Remixer la musique de danse : Les bases de la production numérique | King Arthur DJ | Skillshare
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Remixer la musique de danse : Les bases de la production numérique

teacher avatar King Arthur DJ, DJ / Producer

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction : Le rôle des remixes

      2:27

    • 2.

      La pré-production : Déterminer l’ambiance

      3:25

    • 3.

      Avantages de l’utilisation des tiges

      1:24

    • 4.

      Construire le sillon (Groove)

      11:10

    • 5.

      Percussion et mélodie principale

      9:07

    • 6.

      Séquençage de la chanson

      17:45

    • 7.

      Ajouter des transitions

      7:35

    • 8.

      Intro et Outro pour les DJ

      6:22

    • 9.

      L’aspect juridique et la diffusion

      2:58

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

2 016

apprenants

1

projet

À propos de ce cours

Les remixes de chansons peuvent être un excellent moyen de percer dans l’industrie musicale et de se faire un nom en tant que producteur. Dans ce cours de 60 minutes avec le globe de la personne trotter la DJ King Arthur (Hexagon/Spinnin Records), vous suivez le mois à partir de sa remix de zéro - une compétence qui a été instrumental pour l'amener au lieu de aujourd'hui. On vous explique notamment :

  • Comment définir l’objectif de votre remix —  où sera-t-il joué ?
  • Créer un groove pour votre nouvelle version de la chanson avec des lignes de base et des pistes
  • Utilisation de la percussion pour donner le tempo
  • Ajouter des transitions pour peaufiner une piste
  • inclure des intros et des outros pour que les DJ puissent facilement intégrer votre chanson dans un mix
  • Conseils pour partager et diffuser la chanson

Que vous soyez un producteur expérimenté ou un aspirant, ce cours vous donnera les tenants et les aboutissants de ce que vous devez prendre en compte lors de la création d’un remix dance destiné à être diffusé. Après avoir suivi les leçons, vous partagerez votre propre remix.

Il est recommandé d’avoir une compréhension de base de la production musicale numérique (n’importe quelle station de travail audio numérique suffira) afin de pouvoir utiliser pleinement les leçons que King Arthur partage dans ce cours. 

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Teacher Profile Image

King Arthur DJ

DJ / Producer

Enseignant·e

King Arthur is a music producer and DJ signed to Don Diablo's Hexagon roster, a sub-label of Spinnin Records.

