Masterclass d'orchestration, partie 1 : Les cordes et les vents | Jason Allen | Skillshare
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Masterclass d'orchestration, partie 1 : Les cordes et les vents

teacher avatar Jason Allen, PhD, Ableton Certified Trainer

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      3:07

    • 2.

      Qu'est-ce que l'orchestration ?

      3:44

    • 3.

      Qu'est-ce que l'instrumentation ?

      4:29

    • 4.

      Qu'est-ce que la synthèse ?

      3:56

    • 5.

      Gammes et synthétisation

      2:32

    • 6.

      Textes suggérés

      5:50

    • 7.

      Le format de ce cours

      2:24

    • 8.

      Musique de mon orchestre

      5:11

    • 9.

      Grands Bons partitions

      5:35

    • 10.

      Transposition

      8:53

    • 11.

      Ordre d'instruments

      3:31

    • 12.

      Lettres et chiffres de répétition

      3:53

    • 13.

      Conseils pour des partitions de lecture

      2:48

    • 14.

      Pièces partagées et "Bureaux"

      7:26

    • 15.

      La page tourne

      4:48

    • 16.

      Cues

      3:15

    • 17.

      Qu'est-ce que la Transposition ?

      8:41

    • 18.

      Pourquoi faisons-nous cela ?

      7:07

    • 19.

      Instruments à clé mutique

      1:56

    • 20.

      Quelques astuces sneaky autour de la transposition

      3:23

    • 21.

      Instruments dans la section "chaînes d'orchestres"

      5:15

    • 22.

      Bowings

      4:39

    • 23.

      Pizzicato

      5:03

    • 24.

      Fatigue

      5:07

    • 25.

      Plusieurs arrêts

      7:35

    • 26.

      Le violon : la portée et le son

      7:59

    • 27.

      Le violon : Plage et son

      5:43

    • 28.

      Le violoncelle : Plage et son

      6:09

    • 29.

      La basse (Contrabass) : Plage et son

      7:56

    • 30.

      La section à chaînes

      2:43

    • 31.

      Effets de la chaîne

      3:05

    • 32.

      Harmonies

      6:29

    • 33.

      Mutes

      5:28

    • 34.

      Col Legno

      4:16

    • 35.

      Ponticello

      3:24

    • 36.

      Glissando

      5:46

    • 37.

      Vibrato

      1:49

    • 38.

      Scordatura

      3:10

    • 39.

      Comment ces résultats fonctionnent

      6:44

    • 40.

      Notes et respirations soutenues

      5:55

    • 41.

      Le Tonguing et le rythme

      2:12

    • 42.

      Transpositions !

      3:04

    • 43.

      Les types de flûtes

      5:04

    • 44.

      Les flûtes : portée et son

      4:36

    • 45.

      Les types of

      3:51

    • 46.

      The : la portée et le son

      4:43

    • 47.

      Les types de clarinettes

      5:10

    • 48.

      La clarinette : portée et son

      8:33

    • 49.

      La pause !

      4:54

    • 50.

      Les types de bassins

      6:07

    • 51.

      Le basson : Gamme et son

      4:16

    • 52.

      Les types de saxophones

      7:28

    • 53.

      Le saxophone Alto : Gamme et son

      2:27

    • 54.

      Le saxophone ténor : portée et son

      4:22

    • 55.

      Le saxophone baryton : Gamme et son

      3:39

    • 56.

      Le saxophone Soprano : Gamme et son

      1:45

    • 57.

      Effets spéciaux du vent

      1:12

    • 58.

      Clics clés et air et Mutes

      5:13

    • 59.

      Multiphonique

      6:06

    • 60.

      Qu'est-ce qui vient suivant ?

      2:09

    • 61.

      Conclure !

      0:36

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

629

apprenants

--

À propos de ce cours

Taux de réponses 100 % ! Chaque question postée dans ce cours est répondu dans les 24 heures par l'instructeur.

Êtes-vous un auteur, un interprète, un compositeur ou un compositeur en herbe qui cherche à monter votre jeu ? C'est l'endroit où commencer.

Il est temps d'apprendre l'orchestration pour donner à votre musique la puissance, la passion et la prodigiousness qu'elle mérite.

L'orchestration est l'étude de chaque instrument de l'orchestre, son fonctionnement, sa façon d'écrire pour eux et sa façon d'entrer en collision avec les autres pour faire de nouveaux sons. Pensez à la peinture : L'orchestre est votre palette de couleurs. Mais vous ne voulez pas simplement les mélanger tous ensemble. Vous devez comprendre certains principes de mélanger ces couleurs ensemble avant de mettre votre pinceau sur la toile.

Dans cette série de cours, nous allons travailler sur trois choses :

  • Instrumentation : Savoir comment tous les instruments de l'orchestre fonctionnent et comment écrire pour eux de manière idiomatique.

  • Composition : Utiliser l'orchestre pour écrire de la musique puissante. Apprendre à mélanger les différents sons de l'orchestre pour créer un nouveau son, unique.

  • Synthèse : Utiliser un logiciel de production commun (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Pro Tools, Cubase, etc.) pour créer un son d'orchestre réaliste à l'aide de bibliothèques d'échantillons.

Dans ce premier cours, "Partie 1 : Les cordes et les vents" nous allons nous concentrer entièrement sur l'instrumentation - apprendre à écrire pour les cordes (violon, alto, violoncelle, basse / contrabass) et les vents (flûte, hautbois, clarinette, basson et saxophone).

Si vous ne me connaissez pas, j'ai publié beaucoup de cours ici. Ces cours ont été très efficaces (les meilleurs vendeurs en fait ! ) et c'est l'un des cours les plus demandés par mes élèves (plus de 1 000 000 d'entre eux) Je suis vraiment enthousiaste de pouvoir enfin vous apporter cela.


Voici une liste de certains des sujets que nous traiterons :

  • Transposition
  • Ordre de partition
  • Conseils pour des partitions de lecture
  • Préparer des pièces pour les joueurs
  • La page tourne et cos
  • S'incliner
  • Pizzicato
  • Double arrêt
  • Le violon
  • L'alto
  • Le violoncelle
  • La basse
  • Effets de la chaîne
  • Harmonies
  • Col Legno
  • Ponticello
  • Glissando
  • Vibrato
  • Scordatura
  • Les vents
  • Ton et respiration soutenus
  • Le Tonguing et le rythme
  • Types de flûtes
  • Types of
  • Types de clarinettes
  • La rupture dans la clarinette
  • Types de bassins
  • Types de saxophones
  • Saxophone Alto, saxophone ténor, saxophone Bari et saxophone soprano
  • Effets du vent en bois
  • Multiphonique
  • Et beaucoup, beaucoup, bien plus !

Ma promesse à vous :

Je suis un compositeur et un éducateur de musique à plein temps. Si vous avez des questions s'il vous plaît envoyez-les dans le cours ou envoyez-moi un message direct. Je vous répondrai dans les 24 heures.

Qu'est-ce qui me qualifie pour vous enseigner ?

En plus d'être compositeur et éducateur, j'ai également un doctorat en musique, je suis professeur de musique universitaire et j'ai une longue liste de prix pour l'enseignement.

Mais plus important : j'utilise ces choses tous les jours. J'écris de la musique professionnellement, je suis un guitariste actif, et je reste au courant de toutes les dernières techniques de production, des flux de travail et des styles. Comme vous le verrez dans ce cours, j'adore simplement ces choses. Et j'adore l'enseigner.

Commençons !

Rendez-vous dans la leçon 1.

Tous les meilleurs,

Jason (mais appelez-moi Jay...)

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Jason Allen

PhD, Ableton Certified Trainer

Enseignant·e

J. Anthony Allen has worn the hats of composer, producer, songwriter, engineer, sound designer, DJ, remix artist, multi-media artist, performer, inventor, and entrepreneur. Allen is a versatile creator whose diverse project experience ranges from works written for the Minnesota Orchestra to pieces developed for film, TV, and radio. An innovator in the field of electronic performance, Allen performs on a set of “glove” controllers, which he has designed, built, and programmed by himself. When he’s not working as a solo artist, Allen is a serial collaborator. His primary collaborative vehicle is the group Ballet Mech, for which Allen is one of three producers.

In 2014, Allen was a semi-finalist for the Grammy Foundation’s Music Educator of the Year.

