Améliorer votre cinématographie : 7 principes à connaître

1. De cinéaste de niveau intermédiaire à cinéaste de niveau supérieur: Salut tout le monde. Après avoir reçu de nombreuses demandes, je suis tellement excité de vous apporter tout le cours de suivi à mes cœurs populaires, « Du débutant au cinéaste intermédiaire », et de vous guider vers le niveau avancé. Contrairement à passer de l'étape débutant à l'étape intermédiaire, passer du niveau intermédiaire au niveau avancé est un processus de raffinement, mais ce que vous aurez besoin d'apprendre est plus nuancé. Il y a beaucoup de choses à développer en tant que cinéaste, mais dans ce cours, j'ai inclus sept choses pratiques sur lesquelles vous pouvez travailler pour affiner continuellement votre production et atteindre le niveau avancé. Bien que vous puissiez penser que vous aurez besoin d'un appareil photo haut de gamme coûteux pour devenir un cinéaste avancé, la plupart des leçons de ce cours peuvent être appliquées à votre appareil photo reflex numérique. Commençons. 2. Mouvement complexe de la caméra: Numéro 1, mouvement complexe de la caméra. Si vous avez l'impression que vous pouvez suivre un sujet en douceur avec un gimble. Maintenant, il est temps d'ajouter un mouvement de caméra plus complexe qui se sent plus dynamique et sert votre histoire avec plus de puissance. Envisagez d'aller au-delà de l'axe des x et des y, et plutôt d'ajouter quelques actions sur l'axe z que le célèbre cinéaste Emmanuel Lubezki jure. Envisagez d'ajouter un long plan de suivi qui couvre nombreux points dans votre scène pour nous attirer davantage dans votre histoire, et entraînez-vous à clouer le pool de focus en cours de route. Les mouvements complexes de caméra vous aident non seulement à développer vos compétences techniques, mais aussi à visualiser le déroulement de la scène et comment vous guiderez l'attention du spectateur dans votre histoire. Avant de commencer à essayer ces mouvements complexes de caméra, commencez à pratiquer le storyboard et à bloquer vos prises de vue afin d'avoir un guide visuel. 3. La palette de couleurs: Numéro deux, palette de couleurs et décor. Alors que de nombreux cinéastes utilisent des luts dans la phase de classement des couleurs pour construire un style visuel à leur film, cinéastes avancés comme Wes Anderson savent comment intégrer ce regard dans leur image en premier lieu. Adobe Color Wheel est un outil gratuit génial qui vous permet créer des jeux de couleurs basés sur les principes de la théorie des couleurs. En construisant les tons de couleur dans votre image, vous vous mettrez en place pour une meilleure qualité de couleur plus tard dans la publication. Je trouve cela aussi très utile, non seulement pour les films narratifs, mais aussi pour les documentaires si vous voulez construire un style visuel et ajouter une certaine émotion à votre histoire. 4. Un étalonnage des couleurs affiné: Numéro trois, calibrage des couleurs raffiné. En plus de savoir comment ajuster l'exposition de base et la couleur de votre image, vous voulez apprendre à contrôler les nuances de gradation des couleurs dans le post. Pour ce faire, vous voudrez développer votre capacité à reconnaître la différence entre les tons clairs, les tons moyens et les ombres de votre image. La meilleure façon d'apprendre est de jouer avec les courbes de couleur, que vous pouvez trouver dans Adobe Premiere Pro. Vous verrez que le bas de cette courbe représente les noirs et les ombres. Le milieu représente les médiums et la courbe supérieure représente les reflets et les blancs de votre image. En jouant avec ces courbes, vous pouvez ajuster sélectivement la couleur et l'exposition dans l'une de ces zones spécifiques au lieu d'ajouter simplement une note clignotant à l'ensemble de votre image. 5. Preneur de son: Numéro quatre, apprenez à travailler avec un enregistreur sonore. Si vous voulez améliorer la réalisation de votre film, vous devrez élever le son enregistré au-delà du simple branchement d'un micro fusil à votre appareil photo. D' après mon expérience, l'embauche d'un enregistreur sonore dédié est un investissement indispensable, car cela me permet de me concentrer sur la caméra et la direction. Alors que les enregistreurs de son peuvent suivre la source sonore de près avec leurs micros dédiés. La chose importante à apprendre est d'apprendre à travailler en synchronisation uns avec les autres afin de ne pas entrer dans la voie de l'autre. 