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Level: Beginner

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Transcription

1. Introduction : Le rôle des remixes: Je m'appelle le roi Arthur. Je suis producteur de musique et DJ, musicien, artiste. Tout ce truc. En 2006, j'ai entendu la chanson de Snow Patrol, Chasing Cars, pour la première fois, et j'ai pensé que c'était la chanson la plus étonnante que j'aie jamais entendue. À cette époque, j'apprenais à produire et à écrire de la musique, et alors j'étais genre, pourquoi ne pas faire une version de cette chanson que les DJ pouvaient jouer ? J' ai l'impression que c'est quelque chose qui est si proche d'être là. Cela peut être quelque chose qui serait incroyable dans le monde de la musique de danse. Donc, j'ai téléchargé la chanson originale sur iTunes, juste le MP3 normal. J' avais un ami, qui était beaucoup plus loin dans la production à l'époque. Je lui ai envoyé, pour qu'il change la vitesse de la chanson pour moi. Il avait eu des morceaux qui avaient très bien fonctionné, et alors nous avons fini par finir la chanson ensemble. Il s'est transformé en cette chanson qui était l' une des plus grandes chansons de danse de 2006 et 2007. Je dois rencontrer la patrouille des neiges. Ils m'ont emmené dans les coulisses à l'un de leurs spectacles. Je dois les traîner quelques minutes. À ce moment-là, je me suis dit, peut-être que je peux faire de cela une carrière, peut-être que c'est possible pour moi de donner un coup d'envoi et d'être un musicien professionnel. C' est la beauté des remixes. Vous pouvez prendre des choses que vous aimez, qui existent déjà, mettre votre propre goût dessus et les remettre dans le monde. Quand je parlais avec Skillshare, nous avons décidé que ce serait un bon sujet à discuter avec jeunes producteurs et artistes parce que c'est peut-être le point d'entrée le plus facile pour obtenir votre nom et faire entrer des productions dans l'industrie de la musique. Donc, dans cette classe, nous allons couvrir différents aspects de la vie d'un remix. Tout le chemin de la collecte des tiges et de l' idée de ce que vous voulez faire jusqu'à la diffusion aux DJ, et la mise dans le monde pour que vous puissiez commencer. Espérons, obtenir un peu d'attention et créer un peu de buzz pour votre nom. Quel que soit le remix que vous faites, votre identité et vos empreintes digitales sont partout. De la façon dont vous le produisez, les sons que vous utilisez, la façon dont vous mélangez la piste. Tout ce qui est unique à votre style, vous devez faire partie de votre remix pour que les gens sachent que c'est vous. Je voulais enseigner ce cours parce que cela m'a donné l'espoir de donner un vrai coup de pouce et essayer de faire de cela une carrière professionnelle quand j'ai vu le succès d'un remix que j'ai fait. Donc j'espère que ce cours peut être merveilleux pour vous les gars d'apprendre à faire des remixes et peut être le début d'un merveilleux voyage pour vous les gars avec de la musique. 2. La pré-production : Déterminer l’ambiance: Donc aujourd'hui, nous allons parler de remixes, et je pense que le plus important est d'avoir une bonne base de départ. Pour construire cette base, vous devez avoir une idée de ce que vous allez faire de la chanson, où vous voulez qu'elle aille aussi loin que la direction et le son de celle-ci ? Vous devez également penser à comment ça va être consommé  : « Est-ce pour les gens sur Spotify, sur iTunes, sur YouTube, SoundCloud, ou est-ce pour Beatport, est-ce pour juste les DJ ? » Cette piste doit avoir une identité qui peut s'adapter quelque part et vous devez créer cette identité dès le début et cela ne fera que rendre le processus beaucoup plus facile à long terme. Donc, si vous décidez de faire une chanson qui est plus construite ou je suppose que la consommation de fans, qui est Hype Machine, Spotify, SoundCloud , iTunes, gardez plus de voix dedans pour la garder, je ne veux pas utiliser le mot commercial, mais gardez-le très accessible pour les gens à écouter, quelque chose qu'ils voudront écouter quand ils marchent dans la rue. C' est ce à quoi tu dois penser. S' il a été construit pour les DJ et pour les boîtes de nuit, c'est un angle très différent en ce sens que, il doit être construit et produit de manière à ce qu'il va tomber dans les clubs un vendredi ou un samedi soir, où quand un DJ joue le disque qu'il a l'air incroyable. Donc, il doit être séquencé très différemment d'une chanson pop ou d'une chanson radio. Ça va probablement être plus dépouillé. Le coup de pied dans la base ou besoin d'être tellement plus grand et beaucoup plus gros, il faut avoir une intro et une outro de la chanson avec laquelle les DJ peuvent mélanger. Donc, quand un gars joue dans un club, il doit avoir cette intro et l'outro de 30 secondes pour pouvoir mélanger le disque et mélanger le disque. Votre travail est de rendre ce disque aussi facile que possible pour les DJ de jouer. c'est facile, plus ils vont y jouer. Si vous faites un disque, peu importe à quel point c'est génial, si c'est vraiment difficile pour un DJ de jouer alors qu'il est assis là au milieu d' un set et qu'il essaie de penser à ce que je dois jouer ensuite et qu'il regarde et doit décider entre deux il va choisir ce qui est le plus facile à jouer et va toujours travailler. Donc, en tant qu'artiste, il est vraiment important d'être efficace avec votre temps, surtout le temps occupé que vous avez comme ces deux dernières semaines j'ai dû terminer deux remixes et deux chansons originales en volant entre les continents, et l'organisation est donc très, très importante. Avoir un flux de travail que vous connaissez qui aidera à améliorer votre processus de création, et l'une des principales clés à cela est juste d'être organisé dès le départ. Donc, dans ce cours, je vais vraiment garder ça très simple, parce que je n'avais pas à parler à personne d'autre, sauf à moi-même. Je vais remixer une chanson qui est le single de tête d'un prochain EP sur Hexagon et Spinnin et l'original est d'environ 104 bpm et c'est une sorte de piste cool d'humeur. Je vais ensuite le prendre et faire un peu maison ici que, c'est une version que je peux jouer quand je sur tous mes ensembles parce que j'aime tellement la chanson, je pense que le travail était incroyable, mais l'original n'est pas quelque chose cela permettrait de maintenir la piste de danse en mouvement. Donc, mon objectif aujourd'hui est de vous montrer comment je prends une chanson qui n'est pas construite pour la piste de danse et la faire construire pour la piste de danse. Attendez la main à un artiste ou à un manager que vous aimez leur musique, demandez les tiges ou si rien de tout cela ne se réunit, téléchargez une chanson sur iTunes que vous aimez et commençons le processus de mise en œuvre de ce truc. Une fois que vous avez commencé à travailler sur ce projet, commencez à partager avec tous les membres de la classe et nous nous donnerons tous leurs commentaires et essayerons d'encourager les autres à grandir et à devenir beaucoup meilleurs en tant que producteurs. 