Les meilleurs fermoirs en acrylique pour les débutants | ROBERT JOYNER | Skillshare
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Les meilleurs fermoirs en acrylique pour les débutants

teacher avatar ROBERT JOYNER, Make Art Fun

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      3:05

    • 2.

      Comment utiliser la plateforme

      10:00

    • 3.

      Fournitures de matériel de démarrage rapide

      6:28

    • 4.

      Faits en acrylique

      3:45

    • 5.

      Mise en place d'un espace de travail

      1:31

    • 6.

      Anatomie du pinceau

      2:31

    • 7.

      Quatre poignées de brosse courantes

      3:00

    • 8.

      Comment préparer et appliquer la peinture

      4:47

    • 9.

      Explorer la mécanique du coup de pinceau

      2:41

    • 10.

      Mécanique de peinture

      5:28

    • 11.

      Mécanique du travail au pinceau

      3:06

    • 12.

      Mécanique du travail au pinceau pour les formes courbes

      5:24

    • 13.

      Deux méthodes de mélange communes

      3:35

    • 14.

      Gradation mixte

      4:15

    • 15.

      Gradation non mélangée

      2:50

    • 16.

      Mélangé sur du papier

      3:03

    • 17.

      Lignes et points

      3:21

    • 18.

      Gradation terminée avec des points mélangés

      3:56

    • 19.

      Teintes et gestion de la palette

      3:18

    • 20.

      Bases du mélange de couleurs

      10:19

    • 21.

      Comment teindre des teintes en utilisant le blanc

      3:23

    • 22.

      Comment teindre les teintes dans la famille de couleurs

      3:58

    • 23.

      Comment ombrer les teintes

      4:51

    • 24.

      Comment ombrer les teintes en utilisant la famille de teinte

      4:38

    • 25.

      Chroma, saturation et intensité

      6:35

    • 26.

      Utiliser des teintes gratuites pour désaturer

      3:52

    • 27.

      Bases de l'harmonie des couleurs

      5:19

    • 28.

      Voir la valeur

      4:46

    • 29.

      Comment mélanger le gris

      4:28

    • 30.

      Échelle de cinq valeurs

      2:49

    • 31.

      Comment utiliser le gris pour ombrer

      3:46

    • 32.

      Le pouvoir de la valeur

      3:35

    • 33.

      Formes et formes

      5:10

    • 34.

      Démo de cube gris cool

      4:26

    • 35.

      Démo de cube gris chaud

      3:08

    • 36.

      Démo de clé basse

      3:49

    • 37.

      Démo haute clé

      3:14

    • 38.

      Démo de cube à haut chrome

      2:26

    • 39.

      Démo de Cube à faible chroma

      3:19

    • 40.

      Cercle à la sphère

      3:31

    • 41.

      Sphère avec vert à faible teneur en chrome

      3:32

    • 42.

      Pyramide de chrome élevée et basse

      4:12

    • 43.

      Démo de tube à chrome élevé et faible

      5:17

    • 44.

      Peinture d'espace positive et négative

      2:15

    • 45.

      Bases de la superposition

      3:45

    • 46.

      Restes

      1:32

    • 47.

      Introduction à la lumière sur la forme

      1:45

    • 48.

      Séparer la lumière et l'ombre

      5:32

    • 49.

      Démo séparée de l'ombre et de la lumière

      3:37

    • 50.

      Lumière complexe sur forme avec niveaux de gris

      5:43

    • 51.

      Fabrication de petite boîte à lumière

      2:48

    • 52.

      Introduction de couleur locale

      3:28

    • 53.

      Projet de blocs colorés avec mise en place

      5:08

    • 54.

      Projet de blocs colorés avec blocage

      3:33

    • 55.

      Projet de blocs colorés avec suite du blocage

      4:30

    • 56.

      Projet de blocs colorés avec la couche finale

      11:26

    • 57.

      Apple et blocs avec la pose

      9:18

    • 58.

      Pomme et blocs avec les couches finales

      14:49

    • 59.

      Flux de travail

      7:27

    • 60.

      Disposition finale du projet de paysage et blocage

      5:34

    • 61.

      Fin du projet de paysage final

      9:55

    • 62.

      Pensées et devoirs finaux

      1:29

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

2 361

apprenants

18

projets

À propos de ce cours

Bienvenue à la peinture acrylique pour débutants

Si vous voulez un cours complet et sans peluche de peinture acrylique, alors c'est tout ! Il est adapté pour les débutants complets qui veulent plonger dans le monde merveilleux de la peinture acrylique.

Nous allons commencer par le tout début et travailler notre chemin à travers toutes les compétences de base comme la mécanique du pinceau et la façon d'appliquer l'acrylique pour obtenir les meilleurs coups de fluide.

Ensuite, nous allons aller plus loin en apprenant de précieuses théories de mélange des couleurs, comment utiliser les valeurs et terminer avec la lumière sur les techniques de peinture de forme.

Ça va droit au but ! Chaque leçon est résumée et soigneusement planifiée de sorte que vous puissiez vous détendre dans la leçon avec le fait d'être désorienté ou débordé.

Si vous êtes coincé, je suis là pour aider. Laissez un commentaire et je vous répondrai dans les 24 heures.

Ce que vous allez apprendre

  • Apprendre comment utiliser le pinceau et appliquer correctement l'acrylique pour obtenir les meilleurs coups de fluide
  • Familiarisez-vous avec l'application de l'acrylique en apprenant une variété de techniques de gradation
  • Plongez dans le monde merveilleux de la couleur et apprenez comment mélanger de belles teintes, nuances et teintes.
  • Apprendre comment manipuler la chroma, la saturation et l'intensité
  • Découvrez comment la valeur influence vos formes, vos formes et vos sujets.
  • Apprendre la hiérarchie de valeur, qui est la clé pour peindre des œuvres d'art crédibles
  • Pratiquer les techniques de mélange de valeur et de couleur en peignant des formes géométriques
  • Enfin, apprendre la lumière sur la forme et comment elle influence la couleur et la valeur
  • Et bien plus encore...

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ROBERT JOYNER

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Enseignant·e

Hello, I'm Robert Joyner. Thank you for stopping by my profile. While I initially began teaching on Skillshare, I've now transitioned to establishing my own teaching platforms. If you're interested, I have links available for you to explore. I appreciate Skillshare and all the students I've had the opportunity to connect with during my journey.