6. Matériel de cinéma numérique: Numéro cinq, découvrez le fonctionnement d'une caméra de cinéma numérique et essayez des objectifs de cinéma. Bien que je crois fermement que ce n'est pas la caméra mais l'œil derrière la caméra qui fait une image, apprendre à utiliser une caméra de cinéma numérique peut étendre votre cinéaste en superpuissance. Ils vous formeront spécialement pour voir les nuances d'une image. Par exemple, une caméra de cinéma avec une large plage dynamique peut vous donner moins d'ombres laiteuses, tandis que les objectifs de cinéma donnent généralement une image plus tridimensionnelle. Je mets toujours l'accent sur l'objectif plus que sur le corps de l'appareil photo lui-même. Et c'est fascinant de voir comment les différents verres ont des looks différents selon le fabricant de lentilles. Par exemple, les légendaires lentilles de cinéma Cooke sont connus pour le Cooke Look, qui donne un léger accent sur les tons bleus d'une image. Pour essayer d'utiliser une caméra et un objectif de cinéma, ne vous inquiétez pas, vous n'avez pas besoin de sortir et de dépenser des milliers de $, mais plutôt, essayez de contacter une maison de location locale. Demandez-leur de vous faire une démonstration et voyez si vous pouvez les louer pendant quelques jours pour jouer avec eux et voir comment ils fonctionnent. Cependant, s'il vous plaît ne gaspillez pas votre argent en essayant ces caméras à moins que vous ayez maîtrisé les bases de l'utilisation d'un reflex numérique. 7. Détails de l'enregistrement: Numéro 6, comprendre les nuances de l'enregistrement de la caméra. Alors que vous photographiez en 4K avec un profil d'image plat, il y a d'autres petits facteurs qui entrent dans la création d'une image de haute qualité. Je vais en aller dans deux grands ici, profondeur des bits et l'ISO natif. Tout d'abord, allons dans la profondeur des bits. La profondeur de bits est un nombre possible de couleurs que votre appareil photo peut capturer. Les mesures courantes pour ces profondeurs de bits sont huit bits, 10 bits et 12 bits. La plupart des caméras enregistrent une couleur huit bits, qui peut capturer 256 nuances, chacune de rouge, bleu et vert. caméras plus récentes, telles que le GH5, peuvent enregistrer des couleurs 10 bits en interne signifie qu'elles peuvent les capturer sans enregistreur externe, ce qui permet de capturer 1 024 nuances de rouge, bleu et vert. Alors que la prise de vue en huit bits est totalement parfaite pour la plupart des usages, prise de vue en 10 bits vous donne une marge de manœuvre beaucoup plus grande dans le classement des couleurs sans que votre image ne s'effondre. Cependant, il a besoin d' environ 20 % d'espace de stockage en plus que son équivalent en huit bits, et peut être plus lent à traiter dans votre logiciel d'édition. Quand je fais du travail professionnel, je vise à tirer en couleur 10 bits. L' ISO natif est un autre de ces facteurs qui influent sur la qualité de l'image. Chaque appareil photo est livré avec une ISO native, ce qui signifie qu'il a été construit avec une ISO spécifique pour préserver le maximum de plage dynamique. Pour de nombreux appareils photo, comme le Sony FS7, l'ISO natif est 800, ce qui signifie que vous devrez utiliser des filtres ND et ajuster éclairage pour obtenir une exposition adéquate afin de préserver l'ISO natif. Associez cela à un profil d'image plat et vous aurez une bonne base pour profiter de la plage dynamique maximale que votre appareil photo peut offrir. 8. Éclairage principal: Numéro 7, éclairage principal. Bien que je pense que c'est une entreprise de toute une vie, si vous n'avez tourné qu'avec la lumière naturelle, le moment est venu d'apprendre à contrôler la lumière artificielle, à étendre vos pouvoirs créatifs indéfiniment. Je crois qu'il n'y a pas de meilleure façon d'apprendre l'éclairage que de jouer avec les lumières elles-mêmes. Une excellente façon de le faire est de choisir quelques photos de vos films préférés ou quelques-unes de vos peintures préférées, et d'essayer de reproduire cette qualité de lumière. Une autre façon de développer votre regard pour l'éclairage est pouvoir reconnaître le rapport de contraste d'une image. Le rapport de contraste représente la différence d'exposition entre une partie d'une image et une autre, mesurée à l'aide d'un compteur de lumière. Ils sont utilisés pour définir une esthétique visuelle cohérente et aider à obtenir un éclairage cohérent entre les prises de vue. Par exemple, un rapport de contraste commun que nous utilisons est appelé la clé à