3. Avantages de l’utilisation des tiges: Donc, j'ai mentionné avant que juste prendre une chanson sur iTunes est une façon de commencer, mais Stems, ils sont tellement plus importants parce que vous avez tellement plus de polyvalence. Certaines personnes ont demandé, y a-t-il un logiciel là-bas, on peut juste extraire la voix hors de la piste ou quelque chose comme ça ? Il y a des façons d'inverser les choses, et c'est vraiment compliqué, et tu finis avec une version de la voix qui va sembler assez rugueuse. Donc, c'est parce que la façon dont les chansons sont mélangées et produites, si le spectre sonore est de 180 degrés de l'oreille droite tout le chemin à travers votre oreille gauche. Habituellement dans la piste, vous avez votre kick drum et votre basse au milieu, puis la voix peut être au milieu, ou en fonction de la façon dont les couches sont épinglées sur les côtés, et si vous essayez d'extraire quelque chose, vous ne pouvez pas identifier une certaine zone de la fréquence et ne veulent que cela parce que dans n'importe quelle chanson qui existe, une voix et la guitare ont certaines des mêmes fréquences. Donc, si vous essayez de déchirer la voix, vous allez chercher de la guitare. Si vous essayez de déchirer un kick drum, y a des chances que vous ayez une petite basse ou une ligne de basse là-dedans. Donc, c'est vraiment difficile d'essayer de faire ça. Donc, j'encourage fortement si vous le pouvez, obtenir Stems, certainement le faire parce que cela vous donnera beaucoup plus de liberté en ce qui concerne la créativité et l'exploration et le jeu avec tout ce que vous voulez faire. 4. Construire le sillon (Groove): Donc les gars, j'ai mon projet mis en place et j' ai les tiges et je les ai jetées dans ma séance. La première chose que je vais faire est que je vais écouter l'original et voir si des idées me viennent à l'esprit en ce qui concerne la direction, ambiance, ou l'envoi de bâtons à moi qui pourrait vraiment être important pour créer une nouvelle identité avec la chanson dans le remix. Donc, je vais vous jouer quelques extraits de la chanson originale. Donc, comme vous pouvez le dire depuis le début, c'est une chanson d'humeur très décontractée et variée. Donc, c'est un bon extrait de l'intro, allons plus vite mais plus vers le choeur. Donc, maintenant, que je l'ai écoutée, je sais que cette chanson n'est pas conçue pour le club, c'est une chanson radio, une chanson pour Spotify, une chanson pour iTunes. Donc, je dois faire une version de la chanson que je peux prendre et jouer dans mes sets et dans mes spectacles. Donc, la première chose que je fais est d'importer les tiges vocales, déjà fait cela. Donc, le BPM original de cette chanson est de 104 battements par minute, qui n'est pas quelque chose que je peux, eh bien, je pourrais jouer mes sets mais ça va le garder très sombre et très vibey. Donc, je vais l'accélérer jusqu'à 124 battements par minute. Donc, quand je fais ça, le son vocal est un peu différent. Donc, vous pouvez entendre, c'est certainement plus, c'est déjà plus d'énergie et plus de tempo à la piste qui change l'ambiance. Donc, l'étape suivante que je fais, une fois que j'ai la voix dans la session, il s'agit de trouver la progression de base que je vais utiliser pour construire toute la piste de. C' est le premier bloc de construction que vous allez utiliser, et donc je l'ai gardé très simple et j'ai utilisé exactement les mêmes accords que l'original, parce que je pensais qu'ils étaient vraiment jolis et en accord avec ce que je voulais faire. Donc, voici ces accords et ils vont être accélérés parce que j'ai accéléré le rythme de la piste. Maintenant que j'ai la progression des accords et le chant, on peut en jouer un peu ensemble. Donc, nous savons que cela fonctionne parce que c'est la même progression d'accords que la chanson originale. Je dois commencer à construire les éléments qui vont faire fonctionner cette chanson sur la piste de danse et travailler pour moi en tant que DJ. Parce que je l'ai dit plus tôt dans la vidéo, il est vraiment important d'avoir un très bon kick drum, une très bonne base de données et ceux qui doivent être vraiment gros et gras et chaud dans le bas de gamme. Donc, dans le club, ça se sent vraiment bien et frappe vraiment fort, et je dois avoir un très bon groove qui va garder les gens danser ou faire commencer à danser. Donc, la prochaine chose que je fais, je commence à travailler sur ce que la rainure va être en dessous. Je vais juste sortir le chant, je vais prendre la progression de l'accord et je dirai ensuite, « Cool, c'est la progression de l'accord. » Cool. Maintenant, nous avons la progression de l'accord et commençons à construire la ligne de base. Donc, je peux commencer à construire cette rainure, donc ça va être vraiment, garder ça simple comme ça. Donc, je sais qu'avec le son que je vais pour, ça sonne bien et ce que j'ai fait plus tôt en créant quelques modèles de groove différents que j'ai vraiment aimé. Donc, je t'en jetterai un là-dessus, c'est la première idée que j'ai trouvée. Donc, mettons un kick drum dedans pour que nous puissions avoir une très bonne idée de ce que ça va ressembler. Ça, on commence à avoir un groove. Quelque chose qui va faire danser les gens. Une règle que j'ai toujours, si ça ne veut pas me faire danser et me faire bouger, ne va pas forcer quelqu'un d'autre. Non pas que je connaisse toutes les réponses, mais si je ne peux pas faire quelque chose qui me fait danser et bouger dans mon siège et pendant que je fais la chanson, je ne pense pas que ça va se traduire sur la piste de danse. Donc, assurez-vous que lorsque vous créez ceci, quelle que soit la rainure ou la ligne de base que l'effet que vous espérez avoir, il doit avoir cet effet sur vous. Vous êtes la première personne de référence pour la chanson si vous pensez qu'elle va marcher sur la piste de danse. Donc, assurez-vous que vous êtes vraiment honnête avec vous-même à propos de ces trucs. Donc, j'ai la progression de l'accord et j'ai eu au début d'une rainure de base. D' accord. Alors, jetons la voix au-dessus de cela et voyons si la rainure de base et la voix s'intègrent ensemble. Ok ça marche, et ça marche mélodiquement. Mais je pense que dans le sens du groove pour ce que j'essaie de faire, c'est juste vraiment émouvant et un peu embrouillé. Donc, quelque chose que je fais, c'est que je vais commencer à couper des notes en sourdine. Si je pense qu'il y a trop de choses, je