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Level: All Levels

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Transcription

1. Introduction: Salut tout le monde, bienvenue dans l'orchestration. Vous me connaissez peut-être par mes nombreux cours de théorie musicale disponibles ici et par une centaine d'autres cours disponibles ici. Une des choses que des milliers d' étudiants m'ont demandé en tant que cours d' orchestration étrangère, et j'ai repoussé le faire jusqu'à maintenant parce que c'est un sujet très dense, c'est un sujet très profond sujet. Et je n'avais pas conçu de programme que je me sentais vraiment bien pour plonger profondément dans l'orchestration. Mais je pense que j'y suis, donc vous l'avez trouvé. Tout d'abord, voici quelques pièces d' orchestre à moi. J'ai remporté de nombreux prix pour avoir écrit de la musique d'orchestre, et je suis très fier de la musique d' orchestre que j'ai écrite. Dans cette classe. Ce que nous allons faire, c'est que nous allons commencer par la façon dont la plupart des classes collégiales enseignent l'orchestration, c' est-à-dire sur le thème de l'instrumentation. C'est comme si j'aime expliquer l' instrumentation, c'est quand quelqu'un vient vous voir en tant que compositeur et vous dit : « Vous êtes compositeur, jouez-vous de tous les instruments ? Vous pouvez simplement dire oui, vous avez ma permission de le faire. Mais la vraie réponse est non, je ne joue pas de tous les instruments, mais je sais comment ils fonctionnent tous. C'est ce qu'est l'instrumentation. Nous devons apprendre comment fonctionne chaque instrument. Et ensuite, nous allons approfondir l'orchestration. Dans cette section, nous allons nous concentrer sur les cordes et les vents. Nous allons en apprendre davantage sur chaque instrument ces deux groupes, comment ils fonctionnent, quelles sont leurs gammes, ce que vous pouvez écrire pour eux et ce que vous pouvez avoir du mal à écrire. eux. Dans ce cours, nous allons également parler écriture pour l'orchestre dans le cadre de mes expériences générales travail avec des orchestres et de la façon dont vous préparez des parties, façon dont vous pensez aux tournages de page, tous les trucs... Des trucs graveleux que vous devez savoir. Même si vous n'avez pas l'intention de travailler avec un vrai orchestre. Tout cela est vraiment précieux si vous envisagez incorporer comme une section de cordes dans des pistes électroniques ou quoi que ce soit de ce genre. Je vais beaucoup parler de la façon dont cela fonctionne au fur et à mesure que les sections de ce cours se déroulent. Et nous allons consacrer beaucoup de temps à parler de la façon de rendre votre orchestre synthétique, orchestre échantillonné un son très réel. Alors rejoignez-moi dans l'aventure dans laquelle nous plongeons en ce moment avec quelques éléments de base sur le fonctionnement de l'orchestre. Et puis on va frapper le sol en courant avec les cordes. Alors, faisons-le. 2. Qu'est-ce que l'orchestration ?: Bon, donc beaucoup de gens m' ont demandé un cours d'orchestration et j'ai fait un peu de piqûres pour comprendre ce que sont exactement vos pensées sur l' orchestration et ce que vous voulez apprendre. Et je l' ai réduit en quelque sorte à deux choses que je pense que la plupart des gens recherchent dans votre cours d'illustration. un d'eux est la capacité d' écrire de la musique pour l'orchestre principalement à des fins de partition de films ou quelque chose du genre. C'est génial. La deuxième chose est de faire musique de leur orchestre soit bonne à travers la porte qu'ils utilisent. Donc, obtenir une bibliothèque d'échantillons et une bonne bibliothèque d'échantillons d'orchestre pour sonner vraiment bien. Nous pouvons le faire aussi. Ainsi, traditionnellement, la façon dont l'orchestration est enseignée à l'université comporte en quelque sorte deux parties. C'est une classe appelée instrumentation et orchestration. La première partie est l' instrumentation. Et c'est ce que nous allons surtout couvrir en premier. Et la deuxième partie est l' orchestration, une instrumentation. Vous apprendrez ce que sont tous les instruments et comment ils fonctionnent. Nous en parlerons davantage dans une seconde. En orchestration, vous apprenez à créer tous ces sons, fondre dans une peinture. Comment prendre toutes ces couleurs différentes, chaque instrument vous donne une couleur différente. Comment prendre toutes ces couleurs et peindre avec elles. C'est un peu différent de l'écriture de la musique. Beaucoup de gens écrivent de la musique comme deux portées, juste sur un piano. Grand personnel. Ensuite, ils l'orchestrent, ce qui signifie qu'ils l'écrivent pour l'orchestre complet, ou ils l'écrivent pour une autre combinaison d'instruments. Il n'est pas toujours nécessaire travailler avec un orchestre complet. orchestration peut signifier que je vais écrire ça pour quatuor à cordes ou un quintette à vent ou quelque chose comme ça. Cela signifie simplement réécrire pour plus d'instruments. Ce que nous allons regarder, c'est que dans l'orchestration, c'est comment les différents sons se combinent. En regardant ce que nous avons ici, nous avons Brahms, la symphonie numéro un ici. Vous pouvez donc voir ici qu' il a les cornes sur cette note basse , puis deux autres cornes arrivent sur cette mélodie. Pourquoi est-ce que c'est dans les cornes inférieures plutôt que dans les cornes supérieures ? Quand c'est soniquement plus haut. Pourquoi feriez-vous cela ? Il y a vraiment une très bonne logique à cela. C'est quelque chose que nous pouvons parler d'orchestration. Nous avons ici, les flûtes et les hautbois dans cette belle harmonie, se déplaçant à l'unisson rythmique. Et les cordes des deux violences et octaves, Est-ce que, quel genre de son cela crée-t-il ? Et lorsqu'il est combiné avec ces fluides dans la même plage, quel genre de son cela crée-t-il, cette orchestration ? C'est la façon dont tous ces sons fonctionnent ensemble pour créer une palette de couleurs unique. Je suppose que c'est cette illustration. Mais nous allons commencer par l'instrumentation. Passons donc à une nouvelle vidéo et parlons de ce que nous voulons dire lorsque nous parlons d'instrumentation. 3. Qu'est-ce que l'instrumentation ?: plupart du temps, je serai quelque part. Et quelqu'un dit : Que faites-vous pour gagner votre vie ? Et j'ai beaucoup de façons différentes. J'ai répondu à cela et c'est une conversation pour un autre jour. Mais parfois, je dirai que je suis compositeur. Et inévitablement, lorsque vous dites cela à quelqu'un, il y a deux réponses que vous êtes susceptible d'obtenir. L'un d'eux va vous raconter comment ils ont joué de la clarinette et de la quatrième année et du blah-bla. Et ça me rend toujours fou. Mais l'autre réponse est  : Oh, vous devez jouer tous les instruments, alors. Vous pouvez y répondre comme vous le souhaitez. Parfois, je dis simplement oui. D'habitude, je dis oui, tous mal et quelques-uns d'entre eux sont bons. Mais la vraie réponse est non, je ne joue pas tous les instruments. Très peu de gens vont jouer tous les instruments. Mais je sais comment ils fonctionnent tous. Et c'est de cela que parle l' instrumentation. Ce que nous devons faire dans l'instrumentation c'est que nous allons apprendre tous les instruments. Nous allons apprendre comment ils fonctionnent. Toutes les choses uniques auxquelles nous devons penser lorsque nous écrivons pour eux. Et leurs gammes et leur tessitura générale. Et maintenant, c'est un mot que nous allons aborder un peu dans cette classe. La tessiture d'un instrument signifie généralement sa portée confortable. Nous l'utilisons également pour parler un peu du son dans cette plage et parfois même du volume. Par exemple. Regardons ici. Une flûte. C'est un score de bonheur. Si je parlais de la tournée d' essai d'un fluide, je ne parlerais pas de ses extrêmes, comme si ça pouvait aller un peu vraiment, vraiment génial performer peut être assez haut au-dessus du bureau d' enregistrement accepté, s'inscrire. Peut-être même en dessous d'utiliser des techniques bizarres. Mais nous parlons de la fourchette normale. Dans cette plage, il y a une courbe dynamique. Quand ils sont sur ces notes vraiment, très élevées, ils doivent souffler très fort pour obtenir ces notes hautes pour qu'elles soient bruyantes. Ils ne peuvent pas jouer une note très haute, vraiment silencieuse grâce à quelques astuces comme un vrai interprète virtuose peut le faire, mais c'est assez difficile. Le contraire est également vrai. Si vous écrivez quelque chose de très bas pour flûte, ça va être très calme. Il faut donc y penser lorsque vous écrivez. Si vous voulez vraiment qu'elle soit entendue et jouée sur la flûte, vous ne pouvez pas l'écrire très bas. C'est tout ce qui se trouve dans la gamme de l'instrumentation. Des choses auxquelles il faut penser. Les tests que dura de l'instrument. Et parfois, j'y pense comme le mot patine parfois mais pas vraiment. Ce n'est pas que ce soit la portée et les qualités uniques de l'instrument, pas même uniques, les qualités de l'instrument dans cette plage. C'est donc ce sur quoi nous nous concentrons avec l'instrumentation. Maintenant, nous n'allons pas passer par tous les instruments connus de l'humanité. Dans cette classe. Nous allons surtout nous concentrer sur les instruments d'orchestre et quelques bizarreries. Comme il y avait quelques instruments dont nous avons tendance à parler, une instrumentation qui ne sont pas des membres traditionnels de l'orchestre, mais qui ont été utilisés dans l'orchestre comme la guitare, saxophones. Nous en parlerons. Ils ne font pas partie de l'orchestre traditionnel, mais ils valent également la peine d'en parler. Nous allons donc passer en revue tous ces instruments, comment ils fonctionnent, ce qu'ils font, des bizarreries, quelque chose comme ça ? C'est vraiment comme ça que vous répondez à cette question. Vous jouez de tous les instruments ? Comme s'ils n'ont pas besoin de le savoir, mais non, vous n' avez pas besoin d'apprendre à jouer de tous les instruments, mais vous devez savoir comment ils fonctionnent tous. Si vous voulez écrire pour eux. C'est de l'instrumentation. 4. Qu'est-ce que la Synthestration? ?: Maintenant, il y a une nouvelle chose qui arrive au cours de la dernière décennie ou des deux dernières années. Cela ne fait pas partie de cette façon, ce matériel enseignait traditionnellement normalement, c'est l'instrumentation et l'orchestration. C'est comme ça que tu enseignes ça. Mais il y a une troisième chose que je vais aborder tout au long de ce cours. Je ne m'y suis peut-être pas encore entièrement engagé, mais je pourrais faire un troisième cours la série totalement consacré à cette chose. Et c'est ce que nous appelons la durée de la synthase. La ration synthase est un peu un terme de langue et de joue, mais c'est un vrai terme principalement utilisé dans le monde du cinéma et de la télévision. Puisqu'Illustrator est quelqu'un qui prend la musique du compositeur et la met dans une DAW, lui attribue des échantillons et lui donne un son super réel et vraiment génial. Il y a beaucoup des meilleurs compositeurs monde du cinéma qui ne connaissent rien à l'informatique. Mais quand ils ont besoin de faire un rendu informatique, ce que beaucoup d'entre eux font, même s'ils utilisent un vrai orchestre. Beaucoup d'entre eux ont besoin de faire un rendu informatique pour obtenir l'approbation avant d' engager l'orchestre. Ils l'envoient à ce qu'on appelle un traître de la synthase à un vrai travail. Mais à part un vrai travail, il existe des techniques vraiment utiles pour que nous puissions apprendre simplement pour améliorer le son de notre piste. Quelques techniques pour que notre porte joue notre musique de la manière la plus précise. Ou parfois pour utiliser nos données pour tricher et enfreindre certaines règles d'orchestration. Nous en parlerons à l'avenir. Eh bien, parlons un peu de ça maintenant. L'exemple que je viens de donner à la flûte très bas. Dans un vrai orchestre. Si votre ligne de flûte était vraiment basse, et qu'il y avait un gros truc de cuivre qui se passait dessus. Vous n'entendrez jamais cette ligne de flûte. Il serait effacé. Mais dans le monde plus droit de la synthase, je peux tourner, je peux simplement baisser le volume du laiton et le volume de la flûte et faire en sorte que ligne à faible fluide s' avance et que vous l'entendiez. Cela ne fonctionnerait jamais dans le monde acoustique. Aucun équilibrage ne fera en sorte que cela fonctionne. Mais dans un monde synthétique où je peux le faire. Donc, une chose qui est vraiment délicate dans la ration de synthase, c'est qu'il faut le garder à l'esprit. Si vous faites quelque chose comme ça, vous devez savoir que c'est ce que vous faites. Et si vous décidez simplement d' imprimer la partition et d'engager un orchestre, cela ne fonctionnera pas. Vous pouvez faire des choses dans le domaine numérique qui ne fonctionneront pas avec un véritable orchestre. Vous pouvez enfreindre toutes sortes de règles. Ensuite, vous le donnez à un vrai orchestre et ça va ressembler à de la boue. Je pense qu'il est important de séparer ces choses, de séparer l'écriture pour l'orchestre acoustique et écriture pour l'orchestre synthétisé. Ils sont très deux, ce sont deux bêtes très différentes pour lesquelles écrire. Dans ce cours, je vais surtout me concentrer sur l'orchestre acoustique. Lorsque je parlerai de quelque chose dans le monde synthétique, je le dirai explicitement. Si c'est le cas, si je ressens le besoin à la fin, je ferai une troisième classe totalement consacrée à cette idée de durée de synthase. Mais pour l'instant, passons à autre chose. 5. Gammes et synthétisation: J'ai une autre chose que je veux dire à ce sujet, propos de l'idée séparer l'orchestre et le synthétiseur. Écriture. Les gammes sont comme ça. Portées, la portée d'un instrument est plus ou moins finie. Dans la plupart des paramètres. Regardons un violon. Les cordes basses d'un violon sont G. La note G, ce G bas, qui est aussi bas qu'ils vont, ils ne peuvent pas descendre. Vous pourriez réajuster le violon, mais nous en parlerons quand nous parlerons de la violence et de la raison pour laquelle vous ne devriez pas le faire , mais dans presque toutes les circonstances qui sont limitées, vous ne peut pas être plus bas que cela. La note de bas d' un violon est fixée. Dans un synthétiseur. Ce n'est pas forcément le cas. Vous pouvez aller plus bas. Mais si vous donnez ça à un vrai joueur, il va se moquer de vous. Ils vont dire, Wow, vous ne savez pas quelle est la note la plus basse sur un violon. faut donc garder une trace d'une autre chose. La note supérieure sur un violon a un peu de souplesse. Parce qu'une fois qu'ils sont vraiment défoncés, certains joueurs peuvent sortir quelques notes supplémentaires. Certains d'entre eux peuvent utiliser leur ongle pour obtenir le genre d' harmonique sur la corde passée à la touche. Il y a un petit peu de flexibilité dans ce qu'est la note la plus élevée. Au violon. Il y a beaucoup d' instruments comme ça. Même si la clarinette a une note inférieure assez finie. Mais la note la plus élevée, il existe des techniques virtuoses qui vous permettront de sortir un nœud de plus ou deux autres notes. Quoi qu'il en soit, le fait est lorsque vous êtes dans le monde synthétique, vous pouvez laisser ce violon descendre un peu en dessous de G. Parce qu'il est synthétique. Vous pouvez faire ce que vous voulez. Mais dans le monde acoustique, on ne peut pas le faire. Ce n'est pas seulement impossible, c'est aussi comme un faux pas majeur. Il y a beaucoup de politique dans le monde de l'orchestre, donc vous ne voulez pas créer un faux pas majeur parce qu'ils ne vont pas jouer vous-même. Si c'est le cas. Je vais essayer de laisser la politique de l'orchestre hors de la majeure partie de cette classe, mais elle va probablement se faufiler ici et là. Bon, passons à autre chose. 6. Textes suggérés: Bon, donc dans certains de mes cours de théorie musicale, j'ai remarqué que beaucoup d'entre vous m'avaient posé des questions pour un manuel que vous pourriez utiliser pour suivre avec certains de mes trucs théoriques ici et il y en a donné quelques unes. mais il existe de nombreux manuels de théorie musicale différents en instrumentation et en orchestration. Il y a, je veux dire, il y a beaucoup de manuels d' orchestration différents, mais il y en a quelques-uns qui sont vraiment des livres d' orchestration habituels. Je voulais en souligner trois, deux d'entre eux, puis une sorte de boule étrange que je viens d'aimer, vous n'avez pas besoin d'acheter ces livres pour utiliser cette classe. Mais si vous voulez qu'un livre soit utilisé comme référence ultérieurement, cela peut être très pratique. Il n'est pas rare que les gens aient à chercher quelle est la gamme du cor anglais. Internet fonctionne bien pour cela, mais si vous voulez réserver le premier, je vais le recommander, en fait le premier que je vais recommander est celui que je n'ai pas actuellement parce que j'ai prêté C'est à quelqu'un. Mais c'est juste que nous l' appelons Adler. Permettez-moi de voir quel est son nom exact. Par Samuel Adler. L'étude de l'orchestration par Samuel Adler. Simulez d'autres grands compositeurs enseignés à l'orchestration, je crois à Juilliard pour toujours. Et ce livre est un peu comme le texte d' orchestration standard. Si vous y allez, si vous suivez un cours d'orchestration collégiale, il est très probable que vous utilisiez le livre Adler. C'est traditionnel en ce sens qu'il ne va pas parler de synthétiseurs ou de quoi que ce soit de ce genre. Il s'agit de composition acoustique et d'orchestration, je dois dire. Un autre livre est celui que j'ai appris et que j'ai toujours aimé. Ce n'est pas aussi populaire que l'Adler, mais c'est la vessie BLAT TER. C'est ce qu'on appelle instrumentation et orchestration. C'est un bon livre. Il est très bien conçu pour les références. Vous pouvez vraiment regarder toutes les qualités uniques de, je vais m'ouvrir au hasard aux tubas. Voici une photo d'un groupe de coudées différentes. C'est également un bon livre. Ils sont tous les deux géniaux. Une balle bizarre. C'était un livre qu' un enseignant m'a recommandé il y a toujours. Et je l'ai lu et j' ai vraiment aimé ça. C'est ce qu'on appelle l'anatomie de l'orchestre par Norman Del Mar. Il ne s'agit pas d'un texte d' orchestration standard. Mais ce que j'aime, c'est qu'il s'agit d'un texte d'orchestration qui a presque comme un commentaire plein d'esprit sur la politique et le tempérament du joueur. Il y aura des sections qui disent : Voici un passage pour Trumpet. Ensuite, il montrera un passage de musique. Et je dirai que si vous écrivez ceci, le trompettiste vous frappera probablement au visage parce que les trompettistes veulent généralement se battre et ils seront fous que vous l'ayez fait de cette façon . de cette façon. Et il y a juste un peu bizarre, comme le narcissisme britannique. C'est un peu divertissant. Quelque part ici, il y avait un passage que j'ai souligné que je ne peux pas le trouver pour le moment, mais c'est comme un extrait de Beethoven. Et puis il est dit avoir observé cet extrait de Beethoven , puis il nous montre la musique de Beethoven. Et puis il est dit que si Beethoven avait su ce qu'il faisait, il l'aurait écrit comme ça. Et vous pensez juste que c'est quelque chose, c'est là des déclarations audacieuses. Mais j'ai trouvé quelque peu divertissant et utile d'obtenir certaines de ces idées sur l' orchestration. Je l'ai donc apprécié. Je l'ai utilisé comme référence au fil des ans. Vous pouvez voir que c'est un livre blanc. Vous pouvez donc voir qu'il est très utile parce que c'est comme tourner les couleurs et c'est comme des oreilles de chien. Trois manuels scolaires. Tous, mais surtout l'Adler et la vessie, seront utiles si vous voulez un livre pour vous aider tout au long de ce cours. Je ne vais enseigner aucun de ces livres. Je vais suivre mon propre chemin ici. Mais si vous recevez un de ces livres, vous serez très bien de l'utiliser comme référence dans ce cours, je vous guiderai tout au long de la façon dont j' aime enseigner l'orchestration, mais vous serez en mesure de suivre vraiment n'importe quel manuel standard. Très bien. OK. Encore une fois, le manuel n'est pas requis. Vous n'avez pas besoin de sortir acheter ce manuel. Mais si vous êtes quelqu'un qui aime les manuels scolaires, c'est parti. 7. Le format de ce cours: Un peu plus rapide sur le format de cette classe. Ce que nous allons faire, c'est d'abord que nous allons passer en revue des choses de base que vous devez savoir, scores, des parties, des transpositions, ce genre de choses. Et une fois que nous aurons passé cela, nous allons entrer dans chaque instrument individuel, ferons toujours la même chose. Tout d'abord, nous parlerons de la famille d'instruments. Il existe donc un certain nombre de familles d'instruments. Les familles seraient comme des cordes, des victoires, des cuivres, des percussions, des choses comme ça. Nous parlerons d'abord de la famille, puis nous allons entrer dans chaque instrument individuel de la famille. Et nous parlerons de la portée et la dynamique sonore de cet instrument. Ensuite, nous parlerons d' effets spéciaux et de bizarreries. Les effets spéciaux seraient comme tout ce qu'ils peuvent faire bizarrement que vous pourriez leur demander de faire dans une pièce pour un effet spécial, alors les bizarreries seraient tout ce qui est particulièrement à faire pour cet instrument. Comme, bien, des choses comme le tuba, qui leur donnent des notes très longues et soutenues. Vous ne pouvez pas le faire parce qu' ils ont besoin de respirer. Et il faut beaucoup d'air pour pousser ces grands nœuds bas tout au long d'un tuba. Vous ne pouvez pas leur donner de très longues notes à tenir. C'est juste une chose spéciale à propos des deux par deux. En fait, beaucoup de cuivres. Une chose que vous constaterez, c'est que si nous n'avions pas à respirer, l' orchestration serait beaucoup plus facile partout. Mais hélas, nous n'avons pas d'orchestres de robots complets. Il y en a probablement, en fait, maintenant que je dis que, de toute façon, c'est un peu le format que nous allons suivre. Je l'ai configuré de cette façon pour que vous puissiez l'utiliser, vous pourrez y faire référence plus tard. Vous pouvez revenir à cette classe et faire une sorte de fermeture éclair et voir comme un hautbois. Voici les vidéos de hautbois , puis reregardez-les si vous avez besoin. Encore une chose. Et puis on frappe le sol en courant. 8. Mon musique d'orchestre: Bon, je suppose qu'il vaut la peine de souligner que j' ai écrit beaucoup de musique d'orchestre. J'ai beaucoup écrit pour, j'ai beaucoup écrit pour les cordes, cuivres, toutes les combinaisons. J'ai beaucoup de quatuors à cordes. Dans certains de mes autres cours, vous m'avez entendu parler de ça, mais dans mes autres cours, je n'ai jamais vraiment parlé musique de mon orchestre qui a été jouée par de grands humains acoustiques. orchestre. J'ai quelques pièces avec lesquelles j'ai assez bien fait. J'ai pensé que je vais vous montrer l'un d'eux ici. Celui-ci, appelé « niveaux de flèches », a reçu quelques performances de quelques orchestres différents. Certaines personnes ont écrit des articles à ce sujet Vers une nouvelle pratique courante. Des choses très académiques, ce qui est peut-être intéressant pour vous. Jetons un coup d'œil à ça. Je ne veux pas trop m' attarder là-dessus, mais dans une partition, la première page répertorie toujours l'instrumentation. Tous les instruments, les percussions dont vous avez besoin. N'importe quelle note ou quoi que ce soit du genre. Voici la partition. Cela va passer par zip. Je vais y jouer un peu. Pour vous en donner une idée. Il s'agit évidemment d'un enregistrement en direct. Voici quelques cerceaux assez longs. Voici ce geste. Bon, c'était donc l'introduction. Peut-être que je mettrai tout ça à votre disposition si vous voulez écouter tout ça. Cela dure 15 minutes, mais ça continue et devient un peu chaotique, puis romantique et joli , puis à nouveau chaotique. Il y a beaucoup de notes dedans. Je vous montre tout cela juste pour dire que oui, j'ai écrit de la musique d' orchestre, donc j'ai travaillé avec de grands orchestres. Je veux un tas de prix pour la musique de mon orchestre. Je pense savoir de quoi je parle. Je pense que nous allons plonger dedans. 9. Grands Scores: Bon, donc avant d'entrer dans chaque instrument individuel, je veux parler de la partition. partitions d'orchestre et les grosses partitions en général ont quelques choses uniques qui méritent d'être soulignées. Dans cette première vidéo. Je voulais juste parler de combien j'adore regarder ces gros scores. Laissez-moi vous montrer. J'en ai eu quelques-uns. Voici la pièce que nous venions de regarder. En d'autres termes, la plupart des partitions sont imprimées sur ce gros papier de 11 sur 17 ou plus. Le long chemin. Donc, j'espère que vous pouvez voir cela. Laissez-moi essayer cela pour que vous puissiez vraiment voir l'orchestre complet sur chaque page. Cela permet de s'adapter à tout le monde sur une seule page, même sur ce gros papier qui rend chaque instrument vraiment petit. Il faut vraiment plisser les yeux pour les lire. Et c'est pourquoi la plupart des conducteurs portent des lunettes. Parce qu'ils ont l'habitude de lire ces minuscules notes minuscules. Mais un ensemble complet, un orchestre complet s'est écrasé sur une page, même de très gros trucs de papier. Voici une autre pièce d'orchestre que j'ai depuis appelée Sunder. Celle-ci est intéressante car vous verrez dans quelques pages, laissez-moi juste en trouver une au hasard. Vous verrez quelques écrits et lisez. Ce qui se passe là-bas , c'est une copie que j'ai utilisée en répétition. Si souvent, lors de répétitions avec un orchestre, vous, en tant que compositeur, vous serez assis dans le public près du chef d'orchestre, mais pas, mais encore assez loin pour bien entendre tout. Ensuite, vous gribouillerez quelques notes. Et puis, une fois qu'ils l'ont traversé, vous allez voir le chef d'orchestre et vous direz : Ok, avec la note dit qu'il n'y a pas de muet. Cela signifie que dans cette section, je veux qu'ils retirent le muet. Vous pouvez dire au chef d'orchestre des choses différentes de celles de la partition. Mais la plupart du temps, nous ne faisions clarifier ce qu'il y a dans la partition. Vous ne voulez pas vraiment apporter de changements. Mais parfois, il y a des questions qui se posent et des choses comme ça. Souvent, lorsque vous faites cela, c'est comme des choses dynamiques. J'ai remarqué certains d'entre eux ici. Un ici, j'ai encerclé comme deux notes. Et j'ai trop écrit. Ce qui veut dire, dites au chef d'orchestre de dire à ce joueur, c'est le joueur de marimba. Pour reculer un peu là. Il suffit de clarifier les choses. Ça suffit à propos de moi. Permettez-moi de vous montrer ma partition préférée que je possède. Requiem Liquiem. C'est une partition monstre. C'est vraiment grand. Je l'ai acheté quand je voyageais. J'étais à Paris. Je venais d'avoir un grand sac à dos et je l'ai acheté, puis j'ai laissé derrière moi un peu près pour pouvoir le mettre dans mon sac à dos. qui rend ça si important, c'est qu'il y a beaucoup de DVC ici. C'est-à-dire comme d'habitude, lorsque nous écrivons comme le violoncelle, par exemple, le violoncelle peut avoir une dizaine de personnes qui y jouent, mais nous écrivons un bâton et ça dit violoncelle. Et les dix joueurs de cordes jouent la même chose. Dans cette pièce. Chaque personne obtient sa propre part. Il y a dix portées pour violoncelle, dix portées pour le premier violon. C'est probablement plus de dix Steve pendant une seconde. La myéline, probablement plus. Et toutes les pages ne montrent même pas tous les instruments. C'est tellement minuscule dans sa main écrite à, d'ailleurs. C'est tellement petit et magnifique à lire. Le gars aimait juste écouter la musique et suivre la partition. Il y a des notes de Liquidy ici où il a écrit des trucs et le français en fait, ça pourrait être traduit, sachez, c'est le français, l' allemand, en Allemagne. Mais c'est aussi une belle pièce. De toute façon. J'adore les beaux scores. Je pourrais juste passer en revue de gros scores toute la journée. Vous n'êtes pas obligé de le faire. Laissez-moi passer à autre chose. Il y a deux choses que nous nous attendons à voir dans les partitions que je veux souligner dans les prochaines vidéos. Ensuite, nous parlerons également quelques conseils pour lire des partitions, suivre une partition pendant que vous regardez la musique ou que vous entendez la musique est difficile et cela demande un peu de pratique, mais j'ai quelques conseils sur la façon de le faire. Commençons par aborder cette idée de transposition. 