Améliorez vos dessins de portrait : Approches pratiques pour des concepts avancés !

1. Introduction: En tant qu'artiste, j'ai toujours eu une profonde fascination pour les visages. ai été un peu obsession tout au long de ma carrière de pouvoir les dessiner d'une manière qui m'excite et qui captive le spectateur et qui éclate de vie hors de la page. Bonjour, je m'appelle Chris Hong et je suis un artiste du Canada. Je veux t'apprendre à élever tes dessins de portrait. Tout au long de mon parcours d'apprentissage, j'ai réalisé qu'il y avait des façons de prendre la complexité du dessin portrait et de le distiller à une tâche plus facile à gérer. L' objectif de cette classe sera de distiller certains de ces concepts avancés d'anatomie, d'éclairage et de conception en étapes pratiques que vous pouvez prendre pour aider à construire votre dessin du début à la fin. Je vais partager des techniques qui peuvent instantanément améliorer la qualité de vos dessins. prendre d'un bon dessin et les transformer en dessins pleins de vie. Le dessin de portrait est un sujet si énorme à couvrir qu'il est presque impossible d'essayer d'enseigner en une seule classe d'une manière efficace. Pour moi, il est vraiment important que mes élèves retirent quelque chose qu'ils peuvent appliquer directement à leur processus afin d'améliorer leurs dessins. Avec cela à l'esprit, ce cours est conçu pour ceux qui ont une certaine expérience dessin de portrait et qui veulent améliorer leurs compétences et leur compréhension actuelles. Mais puisque nous allons nous concentrer sur le travail direct à partir de références photo et les laisser nous guider à travers nos dessins, je crois fermement que même les débutants peuvent prendre au moins une chose qui peut aider à mieux comprendre les dessin portrait aujourd'hui. Parce que voici un secret, je ne sais pas tout ce qu'il y a à savoir sur l'anatomie humaine, l' éclairage et tout ça, mais je vous dis que ça n'a presque pas d'importance. Vous n'avez pas besoin d'être un maître absolu de tout pour pouvoir dessiner des portraits saisissants et captivants. Je suis là pour t'aider à y arriver. Donc, sans plus tarder, commençons. 2. Matériaux: En ce qui concerne les outils dont vous aurez besoin pour cette classe, nous restons très simples. Tout ce dont vous avez besoin est votre crayon graphite préféré, une gomme pétrissable, une gomme régulière, un bâton de mélange et du papier. Personnellement, j'utilise des crayons mécaniques parce que j'aime que je n'ai pas besoin de l'aiguiser, et j'ai l'impression d'avoir personnellement un meilleur contrôle sur elle qu'un crayon de graphite ordinaire, mais vraiment, n'importe quel crayon de graphite fera l'affaire. Assurez-vous que le plomb est assez doux pour être en mesure de faire des valeurs sombres. Je recommanderais une avance pas plus difficile que HB. Gomme pétrissable Une gomme pétrissable est idéale pour effacer de petites zones qui pourraient être un peu plus difficiles avec une gomme traditionnelle. Vous pouvez le mouler en un point pour soulever le graphite de certaines zones très serrées. J' aime tamponner de grandes zones de graphite avec elle si je veux alléger toute la zone plus progressivement, au lieu d'avoir à l'effacer complètement. Une gomme pétrissable vous donne une tonne de contrôle, et je vous recommande fortement de l'avoir pour cette classe. Les gommes traditionnelles sont pratiques pour effacer plus rapidement de grandes surfaces. Ainsi, il est recommandé d'avoir à la fois la gomme traditionnelle et une gomme pétrissable . Le bâton de mélange. C' est un bâton de mélange, et j'aime l'utiliser dans mon processus de dessin pour poser rapidement des patchs de ton. Je peux couvrir de plus grandes zones avec elle plus rapidement que mon crayon, donc je le trouve assez pratique quand il s'agit de remplir de grandes surfaces comme les cheveux. Je vais en expliquer plus sur la façon de les utiliser dans la leçon d'ombrage à venir dans la classe. Si vous n'en possédez pas, utiliser le bâton de mélange n'est pas strictement nécessaire pour notre processus, mais je l'utiliserai dans mes démos de dessin, alors essayez-les si vous le souhaitez. Vous devriez être en mesure de les trouver assez facilement dans votre magasin d'art local. Si vous êtes plus à l'aise avec les outils numériques, alors par tous les moyens, travaillez numériquement dans votre programme préféré. Rappelez-vous, nous travaillons en niveaux de gris et ne pas traiter avec la couleur dans cette classe. Enfin, nous avons besoin des photos à partir desquelles nous allons travailler pour nos dessins de portrait. Mais où commençons-nous à en chercher un ? Dans la prochaine leçon, j'enseignerai l'art de trouver de grandes références photo pour le dessin de portrait. Si tu es prêt, on y va. 3. Trouver des références photo: La première chose que je fais quand je vais dessiner un portrait est de trouver de bonnes photos de référence. Cela semble assez simple, mais c'est un peu plus impliqué que juste une image Google recherche une photo d'un visage, et certaines photos sont certainement beaucoup plus faciles à étudier que d'autres. Dans cette leçon, je vais vous montrer ce qu'il faut rechercher lorsque vous cherchez des références photo qui vous permettront de réussir dans votre dessin portrait. La raison impérieuse. Qu' est-ce qui vous oblige à la photo ? Et il est intéressant pour vous ? Une bonne référence photo devrait vous inciter à vouloir le dessiner pour une raison quelconque. Est-ce à propos de l'intensité des yeux ? Ou est-ce la façon dont la lumière tombe sur les caractéristiques ? Peut-être que c'est juste à quel point vous pensez que son nez est intéressant, c'est l'audace et il semble très structurel et vous voulez dessiner comme si vous pouviez atteindre le dessin et le pincer. La raison de l'inspiration peut être aussi petite et stupide que cela. s'agit évidemment de goûts personnels et il sera différent d'un artiste à l'autre, mais avant même d'entrer dans le dessin, il est important que la photo ait une certaine qualité à elle que vous voulez passer du temps à reproduire. Vous n'avez pas à comprendre exactement ce à quoi vous êtes attiré. Parfois, je ne me connais même pas quand je dessine sur certaines photos, et cela devient plus évident pour moi tout au long du processus de dessin. Mais vous aurez un avantage en sachant ce que vous voulez mettre en évidence avant d'entrer dans le dessin, sorte que vous pouvez concentrer toute votre attention et votre énergie sur elle. Pourquoi on copie quelque chose ? Je pense que c'est parce qu'en tant qu'artistes, nous avons désir de mettre en valeur la beauté de ce que nous voyons. Le dessin est notre façon d'interpréter la façon dont nous observons le monde qui nous entoure. Avec tout cela dit, s'il vous plaît ne choisissez pas une vieille photo que vous rencontrez sur Google Images. Personnellement, pour moi, je me sens beaucoup plus investi dans le dessin si je me sens inspiré par la référence d'une manière ou d'une autre. Bon éclairage. Sur votre photo, pouvez-vous dire de quelle direction vient la lumière ? Si c'est difficile à dire, il y a plus de chances que ce soit une photo plus difficile à travailler avec. Qu' est-ce que je veux dire par un bon éclairage ? J' aime travailler à partir de photos où je peux clairement dire d'où vient la lumière parce qu'il est facile de voir où je dois placer mes ombres. Lorsque vous cherchez des photos, recherchez des ombres moulées. Les ombres projetées sont des ombres créées par un objet sur un autre objet. S' il s'agit d'une ombre coulée dure, ce qui signifie qu'il y a un contour visible de l'ombre, ceux-ci sont les plus faciles à utiliser, car les contours sont intrinsèquement plus faciles à identifier pour nos yeux. Les meilleurs endroits pour repérer ces ombres sont le cou, où le menton et la mâchoire peuvent y jeter une ombre, ou sous le nez ou sous l'os du soutien-gorge. Les photos diurnes à la lumière directe du soleil produisent souvent ces ombres en dur qui autrement pourraient ne pas faire de superbes photos, mais nous savons maintenant qu'il y a beaucoup pour dessiner à partir de. Clarté des fonctionnalités. Cela devrait aller sans dire que la photo à partir de laquelle vous travaillez devrait être suffisamment haute résolution pour que vous n'ayez pas à plisser dessus pour voir ce que vous travaillez avec. Le dessin est assez dur comme il est, donc chaque fois que vous pouvez rendre le processus aussi facile pour vous que possible, sorte que vous n'avez pas à sauter à travers des cerceaux inutiles. Assurez-vous que sur