vais couper quelques notes. Donc, essayons de couper quelques d'entre eux et voir si cela change la rainure. D' accord. Il commence à y arriver. Je pense toujours qu'il y en a trop, alors essayons de muetter un couple de plus. D' accord. On y arrive, on y arrive. J' irai avec ce que je finis par utiliser. C' est essentiellement le même type de rainure. Mais je commence à rebondir quelques notes et octaves pour qu'il lui donne un peu plus funk. Donc, si je remets la voix, c'est assez comme un mouvement de swag côte à côte [inaudible] Cool. Ça va faire bouger les gens sur la piste de danse, je creuse vraiment dedans. Donc, je commence à construire cette piste, j'ai la progression du noyau, j'ai une rainure de base que j'aime, et je sais que la voix était déjà comme. Alors, commençons à assembler plus de choses ensemble pour ce qui va créer l'identité de cette chanson. Donc, vous devez ajouter votre kick drum, parce que c'est une piste de musique de danse. Donc, on va prendre le kick drum et le signataire de la basse. On va les jouer ensemble avec une sous-basse en dessous. D' accord. J'aime vraiment cette ambiance, j'aime vraiment cette ambiance. C' est très simple, donc c'est un kick drum et une base de référence. On doit commencer à ajouter des percussions. C' est une boucle que j'ai trouvée et je l'ai utilisée et je l'ai découpée dans tant de chansons. J' ai adoré la façon dont le son haut chapeau est dedans, et il y a une belle balançoire. Laisse-moi isoler ça et jouer pour toi très vite. C' est une percussion que je vais ajouter à la piste. Parce qu'on a le coup de pied dans la ligne de base, on a ajouté des percussions. Donc, une chose qui est importante à faire est de lancer, même si vous n'allez pas avoir la progression de base, genre de piano ou de cordes ou quelque chose dans cette partie réelle de la chanson, jouez-le là juste pour voir comment ça va et assurez-vous que tout fonctionne mélodiquement et groove-wise. Vous voulez juste chaque maintenant et puis vérifier en arrière et assurez-vous que tout correspond à la progression des accords que vous avez choisi d'utiliser pour la chanson. Donc, moyen facile est de prendre la ligne de base et la rainure dans la percussion que j'ai déjà créée et de jeter le piano sur le dessus, et assurez-vous juste que tout fonctionne mélodiquement ensemble. Alors, cool. Ça fonctionne et ça sonne bien. Alors, l'étape suivante est de s'assurer que la rainure et le chant et tout se raccord ensemble, il n'y a pas de conflit. Donc, ce que je vais faire, c'est que je vais lancer les voix sur le coup de pied, la ligne de base, et la percussion minimale qui a pu être là pour m'assurer que la rainure supporte la voix, parce que c'est tout sur la voix et ces types de pistes. Donc, c'est l'ambiance que je vais chercher juste là. C' est groovy, c'est un peu morose parce que les voix dans cette direction, mais ça a pris une identité totalement nouvelle dans la mesure où cette piste est quelque chose que je peux jouer dans mes sets, ça va marcher sur la piste de danse. C' est ce que j'appelle ça le squelette de ma piste, j'ai... 5. Percussion et mélodie principale: Donc, nous avons le squelette de la piste ici et prêt. Ce que j'aime faire à ce stade, c'est que j'aime vraiment me concentrer sur la percussion, c'est ce que je pense être la percussion finale. Cela finira par aider avec le séquençage de la chanson parce que nous avons besoin d'obtenir presque tout ce que nous voulons dans la piste quand il sera plein dans cette section. C' est ce que j'aime faire. Donc, j'ai ma boucle de percussion ici. Je dois apporter mon clap et mon hi-hat hors beat. Ce sont deux parties essentielles à presque tous les morceaux de musique de danse. C' est un clap 808 que j'aime vraiment. Je l'ai utilisé dans beaucoup de morceaux, probablement entendu l'utiliser dans beaucoup de chansons. C' est l'une des nombreuses variantes d'un 808. C' est le chapeau que j'ai utilisé dans beaucoup de chansons. J' aime comment c'est net mais propre en même temps, et donc c'est vraiment bon. Je sais que ça va correspondre au son des autres percussions que j'ai déjà dedans. Donc, je vais juste les mettre en place. J' ai pas besoin de ça. Mettez-les dans le mélange un peu mieux. Donc, nous allons mettre quelques effets sur ce clap. C' est technique, je vais devoir égaliser mon clap un peu à 5,000 hertz et une petite bosse à 200 pour obtenir un peu plus de corps et je vais ajouter un peu de réverbération sur ce pour qu' il ait plus de vie, n'est pas un tel rassis sonnant appli. Alors, faisons quelque chose comme ça. Voyons comment ça sonne. Il y a une petite réverbération pour lui donner un peu plus de vie. On a le clap et le hi-hat là-dedans. Écoutons tout ensemble. Cool. Donc, j'aime vraiment ça. Cela commence vraiment à se réunir en ce qui concerne la percussion. Alors écoutons les percussions tout seul. Ok, cool. Je veux ajouter un ou deux éléments supplémentaires qui peuvent apporter un peu plus de caractère à la percussion dans cette piste et j'ai donc ouvert Battery et j'ai utilisé le Clik Dub Kit. J' ai été vraiment inspiré en écoutant des trucs de Diplo-Skrillex, des trucs de Jack U. Ils ont utilisé des sons vraiment bizarres pour les percussions, mais quand il est fait correctement, cela ajoute tellement à la piste parce que l'élément unique qui n'est dans rien d'autre, donc j'ai fait cette petite boucle. Quand je voulais faire cette boucle, j'ai traversé et littéralement juste défilé vers le bas et trouvé un son bizarre que je pensais pouvoir tenir. Je pensais que c'était vraiment cool, ressemblant à un beat off et puis il s'agissait d'ajouter, donc ensemble qui s'est transformé en ceci, ce qui est vraiment unique percussion sonore et c'est comme deux sons bizarres mais avec tout le reste, il apporte beaucoup de au lieu de cela, c'est juste quelque chose comme ça. Alors, cool. Alors, j'ai tout. La nouvelle percussion ajoute aussi vraiment à la rainure. Donc, j'ai une très bonne chose qui se passe ici. J' aime vraiment le groove. J'aime l'ambiance. Comment tout soutient vraiment la voix, comment la voix a une nouvelle identité en plus de ce nouveau son et rythme. Mais je pense qu'avec cette piste, je ne peux pas juste avoir une rainure de ligne de basse tout le temps, je dois ajouter autre chose, et donc, seulement j'ai fait ce son. C' est un peu creux, mais il y a beaucoup de réverbération, donc il ajoute, je ne sais pas, beaucoup de caractère et d'humeur, je suppose. Donc, ce que je fais alors, c'est que je prends le groove. Donc, il s'agit de compenser un peu de rythme qui ira au-dessus de la rainure. Donc, une fois que j'ai trouvé toute sorte de mélodie, l'important est que la mélodie s'adapte et accentue la rainure de la ligne de basse, donc