10. Transposition: Je suis arrivé ici. Voici une page tirée de la partition de Harry Potter et les reliques de la mort de Hans Zimmer. Il n'est pas trop difficile de lire un tas de notes soutenues. Un petit cœur rapide s'épanouit, un petit solo et des trompettes. Rien de fou. Je tiens à souligner une chose. Examinons la signature clé. Aucune signature clé ici. cool, mais une signature clé ici sont les clarinettes. Cela veut dire des clarinettes. Voici les clarinettes jouant dans une autre touche, et les saxophones jouent dans une touche différente, mais le ténor et sa propre clé. Et puis les cornes et encore une autre clé. Ensuite, tout le reste dans la clé de C. Cela nous dirait que nous les avons joués dans la touche de C ou de mineur. Ceux-ci jouent dans les clarinettes, jouant dans la touche de la clarinette basse D et la clé de D. Sax alto sont la clé d'un ténor dans la touche de D, numéros de baies, et la clé d' une trompette dans la touche de D, cornes dans le clé de G, et tous les autres, et C ou un mineur. Non, ce n'est pas ce qui se passe. sur quoi nous sommes tombés ici c'est quelque chose qu'on appelle la transposition. Et c'est une chose dont nous n'avons pas parlé du tout et de tous mes cours de théorie musicale. Et il y a une raison à cela. La raison en est que je déteste ça. Je déteste tellement ça et je n'y suis pas douée. J'ai foiré à chaque fois. Voici un petit secret amusant sur moi. Je suis assez dyslexique. Quand il s'agit de dyslexie en musique. Je pense que j' ai en fait de nombreux avantages. Il y a beaucoup de choses que mon cerveau branché différemment m'aide à faire beaucoup de réflexion créative, de nombreuses façons uniques de résoudre des problèmes et de penser des choses auxquelles la plupart des gens ne pensent pas. C'est très utile pour un musicien. Cependant, il y a deux choses qui ressemblent mon talon d'Achille. L'un est de regarder le chiffre romain quatre, puis le chiffre romain six lorsque nous faisons de l'analyse, ils ont toujours tort pour moi. Mais cela n'a rien à voir avec cela. L'autre est la transposition. C'est là que se trouve la transposition. Nous allons beaucoup parler de transposition dans cette classe. Nous allons l'examiner pour tous les instruments. Nous allons parler de ce qu'ils ont transposé. La plupart des instruments. Si je joue sur un piano et que je joue avec un clarinette, je dis jouer au milieu C. Et je joue au milieu C sur le piano, et ils jouent au milieu , au milieu C. Nous n'allons pas être jouant la même note. Même pas séparé par une octave. Les clarinettes sont en si bémol, donc elles vont jouer en si bémol quand je joue un C. Deux notes totalement différentes. C'est pourquoi, si vous avez déjà entendu quelqu'un dire, tout le monde joue, assiste à un concert ou joue ceci en concert. pitch de concert signifie que nous allons tous jouer de la même manière. voyez, si vous jouez de la clarinette, vous allez jouer un D pour qu'il corresponde à mon C. Je pense que c'est juste à l'envers. Je viens peut-être de le faire à l'envers. Quand nous aurons davantage de transposition, ce que nous ferons bientôt, je vous montrerai quelques astuces pour vous assurer que vous avez raison parce que j' ai trouvé quelques astuces. Mais c'est vraiment ennuyeux. Ce que nous regardons ici, c'est que nous jouons tous dans la même clé. C'est juste que ce score n' est pas une partition transposée. Nous montrons donc les clarinettes exactement dans la musique qu'elles joueraient . C'est un, qui, oups. Ça va nous ressembler à un G. Je pense. Ce sera à l' unisson avec cette flûte G. C'est logique. Toutes les notes ne sont pas identiques sur tous les instruments. Il y a une raison historique qui explique que c'est ainsi. Cela va vous rendre fou de l'orchestration. Tout ce que je peux vous dire, c'est que je suis avec vous et que vous ne pouvez rien y faire. C'est comme ça que c'est. Vents, transpose des saxopes, transpose, transpose en laiton. Les cornes transposent. Les chaînes ont tendance à ne pas se transposer. Cordes. Les percussions sont des instruments non transposants. Les vents supérieurs ont tendance à être des instruments non transposants, ce qui signifie qu'ils sont dans la clé de C. C'est surtout lorsque nous avons affaire aux vents et aux cuivres que nous devons faire face à la transposition. Mais dans un orchestre, ils sont un peu importants pour cela. Lorsque vous regardez une partition, vous devez savoir si vous regardez une partition de transposition ou non une partition de transposition, la signature clé ne vous le dira pas toujours parce que dans une musique chromatique plus moderne, n'y a aucune signature clé sur quoi que ce soit. La façon de le dire est généralement de regarder la couverture. Habituellement, la couverture ou la page intérieure dira quelque chose comme ça. Voici ma pièce Sunder. La page intérieure où il est écrit Instrumentation. Juste sous instrumentation, il est écrit partition en C. Cela signifie que tout ce apparaît dans cette partition est transposé. Pour que les notes, nous regardons, les notes que nous allons entendre. Les clarinettes ont été écrites pour être dans la clé de C dans cette partition. Maintenant, cela signifie que je ne peux pas simplement retirer le rôle du score, leur donner parce que toutes les notes vont être fausses. Je dois le transposer pour les obtenir pour le rôle. Je vais traiter les pièces dans une minute. Mais tous mes scores sont des scores et je vois que je les transpose pour que je puisse regarder les notes et savoir ce que sont les notes sans avoir à les transposer dans ma tête. Parce que je suis nul. Plus d'informations sur la transposition bientôt. Mais c'est un élément important d' une partition de savoir si vous envisagez un score de transposition ou non un score de transposition. Si vous regardez quelque chose et que cela indique un score et voyez, vous savez que les notes que vous voyez sont celles que vous allez entendre. S'il ne dit pas score et ne voit pas, alors vous devez faire la transposition dans votre tête lorsque vous la lisez. Une dernière chose à ce sujet, quand il s'agit de scores, j'ai découvert que la plupart des chefs d'orchestre, en particulier la plupart des chefs d'orchestre aux États-Unis, sont très heureux d' avoir marqué en C. vaut leur poids, peut traiter un score de transposition très bien ou un score transposé N. Mais les chefs d' orchestre américains sont très, je suis heureux d'avoir un score et je vois que ce n'est pas un problème. Je trouve que les chefs d'orchestre européens ont tendance à être un peu plus traditionnels. Et ils ne veulent vraiment pas de partition en C. Ils ont l'habitude de tout voir et de les transposer. Et c'est bien écrit hauteur et le fait dans leur tête. C'est une généralisation très large, mais c'est ce que j'ai vécu. Ce que vous allez bientôt en savoir plus sur la transposition. Passons à autre chose et parlons de la mise en page de la partition. 11. Ordre de l'instrument: Parlons de l'ordre des scores. C'est important en très standardisé, c'est-à-dire l'ordre des instruments sur la page. Cela n'a pas vraiment changé au cours des années et ce n'est pas le cas, ce n'est peut-être pas exactement ce que vous pensez. Il y a quelques bizarreries dedans. Vous pourriez penser que les choses les plus élevées sont en haut et que les choses basses sont en bas. Et c'est vrai d'une façon, mais ce n'est pas vrai d'une autre façon. La chose à retenir, grand tableau, Windsor en haut. Et puis, dans les vents, vous allez du plus haut au plus bas, généralement. Piccolo, flûte, hautbois, clarinette, c'est un basson. De haut à bas, plus ou moins. Ensuite, nous avons des cuivres. Et encore une fois, nous allons à peu près des trompettes hautes à basses. Laissez-moi en faire un en anglais. Eh bien, laissez-moi juste vous montrer sur un que je connais. La page d'instrumentation répertorie généralement tout dans l'ordre. On va donc faire des vents. Alors piccolo, flûtes, hautbois, clarinettes, clarinette basse, basson. Et s'il y a un contrebasson, un basson très bas, des cuivres, des cornes, des trompettes, une base de trombones, un tuba. Je pense. J'ai vu des cornes monter au sommet des cuivres, et j'ai vu des cornes aller au fond des cuivres là-bas, un instrument de cuivres bizarre. Je suppose que c'est flexible. Ensuite, nous avons de la harpe et du piano. Ils font partie de leur propre famille en quelque sorte. Vous pouvez les laisser de côté. Au fait, vous n'avez pas besoin d'utiliser tous les instruments de l'orchestre à chaque fois. Ensuite, nous avons des percussions. Tympani. Tout d'abord, il obtient son propre truc. Tympani est toujours traité comme sa propre ligne de percussion. Nous en parlerons davantage lorsque nous parlerons de percussions, mais c'est un concept important. Après ça. Les forces de percussion, disons, il y a trois états de percussion que j'ai décidé d'utiliser. Vous n'avez pas besoin d'utiliser trois tympains , puis vos portées de percussion. Et puis, en bas, les points forts de VIA. Toujours violon, violon, alto, violoncelle, basse ou contrebasse , comme vous voulez l'appeler. C'est l'ordre traditionnel. Il est important de conserver cet ordre, car rappelez-vous que lorsque vous lisez la partition, vous suivez peut-être une ligne puis retournez la page. Vous devez continuer à suivre cette ligne. Maintenant, nous avons parfois des partitions où nous laissons instruments qui ne jouent pas sur cette page. C'est ce qu'on appelle un score coupé. Je pense que c'est en quelque sorte démodé. Nous aimerions montrer les portées vides simplement parce qu'elles sont plus faciles à suivre. Mais vous voyez des scores comme ça. Ils sont plus difficiles à suivre. Oui, c'est tout. Vents, laiton. Harbin, piano. Percussions, forces. Ordre des scores. 12. Lettres et chiffres: Ensuite, les lettres de répétition et les numéros de répétition. Il y a quelques philosophies différentes ce sujet et il n' y a chose standard à faire. En gros, vous voulez une répétition, une file d'attente, une sorte de lettre ou un chiffre à n'importe quel moment important de la pièce. Des barres doubles, sans aucun doute tout ce qui est un double bar. La plupart du temps, s'il y a un changement de tempo, ou parfois s'il y a un changement de compteur, sont tous de bons endroits pour mettre une double barre ou mettre une lettre de répétition. Mais aussi juste un endroit significatif, peut-être un endroit délicat, un endroit que le chef d'orchestre pourrait vouloir répéter plusieurs fois, donnez-leur une lettre là-bas. C'est juste pour rendre les répétitions plus fluides. Vous pouvez maintenant utiliser des lettres ou des chiffres. Je préfère les lettres de répétition. La raison est qu'ils ne se confondent pas avec les numéros de barres. Vous ne voulez pas, eh bien, quand il s'agit d'une partition et de travailler avec un véritable orchestre humain, la pire chose que vous puissiez faire est de perdre temps parce qu'il est vraiment coûteux d'avoir cet orchestre. assis sur scène. Donc, tout ce que vous faites doit être vraiment, vraiment clair. Si le chef dit, tout le monde va à 45 ans, alors la moitié de l'orchestre lève la main et dit : Voulez-vous dire la répétition numéro 45 ou la mesure 45 ? Vous venez de perdre du temps. Donc, ne faites pas ça. C'est pourquoi je préfère dire la lettre D. Alors ils savent tous ce qu'est la lettre de répétition D. Et ce n'est pas une mesure 45. Ce que j'ai fait cette pièce particulière et quelque chose que mon professeur à l'époque m'a encouragé à faire. Et je pense que c'est vraiment une bonne pratique et je l'ai fait sur beaucoup de morceaux, c' est au début de chaque page, je mets le numéro de mesure de cette page et le grand cercle qui se trouve sur chaque page. Ils ont mesuré les chiffres juste là. Il y a également des chiffres de mesure. Je suppose que c'est tout. Je suppose que c'est le seul endroit où j'ai mis des numéros de mesure. chiffres ont été mesurés dans le coin supérieur chaque page et de très gros chiffres juste pour que le chef d'orchestre, qui que ce soit qui lit la partition, puisse les voir bien et clairement. Et puis j'ai aussi mis des lettres de répétition sur un carré. Vous pouvez donc voir D là-bas. Le numéro de répétition. C'est comme ça que j'aime le faire. Une fois encore. n'y a rien de standard là-dessus. Assurez-vous simplement d'en mettre un peu là-dedans et de faire en sorte que ce ne soit pas déroutant. Une autre façon de le faire, j'ai vu beaucoup de gens faire, c'est d'utiliser des chiffres pour la répétition, mais de les faire en chiffres mesurés. Donc, si cela est mesuré 42, c'est 4243. lettre D est à la mesure 44. Donc, au lieu de mettre un D, je pourrais faire un chiffre très important, 44 là-bas. Et puis ils pourraient dire, puis le chef d'orchestre peut dire, aller à 44. Il ne serait pas question car c'est la fois le numéro de mesure et le numéro de répétition qui peuvent fonctionner. J'aime bien les séparer. Où que vous soyez amené à faire fonctionne très bien. n'y a rien de standard ici, mais assurez-vous d'en mettre un que lorsqu' ils répètent, nous puissions accélérer les choses et ne pas perdre de temps. 13. Conseils pour lire des Scores: Conseils pour lire les partitions. C'est difficile, il est difficile de lire les partitions. Il faut beaucoup de pratique. Mais voici quelques secrets. Nous revenons à cette page Zimmer, Hans Zimmer, Harry Potter. Si j'entendais cela joué et que j'essayais de suivre le score. Une chose que je pourrais faire est de regarder vers l'avenir. Soyez toujours attentif à quelques bars pour les entrées. Une entrée importante ? Ici, il y a un solo de trompette. Quand j'ai tourné la page et que j' ai vu cette page apparaître, si j'étais perdu, j'y allais. Alors que l'entrée suivante pourrait voir l'entrée de ces cornes. Mais ce solo, ce solo de trompette va être un peu plus évident. Je serais comme, d'accord, et ensuite je suivrais ça. Alors, je pourrais me déplacer vers ce riff de harpe et entendre ça. Peut-être même attraper ce riff triangulaire. Donc, tu es en train de zigzaguer. N'essayez pas de regarder toute la page et d'ingérer toute l'harmonie et tout. Il y a des gens qui peuvent le faire, mais je ne peux pas le faire. Laissez simplement votre œil aller là où il doit aller. Alors suivez cette ligne, peut-être sauté vers le bas et voyez cette entrée triangulaire. Allez voir cette harpe et les tendances. Plus vous faites cela, plus vous commencerez à voir cette ligne. Ce qui se passe dans les saxophones et les cornes, comme tout ce qui l'entoure. Et ensuite, vous verrez ce qui se passe également dans l'euphonium et le triangle. Vous commencerez à obtenir de plus en plus. Mais lorsque vous commencez à les lire, essayez simplement de chercher les entrées et de suivre une entrée. Même comme cette note haute pour flûte, ça va vraiment sortir et tu pourras entendre ça. Entrez, entrez. Et puis ça vous donnera quelque chose à accrocher. Suivez toujours les entrées des instruments. C'est ce que je fais et c'est ainsi que j'ai appris à lire une partition. Plus vous faites cela, plus vous développerez vos compétences ici. Qu'y a-t-il autour de ces choses-là ? Et concentrez-vous et obtenez plus de vue d'ensemble. Il s'agit de suivre les entrées pendant que vous commencez. 14. Parties partagées et « Bureaux »: Bon, parlons de pièces. Maintenant. Je sais que vous êtes comme, allons entrer dans la viande et pommes de terre et apprendrons plus sur les instruments. Ce qu'on va y arriver. Je veux juste couvrir ça parce qu'il n'y a pas d'autre bon endroit pour couvrir ça. Et il est important de savoir si vous allez travailler avec un vrai orchestre. Un tas de choses sur les pièces. Score. Il m'a permis d'utiliser cette partition. Vous pouvez parfois combiner plusieurs parties sur une seule portée. Par exemple. Nous voyons, je sais que vous ne pouvez pas le voir, mais les cornes, j'ai deux portées pour quatre cornes. Il y a deux cornes sur un bâton. Cependant, en partie, vous ne pouvez avoir qu'un seul instrument sur une portée. Chaque instrument doit avoir sa propre part. Si je devais fabriquer les pièces de corne pour cette pièce, je devrais prendre la partie corne et la séparer en deux parties différentes. C'est une sorte de douleur, mais c'est comme ça que ça doit fonctionner. L'exception concerne les cordes, évidemment, comme la section violon. Ils ont besoin d'être là. Si vous divisez les premiers violons, par exemple, et que vous dites que la moitié de la section le fait, moitié de cette section le fait. Ensuite, vous pouvez avoir une partie qui se divise en deux portées, mais elles doivent avoir leur propre personnel. Parlons donc un peu plus rapidement des cordes. La plupart des instruments de l'orchestre ont donc leur propre stand. C'est-à-dire que si vous avez trois trompettes, vous aurez trois parties de trompette. Ils ont chacun un stand et sont séparés sur ce support, les cordes fonctionnent un peu différemment. Les cordes sont généralement de deux personnes par stand. C'est ce qu'on appelle un bureau. Un bureau signifie que deux personnes regardent un seul stand. Il y aura le même rôle. Habituellement, la façon dont cela fonctionne est plus une personne de haut rang ou une personne âgée sera à l'extérieur. Et la personne classée par le bailleur, cependant, que cet orchestre le fait, elle sera à l'intérieur du bureau. Ensuite, la moindre personne sera responsable de tous les tournages de page que j'ai besoin de se produire. stands dans les bureaux sont un terme important. Sont des termes importants. La percussion fonctionne un peu différemment là où les percussions, vous devez avoir. En règle générale, ce que vous avez est une partie pour chaque joueur, non pour chaque instrument de percussion. Les timbales se séparent. Et ensuite, s'il y a trois percussionnistes, vous faites trois parties. Vous pouvez également créer ce qu' on appelle un score de percussion, qui montre toutes les précautions d' une part avec plusieurs portées. Il peut y avoir trois ou quatre portées qui montrent toutes les percussions à la fois. J'ai su que dans certains des plus grands orchestres avec lesquels j'ai travaillé, le principal a aimé le principe est le meilleur joueur de la section. Le principe du percussionniste a donc aimé avoir cette partition qu'ils peuvent analyser qui fait quoi. La logique, c'est qu'ils vont mieux comprendre ça alors que vous l'êtes. Et j'ai été plus qu'heureux de les laisser comprendre. Ce que je fais, c'est que je me distingue pour chaque percussionniste et une partition. Ensuite, je leur donne tout cela et je dis essentiellement qu' y a plus d'informations que ce dont vous avez besoin, mais rassemblez ce que vous voulez pour que cela fonctionne. Encore une chose que je veux dire à propos des pièces. Ici, j'ai quelques parties que ces derniers sont revenus d'une performance. Ils ont donc été utilisés pour la dernière fois dans la performance avec l'Orchestre du Minnesota. Ils sont un peu marqués. Vous pouvez voir les marquages des joueurs partout sur eux. Laissez-moi le faire. Vous remarquerez qu'il s' agit d'un format de papier étrange. Peut-être que vous ne pouvez pas le dire, mais c'est une taille étrange. La raison en est que les stands peuvent être assez éloignés, surtout pour les cordes où ils partagent un stand. Il est devenu standard d'utiliser ce papier de forme vraiment géniale. Au moins, c'est génial pour les États-Unis. Je pense que c'est dix par 13, si je me souviens bien. C'est dix par dix à 13. La façon dont vous le faites, c' est que vous n' imprimez pas simplement votre musique sur du papier dix par 13. Ce n'est pas comme ça que vous faites. Vous l'imprimez en standard au format lettre US. C'est 8,5 par 11. Et puis vous le faites sauter jusqu'à dix à 13. que tout est plus grand que ce à quoi on pourrait s'y attendre, cela facilite la lecture quand il est plus éloigné. J'ai trouvé que c' était une pratique très courante, dix par 13 en quatre parties. Si vous travaillez avec un orchestre, c'est un orchestre important, un orchestre majeur, il aura probablement un bibliothécaire à plein temps. Et ce bibliothécaire peut être prêt à vous aider. Vous pouvez parfois simplement leur envoyer vos 8,5 par 11 parties et ils les feront exploser sur le côté droit du papier et faire la reliure. Ils utilisent une reliure spéciale car elle est silencieuse. Parfois, ils s'attendent à ce que vous fassiez cela pour eux, mais parfois ils le feront pour vous, et parfois ils préfèrent même le faire simplement pour s'assurer que c'est bien fait. Dans ce cas, je viens de leur envoyer tout un tas de PDF du 8.5 par 11 et ils ont imprimé les parties pour moi, ce qui était génial et les a liés , puis me les ont rendu. Ce qui était super cool, si étrange format de papier. Mais il faut les faire sauter un peu parce qu'ils sont parfois un peu plus éloignés. D'accord. Parlons des tournures de page. 15. La page se tourne: Ok, les tournages de pages sont très importants et il faut y penser lorsque vous fabriquez des pièces. Et ça peut être un mal de tête majeur. J'ai ici deux parties. Vous remarquerez que c'est la deuxième partie du violon, et c'est la partie violoncelle. Vous remarquerez que la deuxième partie violon en tant que page de couverture et la partie violoncelle ne le fait pas. Pourquoi ? La page commence ? Il n'est pas nécessaire qu'il y ait une page de couverture. Mais dans la deuxième partie du violon, je n'avais aucun moyen de tourner une page à la fin juste là. Comme s'ils ne faisaient que jouer. J'ai dû faire une page de couverture pour que le premier virage se retrouve juste sur ce reste. Vous devez leur donner que vous voulez aligner votre page sur l'arrestation, soit une arrestation juste avant le tournement de la page, soit un restaurant après la durée de la page. Idéalement avant. Il y a quelques astuces autour. Par exemple, je vais vous donner, il y a une notation que vous pouvez utiliser, un VCS, qui ressemble à ceci. Ce petit V, S italique juste là. La police est importante. C'est un symbole. Il est synonyme de quelque chose en italien ou en latin. Je ne me souviens pas de ce qu' il représente, mais cela signifie en gros la tête haute. Il s'agit d'un virage rapide de la page. Cela signifie que vous jouez juste après la durée de la page. Il y a un bar de repos ici. Ce tempo n'est pas vraiment rapide, il y a donc un seul repose-bar. Et puis il y a un virage de page dans lequel VS signifie simplement un virage rapide de la page. Laissez-moi regarder dans la partie violoncelle. Voici un bon VS. Ici, ils n'ont que trois battements. Ils jouent une note. Et puis il y a trois beats VS, ce qui signifie qu'ils jouent immédiatement sur la page suivante. suite sur la page suivante, ils ont deux autres battements, puis ils jouent. Si vous ne parvenez absolument pas à aligner une page, tournez-vous avec le reste. Disons que quelqu'un joue pour ce qui va être trois pages consécutives. Vous pouvez déplier des pages pour que vous puissiez tourner une page, puis une page qui s'ouvre à l'intérieur, sorte qu'elle s'ouvre en trois pages. Vous voulez éviter cela autant que possible car cela va se produire, il y a un certain son associé à l' ébouriffement de toutes ces pages. Il faut une minute pour le faire, puis il faut le déplier pour tourner la page. Une fois que c'est fini. C'est le pire des scénarios à faire. Mais cela peut être fait. Dans toutes les parties. Il faut penser aux tournages de page, à trouver les meilleurs endroits. Et parfois, cela signifie entasser des mesures très serrées afin de les aligner pour qu'il y ait un repos. Et parfois, cela signifie laisser d' énormes quantités d'espace. Je viens de voir celui que nous avons regardé ici. Je pouvais installer quelques autres systèmes en bas ici, mais je ne l' ai pas fait parce que c'était ma meilleure option pour un tournement de page , tout le reste devenait bizarre à partir de là. Ainsi, vous laissez parfois l'espace vide sur une page ou même parfois des pages entières vierges, afin de faciliter une bonne boisson Paige. Parce que rappelez-vous que vous n'avez besoin que tourner toutes les autres pages. Parfois, vous laissez simplement une page vide pour avoir une page. Allumez la page précédente, retournez-la, puis vous avez deux pages de musique solide. Beaucoup à négocier. Il y a beaucoup de choses à penser, mais c'est quelque chose que nous devons tous faire face. Certains des logiciels les plus récents, le logiciel de notation, vous aideront avec cela et forcera une sorte de rotation de page à s' aligner au bon endroit. Mais il faut vraiment regarder de près pour s'assurer que tout est réalisable. La page tourne. 16. Cues: Rappelez-vous ce que j'ai dit il y a quelques vidéos où j'ai dit que l'un des objectifs d'une répétition d'orchestre était de ne pas perdre de temps. Il est très important que tout soit vraiment efficace et que personne ne soit confus par rapport à ce qui se passe. À cette fin. Une des choses que vous allez vouloir mettre dans vos parties, c'est que ai un ici dans la partie violoncelle. J'espère que vous pouvez voir cela, mais regardez la portée inférieure. Ce que vous voyez, c' est de la musique que joue le violoncelle. Et puis il y a trois barres de repos. Et puis ici, voyez ces minuscules têtes de notes. C'est de la musique, c'est noté correctement, mais avec de minuscules têtes de notes, de minuscules têtes de notes. Et c'est écrit TBT au-dessus. C'est un signal. Ils ne sont pas censés jouer ça. Cela signifie que c'est ce que prévoit la trompette, c'est le TPMT. Ils ont donc trois barres de repos, puis ils entendent ce riff de trompette qui est censé les aider au cas où ils se perdraient dans ces trois barres de repos ou quoi que ce soit. Plus vous accusez, mieux c' est, plus vous pouvez en mettre. Je veux dire, vous ne voulez pas qu'ils soient partout. Mais si vous avez une pièce qui a une quantité importante de restes, trois barres, dix barres, 20 bars. Puis, avant qu'ils ne rentrent, donnez-leur une file d'attente, donnez-leur quelque chose à écouter. Et ce n'est pas parce qu'ils ne peuvent pas compter. Comme ce sont des musiciens professionnels, ils peuvent compter. Mais c'est juste pour confirmer qu'il y a raison et empêcher quiconque de se foutonner. Vous voulez mettre des indices partout où ils ont des restes importants. Ou parfois, s'il y a quelque chose de vraiment évident, mettez-les quand même. S'il y a comme une grosse lune de percussion et qu'ils ne jouent pas à ce moment-là. Mettez ce boom là-dedans comme un cube. Assurez-vous qu'il est clair qu'il s'agit d'une file d'attente. Vous utilisez de minuscules têtes de notes, puis du texte au-dessus juste pour dire ce que c'est. Et cela confirmera simplement qu' ils sont au bon endroit. C'est vraiment utile et cela permet de gagner beaucoup de temps en répétition. Les artistes, je pense que je m'attends vraiment à le voir. Alors, faites-le. Parce que c'est bon. Encore une fois, certains d'entre eux étaient des logiciels à jour. Le logiciel de notation peut simplement placer automatiquement des files d'attente dans vos pièces. Il faut un examen pour s' assurer qu'ils ont raison. Mais j'ai vu certains d'entre eux le faire très bien et certains d'entre eux s'en sortent très mal. Il suffit donc de le regarder et de s'assurer que c'est bien. 17. Qu'est-ce que la transposition ?: Salut tout le monde, c'est moi du futur. J'ai filmé cette vidéo. Ensuite. Je suis de retour jouer pour vous. Mais j'en ai fini avec toute la classe et j'ai sauté en arrière. Parce que je dois clarifier quelque chose. Je vais en parler davantage dans la prochaine vidéo. Mais alors que nous commençons à parler de transposition, il y a un concept dont je dois m'assurer qu' est absolument très clair. C'est-à-dire que la transposition nous parlons que chaque instrument doit faire n' a rien à voir avec la clé de la musique. Ne pensez pas que nous avions des cornes et des F, mais dans un autre air, qui pourrait avoir des cornes en si bémol ? C'est comme ça que ça fonctionne. Le klaxon est un instrument qui est réglé et conçu autour de F. Il peut jouer chromatiquement, mais il est conçu autour F. C'est pourquoi nous l' appelons le klaxon en F, Il n'a rien à voir avec le musique qu'il joue. Il transpose toujours de cette façon. Lorsque nous parlons de la clé d'un instrument, nous parlons des propriétés physiques de la façon dont cet instrument est conçu, sans rien avoir à voir avec la musique elle-même. Nous en parlerons plus dans une minute, mais je n' ai littéralement pas pu dormir la nuit dernière et m'assurer de vous transmettre ce concept assez tôt. Je saute en arrière pour m' assurer que tu l'obtiens. OK. Maintenant, sur cette vidéo, un million d'années, lorsque j'étais au lycée, j'ai écrit une comédie musicale. C'était la première, ma première tentative d' écrire quelque chose non seulement pour la guitare, la basse et la batterie. Et c'était élevé et je ne savais pas vraiment que ce que je faisais était mauvais avant que vous pensiez, Oh, il devait être un génie. Vous avez écrit une comédie musicale au lycée. C'était vraiment mauvais. Mais je me souviens de la première fois que nous avons répété la musique. Je jouais de la guitare et je dirigeais le groupe. Et le groupe était comme, c'était essentiellement mes amis pavés ensemble. C'était donc de la guitare, de la basse et de la batterie, puis des saxophones, des soutiens-gorge. Peut-être quelques victoires. J'ai tout écrit à la main, et j'ai écrit toutes les parties à la main. C'était très fastidieux. Je me souviens être resté debout toute la nuit en faisant ça. J'étais vraiment excité. J'ai tout écrit après l'école, honnête. Un jour. J'ai demandé à ces gens de rester dans les parages et de jouer à travers ça. Je suppose que je voulais savoir comment ça sonnait vraiment avec n'importe quel instrument. Je n'avais pas d' ordinateur à l'époque. a encore un million d'années. Je me souviens de l'avoir compté. Laissez-moi, nous y allons. Et la première chose, c' était un gros accord ou quelque chose comme ça. Et tout le monde a joué sa note et ça semblait horrible. Horrible. Ensuite, nous avons continué et nous sommes arrivés à cette mélodie qui est censée être cette grosse chose à l'unisson entre des vents de cuivres et moi à la guitare. Et ça avait juste l'air horrible. Ce n'était pas à l'unisson et c'était super dissonant et méchant. Alors je me suis arrêté et j'ai dit que j'ai foiré quelque chose. Laissez-moi comprendre cela. Essayons encore une fois. Demain. Je suis allé voir le directeur de mon groupe et j'ai dit : Qu'est-ce que j'ai mal fait ? Pourquoi n'a-t-il pas l'air correct ? Il a dit transposition. Je sais que nous avons déjà parlé un peu de transposition, mais nous allons en parler davantage parce que c' est incroyablement essentiel. Permettez-moi de vous montrer un exemple de la façon dont cela fonctionne. J'ai ici dans une nouvelle partition, juste leur modèle classique d' orchestre classique. Vous verrez que par défaut, je reçois une signature clé différente sur les clarinettes. Vous remarquerez également qu'il est écrit clarinette en si bémol. Nous énumérons parfois les clarinettes comme clarinettes en si bémol parce qu'elles sont en si bémol, c'est la transposition qu'elles utilisent. Vous verrez d'autres instruments répertoriés de cette façon. Trompette en si bémol ou des choses comme ça. Je parlerai plus de la raison pour laquelle c'est dans une minute. Mais faisons une petite expérience. Écrivons quelques notes. Ici. Voir. F. Écrivons la même chose pour le coude. Maintenant, écoutons-les. Ils devraient être à l'unisson. Ce n'est certainement pas à l'unisson. C'est un gâchis. Là. Les mêmes notes cependant. Mais ce ne sont pas les mêmes notes parce que c'est en si bémol, avec une signature clé différente, tout. Alors, faisons-le. Allons dans les propriétés du personnel. Et ici, c'est là que ça nous indique la transposition de notre personnel. Instrument, clarinette si bémol. Le nom de la pièce, la façon dont elle est écrite. Plage de hauteur utilisable, transposition professionnelle. Voici ce que nous recherchons. C'est ce que nous faisons jusqu'à une seconde plus importante. Disons « Pas de transposition », ce qui serait une parfaite unisson. Maintenant, il va faire baisser toutes mes notes parce qu' il est en train de les transposer. Mais si je les repousse, juste eux, en Italie, on y va. Maintenant, j'ai désactivé la transposition sur cet instrument. Maintenant, nous allons