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Level: Beginner

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Transcription

1. Introduction: Bienvenue à la peinture acrylique pour les débutants, ce que vous devez savoir sans toutes les peluches. Bonjour, je m'appelle Robert menuisier et j'ai créé ce cours avec beaucoup de passion et d'amour pour la peinture acrylique. J' ai créé pour ceux d'entre vous qui veulent un cours clair, concis, débutant sans tous ces trucs supplémentaires, votre parcours de peinture acrylique commence par la mécanique de la brosse. Vous apprendrez l'anatomie du pinceau, les quatre poignées courantes, les meilleurs conseils pour l'application, comment couper dans les formes de base, puis peindre des courbes. Une fois que vous comprenez la mécanique de base, nous examinerons les compétences d'application. Vous apprendrez quelques bonnes techniques de mélange, une variété de gradations, et les deux seuls coups que vous pouvez faire, qui sont des lignes et des points. Cela vous aidera à faciliter la peinture acrylique et commence à apprendre comment le milieu réagit lors de l'application sur une surface. Une fois que nous avons fini avec cela, nous allons examiner les bases de la couleur, comment mélanger la peinture. Nous allons examiner un graphique primaire divisé. Vous apprendrez comment tentes et ombrage Hughes, nous explorerons la chroma, la saturation et l'intensité, puis discuterons de l'harmonie des couleurs, palettes et des combinaisons de couleurs qui fonctionnent. Ensuite, il y a de la valeur dans le ton. Aller au-delà des bases, comprendre comment voir la valeur, apprendre à mélanger le gris et créer une échelle de valeur phi. Nous discuterons de la puissance de la valeur et de la façon de transformer les formes de base en formes tridimensionnelles. Nous allons également discuter des teintes chaudes et fraîches et comment pousser une couleur dans les deux sens. Ensuite, vous mettrez vos compétences de mélange de couleurs et de valeur à l'épreuve en peignant quelques formes géométriques de base. Excellente façon d'expérimenter avec la couleur. Plonger également dans des espaces positifs et négatifs et affirmer puiser dans le monde merveilleux de la superposition. Le cours se terminera par une section sur la lumière, sur la forme. Plongez profondément dans la compréhension de l'impact de la lumière sur vos sujets, vos couleurs et vos valeurs. Nous discuterons de la séparation de la lumière et de l'ombre, compréhension de la lumière complexe sur une forme complexe. Nous allons faire des démonstrations de blocs de couleur. Je vais partager des conseils sur la façon de travailler intelligemment pour tirer le meilleur parti de vos efforts en studio, puis fermer le cours avec quelques réflexions finales. Ensemble, nous commencerons dès le début de la compréhension de la peinture acrylique, et nous passerons à travers ces idées une par une. Donc, si vous êtes prêt à commencer votre voyage, commençons tout de suite. Qui commencera avec les matériaux que j'utilise dans cette classe ? 2. Comment utiliser la plateforme: Dans cette vidéo, je voulais simplement passer en revue la plateforme Skillshare. Je sais que certains d'entre vous savent comment l'utiliser, mais je sais qu'il y en a beaucoup d'autres qui ne comprennent tout simplement pas comment créer un projet. Comment ajouter des photos, du texte et des choses comme ça. Ce que je vais faire maintenant, c'est suivre un de mes cours sur Skillshare. Ce n'est peut-être pas le cours que vous apprenez, mais il contient tout ce dont nous avons besoin pour couvrir ce que je voulais partager avec vous dans cette vidéo. C'est l' essentiel de mon entraînement à l'aquarelle et au-delà de la classe. Et vous avez la vidéo principale ici. De toute évidence. Si vous souhaitez agrandir cette vidéo, vous pouvez cliquer dessus et dans le coin supérieur droit, ce qui agrandira la vidéo si vous souhaitez réduire à nouveau cette taille, venez ici en haut à droite. coin, cliquez dessus. Et cela va faire apparaître votre menu de navigation sur le côté droit. Maintenant, si je survole la vidéo avec ma souris en bas en bas à gauche, vous avez de la vitesse de lecture. Pour une raison quelconque, vous vouliez ralentir les choses ou accélérer les choses. Vous pouvez toujours modifier la vitesse. Gardez à l'esprit que si vous changez, il vous suffit de revenir en arrière et de le régler à la normale si vous voulez, en fait, voir à une vitesse normale, vous pouvez également rembobiner les choses 15 secondes. Si vous regardez quelque chose que vous vouliez voir ce qui s'est passé dans les 15 secondes ensemble, vous pouvez cliquer dessus et je vous ramènerai. Et maintenant, 1515 secondes incréments. Vous pouvez cliquer trois ou quatre fois dessus et revenir arrière 45 secondes par minute, ce que vous voulez faire. Si vous souhaitez prendre note de la vidéo, vous pouvez cliquer sur ce petit stylo qui va faire apparaître votre note. Et c'est un bon moyen de se rappeler s'il y a quelque chose d' intéressant. Et vous vouliez juste noter quelque chose qui a cliqué dans votre esprit. C'est votre volume. Donc, si c'est CBC, cette barre oblique comme moi maintenant vous permet de le mettre en sourdine pour que vous ne puissiez pas voir le son. Si je clique dessus maintenant, je peux maintenant entendre la vidéo si elle était en cours de lecture, ce serait des sous-titres. Donc, si vous vouliez avoir un sous-titre et les différentes langues ici, vous pouvez le faire. Vous n'aimerez peut-être pas avoir des sous-titres. Vous pouvez repousser les sous-titres en haut. Donc, si vous ne voulez pas les voir, c'est comme ça que vous vous débarrassez d'eux. Encore une fois, nous pouvons passer en plein écran avec cette fonctionnalité dans le coin inférieur droit. Donc, si vous vouliez voir cette résolution et cette résolution la plus large possible, sera la possibilité de le faire. Bon, donc encore une fois, c'est celui-là. Cela vous explique donc un peu comment naviguer dans certaines des options de la vidéo. Ici, à droite. Tant que vous êtes dans ce mode, nous pouvons faire défiler vers le bas et voir les différentes vidéos. Toutes les vidéos que vous avez visionnées tout au long du parcours doivent comporter une coche. Si vous le souhaitez à nouveau, débarrassez-vous de cela, vous utilisez ce bouton dans le coin supérieur droit, vous pouvez vous en débarrasser. Et puis nous le voyons ici. En bas, nous avons quelques onglets. Nous avons l'onglet À propos. Ce sera donc la description de classe que j'ai ajoutée. J'ajouterai souvent d'autres cours qui pourraient vous intéresser. Donc tout au long du cours, je peux dire que si vous voulez en savoir plus sur la façon de planifier l'aquarelle, être plus court, consultez le lien dans la description de la classe, et ce sera ici dans l'onglet À propos. Donc, si nous faisons défiler vers le bas, nous pouvons voir tous ces liens vers différentes classes que j'ai. Il s'agit donc un peu de la page à propos. Les critiques sont là où vous pouvez voir à quel point les commentaires impressionnants que les élèves ont laissés sur la classe. Ici, nos discussions, discussions sont très importantes car c'est ainsi que je vais vous informer de chaque nouvelle leçon du moment où elles seront disponibles. Vous verrez, si vous faites défiler vers le bas, vous verrez des discussions, vous verrez où il y a des choses différentes qui se passent. C'est également important. Donc, si vous avez des questions sur le cours ou sur une leçon que vous avez regardée, vous pouvez utiliser ces discussions pour me contacter et j'essaierai de vous répondre dès que possible. Vous pouvez également partager des liens et des discussions. Donc, si vous avez quelque chose que vous voulez me montrer, vous pouvez toujours le relier et je pourrai le voir. Ici. Vous voyez, je peux entamer une conversation, je peux poser une question et partager un projet, etc. En parlant de projets, si je vais ici, cela vous en dit un peu plus sur le projet. Vous verrez donc que chaque leçon a presque bien un projet, mais le but est de s' impliquer et de commencer à faire les démonstrations et les projets partagés dans cette classe. Et ici, vous pouvez faire défiler vers le bas et voir tous les étudiants qui publient des projets que vous souhaitez explorer ? Vous pouvez cliquer dessus et voir à quel point les étudiants accomplissent un travail génial, réalisant ces différents projets et choses. Bien sûr, vous pouvez commenter ces deux-là. Par conséquent, ici, à droite, vous pouvez cliquer dessus. Vous pouvez partager quelques commentaires et encouragements, tout ce que vous voulez faire. Si vous regardez mon projet ici, vous verrez que j' ai une ventilation détaillée de toutes mes leçons ici. Ainsi, chaque fois que je publie de nouvelles leçons dans un cours ou une démo, je les décompose toujours et je vous donne une très bonne description de ce qui se passe. Vous pouvez maintenant créer un projet. Maintenant, puisque j'en ai déjà un, allez-vous voir que je n'ai pas la possibilité d'en faire un autre. Mais voici un cours que je n'ai pas de projet. Vous verrez ce bouton vert sur le côté droit. Pour créer un projet, il suffit de cliquer dessus. Et cela va faire apparaître l'option de votre projet. La première chose que vous verrez, c'est une image de couverture. Si vous souhaitez ajouter une image de couverture, cliquez simplement dessus, puis accédez à votre image. Je vais donc en sélectionner un ici. Je vais donc sélectionner celui-là. Et ensuite, cela va charger l'image. Une fois qu'il est téléchargé. J'ai la possibilité ici sur ce curseur de agrandir et de le déplacer, mais je veux que cela soit vu. Et une fois que c'est fait, cliquez sur Soumettre. Encore une fois, il ne s'agit que de l'image de couverture. Vous pouvez aller de l'avant et ajouter un titre et je dirai, classe géniale de Robert. Si je peux épeler ce droit, cela m'aiderait certainement. Description. J'ai suivi un cours de trois semaines et voici ce que j'ai fait. Maintenant, si je clique sur Entrée, ça va faire baisser le curseur ci-dessous. Ensuite, je peux ajouter une image. Vous voyez ici, vous pouvez le voir, vous pouvez avoir trois options pour ajouter plus de contenu. Donc, si je clique sur l'image, je peux ajouter une autre image, je peux ajouter une autre image, donc je peux cliquer dessus et ensuite vous devez lui donner une seconde. Et ensuite, cela va charger l'image. Maintenant, je peux cliquer sur Entrée et vous voyez que je peux écrire plus de contenu. Je suis comme, c'est ma peinture de poisson cool. Maintenant, si je voulais ajouter une vidéo ou un lien et que vous êtes peut-être comme, Hé, avez-vous vu cette photo, peu importe. Vous pouvez double-cliquer sur un mot puis vous avez une option de lien ici, et vous pouvez y coller le lien. Assurez-vous simplement d' appuyer sur le bouton Vérifier pour le rendre actif. Et maintenant, je peux appuyer à nouveau sur Entrée, puis ajouter d'autres images. C'est ainsi que vous pouvez réaliser votre projet. Si vous ne souhaitez que personne ne voie votre projet, vous pouvez cliquer sur ce bouton ici pour le rendre privé. Mais une fois que vous avez terminé, très important, faites défiler vers le haut et cliquez sur Publier. Et dès que vous publierez votre projet, il sera visible pour tout le monde. C'est donc la publication en ce moment. Je vais juste donner un moment, accord, et puis c'est là, juste là. Je viens donc d'ajouter mes projets. Supposons donc que vous souhaitiez modifier votre projet, que vous cliquiez à nouveau dessus. Et maintenant, vous venez ici en haut à droite. Vous pouvez cliquer sur Modifier et vous pouvez maintenant faire défiler vers le bas. Assurez-vous de placer le curseur là où vous le souhaitez. Donc, si je veux que la prochaine image ou la vidéo suivante soit sous le poisson. Je peux venir ici et cliquer sur la fin de la phrase, appuyer sur Entrée. Et là encore, saisissez mes images ou où que je veux faire. Encore une fois, assurez-vous de cliquer sur publié lorsque vous avez terminé. Et puis ça va le sauver. Il suffit d'être patient et de laisser Skill Share l'enregistrer. Une autre chose que vous voudrez peut-être faire est de partager votre projet sur les réseaux sociaux. Vous avez donc ce lien Copier le projet. Vous pouvez le copier et le partager où vous le souhaitez. Ici, sur le côté droit, vous pouvez faire des choses difficiles. Donc, si quelqu'un a fait un projet que vous aimez vraiment, vous pouvez lui donner un cœur. Vous pouvez partager un commentaire et dire que ces poissons sont incroyables, puis toucher des messages et cela va partager vos commentaires avec qui que vous parlez. Encore une fois, juste de bonnes choses à savoir. Et je pense que si vous apprenez à utiliser les projets est très utile. Et les enseignants peuvent souvent les voir et j'espère qu'ils le font et ils peuvent vous donner des commentaires sur ce que vous faites. La dernière chose que je veux partager avec vous, c'est ici encore une fois, nous avons des critiques, des discussions, puis des projets et des ressources. Ces ressources sont téléchargeables. Si la classe contient des images, des images de ressources , quel que soit le cas, vous pouvez cliquer sur le lien et le télécharger sur votre appareil. J'espère donc que cette vidéo vous aidera et que vous comprenez un peu plus sur la façon de naviguer sur la plateforme Skillshare. Et puis, bien sûr, les cours qui y sont enseignés. 