votre photo vous avez une idée claire de ce à quoi ressemblent les fonctionnalités. Vous ne voulez pas avoir à faire des suppositions sauvages pendant que vous dessinez. Nous avons couvert ce que nous devrions rechercher lorsque vous vous aventurez pour trouver de superbes références photo pour votre dessin portrait. Mais quelles sont les choses à surveiller ? Voici quelques types de photos qui, je pense, pourraient être un peu plus difficiles à travailler. Photographie de portrait de beauté. Ce type de photographie est conçu pour être très flatteur, et donc il est délibérément éclairé de manière à minimiser autant que possible les ombres dures. Ironiquement, ce qui est flatteur dans les photos n'est pas ce que j'ai trouvé flatteur dans le dessin. À partir de ces photos, vous pourriez prendre de mauvaises habitudes et apprendre à ombrager d'une manière qui rend les visages très artificiels parce que ce type de scénario d'éclairage n'est pas ce qui est présenté dans la vraie vie. Cela pourrait être tentant puisque les gens de ces types de photos sont souvent très beaux, mais je recommanderai contre eux, au moins dans cette étape d'apprentissage. Des photos de célébrité. outre, pas une règle stricte pour éviter les photos de célébrités, mais pour cette classe, j'éviterais d'utiliser des photos type hollywoodien plus classique de célébrités car ces types de photos sont souvent très uniformément éclairées, même que la beauté type de photographie de photos, et aussi lourdement aérographe et Photoshopped. Maintenant que nous savons ce qu'il faut chercher et ce qu'il faut surveiller, où recherchons-nous de bonnes références photo ? des chances si vous prenez ce cours et que vous avez probablement une profonde fascination pour les visages. Si vous êtes comme moi, vous aimez probablement observer des étrangers et des nerd sur l'intérêt que vous pensez que leurs caractéristiques ont l'air. Vous avez probablement déjà un dossier enregistré avec des photos de visages qui vous inspirent. Mais si vous ne le faites pas, Pinterest est un endroit idéal pour trouver des références photo pour pratiquement tout ce que vous pouvez penser. Ce qui est génial à propos de Pinterest, c'est qu'il est déjà un peu organisé pour vous, donc quand vous commencez votre recherche, vous n'avez pas à désherber à travers de terribles photos que vous pourriez rencontrer sur Google Images. Ce sont des photos qui ont inspiré les autres et qui les obligent d'une manière ou d'une autre à être portées sur Pinterest. Déjà votre recherche va être plus restreinte. Je commencerais à chercher vers le haut, l'inspiration de portrait ou une photographie ou autre chose dans ce sens pour commencer votre recherche. À partir de là, essayez de trouver une photo qui vous parle, et lorsque vous cliquez dessus, Pinterest réarrangera automatiquement cette nouvelle page avec des images similaires à celle sur laquelle vous avez cliqué. Enregistrez ces photos sur votre ordinateur ou épinglez-les dans votre tableau en tant que dossier de référence auquel vous pouvez vous référer. J' espère que je vous ai fourni suffisamment d'informations pour y aller et trouver de superbes références photo pour vos dessins de portrait. Je sais que vous êtes probablement très excités d'aller à la partie dessin de cette classe, mais avant nous, il y a un sujet très important que je veux couvrir, et c'est une leçon sur les formes. Dans la prochaine leçon, je traiterai de ce que les artistes entendent par le terme « formes ». Pourquoi c'est important, comment reconnaître ces formes à partir de nos photos et comment nous pouvons les utiliser dans nos dessins. Commençons. 4. Les formes: J' utiliserai les formes du terme plusieurs fois tout au long de cette classe. J' ai donc pensé que je devrais consacrer toute une leçon sur le concept des formes. La création de formes simples est un outil utilisé par les artistes pour organiser les valeurs dans leur dessin. Mais pourquoi cette organisation est-elle importante ? Si vous avez déjà étudié l'éclairage dans l'art, vous avez probablement entendu parler du terme de regroupement des valeurs, et c'est là que les formes entrent en jeu. Comme vous le savez peut-être, l'éclairage est un sujet extrêmement complexe et avancé à essayer d'apprendre. Mais l'utilisation de formes est essentiellement l'acte de grouper des valeurs. Donc, si vous pouvez comprendre ce concept d'utilisation de formes, vous pouvez déjà commencer à appliquer l'éclairage dans votre travail. Alors laissez-moi vous montrer comment cela fonctionne. Voici une des photos que nous avons examinées dans la leçon précédente que j' utilise comme exemple d'avoir un fort sens de la lumière. Si je voulais simplifier cette image en deux formes, une étant la forme légère et l'autre la forme de l'ombre, voici comment je pourrais y arriver. Ensuite, voici comment cela ressemblerait rempli, et sur un fond blanc pour représenter la forme de la lumière. Est-ce que ça vous lit encore comme une personne ? J' espère que la réponse est oui. Maintenant, regardons à nouveau la photo, mais cette fois je vais utiliser le contrôle des niveaux, pour pousser toutes les valeurs de cette image, sorte que toutes les valeurs sombres sont regroupées en noir, et toutes les valeurs plus légères sont groupés en blanc. Si nous regardons ces côte à côte, ils sont très similaires, moins le fait que j'ai regroupé l'arrière-plan dans le cadre de la forme de la lumière. Lorsque les valeurs sont regroupées comme ça, nous pouvons clairement sentir un sens de la lumière et de la forme. Cette forme de lumière et d'ombre est la façon dont nos yeux sont capables de lire une photo ou une image donnée. À ce stade, vous vous demandez peut-être, eh bien, c'est cool et tout, mais je ne veux pas dessiner comme ça. Je ne veux pas dessiner Banksy, je veux dessiner un réalisme. Eh bien, mes amis, c'est ainsi que vous atteignez la qualité du réalisme dans vos dessins. C' est ce que les artistes utilisent pour les aider à condenser la complexité des valeurs jusqu'à des étapes très pratiques et gérables. Parce que croyez-moi, je ne sais pas tout ce qu'il y a à savoir sur l'éclairage, mais je suis toujours capable d'avoir un sens de la lumière dans mon travail, cause de cette compréhension de l'utilisation des formes. Permettez-moi de le démontrer à nouveau en prenant comme exemple un tableau de John Singer Sargent. Le sergent était connu pour sa grande maîtrise des valeurs et je recommande fortement d'étudier ses œuvres pour mieux comprendre ce concept. J' ai pris cette photo dans Photoshop, pour vous montrer comment si je pousse les valeurs de cette pièce pour se regrouper soit en forme de lumière, soit en forme d'ombre, à quel point ce portrait se lit encore en noir et blanc. Ensuite, à partir de cette version en échelle de gris du portrait, je prends un outil Pipette et je passe la souris sur les zones plus claires, où il serait regroupé en forme de lumière. Regardez comment le petit curseur qui nous indique la couleur que nous choisissons dans la roue de couleur se déplace lorsque je survole cette zone dans la peinture. Remarquez comment il rebondit très près dans cette plage supérieure de valeurs. Maintenant, lorsque je prends l'outil Pipette et que je passe la souris sur la zone d'ombre, remarquez qu'il est beaucoup plus sombre, remarquez qu'il est beaucoup plus sombre, et qu'il ne s'approche pas de la plage de valeurs près du haut de la roue de couleur, quand je planais sur les valeurs de lumière. C' est parce que le sergent était un maître dans le regroupement de ses valeurs, sorte qu'il y avait une séparation claire de la lumière et de l'ombre, mais aussi une grande variété dans ces formes qui le rendent plus intéressant qu'un simple noir et blanc image. En étudiant à partir des dessins de ces vieux maîtres, vous pouvez en apprendre beaucoup sur l'endroit où ils ont passé une grande partie de leurs efforts. Il est extrêmement utile de bloquer dans votre dessin des formes comme celle-ci , car il est alors beaucoup plus facile de voir où vous allez ombrager dans vos valeurs plus sombres. Parce que sans elle, vous avez une quantité presque infinie de valeurs à essayer de travailler, mais après avoir regroupé ces valeurs en deux formes distinctes, il est maintenant un pool beaucoup plus étroit de plage de valeurs à choisir. Lorsque vous allez dans le dessin sans avoir d'abord établi la simple déclaration de valeur de la lumière et de l'ombre, il y a un risque beaucoup plus grand que le dessin se sente plat et délicate, parce que vos valeurs peuvent être partout, jetant l'illusion de