l' entendre à l'unisson. Bien. J'en parlerai plus dans une minute, mais un truc pour que si vous n'êtes pas doué pour les transpositions, comme moi, ce que vous pouvez faire , aller dans votre score, désactiver toutes les transpositions ou les mettre à l'unisson. Ensuite, écrivez votre musique. Puis revenez en arrière et rallumez-les. Disons que je veux que cette clarinette soit à trois tiers au-dessus de ce hautbois. Faisons E, F naturel. Maintenant, nous allons entendre, voir un E, F, D et F, E et G. F, ainsi qu'une belle petite mélodie dans les tiers. Charmant. Mais quand je fais cette partie, je dois réactiver cette transposition. Je vais donc y retourner. Voyons voir, je clique avec le bouton droit. Propriétés du personnel. Allez ici. Transposition, deuxième majeure, en bas. Maintenant, ça a l'air bizarre, dirait que ça ressemble à un quatrième. Mais ça semble juste. C'est bizarre. Mais il faut que tu fasses bien ça. Bon, parlons un peu plus. Parlons de la raison pour laquelle cela fonctionne comme il le fait. 18. Pourquoi nous faisons cela ?: Je me souviens de certains cours de théorie musicale, beaucoup d'entre vous ont dit : Pourquoi le faisons-nous de cette façon ? Pourquoi, pourquoi le piano n'est-il pas seulement des demi-pas et des pas entiers comme pourquoi ? plupart du temps, l'explication était juste comme ça. La façon dont cela est fait depuis 1000 ans. Je m'attends à ce que beaucoup d'entre vous disent : Pourquoi le faisons-nous de cette façon ? C'est fou. Et un soutien complet. Je suis d'accord avec cette rage. Si vous lisez en ligne, vous trouverez de nombreuses explications différentes pour expliquer pourquoi nous nous sommes retrouvés avec ce système fou. Permettez-moi d'en souligner trois, en quelque sorte les trois plus importantes à mon avis, il y a d'autres raisons pour lesquelles les choses fonctionnent de cette façon. Mais voici les trois plus importants. Je crois. Le premier, je suis désolé de le dire, est la tradition et le répertoire. Il y a juste une tonne de musique qui a été écrite de cette façon. Depuis près de 1000 ans. Certainement depuis cinq ou 600 ans. Je veux dire, ça remonte à Mozart. Même bien avant cela, nous avions des instruments transposants et c'est exactement comme ça que c'était. Nous avons donc toute cette musique écrite de cette façon. Il serait difficile d'éteindre les instruments pour qu'ils ne soient pas transposés, redessinent tous les instruments et il serait difficile de réécrire toute la musique. Cela fonctionne donc de cette façon parce que c'est comme ça que ça a toujours fonctionné, ce qui est une réponse horrible et horrible. Mais c'est une réponse très logique. Nombre à l'évolution. L'évolution des instruments. une époque, on attendait pas à ce que les instruments, la plupart des instruments jouent dans toutes les touches. Vous auriez un instrument qui peut jouer qu'avec une seule clé. Le piano a été ainsi depuis longtemps. Avant d'avoir des clés noires, nous avions juste des clés blanches. Et nous avions différents pianos accordés dans différentes clés. Il s'agissait d'instruments que nous appelons maintenant tempérés, ce qui signifie qu'ils étaient réglés sur une clé spécifique. Nous avons fini par trouver un système appelé tempérament égal dans lequel nous avons compris mathématiquement comment régler certaines choses pour que ce soit plutôt bon dans toutes les touches, mais pas parfait dans aucune clé. . C'est une discussion pour un autre jour. Mais supposons que vous ayez une trompette et qu'elle soit conçue pour jouer vraiment dans certaines touches. Mais si vous ajoutez cette petite valve supplémentaire ou ce petit morceau de tube supplémentaire et ce modificateur. Vous pouvez désormais jouer chromatiquement et toutes les touches, mais pour toujours. Mais la façon dont vous le feriez, c'est tout déplacer de haut en bas afin de ne pas avoir à réapprendre tous les doigtés de toutes les différentes touches. Nous venons d'ajouter une transposition. C'est plutôt bizarre, mais c'est uniquement lié à son évolution naturelle. C'est un gros. Le troisième est la polyvalence du joueur. Disons quelque chose comme clarinette et saxophone, disons spécifiquement un saxophone alto. La clarinette est en si bémol, saxophone alto est en mi bémol. Ils sont dans des clés totalement différentes. Même s'ils peuvent jouer totalement chromatiquement, ils peuvent jouer dans n'importe quelle touche, mais ils sont dans cette clé. La raison, une des raisons pour lesquelles cela fonctionne de cette façon est que nous voyons souvent, nous nous attendons souvent à ce que les clarinettes et les saxophones doublent, ce qui signifie qu'un joueur peut jouer ces deux instruments. Et si nous les mettons dans ces différentes clés, nous pouvons garder les doigtés tout de même. Toutes les mêmes notes pour tous les mêmes doigtés, elles sonnent différentes. Les notes vont sonner différemment, mais leurs doigts n' ont pas besoin de réapprendre chaque note pour chaque instrument. Les joueurs peuvent être plus polyvalents car ils passent simplement à un instrument dans une autre touche, mais tous leurs doigtés fonctionnent toujours. C'est une grande raison pour laquelle, encore une fois, il y a d'autres raisons. Ce sont probablement les plus courants. Le klaxon ou le cor français est probablement le plus grand délinquant car il peut changer. Vous pouvez faire quelque chose pour que ce soit dans deux touches différentes. Ensuite, vous devez suivre deux transpositions différentes. J'ai dit quelque chose il y a une seconde et je veux clarifier cela avant de passer à autre chose. Lorsque nous parlons de la clé de l'instrument, cela n'a absolument rien à voir avec la musique qu'ils jouent. C'est le, cela a plus à voir avec les propriétés physiques de l'instrument. Clarinette en ré bémol. Cela ne veut pas dire que la musique que nous prévoyons est en si bémol ou quoi que ce soit de ce genre. Cela signifie simplement que nous transposons cette clarinette d'une seconde. Parce que si c'était le cas, parce que le hautbois juste au-dessus est en C, s'il ne dit rien, c'est en C. Encore une fois, n' ayant rien à voir avec la musique que nous jouons. Cela signifie simplement que si j'écris un C, je vais entendre un C. Si c'est en si bémol, j'écris un C. Je vais entendre un D. C'est bizarre. Ne confondez donc pas la transposition des instruments avec la musique de la page. Nous devons écrire la musique un peu différemment pour transposer des instruments afin qu'elle sonne correctement. Mais nous ne parlons pas la clé de la musique ou de quoi que ce soit de ce genre. 19. Instruments de Muti-key: Il convient de souligner que certains instruments existent dans plusieurs touches. La trompette en est un bon exemple. La norme est la trompette B plate. Cependant, il y a aussi une trompette en C. Ce serait une trompette qui ne nécessite aucune transposition. En fait, je connais certains joueurs qui préfèrent le son de la trompette de mer. Cela semble différent. C'est très différent. C'est une différence très subtile. Parce que la trompette est conçue un peu différemment. Il y a un peu plus de tubes ou un peu moins de tubes ou quelque chose comme ça. Il a un ton différent. C'est subtil, mais c'est un ton différent. Il est donc très courant de voir un trompettiste portant plusieurs trompettes, une et b flat et une. Et vous voyez, je connais beaucoup de joueurs qui vont se séparer en si bémol et le transposer dans leur tête pour pouvoir jouer sur une trompette C. Les personnes qui jouent des instruments de transposition professionnellement sont très douées pour transposer dans leur tête. La clarinette est similaire. clarinette et le si bémol sont la norme. Cependant, il y a une clarinette dans une clarinette très courante, et une clarinette différente de celle d'une clarinette si bémol. Et dans un orchestre standard, c'est assez courant. Ces deux éléments sont assez courants. B flat est donc le type de traditionnel, mais vous pouvez spécifier une clarinette si c'est le son que vous voulez. Un son un peu différent. Subtile, mais la même chose avec les trompettes C. Je préfère écrire pour des gouttelettes C parce que je déteste transposer. Mais tu y vas. Il y a aussi quelques autres instruments comme celui-ci qui ont plusieurs versions, mais ce sont les liens les plus importants. 20. Quelques astuces de sourire autour de la transposition: Je l'ai mentionné plus tôt, j'ai dit vais vous donner quelques astuces pour déplacer et transposer vous déplacer et transposer si vous êtes mauvais comme moi, le meilleur moyen est ce que je vous ai déjà montré. Entrez dans quelque chose, utilisez un éditeur de notation et transposez la musique. Ensuite, écrivez votre musique, puis revenez en arrière et transposez-la. Maintenant, ce que vous devez faire attention lorsque vous faites cela, c'est que vous sortez votre instrument hors de portée. C'est très, très facile à faire parce que vous n'écrivez pas les notes qu' ils vont voir. Vous devez vous assurer qu' une fois qu'il est transposé. Et certains instruments comme le E-flat, qui peuvent grimper d'une sixième place. Si vous écrivez quelque chose où vous les faites monter à une note élevée, cela peut être très bien. Mais une fois qu'il est transposé, ils sont sur une note très élevée et c'est trop haut. Vous devez le faire. Ce que je fais, c'est que j' écris la musique. Je désactive la transposition. J'écris la musique. Ensuite, j'active la transposition quand j'ai fini. Ensuite, parcourez chaque partie transposée et assurez-vous que rien n'est hors de portée. Et vous devez effectuer une double vérification là-dessus pour vous assurer de ne pas le faire. C'est une façon de s'assurer que vous le faites correctement. Laissez simplement l'ordinateur le faire pour vous. Si vous prenez un cours d' orchestration à l'université ou n'importe quel type de cours d' instrumentation, vous devez passer un examen où vous transposez des choses. Cela ne vous aidera pas. Il suffit d' apprendre comment le faire, mais peut-être que vous pouvez le faire correctement. Je le fais toujours à l'envers. Je peux le faire 100 fois et être comme, Ok, cet instrument, une fois qu'il est transposé, il monte une seconde majeure, j'en suis sûr. 100% va. Ce nœud est maintenant cette note. Et puis je ferai l'ordinateur le fasse et ça s'est mal passé. 100 % du temps, je vais le faire et je me dirai, d'accord, je suis sûr à 100 % que ça va augmenter. Je vais donc le faire tomber parce que je sais que je fais toujours ça à l'envers. Et puis je dirai à l'ordinateur de le faire et qu'il devait monter. Je ne peux tout simplement pas quand j'ai laissé l'ordinateur m'aider à m'assurer que je le fais correctement. C'est de la tricherie. Je m'en fous. En supposant que tout cela soit dit, nous allons passer aux cordes. Maintenant, si à un moment quelconque cette classe, je parle de transpositions. Et je dis, voici la transposition de cet instrument et je le dis à l'envers. Désolé, je ne le ferai probablement pas, car j'ai tendance à éviter de dire des choses comme ça. Et j'ai le pouvoir du montage vidéo. Je vais probablement vérifier si je dis quelque chose comme ça, mais on sait que je me trompe, appelez-moi dans les commentaires et j'irai le modifier et le réparer. Passons à la musique. Parlons des cordes. 21. Instruments dans la section « cordages orchestraux: Parlons de la section cordes. Instruments dans la section à cordes. Donc, en gros, dans ce gros morceau de vidéos, ce que nous allons faire, c'est que nous allons parler du genre de famille de cordes. Ensuite, nous allons passer à des instruments individuels. Ensuite, nous parlerons de techniques spéciales. Donc d'abord, la famille des cordes. Dans l'orchestre, section cordes. Nous considérons que cela signifie pour différents instruments et cinq portées. Attendez ça pendant une seconde. Le premier instrument est donc le violon. Je sais probablement ce qu'est un violon. Il s'agit généralement du plus haut des instruments de la section à cordes. Le deuxième instrument est l'alto. C'est probablement celui qui, si vous n'êtes pas familier avec l'un d'entre eux, c'est probablement celui-ci. L'alto est un peu plus basse qu'un violon. C'est un peu plus gros. Oui, c'est juste plus bas, a un peu de crémeux ou de bruit, je suppose que vous pourriez dire. Ensuite, c'est le violoncelle. Il est encore plus bas que l'alto. dernière est la contrebasse. Il y a quelques noms différents. Vous pouvez l'appeler la contrebasse, vous pouvez l'appeler la, vous pouvez simplement l'appeler base. Il peut être abrégé en dB pour la contrebasse. Ou parfois, vous verrez quelque chose comme du violoncelle, ou des choses bizarres comme ça. Dans les partitions modernes, nous l'appelons soit la contrebasse, soit la base. D'accord, mais j'ai dit qu'il y avait cinq portées. C'est parce que la section de la violence est divisée en deux. Dans n'importe quelle musique d'orchestre, vous avez le violon un, violon deux, puis l' alto, le violoncelle et la basse. Vous avez donc deux fois plus de violence que pour tous les autres instruments. Vous avez peut-être un orchestre typique. Vous pourriez avoir, disons, dix personnes jouant du violon, 110 personnes jouant du violon, dix personnes jouant de l'alto, dix personnes jouant du violoncelle et dix personnes jouant de la basse. Pas vraiment comme probablement cinq personnes qui jouent de la basse, dans ce cas. Les sections de base sont un peu plus petites que les autres. Et la section de la violence, il y en a 12. Maintenant, cela ne signifie pas qu'il faut écrire un violon et un violon en deux parties. Il est très courant et le plus courant de le faire. Mais si vous voulez les écrire à l'unisson, en jouant la même chose, vous ne pouvez pas le faire, mais vous devez aussi avoir un violon et violent, sur deux états différents. Ce sont les instruments de la section à cordes. Il est maintenant important de savoir qu'il y a d'autres cordes dans l'orchestre. Mais quand on parle des cordes d'orchestre, ce sont ces cinq instruments. Les autres cordes peuvent être considérées comme une harpe. Mais la harpe ne fait pas partie de la famille des cordes. C'est différent, c'est sa propre famille. Le piano est parfois considéré comme un instrument à cordes car c'est le moyen de faire du son, c'est des cordes vibrantes. Vous les frappez avec de minuscules marteaux. Mais il ne fait pas partie de la section chaîne. Il y a des instruments bizarres ou percussions qui ont des cordes. Et puis il y a instruments d'orchestre non standard, des guitares. guitares, même lorsque les guitares sont utilisées dans un orchestre, elles ne sont pas considérées comme faisant partie de la famille des cordes. Ils vont dans une autre famille. Je devrais regarder là où ils sont assis dans la partition, mais je pense qu'ils sont probablement agglés avec ou près de la harpe et du piano. Ensuite, tout autre chose comme le banjo, la mandoline. Je pourrais aller en ukulélé. Si elles sont utilisées, elles ne sont pas considérées comme faisant partie de la chaîne. La famille des cordes orchestrales. Famille de cordes d'orchestres. Ce ne sont que ces quatre instruments. Violon, violoncelle, alto, mauvais ordre et base. Cool. Ok, maintenant, parlons quelques problèmes ne sont pas des problèmes, mais quelques choses que vous devez prendre en compte lorsque vous écrivez pour la famille des cordes. C'est vrai pour tous. Ensuite, nous aborderons des choses uniques. 22. Les boulages: L'une des choses les plus importantes que nous rencontrons lorsque nous écrivons pour des cordes orchestrales est celle de Boeing. C'est un problème que j'ai entendu. Différentes personnes disent des choses différentes à ce sujet. Et c'est un peu une question d' opinion, en fait. Oui, c'est un peu une question d'opinion, donc je vais vous donner mon avis sur cette question. Et le problème lui-même est écrivez-vous des Boeing ou laissez-vous le joueur écrire ses propres bowings ? Voici ce que je veux dire. Si les Boeings d' un instrument sont la façon dont ils montent et descendent. Et si jamais vous regardez la performance d'un orchestre, vous le savez, vous remarquerez que la plupart du temps, comme tout le monde dans la section cordes, tous les membres de la section Violence, leurs arcs montent et descendent en même temps, c'est comme quand l'un monte, l'autre, ils montent tous et quand l'un descend, ils descendent tous. Il est très rare qu' ils fassent des hauts et des bas différents. Maintenant aussi, là où ils ont changé direction peuvent avoir de l'importance, comme si vous dites à un joueur de cordes, à un violon , de maintenir une note pendant dix barres, il doit à un moment donné changer de direction et cela fait un son. Vous pouvez leur demander de chanceler cela, ce qui signifie que tout le monde le fait à des moments différents où nous n'entendons pas cela. Mais ils vont souvent vouloir tout faire en même temps. Alors, quand cela arrive, où font-ils cela ? Ce sont toutes des questions Boeing. Des questions sur Boeing. Vous pouvez donc écrire dans Boeing et beaucoup de gens y écrivent des Boeing. Il existe certaines conventions de notation pour écrire les Boeing dans votre partition. À mon avis, si vous travaillez avec un orchestre professionnel, vous devriez le noter, n'est-ce pas ? Chez Boeing, il y a des gens qui aiment lire vos Boeings et il y a gens qui vont jeter vos Boeing entièrement parce qu'ils veulent les faire eux-mêmes. Et c'est très bien parce qu'ils sont probablement meilleurs. Sauf si vous êtes un joueur de cordes. N'écrivez pas Boeing. Si vous jouez très bien ces instruments et que vous comprenez vraiment ce qu'il faut, alors vous pourriez écrire les Boeings. Mais laissez-moi vous montrer ici encore cette pièce orchestrale. Vous pouvez voir ici, voir toutes ces marques de crayon dessus. Toutes ces choses sont celles de Boeing parce que j'ai abandonné Boeing pour la plupart. Il n'y a pas d'arc. Ouah, il y en a quelques-uns. J'en ai écrit quelques-uns où c'était vraiment important ce que je voulais. Mais pour la plupart, ce qui se passe, c'est qu'ils obtiennent le rôle sans Boeing dessus. Le chef de section, le responsable de l'ensemble de la section. Le meilleur joueur s'assoit généralement et écrit tous les Boeings et décide de ce qu'ils vont être. Ce n'est pas quelque chose dont vous devez vraiment vous inquiéter. Vous pouvez ignorer l'écriture de Boeing si vous le souhaitez. Ou vous pouvez les écrire et ensuite demander au joueur Voulez-vous que mes Boeing ne veulent pas de mon Boeing ? La plupart du temps, ils ne voudront pas de votre Boeing. Peut-être que si vous travaillez avec un collège ou un orchestre amateur, ils en voudront peut-être parce qu'ils n'ont pas temps d'écrire dans leurs propres boings. Mais avec des groupes professionnels, j'ai entendu dire, n' écrivez pas Boeing, laissez-les écrire leurs propres bowings. Ok, donc c'est bien parce que vous savez, c'est une chose de moins que vous devez vous inquiéter et apprendre comment cela fonctionne. Mais tous ces instruments, tous ces quatre instruments, utilisent un arc. À moins qu'ils n'utilisent le pizzicato, dont nous parlerons ensuite. Mais quand ils sont Boeing, ils doivent avoir une indication du moment où ils montent et quand ils descendent. Et c'est ce qui crée un son unifié. Laissez-les comprendre cela. Ne vous inquiétez pas d'écrire mon opinion de Boeing, mais c'est universellement vrai. Je pense. 23. Pizzicato: Pizzicato. Vous pouvez à tout moment leur demander de jouer au pizzicato, vous écrivez généralement la période P IZZ. Ou vous pouvez écrire le mot en entier si vous voulez être fantaisiste. Mettez-le en italique. Et ça veut dire pizzicato. Pizzicato signifie qu'ils ont baissé leur arc et ils jouent comme ça. Si vous n'avez regardé aucun de mes autres cours, vous ne le savez pas, mais je ne suis pas violoniste. Quand je joue bizarrement sur deux notes. C'est pourquoi j' ai un violon et je peux faire quelques choses dessus, mais je l' utilise à des fins d'enregistrement. Je ne suis pas compétent en aucune façon, mais je sais comment le tenir. quelque sorte. Pizzicato signifie qu'ils jouent avec leur doigt, en fait du côté de leur doigt. Et vous obtenez ces fosses plongées, des notes. Parfaitement génial aussi, non ? Il y a deux choses à prendre en compte lorsque vous l'écrivez. D'abord. C'est très important. Chaque fois que vous allumez Pizzicato. Pizzicato est l'une de ces choses que vous allumez en écrivant des stands. Cela signifie qu'ils vont passer aux fosses. Vous devez également l'éteindre. Alors passez en revue vos scores et vous devez toujours vous assurer que si vous lui avez dit de faire quelque chose de différent, vous devez l'annuler. À un moment donné. Vous éteignez Pizzicato en disant, revenez à utiliser votre bot. Et ce que nous faisons, c'est avec le mot Arco. Arc. Arco veut dire retourner à ton bateau. Si vous allumez les fosses en disant « puits », vous devez l' éteindre en disant « Arco ». Maintenant, une autre chose importante est que le fait d'aller entre Arco et Pitts n'est pas instantanément. Ils ne peuvent pas jouer comme ça. Ensuite, soyez instantanément des fosses. Ils ont besoin d'un ou deux battements pour partir. Ils peuvent faire quelques notes en allant comme ça. Pas comme une 16e note alternant entre Arco et puits. Vous ne pouvez tout simplement pas faire ça. Ils ne peuvent pas négocier le bot. S'ils veulent faire une longue section de fosses, plus de quelques notes qu'ils vont vouloir mettre leur arc sur leurs genoux. Sortez, baissez leur arc, montez. Il faut leur donner deux ou trois secondes pour le faire. Chaque fois que vous passez d'une fosse à l'arco, essayez toujours de leur donner deux ou trois battements pour gérer leur arc. Lorsque vous l'éteignez avec Arco, vous devez également leur donner quelques battements pour choisir leur sauvegarde d'arc, préparer leur position, puis la frapper. Si vous leur demandez de le faire très rapidement, ils vont probablement le faire , ils essaieront. Mais il se peut qu'il n'y ait pas la meilleure position, ils ne sont peut-être pas à l'aise. Ils risquent de toucher le nœud hors d'accord. C'est juste demander beaucoup. Donnez-leur toujours quelques battements pour basculer entre les deux. Dernière chose sur pizzicato, ils n'utilisent généralement qu' un seul doigt pour pizzicato. Ce n'est pas comme jouer la guitare à doigts où vous allez comme mec, vous utilisez trois ou parfois quatre doigts sur les différentes cordes et vous pouvez faire comme des trucs de trémolo. Ce n'est pas comme ça que cela fonctionne. Il s'agit généralement d'un doigt et il va de côté. C'est comme ça. Voyons à quelle vitesse je peux le faire. C'est aussi vite que je peux y aller. Je ne suis pas un joueur professionnel, mais il y a de la physique en jeu. Vous ne pouvez donc pas aller beaucoup plus vite que ça. Vous devez, vous ne pouvez pas écrire énormes tronçons de 16e notes qui vont TTT, TTT, TTT, ou pire encore sur le fait de ne pas répéter des notes faisant des échelles et des trucs. Vous pouvez écrire des échelles et des trucs sur pizzicato, mais ça ne peut pas être extrêmement rapide. Là. Ils n'utilisent qu'un seul doigt. Alors n'y pensez pas comme une guitare à doigts. Pensez-y comme ça. Cela étant dit. Une autre chose qui vient avec cela, c'est qu'ils ne peuvent pas le faire éternellement. Nous devons donc penser à la fatigue. Parlons donc de fatigue. 24. Fatigue: Maintenant, lorsque nous parlerons des vents, nous allons finir par parler beaucoup de souffle. Lorsque vous jouez d'un instrument à vent, vous devez réfléchir à l'endroit où ils vont respirer. Parce que si vous ne les donnez nulle part où respirer , ils mourront. Et il est généralement mal vu dans le monde de l'orchestre de tuer les vents ou les cuivres. Vous n'avez pas vraiment envie de le faire. Les joueurs de cordes. D'un autre côté, vous pouvez tuer toute la journée. Non, je vais juste le faire, les joueurs de cordes n'ont pas besoin de respirer pendant qu'ils le font, mais ils peuvent respirer pendant qu'ils jouent. Vous n'avez pas besoin de négocier comment ils respirent pour eux. Leur bouche et leur nez sont libres de respirer à leur guise. Cependant, la fatigue est similaire à la respiration que nous devons faire face aux cordes. Vous devez y penser. Je retourne à Pizzicato. C'est comme si je devais faire ça, disons que je faisais ça plus vite. Et j'ai écrit 100 barres pour faire ça. Ce n'est pas bon. Ils vont mourir. Je ne meurs pas. J'ai vraiment besoin de sortir les références de la mort de cette classe. Il fait un peu sombre. On ne parle plus de tuer qui que ce soit. Ils vont être en colère. Et dans la douleur. En règle générale, si les interprètes sont en colère ou souffrent, ils ne voudront pas beaucoup jouer votre musique. Donnez-leur l'occasion se reposer si vous voulez qu'ils fassent quelque chose pendant très longtemps, vous devez penser à la fatigue du joueur. trémolo est une autre chose que cela arrive beaucoup. J'ai été crié dessus quelques fois où j'ai écrit une grosse section de trémolo. Donc, le trémolo est un peu comme un rôle sur un tambour. Mais le trémolo serait comme, regardez mon bras, regardez mon bras droit. Ça devient fatigant. C'est vraiment fatigant. Donc, si vous écrivez une section où ils vont faire ça pour 100 bars, ce qui va probablement arriver , c'est qu'ils vont trouver comment le chanceler. Ce qui signifie que certains vont se reposer pendant quelques barres pendant que certains jouent à la clé, puis ceux-ci vont se reposer. Et ils vont s'éteindre, ce qui signifie que vous allez perdre du son. Vous pouvez le faire. Vous pouvez faire face à la perte d' une partie de ce son. Mais il vaudrait mieux essayer de contourner ça. Si vous pouvez écrire dans certains restes, c'est mieux. Il faut penser à des choses répétées faites depuis très longtemps. Surtout, le trémolo et Pitts devient très dur, on pense surtout au bras droit. C'est là que la fatigue entre vraiment en jeu. Là, la main gauche tourne autour de la touche. Ils sont habitués à faire ça toute la nuit. Ce n'est pas quelque chose auquel nous devons penser. Il s'agit plutôt de choses répétitives dans la main droite depuis très longtemps. C'est de la fatigue. Une chose intéressante à propos de la fatigue est que si vous n' écrivez pas pour des humains acoustiques, et que vous écrivez simplement pour un orchestre synthétique. La fatigue est quelque chose que vous ne pouvez pas y penser très confortablement. Mais c'est une de ces choses problématiques où si vous écrivez entièrement pour des cordes acoustiques ou synthétiques échantillonnées et décidez, hé, cela s'est avéré vraiment cool. Je vais le déplacer. Je vais faire les parties engager un orchestre ou quelque chose comme ça et faire un enregistrement acoustique de cela. Cela peut vraiment vous causer des ennuis parce que c'est l'une de ces choses. C'est tellement facile à faire sur un ordinateur qu'une section des chaînes humaines a vraiment du mal à faire. Ce sont les types de choses auxquelles nous devons réfléchir. Parlons de doubles arrêts. 25. Plusieurs arrêts: Ok, les doubles arrêts sont le terme que nous utilisons lorsque la corde joue plusieurs notes en même temps. Comme ça. Je viens de jouer pour ouvrir des cordes en même temps. Cool. Quelques choses à savoir sur les doubles arrêts. Ils ne sont pas la norme. Donc, lorsque vous écrivez pour violon, vous ne voulez pas écrire des doubles arrêts tout le temps. Encore une fois, le violon, toute cette section de cordes, ne sont pas des guitares. Les guitares peuvent faire beaucoup avec plusieurs cordes en même temps. Ils ne peuvent pas, ils peuvent faire deux ou trois choses. Ils peuvent jouer deux notes à la fois ici et là, et c'est cool. Mais utilisez-le à peu près. Également. Parlons de plus que de deux arrêts car cela vaut la peine d'être mentionné. Vous pouvez jouer deux notes à la fois, mais trois nœuds à la fois sont possibles, mais très rares en musique d' orchestre. C'est également très rare en musique solo pour les cordes. Mais une musique d'orchestre très, très, très rare. Ne faites pas ça. Essentiellement. Vous pouvez voir que le violon et tous les instruments à cordes de la famille de l'orchestre, ce n'est pas une touche plate comme sur une guitare. Il est arrondi. Si vous allez jouer deux notes à la fois, vous pouvez réellement saisir deux notes à la fois. Ce n'est pas impossible. Mais si vous voulez prendre trois notes à la fois, ce que vous devez faire à cause de l'arche de la touche. Vous devez aller au milieu de la corde qui se trouve au milieu. Il faut le pousser suffisamment vers le bas pour attraper les deux cordes de l'autre côté. Voyons si je peux le faire. Je peux le faire. Quelques choses à ce sujet. Encore une fois, super rare, ne faites pas ça. Si vous devez le faire pour une raison folle, vous devez le faire fort, comme ça, parce que vous devez tellement y pousser. Tu ne peux pas écrire ça tranquille. Ce n'est pas quelque chose qui peut être fait tranquillement. Il faut que ce soit fort. Si vous voulez écrire ça. Pour les notes à la fois, nous n'avons que quatre chaînes, donc quatre sont le maximum. Si vous écrivez pour des notes à la fois, ils vont les rouler. Cela veut dire ça. Si je devais écrire, jouer les quatre cordes ouvertes, je ne peux pas vraiment, je ne peux pas trop pousser sur mes deux cordes du milieu pour obtenir les quatre. Comme je ne peux tout simplement pas. Ce que vous allez entendre, c'est ça. Vous allez l'entendre rouler comme ça. Si vous écrivez pour des notes, ça va être roulé. Ne faites pas ça. Ensuite, je veux des arrêts doubles. Il faut penser aux doigtés. C'est très, très important. Revenons à deux notes à la fois. deux notes que vous faites sont très importantes car c'est peut-être quelque chose de très facile et cela peut être très difficile. N'oubliez pas que les cordes sont accordées ici en cinquièmes, pas appliquées comme à la guitare. Donc, si vous pensez, oh, c'est quelque chose qui est facile à faire à la guitare. Cela devrait donc être facile à faire avec la myéline, ce n'est pas forcément vrai. Donc, tester vos doigtés sur une guitare ne fonctionnera pas toujours. une chose courante que j'ai vu faire des gens. Et il y a deux raisons à cela. première est que les cordes sont réglées différemment comme je viens de le mentionner. Mais il y a une autre raison de le faire. Sur une guitare, nous planifions comme ça, comme voir la position de mon poignet, ça monte tout droit. Et puis j'ai un mouvement maximum ici. Et le violon, c'est ce que nous faisons. est ce que c'est ma main. C'est un angle très différent. Quelque chose comme un tiers majeur sur une guitare, c'est cette forme. C'est très facile à faire. Mais au violon, une fois que j'ai eu l'angle, c'est fou, gênant, c'est super douloureux et bizarre. Mais devinez quoi ? Ce n'est pas un tiers mineur. De toute façon, la Terre est sur un troisième majeur, parce que nous sommes réglés différemment, mais cette forme ne fonctionne vraiment pas. Comment savez-vous quels sont les doubles arrêts que vous pouvez faire ? Comment jouer deux notes à la fois ? La meilleure façon de savoir avec certitude que j'ai trouvé au fil des ans est de trouver un violoniste. Dites simplement, hé, si j' écris ces deux notes à fois dans ce genre de rythme, pouvez-vous le faire ? Et ils vous tireront dessus. Oui. C'est facile. Sont oui. Je peux le faire, mais c'est dur ou je ne peux pas le faire. C'est la meilleure façon de savoir, c'est simplement demander à un joueur de cordes. La deuxième meilleure façon est de le comprendre. Dessinez un cou de violon et posez vos doigts dessus, tenez-le comme ça. Et puis voyez si vous pouvez négocier ces notes. Vous pouvez trouver des tableaux indiquant où se trouvent les notes sur la touche, ou pas une frette sur la touche. Et vous pouvez trouver ces notes et voir à quel point cela va être difficile. Mais encore une fois, pour la musique d'orchestre, il n'est très souvent pas nécessaire d'écrire des doubles arrêts. Vous pouvez généralement diviser cette section. Vous pouvez utiliser votre premier second violon et donner un nœud note 211 à l'autre, puis vous obtenez un son bien meilleur car ils peuvent frapper cette note avec plus de précision et ils n' ont pas à trouver. le double stop. La plupart du temps. Presque tout le temps. Les cordes de l'orchestre jouent toutes une note à la fois. Toutes les règles pour les doubles arrêts que je viens de dire appliquaient à tous les instruments à cordes, sauf les bases ce que je pense maintenant, je ne pense pas avoir vraiment vu de doubles arrêts écrits dans la base. Très, très rare d'écrire des doubles arrêts pour la base. Je ne pense pas qu'ils sonneraient très bien. J'y réfléchis. Doubles arrêts. Triple stop, plusieurs arrêts. Vous y allez. 