je vais traîner ça ici. Je vais monter le MIDI de la ligne de basse. Je vais tirer le MIDI de mon son principal que j'ai fait. Je vais les placer les uns sur les autres et m'assurer de les jouer ensemble et voir comment ça sonne. Donc, comme vous pouvez le dire que chaque fois que la ligne de basse joue, le son principal frappe juste au-dessus de ça et j'aime vraiment faire choses comme ça parce qu'il crée de l'espace entre chaque note. Mais il crée aussi des harmonies vraiment cool entre la mélodie de la ligne de basse et la mélodie de plomb, et il assure également que le plomb, la rainure et le rythme du plomb ne gênent pas la ligne de basse. Nous savons tous que la ligne de basse a déjà travaillé avec la voix et ce que la progression de l'accord donc le plomb est alors, qu'il correspond à la ligne de basse, va également correspondre avec la voix, et la progression de l'accord. Donc, à ce stade, j'ai ajouté ma piste. J' ai ma piste. J'ai ma ligne de basse. J' ai mes percussions. J' ai ma progression d'accords et on a la voix. Alors maintenant, écoutons tout. Écoutez sans voix, assurez-vous que tout sonne bien. Jetons aussi la progression de l'accord là-dedans et assurez-vous que tout, le piano, la progression de l'accord pour s'assurer que le plomb et tout va bien. Cool. C'est essentiellement une partie de la chanson où je pense que c'est aussi occupé que ce morceau devrait être. Il ne manque rien dans ma tête aussi loin que je veux prendre ça dans ma tête. Je ne manque rien ici. C' est vraiment important d'avoir toutes vos idées que vous pensez vouloir dans la piste dans une section qui pourrait être tout. Parce qu'à partir d'ici, on va commencer à diviser et à séquencer la chanson. Donc, quand vous avez tous vos éléments là-dedans, vous savez qu'il est vraiment facile de commencer à construire la piste. Comment vous voulez ajouter des éléments, comment vouloir enlever les choses et tout cela parce que vous avez tout. Toutes mes idées créatives sont en panne. Maintenant, il s'agit de prendre les idées créatives et de les placer dans le bon ordre qui va faire couler la piste très bien ensemble et construire et abandonner et tout ça. 6. Séquençage de la chanson: Donc, maintenant nous avons, à mon avis, tout ce dont j'ai besoin dans cette chanson pour quand elle sera pleine. Donc, à partir d'ici, c'est une question de savoir comment on va séquencer cette piste, et on va l'orienter vers la piste de danse. Donc, à cause de ça, j'ai besoin d'une intro et d'une outro que les deejays peuvent mélanger dans et hors de la chanson, et ensuite la plupart des pistes de club ont des pannes et des chutes. Nous avons ces éléments, et maintenant nous devons commencer à raconter une histoire avec ces éléments pour aider à créer l'identité de cette piste. Donc, ce que je vais faire, c'est écouter la voix et maintenant je mets la progression de l'accord en dessous juste pour avoir une idée de l'endroit où je vais commencer à construire des choses. Donc, dans ma tête, c'est un verset dans la chanson originale, mais cela pourrait être une grande première partie de la panne après l'intro et l'outro. Je n'ai pas encore fait l'intro. Je fais toujours ça pour la dernière fois parce que je veux que la piste soit super. L' intro et l'outro ne sont là que pour soutenir la viande principale de la piste. Donc, je vais faire l'intro et l'outro en dernier. Donc, ce sera, ce sera le début de la première panne. Donc, cette section de la chanson originale est plutôt un pré-chœur. Donc, je pense, si c'est un pré-chœur dans la chanson originale, j'aime comment ça sonne, et il y a le chœur. Donc je dois penser comment je vais construire cette piste pour arriver au chœur et faire entrer les crochets sous le chœur. Donc, ça arrive subtilement parce que je me prépare à, quand le choeur et la voix originale entrent, la ligne de base va entrer pour créer un moment et vraiment faire avancer les choses. Donc, alors nous prendrons la section que nous avions ici, où tout était plein, et je veux créer assez de différence où ce n'est pas plein, mais il y a toujours une très bonne énergie et un très bon groove juste quand tout se met en marche. Alors, je prendrais le coup de pied et la ligne de base et je le jetterais sous cette partie de la voix. Voyons comment ça sonne. Donc, c'est cool. Donc, la rainure est maintenant implémentée. Alors écoutons juste de la fin de tout ça. D' accord. Cool. J'aime vraiment ça. J' aime comment une attitude à l'égard de la chanson arrive juste là. Donc, nous avons notre premier début de notre panne, quelle sera la construction finalement dans la première goutte. Donc nous avons la première goutte. C' est bien, mais j'ai l'impression qu'il pourrait y avoir plus de choses avec le groove. Donc, je vais ajouter juste la boucle originale que j'avais. J' aime ça. Voyons donc comment il transige du bon bout. Donc, automatiquement, juste ajouter ce petit morceau de percussion ajoute tellement plus quand la piste tombe pour la première fois. Donc, j'aime vraiment ça. Donc, à partir d'ici, il suffit de copier les choses pour continuer à passer sous la voix. Donc nous avons tout, mais le problème, c'est nous ne pouvons pas avoir que ça continue de boucler encore et encore, sinon ça cessera d'être intéressant. Donc, l'une des choses que je fais habituellement est que je prends mon appli et que je l'apporte à mi-chemin dans la première section de la goutte. C' est juste très subtil, mais ça fait bouger les choses juste assez. Eh bien, je pense que ça tient vraiment les gens intéressés. Donc on a ça. Je pense que quelque chose d'autre doit venir ici parce que le garder à ce niveau manque vraiment certaines choses. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais découvrir le chapeau que j'ai, que j'ai apporté plus tôt dans la piste, et que je le mettrai, et nous verrons comment ça ajoute. J' aime vraiment ça. C' est un autre élément subtil pour ajouter un peu plus d'énergie. On peut jeter cette petite percussion bizarre que j'avais aussi et voir comment ça sonne. Cela sonne vraiment bien sur le groove, mais je pense que ramener un peu plus de mélodie, peut-être que la progression de l'accord fera la pop vocale et se démarquer encore plus. Donc, dans la seconde moitié, quelque chose que je fais dans beaucoup de mes morceaux est après qu'il ait été rainuré pendant une seconde, on prend le piano de la panne, c'est la même progression d'accords sur toute la piste, et on le dépose dans juste ici, et voir comment ça sonne au-dessus de la rainure et tout. Il y a des trucs mélodiques qui ne sont pas là. Donc, la progression des accords ici est très différente de la première fois, qui est ici. Donc, ce que je dois faire, c'est que je dois prendre les lignes de base et ouvrir la progression