la lumière. Pour aider à consolider davantage cette compréhension des formes, jetons un coup d'œil à d'autres photos et voyons comment nous pouvons regrouper les valeurs que nous voyons dans ces deux formes simples. Si vous êtes curieux de savoir comment je fais cet exercice, j'apporte simplement la photo sur Photoshop, puis je crée un nouveau calque rempli de blanc avec l'opacité inférieure pour m'aider à mieux voir mes lignes. Ensuite, je prends une brosse ronde dure et appuyez simplement sur la « touche Maj » au point suivant que je veux faire, pour faire une ligne droite en travers de mon point précédent. J' utilise des lignes droites pour ne pas me perdre dans les nuances de chaque petite bosse sur les formes. Je trouve que la forme semble plus structurelle avec des lignes droites. J' essaie de décider où placer les lignes pour diviser la zone d'ombre de la zone lumineuse. Certaines zones sont plus subtiles dans leurs changements de valeur que d'autres, et il n'est donc pas toujours facile de savoir où placer une ligne. Au cours de ce processus, j'aime cacher ces calques et vérifier périodiquement la photo pour voir si les formes ont l'air bien, parce que si ça a l'air un peu drôle, alors cela signifie probablement que c'est mal. Dans ce cas, je vais le redessiner jusqu'à ce qu'il commence à mieux lire. Dans ces exemples, vous avez probablement remarqué que les entités sont également regroupées dans ces formes simples. Ceci est très important à noter, car pour utiliser efficacement les formes, vous devez former vos yeux et votre cerveau à oublier ce que vous pensez savoir à quoi ressemble quelque chose. Essayez de ne pas voir un œil comme un œil ou un nez comme un nez, mais comme des taches de valeurs différentes. C' est pourquoi la recherche de photos avec un fort sens de la lumière est si importante que je l'ai mentionné dans notre leçon précédente, afin que vous puissiez identifier plus facilement ces formes, afin que vous sachiez où les utiliser. Cette façon de voir les choses précédemment familières soudainement dans l'abstraction, est très difficile de se tourner la tête au début. Il faut une pratique constante et réaffirmer vos connaissances à travers elle. Espérons que vous avez maintenant une meilleure compréhension de l'identification et de l'utilisation des formes, parce qu'il est vraiment impératif dans mon processus et d'atteindre la qualité de vie et la croyabilité dans mes dessins de portrait, même s'ils sont sur le plus côté stylisé. Si jusqu'à présent tout cela a été de nouvelles informations pour vous et qu'il est passé un peu au-dessus de votre tête, laissez-moi vous rassurer que dans notre classe, nous allons travailler à partir de références photo, qui, espérons-le, font ce travail de dessiner des formes tellement plus facile que d'essayer de puiser dans notre imagination, et d'avoir à tout inventer par nous-mêmes. Alors ne paniquez pas, prenez votre temps. Cela pourrait devenir plus clair pour vous lorsque nous allons plus loin dans notre classe une fois que nous avons vraiment testé ce concept dans nos dessins. Pour tester votre compréhension de ce concept avant de continuer avec le reste de la classe, je vous encourage à faire quelques exercices pour identifier et dessiner des formes. Si vous avez Photoshop, j'essaierais de dessiner des formes sur certaines photos sur un nouveau calque comme j'ai démontré dans cette classe. Si vous n'avez pas accès à Photoshop ou à d'autres logiciels de dessin numérique, vous pouvez simplement prendre une impression de certaines photos et dessiner directement dessus. Ou prenez du papier calque pour que vous puissiez vous entraîner plusieurs fois. Entraînez vos yeux pour identifier où vous pouvez transformer certaines zones en ces formes, et obtenez une sensation pour dessiner des formes géométriques simples parce que c'est une compétence très précieuse à avoir en tant qu'artiste. Si vous êtes persistant et que vous commencez à voir des occasions de transformer des choses complexes en formes, et que vous commencez à exploiter le pouvoir d'utiliser des formes, je vous promets que c'est vraiment le secret pour prendre vos compétences en dessin au niveau suivant. C' est un outil que vous utiliserez, pas seulement dans le dessin portrait, mais dans tous les aspects du dessin et de la peinture. J' espère donc avoir suffisamment insisté sur l'importance de cela dans cette leçon, parce que si quelque chose d'autre, c'est le plus gros plats à emporter que j'espère que vous partirez dans cette classe. Mais bien sûr, il y a encore tellement de choses à venir. Maintenant, vous devriez avoir une grande référence photo inspirante à partir de laquelle travailler, et la compréhension des formes à emmener avec vous à l'étape de blocage où tout cela entre en jeu. Allons-y. 5. Le blocage dans la Block-in: Le block-in. Le block-in est probablement l'étape la plus importante du processus de dessin du portrait. C' est comme un plan pour votre dessin qui est livré avec un ensemble d'instructions très utiles. Il devrait vous indiquer la taille de votre dessin par rapport à la surface sur laquelle vous travaillez. Il devrait également vous indiquer où placer les entités et, espérons-le, vous indiquer comment aborder l'ombrage ces entités afin que vous sachiez où placer vos efforts. Dessiner la tête humaine est difficile, il est donc essentiel d'avoir un plan. Dans cette leçon, je vais montrer plusieurs façons d'aborder mes block-ins. Je vais discuter de ce que nous devrions rechercher dans un excellent block-in, et vous présenter des conseils pour placer les choses avec précision, comme l'identification de points de repère pour aider à placer des entités dans votre dessin. À la fin de la leçon, vous devriez être bien équipé bloc dans votre dessin de portrait pour le succès. Dans notre leçon précédente, je vous ai montré comment identifier et dessiner des formes d'ombre à partir de références photo. Mais comment dessiner la structure sous-jacente de la tête ? Je crois que si vous apprenez à décomposer la référence photo en formes simples et reconnaissables, et vous familiariser avec certains points de repère que vous pouvez rapidement indiquer pour cartographier facilement le visage, alors vous ne doivent avoir une compréhension complète des plans du visage ou de l'anatomie sous-jacente avant de sauter dans le dessin portrait. Après tout, nous devons tous commencer quelque part, et je ne crois pas avoir une compréhension complète de l'anatomie moi-même, mais je me suis entraîné au fil des ans à savoir juste assez de quoi surveiller pour tirer la tête efficacement. Avec tout cela dit, jetons un coup d'oeil à cette photo et voyons comment je l'ai décomposé pour approcher le block-in. Je veux illustrer ce qui se passe dans ma tête quand je regarde une photo de référence, et analyser comment je peux le dessiner. Quand je regarde une photo, j'essaie de ne pas me perdre dans les nuances de tout ce que je vois. Au lieu de cela, essayer de choisir les principaux repères que je peux utiliser pour indiquer rapidement dans mon dessin, pour aider à servir de points d'ancrage que je peux mesurer pour remplir le reste du visage. La définition des repères sur un visage diffère probablement d'un artiste à l'autre, mais pour moi, ils sont les suivants : les coins de la bouche, la ligne de la bouche, le dessous de la lèvre, les narines et les dessous du nez, la boule du nez, la crête de l'os du sourcil qui rencontre le nez, les coins internes des yeux, les paupières, pommettes et la racine des cheveux sur la taille des oreilles. Ces points de repère sont les parties facilement reconnaissables sur les visages des gens. En les indiquant tôt dans nos dessins, ils nous aident à remplir le reste du visage. Notez que j'essaie d'utiliser des lignes droites autant que possible. C' est parce que l'utilisation de lignes droites vous aide à traverser les complexités inutiles que vous pourriez voir sur la surface, et cela vous aide à obtenir l'angle global à la place, ou un résumé de ce qui se passe. Remarquez comment ses cheveux sont un peu désordonnés ici, et par conséquent, il est un peu plus difficile de voir comment les dessiner d'une manière simple. C' est ce que je ne recommande pas, qui est de copier ce que vous voyez ligne pour ligne, ramassant tous les petits poils et les courbes que vous voyez ici. Au lieu de cela, voir au-delà des poils pour obtenir la forme générale des cheveux en dessous. C' est un très gros conseil et quelque chose qui a considérablement amélioré la qualité de mes dessins de portrait, c' est-à-dire d'utiliser des