3. Fournitures de matériel de démarrage rapide: Matériaux. Voici votre guide de démarrage rapide. Cette vidéo couvrira toutes les fournitures de peinture que j'utiliserai dans ce cours. Cette liste de fournitures est abordable, minimaliste et adapté aux débutants. Et il se trouve que les fournitures sont exactement ce que j'utilise chaque fois que je peinture acrylique. Commençons par peindre des surfaces. Pour la majorité de mes exercices et démonstrations, j'utiliserai du papier aquarelle. Il s'agit d'un papier de presse à froid de 140 livres et mesure neuf sur 12 pouces. Ce papier est de qualité étudiante, mais est merveilleux pour la peinture acrylique. La principale raison pour laquelle je vous recommande du papier est qu'il est rentable. Donc, vous n'aurez pas à dépenser une fortune sur un tas de toiles. Le papier aquarelle vient en plusieurs textures de la presse chaude, de la presse trop rugueuse. Et encore une fois, j'utiliserai une presse froide, qui est juste au milieu de chaud et rugueux. Je pense que c'est la surface idéale pour apprendre. Le prochain sera mes tableaux de peinture. Ce sont des planches de toile fermes adaptées pour des travaux plus finis. Cette planche de douleur particulière mesure 12 x 12 pouces avec une profondeur de trois quarts pouces, ce qui devrait s'adapter parfaitement à n'importe quel cadre générique. Une fois que vous peignez votre premier chef-d'œuvre, vous pouvez également utiliser une toile tendue régulière sur des barres de civière. Mais je préfère les planches. J' ai aimé la surface ferme et la qualité est parfaite pour le type de peinture que nous allons faire. Donc, je recommande d'avoir environ 25 feuilles de papier aquarelle neuf sur 12 pouces, année étudiante. Et peut-être que trois ou 412 sur 12 pouces est pour l'œuvre d'art finie. Maintenant, passons sur les fournitures de dessin. Pour ça. J'utiliserai du papier à dessin. C' est par Fabriano. Encore une fois, il fait neuf sur 12 pouces, la même taille que le papier aquarelle que je vous ai montré avant. Même s'il s'agit d'un cours de peinture acrylique, je vais passer en revue quelques compétences qui nécessitent le dessin. Donc avoir n'importe quelle sorte de papier à dessin, c'est bien. N' hésitez pas à utiliser du papier imprimé, le dos d'une enveloppe ou tout ce que vous pouvez mettre la main sur. Et j'utiliserai un crayon graphite 2B et cette classe, maintenant si nous allons peindre, nous avons besoin d'une palette. Je recommande une palette de papier est jetable, est abordable, fonctionne très bien. Comme vous pouvez le voir, celui-ci est fabriqué par Strathmore. Il y a 40 feuilles et comme 12 sur 16 pouces, ce que j'aime dans le papier palette, c'est qu'il est agréable et lisse, ce qui rend facile à mélanger la peinture. Si vous ne voulez pas débourser l'argent supplémentaire pour une palette, il suffit d'utiliser des assiettes en papier. Maintenant, c'est l'heure des bonnes choses. Peinture. Et je recommande, non, je recommande fortement la peinture de qualité artiste est très important que vous utilisez de la peinture de qualité. C' est par Utrecht, chargé de pigment de qualité. Et encore une fois, c'est un corps lourd, ce qui le rend idéal. Mettez des coups de beurre épais, puis vous pouvez aussi le diluer avec de l'eau. Devriez-vous préférer une consistance plus fluide ? Maintenant que vous connaissez le type de douleur que je recommande, passons en revue les couleurs que j'utiliserai. Et il n'y a que 74 bleus que j'utilise l'ultra marine et le bleu Cerulean pour mes rouges. J' utilise Alizarin rouge cramoisi et cadmium pour mes jaunes, j'utilise les mains une lumière jaune et ocre jaune. Et enfin, blanc titane. Et ce sont les sept couleurs que j'utiliserai dans ce cours. Parlons maintenant des pinceaux. J' en utilise deux. J' ai un grand plat, qui est fait en grillant du nickel. Ce pinceau sera parfait pour peindre de grandes surfaces et peut-être même quelques détails. Donc, cette brosse de taille est parfaite pour la peinture de taille que nous allons faire. Et encore une fois, c'est ma plus grande. Et juste au-dessus de celui-ci est mon petit pinceau, qui est aussi une Nicole à rôtir plat. Ce sont la série Zen, ZEN Z 43 AF les poils sont semi fermes, ce qui est bien adapté pour la peinture acrylique. À venir bientôt comme une autre leçon fabuleuse sur l'anatomie de la brosse. Mais pour l'instant, c'est tout ce que tu dois savoir sur mes brosses. Allons aux fournitures diverses. Et le premier sera mon couteau à palette. Je vais l'utiliser pour mélanger la peinture. Ce modèle particulier est en métal aussi beau et mince, sorte qu'il peut facilement gratter la peinture d'avant en arrière sur la palette de papier. J' utiliserai aussi quelques réservoirs d'eau. C' est juste un simple récipient en plastique à un noyau. Je vous recommande de le faire. Je recommande deux parce qu'un sera utilisé pour enlever la peinture de votre pinceau. Et puis, une fois que vous en avez un réservé pour de l'eau propre, je trouve qu'une cour est de la taille parfaite. Évitez les réservoirs trop petits, comme une tasse à café parce qu'ils ne contiennent pas assez d'eau. La prochaine chose sera ma bande de masquage. C' est du ruban adhésif de qualité artistique. Ça devrait être parfait pour taper les bords de mon papier. Devrais-je en avoir besoin ? Je vais l'utiliser de temps en temps. Et le dernier sur la liste sera une serviette. N' hésitez pas à utiliser des serviettes en papier, Mais il est pratique d'avoir un de ces autour. Je l'utilise principalement pour WIP et nettoyer ma brosse. Et c'est une pellicule pour les fournitures. Donc, comme vous pouvez le voir comme minimaliste, peu près tout est rentable. La seule offre qui recommanderait de faire éclater maintenant serait la peinture de qualité artistique. 4. Faits Acrylic: Des faits acryliques, des choses que vous devez savoir. Nous allons parler du début, comment cela a fait fonctionner solublement dans l'eau. Ainsi, la plupart des surfaces sèchent rapidement et plus foncées. Et des artistes acryliques célèbres. Ça démarre les choses avec le début. Rencontrez Auto Rome. Il avait été dans la résine acrylique en 1934. Entre autres choses, il est célèbre pour l'invention du plexiglas. Mais ce n'est que dans les années 50 que la peinture acrylique est devenue disponible dans le commerce. Et ces hommes, après avoir entendu les nouvelles, sautent de joie, sont venus les blâmer. Voici une version édulcorée de la façon dont elle est fabriquée. Il y a trois ingrédients clés pour la peinture acrylique. L' un est le polymère acrylique, qui contient bien sûr la résine acrylique et Binet BAD Mr. Rome eau puis pigments. Et ces pigments de terre sont ce qui donne la couleur de la peinture. Et parce que la peinture acrylique contient de l'eau, elle la rend soluble dans l'eau. Et cela signifie que vous pouvez diluer vos peintures avec de l'eau, dont nous parlerons un peu dans ce cours. Et nettoyer est un sens tant que vous le nettoyez alors qu'il est encore humide, une fois qu'il sèche, c'est un jeu de balle totalement différent. On en parlera plus tard. Et saviez-vous que la peinture acrylique fonctionne sur la plupart des surfaces ? Vérifie ça. Ça fonctionne sur papier. Bien sûr, vous voulez que ce papier soit assez solide, pas trop mince. Bien sûr, la toile est idéale, est excellente sur le bois, métal, les fenêtres et les tissus. Assez polyvalent Si vous me demandez, et parce que cette soluble dans l'eau, il sèche rapidement et plus sombre. Mais comme je l'ai mentionné plus tôt, acrylique sèche rapidement parce qu'il est à base d'eau. Et cela peut être une bonne chose ou une mauvaise chose selon votre approche de la peinture. Si vous êtes quelqu'un qui ne veut pas attendre et regarder la peinture à l'huile sécher pendant plusieurs jours, alors vous allez adorer travailler avec l'acrylique parce que la plupart des peintures sont créées avec plusieurs couches, c'est généralement bon pratique pour permettre à la première couche de sécher avant d'ajouter une autre couche. Et quand vous peignez avec de l'acrylique, vous pouvez le faire rapidement. On parle 10 ou 15 minutes et encore plus vite si vous avez un sèche-cheveux, j'ai mentionné qu'il sèche plus sombre comme une mauvaise chose. Lorsque vous posez votre peinture, elle aura l'air lumineux et joyeux. Et quand vous revenez une heure plus tard quand il est complètement sec, les couleurs ne semblent pas les mêmes. Ce n'est pas rare de faire quelque chose que tu es, ouais, c'est sympa, j'adore ça. Vous revenez et vous êtes comme ce que la, Voici quelques artistes acryliques célèbres. Tu sais que celui-là ne le fait pas, oui, Andy Warhol, le gars de la soupe Campbell. Il utilise souvent de l'acrylique pour sa sérigraphie. Artistes pop. Roy Lichtenstein huile mélangée avec Magna magnum était une forme précoce de peinture acrylique. Beaucoup de ses œuvres populaires ont été créées à l'aide des deux médiums. artistes féminins populaires, Helen Frankin Thaler, utilisent également de la peinture acrylique assez souvent. Et son travail, elle est surtout connue pour ses grands résumés. Et puis il y a l'artiste britannique David Hockney. En 2018, il a vendu la peinture la plus chère pour n'importe quel artiste vivant. Le tableau présenté ici, Portrait d'un artiste aussi connu sous le nom de pool avec deux figurines, vendu à la vente aux enchères Christie's pour 90 millions de dollars. Ce que le si peut-être maintenant vous savez, quelques faits acryliques plus. Certains de ces faits peuvent être utilisés dans le studio, tandis que d'autres peuvent être partagés autour de la table du dîner. 90 milli ne peuvent toujours pas s'en sortir. 5. Configurer des espaces de travail: Espace de travail, préparation à la peinture. Je veux juste vous donner un aperçu rapide de mon espace de travail et de la façon dont j'ai posé les choses sur la table. Cela me donne la meilleure vue d'ensemble de la configuration du flux de travail possible. C' est ainsi que j'ai aménagé les choses quand je me prépare à peindre. la photo en haut à gauche, seraient mes images de ressources. C' est peut-être une photo, ça pourrait être mon iPad. Ensuite, bien sûr, j'ai ma surface de peinture, puis ma palette à droite, mes deux réservoirs, qui sont placés près de ma serviette, et je garde tous mes pinceaux juste là sur la serviette avec mon couteau à peinture. Je suis droitier. Il est donc logique d'avoir cela sur le côté droit. De cette façon, je n'ai pas à atteindre mon œuvre lorsque j'ai besoin de mélanger la peinture ou de nettoyer mes pinceaux. Et cela rend le flux de travail très efficace et un peu plus sûr. Sur la droite. J' ai mes peintures, alors regardons ça. Vous pouvez voir les pinceaux et ensuite sur la droite, je les ai tous disposés bien et organisés. Et puis j'ai aussi mon crayon et ma gomme au cas où j'en aurais besoin, en gardant les choses ensemble. Donc, les jaunes, les rouges, et les bleus comme un moyen efficace de trouver la couleur dont j'ai besoin. Quand j'en ai besoin. J' ai pensé qu'il serait utile de vous montrer mon espace de travail et comment j'ai préparé une peinture. Donc, vous avez un aperçu rapide et vous savez, maintenant cela me donne le meilleur flux de travail possible afin que puisse mettre la peinture plus rapidement et le faire plus efficacement. 6. Anatomie des pinceaux: Ce que vous devez savoir sur l'anatomie de la brosse. Dans cette leçon, nous allons parler des poils, du sauvage, et de la poignée, les trois parties principales. Nous allons également regarder les poils et les détails et dans les meilleurs poils pour la peinture acrylique. Et nous finirons par le sauvage en détail. Maintenant, il est important que vous compreniez les parties du pinceau afin que nous soyons sur la même page. Cela a commencé avec Bruxelles. Les poils feront la plupart du levage lourd pour vous. Et évidemment, c'est là que vous allez charger votre peinture. Et maintenant, nous arrivons à la sauvage. Feral est la pièce métallique, parfois plastique, puis attache les poils à la poignée. Cela nous amène à la troisième et dernière partie, la poignée. La poignée est l'endroit où vous tenez souvent votre pinceau. Et ils sont généralement en bois, mais parfois en métal et en plastique. Maintenant, regardons les poils en détail. Il y a trois parties que vous devez savoir. Vous avez eu la pointe, qui est également appelé le remorquage, qui est la fin. Et puis vous avez eu le côté, sorte que le côté maigre ou mince des poils, et enfin le ventre, que vous utiliserez occasionnellement pour appliquer de la peinture. Donc, comme vous le savez, la pointe de la brosse est la plus couramment utilisée. Mais comme je démontre ici, bon d'utiliser le côté. Et bien sûr, je vais vous montrer tout au long de ce cours comment vous pouvez utiliser le ventre aussi. Et maintenant, parlons des meilleurs poils pour la peinture acrylique. Vous voulez qu'ils soient des poils semi-fermes, mais pas trop fermes. Évitez donc les brosses à huile, les poils synthétiques fonctionnent mieux. Évitez les brosses à poils doux. Donc, je n'utiliserais pas de pinceaux aquarelle. Et vous n'avez pas besoin de dépenser beaucoup d'argent pour obtenir une brosse acrylique de bonne qualité. Et le dernier est le sauvage en détail. Il y a deux zones du Pharaon que vous devez connaître, et ce sont les crampes. Donc, vous avez eu un sertissage qui va attacher la poignée au sauvage, puis un autre sertissage qui fixera les poils au sauvage. Donc, cela devrait nous mettre sur la même page pour l'anatomie de la brosse. Donc nous discutons des poils que Pharrell et la poignée. Vous savez maintenant où ils sont sur le pinceau. Nous avons regardé les poils et les détails. Je vous ai aussi donné des conseils pour trouver les meilleurs poils. Et puis nous avons regardé un peu plus près le sauvage. 