26. Le violon : plage et son: Parlons du violon. Plus précisément. Pour chacune de ces sections sur les quatre instruments. J'ai vraiment envie de parler de leur portée et quelques aspects généraux de leur son. Nous parlerons davantage de techniques bizarres. À la fin de cette section. Avec tous les instruments, nous allons parler leur plage allant de la note la plus basse qu'ils peuvent jouer à la note la plus élevée qu'ils peuvent jouer. Mais avec les instruments à cordes, il est particulièrement important de penser quelque peu à la plage de chaque corde. C'est pourquoi je veux vous montrer ce tableau ici. Il s'agit d'un graphique que vous verrez pour n'importe quel instrument à cordes, vous verrez ces cartes partout. Il s'agit d'une question assez conservatrice. Les cordes ouvertes sont G, D, A, E de la violence. C'est g2, G3, désolé, G2, D3, A3 et E4. Donc la note la plus basse est G. C'est fini à moins que vous ne fassiez un bizarre comme leur demander de réaccorder, nous en parlerons plus bientôt. La réponse courte est de ne pas faire cela, mais c'est possible. Toutes choses étant égales, cela a commencé note la plus basse et c'est fini. C'est la note la plus basse. C'est le plus bas qu'ils puissent planter. Les notes supérieures sont moins finies. Cette fourchette est assez conservatrice. , la raison pour Donc, la raison pour laquelle je dis que c' est conservateur, c'est comme ça. Mais il y a un peu plus de notes qui se rapprochent vraiment là-haut. Donc pour jouer là-haut, il faut un peu meilleur joueur. En allant jusqu'à ça, je dirais que si vous avez affaire à un orchestre professionnel, c'est vous avez affaire à un orchestre professionnel, tout à fait très bien. Et vous pouvez probablement atteindre peut-être même un cinquième plus haut. Vous pouvez probablement aller jusqu' à ce d, juste en grinçant ces nœuds en haut ici. Mais si vous travaillez avec un orchestre plus amateur ou peut-être un orchestre universitaire ou même un orchestre secondaire ou un orchestre de lycée. Restez à cette portée et vous serez en sécurité. Vous pouvez cependant ajouter quelques notes supplémentaires en plus de cela. Et c'est vrai pour toutes les cordes. C'est pourquoi je l'ai fait ici. Quand on regarde la gamme supérieure absolue du violon, c'est un peu feuillu. Ce E ici est conservateur. C'est ça qui grince ici. Mais vous pouvez grignoter jusqu'à ce nœud. Qu'est-ce que c'est ? E, F, G, A, B, B. Vous pourriez même augmenter quelques notes si vous travaillez avec un groupe professionnel. La portée de l' instrument est ce G, jusqu'à être ish ? Mais gardez à l'esprit si vous écrivez des passages rapides, si vous êtes comme déchirer des notes très rapidement, faites du bleu. Vous ne voulez pas aller dans ce genre de zones virtuosiques parce qu'il va être impossible pour eux d'y arriver, n'est-ce pas ? Cela dépend donc aussi de ce que vous faites. Voici un autre exemple. Si vous voulez vraiment obtenir cette façon sûre de le faire , ce serait de vous y rendre à une échelle. Si vous êtes juste en train de monter DDD, faites 22222, alors beaucoup de gens peuvent le frapper. Mais si vous partez d'ici, et que vous dites, maintenant je veux que vous saisissiez ça c'est comme ici. Et c'est un saut pour y arriver. Il va être très difficile pour eux d'atterrir sur cette note avec précision. Donc, la façon dont vous l'abordez est importante. Parlons maintenant du son des cordes. Les cordes deviennent plus brillantes au fur et à mesure que vous montez. La chaîne G a un son un peu plus sombre, et la corde E est la corde la plus brillante. Le D est donc un peu plus lumineux que g. Le a est un peu plus lumineux que D, et le E est plus lumineux que A. Maintenant, c' est important parce que vous remarquerez qu'il y a un certain chevauchement dans les notes. Supposons que vous ayez écrit une mélodie qui alternait juste de B à C, directement sur le bâton ici. Donc, si vous vouliez qu'il ait un son plus sombre, vous pouvez spécifier qu' il sera lu sur la chaîne D plutôt que sur la chaîne A. Il y a une notation pour cela. Vous pouvez soit écrire l'unique SQL Soul De, comme sur le D, soit écrire d en cercle, dirait jouer ceci sur la chaîne D si je me souviens bien. Vous pourriez, si vous vouliez que ce soit un peu bizarre, préciser que nous jouons ça sur la chaîne G. Ça va les amener à jouer ici en faisant ça. Mais s'ils passent simplement de B à C en alternance comme ça, cela peut très facilement se faire, relativement facilement. En fait, ça va être très haut. L'intonation peut ne pas être géniale si vous leur demandez de le faire sur la chaîne G parce qu'elle est si élevée. Mais il va avoir un son plus sombre. Cette intonation, intonation signifie qu'elle est peut-être un peu déconnectée. Mais si c'est le genre de son effrayant que vous voulez, cela pourrait être un bon effet. Je leur demande de jouer ça sur la corde G. Vous pouvez spécifier la chaîne à jouer. Chaque note sur. Est-ce que tu fais ça ? Non. Vous ne devez pas spécifier les notes sur lesquelles jouer les cordes. Faites-le seulement. Dans les cas où vous voulez un son très spécifique. Comme dans un cas comme celui où vous avez deux notes. Il peut être joué sur de nombreuses cordes, pratiquement toutes les notes, sauf la plus basse et la plus haute, peuvent être jouées à plusieurs endroits sur un instrument à cordes. Donc, si vous voulez un son très spécifique, vous pouvez spécifier sur quelle chaîne la jouer et rappelez-vous que plus la corde est basse, plus ce son est sombre. Oui. Je pense que c'est tout ce que je voulais couvrir ici. Juste une sorte de plage et que les différences dans la corde sonnent. Passons en revue le reste des instruments et parlons d'eux aussi. 27. Le viola : plage et son: Ok, l'alto, c'est un peu comme le violon. C'est juste un peu plus grand, violent. Quelques choses importantes avec l'alto. Probablement la chose la plus délicate, eh bien, pas la chose la plus délicate à écrire pour Viola. L'une des choses délicates dans l'écriture pour alto est qu'elle utilise une clef alto. C'est ce symbole. La plupart des instruments d'orchestre utilisent une clé de trouble ou de basse. C'est l'un ou l'autre bizarre. Y a-t-il d'autres qui utilisent la clef alto ? Il y en a qui peuvent plonger dans la clef alto. Mais c'est le seul qui préfère généralement la clef alto. Tu devrais toujours écrire alto dans la clef alto. À moins que vous ne montiez très haut et que vous restiez très haut pendant un certain temps. Au moins trois ou quatre barres. Dans ce cas, vous pouvez passer temporairement à la clef des aigus. Mais c'est par défaut la clef alto. Si vous ne vous souvenez pas de la clef alto, de la façon dont nous lisons la clef alto, le genre de chose facile à retenir est ce petit squiggle ici embrasse la ligne, c' est le pitch C. Ceci, le milieu la ligne est maintenant C plus un étrange, mais ce n'est pas seulement un demi-pas. C'est un demi-pas dans une octave. Donc cette note est C, et ce nœud qui ressemble à B, si nous étions dans une clef aiguës est un C maintenant, plus une octave inférieure à ce qu'il n'y paraît. C'est un peu délicat. C'est C2, c'est C4. Cela dit, voici comment l'alto est réglé, C, G, D. Donc, encore une fois, c'est plus lent qu'un violon. La même chose s'applique aux chaînes, donc nous avons un chevauchement. C'est encore un peu conservateur. Cette gamme, je dirais, est une excellente gamme pour votre orchestre universitaire moyen. Si vous écrivez pour un orchestre professionnel, vous pourriez augmenter un autre tiers. Quatrième. Soyez toujours en sécurité. Il y a leurs cordes. Encore une fois, vous pouvez voir que nous avons sauté sur une clef aiguës ici juste pour la raison que nous pourrions le faire est parce que si vous ne faites pas cela, vous allez lire une tonne de lignes de grand livre pendant longtemps. Et les altos n' aiment pas faire ça. Ils préféreraient que vous passiez à la clef des aigus si vous allez rester dans les lignes du grand livre pendant un certain temps, ils peuvent aller jusqu'à la mer. Est une gamme professionnelle, est un, est la gamme la plus conservatrice. Cela, j'ai vu des altos monter un peu plus haut, mais c'est le, c' est une bonne portée là-bas. Je ne sais pas exactement ce que cette tension signifie dans ce graphique. Je pense que cela signifie simplement que le son va devenir un peu plus étrange. Il va y avoir plus d' attention. C'est un ton un peu moins souhaitable lorsque vous montez ici sur ces cordes. Mais encore une fois, ce que nous avons dit au sujet du violon est également vrai. Les cordes inférieures ont un ton plus foncé pour elles. On pourrait dire que c'est plus sombre. Vous pouvez utiliser la même notation que la soul G et leur dire de jouer sur la chaîne G. Quelque chose qui pourrait être joué à plusieurs endroits. Vous pouvez spécifier le plan de force si vous le souhaitez. Je pense que c'est tout ce que j'ai besoin de dire à propos de l'alto. Le ton général de l'alto, parce qu'il est plus bas que le violon, est un peu plus sombre que le violon. Lorsque vous écrivez pour Viola, pensez à quelque chose qui pourrait être écrit sur le violon ou l'alto si vous voulez un son plus sombre, envisagez de le donner aux altos pour deux raisons. Premièrement, il vous donne ce son un peu plus sombre. Et deux, et c'est quelque chose que j'essaie d'éviter de faire, mais de parler brièvement de la psychologie du joueur, altos et de l'orchestre. Je n'ai pas beaucoup d'amour. Ils n'ont pas ces énormes solos romantiques que reçoivent les violons. Donnez-leur un solo romantique énorme. temps en temps. Ils vont adorer jouer votre musique. Juste quelque chose à considérer. Passons aux eaux peu profondes. 28. Le chant, la plage et le son: Parlons du Cielo. Cielo est comme le violon, mais encore plus grand. Une chose intéressante à propos du violoncelle est que le positionnement de la main est différent. Au violon et à l'alto, vous jouez comme ça, ce qui signifie que vous avez cette chose où votre main est coincée latéralement comme ça, ce qui limite quelque peu votre portée. Sur un violoncelle, vous jouez comme ça. Votre main a donc un peu plus de liberté pour se déplacer. Cela rend possible des intervalles plus importants. Différents doubles arrêts, quelque chose comme ça à considérer. Je ne veux pas trop m'intéresser à ça en ce moment. Examinons la gamme. Je n'ai pas trouvé le même graphique de toutes les chaînes, mais cela montre essentiellement les mêmes choses. Cielo a donc été écrit en clef de basse. La note la plus basse est C. C au-dessous de la portée de la clef basse. On peut penser que la plage de la première chaîne est conservatrice de deux octaves. Jusqu'à cela, voyez que c'est assez conservateur. Je suis une gamme professionnelle. Je vais jusqu'à ce G sur la première corde. Non pas ça, c'est quelque chose auquel vous devez vraiment penser , c'est la plage de chaque chaîne. À moins que vous ne souhaitiez spécifier que quelque chose doit être joué sur une chaîne spécifique. Sinon, vous pouvez simplement penser que la note la plus basse est C. Le nœud le plus élevé ressemble à la plage B ici. Mais il est important de garder à l'esprit ce que sont des chaînes ouvertes. C est donc notre première chaîne ouverte. Notre deuxième chaîne ouverte est cette G. chaîne ouverte suivante est d. Cette chaîne ouverte suivante est d. Notre prochaine chaîne ouverte. Est-ce que c'est juste ici ? Encore une fois, pour la plage, pensez à deux octaves en haut, la corde est assez conservatrice. 2.5, pousser 3,52 est une bonne gamme professionnelle pour chaque corde. Comme tous les instruments à cordes, la note la plus élevée est discutable car le joueur professionnel peut tirer quelques notes de plus que celle d'un joueur amateur. Mais sur ce haut, une corde, ici nous avons E, F, c'est plutôt haut. Vous pourriez certainement redresser quelques notes supplémentaires, mais cette plage E F est assez élevée. Maintenant, remarquez que nous sommes passés à la clef aiguës ici, donc nous sommes vraiment hauts. C'est comme si c' était assez haut. En parlant de classe, vous remarquerez que nous avons changé deux fois. Ici. Nous passons à ce qui ressemble à une clef alto, mais ce n'est pas parce que c'est deux lignes ici, c'est deux notes plus haut, non ? C'est-à-dire que nous appellerions cette clef ténor. Encore une fois, rappelez-vous que le petit crochet du milieu ici transforme cette ligne en C. Maintenant, qu'est-ce qu'un ? D est maintenant un C avec cette clef. Si c'est D, l' espace suivant est E. Et ensuite, ouops, désolé, si ce nœud est C, l'espace suivant est d. Et ensuite cette note est un E, donc E, F, G, A, B. Et ensuite nous passons à une clef aigus. Voyez-les, cette note est une demi-étape sous cette note. Commutation de fentes. Maintenant, vous n'avez pas besoin d' utiliser je ne le fais pas. C'est peut-être discutable. Je ne pense pas que vous ayez souvent besoin d'utiliser une clef ténor pour violoncelle . Vous pouvez écrire une clef basse. Si vous passez à la clef des aigus, ça ressemblerait à un saut d'octave, mais c'est un peu ce que je fais. Je pense que la plupart du temps, j'écris pour basse clef. Et si nous sommes vraiment défoncés pendant longtemps, je passerai à la clef des aigus. Si la pièce finit par être dans un tas de lignes comptables et de clef basse pendant une période prolongée. Je vais passer à la clef aiguës, mais je pense que j'évite la clef ténor, peut-être que ce n'est pas correct, mais c'est ce que je fais. Les violoncellistes peuvent lire très bien la clef basse et la clef des aigus. Ils peuvent probablement lire très bien la clef ténor aussi. Mais je peux lire la clef ténor moins bonne que la clef aiguës. Je suis beaucoup plus à Brian enclin à changer la clef des aigus. Cordes. Toujours vrai si quelque chose se trouve sur une chaîne inférieure est plus sombre que sur une chaîne supérieure. Je prendrai une note spéciale avec le violoncelle sur la gamme supérieure du violoncelle. Ici, dans cette gamme c'est vraiment un endroit idéal pour écrire n'importe quel genre de trucs soliste. En fait, tout ce genre de clef ténor a mordu ici. C'est vraiment lyrique et j'adore écrire pour violoncelle. Vous ne voulez pas le faire toute la journée parce que vous passez à côté du très beau son bas de gamme du violoncelle. Mais si je suis d' écrire un solo C'est pour n'importe laquelle des cordes, c'est un peu mon premier choix, c'est que je peux l'écrire dans la partie supérieure du violoncelle ? Parce que c'est juste lyrique et magnifique, fortement recommandé. Bon, passons à la base. 29. La basse (contrabass) : plage et son: Parlons de la base. La base a quelques choses qui fonctionnent un peu différemment. En ce qui concerne la position de la main. Nous avons parlé de violons comme celui-ci. Le violoncelle se passe comme ça. La base, un peu comme ça, sauf que la base est aussi grande qu'une personne. Vous êtes debout à côté. Et c'est ce que tu fais. Les notes sont beaucoup plus éloignées. Les cordes sont beaucoup plus lourdes. Il faut plus de puissance pour s'incliner. C'est donc un peu moins habile qu'un violon. Cependant, un joueur professionnel peut faire des choses vraiment incroyables. Le réglage de la base est un peu différent des autres cordes que nous avons examinées. Les autres cordes ont été accordées en cinquièmes. Violence G, D, a, E. Chaque note se situe au cinquième rang. La base est réglée en quatrièmes. En d'autres termes, la base est réglée de la même manière qu'une guitare basse est réglée. Appliquer. La note la plus basse est E. C'est notre chaîne la plus basse. Open est la note suivante, D est la note suivante est la troisième chaîne et g est la bande la plus haute. Dès que l'application est appliquée. Un peu différent des autres instruments à cordes. Rien à vous inquiéter trop pour chaque corde. Si vous pensez que deux octaves d' une plage qui reste vraie, cela peut être un peu plus élevé que cela. Sont la note la plus haute. Il va probablement être D ou E, peut-être un F au-dessus de la portée de la clé basse. Cette première ligne de grand livre en E serait de deux lignes de grand livre au-dessus de la portée de la clé de basse. Cette portée générale, c'est assez haut. Et pour être honnête, ce n'est pas un bon ton si vous voulez écrire quelque chose dans la gamme donnée au violoncelle, cela aura l'air génial. Si vous voulez que la base soit là-haut. C'est très bien, mais ce n'est pas un bon ton. La véritable puissance de la base est sa portée moyenne et basse. C'est là que nous obtenons le, la base. Maintenant, il y a une légère flexibilité sur le bas de la base. Cela est unique à la base n'est pas quelque chose que n'importe quelle autre corde d' orchestre ne fait. Dans un orchestre professionnel, il est courant à ce stade d' avoir un certain nombre de personnes dans la section basse, au moins probablement la moitié des bassistes, d'avoir une adaptation spéciale sur leur comme littéralement un mécanisme qui leur permet de descendre jusqu'à un C. Si vous imaginez que, là où se trouve ce e, que E est la première ligne du grand livre sous la portée de la clé de basse. Nous pouvons descendre jusqu'à un C, qui est la deuxième ligne du grand livre sous la portée de la clef basse. Ce petit mécanisme s' appelle une extension C. On dirait ça. D'accord. prochaine fois que vous regarderez jouer un orchestre, regardez les bases et voyez si vous voyez ce genre de sondage sortir du haut de la base, ils ne l'auront pas tous. Mais ce que cela fait, c' est juste, c'est juste littéralement, c'est comme un poteau qui prolonge la longueur de la corde qui la laisse aller jusqu'à voir. Ce que font ces petits leviers, c'est de les laisser jouer des notes là-bas. S'ils ont tous ces éléments, c'est un C. Ils peuvent poser le doigt ici et obtenir un C-pointu ici. Ils peuvent obtenir un D ici, ils peuvent obtenir un D-sharp, et ici ils peuvent obtenir leur ie. Ce sont des cordes basses E. Each . Vous pouvez écrire pour une base jusqu'à un C. Maintenant, si vous écrivez pour un orchestre collégial, il est probablement peu probable que suffisamment de gens aient une il est probablement peu probable que extension C ou peut-être même l' un d' entre eux l' ont fait. a). C'est vraiment un truc d' orchestre professionnel. Si vous écrivez pour un lycée ou un orchestre amateur, je ne compterais pas sur une extension C. Mais si vous écrivez pour un orchestre professionnel, vous pouvez raisonnablement écrire des notes à C. Mais gardez à l'esprit que tous les joueurs ne seront pas en mesure de le frapper. Alors ne prévoyez pas que ce soit comme votre grand moment bas. Vous pouvez compter dans un extra professionnel sur environ la moitié des joueurs ayant une extension C. La façon dont nous écrivons pour cela serait, droite, un C bas, à droite, ce faible C en dessous de la portée de la clef basse. Ensuite, vous pouvez mettre une note, une octave au-dessus, C, puis mettre cette note entre parenthèses. Mais la tête de note met des parenthèses autour de la tête de note. Et ça veut dire que ça veut dire que c'est aussi bas que ça. Voyez si vous l'avez obtenu, si vous ne l'avez pas, jouez la prochaine octave. Je pense que c'est à peu près tout pour la base, vous pouvez spécifier la chaîne si vous le souhaitez. C'est moins courant sur la base parce que nous voulons simplement ce son faible. La différence de timbre entre les cordes est est probablement opinionnée mais moins subtile ou plus subtile pour moi que dans certains autres instruments. Je pense que c'est, en d'autres termes, que je pense qu'il est plus rare de préciser ce que l'on veut. Jeu de cordes. Les entités de basse pour les autres instruments, juste parce que toutes les cordes ont juste une puissance faible pour elles. arrêts doubles et des choses comme ça pour la base. En général, je dirais que je ne fais pas ça. Non pas parce que c'est impossible, mais parce que ça ne sonne pas très bien. La plage dans laquelle la base se trouve dans cette plage basse est que si vous mettez des harmonies là-bas, c'est juste un peu boueux. Vous allez juste créer beaucoup de boue très rapidement. Je devrais mentionner une autre chose au sujet de la transposition. Je vous ai parlé plus tôt à quel point je déteste transposer un. La base est en fait un instrument transposant. Si nous écrivons c'est, la plus basse, la première ligne du grand livre sous la portée de la clé basse. C'est notre corde basse E. C'est là que nous l'écrivons. Mais ce que nous entendons vraiment, c'est une octave en dessous de cela. Nous n'y pensons pas souvent parce qu' il s'agit d'une octave, mais la base est techniquement un instrument transposant parce que la note que nous entendons est différente de la note que nous écrivons. Vous n'avez pas vraiment à penser à cela comme un fait amusant. Je pense que c'est tout. Je pense que c'est tout ce à quoi nous devons vraiment penser avec la base pour l'instant. 30. La section de la chaîne: Une autre chose à propos de la base, écrivez-la toujours dans une clef basse. Il n'est jamais vraiment nécessaire de changer de clefs pour la base. De toute façon. Je voulais dire une chose à propos de la section des cordes ici. Il s'agit d'un commentaire purement éditorial. Ici. Je me souviens de la première fois que j' écrivais une pièce pour orchestre. J'étais à l'université et je suis allé voir mon professeur. Et j'ai dit : OK, j' écris une pièce d'orchestre. Je regardais un gros morceau de papier blanc. Et je me suis dit : Comment puis-je faire ça ? Comment puis-je écrire pour les chaînes ? Il y a tellement de choses que je peux faire. Je peux tout faire. J'ai toutes les couleurs, j'ai tous les sons disponibles dans l'orchestre. Je suppose qu' il ne s'agit pas seulement de cordes, mais tout l'orchestre. Je suis professeur ? Qui était très sage, a dit : Ok, vous pouvez. Il m'a dit : Ok, voici ce à quoi vous devez penser. L'orchestre a évolué au fil des siècles pour devenir un ensemble presque parfait. Ce que cela veut dire, c'est que si vous prenez tous les instruments de l' orchestre et de la nouvelle droite, le C du milieu à la mezzo-forte. Donnez-leur juste une note complète. Et puis ils jouent ça. Ce sera magnifique. Comme ce sera juste ces cordes, les vents, les cuivres, la façon dont tout est mis en place. Si vous les écrivez tous dans le même nœud et dites jouer cette note. Ce sera magnifique car l'ensemble est tout simplement magnifique. Donc, votre travail est essentiellement de ne pas foirer ça. Cela semble beaucoup plus trivial que quand il l'a dit. Mais je pense toujours que c'est vrai et c'est particulièrement vrai avec les cordes. Quand je pense à écrire pour des cordes, je pense vraiment à la façon dont je pourrais écrire beaucoup de choses et ça va bien sonner à cause des cordes qui sonnent bien là-bas, juste cet ensemble riche et luxuriant. Et c'est presque difficile d' écrire quelque chose qui semble vraiment terrible pour eux. Gardez cela à l'esprit lorsque vous écrivez pour des cordes. Laissez-les tranquilles et ils vont être beaux. Il suffit de ne pas foirer ça. 31. Effets de la chaîne: Parlons de ficelle affecte les choses que vous pouvez leur demander de faire. Ce sont des choses autres que de simplement jouer des notes avec le bot. Maintenant, dans un orchestre, vous pouvez demander aux joueurs de faire pratiquement n'importe quoi. Si vous y réfléchissez, une partition n'est qu'une liste élaborée d'instructions. Vous pouvez donc dire, écrasez votre violon sur la tête du joueur de cuivres le plus proche. Vous pouvez le dire. Cependant, cela limitera considérablement le nombre de performances que vous obtiendrez car les orchestres professionnels veulent faire exactement ce que vous avez écrit sur la page. Et s'ils ne peuvent pas le faire, il est peu probable qu'ils y jouent. Ils ne voudront pas faire de compromis et faire autre chose. Donc, si vous écrivez quelque chose comme ça, ils vont dire que mon violon coûte un demi-million de dollars. Le procès qui viendrait du joueur de cuivres coûtera quelques millions de dollars. Ce n'est donc pas vraiment faisable. Et ensuite, ils ne joueront pas la pièce. Chaque fois que vous lui demandiez de faire quelque chose d'étrange. Réfléchissez à la probabilité qu'ils le fassent. Est-ce nocif pour leur instrument ? Est-ce dommageable pour leur robot ? C'est une autre chose à considérer car les arcs ne sont pas bon marché. Il peut s'agir de milliers, de dizaines de milliers de dollars pour un bon jeu d'arc qu'un joueur professionnel utilisera. Leur arc est extrêmement cher. Donc, si vous leur demandez de faire quelque chose où ils sont comme racler sur leur arc. Ils ne le feront peut-être pas, mais ils pourraient le faire. Il existe une technique dont nous parlerons dans une minute où vous faites quelque chose qui est potentiellement dommageable pour le bot. Et beaucoup de joueurs ont un bot de secours qu'ils utilisent lorsqu'on leur demande de faire un peu bon marché, un comme le mien. Il est possible de faire des choses comme ça. Certaines de ces choses dont nous allons parler, certaines sont très standard et normales comme les harmoniques. Certains d'entre eux sont un peu bizarres ou nous n'allons pas entrer dans des choses super bizarres. Mais n'oubliez pas que vous pouvez demander tout ce que vous voulez. Mais il est peu probable qu'ils fassent des choses vraiment bizarres, qui endommagent leur instrument ou eux-mêmes, les gens qui les entourent. Ou franchement, c'est tout simplement inutile. Si vous trouvez un moyen standard de faire quelque chose, veuillez le faire de cette façon. Vous allez obtenir beaucoup plus de performances c'est que vous allez rendre le joueur beaucoup plus heureux. Cela dit, plongeons et parlons d'abord des harmoniques. 32. Harmonies: Avec toutes ces techniques, il y a deux choses que vous devez comprendre au sujet de la technique. Le numéro un, c'est à quoi ça ressemble ? Et le numéro deux, c'est comment le noter ? harmoniques sont plutôt difficiles à noter. Parfois. Vous avez déjà entendu des harmoniques. Une harmonique est quand un joueur, harmoniques fonctionnent sur tous les instruments à cordes. Et c'est là que vous touchez légèrement la ficelle et que vous obtenez un, puis vous l'inclinez et vous obtenez un pas différent. Parfois, c'est comme une octave plus élevée, parfois même plus élevée que cela. Et il utilise simplement la physique naturelle de la corde. C'est un son très pur. C'est presque comme un sifflet. Laissez-moi voir si je peux en obtenir un avec ma mauvaise technique. On y va. C'est un harmonique. Il existe maintenant deux types d'harmoniques différents. Il y a des harmoniques naturelles et des harmoniques artificielles. harmonique naturelle est lorsque vous posez simplement votre doigt sur la corde, ou désolée, vous touchez la corde à un endroit précis, et cela produira cette hauteur différente. Vous pouvez en voir un tableau ici. Nous avons ici, voici notre chaîne G. Nous allons noter le pitch G. Même si ce n'est pas le pitch que nous allons entendre. Et puis, avec une tête de diamant, nous allons noter où mettre le doigt. Et cela remonte la position du cou pour nous dire où mettre notre doigt. Ensuite, une parenthèse. Vous allez voir la note qui va être produite. Nous avons la corde ouverte. Nous n'allons pas jouer la corde ouverte, mais c'est simplement notre façon de leur dire que nous voulons cette corde ouverte. Nous voulons que notre doigt nous montre l'harmonique que nous voulons obtenir. Ensuite, vous voulez montrer le pitch qui en résulte. Tous ces éléments ne sont pas aussi faciles à obtenir que les autres. Permettez-moi de le dire mieux. Certains d'entre eux sont plus difficiles à jouer que d'autres. Des choses qui sont des octaves et des cinquièmes, ou des unisons comme celle-ci. Très facile à obtenir. Des choses qui ont fait sauter tout un tas de choses comme ça. Et voilà ce que les plus délicats veulent obtenir. Vous devez trouver ce genre de point de mire là-dedans et l'obtenir. Alors ne leur demandez pas de simplement sauter là-dessus. Sur une note 16e. Ça ne va pas marcher. harmoniques sont également très silencieux. On ne peut pas jouer à l'harmonique super fort. Gardez cela à l'esprit. Voici la chaîne D, la chaîne a et la chaîne E. Vous pouvez voir si vous faites cela, vous obtenez des notes très élevées. Un regard juste sur celui-là. C'est fou. Ce sont toutes des harmoniques naturelles. Il existe maintenant une autre façon de faire des harmoniques. Et c'est à ce moment que vous n' utilisez pas de chaîne ouverte. Vous baissez le doigt quelque part. Et puis, à votre doigt, vous mettez un autre doigt devant celui-ci ailleurs. Et puis vous inclinez cette corde et cela produit de l'harmonique. Nous démontrons, si je vais poser mon doigt ici, prenez-le pour que vous puissiez le voir. Ensuite, je vais utiliser mon troisième doigt ici et je vais trouver une harmonique. Je ne pousse pas vers le bas avec cette ficelle, je touche juste la ficelle légèrement. J'ai eu ce super haut niveau. C'est de l'harmonique artificiel. Maintenant, avec les harmoniques artificielles, vous pouvez obtenir une harmonique de presque n'importe quelle note. Vous ne pouvez pas obtenir d' harmonique anormale de n'importe quelle note que vous voulez. Vous devez rechercher les notes que vous pouvez obtenir avec les harmoniques naturelles. Mais vous pouvez écrire une harmonique pour n'importe quel nœud de votre choix. Parce que vous n' avez pas besoin de distinguer. Il faut dire que c'est naturel et artificiel. Il suffit d'écrire vous-même pour le noter correctement. Notez, je pense que j'ai dit cela, mais permettez-moi de bien le dire. Pour noter une harmonique artificielle, il suffit de mettre cette note inférieure, la tête de note réelle sur la note que vous voulez qu'ils mettent leur doigt sur leur doigt arrière sur leur le doigt avant serait les têtes de notes en diamant. C'est là qu'ils veulent que vous arrêtiez la corde. Et puis la petite tête de nœud, la tête de mini note. Ce sera la note que nous entendons réellement. Les gens n'écrivent pas toujours ça, ce qu'il y a de mieux. La note que nous allons vraiment entendre, j'aime bien l'écrire. J'aime bien le voir dans les partitions. Mais vous n'avez pas besoin de l' avoir dans votre notation. Mais c'est bien de l'avoir. Parce que le joueur peut dire, eh bien, c'est la note qu'il veut. Ils veulent que je fasse cette harmonique bizarre. Je peux faire une harmonique plus facile et obtenir la même note. Laissez-les faire cela. Alors dites-lui de noter que vous voulez entendre c'est toujours sympa. N'oubliez pas qu'avec les harmoniques, elles ne sont pas bruyantes. Ce sont des chuchotements ou un sifflet très pur. Soulevez le sinus, comme une vague. Travaillez sur n'importe quelle corde. N'écrivez pas de passages rapides d' harmoniques, je ne peux pas le faire. Ils ont besoin de s'asseoir et de respirer pour vraiment sortir. 