lignes droites chaque fois que vous le pouvez pour une déclaration plus forte et plus simple. Après tout, une seule ligne droite est plus facile à mesurer et à dessiner, qu'une série de lignes différentes allant dans de nombreuses directions différentes. Je trouve que l'utilisation de lignes droites sur des lignes courbes me donne une meilleure idée de la structure. J' espère que vous pouvez voir comment en plaçant ces repères, il devient beaucoup plus facile d'en dessiner les formes générales. Au fil du temps, vous commencerez à reconnaître ces formes similaires et à les développer en tant que raccourcis à utiliser pour les entités de dessin. Ces formes abrégées changent évidemment en fonction des caractéristiques individuelles de la personne. Sans parler des différentes expressions et angles de vue changeront considérablement leur apparence. Mais notez qu'il y a encore des similitudes sous-jacentes. Ils semblent tous avoir une structure similaire, et c'est parce que nos crânes ont une structure similaire malgré les différences uniques qui nous font paraître différents les uns des autres. La plus grande erreur débutants ont tendance à faire quand ils vont dessiner à partir de références photo, est d'essayer de copier tout ce qu'ils voient ligne pour ligne. Cela se traduit par la création de lignes qui ne sont pas confiantes, involontaires , et qui ne donnent pas de sens de la structure. Je recommande fortement si ce concept d'identification des repère et de développement d'un raccourci pour les formes est nouveau pour vous, alors essayez de pratiquer votre compréhension en faisant le même type d'exercices que j'ai fait. Parce que l'avoir dans votre trousse d'outils vous permettra de dessiner plus rapidement et de le croire ou non, plus précisément et structurellement que de copier une ligne de photo pour ligne. Maintenant que nous comprenons comment identifier les repères et dessiner des formes abrégées pour les entités, regardons certains de mes dessins en bloc et voyons comment je les ai abordés. Je commence généralement de deux façons ; en dessinant un cercle pour représenter le placement de la tête sur la page, ou j'essaie d'obtenir la silhouette de la forme globale de la tête en premier. De là, je mesure jusqu'au menton pour obtenir la longueur générale de la tête. Puis à partir du menton, j'ai étendu la ligne jusqu'au cercle pour obtenir un angle général pour la ligne de la joue, et ainsi que la ligne de la mâchoire, puis trouver la silhouette générale de la tête. Je dessine des lignes horizontales principalement pour m'aider à jouer correctement les yeux le long du même plan, afin qu'ils ne se sentent pas bizarres. Les lignes verticales sont utiles pour savoir où se trouve le milieu de la face, donc je peux appliquer un raccourcissement approprié aux entités sur le côté des faces, en reculant en perspective. Ceci est également connu sous le nom de lignes médianes, et ils aident à montrer la perspective dans laquelle se trouve le visage. Après avoir obtenu le placement général de la tête vers le bas sur la page, vous verrez que ces points de repère sont généralement ce que je commence les block-ins avec. Ensuite, je trouve les caractéristiques des points de repère et de remplir le reste du visage à partir de là. Puisque certaines choses sont plus faciles à jouer d'autres en fonction de la référence, block-in dans une chose, puis l'utiliser comme un guide pour remplir le reste comme un puzzle est généralement comment j'aime aborder mes block-ins. Une chose vous donne le contexte pour plusieurs autres choses autour d'elle, donc mes yeux rebondissent toujours en utilisant la dernière chose que j'ai mise sur le papier comme guide pour m'aider à faire mes prochains pas. Lorsque je travaille sur des références photo, je suis plus fan de voir ce qu'il y a sur la photo, que de regrouper organiquement les pièces du puzzle, commençant par les mesures les plus faciles à identifier en premier, puis construire à partir de là. Je n'ai pas une façon stricte de les approcher, et cela dépend souvent de la photo, comment je vais y arriver. Comme vous pouvez le voir, j'essaie d'obtenir le résumé général des principaux angles que je vois. Je n'essaie pas de clouer toutes les nuances que je vois sur la surface tout de suite, qui peuvent venir plus tard une fois que j'ai établi le cadre de base pour la première fois. Maintenant que leurs principales formes sont à peu près en place, je vais chercher les nuances de son visage. Il aurait été beaucoup plus difficile pour moi d'essayer d'obtenir cet ensemble plus complexe d'angles tout de suite, que cette seule ligne qui représente le résumé global de cette zone. J' ai lu par la bouche car je sentais que je n'en prenais pas tout à fait la légèreté lors de mon passage initial. N' ayez pas peur de redessiner les choses. Nous voulons faire nos plus grosses erreurs lors de cette étape de blocage avant de passer à l'ombrage. Rappelez-vous, rien n'est mis dans la pierre à ce stade. À la fin, ce que vous voyez est un dessin en bloc où j'ai planifié les fonctionnalités ainsi que certaines des formes d'ombre que j'ai vues sur la photo. Gardez à l'esprit qu'une partie des entités appartient également à la catégorie des formes d'ombre. Pendant que je dessine, je pense à l'avance et je prends note de ce je regroupe comme faisant partie de l'ombre et donc où je vais à l'ombre. Si ça ne vous excite pas, ne vous inquiétez pas, nous allons construire à partir de ça en bas de la ligne. Je vous promets qu'une fois que vous commencerez à ombrage, cela commencera à avoir plus de sens. Avant de passer à la leçon suivante, j'aimerais que vous mettiez en pratique certains de ces concepts et conseils, et que vous ayez une idée du bloc-in dans vos dessins de portrait. Trouvez des photos ou utilisez les mêmes que celles dont je travaille et pratiquez le block-in dans certaines têtes. Mais d'abord, familiarisez-vous avec l'identification des points de repère et entraînez-vous à les indiquer rapidement dans votre dessin, pour vous aider à dessiner les entités avec plus de précision. Entraînez-vous à indiquer les entités dans le moins de lignes possible en utilisant des lignes droites à la place de nombreuses lignes faciles à désirer pour avoir une impression globale de ce que vous voyez. Attendez que vous ayez obtenu la déclaration simple de la tête d'abord, avant de passer à obtenir toutes les nuances des traits et de la structure du visage. Mais rappelez-vous, vous n'avez pas à les emmener jusqu'à la fin, et ils n'ont certainement pas besoin d'être fantaisie. Un block-in est juste pour vous, un ensemble spécial d'instructions à suivre et pas vraiment personne d'autre. Je vous encourage également à documenter votre propre processus de blocage, et à observer en quoi il peut différer du mien pour obtenir un aperçu de votre propre esprit de travail et de votre processus. Pendant que vous y êtes, n'oubliez pas de prendre des photos. Être capable de regarder en arrière cette étape de bloc-in, pourrait être très intéressant à comparer plus tard avec votre dessin fini. Sans oublier, cela fait un excellent post sur Instagram lorsque vous partagez vos progrès. J' espère avoir partagé assez de connaissances et outils avec vous pour vous préparer à un beau dessin de portrait. Mais avant d'entrer dans la partie amusante de la construction du dessin, passons à l'ombrage, à la prochaine leçon, je te verrai là-bas. 6. L'ombrage: Avant de commencer à construire notre dessin, je veux toucher rapidement à l'ombrage. Qu' est-ce que je veux dire par ombrage ? ombrage est l'acte d'appliquer une valeur plus foncée pour indiquer où le formulaire tourne à partir de la lumière. Puisque cette partie de la forme est face à la lumière, nous avons ombragé plus sombre pour indiquer qu'il est dans l'ombre. Pour nos besoins et ce que je veux que vous partiez de cette classe, prendra les formes d'ombre que nous avons bloquées dans la leçon précédente pour nous guider où l'ombre. Nous allons nous concentrer davantage sur la mise en place de taches de tonalité égales, plutôt que de créer des dégradés de tonalité qui pourraient être une façon plus familière de façonner pour certains. Nous voulons créer des taches de ton aussi homogènes que possible, parce que dans nos dessins, nous voulons que notre déclaration d'éclairage brille pas nécessairement la marque individuelle. Ne vous inquiétez pas, il y aura de la place pour jouer avec la marque une fois que nous aurons solidement établi une base solide pour notre dessin. Quand j'ombrage, je ne suis pas inquiet d'essayer de créer un look