de l'accord. Je vais déplacer les notes de base afin qu'elles correspondent exactement à la progression de l'accord du piano parce que si la chose ne correspond pas ensemble mélodiquement, cette piste ne va jamais aller nulle part. Alors écoutons ça maintenant. Laisse-moi couper le son principal. Alors j'espère que vous pouvez entendre la différence de la fin. Laissez-moi couper le son juste pour que je puisse vraiment clarifier la différence dans la fin. Donc celui-ci se termine comme ça. Celui-ci se termine comme ça. Il est important que tout s'aligne mélodiquement. Quelque chose que je fais dans mes fichiers de projet est, si jamais j'ai quelque chose en boucle ou en train de boucler, et puis il y a un changement, je change la couleur de celui-ci, donc je sais que c'est différent. Donc, en ce qui concerne l'organisation, il est vraiment facile de voir visuellement, que cette section est un peu différente des précédentes. Donc, ce n'est qu'une simple astuce qui peut être vraiment utile en ce qui concerne travail à travers un workflow et une organisation d'organisation, et vos fichiers de projet. Donc, ce qu'on va faire, c'est qu'on va avoir une section. C' est ce que j'appelle comme un chœur postérieur. Si nous solo la voix, la voix revient dans ce qui est le deuxième verset de la chanson originale. Lors de la première rupture de la chanson, nous avons eu le premier verset. Donc, le deuxième verset est là. Pour des fins de piste de danse, je pense que la chanson est qu'elle continue à rainurer le long. Cela pourrait aller directement dans une autre panne et parfois cela fonctionne. Mais dans cette piste en particulier, j'ai l'impression qu'il doit y avoir plus de rainure pour garder la piste bouger le long et continuer à bouger. Ce que j'ai fait, c'est que je viens de copier la ligne de basse sans percussion au début. Il suffit de copier la ligne de basse sur, sorte qu'elle transige et maintient la rainure et l'élan en cours. D' accord. Donc, nous avons ça et ça marche. Je sais que ça marche. On a testé la progression des accords et tout ça. Donc, j'ai cette section ici pour garder l'élan et comme nous l'avons fait dans la première goutte, nous l'avons livré avec juste la première boucle de percussion et ensuite nous ajoutons le clap, le chapeau haut et la percussion excentrique. Nous ajoutons cela lentement pour maintenir l'élan. Donc, nous ferons la même chose avec cette section. Là où ça arrive, c'est juste le coup de pied, la ligne de basse et la voix. Ensuite, à mi-chemin de la première section, nous allons ajouter un chapeau haut ou un clap pour simplement ajouter un peu de mouvement. D' accord. Donc, nous avons cette section maintenant. Nous avons cette idée de, n'est pas une goutte, n'est pas une panne, c'est ce que j'appelle post chorus juste pour maintenir l'élan, où je peux vraiment avoir la voix. Je peux garder la voix de l'original intact. Donc, je garde la chanson là, mais elle est construite pour la piste de danse. Donc, cette section, dans le cadre de la chanson où tout le monde sur la piste de danse va continuer à danser. On a la rainure et le coup de pied bougent et tout ça. Donc, nous sommes arrivés... cette fois, je veux utiliser le chœur un peu différemment, là où il ne vient pas avec la goutte. Donc, ce sera là où se trouve la deuxième répartition. La première panne et la deuxième panne devraient... Je ne devrais pas dire que jamais être la même, mais vous voulez qu'il y ait une différence. Vous voulez que chaque panne ait sa propre identité, sorte qu'il y ait un peu de différence, afin que les choses continuent et que les gens n'aient pas l'impression d'avoir copié et collé la piste encore et encore et encore. Donc, nous ferons la même chose que la première panne, où ça descend à tout. Mais la voix sur le piano. Alors comme nous l'avons fait dans l'autre panne, nous allons ajouter des trucs mélodiques pour aider à construire un certain élan. Une autre chose vraiment simple à faire dans les pannes, pour juste ajouter un peu d'épices est, ajouter un clapping sur le dessus. C' est vraiment génial. Ça fait applaudir les gens dans le club, petites choses comme ça. Donc, nous allons ajouter les applaudissements et la petite section mélodique que nous avions. Donc, nous avons cela et c'est essentiellement la construction à retourner dans la rainure. Quelque chose que j'ai fait dans ce projet est, écoutant cette section, j'ai l'impression qu'il manque quelque chose pour quand il va dans la chute, savoir la ligne de basse, le coup de pied, et quelques petites percussions. Donc, on a juste une goutte. Donc, quelque chose que j'ai fait et j'ai essayé ceci est, peut-être ajouter quelque chose d'autre à cette section qui l'a engraissée, et avoir un peu plus de choses, un peu plus de sonorité est, j'ai juste apporté la ligne de basse sur sous cette mélodie, pour essayer d'ajouter. J' aime vraiment la façon dont la mélodie et la ligne de basse jouent l'une l'autre. Donc, nous allons juste l'écouter avec ça et il y a des mondes pour voir la différence et entendre la différence. Mais est-ce qu'il commence à introduire à nouveau la rainure et il commence à un peu plus d'énergie dans les constructions, que lorsque la chute arrive, ce n'est pas trop d'un changement de vitesse. Ce n'est pas comme si on essayait de sauter la deuxième vitesse. Nous allons de un à deux à trois beaucoup plus lisse que juste un à trois. Ensuite dans cette partie, supposant que cela va être le même que la première goutte, mesure où je séquençais à une percussion, est-ce que je pense que ces astuces ont vraiment bien fonctionné, où à mi-chemin première section, vous ajoutez le clap dans. Tu sais quoi ? Le chapeau haut et la percussion excentrique ici, nous avons maintenant commencé à avoir une idée de la marche de cette piste. Nous avons la première panne, nous avons la construction, nous avons la première goutte, la deuxième partie de la goutte, nous avons ce que j'appelle la section post chorus, ou nous pouvons l'appeler un vers si vous voulez. Ensuite, nous avons la deuxième répartition dans la deuxième goutte. Donc, tout cela n'est que les parties principales de la chanson dont nous avons parlé ont été séquencées de différentes manières et superposées différemment dans différentes parties de la chanson. Du piano au piano et à la ligne de basse en passant par la ligne de basse en passant par tout à la fois et les percussions qui entrent et sortent. Ce sont toutes les choses que vous aurez besoin de développer vous-même dans la mesure où vous voulez superposer les différentes parties ou séquencer les choses et les rendre uniques pour vous. Mais les éléments clés sont vos pannes, votre intro et l'outro pour les DJ à mélanger, et votre goutte. façon dont chacun de ces regards devrait varier d'une chanson à l'autre, parce que chaque chanson est différente. Mais ces parties doivent être cohérentes dans la mesure où elles doivent toutes exister dans ce type de piste pour qu'il fonctionne sur la piste de danse pour que les DJ puissent jouer, et pour vous donner la meilleure chance que les gens prennent votre remix pour le soutenir. 