7. Quatre pinceaux communs: Les quatre poignées principales, différentes prises pour différents coups. Nous examinerons la poignée détaillée, la poignée standard, la poignée longue, puis la poignée au dessus de la main. Et puis je discuterai d'une prise de trépied détendue. Maintenant, la grande chose est que vous comprenez déjà l'anatomie de la brosse, sorte que nous pouvons aller de l'avant et sauter droit dans ce qu'est une poignée de détail. Donc, quand vous peignez des détails plus petits, mon meilleur conseil est de descendre vers le sauvage. Cela vous donnera un maximum de contrôle. Vous pouvez combiner la poignée détaillée avec l'utilisation du côté des poils ou de la pointe, tout ce que vous jugez bon. Maintenant, regardons la poignée standard. prise la plus courante pour la plupart des situations. Pour cela, vous allez reculer le sauvage et trouver ce point doux près du milieu. Deux choses se produisent quand on tient le pinceau ici. Si les carburants sont très équilibrés, plus, et probablement plus important encore, il vous donne une bonne amplitude de mouvement, ce qui rend facile de créer des coups courts et longs. Et en parlant de longs coups, regardons cette longue prise. Nous voulons donc aller audacieux, lâche et expressif. Reculez de ce point doux tenir à l'extrémité de la poignée. De là, vous pouvez vraiment créer un travail de pinceau expressif. Maintenant, je vais vous dire, vous aurez moins de contrôle sur vos coups. Donc, si vous êtes une personne orientée détail, cela peut ne pas être une prise optimale pour vous. Cela nous amène à la dernière prise, qui est la prise en main. Pour atteindre l'adhérence au dessus de la main est probablement assez évident. Vous allez simplement mettre votre main sur le pinceau. Et c'est une excellente façon de peindre avec le ventre de Bruxelles, ce qui est un bon moyen d'obtenir beaucoup de peinture rapidement. se trouve que j'aime ce genre de technique et d'adhérence quand je peins des cieux et des nuages. Ou si je suis d'humeur à changer un peu. Et enfin, je veux parler d'avoir une prise en main détendue. Donc, lorsque vous tenez la brosse est très similaire à tenir un crayon. Donc, vous n'allez pas tenir votre crayon avec une poignée très serrée qui va verrouiller votre poignet et juste se sentir très tendu. Donc, la prochaine fois que vous mettrez de la peinture sur le papier ou sur la toile, il suffit de prendre note de l'intention de stress dans cette prise en main. Donc, cela nous amènera à la fin de cette leçon fantastique et formative. Ainsi, les quatre poignées principales, la poignée de détail, la bonne vieille norme tout autour de la poignée, puis la longue prise pour ces coups expressifs. Je t'ai aussi donné une autre prise en main avec la main. J' ai recommandé une tenue détendue et, bien sûr, c'est pour le trépied et la prise en main. 8. Comment préparer et appliquer de la peinture: Préparation de la peinture, Comment obtenir les meilleurs résultats. Dans cette leçon, nous allons discuter des réseaux d'eau, comment éviter l'excès d'eau. Pourquoi vous devriez utiliser une serviette, comment adoucir la douleur, comment créer des coups de pinceau fluides, puis un exercice recommandé. Pour cette démo, j'utiliserai uniquement du bleu outremer. C' est la seule couleur que tu vois ? Mon palais. Donc, quand c'est à votre tour de lui donner un coup de feu, il suffit d'utiliser une teinte, ce qui nous amène à l'aqueduc. Quelle est l'importance de l'eau pour la peinture acrylique ? Très, très important. Je recommande toujours tremper votre brosse et de l'eau. Avant de commencer à peindre. Tu veux que ces poils soient mouillés. Maintenant, vous voulez éviter l'excès d'eau. Donc avoir trop d'eau peut être une mauvaise chose. Donc, si je devais mouiller les poils ici, vous verrez que l'excès d'eau va commencer à tirer vers le haut sur le palais. Finalement, mes peintures vont nager. Ce n'est pas une bonne chose. C' est exactement pour ça que j'avais la serviette juste près de mon réservoir d'eau. Donc, une meilleure option est d'utiliser la serviette. Et je vais vous montrer exactement comment faire ça. Donc, je vais tremper la brosse et l'eau et puis lui donner un peu de robinet, tapoter. Donc, cela laisse de l'humidité et de l'eau sur la brosse, mais pas trop. Si j'en avais trop, encore une fois, vous le verrez en gros dégoulinant des poils. Donc un peu d'eau, mais pas trop. Maintenant, parlons de la façon de ramollir et de peindre. Maintenant, je veux vous rappeler qu'ils utilisent des acryliques corporels lourds. Ces acryliques de corps lourds, notre très épais. Donc, pour obtenir les meilleurs résultats, ne les appliquez jamais sur votre surface sans les préparer. Parlons donc de la façon de créer des coups de pinceau fluides. Je vais d'abord vous montrer un mauvais chemin. Je vais commencer avec une brosse sèche. Donc, pas d'eau et leurs poils et peinture sèche. Pas d'eau dans la peinture. Et comme vous le verrez, les résultats ne sont pas si grands. Il y a beaucoup d'artefacts et se passe dans ce coup de pinceau comme très, très agité et incohérent. Donc, pas le coup idéal que vous allez vouloir mettre vers le bas, il y a un meilleur moyen. Donc, après avoir nettoyé ma brosse, je vais maintenant la tremper dans l'eau et lui donner un petit robinet. Ce petit peu d'eau en excès et leurs poils m'aideront à me détendre et à préparer cette peinture. Maintenant, quel doux ? Maintenant, j'ai des poils humides et je peux appliquer de la peinture avec plus de succès. Y aura-t-il encore des artefacts ? Oui, mais c'est un coup beaucoup plus lisse parce que la peinture glissera beaucoup mieux sur les poils. Donc, pour moi, c'est un coup de pinceau idéal. Maintenant, il est temps de poursuivre cette idée. Donc, préparer mon pinceau, préparer la peinture, obtenir belle et douce, je vais charger le pinceau et créer un autre coup, de gauche à droite. Maintenant que vous avez une meilleure idée de comment obtenir le meilleur coup de pinceau, je vais en créer un peu plus de gauche à droite. Sachez que tout le temps je prépare le pinceau et prépare la peinture de la même manière. Maintenant, je ne travaille que de gauche à droite et c'est parce que je suis droitier, mais c'est une bonne pratique de l'essayer de l'autre côté. Alors que j'ai préparé la peinture ici et le pinceau, je vais travailler de droite à gauche puis revenir à gauche pour écrire. Une excellente façon de pratiquer quelques techniques de brossage tout en prenant l'habitude de laisser votre pinceau et peindre. Et oui, il y a encore un artefact en cours. Mais je peins sur du papier texturé. Si vous peignez sur du papier lisse comme une presse chaude, alors vous aurez probablement beaucoup moins chose d'artefact qui se passe. Même si c'est un concept très facile, je trouve que les débutants ont du mal à en faire une habitude. Vous êtes recommandé exercice est de saisir un morceau de papier vierge, un pinceau, peu de peinture couleur M1 eau, et le remplir avec de beaux coups de pinceau fluides. Pour un résumé, je vous ai montré comment préparer la peinture pour obtenir les meilleurs résultats. Nous chaque fois que les installations d'eau, pourquoi vous devriez éviter l'excès d'eau ? L' importance d'avoir une serviette là, comment adoucir la peinture avec de l'eau. Je t'ai montré comment créer des coups de pinceau fluides. Et puis bien sûr, vous avez votre exercice recommandé, allez peindre. 9. Explorer les mécaniques des brassées à pinceaux: Regardons quelques mécaniciens utilisant différentes parties du corps et de mon corps, je veux dire main et bras. Donc, nous allons regarder l'action du poignet, une certaine action du coude, et pourquoi ces deux fonctionnent très bien avec la plupart des poignées. Et puis bien sûr, l'exercice recommandé, armé de mon numéro huit plat, nous commencerons par l'action du poignet. Lorsque vous êtes une peinture du poignet, vous utilisez essentiellement un point de pivot assez court. Donc je ne peux bouger ma main qu'à partir de ce point. Ce serait la zone idéale pour peindre si vous peignez des coups courts et agités. Alors imaginez si nous essayons de peindre une très grande surface et de travailler à partir de mon poignet, quel point ce serait inefficace. Mais pour les petites zones et les détails, c'est l'adhérence idéale. Alors maintenant, vous en savez plus sur la mécanique de la peinture du poignet. Regardons le coude. Et comme vous le savez probablement déjà, peinture du coude vous donnera une gamme beaucoup plus large de mouvement. Et vous pouvez voir que lorsque je balaie mon avant-bras et ma main gauche et droite, comparez ça à vous qui travaillez à partir du poignet. Je vais préparer un peu de peinture ici et ensuite montrer quelques coups de travail à partir du coude. Regardez à quel point je peux couvrir cette zone rapidement et facilement. Et je fais tout ça d'un coup de pinceau. Et encore une fois, vous ne pouvez tout simplement pas être aussi efficace si vous ne travaillez qu'à partir du poignet. Maintenant, vous pouvez également peindre à partir de l'épaule et bien sûr, vous pouvez même peindre à partir de votre tampon arrière. Maintenant, comme nous ne peignons que des œuvres plus petites dans ce cours, sont les deux mécaniques principales que vous devrez connaître. Et ce concept devrait fonctionner avec la plupart des poignées. Donc, si nous regardons cette poignée longue, vous pouvez voir que je peux travailler facilement à partir du coude. Je peux même utiliser ma poignée de détail et peindre un trait large venant du coude. Mais honnêtement, si notre peinture une large zone, bien que probablement reculer à cette longue prise ou utiliser ma poignée standard. C' est le moment idéal pour explorer ces idées. Prenez un pinceau, un peu de peinture et un morceau de papier, et commencez à expérimenter la mécanique de la brosse. C' était donc votre introduction à la mécanique en utilisant différentes parties du corps. Je vous ai montré l'action du poignet, un peu d'action et comment ceux-ci fonctionnent avec d'autres poignées. Et maintenant, vous avez un exercice recommandé pour vous mouiller les pieds. 10. Painting de peinture: Dans cette leçon, nous allons parler plus de la mécanique de la brosse, comment gérer les angles morts. Je vais vous montrer ce qu'est un angle mort, comment vous vous penchez et inclinez la poignée. Nous allons regarder les coups vers le bas, faisant tourner la surface, en voyant le futur oui. coups vers le haut, puis un exercice recommandé. Mais avant de peindre, j'étalerai six carrés. À l'aide de mon crayon, je vais dessiner une série de quatre lignes horizontales. Ceux-ci n'ont pas besoin d'être parfaits. Mais si vous voulez simplement de beaux carrés, hésitez pas à utiliser un t-square ou n'importe quel bord droit. Je l'aime un peu rugueux sur les bords. Donc ça devrait faire très bien pour moi. Donc la première leçon est, Qu'est-ce qu'un angle mort ? Un angle mort est fondamentalement quand vous appliquez un coup, vous arrivez à un point. On ne voit plus où tu vas. Alors que je déplace le pinceau vers la droite, je ne vois pas ce coin. Donc, si je devais continuer à peindre sans le voir, il sera très facile de payer en trop le coin de cette place. Et que mes amis sont un angle mort et que nous devons reconnaître qu'ils existent. Puisque je suis droitier, si je peins une ligne de gauche à droite, j'arriverai à un point où je ne peux tout simplement pas voir parce que le pinceau est dans le chemin. Remarquez comment je commence par le coin et je fais glisser ce pinceau vers la droite, puis je m'arrêterai près de cet angle mort. Alors, qu'est-ce qu'on fait maintenant ? La meilleure chose que vous pouvez faire est de pencher ou d'incliner la poignée de la brosse. Et dans ce cas, je peux incliner le haut de cette brosse loin de moi et ça me donnera toute la visibilité dont j'ai besoin pour peindre ce coin. Je peux maintenant peindre à partir du coin supérieur droit vers le bas et m'arrêter près ce coin parce que je sais déjà que je l' ai peint et ditto que pour le haut de la place. Donc je peux commencer et ce coin gauche et venir à droite et juste arrêter ce coup quelque part près du coin. Dans ce même travail de haut en bas. Mais maintenant regardons de plus près les coups vers le bas. Pour cet exemple, je vais commencer dans le coin supérieur gauche et créer un trait descendant vers ce coin inférieur gauche. Encore une fois, en commençant bien et serré dans ce coin, je descends. Et bien sûr, j'ai cet angle mort. Je me suis arrêté près de ce coin, puis j'ai incliné le haut de la brosse vers la droite pour finir ce coin. Lorsque vous avez un angle mort est préférable d'arrêter votre course près du coin. Et ça devrait vous empêcher de le peindre. Ici, je vais faire un autre exemple. Mais au lieu de faire tourner la brosse, je vais faire pivoter la surface. Donc je vous ai montré comment vous pouvez tourner jusqu'à ce que votre brosse. Mais nous pouvons aussi faire pivoter la surface. Donc, dans ce cas, cela peut être une meilleure option. Donc je vais faire tourner ça pour que je puisse entrer dans leur coin. Agréable et propre adulte se sent gênant. Et maintenant ce bord est fini. Il y aura des situations où la rotation de la surface aura plus de sens, puis s'appuyer ou incliner la brosse. Maintenant, je vais t'apprendre à voir l'avenir. Donc, au lieu de te peindre dans un coin, je vais regarder ce que je vais faire. Je vois que ce coin va être un problème. Donc, au lieu de peindre jusqu'à ce coin, je paierai ce coin. De cette façon. Quand je peins le fond. Je sais que ce coin est déjà fait. Anticiper ces angles morts est une excellente façon de travailler. Et le prochain coup que je vais faire, ça va être un coup vers le haut vers le coin supérieur gauche. Les coups vers le haut sont toujours un problème parce que les poils sont sur le chemin. Nous avons maintenant quelques options pour gérer ce coin. Je vais aller de l'avant et pré peindre. Une fois que j'ai eu ce coin agréable et soigné, ce coup vers le haut est un jeu d'enfant, je vais anticiper leur problème alors que je peins de gauche à droite ici, ce qui signifie que je vais pré-payé ce coin, ce qui signifie que je peux facilement le terminer en créant un trait de gauche à droite. Et puis bien sûr que le coup vers le bas est déjà fait parce que ce coin est peint, votre exercice recommandé est de dessiner une série de trois carrés. Pratique à comprendre et à reconnaître qu'il existe des angles morts. Et puis utilisez les techniques que j'ai partagées dans cette leçon pour les parcourir. Comment gérer les angles aveugles. Nous sommes en train de passer par la mécanique de la brosse. Donc, dans cette leçon, je vous ai montré ce qu'est un angle mort, comment se pencher jusqu'à ce que la poignée de la brosse pour les naviguer. Je t'ai montré comment faire face aux coups vers le bas. Je t'ai aussi dit que tu pouvais faire pivoter ta surface. Vous savez maintenant comment voir l'avenir. Et vous savez maintenant que les coups vers le haut sont toujours problématiques avec les angles morts et vous avez un exercice recommandé. Donc, il n'y a pas d'excuses pour jamais peindre vos coins à moins que bien sûr, vous ne vouliez juste le faire. 