire. Étincelant. pétillante, pétillante et adoptive Voix d' enfant pétillante, pétillante et adoptive. Allons-y. Vous avez maintenant vu à quel point l'utilisation du violon est variée. Tout d'abord, si vous avez peut-être remarqué deux parties, deux groupes de violons jouant, c'est parce que la Grande-Bretagne a fait jouer le premier et le deuxième violon ensemble. C'était donc le cas, ils formaient deux groupes. Et aussi le violon. Vraiment, vraiment. Oui Hein ? Et polyvalent. Si vous revenez en arrière et que vous les écoutez à nouveau, vous verrez à quel point ils peuvent être nerveux , pétillants, mais ils peuvent aussi être très lyriques, très délicats et chantants. Ils le peuvent, ils peuvent être percutants. Elles peuvent être lues sur les dents, mais elles peuvent être molles. C'est pourquoi les violons sont très appréciés des compositeurs et c'est aussi pourquoi les violons jouent un rôle majeur dans le naufrage mélodique. Ils le sont, ce sont souvent des parties mélodiques, en particulier le premier virus. Passons maintenant à un autre instrument à cordes. Nous faisons un pas plus bas. Nous écoutons les altos. Les altos sont la voix chaleureuse de la corde. La famille des cordes en général n'est pas aussi agile que la variance. Bien entendu, le plus gros est un instrument qui répertorie IJ. C'est par nature, par nature. Et eux, les altos, ne sont pas utilisés dans un rôle de personnage aussi principal que la violence des compositeurs. Ils le sont, ils sont souvent derrière le rideau à faire le sale boulot, le sale boulot de la partie interne. Donc, pour enrichir le son de l'orchestre en général, sans attirer l'attention, les voleurs, en particulier les compositeurs romantiques, leur accordent un peu d'amour lorsqu' ils se rendent compte que cela en vaut vraiment la peine. Parce que lorsqu'ils ont une partie mélodique, ils produisent un son vraiment magnifique. Très chaud, très mauvais. Pleins de batterie, oui, du beurre chaud quand ce n'est pas très sain, mais donner un octet de beurre chaud, c'est un peu comme ce qu'ils ressentent. Ça va ? Vous avez pu constater la grande intensité et les altos en sont vraiment capables. Maintenant, nous descendons encore plus bas, dans les eaux peu profondes. Ce sont des eaux peu profondes. Je dirais qu' après les violons, les plus polyvalents et les plus populaires de la famille des instruments à cordes, ils sont, comme le frère, la principale cause de violence. La violence a une voix féminine. Ils sont très élevés. Elles ressemblent à la voix off de soprano d' une voix féminine haute, tandis que la voix basse est une voix masculine assez basse, ce qui signifie qu'elle a une double nature. Bien souvent, le violoncelle joue, encore une fois , le rôle sale du bus, juste pour fournir la base de l'harmonie d'une pièce entière, laissant des voix trop aiguës. Le rôle de la partie mélodique. En ce sens, ils pourraient passer inaperçus. Mais quand les compositeurs, en particulier, encore une fois. À partir de Beethoven. Les compositeurs veulent une voix mélodique juteuse et juteuse de grand garçon. Ils opteront pour les chaînes, chaînes où les romantiques nous manquent beaucoup mais aussi comme instruments mélodiques. Ils y sont allés et ils ont également une plus grande gamme de sons. Pour qu'ils puissent le faire, ils peuvent les voir dans le ventre , dans le registre grave, créer une mélodie qui explique pourquoi la fin puissante peut également jouer comme ici, comme vous l'écouterez ici dans le registre aigu. Leur voix ressemble beaucoup à celle des altos. Voix. Très intense. Très, ils tiennent très bien la ligne, maintenant la tension sonore. Ils ne sont pas aussi hauts que les altos, mais ils sont plus puissants en termes de volume sonore. Écoutons les eaux peu profondes. Vous avez vu à quel point le violoncelle est un instrument très, très apprécié, et ce pour de nombreuses raisons. Maintenant, nous avions deux variations qui étaient très mélodiques et qui ne pouvaient pas être très lyriques. On y va, on a un nouvel élan de vitalité. Les contrebasses sont les plus grosses et trop basses par rapport à la sonorité de la famille des cordes. Normalement, je dois dire qu'ils n'attirent pas du tout l'attention. Ils sont très rarement utilisés des fins mélodiques car ils ne le sont vraiment pas, pas adaptés à cela. Ils sont trop faibles. Ils fonctionnent, encore une fois, sur les bases. Ils fournissent d'énormes épaules. L'orchestre joue sur de l'acier. Parfois, ils se lèvent et ont des moments dédiés. Ils sont souvent utilisés à des fins de bande dessinée, financement, car ils ne sont pas du tout agiles. Et cela crée