7. Ajouter des transitions: Donc, maintenant que nous avons la piste séquencée, la prochaine chose à faire est de vraiment comprendre comment faire la transition de chaque section dans la section suivante. Donc, cela peut être fait avec des effets, en ajoutant différentes percussions, balayages, remplissages, toutes sortes de choses, un balayage de bruit blanc. Donc, nous avons notre normal. Quelle est la section de construction. Donc, c'est bon. Mais si nous ajoutons un balayage de bruit blanc, puis un crash ou un crash de bruit blanc, cela rendra le son de transition beaucoup mieux. Cela lisse vraiment la différence entre ces sections. Vous pouvez trouver des tonnes d'échantillons de balayage en ligne. Je sais que Vengeance fait des trucs géniaux et il y a beaucoup d'autres entreprises où vous pouvez trouver toutes sortes de choses. Mais un simple filtre de bruit blanc balayage où vous juste égalisez ou utilisez une coupure et juste roulez-le, puis ramenez-le, et puis ayez votre échantillon de crash tout ce que vous voulez être là quand tout revient, ce sont des choses très simples. Une autre chose que j'aime faire, surtout avant que la goutte n'arrive, quand il y a une grosse construction ou un balayage, avoir une sorte de remplissage percussif ou de remplissage vocal ou quelque chose qui ajoute quelque chose d'unique pour préparer les gens pour la goutte pour vraiment revenir dans, donc j'ai ajouté. Celui-ci est deux couches. L' un est la caisse claire, je pense que l'autre est un tambour de bouilloire. Celui-ci est, [inaudible] Donc, je les ai superposées et c'est juste un clochard vraiment simple , fesses, fesses, remplir. C' est vraiment très simple, mais je pense que ça ajoute. Ce sont des choses qui ajoutent juste un peu ici et là pour rendre votre piste beaucoup mieux. Une autre chose que j'aime faire est dans les sections et les pannes, quand c'est, là, entre une partie de la pause et dans la construction, j'utilise ce que j'appelle ça un sous-coup ou un sous-boom, que vous pouvez également utiliser un crash. Mais c'est un peu plus sur le haut de gamme du spectre. Mais c'est au plus bas. C'est juste, je veux dire, c'est un sous-boom, un boom qui est vraiment en bas de la piste. Mettre ça en dessous quand une nouvelle section commence et une panne, ajoute juste que tout le monde sache qu'il y a une autre partie ici. C' est une nouvelle section. Cela aide à garder l'élan en cours et à porter. Alors, écoutons avec ça. C'est sans ça. Alors avec ça, je pense qu'il y a un peu de choses réelles. Ensuite, une autre chose vraiment importante. Une fois que vous avez votre piste séquencée et que vous voulez commencer à obtenir des choses d'une section à l'autre. Je fais beaucoup de trucs avec des tambours. Donc, comme nous avons la goutte ici, la première partie de la goutte et le clap est sur le point d'entrer. Je fais un vraiment, vraiment simple. Au lieu d'avoir le coup de pied, soyez juste un, deux, trois, quatre, j'ai coupé le dernier coup et je l'ai poussé, donc ça arrive dans le décalé. Tu comprends ça. C'était un petit double coup de pied ici. Dans la seconde moitié de cette section, j'ai découpé les quatre. Eh bien, ouais, les quatre derniers coups de pied, et puis un autre coup de pied dans le battement juste là, pour vous dire, « Oh, une autre section arrive », et ce sont des choses qui fonctionnent vraiment bien sur la piste de danse, prendre un coup de pied et ensuite les remettre. Parce qu'une grande partie de cette musique conçue pour la piste de danse est jouée sur des systèmes bruyants, que lorsque vous prenez un kick drum ou la ligne de basse, c'est très, très visible dans un système très bruyant. Les petites subtilités avec les tambours de kick vont beaucoup de chemin. Une autre chose que je fais dans presque toutes les pistes, et c'est quelque chose dont Don Diablo m'a appris et m'a parlé. Il aime ça et il m'a accroché, c' est un son de piano inversé. Comment ces aides à la transition ? Donc, c'est vraiment simple. Ce que tu fais, c'est que tu prends ton piano. Tout sauf le premier accord et la progression de l'accord. Nous ajoutons nous allons voir ce que nous avons utilisé. J' ai utilisé le Space Designer, j'ai utilisé l'Abbaye, qui est une réverbération de neuf secondes. Donc, c'est une énorme réverbération. Donc, il porte vraiment. Vous équilibrez ça. Ouvrez cette sauvegarde et rendez tout jouable. Ensuite, vous ouvrez le fichier audio et vous l'inversez. Je ne sais pas quel logiciel vous utilisez. C' est vraiment facile d'inverser un échantillon. Donc quand tu l'as, tu as quelque chose qui ressemble à ça. On va le jouer dans le piano pour que vous entendiez de quoi je parle. Alors, tu joues ça avec tout ce qu'il y a dedans. Il apporte vraiment le piano assez bien. Il aide chaque section à sortir, mais ensuite à s'écouler directement dans la section suivante bien. Donc, c'est une grande partie d'une piste malgré qu'elle ne dépasse pas autant que les mélodies, les percussions ou des choses comme ça. Donc, assurez-vous que vous avez vos transitions vers le bas, car cela va payer d'énormes dividendes à la fin. Essayez d'expérimenter sur tant de choses différentes et voyez ce qui fonctionne pour vous. Mais les transitions sont vraiment importantes et elles ne feront qu'améliorer le son d'une piste. 8. Intro et Outro pour les DJ: D' accord. Maintenant que nous avons notre piste et que nous en avons tout le corps, comment nous voulons le son, le séquençage de tout cela, nous devons faire quelque chose que les DJ peuvent jouer dans leurs sets. On a besoin d'une intro et d'une outro. Donc, maintenant nous allons travailler sur l'intro que j'ai ici. Donc, l'intro va être fondamentalement ce que j'ai fait dans cette chanson, c'est la section de chute percussion juste copiée et jetée au début. Donc, vous avez eu votre coup de pied, votre clap, le chapeau haut de boucle, puis la boucle hi-hat et puis juste le chapeau haut individuel. Donc, c'est juste vraiment simple en ce qui concerne le séquençage au début. C' est vraiment des trucs standard ici. La deuxième fois, j'ajoute le clap ou le hi-hat désolé. Donc, c'est vraiment simple parce que l'intro et l'outro ne seront pas la partie de la chanson que la foule va entendre le plus. Le but de cette intro est que le DJ fasse un mix dans la piste précédente, et le but de l'outro est que le DJ fasse le mix de la chanson suivante. Le noyau