11. Découper en les pinceaux: Découpe, travail intelligent et efficace. Et cette leçon, nous allons passer sans couper dans. Je vais vous montrer un exemple de coupe de largeur, en ajoutant la couleur de remplissage et en combinant la mécanique. Et puis bien sûr, un exercice recommandé afin que vous puissiez maîtriser ces techniques. Et voici le truc. Dans la leçon précédente, je vous ai déjà montré comment couper. Donc, dans ces exemples, j'ai essentiellement peint les bords, le contour de ces formes. Donc, dans cette leçon, je vais vous montrer un exemple de sans couper dans. Et puis, bien sûr, je vais faire un exemple en découpant. Nous commencerons sans découper. Donc, comme vous le verrez, je vais chercher mon pinceau chargé ici et juste commencer à peindre la forme au lieu de peindre les bords d'abord, ce qui aurait été beaucoup plus facile. Je commence juste à ajouter la couleur de remplissage. Vous pouvez faire le travail comme ça. Mais ce n'est pas l'efficace. De plus, vous prenez un risque et peignez sur les bords. Peindre sur les bords, peut-être quelque chose que vous préférez faire. Mais ce que j'essaie de te faire, c'est de penser plus à la mécanique de ça. Mon but est de donner une bonne base et plus tard, vous pouvez décider de peindre dans n'importe quel style que vous souhaitez. Je vais peindre la même forme exacte, mais cette fois avec la coupe, j'anticipe aussi mes angles morts. Donc je paie ces coins comme un pro. Cela me permet donc de peindre ces bords rapidement et proprement. Et puisque vous savez déjà comment faire cela, nous allons accélérer le parcours un peu plus rapidement afin que nous puissions commencer à ajouter le remplissage. Et ajouter le remplissage sera un morceau de gâteau. Mes bords sont beaux et nets. Maintenant, je peux charger ma brosse et mettre ça a explosé super vite. Maintenant, je vais peindre ce dernier carré en utilisant toutes les mécaniques que j'ai partagées avec vous. Donc, en utilisant une bonne technique pour naviguer dans mes angles morts, couper dans ces bords rasoir tranchant. Et puis bien sûr, je travaille aussi à partir du coude et de différentes zones de mon bras pour que je puisse obtenir ces coups rapidement pour que je puisse aller déjeuner. Mon estomac grogne. Vous êtes recommandé exercice est d'utiliser les trois autres carrés et d'appliquer la coupe et la technique. Pensez également à travailler à partir du coude et du poignet si nécessaire. Et n'oubliez pas d'essayer une mauvaise version où vous ne coupez pas juste pour que vous puissiez comparer les deux. Et c'était couper, travailler intelligemment et efficacement. Je t'ai montré sans couper. Je vous ai montré avec la coupe et à quel point il est facile d' ajouter que Phil veut que les coins et les bords soient beaux et croustillants. Nous pouvons combiner tous ces mécaniciens et à un joli petit paquet soigné. Et vous avez un exercice recommandé à pratiquer. Maintenant va peindre. 12. Mechanics du pinceau pour les formes courbes: Et juste au moment où vous pensiez avoir fini avec la mécanique des pinceaux, nous avons des formes incurvées. Et cette leçon, je vais vous apprendre à gérer les cercles et les courbes. Cela commencera par un petit rappel. Je vais parler de la façon d'incliner la brosse à partir du bord, naviguer dans les angles aveugles. C' est un coup incurvé. Et puis l'exercice recommandé. Jusqu' à présent, vous avez eu la route facile. Nous n'avons eu qu'à peindre des lignes verticales et horizontales. Maintenant, nous devons parcourir notre chemin à travers les cercles et les courbes, qui présentent leurs propres problèmes. Et bien sûr, nous avons besoin de certaines compétences pour les peindre efficacement. Donc voici un petit rappel. Ce sera la dernière fois que je l'ai mentionné, ce que votre brosse et toujours tapoter. Assurez-vous de préparer votre peinture afin que vous puissiez créer un joli coup de liquide, ce qui est ce que nous nous apprêtons à faire. La grande chose à propos des cercles, car nous n'avons pas ces petits coins méchants à traiter. Et nous ne pouvons pas utiliser les coups de pinceau verticaux et horizontaux pour peindre les bords car ils sont incurvés, la première pointe sera l'angle de la brosse. Cela vous donnera une meilleure visibilité sur le bord. Donc, de mon point de vue en ce moment, j'ai déjà un angle mort, mais si j'angle la poignée à ma droite, alors ma visibilité n'est plus bloquée par ma main. Maintenant, nous pouvons parler de commencer près du bord. Regarde comment ce pinceau n'est pas sur le bord. Donc, je suis reculée de ça jamais si légèrement. Et le point de départ idéal, alors je peux le déplacer vers le bord, ce que je fais maintenant. Et puis autour de cette courbe, c'est une bonne technique parce que parfois les poils s'évanouissent un peu quand ils ont touché le papier. Et cela aidera à compenser cette largeur supplémentaire des poils. Bien sûr, vous pouvez utiliser cette technique, peignant n'importe quelle forme, pas seulement des courbes avec une brosse chargée. Je vais m'approcher du bord et ensuite y aller. Quand je commencerai à peindre, je peindrai autant que je peux aller jusqu'à ce que finalement j'obtienne, vous l'avez deviné, un angle mort. Parlons donc de la façon de naviguer dans ces angles morts. Maintenant, je vais refaire ce petit coup ici. Et je me suis retrouvé à ce point avant que je ne puisse tout simplement plus voir. Un petit truc que tu connais déjà. Et c'est que nous allons faire pivoter la surface. Et puis bien sûr, je vais m'approcher du bord, pas dessus comme ça et ensuite peindre dessus, mais près d'elle. Et puis yz Assad de mes poils jusqu'à ce que je rencontre l'autre ligne. Si vous êtes curieux de connaître l'origine de cet accident vasculaire cérébral, je dirais que je travaille plus du coude et probablement un peu de l'épaule aussi. Comme je l'ai fait allusion tout à l'heure. Vous ne pouvez pas vraiment peindre ces bords proprement en utilisant des traits droits comme je l'ai fait juste là. C' est pourquoi vous devez avoir un coup incurvé. Le trait incurvé suivra évidemment un peu différemment que les lignes verticales et horizontales, comme je l'ai indiqué là-bas avec mon crayon pour un cercle, la taille, je vais probablement avoir dû faire une série de trois courbes lignes qui devraient me faire autour du cercle. Évidemment, des cercles plus petits, peut-être un peu moins, et des cercles plus grands, peut-être un peu plus. En me regardant peindre ce cercle, remarquez comment je vais incliner la poignée de mon pinceau loin de moi pour obtenir une visibilité maximale et, espérons-le, une meilleure chance de réussir. Je vais accélérer ces derniers coups parce que maintenant vous devriez comprendre le processus. Évidemment, dès que le bord est coupé, il est très facile d'ajouter le remplissage. J' en peindrai un de plus en utilisant les mêmes techniques juste pour répéter certaines des choses dont nous avons parlé. Donc encore une fois, obtenir cette brosse près du bord et ensuite l'alléger jusqu'à elle. Et puis obtenir le maximum de course possible. Faire tourner le papier pour obtenir une bonne visibilité. Les bords sont faits. Vous pouvez ajouter le remplissage et tout est pêche. Cela nous amène à l'exercice recommandé avec une feuille de papier vierge. Dessinez trois à quatre cercles, puis utilisez les techniques que j'ai partagées avec vous cette démo pour les peindre. Et je viens de partager avec vous tout ce que je sais sur la peinture de formes de courbes et de cercles. Je t'ai aussi donné un petit rappel sur l'utilisation de l'eau, mais je te promets de ne plus t'embêter à ce sujet. Je vous ai montré comment incliner avec un pinceau afin que vous ne vous mettiez pas dans un angle mort à partir du bord, mais pas sur le bord. Un coup d'oeil rapide sur la direction d'un coup incurvé, puis l'exercice recommandé. Donc bonne chance d'avoir du plaisir à peindre des formes incurvées. 13. Deux méthodes de mélange communes: Les méthodes de mélange, les deux techniques les plus courantes, l'une sera la méthode de couteau à palette. Je vais passer en plaçant Hughes et près l'un de l'autre. Je vais vous apprendre à mélanger progressivement l'importance de le garder propre. Je vais également vous montrer la méthode du pinceau puis l'exercice recommandé. Commençons à mélanger. Je vous présente les méthodes de mélange, le pinceau et le couteau à palette. Encore une fois, nous allons commencer avec le couteau à palette. Il s'agit d'un couteau à palette avec une lame en métal dessus et fonctionne parfaitement. Je vais commencer par un peu de bleu sur ma palette. Des trucs assez faciles, non ? Mais voilà le truc. Je sais que je vais mélanger un jaune avec. Alors, où dois-je placer le jaune ? Et cela soulève le chapitre suivant, et c'est placer Hughes et l'un près de l'autre, je vais entrer dans mon jaune ici. Mais au lieu de placer le jaune sur le dessus du bleu, je vais aller juste en dessous. Et voilà votre réponse en plaçant les Hughes près l'un de l'autre et pas l'un au-dessus de l'autre, vous permettra de rouler la batterie, s'il vous plaît. Mélanger progressivement, ce qui vous donne beaucoup plus de contrôle sur le mélange. Au fur et à mesure que j'avancerai, je mettrai un peu de ce bleu dans le jaune à la fois. Et devrais-je avoir besoin de plus de bleu ou de jaune ? Je peux toujours ajouter un petit incrément plutôt que d'être engagé parce que je place les couleurs l'une sur l'autre. Et bien sûr, maintenant j'ai un couteau à palette sale. Parlons donc de la garder propre. Rappelez-vous la bonne vieille serviette, il a en fait plusieurs tâches à faire, pas seulement de l'eau absorbée. Donc avec toute cette peinture sur le couteau, évidemment, on peut l'utiliser pour le nettoyer. Je sais que c'est du bon sens, mais croyez-moi, si je ne l'avais pas ajouté là-dedans, quelqu'un là-bas m'aurait donné un avis d'une étoile parce que je ne lui ai pas dit que nettoyer leur couteau à palette. Regardons la deuxième méthode, qui est la méthode du pinceau. Et nous allons utiliser exactement les mêmes idées. Nous allons donc mettre de la peinture l'un près de l'autre, comme nous l'avons fait avec un couteau à palette et mélanger progressivement l'un avec l'autre. Et quand il est temps pour une nouvelle couleur, nettoyez le pinceau et je vais aller dans le blanc et ajouter cela près du vert, ce qui me donne tout le contrôle dont j'ai besoin pour les mélanger progressivement. Ce sont deux options pour mélanger la peinture. Et au cas où vous seriez curieux, je préfère la méthode du pinceau. Votre exercice recommandé est de saisir trois Hughes et les mélanger, créer de bonnes habitudes afin que vous n'ayez pas à briser les mauvaises. Plus tard dans cette leçon instructive et pleine d'action, vous apprendrez à mélanger les méthodes, le couteau à palette et le pinceau. Je vous donne mon meilleur conseil pourquoi vous voulez placer Hughes près l'un de l'autre et les mélanger progressivement. Gardez toujours votre pinceau et votre couteau à palette propres lorsque vous avez besoin de nouveaux pigments. Et vous auriez un exercice recommandé que vous pouvez aller maître et vous êtes un pas de plus pour devenir la prochaine superstar acrylique. 14. Gradation mélangée: Bienvenue dans le monde merveilleux des gradations. Et cette leçon, nous allons couvrir une gradation mélangée, donc nous allons créer une transition de couleur en douceur. Je vais commencer par dessiner quelques carrés. Nous allons couvrir les teintes pré-mélangées, que vous connaissez déjà. Je vais également définir ce qu'est une gradation mélangée. Je démontrerais ce qu'est le mélange de Hughes. Et puis bien sûr, l'exercice recommandé, je vais commencer par dessiner quelques carrés. J' utiliserai ma règle cette fois pour créer de bons bords propres. Et comme je l'ai déjà mentionné, ces carrés n'ont pas besoin d'être parfaits. Juste le globe oculaire. Amenez-les aussi près que vous le pouvez. Donc, si vous avez quelques carrés qui sont un peu plus grands ou plus petits que les autres n'est vraiment pas une grosse affaire. Vous pouvez toujours faire cet exercice et nous allons avoir beaucoup de plaisir à explorer ces gradations mixtes. Maintenant que mes carrés sont complets, je suis prêt à peindre. Laissez-moi d'abord passer en revue ce qui va se passer. J' aurai une gradation que nous allons commencer par un bleu et ensuite descendre à un jaune. Et ça veut dire que le milieu sera vert. Et je vais vous rappeler, ce sera une gradation mélangée, donc aussi lisse que vous pouvez obtenir d'une couleur. Le suivant, en parlant de couleur, je commencerai par mon bleu civil. Et je vais créer quelques coups à travers le haut. Et puisque je veux vraiment t'impressionner avec sa gradation mélangée, je vais passer ce bleu quelques fois pour rendre ces coups agréables et lisses. Et je sais que vous êtes assis là en ce moment à penser que ce sont des coups bleus lisses. Pour cette gradation, je vais prémixer mes teintes et j'utiliserai aussi mon pinceau. Je t'ai dit que c'était ma méthode préférée pour mélanger la peinture. Et avant de prendre de l'avance ici, permettez-moi d'être clair sur ce qu'est une gradation mixte. Donc, comme je l'ai mentionné plus tôt, une gradation mélangée est quand vous avez deux ou plusieurs couleurs qui coulent harmonieusement de l'une à l'autre, ce qui est ce que vous commencez à voir du bleu au vert. Parlons maintenant de mélanger les teintes. Comme vous pouvez l'imaginer. Si vous allez mélanger, alors vous aurez besoin d'un pinceau ou un couteau à peinture ou quelque chose pour lisser les transitions. Ici, je fais une série de coups horizontaux, mais cela peut être appliqué dans n'importe quelle direction. Encore une fois, je prémélange vert, qui sera plus léger que le vert qui sont juste utilisés. Et bien sûr, j'utilise le pinceau pour le faire parce que je suis en train de passer à un jaune en bas. J' ajoute juste un peu de jaune à ce vert en descendant la gradation. Et bien sûr, j'utilise ce pinceau pour lisser ces coups. Je vais accélérer un peu ici parce que vous devriez déjà comprendre le processus. Donc avec le mélange, un peu plus jaune en descendant, et bien sûr, en utilisant ce pinceau comme cheval de travail pour étaler la peinture pour moi. Et finalement, je descendrai à mon jaune. Et puis, bien sûr, je reviendrai sur ça et ça fondre ces transitions. Et c'est tout ce que je sais sur les gradations mixtes. Donc, pour votre exercice recommandé, vous pouvez dessiner un carré ou dessiner une série de six carrés comme je l'ai fait au début de cette vidéo et peindre des gradations mélangées. C' est une technique merveilleuse que nous revisiterons au fur et à mesure que ce cours va de l'avant. Donc, dans cette leçon, nous avons parlé d'une gradation mélangée créant des transitions de couleur lisses. Tout a commencé avec les six carrés. Et pour cet exemple, j'utilise des teintes pré-mélangées avec mon pinceau et non avec le couteau à palette. J' ai expliqué de la meilleure façon possible ce qu'est