que lorsqu' ils jouent assez vite, vous verrez maintenant qu'ils, ils, ils ont un son assez drôle. Ils ressemblent beaucoup à un gros homme qui essaie de courir, qui s' en sort peut-être d'une certaine manière. Mais ce n'est pas un spectre très amusant. Ça l'est. Parce que si un homme n'est pas censé très bien courir, et c'est ainsi que la Grande-Bretagne le montre , car seul, c'est presque la seule façon montrer la voix de contrebasse. Allons écouter la variation. Maintenant, nous ne faisons plus partie de la famille des cordes à cordes. J'aimerais maintenant jouer une autre variante d'un instrument qui n'appartient vraiment à aucune famille. C'est la harpe. Le Harper est un instrument que l' on ne voit généralement pas dans l'orchestre. Il est entré dans l'orchestre symphonique. Cela signifie que l'orchestre, qui est destiné à, est de la musique purement instrumentale. Seulement un romantisme très tardif, tardif et tardif. Donc, la majeure partie de l'histoire de la musique n'y était pas. Mais il est beaucoup utilisé dans l'opéra, dans l'orchestre d'opéra dès le début du romantisme. Y a-t-il de l' opéra italien et français, mais aussi des Italiens et des Français en particulier, je dirais que les compositeurs français adorent le cœur car il possède un sommet vraiment magique, produit des débris dans l'atmosphère, est une atmosphère très poétique. C'est l'instrument que nous voyons dans de nombreuses scènes d' amour où, lorsque nous sortons un peu de la journée, de l'atmosphère, nous laissons écouter. La Grande-Bretagne crée un environnement merveilleux, environnement musical propice à la variation de l'art. Je dirais que la Grande-Bretagne est un peu plus pauvre en termes de périodicité. Le bouton de périodicité appuie sur le bouton péritectique car il s'agit d'une utilisation vraiment surchargée de leur Harper d'une manière lyrique typique. Vous créez une atmosphère de rêve manière exagérée, même un tout petit peu. Maintenant, c'était la famille String plus la Harper. Passons maintenant à la famille des cuivres. Lors de la prochaine conférence, nous verrons les chanoines de l'orchestre. 11. Laiton: Nous examinons maintenant les cuivres. C'est une famille qui n'a pas vraiment été très utilisée jusqu'à un certain moment. Le premier qui commence à les utiliser régulièrement est Beethoven. Mais il faut quand même attendre le romantisme tardif, au moins jusqu' à la moitié du romantisme, pour qu'ils commencent vraiment à être beaucoup utilisés. Ce sont des instruments importants et ils le sont également, ils ont des personnalités distinctes. La première et la plus importante de toutes est la corne. Le cor, qui est une abréviation de cor français, qui est le nom officiel complet, est la chaîne située entre les bois et les cuivres. Ils jouent généralement plus avec les bois avec les autres pinceaux. Ils ont un son particulièrement doux . Ils peuvent être très bruyants. Bien sûr, ce sont des pinceaux, mais ils ont conquis le cœur des compositeurs romantiques. Nous parlerons beaucoup des cors dans le romantisme, nous en retrouverons beaucoup, en particulier chez certains compositeurs romantiques, en particulier dans le romantisme durable du romantisme allemand . Le cor joue le rôle de la voix de la nature. Parce que c'est d'abord l' instrument de la main. Ensuite, parce que c'est le cas, et surtout, c'est le cas, il émet une sorte de son qui semble venir de loin, donne cette impression de rythme dans de grands espaces. C'est pourquoi elle était associée à la forêt, à des natures intactes. La nature. Écoutons et voyons quelle atmosphère crée le klaxon. Vous avez vu, les sons émis le cor sont très charmants en tant qu'instrument. Le cor figurait certainement parmi les cuivres, celui qui entrait dans l' orchestre, les zones. Il est déjà utilisé régulièrement. Dès le début du classicisme. C'était l'instrument, les instruments puissants de l'orchestre pendant très longtemps. Jusqu'à ce que Trump entre régulièrement en scène. La trompette a un rôle et une signification complètement différents de ceux du cor. La trompette est un instrument militaire. C'est cet instrument qui, chaque fois qu'il sonne, nous amène au champ de bataille, l'action, au combat. Écoutons les variations pour trompette. Bien entendu, la Grande-Bretagne va insister sur cette caractéristique de la trompette. Non, beaucoup. Avec le tambour militaire. Maintenant, nous allons déjà de l'avant. Nous avons un proche parent de la trompette, qui est le trombone. Trombone. Même si le nom ressemble à celui de la trompette il en est tout de même très différent. Ils sont également très proches dans la façon