attrayant avec une technique d'ombrage spéciale, parce que je ne crois pas en avoir une. C' est en fait une excellente nouvelle pour cette classe car cela signifie que tout ce qui fait ressortir mon dessin portrait, n'est pas dû à quelque chose qui pourrait être difficile à répliquer et à appliquer dans votre propre travail. Si vous avez une façon d'aborder l'ombrage qui peut être différente de la mienne, je vous encouragerai à essayer la façon dont j'ai démontré la classe au moins pendant que nous construisons encore notre dessin. J' aime généralement garder mes lignes dans la même direction dans chaque patch d'ombre avec lequel je travaille pour le garder aussi uniforme que possible. Les lignes allant dans toutes les directions, créeront trop de bruit et risqueront que certaines zones deviennent inutilement plus sombres que d'autres par accident. Voici la plus grande erreur que les débutants ont tendance à faire en matière d'ombrage, qui est de se fondre entre leurs lumières et leurs ombres. Le mélange est découragé parce que nous voulons préserver les formes que nous avons faites, distinguant aussi longtemps que possible entre la lumière et l'ombre . mélange entre eux, brouillera ces lignes en diluant cette déclaration de valeur que nous venons de faire. Heureusement pour nous, nous pouvons éviter de le faire parce que nous avons déjà bloqué les formes d'ombre afin que nous sachions exactement où ombre et concentrer nos efforts. Maintenant, parlons du bâton de mélange parce qu'il y a des choses à savoir avant de l'utiliser. Vous pouvez l'incliner sur le côté pour utiliser un large bord exposé du steak pour poser une rue de ton. Vous pouvez également utiliser la pointe du bâton pour une application plus contrôlée pour pénétrer dans des zones plus petites. J' utilise habituellement le bâton de mélange quand je voulais rapidement poser une couche uniforme de ton dans une grande zone. J' ai parfois un bâton de mélange utilisable pour lisser certaines de mes lignes d'ombrage quand elles sont un peu incohérentes et incohérentes, et donc, distrayant. Le bâton de mélange peut être très utile pour diminuer le contraste car il aide à lisser les arêtes, les variantes et les valeurs distrayantes. Mais j'essaie de l'utiliser aussi parcimonieusement que possible et d'essayer de ne pas l'utiliser partout mon dessin car il a tendance à rendre les choses très douces partout. J' ai toujours mon crayon à portée de main pour retirer certaines des lignes qui auraient pu devenir un peu pâteux avec le bâton de mélange. La plus grande chose à garder à l'esprit est ne pas utiliser un bâton de mélange pour mélanger entre la lumière et les formes d'ombre. Je sais que c'est un peu contraire à son nom, mais le mélange entre une valeur sombre et une valeur lumineuse pour créer une transition uniforme entre eux, c'est en fait un peu difficile à faire avec le bâton de mélange et je trouve souvent que j'ai de meilleurs résultats et plus de contrôle si je le fais au crayon. En fin de compte, comment vous ombragez, est un choix artistique personnel, mais dans le but de cette classe, je suggère de le garder propre et même de commencer. L' essentiel à emporter de cette leçon, est de garder l'ombrage simple, même intentionnel, et d'utiliser une main légère pour commencer. Nous avons de la place pour construire les valeurs plus sombres au fur et à mesure que nous allons. Prochaine étape, nous sommes enfin prêts à commencer à construire un portrait. 7. Créer le dessin: Maintenant, nous sommes enfin prêts à commencer à construire notre bloc et à développer notre dessin portrait. Mais comment devrions-nous procéder ? Après avoir fait de nombreux dessins de portrait pour préparer cette classe, j'ai identifié et décomposé mon processus en étapes gérables que vous pouvez suivre avec. Mais s'il vous plaît noter que pendant que je vais présenter cette leçon par étapes, lorsque je construis sur mes dessins, j'ai tendance à sauter d'étape en étape. Prenez ce que vous pouvez de mon processus distillé vers le bas et construisez votre propre processus en plus de celui-ci qui correspond le mieux à votre propre rythme de dessin. Avec cela dit, commençons. Remplir les formes d'ombre. C' est là que nos formes du bloc dans la scène entrent vraiment en jeu parce que je concentre toute mon attention sur ces domaines. Si vous étiez diligent dans votre bloc et vous avez bloqué vos formes d'ombre comme ceci, alors cette partie du processus devrait vraiment être aussi facile que la coloration dans un livre de coloriage. Je cherche juste les formes que j'avais dessinées dans le bloc dans la scène et les ombrage avec un ton clair pour commencer à construire notre déclaration d'éclairage. Lorsque j'ombrage, j'essaie d'appliquer mes traits aussi uniformément et uniformément en pression que possible pour ne pas créer de changements de valeur inutiles dans l'ombre. Il y a certaines zones dans le bloc où je n'étais pas tout à fait sûr bloquer dans le cadre de la forme de la lumière ou une partie de la forme de l'ombre, comme les joues ou les parties des cheveux, par exemple, parce que les changements de valeur dans ces zones étaient plus subtile dans la photo. J' aime laisser ombrage des zones délicates comme ça jusqu'à plus tard. J' essaie d'éviter d'ombrage dans les zones lumineuses jusqu'à ce toutes les formes d'ombre que j'ai bloquées aient été ombragées. Une fois que vous commencez à ombrage dans les zones lumineuses et à y apporter des valeurs plus sombres, cela devient déroutant avec les formes d'ombre à ce stade précoce lorsque les valeurs n'ont pas encore été créées. J' essaie de garder ces zones aussi séparées le plus longtemps possible. Réfléchissez à notre leçon de forme de cette décomposition des os nus des valeurs en lumière et en ombre. Lorsque j'ombrage, j'essaie de garder cette déclaration simple à esprit de ce qui est dans la lumière et de ce qui est dans l'ombre, essayant de comprendre quelles zones doivent être ombragées pour je puisse l'obtenir aussi près que possible de l'énoncé. Découper les caractéristiques. Une fois que vous avez rempli vos formes d'ombre, votre dessin devrait ressembler à ceci. Avec la couche initiale d'ombrage en place, il devient plus facile pour moi de voir où les choses doivent aller, donc je me sens plus confiant d'entrer avec des marques plus sombres pour commencer à faire ressortir les fonctionnalités. Je [inaudible] avec la scène de sculpture parce qu'il me semble vraiment que je découpe les traits, comme si je sculptais, si je compare l'étape précédente à la mise en forme grossièrement des formes majeures d'un buste. Maintenant, je commence à rétrécir et à effacer lentement les entités et à les découvrir à partir des formes d'ombre. Je concentre tout d'abord mes efforts sur les principales caractéristiques, surtout sur les yeux, car c'est souvent le point central d'un portrait. Je suis plus prudent avec les notes que je fais parce que je vais dans un peu plus sombre maintenant et je veux commencer à obtenir les nuances des fonctionnalités plus tôt. Il est important de se rappeler de ne pas aller trop sombre à ce stade parce que nous voulons encore laisser une place pour construire nos valeurs et des valeurs très sombres trop tôt dans cette étape pourraient détruire les relations de valeur. Nous voulons nous construire progressivement à nos valeurs d'obscurité. Vous vous demandez peut-être, alors que vous me regardez dessiner ce portrait, que tout cela semble douloureusement lent, parce que c'est le cas. Chaque marque que je fais, je fais une pause et je vérifie si c'est bien. Je veux m'assurer que je prépare l'élaboration pour le succès, car que je ressens sur la façon dont le dessin se déroule est très crucial pour son résultat. J' ai besoin de sentir que ça va bien et que ça va dans la bonne direction et que le développement du dessin m'aide vraiment avec ça. Prenez le temps de dessiner soigneusement les choses correctement la première fois, comme obtenir la bonne forme pour les narines et obtenir la bonne distance des paupières. Les petites nuances des caractéristiques du sujet à portée de main, j'ai l'impression qu'il fait vraiment une différence sur le portrait global, et donc il vaut la peine de l'obtenir juste plus tôt que plus tard. Je veux savoir quand j'entrerai dans la construction des valeurs que je travaillerai sur une bonne base. Une fois que je me sens plus confiant dans le dessin, je commence à choisir quelques lignes pour aider à renforcer le sens des formes et je nettoie mes formes au fur et à mesure que je vais en dessinant autour d'elles pour qu'elles