une gradation mixte. Et nous avons parlé de la façon de mélanger les teintes. Et maintenant, vous avez un exercice recommandé. Alors commencez à peindre des dégradés mélangés et n'hésitez pas à explorer différentes combinaisons de couleurs que ce que vous avez vu ici. 15. Gradation non mélangée: Il y a plusieurs façons de créer une gradation, et celle-ci je vais vous montrer une gradation non mélangée. Donc, en créant une transition de couleur épaisse, je vais commencer à utiliser mon cuz pré-mélangé bien sûr, en utilisant mon pinceau, je vous dirais ce qu'est une gradation non mélangée. J' appliquerai de la peinture, puis je la laisserai tranquille. C' est le secret, puis vous donner l'exercice recommandé. Commençons par les câlins pré-mélangés. Je vais donc préparer ma peinture en bouche comme je l'ai fait dans l'exemple mélangé pour que mes peintures soient prêtes à aller. Maintenant, je veux vous dire ce qu' est une gradation non mélangée au cas où vous ne voulez pas déjà savoir. Donc le but ici est d'utiliser la peinture prémélange et nous ne voulons pas trop mélanger. Ainsi, le résultat final est une transition d'une couleur à l'autre. Ce n'est pas aussi lisse que notre ami à gauche. Je vais commencer par cette même barbade en bleu et le coin supérieur gauche. Et puis vous donner ce petit rappel de voir l'avenir. Voyez comment un tableau de ce coin, et maintenant je peux courir ce coup de pinceau en toute confiance. Donc, je vais mettre quelques coups de ce qui a explosé vers le bas. On voit déjà que je ne suis pas plus de mélange, ce qui nous amène au point suivant. Et c'est appliquer de la peinture et le laisser seul, ce qui semble facile à faire. Mais le problème le plus commun pour les artistes, en particulier les débutants, est de surmenage de la peinture. Donc encore une fois, je vais mettre ce vert vers le bas et juste me regarder partir, pas un soin dans le monde. Je suis parfaitement d'accord avec laisser ça comme il est maintenant. C' est juste une question de répéter ce processus jusqu'à ce que je descende au jaune. Et même maintenant, vous pouvez les regarder côte à côte ici et comparer la différence. Donc on a un regard un peu plus rude, mais on a toujours une gradation. Donc, nous étions toujours en train d'obtenir une couleur qui commence par le bleu, puis les transitions vers le jaune. Et c'est mon point de vue sur une gradation non mélangée. Les deux gradations avaient leur place et leur art, que nous aborderons plus en détail au fur et à mesure que nous avançons. Vous êtes recommandé exercice, comme vous le savez probablement, est de créer des carrés, puis de peindre des gradations non mélangées. J' ai commencé par vous informer que j'utilise des teintes pré-mélangées avec mon pinceau. Définissez ce qu'est une gradation non mélangée. Et encore une fois, vous, une fois que vous appliquez de la peinture et la laissez tranquille, vous avez eu un grand exercice recommandé. Alors s'il vous plaît, allez peindre quelques gradations non mélangées. Parce que si vous ne le faites pas, vous allez arriver à la fin de ce cours et vous n'aurez toujours pas une idée sur la façon de peindre acrylique. Alors impliquez-vous. Maintenant, au revoir. 16. Blended sur le papier: Voici une autre gradation où nous allons nous fondre sur le papier. Je commencerai par définir ce que signifie le mélange sur le papier, et je le ferai sans remélanger la peinture. Le résultat final est similaire à une gradation non mélangée. Bien sûr, nous allons nettoyer et entre les teintes, ce qui est un peu un rappel. Et puis je couvrirai un second mélange humain qui ne se souvient pas vraiment pourquoi j'ai mis ça dedans. Et puis l'exercice recommandé, permettez-moi d'abord de définir ce que signifie le mélange sur le papier. Jusqu' à présent, nous n'avons presque que mélangé notre peinture sur la palette, mais il existe une technique alternative où nous pouvons mélanger sur le papier. Donc, au lieu de remixer ou de câlins sur la palette, nous le ferons sur la surface. Et en plus de cela, nous ne serons pas prémélange sont Hughes. Et c'est parce que tout le mélange est fait sur le papier. Et encore une fois, pas la palette. Au fur et à mesure que je vais de l'avant, je suis sûr que cela commencera à avoir du sens parce que nous appliquons et mélangeons notre peinture et cette méthode, elle aura une finition similaire à la méthode non mélangée. Enfin, Ici, nous continuons à ajouter le soufflé à travers l'échantillon là. Et avant d'entrer dans le jaune parce que je ne veux pas prémélanger, je vais nettoyer ma brosse. Alors maintenant que ma brosse aussi belle et propre et voici les preuves là vous allez, avant et arrière et côté, pas de peinture cachée là et tous les coins. Je peux maintenant ajouter ces deuxième teinte, qui sera à nouveau le jaune. Je chargerai généreusement mon pinceau avec le jaune et je commencerai par le bas et je remonterai vers le bleu. Encore une fois, mes brosses belles et propres. Je vais, nous allons entrer dans le bleu et appliquer ça au journal. Et bien sûr que je travaille ça maintenant dans le jaune. C' est donc une approche un peu différente que de pré-mélanger votre peinture sur la palette, essentiellement votre toile dans ce cas, papier est mon palais. Évidemment, c'est une façon plus spontanée de travailler parce que vous n'avez pas vraiment l'occasion de tester votre couleur est avant de les appliquer. Certains artistes aiment vraiment cela parce que le résultat final n'est pas prévisible de l'âme. Mon but en tant que professeur n'est pas de vous donner une ou deux façons de faire quelque chose. J' ai essayé de vous en donner autant que possible et de vous laisser être le décideur ultime sur ce qui fonctionne le mieux pour vous. Votre exercice recommandé est d'essayer cette gradation. Vous pouvez essayer n'importe quelle combinaison de couleurs que vous pensez être intéressante à travailler, mais la clé est de vous impliquer. Donc, une gradation légèrement différente où nous mélangeons et mélangeons sur le papier, j'ai défini ce que cela signifie. Et encore une fois, nous l'avons fait sans pré-mélange en bouche. Le résultat final est, vous pouvez voir est un peu gros comme la version non mélangée. Et soyons honnêtes, la vie serait tout simplement ennuyeuse sans un peu de gros morceaux là-dedans. Amusez-vous avec votre exercice recommandé, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 17. Lignes et points: Maintenant, on va faire une petite pause. Maintenant, je vais expliquer cette petite théorie sur l'art. Et c'est que les lignes et les points sont les deux seules marques que vous pouvez faire des choses époustouflantes. Je vais couvrir. Je n'ai peint que des lignes. Qu' est-ce qu'un point, point, ajouter de la texture, comment créer une variété de points. Et puis l'exercice recommandé. Et je suis sûr que vous pouvez sentir l'excitation et l' anticipation et ma voix parce que j'ai hâte de partager ça avec vous. Jusqu' à présent, je n'ai peint que des lignes. Alors laissez-moi vous expliquer. Une ligne est essentiellement vous chargez votre brosse, vous la mettez à la surface, puis vous la faites glisser à travers et n'importe quelle direction, c'est une ligne. Un crayon fonctionne de la même manière. Il l'a mis sur le papier et vous le faites glisser sur la surface. Cela signifie que chaque coup de pinceau que vous faites comme une ligne. Maintenant, c'est quoi un point ? C' est là que vous chargez votre brosse et que vous touchez le papier. Ainsi, vous ne le faites pas glisser sur la surface. Et croyez-le ou non, sont les deux seules notes que vous pouvez faire. Une ligne et un point. Chaque œuvre d'art qui a été créée. En revenant aux dessins de la grotte, nous sommes tous faits avec des lignes et des points. Maintenant, les points ajoutent de la texture. Donc, si vous commencez à explorer cette idée de faire, il y a une place pour cela. Et l'art, les peintres impressionnistes l'ont utilisé un peu. Et à mon avis, chaque bonne peinture a une combinaison de lignes et de points. Vous pouvez créer une variété de points. Si vous vous souvenez de l'anatomie de la brosse, vous avez le côté de la brosse. On a la pointe du pinceau, tu as le ventre du pinceau. Nous pouvons donc utiliser les trois parties du pinceau. Alors explorez en utilisant le ventre de la brosse, qui s'évanouira et vous donnera un point plus grand. Évidemment, nous pouvons utiliser le côté de la brosse pour créer ces petites spécifications. Et enfin, la pointe du pinceau, chaque taille de pinceau vous donnera aussi un point de taille différente. Nous pouvons appuyer fort dans la surface, nous pouvons appuyer la lumière dans la surface. Ainsi, comme je l'ai mentionné, il existe différentes façons d'explorer la création de points. Mais rappelez-vous les deux seules marques que vous pouvez éventuellement faire, nos lignes et points, vous êtes recommandé exercice est d'explorer cette idée géniale. Je recommande simplement d'utiliser un morceau de papier rebut ou une vieille peinture de malbouffe dont vous ne vous souciez pas. Et faites juste quelques lignes et des points et passez un peu plus de temps à explorer ces points parce que j'ai généreusement partagé tant de façons différentes que vous pouvez les créer. Dans cette leçon, je vous ai dit que votre esprit sera soufflé. Donc, les lignes et les points, les deux seules marques que vous pouvez faire. Et cette leçon que j'ai partagée, je n'ai peint que des lignes. Je couvre ce qu'est un point. Je partage les points peuvent ajouter de la texture. Je vous ai donné différentes façons de créer des points et vous avez eu un exercice pour commencer. Maintenant, allez peindre les gens à points. 18. Gradation avec des points mélangés: Et maintenant que vous savez ce qu'est un point, nous allons explorer des points mélangés, en explorant les techniques de fabrication de points. Donc, je vais couvrir les points mélangés. Je vais le faire en utilisant des Hughes pré-mélangés. Et je vais vous montrer des points non mélangés et je vais les mélanger sur le papier juste pour que nous ayons quelques options. Encore une fois, nous allons le garder épais et vous aurez un exercice lorsque vous aurez terminé d'explorer ces techniques de gradation de points. Un petit voyage dans la voie de la mémoire vous montre que la première création que nous avons créée était une gradation mixte. Nous allons utiliser une technique similaire. Discutons donc de ce que sont les points mélangés. Donc les points mélangés sont là où nous allons mettre une série de points vers le bas. Et nous continuerons à parsemer jusqu'à ce qu'ils commencent à avoir l'air mélangés. Et dans cette version, je vais utiliser des Hughes pré-mélangés. Puisque je travaille du bleu au vert, je vais aller de l'avant et utiliser le bleu pur, Sir William et le mettre vers le haut de ma nuance. Ensuite, je prémélange mon prochain hugh en ajoutant un peu de jaune juste en dessous de cette pile bleue principale. Et puis je l'appliquerai à mes taches. Et remarquez comment je le travaille d'avant en arrière en utilisant une série de points qui finiront par le mélanger. C' est beaucoup de plaisir à explorer car il ajoute vraiment cette texture à la finition. Pour terminer cette nuance, je vais simplement répéter le processus. Donc pré-remixage d'un vert pour aller juste en dessous de l'autre. Et puis une fois que j'ai posé cela, je vais travailler cela dans la gradation, encore une fois en utilisant une série de points essayant d'éviter d'utiliser n'importe quelle sorte de ligne. Nous utiliserons cette technique plus tard dans ce cours pour l'un de nos projets. Maintenant, remarquez ici au milieu, il y a une zone qui se déplace un peu fade, donc je pense que nous devons mélanger un peu d'extrémité verte de ça. Je peux facilement réparer cela en obtenant juste un prémélange vert et travaille cela d'avant en arrière, ou devrais-je dire, de haut en bas dans ces points. Et puis il y a les points non mélangés. Vous vous souvenez peut-être que nous avions cette gradation non mélangée. Nous avons fait plusieurs leçons il y a. Celle-là, on va commencer de la même façon. Je vais utiliser seulement surly et bleu et créer une série de points le long du haut. Maintenant, sur cette version, nous allons mélanger sur le papier et non sur la palette. Cela signifie que je vais juste saisir ce jaune et l'appliquer au fond de la zone de nuance. Et je vais continuer ce processus de travail. Le soufflé vers le jaune et le jaune vers le vert jusqu' à ce qu'ils fusionnent enfin. Maintenant, pour cette version, nous ne voulons pas trop la mélanger. L' idée est que nous voulons le garder gros. Donc, quand on regarde les points mélangés ici et on compare ça au non mélangé. Nous devrions voir un peu plus de texture avec la version non mélangée. Et cela nous amène à l'exercice recommandé. Dessinez des carrés et explorez des points mélangés. Assurez-vous d'expérimenter avec les deux versions et ne la négligez pas parce que vous les verrez plus tard, comme je l' ai mentionné précédemment, points mélangés explorent les techniques de fabrication de points. Donc vous comprenez un peu plus sur les points mélangés en utilisant cuz pré-mélangé je vous ai montré une version de points non mélangés où je mélange sur le papier. N' oubliez pas de garder ça un peu gros. Et vous avez un exercice recommandé. C' est tout pour l'instant, mais je te verrai dans la prochaine. 