dont ils sont construits, mais leur signification est complètement différente. Si la trompette est militaire, le trombone a une signification religieuse. Cela peut sembler surprenant. Le son du trombone est plus proche du cor. Puis vers le coffre, mais lui-même. Il n'est pas si grinçant, pas si haut et si puissant. Il est plus large et plus bas. Il est lié aux guerres de religion autant qu'au monde de la musique sacrée car il a été beaucoup utilisé. a également des horaires de variation pour soutenir le cours, la religion, le parcours dans les grandes cathédrales comme le sable, sable de Venise, par exemple, mais bien d'autres encore. C'était une voix très puissante et elle reste donc associée à cela, ce genre de musique expressive avec le ***** et large, désolé, avec les trombones. Un autre instrument joue maintenant. En Ethernet. On les retrouve moins souvent, mais uniquement dans de très, très grands orchestres de la fin du romantisme. Nous avons le bar. La barre d'outils est la plus grande des cuivres et elle joue le plus bas. Il utilise. Le corrélatif de la contrebasse dans les cordes, mais peu utilisé. C'est très, c'est ce type d' insuline qui provoque le pire tremblement. Il joue très bas, mais il est incroyablement puissant. Il a été apprécié par certains compositeurs comme Wagner ou Ricard Strauss. La Grande-Bretagne, pour , par souci de concision, l' associe aux trombones et aussi parce que la barre bleue ne joue pratiquement jamais seule. Maintenant, écoutons cette variation. Vous verrez que l' atmosphère du Chan était, le terme doit bientôt créer, est vraiment celle de la vie ecclésiale. Maintenant, nous sommes déjà à la fin de la section en laiton. Parlons avant de passer aux chiffres. Nous avons vu que dans les instruments à vent, nous avons normalement affaire à chacun des cuivres, ce n'est pas si simple. Oui, vrai est toujours un chiffre récurrent. Les trompettes sont généralement vraies, encore une fois, sauf lorsque l'orchestre est vraiment très grand. Lorsque l'orchestre commence à être composé de 8 000 instruments, les chiffres fluctuent en fonction de la volonté d'équilibre du compositeur. Normalement, nous avons deux trompettes, trois trombones. Les bois sont toujours au nombre de trois. Voisin à voisin pour. Les klaxons, c'est quand l' orchestre est normal. Taille moyenne. Normalement, elles sont vraies. Mais nous avons déjà de l'époque de Beethoven et du début du romantisme, compositeurs de l'époque de Beethoven et du début du romantisme, qui, ayant un son particulièrement sombre portera le nombre de chevaux à quatre. C'est quelque chose qui arrive assez tôt, c'est l'un des premiers élargissements de l'orchestre. L'une des plus anciennes du siècle romantique. 12. Percussions: Passons maintenant aux percussions. Il y a une section assez large dans cette pièce que nous écouterons sans nous arrêter aux percussions. Pourquoi nous, ça ne m'intéresse pas vraiment. Pourquoi ? Comme l'important instrument de percussion n'est essentiellement qu'un instrument destiné à l'orchestre, ou du moins celui qui joue, le premier à en jouer est le tympan. Les tympans sont les instruments de percussion de l'orchestre remontent à des temps très anciens. Il est utilisé aux côtés de l' orchestre et jusqu' au romantisme tardif, et surtout à l'ère moderne. C'est le seul. À l'époque moderne au 20e siècle, compositeurs commencent à ajouter de nombreux autres instruments de percussion pour créer des effets particuliers. Également à l'opéra. D'autres percussions peuvent être là pour ajouter des effets de scène. Ce qui se passe sur scène dans l'intrigue doit être représenté par de la musique. Mais ils ne sont pas importants. Nous avons mentionné de renommer uniquement les tympans. Le tympan est très important. Le tympan est également le seul instrument. Parmi les percussions, qui peuvent jouer plusieurs nœuds. Ils ont besoin de plusieurs pièces, mais chacune joue un nœud. Donc, généralement, le plus petit chiffre que nous pouvons avoir est normalement vrai pour un joueur, mais nous pouvons en avoir plus. Le compositeur peut, peut décider de demander ou plus. Écoutons les variations de percussions. Et puis nous en sommes déjà à la dernière étape, ce qui sera vraiment formidable. Et nous montrons à nouveau les instruments du premier au dernier très rapidement. Maintenant, vous vous demandez peut-être pourquoi la Grande-Bretagne consacre autant de temps aux percussions ? Tellement de variantes, tant de variantes. Tout d'abord, la fête d'équipe, bien sûr, c'est la plus importante, mais il y en a tant d'autres que nous ne voyons presque jamais. La réponse est simple, car il s' agit d'une pièce adressée aux enfants. Et les enfants adorent les percussions. C'est juste ça, même s'ils n' ont pas un rôle si important au sein de l'orchestre. Nous passons maintenant à la dernière partie, d'une puissance écrasante, qui nous permettra de tous les écouter. Encore une fois, en quelques minutes. 