soient plus ciblées et conçues. Construire les valeurs pour renforcer la déclaration d'éclairage. Avec les caractéristiques qui commencent à se sentir plus définies et dessinées d'une manière agréable à mes yeux, je suis confiant d'aller plus loin pour développer la gamme de valeurs dans le portrait et approfondir certaines formes d'ombre pour un dessin plus dynamique. Comme je l'ai mentionné précédemment, nous mettons la majeure partie de l'effort dans les formes d'ombre, donc il s'agit vraiment de superposer l'ombrage que nous avons déjà fait dans la première partie du processus de construction. J' apporte lentement les formes des entités, aussi, en mettant ces valeurs plus sombres. Remarquez que je n'ai guère fait de travail dans les zones claires. C' est parce que la plupart des informations visuelles se trouvent dans les zones d'ombre, pas dans la lumière. Cependant, quand je commence à travailler dans la forme légère, j'essaie d'avoir une main très légère avec elle ne pas confondre ces zones avec la forme de l'ombre. Comme vous vous souvenez tous de notre leçon de forme, rappelez-vous à quel point John Singer Sargent a gardé ses valeurs dans la lumière. Nous devons faire la même chose dans notre dessin pour chaque zone à lire comme lumière et ombre. Toute marque que nous posons dans la zone lumineuse que nous avons bloquée doit être plus légère que la zone d'ombre. Mes yeux sautent constamment autour du dessin et reviennent à la référence de la photo, voir où je peux améliorer le dessin, qu'il s'agisse d'obtenir une meilleure ressemblance ou de faire des formes d'ombre plus propres et plus géométriques à partir de l'ombrage que j'ai fait. J' ombrage, ça deviendra plus évident pour moi si je n'aurais pas dû regrouper quelque chose dans la forme de l'ombre, ou vice versa dans la forme de la lumière. Je vais redessiner certaines des formes au fur et à mesure que je vais, il s'agisse d'assombrir et de surface ou d'effacer et de soulever la valeur. À ce stade, j'essaie de définir les joues plus que le visage se sent plus tridimensionnel. Vous pouvez voir ici que je pousse cette partie de la joue dans l'ombre en l' assombrissant davantage parce qu'elle ne se sentait pas assez sombre. J' essaie de trouver la meilleure et la plus attrayante façon de redessiner cette forme ici, car je sens que cette zone est un peu ambiguë et occupée quand on regarde la forme négative. J' ai décidé de combiner les formes d'ombre de cette zone pour une déclaration plus simple. Remarquez comment je pars uniformément sur toute la zone avec l'ombrage pour mélanger les formes ensemble et aider à rendre cette zone plus cohésive. Il est important de noter que vous pouvez rester flexible et fixe pendant que vous allez. Si une zone que vous avez regroupée en tant que partie de l'ombre semble trop lourde et sombre, peut-être qu'elle semble mieux dans la forme légère et qu'elle doit être allégée ou peut-être même effacée complètement. Vous n'avez pas besoin d'avoir les formes dessinées parfaitement pour commencer, je suis toujours en train de redessiner mes formes au fur et à mesure que je vais dans le dessin. Je commence à prêter plus d'attention aux cheveux de ce point. Puis je me suis rendu compte que la zone inférieure de ses cheveux se sentait trop alambiquée avec toutes les lignes allant dans des directions différentes et les grandes valeurs qui étaient là. Ce qui s'est passé, c'est que je me suis perdu dans les nuances des cheveux là-bas, essayant de choisir chaque mèche individuelle de cheveux sortant, au lieu de voir la grande forme globale des cheveux. J' ai pris le bâton de mélange et j'ai brouillé les lignes pour former une forme plus grande et plus simple. J' aime travailler sur les cheveux plus tard dans le processus et concentrer mes efforts sur le visage d'abord, puisque les cheveux sont plus d'une forme secondaire qui se trouve au-dessus de la structure sous-jacente de la tête. Aussi, je trouve les cheveux un peu difficile à approcher parfois, surtout quand je ne reconnais pas immédiatement les formes qu'ils contiennent. J' aime laisser le dessin se dérouler d'abord pour que je puisse concevoir les formes au fur et à mesure que je vais. Lorsque je construis les valeurs dans l'image et renforce la déclaration de valeur que nous avons faite avec les formes d'ombre, je voudrais me demander s' il y a des valeurs blanches distrayantes dans les ombres ? Si c'est le cas, pensez à le renverser avec le bâton de mélange ou à l'ombrage au-dessus de celui-ci. Soyez toujours méfiant de tout ce qui se démarque et appelle trop d'attention, et considérez si revenir aux formes simples est finalement une meilleure déclaration globale, et quelque chose qui se lit comme désordonné et déroutant. Prioriser une lecture des grandes formes simples d'abord, puis nous pouvons faire ressortir les détails au-dessus plus facilement. Finalisation du dessin. C' est la scène ou je me sens assez confiant dans la direction que le portrait va vraiment commencer à m'engager dans ce que j'ai sur la page. Maintenant que nous avons suffisamment construit nos valeurs et notre déclaration d'éclairage, je change de cerveau pour réfléchir davantage en termes de conception, de dessin et de lignes qui solidifient le portrait et créent une feuille de route visuelle attrayante pour le point focal. Je trouve qu'à ce point, je regarde moins la référence de la photo et plus travailler sur ce que j'ai sur la page pour comprendre mes prochaines étapes. Vous remarquerez que je saute d'un point à un autre tout autour du portrait, et c'est parce que je suis constamment en train de reculer et d'essayer de regarder l'image globale quand je fais ces dernières notes et le dessin. Chaque fois que je fais une marque, cela a un impact sur l'apparence de l'image entière et je ressens le besoin d'équilibrer cette marque précédente d'une manière ou d'une autre. Chaque marque que vous faites sur la page est un poids visuel, et il faut donc prendre en considération la façon dont elle affecte la composition globale du dessin. Par exemple, je voulais que les cheveux du côté droit se sentent vraiment brillants, donc j'ai défini une valeur plus foncée pour l'arrière-plan afin qu'il ait quelque chose à contraster. Remarquez comment dès que j'ai commencé à mettre beaucoup de marques dans ce coin, mon instinct est de sauter dans le coin opposé de l'image ou d'équilibrer la manière visuelle que je viens de créer. Il est important de noter alors comment chaque marque que vous faites vous donne plus de contexte pour dessiner en termes de ce qu'il faut faire et de ce qu'il ne faut pas faire. Lorsque vous vous sentez coincé, il suffit de continuer à aller de l'avant et de dessiner un vient à l'esprit et aller à partir de là. Même si cela finit par être une erreur que vous devez effacer, cela aidera quand même à informer vos prochains mouvements. Quelque chose que j'ai été attiré sur la photo initialement était les mèches de cheveux errants qui ont tellement de mouvement en eux, et je voulais certainement utiliser des rythmes pour attirer l'attention sur le visage. Quelque chose que j'aime vraiment faire à ce stade est de voir le dessin manière abstraite pour extraire des éléments de conception du dessin lui-même. Par exemple, je voyais ce croissant sombre se former ici et ça aidait à équilibrer la grande forme de l'ombre de l'autre côté. Remarquez aussi la forme par les cheveux ici qu'il est également similaire. Je renforce la forme de celui-ci afin qu'il soit plus reconnaissable, non par un sens de logique réelle, mais parce que je l'ai aimé comme élément de conception. Une fois que j'ai renforcé cette forme, j'ai vraiment senti que ces trois formes encadrent très bien le visage. voir des formes similaires comme celle-ci se répètent dans d'autres parties de l'image rend le design plus cohérent et intentionnel. Il est plus facile et plus naturel de prendre ce qui est déjà sur le papier au lieu d'essayer d'imposer un élément de conception arbitraire dans l'image après le fait. Lorsque je suis proche de la fin du dessin portrait, j'aime jeter un dernier regard sur les caractéristiques pour assurer que j'ai l'impression que je veux avec eux. La nature de cette référence photo et aussi le visage du modèle ont une ambiance très angélique. Au lieu de laisser son expression faciale plus neutre que sur la photo, j'ai décidé de lui donner un peu de sourire, alors je remonte légèrement les coins de sa bouche pour que son expression soit moins vague et plus intentionnelle. Est une si petite chose, mais j'ai l'impression que cela fait une énorme différence