33. Mutes: Parlons de l'utilisation d'un muet. Vous connaissez peut-être le terme Ute de trompettes. Trompette, il est très courant de jouer avec unmute ou ils collent quelque chose qui ressemble un piston dans la cloche de leur instrument. Vous connaissez peut-être le muting. Si vous êtes guitariste, vous le savez peut-être, parfois nous faisons quelque chose qui s'appelle Paul Muting, où vous placez votre paume un peu au-dessus des cordes juste pour obtenir la partie grasse de votre paume sur les cordes est juste un peu discrète. instruments à cordes d'orchestre peuvent également couper le son. Ils utilisent une technique un peu différente. La façon dont vous le notez est très simple. Il suffit de l'écrire normalement. Mais au début de l' endroit où vous voulez le muet, vous écriviez simplement en sourdine ou en sourdine. Ou si vous voulez être fantaisiste, vous pouvez écrire l'escroquerie, qui est l'abréviation de concertina, qui est l'italien pour avec muet. Au fait. Permettez-moi de dire quelque chose sur les termes. Vous pouvez utiliser tous les termes, quels que soient les termes linguistiques que vous souhaitez. Si vous êtes anglophone natif, n'écrivez pas toutes vos instructions de partition en italien, comme si vous n'avez pas besoin de le faire. C'est de la vieille école. Vous pouvez simplement écrire en anglais. Mais si vous êtes italien, n' hésitez pas à écrire un italien, mais il n'y a aucun avantage à être fantaisie et à écrire des trucs en italien. Si ce n'est pas le cas, si vous ne parlez pas cette langue, écrivez simplement des instructions de partition dans un anglais à l' exception, je suppose , de choses vraiment courantes comme Allegro et Forte, des choses comme ça. Mais si vous voulez écrire avec des sourdines, et si vous parlez anglais, non ? Avec le muet, si vous êtes à temps pour être ici, conférencier huit comptent pour le dîner. C'est très bien. Mais écrivez simplement dans votre langue maternelle. C'est très bien. Si quelqu'un ne sait pas ce que signifie quelque chose qui essaie jouer votre musique, il le regardera. C'est la guerre de Google. Muet. La façon dont les sourdines fonctionnent car je n'en ai pas, mais c'est un petit morceau de caoutchouc. Et il se trouve juste ici, juste sur le pont. Parfois, ils le gardent ici et là où il ne fait rien. Et puis ils le retirent et ils l'attachent en quelque sorte. C'est plutôt comme une sorte de serrage. Il fait ce que vous attendez. Il coupe un peu les cordes. Imaginez donc comme un petit morceau de caoutchouc qui touche doucement les cordes. Cela leur donne donc un son un peu plus sombre. Cela les rend un peu plus calmes. Ce n'est pas la chose la plus dramatique au monde. Vous pouvez avoir quelque chose avec des sourdines, puis je n'ai pas joué un tas de notes très élevées et ça ne sera pas très sourd. Cela n'affecte pas beaucoup le registre élevé. Par le registre moyen et bas. Il peut adoucir un peu le son, retirer une partie du haut de gamme. Ce qui est important à propos des sourdines. Ils ont besoin de quelques battements pour l'allumer et l'éteindre. Donc, si vous imaginez qu'ils doivent le faire, ils tiennent un arc là à jouer, et ils vont devoir le faire. Ils vont devoir y aller, ça, s'assurer que c'est bien là. Ensuite, reprenez la position de leur main et passez quatre ou cinq secondes au moins. La même chose quand vous leur direz d'enlever le muet, ils vont devoir le faire, ce clip dessus derrière, préparer leur position de main et partez. Ils ont besoin de quelques battements pour se mettre en sourdine. Si vous leur dites d'utiliser un muet, si vous dites avec muet, n'oubliez pas. À un moment donné, vous devez lui dire qu'il n'y a pas muet ou de retirer le muet. Pas de muet. Sable, épée, sable ou Dina, quelle que soit la langue que vous voulez utiliser. C'est à peu près tout. Vous n'avez rien à faire de notation spéciale , notablement avec elle. Vous leur dites simplement de l'enfiler , puis de leur dire de l'enlever. N'oubliez pas que ce sera un peu plus calme, un son un peu plus sombre. Tous les instruments à cordes doivent avoir des sourdines et ils fonctionnent à peu près de la même façon. Les bases utilisent le sourdine. Je ne peux pas dire que j'ai déjà vu un pont de base muet comme ça. Très peu fréquent. Dans les bases. Les bases sont si faibles en son sombre je ne sais pas si cela aurait vraiment beaucoup d'effet. Sans doute pas. chose sur la base que son commun, peut-être que je me trompe là-dessus. Mais dans tous les autres cordes, y compris le violoncelle, il est très courant d'utiliser des sourdines. Rien d'étrange là-dedans. 34. Legno sur Col: Col Legno. C'est une chose qui va vous rendre peu populaire auprès des joueurs de cordes. Permettez-moi de le dire tout de suite. Cependant, je vois beaucoup de jeunes compositeurs qui ont raison, grandes sections de col legno. Ce n'est pas quelque chose que les joueurs écrivent aiment faire. Eh bien. Peut-être que certains le font, je ne devrais pas dire tout ça. Cependant, c'est l'une de ces choses qui peut endommager le bot. Donc, si vous demandez à une section de faire le col legno, vous devez leur donner un peu de temps supplémentaire avant cette section. Vous devez donc leur donner quelques barres de repos. Et puis vous pouvez dire col legno, parce qu'à ce moment-là, si vous travaillez avec un orchestre professionnel, ils vont baisser leur arc. Ils vont ramasser leur arc merdique. Et ils vont l' utiliser pour le col legno. Col legno signifie avec le bois sur notre PBO. Nous avons des cheveux de ce côté. Nous avons du bois de ce côté. Nous ne sommes pas censés utiliser le bois. La lame, les cordes. Bois très cher. Et c'est très délicat. Je suis censé utiliser les cheveux pour jouer les forces. Mais col legno signifie utiliser le bois. Vous pouvez le faire de deux manières différentes. Vous pouvez en fait aller avec le bois, ce qui ressemble à ça. C'est un son très vide. Il n'y a pas beaucoup de son qui est produit avec lui. C'est juste que ce n'est pas un son très agréable. Mais si vous voulez faire quelque chose d'un peu flippant, cela peut être un son, laissez-moi m' occuper de moi. Mais c'est super silencieux. La chose la plus courante que nous faisons avec col legno, ce sont des choses percussives. Vous l'avez peut-être fait, comme si un rythme était écrit, puis dire col legno. Donc, ce qu'ils vont faire, c'est un peu rebondir avec le bois. Ils vont donc y aller. Vous pouvez également leur donner des photos là-dessus. C'est plutôt cool parce qu' il lui donne beaucoup plus de son de percussion parce qu'ils frappent la corde avec un, essentiellement avec un marteau. Cependant, il est difficile d'être réel. Je suis précis rythmiquement. Je veux dire, vous ne pouvez pas être vraiment précis sur le plan rythmique, mais ceci, tenir un arc comme celui-ci, et faire des choses percussives n'est pas la même chose que de tenir un bâton comme celui-ci. C'est un peu plus difficile de bien faire les choses. Je n'aime pas ça. Mais il peut produire des sons sympas et si vous voulez le faire, vous devriez le faire. Mais rappelez-vous simplement que ce n'est pas la chose préférée des artistes interprètes. Si vous voulez le faire comme vous le notez. Vous écrivez simplement les choses normalement et ensuite vous mettez simplement l'instruction sur le score du tribunal avec le bois ou le col legno. C'est peut-être un cas où j' utiliserais col legno même si je suis un anglophone natif parce que c'est juste un peu standard. Ensuite, pour l'éteindre, vous utiliseriez généralement simplement, je pense que vous utiliseriez simplement la notation ou ORD, ce qui signifie comme un jeu normal et normal. Maintenant, plus de Col Legno. Pas de notation spéciale, juste une instruction. 35. Ponticello: Oh, et j'ai dit, le col legno mentionné peut être fait par n'importe laquelle des cordes. Et c'est vraiment un effet cool sur la base parce qu'ils sont si gros qu'ils sont tirés vers le bas. De toute façon. Je passe à autre chose. Ponto jello, le Monte violoncelle est l'une de mes techniques préférées. Si vous voulez écrire quelque chose et que vous voulez que cela paraisse effrayant à mesure que tout le monde s'en sort. monte-violoncelle est ce que vous voulez. Sur le violoncelle signifie revenir par le pont. C'est donc le pont. Si je joue une note, laissez-moi simplement jouer une corde ouverte ici. C'est normal. Je vais aller juste dans cette zone, un peu plus près du début de la touche ici. C'est là que j'ai un bon ton, non ? Mais si je reviens par le pont, ça va crier. Et vous obtenez toutes ces harmoniques bizarres qui sortent. Permettez-moi de faire une longue note. Il y a beaucoup de stries, il y a beaucoup de flippants bizarres. J'ai été connu dans les partitions quand je veux quelque chose de flippant, écrire plusieurs Ponto jello, comme beaucoup, comme aller juste au sommet du pont avec une note haute. C'est juste que c'est comme y avait un tueur psychopathe au coin de la rue. Tout le monde le sait. C'est ce qu'on appelle Monte Cello. Cela signifie simplement sur le pont de l'éteindre, l' allumer et de le noter. Vous écriviez simplement Monte violoncelle ou plantez P0 et T. C'est, je suppose qu'un autre endroit où j'écrirais simplement un pion. Je n'écrirais pas sur le pont en anglais. Parce que c'est un terme tellement courant. Pour l'éteindre, vous pouvez simplement écrire 4D ou RD pour l'ordinaire. Vous pouvez aussi être qu'un étang d' âmes est quelque chose que nous voyons beaucoup, pour l'allumer. Vous n'avez pas besoin de faire autre chose de bizarre avec la notation et de l' écrire normalement. Mais l'étang solaire, c'est très calme. Il fonctionne mieux sur les passages plus lents. Il fonctionne très bien avec le trémolo. Les plantes de trémolo seraient seraient belles et effrayantes. Oui, toutes les cordes peuvent le faire. C'est bien. Un son effrayant. J'adore l'utiliser. 36. Glissando: Très bien, Glissando. Vous savez peut-être déjà ce que cela signifie. Ça veut dire qu'on va juste glisser une corde comme celle-ci. OK, c'est cool. Maintenant, lorsque vous les écrivez, ils peuvent être un peu plus compliqués à écrire que vous ne le pensez. On ne peut pas simplement écrire seul en une note haute et dire des glyphes entre les deux. C'est là que la réflexion sur la plage de chaque chaîne compte vraiment. Parce que si vous voulez un son lisse, d' note basse à une note élevée, c'est tout simplement possible. Ensuite, vous ne pouvez pas les laisser croiser des cordes entre les deux. Par exemple, supposons que je voulais passer de cette note, cette note, jusqu'à ce nœud sur la chaîne suivante. Ce que je devrais faire, c'est partir. Ensuite, je devrais changer de chaîne entre les deux. Je ne veux pas changer de balançoire et de cordes entre les deux parce qu'il n'y a tout simplement aucun moyen pour que ce verre soit lisse. Donc, si je veux vraiment que ce soit lisse, je dois trouver la note la plus élevée et la note la plus basse sur la même chaîne. Ensuite, je peux aller jusqu'ici. Lorsque vous écrivez un glissando, si vous voulez ce truc lisse et ininterrompu, cherchez ça. Essayez de trouver un endroit pour les notes que vous pouvez obtenir sur la même chaîne. La façon dont vous l'écrivez n' est que deux notes. Vous, la note de départ, vous avez raison sur la durée des glyphes. La note de fin peut avoir le rythme que vous voulez. Ensuite, une ligne les reliant. Permettez-moi de le montrer réellement. C'est peut-être un peu délicat. Si je veux 12 derniers battements, je pourrais le faire. Je pourrais dire passer de C à ce G. Maintenant, ce que cela va faire, laissez-moi les relier. Ce que cela va me dire de faire, c'est de commencer sur cette note et d'utiliser deux battements pour glyphes jusqu'à cette note. Et quand j' arrive à cette note, restez sur cette note pour le reste de la mesure. Il s'agit donc d'un glyphes à deux battements. Ici. Il s'agit d'une erreur très courante commise par les gens. Si vous voulez qu'ils prennent toute la mesure pour se mettre à la hauteur de cette note, que ce que vous voulez réellement. Pour s'en débarrasser. Faites de cela une note entière, puis placez leur note de destination dans le rythme que vous voulez qu'elle soit. Comme ça. Et puis les glyphes, il suffit de tracer une ligne entre les deux notes. Vous pouvez écrire des glyphes. Vous n'avez pas besoin d'écrire des glyphes. On suppose que s'il y a deux notes en ligne droite entre elles, les glyphes. Vous pouvez écrire des notes en cours de route. C'est un peu plus délicat, mais en gros, vous pouvez dire comme, disons que vous vouliez que cela monte et descende, de haut en bas. Vous pouvez le faire. Connectez ensuite tous ces éléments avec un glycérol. Il va briller partout, de haut en bas et de haut en bas. Il va faire le tour de la pièce. Et Linda G, vous pouvez totalement le faire. Une chose que vous pourriez envisager de faire ici est de vous débarrasser de la tête de note. Je ne sais pas exactement comment le faire dans MuseScore. Je pourrais le faire, je pense. Voyons voir. Peut-être le changer pour ça. Un triangle, une tête de diamant. Tout ce qui a une tête de note différente. Ce que ça va me dire de faire. En fait, les X seraient mieux. Ai-je une tête de note X ? Mais cela fonctionne aussi. Eh bien. Cela va me dire que je ne me soucie pas vraiment de ce pitch g. Cela signifie aller à peu près cette plage, puis descendre à cette plage, à peu près jusqu'à cette plage, puis atterrir sur que G. Vous allez entendre, ça va sembler dissonant au fur et à mesure que tout le monde s'en sortira. Parce que si vous écrivez cette section pour la violence, parce qu'ils n'iront pas tous au même endroit en même temps. Tu vas avoir ce genre de chaos et ça va être plutôt cool. Mais c'est comme ça que vous écrivez un égoless. Maintenant, je n'ai pas vraiment pensé à les mettre sur la même corde, ce que vous ne pouvez pas vraiment faire. Mais j'aimerais repenser cela. Je pense que c'est à peu près tout pour les glyphes. 37. Vibrato: Très brièvement, Vibrato. Vibrato est ce son que vous connaissez tous à partir de grandes cordes luxuriantes. Vibrato est la valeur par défaut pour les chaînes. Cela signifie que si vous écrivez une belle ligne ou tout simplement comme une note qui est conservée pendant un certain temps. Vous allez avoir du vibrato dessus, n'est-ce pas ? Donc, le terrain va bouger un peu. C'est juste ce qui sonne bien sur les cordes. Cela revient à ce genre de chose, si vous dites simplement aux cordes de jouer le C du milieu, ça va bien sonner. Ils vont ajouter un peu de vibrato. Ça va être magnifique. Maintenant, je l'ai mentionné par Rhabdo parce qu'on peut jouer un peu avec ça. Si vous voulez que quelque chose soit vraiment pur et toujours comme du verre, vous pouvez dire pas de vibrato. Vous ne pouvez pas dire simplement tenir cette note. Je pourrais le faire si j' écrivais un gros accord qui ressemblait vraiment au violoncelle punted, et que je voulais juste être sombre et effrayant. Je pourrais aussi écrire pas de vibrato. Vous pouvez également leur dire plusieurs vibrato si vous vouliez sonner loufoque, il suffit de courir autour, autour, autour de la rampe r1. Utilisez une tonne d'érato là-dessus. Ou si vous voulez revenir à la normale, vous direz simplement 4D ou le mot vibrato. N'oubliez pas que le vibrato peut être utilisé comme effet cool. Vous pouvez dire non vibrato, molto vibrato. Juste un vibrato normal. Et surtout quand il est combiné avec d' autres effets comme le violoncelle punted peut être cool. Dis-moi d'y réfléchir. 38. Scordatura: Bon, dernier point mais non le moindre, a marqué en Europe. Maintenant, je dis enfin, mais non des moindres, il y a beaucoup plus d' effets que vous pouvez faire. C'est là qu'il serait peut-être utile d'avoir un manuel d'orchestration à titre de référence. Je ne vais pas passer par toutes les choses. Je passe juste en revue certaines des choses les plus courantes que je pense. Mais il y en a des tonnes et des tonnes d'autres. Vous pouvez parler à n'importe quel joueur de cordes. Et il n'y a vraiment aucune règle à ce sujet. Vous pouvez demander à quelqu'un de faire ce que vous voulez. Comme je l'ai dit, c'est juste une question de ce qu'ils vont faire. D'accord ? Marqué en Europe. Ne faites pas cela dans un orchestre. Ne faites pas cela dans un orchestre. Vous ne le ferez pas encore. Je peux dire qu'avec presque 100 % de certitude marquée, un juré est une façon chic de dire, demandant au joueur de cordes de se réaccorder, d'accorder son instrument à une note différente. Ma note la plus basse est que G, la corde basse ouverte sur un violon. Comme si je voulais peut-être avoir un F en dessous de ça. Je pourrais dire, eh bien, il suffit de régler votre G sur un F. C'est un problème majeur. Tout d'abord, il va falloir s'arrêter avant votre pièce et le refaire. Cela prend du temps. Ils doivent tous s'accorder ensemble. Les cordes doivent être accordées ensemble, puis elles doivent être syntonisées avec le reste de l'orchestre. Cela prend du temps. Deuxièmement, rappelez-vous que ces violons violoncelles et altos et bases sont, dont certains sont des instruments d'un million de dollars. Des gens qui jouent dans les grands orchestres. Ils ont des instruments qui valent plus d' un million de dollars. Ce sont des machines très délicates. Cette machine très délicate est conçue pour avoir une certaine tension sur les cordes. Et c'est si délicat que si vous l'accordez à quelque chose de différent, il peut s'en mêler à l'instrument. Si vous leur demandez de resyntoniser quelque chose de différent, au mieux, au mieux, vous allez leur demander de sortir leur modèle de violon étudiant et de l'utiliser, ce qui signifie qu'il n'aura pas le même ton. Cela ne va pas très bien sonner par rapport à leur véritable instrument. Ça n'arrivera pas. Maintenant, si vous écrivez une pièce solo pour violon ou n'importe quel instrument à cordes, et que vous avez un joueur qui dit, oui, j'aime vraiment redéfinir les choses. J'ai ce vieux violoncelle et j'aime le refaire. Alors, par tous les moyens, vous pouvez le faire. Vous pouvez totalement le faire. Mais dans un orchestre, je ne pouvais pas recommander assez de ne pas le faire. Ne leur demandez pas de se réaccorder, ils ne le feront tout simplement pas. Je pense que c'est tout ce que j'ai besoin de dire à Ciara à propos de cette partition. 39. Comment ces choses fonctionnent: Bon, il est temps de passer aux bois. Woodwind est un grand groupe et il contient de nombreux instruments différents. Maintenant, son empreinte au sein l'orchestre est en fait plus petite que les cordes. Parce que généralement avec les bois, nous n'en avons que 12 espacés, ou nous n'en avons que 12 points séparés. Donc, si vous avez une ligne de flûte dans la partition d'orchestre, cela signifie généralement qu'une seule personne joue cette ligne. C'est différent des cordes où dix personnes peuvent jouer du violon. Un. Si vous voulez avoir deux flûtes, ce qui est très courant, vous avez un fluide et deux fluides dans la partition. Ils ont chacun leur propre personnel dans la partition. Vous pourriez avoir trois liquides. plus courant est d'avoir ce que l'on appelle des vents et des 2s là où il faut le faire, il y a essentiellement tous les instruments à vent, deux parties pour tous les instruments à vent. Vous avez donc deux joueurs de flûte, de hautbois, de clarinette ou de basson. Cela dit, les instruments de cette famille comprennent des flûtes, hautbois, clarinettes et bassons. Ce sont les principaux. Je vais inclure des saxophones dans cette section deux, il n'est pas courant d'avoir des saxophones dans un orchestre. saxophones ne font pas partie de l'orchestre. Pourquoi ? Pourquoi est-ce que c'est ? Pourquoi les saxophones ne sont-ils pas dans notre orchestre ? J'ai vraiment aimé le son des saxophones dans un orchestre. Je pourrais en parler plus tard parce que j'ai quelques philosophies là-dessus. Mais la raison pour laquelle je pense que les saxophones ne font pas partie de l' orchestre, c'est parce que saxophones ou les nouveaux saxophones n'ont en fait qu'un centenaire. Adolf Sax a donc été l' inventeur du saxophone. Je ne sais pas exactement quand il l'a fait, mais il n'y a pas si longtemps. Vous seriez surpris. L'orchestre en tant qu'ensemble, l'orchestre moderne existe même beaucoup plus longtemps que le saxophone. Ce ne sont pas des saxophones dao courants dans un orchestre. Cependant, vous pouvez les placer dans un orchestre. Vous pouvez demander qu'ils soient dans l'orchestre. Il y a beaucoup de pièces que vous avez saxophones dans l'orchestre. Il n'est pas inconnu de mettre des saxophones dans votre orchestre, mais ce n'est pas standard. Mais on va quand même parler de saxophones , car j' aime bien les saxophones. OK. Alors, comment fonctionnent les vents ? Les bois utilisent, chaque instrument utilise l'une des trois techniques différentes. Trois techniques différentes sont utilisées pour produire le son. La première façon que nous dirions est de souffler de l'air sur un tout. C'est ainsi qu'une flûte fonctionne. Le liquide contient un petit trou et vous soufflez de l'air non pas dans le trou mais dans l'ensemble. Et que la majeure partie de l'air passe au-dessus de la totalité de l' air entre dans le trou, ce qui crée une vibration qui provoque le son. Le deuxième moyen consiste à souffler de l'air sur une lecture. Comme la clarinette. Sur la clarinette. Cette clarinette n'a pas de lecture là-dessus. Cette clarinette n'est pas adaptée à la planification. Il se trouve essentiellement sur un mur. Mais je l'ai attrapé uniquement à des fins de démonstration. Normalement, j'irais ici et vous pouvez voir qu'il y a un trou ici. La lecture va donc passer en revue et nous allons souffler de cette façon. Et une partie de l'air passera au-dessus et une partie de l'air passerait sous elle et dans ce trou. Et que Reid vibre à partir des différentes quantités d'air de chaque côté, ce qui créerait le son. Généralement, il s'agit d'une déclaration très large, mais généralement, instruments où vous soufflez du son sur un ensemble créent un son très pur ressemblant à une onde sinusoïdale comme la flûte. Des instruments où vous soufflez le son sur une lecture comme les clarinettes. saxophones fonctionnent également de la même manière. Créez un autre type de squawks ou de son*****. Ils peuvent être vraiment beaux, mais si vous les comparez tous côte à côte, vous direz que c'est un peu plus accroupi. Ensuite, la troisième est avec une paire de lectures où il y a deux lectures en quelque sorte sandwich et vous soufflez dans les deux lectures et elles commencent à flotter en sandwich et vous soufflez dans les deux lectures et elles commencent à flotter à cause de l'erreur entre les deux. Et cela produit le son. Parce que, pour les bassons et les hautbois, nous appelons ces instruments à double anche. Ceux-ci ont un peu plus comme un son nasal pour eux. Encore une fois, cela semble pire qu'il ne l'est. Les hautbois et les bassons peuvent être très beaux instruments pour dire qu' il y a un son nasalement n' est pas exactement juste. Cependant, comparativement aux trois, ils ont une sonorité nasale à cause de ce mécanisme à double anche. J'ai adoré le basson dès que l'un de mes instruments préférés dans l'orchestre. Il a juste de beaux sons, très difficiles à jouer, mais parce que ce mécanisme à double anche est un peu délicat. Mais un bon basson peut être absolument magnifique. Ce sont donc les instruments dont nous allons parler dans cette section, les bois. Maintenant, vous pouvez vous demander pourquoi s'appelle-t-on les bois, mais ils ne sont pas tous faits de bois. Comme le basson est en bois. Les hautbois ont des bois. clarinette est parfois faite de bois. Les flûtes n'ont pas du tout de bois dedans. Ils sont faits de métal ou parfois d'autres choses. Je ne sais pas pourquoi c'est le cas. Nous les appelons les bois. Parfois, nous les appelons simplement les vents. Je dis souvent des vents. Mais leur nom complet est les bois. Qu'ils aient du bois ou non. C'est juste comme ça. Parlons de quelques choses particulières sur les bois. 40. Notes et respirations durables: Ok, donc l'une des plus grandes choses qui diffèrent entre les bois dans les cordes est de respirer. Les vents ont besoin d'utiliser l'air qui sort de leur bouche pour émettre le son, ce qui signifie qu'ils doivent respirer. C'est donc un peu comme le problème de fatigue dans la main droite des cordes où nous avons dit que vous ne pouvez pas faire comme trémolo dure toute la journée parce que leur bras sera vraiment, vraiment fatigué et tombera. C'est un peu comme ça, mais c'est encore plus. Instruments à vent. Les joueurs doivent respirer. C'est juste très courant. Les joueurs doivent respirer. Et le problème de la fatigue ne disparaît pas vraiment. Ils sont fatigués si vous leur dites de faire la même chose pendant très longtemps, même si vous leur donnez de la respiration. Cela ne fonctionnera pas très bien. Mais le plus délicat, c'est si vous voulez écrire cette longue belle histoire lyrique pour une clarinette, vous pouvez le faire, mais vous devez leur donner des endroits où ils peuvent respirer. Sinon, ils ne pourront tout simplement pas y jouer. Maintenant, il y a deux façons de contourner ça. Tout d'abord, ils peuvent respirer assez vite. Si vous jouez et que vous manquez d'air. Voyez à quelle vitesse vous pouvez remplir vos poumons. Comme regarder ça. Je vais juste prétendre que je joue. Vous pouvez le faire en une huitième note en fonction de votre tempo. Ils n'ont pas besoin de mesures à la fois pour respirer. Ils avaient juste besoin d'une huitième note ici et là. Cela peut arriver assez vite, mais ils ont besoin de cette pause. Si vous ne leur donnez pas un, ils vont en prendre un. Il est préférable que vous orchestriez là où vous voulez qu'ils respirent en leur donnant un repos de temps en temps. Sinon, ils vont juste trouver un endroit où ils peuvent respirer, ce qui signifie couper une note courte, généralement, arrivant parfois tard sur une note, généralement en coupant une note nette. Maintenant, on me demande une chose tout le temps et je ne sais pas pourquoi c'est cas, mais on me demande tout le temps sur la respiration circulaire. La respiration circulaire est cette technique que les joueurs de vent peuvent utiliser lorsqu'ils peuvent essentiellement maintenir une note pour toujours. Ils peuvent le faire. La façon dont cela fonctionne, c'est qu'ils explosent à l'aide de leurs poumons. Ils expirent de leurs poumons, puis ils respirent par le nez en même temps et remplissent leur bouche d' air, puis utilisent leurs joues pour pousser cet air. Et ensuite, ils aspirent toujours l'air par le nez, remplissent leurs joues, puis le poussent vers l'extérieur. Et cela leur permet de respirer comme dans un cercle et de ne jamais s'arrêter. Ils peuvent toujours y aller parce qu'ils poussent constamment l'air par leur bouche et par le nez. C'est cool. C'est un truc cool. On ne peut pas s'attendre à ce qu' un joueur d'orchestre puisse respirer circulaire. Si vous leur demandez de respirer circulaire , ça n'arrivera pas. Ce n'est pas une chose standard. S'ils décident de respirer circulaire à l'aide de votre pièce, c'est génial. Ils peuvent le faire. Mais vous ne pouvez pas compter sur le fait qu'ils puissent le faire. Et s'attendre à ce qu'ils soient dans un orchestre n'est pas bon. C'est un truc de soliste. C'est ce que Kenny G a rendu célèbre. Il a joué comme une seule note pendant trois heures, ce qui n'est pas dur. Comme si vous pouviez respirer circulaire, vous pourriez jouer une note pendant quatre heures juste pour vous ennuyer. Vous êtes littéralement comme une sorte de rester là à le faire. Pas pour parler de Kenny G, mais de toute façon, respire circulaire de votre tête pour écrire pour orchestre, pas quelque chose qui est courant, pas quelque chose à quoi on peut s'attendre. Bien qu'il soit courant que les joueurs puissent le faire, beaucoup de joueurs peuvent le faire, mais vous ne pouvez pas leur demander de le faire dans un orchestre. Et vous savez quelle respiration circulaire est étrangement bruyante. Parce qu'ils doivent le faire. Il faut qu'ils explosent. Et puis, si vous regardez une vidéo montrant une respiration circulaire, elle doit respirer par le nez en même temps que de souffler par la bouche. Et ce processus de pénétration par le nez. C'est vraiment très fort. Ils vont comme ça. Ils jouent toujours et ils ont cette énorme chose par le nez. Ce n'est pas une chose agréable. Ne le faites pas. Donnez à vos gens, donnez à vos joueurs des endroits où respirer. C'est quelque chose que vous devez penser à la façon dont je fais cela et nous en parlerons davantage lorsque nous entrerons dans la partie orchestration de cette classe. Mais l'une des choses que je fais, c'est que je ne pense pas beaucoup aux respirations. Quand j'écris un article, je n'écris que. Mais une fois que j'aurai fini la première ébauche de la pièce, je reviendrai à travers et je suivrai la ligne de flûte tout au long et je pense aux respirations, puis je modifierai les choses d'une manière qui le rend. Donc, s'il y a un endroit où ils ne peuvent pas respirer facilement, ils ont la possibilité de le faire. Je le fais pour tous les vents et les cuivres aux laitons ont le même problème. D'accord. C'est ça. Passons à autre chose. 