remplir. À l'aide d'un compteur de lumière, vous mesurez la quantité de lumière tombant du côté clé du sujet par rapport à son côté de remplissage. Ensuite, divisez les deux pour obtenir le rapport. Si nous passons à une autre prise de vue et que nous voulons garder un éclairage cohérent, nous mesurerons le rapport clé/remplissage d' une nouvelle prise de vue pour nous assurer qu'elle est identique à la prise de vue originale. Si ce n'est pas le cas, nous modifierons notre éclairage jusqu'à ce que nous obtenions le rapport de contraste original. Une autre façon de développer un rapport œil-contraste, sans utiliser un compteur de lumière, est de regarder les alambics avec une fausse couleur. Stills de beaux films est un site fantastique avec une compilation d'images de référence tirées de films. Pour déterminer le taux de contraste de vos photos préférées, vous devez télécharger un plug-in False Color et le télécharger dans Premiere Pro. J' aime le plugin de couleur fausse de Time in Pixels, qui vous donne un essai gratuit. Voici une explication fantastique de Lens ToGo vous guidant à travers le processus. « Tout d'abord, je veux vous dire ce que la fausse couleur ne peut pas faire. Il ne sera pas en mesure de vous dire la couleur, la direction de la lumière ou s'ils sont source dure ou douce. Ce qu'il peut vous dire, ce sont les niveaux d'exposition à travers une scène. Vous pouvez obtenir des rapports de contraste en choisissant deux points dans une scène, que ce soit d'un côté du visage d'un acteur à l'autre, ou s'il s'agit de l'acteur à l'arrière-plan ou d'un acteur à un autre acteur. Vous pouvez savoir quelle est la différence d'exposition entre eux. Prendre des images que vous aimez et apprendre les ratios qui sont utilisés peuvent vous aider à obtenir le même look dans votre propre travail. Il vous aidera également à être plus cohérent et à orienter l'attention de votre public vers l'endroit où vous voulez qu'il regarde. Il y a deux façons de parler des rapports : dans les niveaux de lumière ou dans les arrêts de lumière. Pour déterminer le rapport de niveau de lumière, vous prenez le point le plus lumineux que vous voulez comparer, et vous le divisez par le point le plus sombre. Par exemple, si nous prenons le côté clé du visage d'un acteur et le divisons par le côté remplissage. Le côté clé est autour de 45 IRE, et le côté remplissage est autour de 15 IRE. Vous allez diviser ces deux, 45 divisé par 15, et vous en aurez trois. C' est un rapport de trois contre un, ce qui signifie que la lumière de la clé est trois fois plus brillante que le côté de remplissage. Vous pouvez prendre la même chose et passer du côté clé de l'acteur à l'arrière-plan. Dans celui-ci, le visage de l'acteur est à environ 50 IRE, et le fond est autour de 25. Divisez ces deux, et vous obtiendrez un ratio de deux pour un, ce qui signifie que l'acteur est beaucoup plus brillant que l'arrière-plan. » Avec la pratique, vous développerez cette capacité naturelle à reconnaître le rapport de contraste. utilisation de cela vous aidera à trouver son style visuel spécifique et la cohérence de votre image avant même de tirer, ce qui vous fera gagner beaucoup de temps en poste. 9. Conclusion du cours: Là, vous l'avez. Sept nouvelles étapes pour vous aider à atteindre le niveau avancé de réalisation de films. J' espère qu'à présent, vous avez au moins quelques nouvelles choses à essayer, pour amener votre cinéma à un niveau supérieur. Si vous avez des questions restantes, hésitez pas à leur envoyer mon site web, car je suis là pour vous soutenir, et s'il vous plaît consulter mes autres cours sur ma page de profil de professeur. Comme mon cours sur l'art de la révision, qui fournit des informations avancées sur le montage de films, cela renforcera la clarté, élan et la résonance de votre première tasse. Merci beaucoup d'avoir pris votre temps avec moi, et je vous souhaite tout le meilleur pour votre voyage cinématographique. 10. Des mises à jour réjouissantes: Salut tout le monde. J' ai deux mises à jour passionnantes. La première est que j'ai créé une carte de cours qui relie tous mes cours de réalisation et de montage en séquence, sorte que vous puissiez progresser en toute confiance en tant que cinéaste. La deuxième mise à jour est que j'ai lancé un bulletin d'information d'une minute, qui est une source d'inspiration et des idées de grande valeur sur le cinéma, la créativité et l'art de vivre authentique. Découvrez les deux sur la page de mon instructeur de cours.