19. Teintes et gestion des palettes: Bienvenue dans la gestion des granulés. Ce que vous devez savoir sur la zone de mélange, le placement de Hugh, options de zone de mélange, puis ma méthode préférée pour gérer la couleur toute ma palette. Je vais commencer par vous montrer ma palette de papier. Je partage cela avec vous dans le guide du matériel Quickstart. Maintenant, il était temps de définir la zone de mélange. Le milieu de la bouche est généralement réservé au mélange Hughes. Et comme il y aura beaucoup de mélange en cours, Cela rend ce bien immobilier précieux, qui signifie que nous devons être sage sur Hugh, placement sur les bords est l'endroit où vous voulez placer votre peinture. Alors que je pose ma peinture sur la palette ici, remarquez comment je vais m'approcher des bords, protégeant cette zone de mélange du milieu. Vous pouvez aussi noter que je garde les Hughes ensemble. J' ai donc mon groupe de blues l'un à côté de l'autre. Dites ça pour les jaunes et bien sûr, les rouges. Et j'ai tendance à éloigner le blanc de ces teintes. De cette façon, il ne se mêle pas aux Hughes sur la palette, dont je parlerai un peu plus en détail au fur et à mesure que ce cours va de l'avant. Maintenant, regardons les options de zone de mélange. Alors rappelez-vous, nous avons la zone de mélange, qui est essentiellement la majeure partie du palais, tant que les teintes sont placées près des bords, la clé est de subdiviser cette zone en espaces. Par exemple, vous pouvez avoir une zone dédiée au blues, ne sera pas pour les jaunes, les rouges, puis les neutres sont blancs. Peut-être une autre option est de penser plus verticalement descendre la palette, ce qui fonctionne bien. Et puis bien sûr, nous pouvons penser horizontalement. Maintenant, ma méthode de penser plus verticalement. Donc, euh, avoir mes peintures en haut du palais, alors je peux dédier cette zone au blues. Et puis ici, bien sûr, je vais dédier cette zone aux jaunes et dire que pour les rouges et le côté droit pour les blancs et les neutres, dédier des zones de mélange pour certains Hughes vous aidera à travailler plus efficacement et aider à garder vos couleurs organisées. Si je mélange des nuances de bleu, alors évidemment je garderai ça dans la zone bleue. Dites ça pour le jaune et le rouge. Mais parfois, vous avez des secondaires. Donc si je mélange le vert, un est allé entrer entre le bleu et le jaune, il peut y avoir un mélange comme le violet où j'ai besoin de bleu et de rouge qui ne sont pas l'un à côté de l'autre. Dans ce cas, je choisis une zone, soit bleue ou rouge pour mélanger ce petit-lait secondaire, il se trouve d'utiliser beaucoup de gris et neutre, donc la zone sur la droite est dédiée à cela. C' est donc un regard sur la gestion des palettes. Ce que vous devez savoir sur la zone de mélange. Ici, les placements, que je recommande est près des bords de la palette. Je vous ai donné quelques options de zone de mixage pour penser à des zones dédiées à vos Hughes. Et puis je vous ai aussi montré ma méthode de mixage préférée. 20. Les bases de la mélange de couleurs: Les bases du mélange de couleurs, le système sept Hugh. Je vais couvrir Hughes chaud et cool. Je vais créer un diagramme de couleurs primaire divisé. Nous allons passer en revue les six Hughes primaires. Je vais couvrir les Hughes secondaires et enfin les Hughes tertiaires. Et puis un exercice recommandé. Allons sur une teintes chaudes et fraîches et pourquoi elles comptent. Ici vous verrez un tableau que je vais mettre sur le dessus, j'ai le jaune sur le côté gauche de ce cercle. Ce sera un jaune froid, laissant le bon pour mon jaune chaud. Je vais faire le tour du rouge et faire la même chose. Le frais sera vers le bas et le chaud sera haut. Je ne reviendrai pas sur ça en détail dans un instant, mais supporte juste avec moi. Cela laisse le haut frais soufflé et enfin le bleu chaud vers le bas. Et maintenant, il est temps d'introduire le diagramme de couleurs primaire fractionné. Nous allons commencer par les jaunes et travailler dans le sens des aiguilles d'une montre. Je vais d'abord appliquer la lumière jaune CAD sur le côté gauche de ce cercle. C' est ma teinte jaune fraîche. Et c'est parce que l'ocre jaune est mon jaune chaud et est né parce qu'il y a plus de rouge que la lumière jaune cad. Et ce sont mes deux jaunes. Encore une fois, un jaune chaud et un jaune froid hors du tube. L' ocre jaune n'est pas touché sombre. Pour teinter ce Hugh, je vais ajouter un peu de blanc et ensuite repeindre mes taches. Les jaunes sont terminés. Maintenant, allons aux rouges. Parce que le rouge chaud sera face au jaune chaud. Je vais commencer par mon cad Red Light, qui se trouve être le rouge chaud sur mon palais. Encore une fois, je ne peindrai que la moitié de ce cercle avec mon rouge chaud. Une fois que cela est fait, je peux tourner mon attention vers mon rouge frais, qui est Alizarine pourpre. Alizarine pourpre a un peu de bleu dedans, ce qui fera également une belle violette. Plus tard, j'ai ajouté une touche de queue blanche comme je l'ai fait l'ocre jaune, juste pour obtenir ce Hugh, et cela nous amène au blues. Le bleu chaud sera vers le bas. Et toute ma palette. J' ai Ultra Marine, qui se trouve être un bleu avec un peu de rouge dedans. Je vais donc peindre cette moitié du cercle avec mon bleu outremer, qui finira par se mélanger avec le cramoisi Alizarin pour faire un violet étonnant. Pardonnez-moi de peindre si lente et méticuleusement ici, mais je veux m'assurer que je donne un bon exemple sur importance du mélange des couleurs que le bleu chaud est fini. Maintenant, je peux appliquer un bleu frais. Il se trouve que c'est de la spiruline et c'est aussi un peu sombre à mon goût. Je vais faire la même chose à dix en ajoutant un peu de titane blanc. Cela complétera la première étape de la création du tableau. Et ce sont aussi vos six Hughes primaires. Chaque u est stratégiquement placé afin de faire le prochain tour de couleurs qui nous amène aux Hughes secondaires. Et il y en aura trois. Nous aurons donc une orange et entre le jaune et le rouge, une violette, puis enfin un vert. Je vais commencer par l'orange. Et parce que nous avons un rouge chaud et un jaune chaud, il va nous donner la meilleure orange possible. Voyons comment ça marche. Donc, en utilisant un peu de la lumière rouge CAD, je vais nettoyer ma brosse et prendre un peu de l'ocre jaune. Donc mélanger ça avec ma brosse, ce qui est ma méthode préférée, comme vous le savez, qui nous donne une jolie teinte pour commencer. S' il semble un peu à lire ce qu'il a fait, je peux simplement ajouter un peu d'ocre jaune à cela. Et pour tester cette couleur, je vais y ajouter un peu de blanc, ce qui me dit est un peu sur le côté rose. Pour pousser ça à une orange, j'ai encore besoin d'un peu de ce jaune chaud, donc je vais le mélanger et cela devrait nous donner une assez bonne orange pour travailler avec. Alors je vais, on va appliquer ça à mon cercle orange. Il a toujours l'air un peu rouge. Encore une fois, vous savez, maintenant vous pouvez repousser ça du rouge en ajoutant le jaune. Je vais être un peu difficile ici et ajouter un peu de blanc à cette orange, parce que je pense que ça doit être un peu plus léger. Finalement fait. Maintenant, allons à notre violette. Comme vous le savez, nous avions le bleu outremer vers le bas. Nous allons mélanger ça avec notre Alizarin cramoisi, qui est notre rouge frais. Le dilemme est où dois-je le mélanger ? Je pourrais aller ici à la colonne rouge, ou je pourrais décider d'utiliser la colonne bleue. Ça n'a pas vraiment d'importance, choisissez-en un. Donc, pour ce cas, je vais attraper l'ultra marin et le prendre vers la colonne bleue, puis j'accroche un peu d'Alizarin cramoisi là et le mélanger. À ce stade, il peut être difficile de dire que le violet est trop bleu ou trop rouge. Je vais y ajouter un peu de blanc, ce qui aidera à révéler son biais de couleur. Fondamentalement, pense-t-il plus rouge ou pense-t-il plus bleu ? J' ajouterai plus de péché à sertir parce que je pense que c'est une touche de bleu. Et le thème en ce moment est de continuer à diriger une touche d'un blanc. Apparemment, mon état d'esprit est que tu peins un chef-d'œuvre fini ici. Alors supporte avec moi comme je repeins cette nuance. Et puis je pense que nous pouvons passer au vert, qui est notre dernier secondaire. Je vais aller et entre le bleu et le jaune en utilisant le bleu froid puis le jaune froid. Parce que le vert est considéré comme un whew cool comme le mieux pour le mélanger avec le refroidisseur. Des couleurs telles que ma lumière jaune cad, et mon serveur Liam bleu. Cela me donnera le vert optimal pour travailler avec. Et à partir de là, vous pouvez toujours le pousser vers un vert plus chaud ou plus frais en fonction de ce dont vous avez besoin pour votre peinture. Et ça complète notre Hughes secondaire. Tournons notre attention sur les teintes tertiaires. Donc, en regardant la roue de couleur, nous allons créer une teinte entre la teinte primaire et la teinte secondaire. Ici, j'ai un orange jaune, que j'ai fait en ajoutant un peu d'ocre jaune à cette base, orange. Occasionnellement, vous aurez besoin d'une orange rouge. Et pour cela, je vais simplement ajouter un peu de la lumière rouge du chat à ma base, Orange, une touche de blanc juste pour l'alléger. Et ça devrait compléter toutes mes teintes orange tertiaire. Maintenant, ça nous amène à nos violettes. Donc, nous avons déjà une violette de base en bouche. Pour obtenir un violet rouge ou un magenta, je vais mélanger un peu de l'Alizarine pourpre, qui est mon rouge frais, a fini ce violet. Et cela devrait fonctionner parfaitement pour créer une teinte violette rouge. Pour faire un violet bleu, j'utiliserai ultra Marine, qui se trouve être notre bleu chaud. Mélanger un peu de ça dans la violette devrait certainement faire le travail. Il peut se détacher un peu sombre puisque nous ajoutons ce bleu foncé. Dans ce cas, il l'a fait. J' ai ajouté un peu de blanc pour compléter ma violence tertiaire. Je suis sûr que vous savez comment ça marche maintenant. Mais juste pour vous guider, j'utiliserai mon bleu Sir William avec un peu de blanc, qui était ma base, bleu cool. Et puis travaillez ça dans mon mélange vert. Le résultat final sera un vert qui a un biais bleu. Vous pouvez le considérer comme un vert frais. Et c'est là. Boop. Dernier point est notre ligne, vert ou jaune vert, que je peux mélanger en utilisant la lumière jaune CAD dans ce mélange vert secondaire. Et une fois que j'aurai quelque chose qui me semble absolument magnifique, je peux enfin peindre notre dernière nuance. Voilà donc, mesdames et messieurs, le palmarès primaire parfait. En utilisant les six Hughes primaires et en les plaçant correctement l'un vers l'autre. Nous avons pu mélanger les teintes secondaires appropriées. Donc tous les rouges et bleus ne feront pas une bonne violette. Tout comme tous les bleus et jaunes ne feront pas un vert parfait. Et ditto ça pour l'orange. Maintenant, je vous recommande fortement de faire cet exercice. Suivez donc les idées que je vous ai partagées dans cette vidéo et créez votre graphique principal divisé. Si vous pouvez maîtriser le mélange de couleurs, vos peintures vous remercieront. Plus tard. bases du mélange de couleurs, le système de sept Hugh, nous sommes allés sur les teintes chaudes et fraîches, le diagramme de couleurs primaire divisé, comment placer les six teintes primaires au bon endroit afin que nous puissions mélanger les meilleurs Hughes secondaires. Et bien sûr, les Hughes tertiaires vont presque se peindre si vous faites les premiers pas correctement, et c'est un enveloppement. Alors je te verrai dans la prochaine. 21. Comment teen couleur à l'aide de blanc: Tensing Hughes, introduction deux tons. Je vais voir comment la valeur et le ton sont similaires. Comment utiliser le blanc pour teinter une teinte qui va bien sûr, allégé la couleur. Mais il réduit aussi et l'intensité. Et puis il y a un exercice recommandé. La valeur et le ton sont similaires. La valeur est fondamentalement la légèreté relative et obscurité d'une teinte et le ton est fondamentalement la même chose. Cependant, vous pouvez utiliser la tonalité pour indiquer la température ou la fraîcheur d'une couleur. Alors peut-être que tu regardes une couleur. Il peut dire, hm, que la couleur est un peu trop sombre, ce qui pourrait être traduit comme La valeur est trop sombre. Et vous pouvez aussi dire que le ton est trop sombre, mais le ton a cette dimension ajoutée où vous pouvez utiliser pour faire référence à la température globale d'une couleur, ce qui rend la valeur et le ton similaires parce qu'ils peuvent tous les deux référer à la légèreté et l'obscurité d'une teinte. Mais vous ne voudriez vraiment pas utiliser la valeur si vous parlez de la température de la couleur. Et c'est la différence entre les deux termes. C' est ma panne. Maintenant, nous allons utiliser le blanc dans ce premier exemple, et nous allons explorer trois teintes, en commençant par le bleu. Donc, en prenant un peu de l'ultra marin, nous allons peindre l'échantillon parfait pour commencer. Q alléger ou tente cette couleur. Je vais ajouter un peu de titane blanc. Et un peu de blanc va faire un long chemin, alors n'en faites pas trop. Nous avons juste besoin d'un changement subtil dans la teinte. Et c'est une méthode facile pour éclaircir ou tente une couleur. Je vais ajouter un peu plus de blanc à cela et répéter le processus à nouveau, juste un peu de blanc pour que vous puissiez commencer pratiquer ces changements subtils entre Hughes, rincer et répéter cela. Le jaune, en commençant par une nuance pure d'ocre jaune, j'ajouterai un petit incrément de blanc à cela. Et bien sûr, faites la même chose pour la troisième nuance, finissant avec un bronzage très léger. Maintenant j'ai lu, mais prenons une pause ici parce que je veux que tu saches quelque chose. Cela ne sera pas seulement Ted la couleur, mais il réduit l'intensité. Donc les Hughes que j'ai commencé, qui étaient l'ultra marin et l'ocre jaune commencent à avoir l'air délavé. Et si vous complétez un tableau comme celui-ci, alors la peinture aurait juste l'air un peu ennuyeux. Donc, nous devons penser les choses avec parcimonie. Remarquez comment ce cramoisi Alizarin fait un joli rose juste en y ajoutant un peu de blanc. Ce sont des exercices fabuleux pour vraiment comprendre et apprendre la personnalité de vos couleurs. Votre exercice recommandé est d'attraper votre Hughes et commencer à teinter avec du blanc. Rappelez-vous juste un peu à la fois, apprenez à mieux connaître vos couleurs. Tente cuz c'est votre introduction aux tons. Je suis allé sur la façon dont la valeur et le ton sont similaires. Comment utiliser le blanc pour éclaircir la couleur, mais aussi savoir qu'il réduit l'intensité. Et maintenant, vous avez un exercice recommandé. Alors allez sous tente des Hughes. 