41. Le Tonguing et le rythme: Bon, quelques réflexions rapides sur la langue et le rythme. Il y a donc deux façons pour les joueurs de vent jouer davantage aux rythmes. Et je parle de rythmes plus rapides. L'une consiste à réguler leur respiration, à y aller, à repousser le souffle en rythme. C'est la façon évidente, mais un autre moyen consiste à tirer. Donc ce serait comme si vous jouez de la flûte, vous avez le trou là, non ? Eh bien, des flûtes. Oui, nous allons utiliser le bleu. Avec une flûte pendant que vous pourriez le faire, c'est utiliser votre langue pour vous brancher la bouche. Vous poussez constamment l'air dehors, mais avec votre langue, vous allez faire que l'air s'arrête. Ainsi, lorsque votre langue est dans la bonne position, cela peut vous donner des rythmes un peu plus rapides. Vous n'avez pas besoin d' y penser autant lorsque vous écrivez, sauf pour dire que vous pouvez faire rythmes assez rapides et compliqués avec les vents. Parce que s'ils ne peuvent pas simplement contrôler leurs poumons au bon rythme, ils peuvent utiliser la langue pour obtenir des rythmes rapides et complexes. Il est vrai que sur tous les instruments à vent d'une clarinette, vous pouvez toucher votre langue au lecteur pour l'empêcher de vibrer et ensuite vous pouvez aller faire des choses plus rapidement. J'ai même vu des gens rouler la langue pour obtenir un rythme vraiment rapide. Rien dont vous avez besoin de trop vous inquiéter. Je tiens simplement à souligner qu' il peut y avoir une grande complexité rythmique dans les vents à cause de cela, cela ne signifie pas que vous devez écrire de cette façon. Cela signifie simplement que vous êtes libre d'écrire comme vous le souhaitez. Il n'y a pas grand-chose à quoi vous devez penser. Pour le rythme. 42. Transpositions: Bon, avec les vents, nous devons commencer à penser à la transposition. Cela arrive plus tôt au moment où nous entrons dans les différents sous-groupes des instruments. Par exemple, la flûte. La flûte est en C. Ce n'est pas un instrument transposant. C'est génial. Mais il y a le piccolo qui se transpose à une octave. Il y a la flûte alto, qui est en sol, je pense qu'elle transpose une flûte bizarre. Il y a la flûte E plate qui transpose. Il y a une flûte basse qui transpose, qui est en C, mais transpose par une octave, je pense. Et il est écrit en clef aigu. Il pourrait même s'agir transposition à deux octaves. Pensez-y maintenant. Il existe de nombreuses variétés différentes de chacun de ces instruments. clarinette a les clarinettes en si bémol, mais il y a aussi une clarinette en mi bémol et une clarinette. Puis une clarinette basse. Il y a beaucoup d' instruments différents dans chacun d'eux. Ils n'ont pas toujours une transposition différente, mais ils le font souvent. Il y a beaucoup de transpositions à suivre ici, nous en parlerons au fur et à mesure qu'elles arriveront. Mais sachez simplement que lorsque, à moins que je ne dise explicitement que je parle du pitch transposé, je parle du pitch du concert. Cela veut dire que nous allons entendre. Parce que c'est juste comme ça que je pense. Parce que encore une fois, ne recevez jamais de transposition. Quand j'écris des choses, j'écris toujours dans un pitch de concert, puis je les transpose plus tard. Même si cela me fait, je ne sais pas. Peut-être que ça fait de moi un mauvais compositeur, mais je pense que ça me rend mal en transposition et je suis parfaitement d'accord avec ça. Vous savez ce que je fais aussi pour la transposition. Je ne pense pas avoir dit cela plus tôt, mais j'ai aussi quelqu'un relu par transpositions. Comme si lorsque je travaille avec un orchestre, je vais tout écrire et voir, je vais le transposer. Je vais m'assurer de ne pas sortir de la portée d'aucun instrument. Et puis j'enverrai des départs chez un de mes amis qui est beaucoup mieux en transposition et je dirai : Pouvez-vous lire à ce sujet et vous assurer que tout est correctement transposé ? Je n'ai pas aimé aller dans le mauvais sens, même si l'ordinateur le fait, j'ai quelqu'un d'autre le relu juste pour m'assurer que l'ordinateur le fait mal, ce qui s'est produit. Gardez cela à l'esprit. transpositions arrivent en vigueur. 43. Les types de flûtes: Parlons de la flûte. D'abord. Je veux parler des types de liquides. Et pour tous les instruments à vent, il existe plusieurs types d'instruments à vent. Pour chaque instrument. Une chose à laquelle vous voudrez penser est de doubler. Dans un orchestre, il y a certains instruments sur lesquels on peut demander à quelqu'un de doubler. La flûte et le piccolo sont assez courants. Parlons donc des différents types de fluides, puis je reviendrai sur ce problème de doublement très rapidement. Le piccolo. Piccolo, la toute petite flûte, elle est extrêmement haute. C'est comme l'instrument à vent le plus haut que nous ayons . C'est une petite flûte. En gros, c'est très haut, c'est très perçant. Il ne fait que s'écrouler. Nous avons le fluide alto, peu à l'opposé d'un piccolo. Il s'agit d'une flûte inférieure à celle d'une flûte normale. C'est un son très crémeux, c'est un son très chaud. C'est un son magnifique, mais il est notoirement calme. fluides Alto sont bons pour un joli passage solo dans une pièce d'orchestre. Mais pour avoir tout un ensemble qui joue. Et puis la flûte alto mélangée là-dedans, vous ne l'entendrez jamais. C'est un instrument assez silencieux, mais c'est vraiment un son très beau. Pour une ligne solo. La flûte basse est encore plus basse, qui est assez rare dans un orchestre. Ce sera un son très calme, vraiment cool, mais difficile d' utiliser une musique d'orchestre. Diverses flûtes en bois. Je n' appellerais pas vraiment ces flûtes, même ce ne sont pas quelque chose que vous trouverez jamais un orchestre, je ne devrais pas dire jamais, mais très rarement. Flûte soprano E plate. Il s'agit d'une flûte transposante. C'est également très rare. Je ne pense pas que vous le trouviez dans un orchestre ou que vous ne vous attendiez pas à avoir cet orchestre intérieur. Et de la façon normale. Ensuite, la flûte de concert est le fluide normal. La chose que nous connaissons en tant que fluide. Il est en C, votre fluide standard. Toutes choses étant égales s'il ne s'agit que de flûte, c'est celle pour laquelle vous écrivez. Ce site Web indique un liquide plastique. J'appellerais ça une flûte à bec. Je pense que la plupart des gens appelleraient cela un enregistreur. Vous ne pouvez pas demander de flûtes à bec. Revenons au doublement. Vous avez donc un joueur de flûte dans votre orchestre. Vous devez probablement le faire. Ces flûtes, on peut s'attendre à ce double probablement deux instruments. Vous pouvez donc demander au joueur de flûte à un moment donné de passer instruments à une flûte alto ou à un Piccolo. Maintenant, vous avez probablement également un joueur de piccolo dédié. Si vous les voulez. Vous n'êtes pas obligé de les utiliser. Mais dans les vents normaux, vous avez un piccolo et deux flûtes. Donc techniquement trois flûtes. Vous ne voudriez pas demander au joueur de piccolo de jouer de la flûte normale. Mais vous pourriez demander à la flûte, l' une des parties grippantes, passer à la flûte alto si vous le vouliez, faudrait leur donner du temps. Une fois encore. Ils devraient poser leur liquide et prendre une autre flûte basse pickup. Mais c'est un double moyen assez standard nous pouvons demander à ce joueur de le faire. Mais demander au joueur de flûte de ramasser une paire de cymbales crash n' est pas un double standard. Ce n'est pas quelque chose que vous pouvez faire. Ils ne le feront pas et il y a des règles contre cela. Si jamais vous avez des doutes , recherchez les doublons standard quatre, et sur l'instrument que vous recherchez. Et vous serez en mesure de trouver ce que vous pouvez leur demander de faire assez facilement. Mis à part leur chose principale. Mais rappelez-vous aussi que leur principale chose est leur principale chose pour une raison. Donc, s'il y a un joueur de flûte, ils sont particulièrement acceptés en flûte, pas en flûte alto. Bien qu'ils soient plutôt bons en fin de compte. Parlons un peu plus des flûtes. 44. Les flûtes : plage et son: Ok, donc c'est la gamme de vos grippes de concert standard. La note la plus basse est C. Le nœud le plus élevé est que F. Et que huit VA signifient une octave plus élevée, donc c'est en fait une octave plus élevée. Vers le haut. Leurs liquides peuvent s'élever. Piccolo peut être encore plus élevé. Les fluides Alto sont moins élevés et les fluides de base évidemment moins faibles. Ce qui est vraiment intéressant à propos de la flûte, c'est qu'elle a une courbe dynamique très proéminente, ce qui signifie qu'en bas dans sa plage basse, elle est très silencieuse. Ensuite, c'est le haut de gamme, c'est extrêmement fort. Je pense que c'est uniquement lié à la quantité d'air qu'il faut pour prendre note. Si vous voulez faire une de ces notes basses, il faut être un peu délicat et juste aimer les notes basses. Et pour obtenir ces notes élevées, vous devez vous souffler les tripes pour obtenir ces notes élevées. Si vous écrivez cette note, ce C, double forte, ça ne sera toujours pas très fort. Si tu écris cette note à Pianissimo, ça va toujours crier fort. Les choses deviennent de plus en plus fortes à mesure qu'elles augmentent. C'est souvent vrai pour la plupart des instruments. Mais c'est particulièrement vrai dans les fluides et c'est vrai pour tous les fluides. Une plainte selon laquelle vous entendrez les joueurs de flûte tout le temps, qu'ils ont eu un passage difficile à jouer dans une pièce. Il a été écrit très bas. Cela ne veut pas dire que ça n'a pas l'air cool. Et cela ne voulait pas dire que ce n'est pas amusant de jouer parce qu'ils aimaient jouer là-bas et qu'ils sont plus bas. Mais cela signifie que personne ne l'entendra. Comme si vous l'avez, la flûte et la portée inférieure, faites quelque chose de vraiment cool. Et il est doublé d'une trompette. Même si vous dites que le fluide fort et que la trompette est un piano, vous n'entendrez toujours pas ce fluide s'il est là, c'est à faible portée. Le joueur de flûte a donc joué ce truc cool, mais personne ne l'a entendu. Et cela les rend tristes. Essentiellement. N'écrivez jamais de musique pour un instrument qui n'est pas bien équilibré pour que les gens ne entendent pas parce qu' ils seront simplement grincheux. Il y aura comme, pourquoi ai-je pris la peine de l'appliquer ? Personne ne pourra entendre ça. C'est une grave plainte de la faible portée de la flûte. Cependant, permettez-moi également de dire que la faible portée de la flûte est vraiment magnifique. C'est vraiment un son génial. Il faut juste être très prudent lorsque vous écrivez pour cela qu'il n'y a pas grand-chose d'autre qui se passe. Supposons que vous ayez écrit ce solo cool pour la flûte et qu'il se trouvait dans sa portée inférieure. Peut-être avez-vous eu les cordes qui soutenaient un accord, juste le scintillement. Vous pourriez, quand ils étaient tous pianissimes, ils étaient tous très calmes. Et vous aviez cette flûte en solo et sa portée est basse, vous pouvez peut-être entendre ça. Cela pourrait être une utilisation efficace. Ou peut-être que vous avez juste l'accord des jaunes. Cela peut être un son cool, c'est une sorte de définition de l'orchestration : c'est écrire les choses d'une manière que l'orchestre fonctionne vraiment bien ensemble, non pas en écrivant un passage bombastique pour les fluides très faibles. Maintenant, c'est aussi l'une de ces choses qui est vraiment intéressante au sujet de la restriction des synthés. Parce que vous pouvez tricher. Vous pouvez rendre ce fluide le plus fort l' orchestre que les cuivres. Juste en le mélangeant. Vous pouvez le faire avec des trucs informatiques, mais dans un vrai mix, dans un vrai orchestre, vous ne pouvez pas le faire. Vous ne l'entendrez jamais. Donc, il y a quelque chose à penser avec les flûtes. Parlons du hautbois. 45. Les types of: Le hautbois est notre premier instrument à anches doubles. Il a donc vraiment un peu plus de son nasal. Mais ne soyez pas perturbé. Il peut s'agir d'un son vraiment beau dans le bon contexte. Il y a quelques types de hautbois, et il y en a beaucoup dont je viens de regarder comme des choses dont je n'avais jamais entendu parler. Parce que l'histoire du hautbois remonte à l'Antiquité. Mais le principal, il n'y en a vraiment que deux qui nous concernent avec l'orchestre moderne. Et c'est le hautbois standard ou le hautbois de concert. Le cor anglais. Le cor anglais a généralement son propre joueur et sa propre ligne. Je pense que c'est un double, un double standard où l'on peut demander à un hautbois de jouer du cor anglais, mais je pourrais me tromper. J'ai peut-être besoin de regarder ça. Le cor anglais est un peu plus gros. Il a cette cloche de forme drôle, et elle a un ton un peu sourd. C'est moins nasalement. Il peut s'agir d'un son vraiment cool. Normalement dans un orchestre, si vous voulez un cor anglais, vous écrivez une partie de cor anglais. Pas le double du hautbois, mais je crois que vous pouvez, comme je viens de le dire, le hautbois lui-même. Voyons une photo d'un vrai hautbois. Cela ressemble beaucoup à une clarinette. Trouvez le hautbois moderne ici. On y va. On dirait une clarinette. Il est généralement noir. Il y a beaucoup de clés et de vannes dessus , puis il y a le mécanisme à double anche. Ici. Vous remarquerez l'une des grandes différences c'est que dans une clarinette, ils ont cet embout buccal qui protège un peu la lecture. Mais dans un hautbois, ils l'ont fait, les deux lectures sont en quelque sorte assis en sandwich ensemble et elles sont juste en plein air. Vous verrez que les joueurs de hautbois passent beaucoup de temps à sucer leurs lectures, pas vraiment à sucer, mais pour travailler, n' est-ce pas. Ils sont tous les deux. Ces lectures doivent être mouillées. Ils vont donc le faire pendant un certain temps avant de jouer. Ou bien souvent, ils auront comme un petit bidon sous le pupitre. Souvent, je les vois utiliser comme un vieux bidon de film comme une vieille école ou quelque chose avec de l'eau dedans et ils auront leurs lectures qui s'y trempent. De toute façon. Le Warren anglais fonctionne de la même façon. En ce qui concerne les lectures. C'est un instrument à double anche. Je pense que c'est tout ce que j'ai eu à dire sur les différents types de hautbois. Vous pouvez en trouver toutes sortes différentes. Mais les deux seuls qui apparaissent normalement dans l' orchestre moderne sont le hautbois, le hautbois de concert que nous appelons juste hautbois et le cor anglais. Parlons de la portée et de ce qu'ils ressemblent réellement. 46. L'ébauche : plage et son: Ok, les hautbois sont dans la clé de C, ils ne transposent pas d' instruments, bien que l'anglais avertit la réalité augmentée. Et la portée VR est à peu près ce B plat jusqu'à G, parfois a, disons, c'est l'une de ces choses qui sont un joueur pro peut faire tomber quelques notes supplémentaires sur le dessus. Mais le côté bas est fini. Il y a des trucs bizarres qu' un joueur professionnel peut faire pour obtenir une note en dessous de cela. Je pense que c'est vrai pour beaucoup d'instruments à vent, mais ils ne sont pas standard et vous ne devriez pas les écrire. N'oubliez pas que nous avons des clés pour les notes individuelles, donc il n'y a pas de clé inférieure à ce B plat. Mais vous pouvez baisser la tête vers le bas et vous pencher un peu, mais je pense que peut-être pas sur un hautbois. Quoi qu'il en soit, B flats ou note la plus basse. Allons-y avec ça. G est la note la plus élevée. Elles deviennent assez hautes, pas aussi hautes que les flûtes, mais elles deviennent assez hautes. La plage dynamique, comme la chose dont je parlais avec les fluides, n'est pas si prononcée avec YOLO. Le hautbois peut être beau et il est silencieux et parce qu'il est tellement bourdonné, il peut vraiment se couper même quand il est silencieux. Contrairement à la flûte. Et même quand il est dans son registre inférieur, il peut couper en quelque sorte, eh bien, sa portée supérieure ne crie pas fort. Ils ne jouent jamais à crier fort. Je ne pense pas que vous puissiez simplement souffler comme des forces pleines dans un hautbois. trompette chanceuse candidate, je pense que vous lirez, va juste se diviser avant d' obtenir ce genre de volume. Ils ne deviennent donc pas extrêmement bruyants. Mais même dans leur registre supérieur, c'est presque comme si vous connaissiez quelque chose sur la musique électronique, je pense toujours que les hautbois avaient un compresseur intégré. Comme eux, ils arrivent à ces notes élevées et il y a quelque chose qui l' empêche de crier fort comme ça. C'est un peu comme un compresseur autorégulant. Trop bizarre. Jusqu'à présent. Je ne vous ai pas vraiment joué les sons de ces instruments parce que je suppose que vous savez ce que la violence et violoncelle sonnent soudainement dans le fluide, mais peut-être que vous ne savez pas à quoi ressemble le hautbois. Voici une petite vidéo. Je vais juste en jouer un peu pour vous donner un petit avant-goût du son nasal du hautbois par lui-même. A commencé la vie au Moyen Âge en tant que très bon employé et quelques trucs. Mais c'est proche et affiché. Il se décompose en trois notes, commençant par nous et il en a apporté deux. Et puis j'ajouterai du vibrato. Dans certains pays. 47. Les types de clarinettes: Très bien, parlons de la clarinette. Ce sont ces choses. Il y a une tonne de clarinettes différentes. Cependant, seulement 2.532, disons, qui sont vraiment courants dans l' orchestre que vous trouverez. Le plus courant est celui-ci. C'est la clarinette si bémol, d'accord, donc c'est un instrument transposant et si bémol. Généralement, vous verriez cela comme une clarinette ou une clarinette en si bémol ou en si bémol. C'est la clarinette standard. L'autre clarinette est très standard, et l'orchestre est la clarinette basse. On dirait ça. C'est plus gros. Elle est nettement plus grande que ce que cette petite balle repose sur le sol. Et cela va dans la bouche du joueur et il s' assoit pendant qu'il joue. Deux fois plus de longueur, peut-être un peu plus. Clarinette normale. Le client de base, c'est un son magnifique. Il est évidemment beaucoup, beaucoup plus bas. C'est presque un son sensuel. Je pense que la clarinette elle-même est un son très malléable. Il se fond très bien avec tout le reste. Ce n'est pas comme le hautbois où il est vraiment lumineux et a ce son nasal. La clarinette est beaucoup plus crémeuse et peut être utilisée. J'aime l'utiliser comme une sorte de colle et d'accord. Vous savez, où il peut simplement remplir des notes et ne pas se démarquer. Mais si vous vouliez vous démarquer, il peut se démarquer. Plus d'informations à ce sujet dans la vidéo suivante. L'autre clarinette commune, mais que vous n'écrivez peut-être jamais pour elle, est la clarinette. La clarinette ressemble beaucoup à celle-ci. En fait, s'ils étaient en ligne, je ne serais probablement pas en mesure de faire la différence simplement en la regardant. La clarinette a un son un peu différent. Il est transposé différemment. Oh, je devrais dire que la clarinette basse est aussi en si bémol. La clarinette est évidemment un A. C'est juste un son un peu différent. Vous pouvez demander une clarinette. C'est un doublement qui serait permis. Vous pouvez demander à vos clarinettes si bémol d'attraper une clarinette. Ils en ont probablement un dans un orchestre standard. Cependant, je dirais, ne faites pas cela à moins que vous ne cherchiez un son très spécifique. Dans 99% des situations, la clarinette en si bémol ordinaire fonctionnera très bien pour vous. Ensuite, il y a tout un tas d'autres clarinettes. Il y a une clarinette en E bémol, une clarinette contrebasse, super basse. Clarinette Contra Alto. Il y a une clarinette alto. Il y a un piccolo, un D, un C, une clarinette basse. Le cornet est en quelque sorte une clarinette. Aucun de ces éléments n'est standard. Voici à quoi ressemble la clarinette. Vous voulez toujours en faire une photo. Aucun de ces autres n'est standard et je ne les demanderais pas dans une pièce d'orchestre. Je m'occupe juste de mes affaires, pour vraiment pour une clarinette si bémol. Je n'ai jamais trouvé besoin de sortir une clarinette. Mais j'ai beaucoup utilisé la clarinette basse. donc un orchestre très, très standard. Et si vous regardez une partition d'orchestre ou une partition d'orchestre moderne, orchestre moderne, vous verrez probablement deux clarinettes dans la partition, puis une clarinette basse. interprète doubler sur clarinette et clarinette basse n'est pas courant. Ce n'est pas un double courant. Vous avez généralement un clarinette basse dédié. Peut-être que dans un très petit orchestre, vous pourriez avoir ce doublement, mais ce n'est pas un doublement typique. Mais il est typique de s'attendre à un clarinette basse dédié car les clarinettes basses sont très populaires. Parlons de la portée et du son de ces instruments. 48. Le Clarinet : plage et son: Gamme de la clarinette. Avec les instruments de transposition, nous aimerions examiner la gamme de deux manières. Nous aimerions examiner la plage écrite et cette plage de sonorités. La plage écrite va jusqu'à ce E, jusqu'à ce Gs, quel que soit ce que c'est. E, F, G, A, B, C, D. Cependant, il sonne jusqu'à D, et jusqu'à E, F, G, A, B, C. C'est la chose transposante. Nous l'écrivons ici. C'est ce que vous allez vraiment entendre. Donc, si vous écrivez une partition de transposition et écrivez ce que nous obtenons réellement ici. Vous l'utilisez comme plage et une fois vous la transposez, elle ressemblera à cela. Il s'agit donc d'une clarinette en si bémol. En termes de dynamique et de choses. Il est assez polyvalent. Ils peuvent être silencieux et bruyants. Ils ne crieront jamais fort. Ils ne rivaliseront jamais avec les cuivres qui sont tout aussi bruyants. C'est un peu comme le hautbois de cette façon. Oui, je pense que je le comparerais dynamiquement au hautbois, même si je pense qu'il peut devenir un peu plus fort que le hautbois. La plupart du temps, c'est simplement un instrument à anche unique. Clarinette basse. Celui-ci est un peu plus bizarre dans la catégorie des transpositions. Il est également en si bémol. Cela se résume à cela, voyez, je pense que oui, C. Et jusqu'à cela. Cependant, là où il sonne est B plat jusqu'à ce G. Maintenant, il y a quelque chose de subtil ici qui est important et je suppose que ce subtil ici qui est important n'est pas si subtil. Mais c'est-à-dire que la clarinette basse est transposée par tout un pas à cause de la chose si bémol, mais aussi d'une octave. Et nous écrivons la clarinette basse en clef aigu. C'est un instrument de basse mais on l'a utilisé, mais il est très courant de l' écrire en clef aigu. Ne mettez pas votre clarinette basse à part. Dans une clef basse. Cela semble être la chose évidente à faire, mais vous ne le faites pas. C'est juste une de ces choses bizarres. Vous leur donnez une clef aigu. Les notes que vous allez écrire ressemblent à ceci. Ce que j'aime faire parfois, j'écris souvent des parties de clarinette basse dans une clef aiguës, et je viens d'écrire, je les écris sur une clef transposée mais en clef aiguës. Et puis, quand je vais les transposer, je les transpose, puis je le déplace d'une octave pour que ce soit juste. Il vaudrait mieux l' écrire dans une clef basse, que j'écris parfois aussi une pièce pour clarinette basse en ce moment. Clarinette basse et Marimba. Et est-ce que je l'écris dans une clé de basse ? J'écris en basse clef. Je l'écris dans une clé de basse juste pour avoir les bonnes notes. Mais, hum, je peux voir exactement quelles notes j'écris. Mais quand nous arriverons au produit final et que je le transpose, vais certainement le passer à une clef aiguës. Parce que c'est exactement ce que lisent les clarinettes basses. Un moyen très rapide et facile de se faire passer pour un amateur consiste à distinguer un clarinette basse dans une clef basse. Tu te souviens de ça ? Voyons quelques exemples. Voici un concerto de Mozart. J'ai rapidement passé l'introduction et nous allons entrer directement dans le solo. Alors, quand le solo commence, vous arrivez ici accompagné de flûtes. C'est donc ce que nous allons faire plus quand nous entrerons dans l'orchestration réelle. La façon dont vous combinez des instruments pour créer des couleurs différentes, mais essayez de vous accrocher uniquement au son de la clarinette. Et écoutons un peu cela pour que vous puissiez entendre que le son de celui-ci a actuellement ce son très crémeux. Il est très facile de mélanger avec beaucoup de choses différentes. Il est très polyvalent de cette façon. Voici un peu de Mozart. Comme vous pouvez l'entendre, c'est un son très doux, presque comme la flûte. En parlant de liquides, je suppose que je me suis trompé quand il est entré. Il n'était pas accompagné de liquides, il était accompagné de violences. Quoi qu'il en soit. Très habile. Vous pouvez vraiment écrire pour clarinette tout au long de la journée et ils peuvent jouer ce que vous écrivez pour eux. Il y a une étrange étrange à écrire pour clarinette que je voudrais souligner en écoutant ceci, l' un des passages de clarinette les plus célèbres de l'orchestre. C'est à l'ouverture de Rhapsody in Blue de Gershwin. Si vous n'êtes pas familier avec cette pièce, c'est vraiment une pièce fantastique. Gershwin a écrit beaucoup de musique, et cette pièce essaie vraiment d'intégrer le jazz et le blues, gospel d'une certaine façon dans le monde de l'orchestre. Il y a ce riff de clarinette qui s'ouvre extrêmement distinctif et extrêmement difficile. Mais peut-être pas pour la raison que vous pensez. Allons l'entendre. Revenez au début. Ce qui rend cela très virtuose, c' est que les glyphes d'ouverture qui peuvent maintenant être faits sur la clarinette comme vous l'avez entendu. Mais il y a une chose vraiment bizarre qu'ils ont rencontrée quand ils font ça, et c'est ce qu'on appelle la pause. Passons à une nouvelle vidéo et laissez-moi vous expliquer la pause. 