dans l'aspect général de l'image. En fin de compte, vous pouvez décider ce que vous mettez dans l'image. N' hésitez pas à prendre certaines libertés artistiques comme celle-ci, car il n'y a pas de règle qui dit que nous devons copier la photo telle que nous la voyons. En tant qu'artistes, nous avons le pouvoir et la permission de manipuler certains éléments en fonction de notre déclaration désirée. À ce stade du processus, nous devrions avoir un dessin qui semble terminé. Mais qu'est-ce qui fait qu'un dessin semble terminé ? J' ai fait une petite liste de contrôle que vous pouvez consulter pour voir si votre dessin se rapproche. Pendant que je passe par cette liste de vérification, jetons un coup d'oeil à ce portrait du début à la fin pour voir comment tout cela se réunit. Les fonctionnalités sont-elles lues ? Les caractéristiques sont-elles pâteuses et plates sur le visage ? Si c'est le cas, il y a des chances que vous ayez encore besoin de construire vos valeurs plus sombres afin qu'elles aient l'impression d'avoir un sens de la forme. Alors que mes traits commencent à se sentir un peu pâteux et perdus, j'aime revenir au mode dessin et simplement les retirer, bien que le fait d'être léger avec l'astronaute crée des contours inutiles. La direction des yeux est-elle claire ? Cela semble assez simple, mais je trouve que l'exécution des yeux peut vraiment faire ou casser le dessin Porsche. Le moindre écart dans la façon dont l' iris est assis à l'intérieur de l'œil et dans quelle mesure le couvercle couvre l'iris fait une énorme différence sur la façon dont nous percevons la direction de l'œil et l'expression des yeux. croisement constant avec votre référence photo pour voir si l'intention des yeux se traduit par votre dessin aide vraiment à faire une grande différence. Arr il distraire les valeurs de lumière à l'intérieur des ombres ? Assurez-vous de scanner le dessin pour trouver toutes les valeurs de lumière dans la forme de l'ombre qui sont distrayantes, car cela risque d'en empêcher la lecture. Un passage rapide sur les bâtons de mélange ne devrait pas ces zones vers le bas afin qu'ils n'attirent pas trop l'attention, et le sens attrayant du rythme. Est-ce que les rythmes et le dessin ramènent aux yeux ? Rhythms est un concept un peu abstrait et il m'a donc été difficile d'essayer de l'expliquer. Mais j'aime vérifier si les rythmes et l'image créée par les éléments secs sont composés d'une manière qui mène finalement au point focal de l'image. Même dans les dessins des gens qui sont très lâches, si les rythmes et le dessin réussissent à attirer l'attention sur le point focal et que le point focal a assez d'un gain ou le spectateur, alors même un dessin lâche ou une peinture se sent fini. Plus je vais loin dans mon propre parcours artistique, je pense qu'un portrait soigneusement conçu semble plus fini et percutant qu'un portrait qui vient d'être rendu de haut en bas. Ceci est juste une petite liste de choses, je vérifie pour voir si ma sensation de dessin est faite. Remarquez que j'ai dit sentir parce que c'est une question très subjective et fini signifie quelque chose de très différent pour chaque artiste. Mais je pense que c'est un bon endroit pour commencer. Dès le début de ce cours, mon objectif était de vous mettre en place avec les connaissances et les outils nécessaires pour prendre votre photo de référence et construire un portrait solide à partir de zéro. Mais si on pouvait aller plus loin d'ici ? Dans la prochaine leçon, je vais vous présenter quelques concepts qui sont impliqués dans ce qui, je pense, fait un dessin un grand, pour vous montrer, espérons-le, comment amener votre dessin au niveau supérieur. 8. Technique : Losing des lignes inutiles: Perdre des lignes inutiles. Cette technique est où j'essaie d'adoucir ou même de perdre complètement toutes les lignes que je me sens inutile dans l'image pour une déclaration plus propre dans l'ensemble. C' est parce que les grandes lignes ne sont pas la façon dont la vie réelle est présentée. Nous avions besoin d'eux plus tôt dans le processus de dessin pour savoir où vont les choses dans notre dessin, mais maintenant nous pouvons nous permettre d'en perdre, car ils peuvent détruire la qualité du réalisme que nous voulons atteindre avec notre déclaration d'éclairage. Jetons un coup d'oeil à quelques exemples. Je cherche des lignes ou des bords durs de mon dessin qui sortent. Je me méfie d'eux et je pense que si le dessin pouvait se tenir seul sans eux. Voici souvent un endroit idéal pour les chercher. Comme je pense que nous avons tendance à vouloir indiquer chaque mèche de cheveux comme des contours séparés, sorte qu'il finit souvent par paraître un peu trop occupé et surestimé. Ce que j'aime faire dans ce cas est de prendre le bâton de mélange et d'abattre certaines des lignes afin qu'il devienne plus un patch de valeur qu'un tas de lignes distinctes. Je trouve qu'il est beaucoup plus facile et franchement plus attrayant de le traiter très graphiquement comme ça, où je le traite comme une grande forme et perds autant de détails à l'intérieur de celui-ci. En le traitant simplement, il attire non seulement votre attention sur le visage, mais offre également un complément texturé à l'image globale parce que le visage a probablement été traité avec des détails plus fins. Nos yeux trouvent cette différence et cette texture intéressante à regarder. Je pense souvent qu'un dessin semble mieux si on le sous-estime qu'il est exagéré, répandant tout pour le public au lieu de les laisser remplir les blancs par eux-mêmes. Voici un autre exemple où j'ai décidé d'aller contre trop compliquer les cheveux et je suis allé pour une solution plus graphique. Comme vous pouvez le voir quand je me suis approché des cheveux pour la première fois, je dessinais beaucoup de lignes en essayant d'indiquer ce que je pensais voir dans les nuances de ses cheveux dans la référence photo. Mais je me suis vite rendu compte que ce n'était pas nécessaire et que tout ce dont j'avais vraiment besoin était la forme générale des cheveux et de transmettre que c'est une valeur plus sombre que le reste de l'image. J' ai pris le bâton de mélange et j'ai adouci toutes les lignes tout en couvrant toute la forme du cheveu d'une valeur plus foncée. J' ai instantanément aimé le dessin plus une fois que j'ai fait ça. Les contours sont intrinsèquement distrayants parce que ce sont des choses sur lesquelles nos yeux peuvent s'accrocher. Si vous pouvez trouver des endroits pour vous débarrasser des contours redondants, essayez-le. Voyez à quoi cela vous ressemble lorsque vous prenez du recul par rapport au dessin. Puisque les lignes sont assez faciles à dessiner en arrière, je pense qu'il vaut la peine d'essayer de voir si vous pouvez en perdre pour finir avec une déclaration plus simple et plus puissante. 9. Technique : Lumière déversée: C' est une technique où j'imagine que la lumière qui frappe la partie du visage est si brillante qu'elle rebondit et se répand dans l'atmosphère, créant un regard presque brumeux dans le dessin. Imaginez ça comme ça. La lumière vient dans vos yeux en tant que spectateur et elle est si brillante que vous ne pouvez pas faire ressortir tous les détails très clairement. C' est comme quand on va prendre une photo et qu'il y a tellement de lumière qui vient à travers l'objectif. Cela entraîne une surexposition de la photo et c'est l'effet que j'essaie de créer dans mon dessin avec cette technique. Jetons un coup d'oeil à la façon dont j'utilise cette technique dans ce dessin. Remarquez comment le côté supérieur droit de ses cheveux est soufflé sur la photo et vous ne pouvez pas en faire de détails. La lumière rebondissant sur cette partie des cheveux était probablement vraiment brillante et a donc entraîné un regard surexposé sur la photo. Eh bien, je voulais pousser ce regard dans mes dessins pour que tu puisses vraiment sentir ce sentiment de lumière vive rebondir de ses cheveux. J' ai pris ma gomme pétrissable et l'ai tamponnée graduellement de ses cheveux dans le côté sombre de l'arrière-plan. Soulever la sauvegarde en graphite et briser le bord dur qui séparait les deux zones auparavant. Alors que je soulevais une partie du graphite pour le sentier de la lumière, j'assombrit simultanément une partie de la zone environnante puisque je voulais vraiment que la lumière éclaire à nouveau quelque chose. Mais en faisant attention à ne pas créer de contours durs et à garder la lumière très douce. J' ai répliqué cet effet sur ses cheveux sur le côté droit pour vraiment le faire sentir très illuminé. Ce doux saignement