de base de celui-ci est la percussion. J' ajoute habituellement peut-être un élément mélodique qu'il commence à apporter l'ambiance de la piste et ainsi de suite sur celui-ci, je viens de mettre la ligne de base et je l'ai lentement fondu. C' est très simple. Donc, on a toute cette section. L' intro et l'outro. J' ai toujours voulu les choses les plus rapides à faire et je ne veux pas dire qu'elles sont les moins importantes, mais en ce qui concerne le succès d'une chanson, la rupture, les transitions et tout ça. C' est donc la viande de la chanson. C' est juste pour pouvoir faire en sorte que les DJ le mélangent et le mélangent. Comme vous le remarquez ici cependant, j'ai un petit écart entre la fin de l'introduction et le début de la panne. Donc, je vais jouer ça sans ce petit écart. Cela fonctionne mais généralement DJ ne veulent pas se précipiter directement dans la voix juste après la fin de l'introduction, la voix arrive tout de suite. Quelque chose qui frustre vraiment DJ. Donc, une chose vraiment simple à faire est, et ce sont déjà des éléments que nous avons dans la chanson des conseils précédents, c'est que vous avez votre sous-goutte à la fin et que ce que vous faites est de mettre un piano inverse sur le dessus. C' est donc une petite pause de l'introduction à la première panne. Donc je vais jouer avec tout ce qu'il y a dedans. Donc c'est mon intro. C' est vraiment simple mais très efficace. Alors, nous allons regarder l'outro. L' outro est un peu différent parce que je trouve toujours l'outro un peu plus difficile parce que je ne veux pas dire que j'ai du mal à finir une chanson. Si j'aime une chanson sur laquelle je travaille, je veux juste qu'elle continue, mais le problème est que je dois y mettre fin, je dois la mettre en conclusion à un moment donné et c'est une question de savoir comment arriver à cette conclusion sans qu'elle sonne trop brusque. Donc nous avons notre section chorus avec tout ce qui se passe. C' est une sorte de section post cours à nouveau, en commençant à faire baisser un peu la piste. Donc c'est vraiment l'outro en ce moment, c'est là que ça commence juste. L' outro pour moi, c'est de retirer lentement des éléments de la chanson pour qu'elle descende à la percussion à la toute fin. C' est 32 battements de percussions avant la fin de la piste, ce qui permet aux DJ de s'intégrer et de sortir facilement. S' il y a trop de choses en mélodie dans votre intro et votre outro, cela va limiter les DJ jusqu'au moment où ils peuvent jouer jusqu'au mixage dans et hors de parce que chaque chanson est écrite dans une certaine clé. Votre travail est de faire de la musique que vous aimez et une chanson en laquelle vous croyez et qui est totalement vous et que vous voulez partager avec le monde, mais vous devez vous rappeler si vous voulez que DJ jouent ceci ou que vous voulez que ce soit joué dans des clubs, il y a presque certaines règles que vous devez ajouter à votre piste ou jouer par une introduction et les outros sont ces règles, pas trop longues et pas trop occupées. Vous voulez arriver au but, mais y aller bien. Travaillez sur vos intros et outros, ils peuvent faire une énorme différence et si les DJ vont jouer vos chansons ou pas, et c'est si important avec les remixes. 9. L’aspect juridique et la diffusion: Maintenant que nous avons terminé notre remix, notre travail est maintenant de prendre le remix et d'essayer d'obtenir les bonnes oreilles sur la chanson. Mais tu dois te souvenir de quelques choses. Si vous n'avez pas la permission de publier légalement la chanson sur SoundCloud ou de la jouer à la radio sortes de choses comme ça, vous pouvez éventuellement avoir des ennuis, et par avoir des ennuis , je veux dire que le label vous enverra un e-mail et vous dira que Tu dois arrêter d'éteindre la chanson. Vous l'effacez de tous vos réseaux sociaux et de tout ça. J' ai eu une expérience où j'ai été payé pour un remix, il a été joué sur BBC Radio une fois six semaines d'affilée, et je pensais avoir la permission de le télécharger sur mon SoundCloud, mais j'ai découvert que ce n'était pas le cas. L' étiquette qui m'a payé pour faire le remix avait SoundCloud m'envoyant un message disant que je devais l'enlever. J' ai donc reçu la grève sur mon compte SoundCloud. Même si j'ai été payé, même si j'avais tous les droits de faire le remix, partager est une chose délicate. Les labels essaient vraiment de comprendre comment y parvenir en ce moment dans le monde du streaming parce que beaucoup de choses sont nouvelles et que tant de labels essaient toujours de comprendre, « Est-ce que nous voulons des choses en ligne gratuitement ou pas ? » Vous n'allez pas être poursuivi pour des milliers de dollars ou quelque chose comme ça, ils vous demanderont de l'enlever et vous devez être respectueux de cela parce que vous n'êtes pas le propriétaire de la chanson. Une fois que vous commencez à partager ce truc, il est important surtout pour le remix comme celui-ci que j'ai fait aujourd'hui, est de choisir votre public et de le choisir bien. Que ce soit des deejays, sachez quels deejays joueraient votre chanson. C' est si important de ne pas spamer les gens parce que les deejays sont tellement occupés, ils jouent des tonnes de spectacles , ils sont en train de voler partout, ils essaient d'écrire un tas de nouvelles musiques et ensuite ils sont envoyés des centaines de chansons par jour. Donc, soyez très poli, assurez-vous de choisir les bonnes personnes à qui envoyer les chansons, et c'est normal de suivre quelques fois. Ne sois pas ennuyeux, ne fais pas de suivi tous les jours. Envoyez-le, donnez-leur quelques semaines, sinon rien de retour, envoyez un email de suivi poli et puis essayez une troisième fois. Je l'ai fait le jour où je commençais à commencer, j'ai envoyé un courriel à des gens et je l'ai laissé reposer pendant quelques semaines et je fais un suivi et parfois les gens manquent des courriels donc il est normal de faire un suivi. Gardez-le aussi personnel. C' est si important parce que les deejays reçoivent beaucoup de chansons et tout ce que vous pouvez faire pour sortir par un e-mail va vous aider. vous envoyez pas quelque chose de drastique, radical et fou, mais juste une histoire personnelle de la façon dont leur musique signifie quelque chose pour vous ou ce qui a inspiré cette chanson. Une fois que vous avez terminé votre remix, vous avez fait beaucoup de travail, mais maintenant encore plus de travail est sur le point de venir et c'est de prendre ce remix et de le partager avec le monde entier. Bonne chance avec tout les gars, téléchargez vos chansons. J' adorerais en entendre un, j'aimerais en vérifier un. Je reviendrai régulièrement pour écouter et donner des commentaires. Bonne chance et continuez à faire de la musique.