13. Épilogue: Les variations sont maintenant terminées. Et nous sommes passés à la dernière section de cette composition Que va-t-il se passer ? Nous avons un couguar. Si vous vous en souvenez, le titre complet de cette composition est Variations and fog on ethene de Henry Purcell. Qu'est-ce qu'une fourchette ? Une fourchette est un type de formulaire. Nous n'avons pas parlé de forme dans ce cours. Pourquoi ? Même si la forme est l'un des sujets les plus importants de la musique classique, comme c'est le cas dans tous les arts, je dirais. Non, je ne pense pas que cela fasse partie des bases. C'est pourquoi je ne l'ai pas inclus dans ce cours, dans ce cours que vous regardez actuellement, nous en reparlerons beaucoup à l'avenir, pas de soucis. C'est si décontracté, qu'est-ce qu'une grenouille ? Quoi, que va-t-il se passer ? Le folk commence essentiellement avec un seul instrument qui joue de l'aimant. Dans ce cas, la mélodie de la grenouille sera dérivée du thème principal de la pièce, la cellule bipolaire que nous avons écoutée au début. Ensuite. Un autre instrument arrive. Ensuite, tous les instruments que nous avons vus dans le même ordre entrent et jouent la même courte mélodie, l'un après l'autre. Pendant ce temps, les instruments qui jouaient déjà continuent à jouer des lignes secondaires. Cela conduit à un empilement de sons. De très nombreuses insulines entrent et jouent, ce qui crée un point culminant. Et la mélodie principale, le thème principal, passe d'un instrument à l'autre, créant cet effet de poursuite , typique de la fourchette. Cela donnera à la Grande-Bretagne l'occasion de montrer, encore une fois, tous les instruments très rapidement, car ce brouillard est terriblement excitant, mais il est également très court, peine 2 minutes, et nous ne nous intéressons plus aux instruments. Notre objectif s'est accéléré. Je vais nommer tous les instruments nous avons vus lorsqu'ils entrent. Je vous aide donc également à suivre le rythme du pied car la nourriture est très complexe. De la même manière que nous l'avons fait, nous avons discuté, en mentionnant et en écoutant le court extrait de Bach, Jean-Sébastien Bach dans le chapitre sur la caserne. Nous ne sommes pas censés tout suivre et tout suivre. Il se passe trop de choses. Nous suivons simplement les entrées. Allons donc écouter d'ici. Quand on arrête jusqu' au bout de la pièce. Le premier instrument qui joue est la colonne de sélection. Les clients sont plus âgés. Nous allons dans la rue. Des contrebasses, très graves, presque impossibles à entendre. Cœur. Nous nous dirigeons maintenant vers la section en laiton. Le thrombus climatique, ou les professeurs pour se hisser au-dessus de tous les brins d'herbe ou des états régionaux, le solide. Pourquoi et pourquoi ? C'était une fin très excitante. Ce plat est vraiment magistralement écrit. Vous avez vu tant de choses se passer, mais elles restent un peu, elles restent divertissantes et vous pouvez les suivre assez facilement, même si c'est d'une complexité mortelle. Nous arrivons maintenant à la fin de nos cours d'orchestre. Encore une fois, nous voulons retrouver à chaque fois dans l'orchestre tous ces instruments, mais la Grande-Bretagne, bien entendu, décide de faire appel à un grand orchestre afin de pouvoir tous les montrer. Presque toutes, je dirais que nous en trouverons parfois des plus étranges. Nous sommes maintenant arrivés à la fin de ce cours. J'espère que tout est clair. Si vous, si ce n'est pas le cas, vous pouvez toujours me contacter, me poser des questions, me faire part de vos commentaires. Chaque fois que vous êtes invité à le faire, c'est toujours apprécié. Je sais également que je l' ai déjà dit de nombreuses reprises aujourd'hui et je suis désolée de le répéter encore une fois. Vous en avez probablement assez d'entendre ça. Mais je sais que ce cours est fulgurant et très instructif. J'ai tellement parlé. y avait pas beaucoup de musique et je ne suis pas très contente de ça . Mais il était important de donner cette information. Nous l'utiliserons à l'avenir, promis à plus d' icônes de la musique, c'est notre objectif, c'est toujours la musique. Oui, nous avons passé du temps à parler, c'est destiné à plus de musique. Alors restez à l'affût. Merci d'avoir regardé et à bientôt pour encore plus de bonne musique.