de la lumière dans les zones sombres comme celle-ci, je sens lentille un contraste texturé vraiment agréable certaines des lignes plus dures dans le portrait et il crée un sentiment de mouvement et d'énergie que je trouve vraiment engageant comme s'il y avait vraiment de la lumière rebondissant sur la page. Pour essayer cette technique dans votre dessin, trouvez les zones où il y a une forme légère, en touchant une forme d'ombre, en particulier près de l'endroit où se trouve le point focal. N' oubliez pas qu'il ne sera pas clair s'il n'y a pas de valeur sombre à contraster. Assurez-vous qu'il s'agit d'une zone où une forme lumineuse rencontre une forme d'ombre. Essayez de brouiller le contour qui sépare ces zones en effaçant une partie de la ligne, graduellement en tamponnant légèrement la gomme pétrissable, puis en l'étendant vers l'extérieur plus loin dans la zone d'ombre pour créer ce regard de lumière déversée. La douceur que vous venez de créer offre une très belle différence de texture par rapport aux bords durs qui l'entourent, ce qui le rend vraiment intéressant pour le spectateur. Si vous avez suffisamment construit vos valeurs pendant le processus de dessin, c'est une technique super simple qui peut donner l' impression qu' il y a un vrai sens de la lumière dans votre dessin. 10. Technique : ombres atmosphériques: Des ombres atmosphériques. J' utilise souvent cette technique pour ajouter un sentiment d'intérêt dans l'ombre. Parfois, une zone d'ombre finit par devenir trop sombre pendant le processus d'ombrage, et les valeurs sombres ont tendance à grossir les choses sur la page si elles ne sont pas utilisées avec parcimonie. Je vais chercher ces zones où je pourrais être trop sombre, et voir si tamponner ma gomme pétrissable et soulever progressivement une partie du graphite, aidera à rendre la zone plus légère et plus agréable à l'œil. choses qui sont plus éloignées de nous sont moins discernables pour nous, surtout dans l'ombre. En rendant les ombres moins sombres, il imite l'apparence de l'atmosphère dans le dessin, ce qui est un effet vraiment intéressant puisque vous traitez le visage comme si c'était comme un paysage, comme si le dessin émerge d'une brume. Les fois que j'utilise cette technique le plus, semblent souvent être avec des cheveux très foncés, tels que les cheveux noirs. Il y a une tendance à penser, oh, les cheveux noirs sont noirs, donc il devrait être assez sombre, et utiliser beaucoup de pression sur le crayon pour obtenir des taches très sombres. C' est précisément ce que j'ai fait avec ce dessin. Sur la photo, les cheveux semblent assez uniformément sombres. C' est comme ça que je l'ai traité d'abord, mais ensuite j'ai réalisé que ça engraissait vraiment la forme de ses cheveux. J' ai décidé de soulever une partie du graphite dans cette zone pour lui donner l'air d'être affecté par l'atmosphère, ce qui, je pense, l'a rendu beaucoup plus dimensionnel. Cela a également fait en sorte que les valeurs sombres les plus sombres ont été laissées dans le visage, ce qui, je pense, a aidé à y mettre l'accent en contraste. Comment pouvez-vous trouver des moyens d'utiliser cette technique dans votre dessin portrait ? Recherchez de grandes taches de valeur sombre qui se sentent un peu trop lourdes. Demandez-vous, est-ce que cette zone doit être aussi sombre, ou est-ce qu'elle enlève du dessin ? Cela ne fait pas trop de mal d'essayer de remonter une partie de la valeur avec votre gomme pétrissable, et de voir ce que vous ressentez, car il est assez facile d'assombrir quelque chose si cela ne se sent pas bien. Ces taches sombres lourdes peuvent être ennuyeux pour nos yeux, car elles ne laissent pas beaucoup de place pour se déplacer. Il finit par donner une apparence plate et morte sur la page. Mais cette technique de lever une partie de la valeur de ces taches trop sombres, nous permet de voir la vie dans l'ombre et de déplacer ses yeux à travers les passages de l'ombre. Je pense que c'est un effet vraiment soigné qui augmente l'intérêt, tout en mettant en évidence le point focal du portrait. Cela me rappelle de réserver les valeurs sombres les plus sombres pour des zones plus petites et plus importantes, et que même si je pense que quelque chose semble vraiment sombre sur la photo, il n'a pas besoin d'être traité de cette façon dans le dessin. 11. Projet des apprenants et les réflexions claires: J' espère qu'à la fin de ce cours, vous vous sentirez bien équipé pour tester certains de ces concepts et techniques et aller au niveau de vos dessins de portrait. Parce que, maintenant, il est temps pour vous de travailler sur votre projet étudiant. J' aimerais vous voir faire un portrait fini, soit à partir d'une des photos que j'ai utilisées dans mes démonstrations, soit à partir de l'une de vos photos. Vous pouvez y trouver un lien dans l'onglet Projet et ressources. Assurez-vous de le consulter pour d'autres ressources, comme des recommandations de livres et un tableau Pinterest de grands dessins de portrait d'autres artistes ou tout ce que je trouve qui pourrait être utile pour les élèves qui suivent ce cours. Mais avant de vous attaquer à ce projet, n'oubliez pas de vous entraîner à dessiner des formes d'ombre et réchauffer votre main de dessin en faisant quelques extrémités de bloc pour préparer votre dessin pour le succès. Assurez-vous de passer par toutes les étapes couvertes tout au long des leçons afin qu'à la fin, vous ayez un dessin qui se sent terminé. Téléchargez votre dessin ainsi que la référence photo que vous avez utilisée dans la galerie du projet, afin que moi ainsi que les autres élèves de cette classe puissent jeter un coup d'oeil et voir comment tout le monde aborde le même sujet du dessin portrait. Je suis assez confiant, je vais voir si vous avez appliqué certaines des connaissances que j'ai transmises dans ce cours. Je suis vraiment curieux de voir ce que tu peux faire. Si vous aimez vos résultats, affichez-les sur les réseaux sociaux. N' oubliez pas de partager le travail dans les plans de progression aussi. Nous aimons tous voir comment un dessin se développe au fil du temps. Avant de partir, je veux vous laisser avec quelques mots d'encouragement à prendre avec vous. Le dessin en portrait est difficile. Cela nécessite non seulement des connaissances, mais aussi beaucoup de kilométrage et de pratique et une tonne de mauvais dessins pour arriver à certains bons. Selon votre niveau d'expérience, il peut vous falloir un certain temps pour voir certains résultats. Honnêtement, je n'aime même pas tous les dessins que j'ai faits en préparation pour ce cours. Ne vous découragez pas par un ou deux mauvais dessins. Ne sois pas impatient avec toi-même. C' est bon si vous ne comprenez pas ces concepts tout de suite, asseyez-nous et donnez un temps. Mais en attendant, continuez à apprendre, continuez à pratiquer, continuez à être inspiré par les visages des gens, et continuez à appliquer certaines de ces leçons à votre processus, même si cela n'a pas de sens pour vous, ce moment, vous pourriez encore prendre quelque chose qui peut vous aider. Finalement, vous développerez un processus et une façon de voir qui a du sens pour vous. Peut-être qu'un jour tu pourras le transmettre à quelqu'un d'autre. À la fin de ce cours, en prime, je vais laisser quelques images brutes en temps réel d'un portrait que j'ai fait du début à la fin. Seulement couper des morceaux où j'ai dû tousser ou arrêter d'enregistrer un instant. J' espère que c'est perspicace pour vous de voir toutes les pauses que je prends avant de faire mes marques. Tout le saut autour que je fais de section en section en temps réel. Les fois où je me sens confiant et sûr mes décisions par rapport à toute l'effacement et le redessin qui se passe. J' espère qu'il vous informera. J' espère que vous le trouverez précieux, et j'espère que cela vous aidera à renforcer votre confiance pour commencer à dessiner. Si vous avez trouvé ce cours utile et que vous avez jivé avec mon style d'enseignement jusqu'à présent, alors je vous encourage vivement à me suivre ici parce que je prévois sortir plus de cours bientôt afin que vous puissiez l'attraper dès qu'il sera diffusé. Pendant ce temps, vous pouvez me suivre sur Instagram pour voir ce que je suis à jour aujourd'hui ou plus sur YouTube où vous pouvez voir une tonne de vidéos supplémentaires où je partage mon processus et mon parcours en tant qu'artiste. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours et j'espère vous revoir bientôt. Prends soin de toi. 12. Dessiner des portrait d'une fois les plus courantes [RAW Footing]: .