49. Le pause !: Voici ce que vous devez savoir sur la pause. Vous verrez parfois des gens faire beaucoup de choses à propos de la pause. Il faut donc penser à la pause et à la clarinette. Quand 99% du temps vous n'avez pas à penser à la pause et à la clarinette. Un bon joueur connaît son chemin. Et ce n'est rien auquel vous devez vraiment penser. Mais il y a quelques cas où il faut penser à la rupture de la clarinette. Ce serait du glissando. Si vous allez prendre note de glycérol, vous devez penser à la pause. Si vous écrivez simplement un passage très rapide, vous devriez penser à la pause. Voici ce que c'est. On pense que les notes de clarinette se trouvent dans différents registres. Il y a les trucs bas, le milieu dans les choses les plus élevées. Lorsque vous jouez des notes plus bas, lorsque vous montez de plus en plus haut, vous faites certaines choses avec vos doigts pour obtenir ces notes. Lorsque vous arrivez au sommet du bas, vos doigts sont dans une certaine position. Ensuite, vous arrivez au fond du milieu. Suivez-moi. Pour changer de registre. Vous devez passer à un tout nouveau poste. Tous vos doigts doivent bouger. Fondamentalement, cela simplifie un peu ça. Mais ce n'est pas comme passer de C au milieu en C pointu, on pourrait simplement ajouter un doigt vers le bas. Mais passer du haut de ce registre inférieur au bas du registre du milieu signifie renégocier tous vos doigts. Cela se produit en gros autour de a pour être sur en fait, c'est exactement a to b sur le bâton de clef aiguës. Ces notes, je crois que c'est ton ou non, cela va être transposé parce que c'est ce qu'ils vont faire. Transposez donc la hauteur A à B. Maintenant, il y a une note entre les deux, il y a un plat. Pour rappel, je ne suis pas clarinette. Je ne connais que ce manuel. Je pense que le B flat pourrait être joué en haut du registre bas ou en bas du registre du milieu. Passer entre le registre du milieu et le registre supérieur pose moins de problèmes pour une raison ou une autre. Mais si vous écrivez un glycérol et qu'il dépasse cette pause, il faut un très bon joueur pour le faire en douceur. C'est une technique très virtuose de pouvoir plier une note , puis renégocier tous leurs doigts et continuer à la plier sans que vous l'entendiez. Cet enregistrement que nous venons d' entendre dans la dernière vidéo. C'était un très bon joueur. Ils ont passé la pause avec ce verre et nous ne l'avons pas entendu. Il faut beaucoup de pratique pour en faire un seul endroit. Les glyphes en soi sont plutôt difficiles. Mais la glycérine, ce point particulier au milieu, est la plus difficile. Si vous voulez écrire un glyphe. Vous voulez éviter d'écrire ces glyphes pour dépasser cette rupture. Si vous voulez écrire un passage très rapide, évitez ce passage. Passer la pause ou essayer de faire quelque chose qui leur donne un peu d'aide pour surmonter la pause. Si j'écrivais un gros passage chromatique, puis il a continué et a franchi cette pause. Je pourrais essayer de créer un repos de 16e note juste pour leur donner un endroit pour respirer et renégocier leurs doigts pour surmonter la pause. Si vous ne faites pas de glyphes ou n'écrivez pas de passage rapide, vous n'avez pas vraiment à vous en inquiéter. Ils vont le comprendre. C'est quelque chose que les clarinettes s' entraînent tout au long de la journée. Ils peuvent donc très bien le faire. C'est juste dans ces choses vraiment difficiles que vous devez penser à la pause. C'est tout. 50. Les types de basons: Parlons de l'un de mes instruments préférés à New York, en plus. Le basson. Le basson ne reçoit pas autant d'amour qu'il le devrait. C'est un instrument magnifique, difficile à jouer. C'est un instrument à double anche, peu comme le hautbois. Et il a ce genre de flou puis de son nasal que le hautbois a. Mais c'est presque comme s'il y avait un filtre sur le dessus pour enlever une partie du nez et faire un son vraiment crémeux. Il s'intègre très bien. Il peut faire des trucs percussifs vraiment sympas. En plus d'une seconde, parlons des différents instruments. Il y a deux types de bassons différents que vous rencontrerez. Et il est assez courant pour un orchestre d'avoir les deux. Le premier est celui que nous venons d'appeler le basson. On dirait ça. Et le second, c'est la contrebasson. C'est une octave inférieure, peut-être un peu plus qu'une octave inférieure. Un son similaire, mais c'est plus lent. En général, dans un orchestre, vous avez deux bassons et peut-être un joueur de contrebasson. Ce n'est généralement pas un doublement que quelqu'un passe à la contrebasson, si vous avez une partie de contrebasson, vous avez généralement un joueur de contrebasson dédié. Ce n'est pas le cas, le basson ne se transpose pas. Le basson est en C, c' est une autre raison pour laquelle je l'aime bien. Hum, c'est la portée. Laissez-moi voir si je peux augmenter sa portée. Le voilà. Écrit en clé de basse. Ils font apparaître la clef ténor à l'occasion. Si vous écrivez pour eux pendant une longue période de temps, vous pouvez passer à cela. A plat jusqu'à o. Qu'est-ce que c'est ? A, C, C, C, A, C, B à plat à C. Jolie, assez grande portée. La contrebasson est la même plage, mais une octave inférieure. Et la contrebasson se transpose, mais seulement par octave. Vous pouvez donc écrire la même plage pour la contrebasson, mais vous allez l' entendre en octave plus bas. Est-ce logique ? n'y a pas d'autres variantes du basson. Orchestre standard. Il y a d'autres bassons que les gens ont créés au fil des ans et il y en a beaucoup différents, mais dans l'orchestre standard, nous avons juste ces deux bassons qui sont des choses communes. Je veux vraiment le dire. Juste une minute. Il y a quelque chose dans le basson qui reçoit souvent des rires de la part des jeunes. Quand on regarde une partition. Il est courant de regarder la partition et la partition plus ancienne et de voir le basson sous son nom allemand ou italien, qui était beaucoup plus courant pour lui. Si vous regardez des partitions de pratiquement n'importe quel répertoire classique, ce nom était, je vais l'épeler FEG, T, T ou T, T ou T TO, selon la langue et si elle est au pluriel, mais FAD OTT, ce mot tel que je le comprends, se traduit à peu près par un paquet de bâtons. Et si vous regardez le basson, il est composé de plusieurs tubes de bois. C'est un peu comme un paquet de bâtons. Maintenant que je suis peut-être en train d'en déduire certaines choses ici, mais ma compréhension de l'utilisation moderne de ce mot est qu' il est également utilisé pour signifier un paquet de bâtons. Et c'était un paquet de bâtons pour allumer un feu, brûler des gens, brûler des homosexuels. Et c'est en anglais, nous l'appelons le basson. En français, nous l' appelons le basson. Je ne sais pas si, en allemand, en italien et en espagnol, ils l'appellent toujours ainsi. Ou s'ils ont adopté le basson, mais pas un mot que je veux dire, même en référence aux bassons. Je vais juste appeler ça le basson. Un morceau d'histoire intéressant. Il n'y a aucun lien avec le basson, le basson lui-même. Et les homosexuels, lesbiennes, transgenres, GLBT, QIAT, les gens, ce n'est pas une chose. Tout remonte à la connexion de la définition de ce mot comme un paquet de bâtons. qui est quelque peu exact pour le terme basson et pour ce que l'instrument est tout à fait terrible pour l'autre, pour son utilisation dans l'autre sens. Bon, ça suffit. Parlons de ce que ça ressemble. 51. Le basson : plage et son: Nous avons déjà parlé un peu de la gamme et de la transposition du basson. Je veux parler brièvement de la courbe dynamique, comme nous en avons parlé avec certains autres bois. Mais comme il devient de plus en plus fort à mesure que vous devenez de plus en plus haut, basson est un peu opposé à cela. Sa faible portée a beaucoup plus de puissance que sa gamme élevée. C'est sauvage haut de gamme, beau c'est qu'il est difficile d'avoir beaucoup de puissance derrière elle pour ne pas avoir les notes hautes criantes et bruyantes. Vous obtenez ce genre de belles notes mélodiques volantes là-haut. Mais sa vraie puissance, c' est son bas de gamme, il est bas et il ne va toujours pas rivaliser avec les cuivres, mais il est bas et c'est là que vous pouvez obtenir ces sons, ces sons très cool et graveleux plus fort et il est bas de gamme qu'il ne l'est dans son extrémité supérieure et supérieure. Je veux écouter. Hear est un peu une pièce pour basson et piano, juste pour nous donner une idée du basson lui-même. Nous sommes dans la fourchette moyenne et supérieure. Et vraiment beau son mélodique. C'est comme un hautbois, mais il est plus bas et moins nasalement. Écoutons l'un des passages les plus célèbres de BSN. C'est le début de Rite of Spring de Stravinsky. Allons l'entendre. La clarinette arrive là-dedans. Ok, donc c'est vraiment haut pour le basson, c'est son registre le plus haut. Les trucs percussifs dont j'ai parlé auparavant, c'est vraiment ce bas de gamme où ils peuvent gifler un peu la lecture. Je ne sais pas si c'est exactement ce qu'ils font, mais c'est ce que ça me semble. Et ils ont ce lit, mais ils peuvent faire des trucs sympas. J'aimerais en avoir un exemple. voici un bon. Vous entendez ce bas de gamme, ce large LowEnd est vraiment puissant. Mais bientôt. 52. Les types de saxophones: Parlons de saxophones. Ou comme le disent les Simpson, homophone de Sachs, homophone, désolé, c'est une blague super datée de ma part. Il y a des tonnes de saxophones différents. Je veux vraiment me concentrer sur les quatre standards. Les autres que vous ne trouverez vraiment pas dans aucun type d'orchestre ou de contrebande. Non, probablement pas. Il y en a beaucoup, mais il y quatre qui sont comme la norme. Vous pouvez le voir ici. ECMO séparé, Nino séparé. Ceux-ci sont assez rares. Il est rare de les rencontrer. Les quatre standards, soprano, alto, ténor et baryton. Soprano. Dans un orchestre, c'est même assez rare. Mais vous pouvez le faire si vous le souhaitez. Les quatre que nous allons examiner le sont. Voici la soprano. On dirait un peu une clarinette. C'est comme une clarinette en laiton. Maintenant, vous pensez peut-être, attendez, s'ils sont faits de laiton, pourquoi ne sont-ils pas considérés comme des cuivres ? Ce serait une bonne question. Ce sont des instruments redidés. Ils prennent une lecture dans le même mécanisme qu'une clarinette. Nous les classons comme des bois. cuivres sont munis d'un embout buccal circulaire dans lequel vous soufflez ou que vous bourdonnez qui produit le son. Ainsi, même s'ils sont en laiton, ils sont classés comme des bois, principalement parce qu'ils ont une lecture. Même si les fluides n'ont pas de lecture. C'est exactement comme ça. saxophones sont classés comme des bois. Soprano, c'est haut. C'est vrai, il peut avoir un son très luxuriant. Très peu comme une clarinette parce qu'elle a un peu de flou. C'est un peu plus abrasif qu'une clarinette, mais il peut quand même être très, très doux. Le saxophone alto, l'un des plus courants, relativement élevés, on peut penser un saxophone alto. Vous pouvez le comparer à une clarinette. peux y aller, je pense que vous pouvez aller un peu plus bas que la clarinette. Nous regarderons les gammes dans une minute. Mais semblable à la soprano. Joli son. Un peu plus floue que certains des autres instruments, mais pas aussi buzzy qu' un hautbois peut combler ce rôle. Ténor, plus bas, immobile, un peu plus sombre, un ton plus sombre. Mais toujours de la famille des saxophones. Puis baryton, ils n'avaient pas de photo, mais c'est un peu comme un ténor plus gros, un saxophone baryton ou des Berry Sachs. Big Fat Low End. Je veux dire beaucoup que le basson était plus proche d' un tuba baryton ou quelque chose comme ça. Il y a un grand, gros et encombrant bas de gamme. C'est vraiment un son bas de gamme génial. Maintenant, l'une des choses qui est très attrayante dans l' écriture pour saxophone est que j'ai trouvé que l' écriture pour saxophone peut être vraiment agréable parce qu'on peut écrire, et je pourrais avoir des ennuis. pour dire cela, mais vous pouvez écrire pour saxophone tout au long de la journée et tant que vous êtes conscient de la portée de l'instrument, vous n'avez pas vraiment à penser à autre chose. Je pense qu'ils doivent s'occuper de quelque chose comme le frein des clarinettes, mais ce n'est jamais vraiment un problème. Ils ont des moyens de contourner ça. Vous n'avez pas besoin de penser à la pause. Vous n'avez pas vraiment besoin de penser à tout ce vous pouvez simplement écrire. Vous pouvez simplement écrire des notes, des notes, des notes, des notes, des notes. Et ils pourront le jouer. C'est un instrument très facile à écrire pour l'ensemble d' un quatuor de saxophone avec les quatre, ou parfois nous trouvons des quatuors de saxophone sans soprano et deux altos. Ainsi, pour alto, ténor et Barry est un ensemble vraiment merveilleux, un quatuor vraiment cool, écrit un tas de pièces pour un quatuor de saxophone et un quintette, où l'on assiste à une soprano ou à un second ténor. Excellents instruments de sonorisation. Maintenant, comme je l'ai déjà dit, ce ne sont pas des instruments d' orchestre typiques. Si vous allez votre symphonie locale et que vous voyez Beethoven se produire. Il y a des saxophones étonnés. Les personnes sexuelles ont été inventées au 19e siècle en fait, je crois que je viens de voir 1890 quelque chose était le brevet. Je viens de le lire sur cette page Web quelque part ici. Mais je pense que 1890 était le brevet sur eux. C'est donc l'un des instruments les plus récents qui sont devenus un instrument standard. Très rare de les trouver dans des orchestres, mais dans les pièces modernes, on les trouve parfois dans l'orchestre. Une chose à laquelle il faut penser, si vous allez les mettre dans l'orchestre. N'oubliez pas que c'est un peu difficile pour l' orchestre de les utiliser. Ils doivent engager des joueurs de l'extérieur de l' orchestre et les faire venir. C'est donc une dépense supplémentaire, ce qui est un moyen. Ce que je dis ici, c'est que si vous êtes un compositeur établi et l'orchestre veut jouer votre musique, que l'orchestre veut jouer votre musique, ils paieront ces frais supplémentaires pour les faire venir. Mais si vous commencez tout juste à écrire de la musique pour orchestre, vous n'êtes pas un nom connu dans le monde de l'orchestre. Ensuite, l'ajout de saxophones rend un peu plus difficile pour eux de jouer votre musique. Donc, vous ne devriez probablement pas le faire. Vous voulez que les choses soient aussi faciles que possible. Vous utilisez donc une instrumentation très standard. Rien de vraiment bizarre dans votre musique. Il est donc facile pour les orchestres de le jouer. Une fois que vous avez bâti une réputation, vous pouvez demander ce genre de choses différentes comme la section saxophone. Mais au fur et à mesure que vous commencez, je n'ajouterais pas de saxophones, mais vous pouvez le faire. On va donc parler de lui. 53. Le saxophone Alto : plage et son: Parlons du saxophone alto. Sauvez la soprano pour la quatrième, car c'est plus rare. Allez à l'alto, au ténor, Barry, puis étendez-vous. De toute façon. Le saxophone alto est un instrument de transposition. Il transpose le E-flat, donc c'est une sorte de grosse transposition. Lorsque vous l'écrivez, vous écrivez B à plat jusqu'à ce F. Oui. C'est sa gamme. Encore une fois, il y a quelques techniques pour dégager quelques notes supplémentaires au-dessus de cela. Mais pas vraiment pour aller en dessous de si bémol, il y a des choses qu'ils peuvent faire appelées sous-tons, où ils peuvent obtenir quelques notes plus bas, mais c'est une technique vraiment extrême. Ne faites pas ça. À moins que vous ne travailliez avec un soliste. Ensuite, vous pourriez peut-être le considérer écrit et ensuite sonner jusqu'à cet appartement en ré. Et puis après ces A-flat, écrits en sonnant un peu différent parce qu'il transpose beaucoup. Encore une fois, le saxophone alto a un son un peu bourdonnant. Nous associons beaucoup le téléphone Sags au jazz. Donc, si vous voulez faire quelque chose jazz dans votre pièce utilisant les téléphones saxophones, c'est vraiment une bonne façon de le faire. Mais ils pourraient faire bien plus que du jazz. Les saxophones peuvent faire beaucoup de choses vraiment cool. Voici un petit avant-goût du saxophone alto. Je suis comme, oui, c'était un peu, c'était du jazz. Mais lorsque vous assemblez ces axones, un ensemble, ils peuvent être de très bons instruments d'accord. En fait, j'en parlerai plus avec un ténor. Passons à autre chose et parlons de la note ténor. 54. Le saxophone de Tenor : plage et son: Le saxophone ténor et d'autres types de pas plus bas, rapportant en quelque sorte à la façon dont la violence, les altos et le violoncelle fonctionnent. Le ténor est la gamme du violoncelle. quelque sorte. Maintenant, je voulais mentionner une chose à propos des ténors, quand il s'agit d'accords. Je vais changer de vitesse juste une seconde ici et parler des cornes ou des cornes françaises. Nous parlerons des cornes françaises plus tard. Quand on parle des cuivres. Dans mon monde idéal, je remplacerais si je pouvais écrire, si je pouvais redessiner l'orchestre. C'est du blasphème. Ce que je vais dire, non, ce n'est pas un manuel. C'est mon opinion personnelle. Mais si je pouvais redessiner l'orchestre, je dois m'assurer que personne ne cherche. Quand je dis cela, je me débarrasserais des cornes. Je vais me débarrasser des cornes et les remplacer par, il y a généralement quatre cornes, donc je les remplacerais par deux saxophones ténor et par des téléphones saxophones alto, ou peut-être simplement pour les ténors X-Files. Gamme similaire, instrument beaucoup plus fiable. Et la façon dont j'utilise des cornes pour remplir un accord fonctionne très bien pour les saxophones ténor. De plus, nous parlerons plus tard des cornes et de mon dédain pour l'horreur. Je suis un peu célèbre dans mon petit cercle d'amis car, malgré l'utilisation de cornes, de cornes françaises , plus tard, parlons des ténors. Saxophone ténor, un peu plus bas. Le saxophone ténor transpose également différentes transpositions. Maintenant, si plat, transposition un peu plus facile à regarder. Nous l'écrivons dans une clef aiguës. Vous écrivez tous les saxophones et clef aigus. B-flat jusqu'à F sonne cependant, est bas dans une clef basse, une clef plate, jusqu'à E plate. Vous pouvez donc voir ici pourquoi nous transposons, comme en saxophone alto, saxophone ténor et même en saxophone barrières. La plage écrite est la même. Nous écrivons la même gamme. Cela signifie que quelqu'un peut basculer entre ces joueurs car il est relativement facile de basculer entre eux en termes de notation. Mais les sons qui sortent vont être différents. A plat à plat E moins une octave. Donc, transposition B plate plus une octave. Écoutons un peu le saxophone ténor, et allons voir le même gars Loa en pitch cette fois-ci jusqu'au saxophone ténor en si bémol. Il s'agit d'un instrument emblématique de l'histoire du jazz, blues, du rock and roll, musique contemporaine et pop. Joli son crémeux. Il y a un peu de bourdonnement. Mais très bon son pour l'orchestre. C'est un peu dégoûtant. Nous ne les avons pas plus souvent dans l'orchestre, mais c'est ce que c'est. Parlons de la 55. Le saxophone Baritone : plage et son: Barry Sachs, génial, bas de gamme. Si vous n'avez jamais vu l'une des choses les plus cool sur différents axes, il y a ce type sur YouTube ou TikTok ou donc je pense que c'est en fait deux gars où ils jouent un sac à baies. On dirait qu'ils sont probablement dans le métro à New York. Et ils ont essentiellement ce genre de danse sauvage qu'ils font. Et c'est vraiment percussif, très sac. Parfois, ils collent un cône de circulation dans la cloche des sacs. Ils réalisent ces vidéos et se contentent se balancer sur divers numéros. Des trucs géniaux et géniaux. J'aimerais connaître le nom, je peux juste dire ce que c'était, mais cherchez Barry Sachs, cône de circulation, mec. Et vous le trouverez. De toute façon. Barry sacs, encore une fois écrit plage B plat à F, plage de sonorisation, clef basse, D plat à C, D, E, F, G, A-flat. Il s'agit donc d'un instrument E plat, donc transpose en E-flat plus une octave vers le bas, peut-être deux octaves vers le bas, en fait. Encore une fois écrit en clef aigu, mais son et clef basse. Allons entendre. Donc. Nous arrivons enfin au saxophone baryton E flat. Ce très gros instrument est le plus bas de la famille des saxophones couramment utilisée. Il s'agit d'une octave totale inférieure à celle du saxophone alto, à des octaves pleines inférieures à celles du Sapir et du sexe anal. Je veux dire une autre chose avant de quitter le baryton. Il y a encore quelques saxophones que vous verrez là-dedans. Ils ne sont pas largement utilisés. Le couple qui descend, il y a le saxophone basse, le saxophone contrebasse. Si vous regardez le saxophone contrebasse, c'est tellement grand. Je pense que c'est celui qu'il faut deux personnes pour y jouer. Regardons ça. Comme si une personne devait se tenir debout sur une chaise. Contrebasse, saxophone. La plupart des gens ne savent même pas qu'ils existent. J'ai même eu des gens qui me disaient qu'ils ne faisaient pas l'amour. Maintenant, ce n'est pas celui auquel je pense. Mais c'est un saxophone bas. Il y en a un que vous voyez flotter sur internet tous les deux ans où une personne qui doit souffler, il doit se tenir debout sur une chaise et l'autre personne, comme les doigts ou les notes basses. Il faut deux personnes. C'est juste comique. Vous ne verrez jamais cela en pratique. Parlons de soprano. 56. Le saxophone Soprano : plage et son: Bon, et le saxophone soprano, encore une fois, nous ne les voyons pas beaucoup même dans les rares occasions même dans les rares occasions où nous avons des saxophones et l'orchestre, je ne vois pas beaucoup de sopranos. Je pense qu'ils jouent un rôle très similaire à celui du hautbois. Vous pourriez aussi bien utiliser un hautbois à ce moment-là. Mais ils méritent d'être soulignés. Le saxophone soprano est en si bémol. Vous pouvez voir ici que son son son son son est plat jusqu'à E plat alors qu'il est écrit, le même que tous les autres, B plat jusqu'à F. C'est la hauteur du saxophone soprano. Allons-l' entendre, ainsi qu'un saxophone soprano incurvé. La version à rayures de cet instrument est très courante. Il s'agit d'un saxophone soprano à rayures B plates. Il est lancé le jeu de la même manière que la trompette et la clarinette. Mais j'ai aimé cet opéra Nina, sexy, amusant. Cet instrument se joue devant la plage de la même manière qu'une clarinette, son sort. C'est le saxophone soprano. 57. Effets de bois spéciaux: Bon, donc pour en revenir à l'ensemble, tous les bois assemblés, je veux parler de quelques effets, effets spéciaux qui peuvent être réalisés avec toutes ces choses je vais souligner. dans les deux prochaines vidéos, je suppose qu'être assez standard est un mot bizarre quand on parle d'effets spéciaux. Il y a des choses qui ne feront de pause à personne. Ils ne sont pas comme le col legno sur le violon et où il est réellement dommageable pour l' instrument. Mais il y a des choses que beaucoup de joueurs peuvent faire et vont faire, mais vous pouvez réfléchir attentivement à les faire, surtout pour la dynamique. Les deux choses en particulier dont je suis sur le point de parler, l' une d'elles est vraiment calme. Ne fonctionne donc que dans une situation très rare. Et l'autre ne peut être fait que très fort et n'est pas un son particulièrement agréable. Je suppose qu'il ne s'agit que de parler ces deux choses et de plonger. 58. Clics et cliques clés: Clics de touches et air. J'ai entendu les utiliser dans beaucoup de pièces et ça peut être très bien fait. Ça ne peut pas être vraiment cool. Permettez-moi de vous montrer tous ces instruments à vent. Ils ont tous beaucoup de clés. Et chacune de ces touches, ces touches font peu de sons. Si vous pensez ne pas souffler dans l'instrument et simplement jouer avec des clés. Si vous pensez, eh bien, c'est un son idiot. Avez-vous déjà fait cette chose ? Je me souviens que quand j' étais petit, je suis allé au camp et nous avons fait cette chose où tout le monde, comme se frotter les mains sur les jambes comme ça. Vous ne pouvez probablement pas entendre ça, mais c'est un peu comme le son. Comme si c'était vraiment calme. Mais si vous demandez à 100 personnes de le faire, ça ressemble à de la pluie. C'est tellement bizarre. Il y a ces sons vraiment silencieux qui, lorsqu'ils sont faits par 100 personnes, peuvent être un effet vraiment cool. Les clics clés peuvent être que si tous les bois font cela, cela peut produire un son cool. Maintenant, il ne sera pas permis, peu importe ce que vous faites, il ne sera pas permis de sonner. Cela doit donc être orchestré et juste une telle façon où il n'y a presque rien qui se passe pour que cela puisse vraiment se faire entendre. Mais cela peut être un effet cool et tout ce que vous avez à faire, vous n'avez pas à écrire les notes à jouer. Il suffit d'écrire la clé en anglais ou quelle que soit votre langue. Cliquez sur les touches, puis donnez-leur du rythme si vous le souhaitez. Ou vous pouvez simplement dire des notes rapides aléatoires. Il suffit d'écrire ça en anglais et ça leur dira d'y aller. Comme ça. On dirait une cascade si un tas de gens le font. Ou un ruisseau, quelque chose, qui peut être un effet cool. Ce qui va être vraiment calme. Une autre chose, c'est juste l'air. Essentiellement. Vous pouvez dire à un joueur de sauter à travers son instrument sans rien faire, sans créer le son, la vibration. Donc, en gros, ça va vraiment ressembler à ça parce que je n'ai pas de lecture, mais un peu comme ça. C'est essentiellement ça. Une fois encore. Si vous faites cela dans toute la section du vent, il peut s'agir d'un son cool. Bien soigné, mais c'est très, très calme. Les cuivres peuvent également le faire à cette note. Les cordes peuvent également le faire pour que les cordes puissent simplement s'asseoir là et partir. Rien ne vous empêche de faire ça. Et j'ai vu des pièces qui demandent à tous les membres de l'orchestre aller siffler ou de faire quelque chose comme ça. Tout va bien. Vous pouvez leur demander de le faire. Mais aussi contre dire : Oh oui, je n'allais pas en parler, mais ce genre de question a potentiellement soulevé une question que quelqu'un pourrait avoir et me laisser juste y répondre. Sourdines. sourdines ne sont pas très courantes sur les instruments à vent. Ils ne fonctionnent pas très bien. Vous verrez que la plupart des instruments à vent, l' exception de la flûte, ont une cloche au bout d'eux. Le liquide n'a même pas de cloche, c'est juste un tube et il ne sort pas comme un cône. Comme la plupart d'entre eux ont le son, en fait, la majorité du son. Je ne devrais pas dire qu'une grande partie du son sort. Les trous et les choses de l'instrument à vent. Tout ne sort pas de la cloche. Donc, mettre un muet ici ne change pas vraiment le son. Et c'est vrai pour tous les bois. Les sourdines existent pour les instruments à vent, mais elles ne sont pas extrêmement efficaces. Je ne recommanderais pas de le faire. Mu pour être quelque chose comme parfois vous les verrez prendre un morceau de tissu et le coller dans leur cloche. saxophones font ça. Parfois, les clarinettes peuvent le faire. Cela ne change pas tellement le ton. viandes sont assez rares pour tous les bois. Parlons maintenant de faire quelque chose de super fort. 59. Multiphoniques: C'est un autre sujet sur lequel on m'interroge beaucoup. Parce qu'à un moment donné, vous avez peut-être entendu dire qu'il est possible que certains instruments à vent jouent plusieurs notes à la fois. Et tu as raison. Il existe un moyen de jouer plusieurs notes à la fois sur ces instruments. Ils sont appelés multi-facteurs six. Maintenant, avant d'être excité, vous pouvez écrire un contrepoint en deux parties pour un seul instrument à vent. Permettez-moi d'expliquer comment ils fonctionnent. La façon dont ils fonctionnent, c'est que vous ne pouvez pas choisir deux notes. Il existe certaines combinaisons de notes que vous pouvez faire. La façon dont ils sont faits, c'est qu'ils ont deux doigts, l' instrument de cette manière. Et certains d'entre eux comprennent comme un doigt à moitié, à moitié sur une note et à faire des choses étranges. Et puis généralement, ils doivent trop souffler. Vous devez donc souffler très fort. Cela crée un son contenant plusieurs notes. Ils ne peuvent pas se déplacer autour des notes à l'intérieur de cela. C'est comme Bam, ils peuvent le frapper. Et c'est vraiment difficile à faire. Ce n'est donc pas quelque chose que l'on peut s'attendre à ce qu' un non-professionnel fasse. Il faut beaucoup de recherches pour écrire pour ces derniers, car faut savoir quelles notes dans son ou en accord et celles qui ne le sont pas, et celles qui peuvent être faites. Vous pouvez donc trouver des graphiques sur la façon de les faire. J'ai rapidement googlé et trouvé ça. Généralement, lorsque vous les écrivez, vous allez écrire les notes qui retentiront. Et puis c'est comme un petit tableau de doigté qui indique ce qu'ils doivent faire pour obtenir cela. Vous incluez ceci ou quelque chose de similaire à celui-ci sur la partition qui leur indique comment procéder. Avant que je vous joue à quoi ça ressemble. Ce sont des sons durs. Ils ne sont pas jolis, je ne peux pas penser à une partition d'orchestre dans laquelle je les ai jamais vues. Donc, ne faites pas ça. Cela ne peut être fait que très fort. C'est un peu peu fiable aussi, car parfois ils doivent les frapper et c'est car parfois ils doivent les frapper et c'est tellement délicat de les faire correctement, qu'ils sont vraiment réservés à un soliste et même à ce plutôt bon. Ceci étant dit, voici un vieux morceau de mien, un très vieux morceau de mien. Où je l'ai fait comme c'est pour le saxophone solo. Et je travaillais avec une sorte d'interprète virtuose ici. J'ai écrit un groupe de sénateurs multifamiliaux. Ce petit diagramme est donc destiné au saxophone dans ce genre de choses qui leur explique ce qu'ils doivent faire pour obtenir ce son. C'est un tableau de doigté. C'est le résultat. Ce sera un si bémol, un B naturel, je pense, un F tranchant. Maintenant, certaines de ces notes vont être désynchronisées et c'est plutôt gênant. Je pense que dans cette section, il y en a quelques-uns, oui. voici un autre où il y a quatre notes. voici un autre où il n'y a que deux nœuds et F-Natural sur un F-Sharp. Mon objectif, pour cette section de cette pièce, était simplement de rendre cela aussi sourd que possible. En gros, c'est une bonne façon de le faire. Cette pièce est destinée au saxophone et à l'ordinateur. Donc, le matériel informatique n'est qu'un son préenregistré. Permettez-moi de vous montrer à quoi ça ressemble. Je suppose. Gardez à l'esprit que ce n'est pas exactement mon matériel de jeu. Bon, je vais aller dans cette section. C'est un autre truc où ils jouent la même note. Deux façons différentes. Je pense que ça serait classé comme bis big Leandro. Un trill entre jouer la même note, deux façons différentes qui les rendent légèrement déconnectées l'une de l'autre, crée un son plutôt intéressant. Laissez-moi trouver cet endroit. Nous y voilà. Cette note. Bouche entière. Ils l'ont acheté. Ce n'est pas ce qui se reproduit à la page suivante. Pas un son agréable, efficace quand il voulait juste faire quelque chose de vraiment noueux. Mais lorsque vous parlez de travailler dans un orchestre, ne faites pas cela. Ne faites pas de multiphonique dans un orchestre. Ce n'est pas la même chose qu'un double arrêt pour un violent. 60. Qu'est-ce qui se passe à la suite ?: Bon, on est arrivés à la fin de la première partie. Maintenant, comme vous l'avez peut-être remarqué, j'ai décidé de diviser cela en plusieurs classes parce que je pense que les gens vont les utiliser comme référence pour revenir. Et je ne voulais pas faire qu'une seule classe géante. J'ai eu un million de choses aussi. avoir en petites bouchées comme mieux sur certaines plates-formes, c'est juste, c'est une chose. Vous avez donc terminé la première partie. Nous nous sommes attaqués à l'instrumentation. Appelons ça l'instrumentation première partie que nous allons faire, la prochaine section sera consacrée à l'instrumentation, deuxième partie, nous allons commencer par les consacrée à l'instrumentation, deuxième partie, cuivres, passer à la percussion, et ensuite, nous allons nous pencher sur le travail avec la voix et les chanteurs. Et enfin, une catégorie que j'appelle tout reste où nous parlerons de guitares, d' orgues, de harpes, d'autres instruments à clavier, d' accordéon, de flûtes à bec. D'autres choses que vous pourriez rencontrer. Soyez la deuxième partie. Ensuite, nous allons nous attarder dans les choses d' orchestration. Comment combiner toutes ces couleurs pour réaliser une peinture. Je ne peux pas encore dire avec certitude combien de temps, combien de parties il y aura. C'est l'une de ces choses que les gens obtiennent un doctorat dans ce domaine. Je pourrais donc descendre profondément le trou du lapin et je peux probablement continuer aller plus profondément et plus profondément. Je ne pense pas que j' atteindrai un niveau de doctorat, mais cela permettra d' approfondir l'analyse des scores. Nous devons d'abord passer par les trucs d' instrumentation. Alors, s'il vous plaît, cherchez le prochain cours. Orchestration aux cuivres, voix de percussion. Tout le reste va le faire , puis nous allons approfondir le truc de l'orchestration. On se voit dans le prochain. 61. Conclure !: Salut tout le monde, je veux en savoir plus sur ce que je suis en train de faire. Vous pouvez vous inscrire à ma liste d'e-mails ici. Et si vous faites cela, je vous informerai quand de nouveaux cours seront publiés et quand j'ajouterai ou modifie des cours auxquels vous êtes déjà inscrit. Passez également à la caisse sur ce site. J'y poste beaucoup de choses et je m' y renseigne tous les jours. Alors, s'il vous plaît, venez traîner avec moi. Et l'un de ces deux endroits est ou les deux ? Et nous vous y verrons.