22. Comment reposer des teintes dans la famille des couleurs: Ensuite, utilisez une méthode alternative. Cette fois, nous allons utiliser une famille Hugh fonctionne mieux avec des tons sombres, pourquoi il est plus vibrant. Et puis l'exercice recommandé, je vais commencer par ajouter une nuance bleu foncé comme je l'ai fait avant. Donc la même couleur exacte. Souviens-toi, on va utiliser une teinte familiale. Donc, je vais prendre du Cerulean, ce qui se trouve être un peu plus léger valeur. On est le ton puis l'ultra marin, et on y mélange une touche de blanc. Donc, le but est d'obtenir un bleu clair mais un peu sombre, puis mélanger cela avec l'ultra marin. Donc, en ne mélangeant pas un blanc pur et simplement en y mélangeant un bleu plus clair, nous finissons avec une couleur qui a un peu plus d'intensité à elle. Il n'apparaît pas aussi délavé que la première méthode. Et c'est un excellent moyen d'éclaircir les teintes plus sombres. Et encore une fois, cela fonctionne mieux avec des tons sombres. Au lieu d'utiliser un ocre jaune ici, je prémélange un orange rouge qui est plus sombre et plus de valeur. Puis le premier jaune que j'ai utilisé. Et disons que je voulais teinter ce Hugh, au lieu d'ajouter du blanc, je pourrais aller prendre un peu de ma lumière jaune. Ouais, ça va le pousser à une orange, mais ça va aussi alléger cette valeur parce que la lumière jaune CAD est une valeur plus claire que la couleur originale avec laquelle j'ai commencé. J' utilise une teinte familiale plus claire par opposition au blanc pour éclaircir la couleur. Je peux faire la même chose ici en obtenant un autre mélange d'ocre jaune et de lumière jaune cad, mélanger à une valeur plus légère et ensuite mettre mon échantillon dans. Comme vous pouvez le voir, j'ai une teinte plus claire à chaque fois que je fais ça. Je vais essayer encore une fois avec mon Alizarin pourpre. Rappelez-vous que cela fonctionne mieux avec des valeurs plus sombres, ce qui fait d'Alizarine pourpre un candidat parfait. Donc maintenant, je peux prendre la lumière rouge CAD, qui est une valeur plus légère. Puis le cramoisi Alizarine mélange les deux ensemble. Et je devrais avoir une lecture plus légère qui a une touche de cette Alizarine pourpre dedans, ce qui en fait une bonne option pour alléger cette valeur au lieu d'utiliser juste du blanc. Voilà, tu y vas. Des trucs faciles. Je vais faire une nuance de plus, mais cette fois j'ai un peu d'orange là sur la palette. Et je peux juste ajouter une partie de cela parce que cette orange est plus légère que la lumière rouge CAD. Donc à chaque fois que je fais ça, je choisis quelque chose au sein de la famille Hue pour faire le changement. Donc, nous finissons avec des Hughes plus dynamiques. Je ne dis pas que c'est la façon dont vous devriez le faire, mais il y a des moments, cela fonctionne très bien et peut-être même mieux que d'ajouter du blanc. On vous recommande de faire de l'exercice. Vous savez probablement déjà que c'est deux dixièmes de Hughes, mais restez dans la famille. Et rappelez-vous ce bleu que j'ai tendu, j'ai utilisé un bleu clair. Donc, il est normal d'utiliser une teinte qui est prémélange comme un bleu clair pour l'assombrir. Mais évitez simplement allé blanc pur pour notre récapitulation, plomb teintes tendues avec la méthode alternative qui utilisait une famille Hugh. Rappelez-vous que cela fonctionne mieux avec des tons sombres. Le résultat final est un mélange plus vibrant, et puis je vous ai donné un exercice recommandé. J' espère que ça vous a plu et je vous verrai dans la prochaine. 23. Comment ombrer des teintes: Nous avons tendu Hughes et maintenant il est temps d'ombrager Hughes. Alors, comment sombres et les couleurs ? Nous allons revoir le nuancier. Je vais utiliser un Hugh gratuit. Nous discuterons de la neutralisation de Hughes, puis de l'exercice recommandé. Revoyons le nuancier. Donc, pour une couleur complémentaire qui dit jaune, bien sûr ce serait violet. Donc on peut utiliser une violette pour assombrir un jaune, on peut utiliser un vert pour assombrir une orange rouge. Nous pouvons également foncé et vert citron en utilisant un violet rouge. L' utilisation gratuite de Hughes est un excellent moyen d'ombrage des couleurs. Je vais commencer par mon bleu. Et bien sûr, nous suivrons le même système. Donc, nous allons travailler bleu, jaune que rouge, parce que nous mélangeons des couleurs plus foncées. Je vais commencer par un bleu plus clair. Si nous traversons la roue, vous verrez de l'orange. Est-ce gratuit, Hugh, vous aurez seulement besoin d'une très petite quantité de cette couleur gratuite. J' ai même ajouté une touche, un blanc à ça. Et si on compare le bleu clair au bleu, je viens de mélanger avec l'orange, vous verrez que la valeur devient plus sombre. Nous prendrons cette nuance plus foncée en ajoutant un peu plus d'orange à ce mélange bleu. Et comme vous le voyez, il devient certainement de plus en plus sombre en valeur. C' était tellement génial. On va recommencer, mais cette fois avec un jaune et maintenant je vais mettre une petite quantité de cette orange dedans. Et avant d'aller plus loin, parlons de neutraliser les hughes. Lorsque vous ajoutez un complément de couleurs à elle, va commencer à griser. Et ce n'est pas toujours une mauvaise chose car je mélange cette violette ici. Jetez un coup d'oeil à cette nuance bleue que j'ai faite. La première nuance n'avait pas de couleur supplémentaire dedans. Mais le deuxième, le troisième, l'a fait. Et vous pouvez voir comment ils commencent déjà à avoir l'air gris. Et notez également que l'orange a du jaune. Donc ce bleu et cette touche de jaune commence à le pousser à un gris vert. Des trucs intéressants, et on peut voir ça arriver ici avec la violette. Donc la violette a un peu de bleu dedans. Et quand tu mélangeras le jaune et le bleu, tu auras un ish vert. Donc, ce gris dans ce jaune est plus un gris vert. Donc tu reçois une bonne éducation ici sur le mélange des couleurs. Cette dernière montre était un peu légère, donc je vais y mettre un peu plus violente pour finir notre jaune. On a encore un à y aller. Je commencerai par la lumière rouge de mon chat et un peu de blanc titane. Et une fois que nous avons notre base écrasée, jetons un coup d'oeil à la roue de couleur une fois de plus. Si on croise ça, on peut voir que le vert est le choix optimal pour assombrir ça, Hugh, il se trouve que j'ai un peu de vert sur ma palette quand j'ai fait la roue de couleur. Donc ça devrait faire très bien. Mais regarde ce que j'ai fait. J' ai ajouté trop de vert. Donc, le passage d'une valeur à l'autre était un peu désactivé. C' est beaucoup mieux parce que nous pouvons encore voir une partie de ce rouge dans cette seconde nuance. J' utilise tout mon rouge, donc je vais préparer un peu plus et ensuite retourner à notre vert. Évidemment, je veux que cette nuance soit un peu plus sombre. Et bien sûr, ça va s'éloigner de plus en plus du rouge. Et c'est ainsi que vous ombragez Hughes en utilisant cette couleur gratuite. Votre exercice recommandé est de faire un tableau semblable à ce que j'ai fait ici. Commencez par une base, Hugh. Rappelez-vous qu'il doit être un peu plus léger et de valeur afin que vous ayez l'occasion de le rendre un peu plus sombre. N' importe quelle couleur fera l'affaire. Je recommande d'utiliser les mêmes teintes que celles que vous avez essayées dans la version tente. Et de cette façon, vous pouvez commencer à construire une relation avec certaines de ces couleurs. Shade Hughes, comment assombrir les couleurs ? Nous avons revisité le nuancier. J' ai parlé de la façon d'utiliser des teintes complémentaires, trop foncées dans une couleur. Vous savez également que l'utilisation d'une teinte complémentaire commencera à neutraliser la couleur, puis l' exercice recommandé afin que vous puissiez commencer à maîtriser comment ombre Hughes. 24. Comment ombrer des teintes à l'aide de la famille des nuances: Shade Hughes méthode alternative. Maintenant, nous allons utiliser une teinte familiale pour assombrir une couleur. Cela fonctionnera mieux avec des tons plus clairs et maintient également plus de sa vraie couleur. Et puis bien sûr, la seule chose que vous aimez, un exercice recommandé. Je vais commencer par PR remixer un bleu clair. Donc, une touche de mon blanc de titane et au mélange que j'ai déjà fera absolument bien. Au lieu d'une couleur gratuite, nous allons utiliser les familles Hue. Dans ce cas, violet, vert. importe laquelle de ces couleurs devrait faire bien, tant qu'il est plus sombre en valeur, puis le bleu clair que j'ai commencé avec. Donc je vais juste utiliser un peu de spiruline et bleu a fini ce mélange. Et tu peux voir Lala, j'ai une teinte plus foncée que celle avec laquelle j'ai commencé. Et aussi remarquer n'est pas aussi vert. Donc, si vous essayez de mélanger une teinte plus foncée et que vous ne voulez pas la pousser en vert ou la neutraliser, c' est une excellente option. Et pour cette troisième nuance ici, j'ai juste mis un peu de bleu outremer dedans. Et bien sûr, nous obtenons un bleu plus foncé parce que cet ultramarin est sombre et de valeur de toute façon, vous pouvez juste le regarder en bouche et voir que ça va faire le travail. Cela fonctionne mieux avec des tons plus clairs. Donc, évidemment, je n'essaierais pas de faire ça avec du bleu outremer. Je vais commencer par mon jaune depuis que c'est le prochain. Et mettre un peu d'ocre jaune dedans. Cela me donnera un joli jaune chaud, qui est un point de départ parfait. Pour cette technique. Pour rendre ça un peu plus sombre, je peux utiliser de l'ocre jaune. Nous pouvons regarder cette roue de couleur et voir que l'ocre jaune ou l'un de ces jaunes, oranges, oranges ou rouges serait très bien. Encore une fois, juste un peu, devrait faire le travail. Je crois que j'ai bien compris cette fois. Vous pouvez probablement voir une famille de teintes maintient plus de sa vraie couleur. Je ne suis pas allé jusqu'à un rouge et je devrais faire très bien. Maintenant, ça va le pousser vers une orange. Parce que de toute évidence, si vous mélangez le rouge et le jaune, vous allez avoir une orange. Mais vous allez également obtenir une valeur légèrement plus foncée, ce qui peut faire très bien pour leur projet ou peinture que vous créez, au lieu d'utiliser une couleur complémentaire qui va commencer à la neutraliser, poussant à ce gris. Pour cette dernière montre, je vais utiliser la lumière rouge CAD avec un peu de blanc titane. Et pour rendre cela un peu plus sombre, je peux simplement ajouter plus de CAD Red à cela. Ça va le saturer. Mais ça va aussi le rendre plus sombre que la teinte avec laquelle j'ai commencé. Pour rendre ça encore plus sombre. Tu l'as probablement déjà deviné. Alizarine pourpre. Vous pouvez voir à quel point Hugh est sombre. Toute ma palette. Et vous venez d'améliorer vos connaissances en matière de mélange de couleurs. Super trucs sur. Non, tu es impressionné. Un petit résumé. Nous pouvons Ted Hughes en utilisant seulement le blanc, juste savoir comme aller laver cette couleur un peu pour maintenir plus de sa couleur d'origine. Nous pouvons mélanger au sein de la famille des teintes tant que nous commençons par une teinte plus foncée, nous pouvons ombrager Hughes en utilisant sa couleur complémentaire, ce qui la neutralisera à nouveau, transformant davantage vers un gris. Et je viens de montrer comment dire au sein de cette famille Hugh d'ombrager à nouveau les couleurs, commençant par une valeur plus légère, c'est là que ça fonctionne le mieux. L' exercice recommandé est d'apprendre à ombrager Hughes, restant dans la famille des couleurs. Récapituler le temps, ombre Hughes la méthode alternative. Donc, nous utilisons la famille Hue. Encore une fois, il fonctionne mieux avec des tons clairs, mais sachez qu'il va maintenir une partie de sa couleur d'origine, sa famille et son intensité. Et ils ont recommandé l'exercice. Maintenant, les gens font des micros, vont peindre. Ce sont des blocs majeurs dans votre fondation. Alors ne laissez pas cette opportunité vous passer. Tu es dedans pour le gagner. Maintenant, va le faire. 25. Chroma, saturation et intensité: Bienvenue à tout ça, c'est pareil. Bien sûr, je fais référence à la chroma, à la saturation et à l'intensité. Alors qu'est-ce que le chroma ? Pourquoi est-ce que c'est pareil ? Je vais vous montrer comment réduire le chroma mais a conservé le ton. Je vais tester mes compétences en faisant correspondre le ton et la valeur , puis vous montrer comment j'ai fait, puis il a recommandé l'exercice. Alors qu'est-ce que le chroma ? Chroma est la pureté ou l'intensité d'une couleur, essentiellement à quel point il est libre du blanc ou du gris. Et pour illustrer comment cela fonctionne, j'ai posé une nuance de lumière rouge CAD, et je n'ai pas mélangé cette couleur avec quoi que ce soit d'autre. C' est tout de même. Donc, quand on parle de chroma, saturation et d'intensité, ils ont tous fait référence à la pureté de cette couleur. Et parce que je n'ai pas mélangé cette lumière rouge cad avec n'importe quel autre Whew. C' est de haute chroma. Il est aussi très saturé. Et cela signifie que c'est aussi intense que jamais. Donc, en un mot, est chroma. Alors, comment réduisez-vous le chroma mais en conservant la tonalité ou la valeur ? C' est la question à laquelle nous devons répondre. Je vais vouloir réduire le chroma dans cette lumière rouge CAD, mais garder sa valeur. Donc, quoi que je me mêle, il doit avoir la même valeur que ce rouge. Je sais que ça semble un peu déroutant, mais je te promets que ça va avoir du sens. Pour être clair, j'ai deux objectifs. Je veux non seulement réduire l'intensité de ce rouge, mais je veux finir avec une couleur rouge ou une autre qui est de valeur égale. Parlons donc de la façon de faire correspondre le ton et la valeur. C' est un peu un défi. Je suis sûr que vous vous souvenez de l'échelle des cinq valeurs. Donc, pour cet exemple, je vais utiliser le gris pour réduire le chroma de ce rouge. Et ce que j'essaie de faire est de mélanger un gris de valeur égale à la nuance rouge que j'ai déjà posée. Et je ne veux pas que le gris ait un biais chaud ou frais. Donc je mélange un gris neutre qui est juste au milieu. Je vais poser ma première nuance et maintenant je peux juger comment j'ai fait. Donc quand je regarde ce gris, je pense qu'il fait un peu trop sombre. Donc je vais tester ça avec une touche de blanc et puis réévaluer. Et je pense qu'il fait encore un peu trop sombre. Donc un peu plus blanc a fini ce mélange. Je vais déposer ma tache. Et encore une fois, prenez un moment pour voir comment j'ai fait. C' est assez proche. Je pense que je commence à avoir une valeur égale de ce rouge. Et je vais vous dire que mesurer la valeur des couleurs peut être très difficile. Certaines couleurs sont évidemment sombre lumière estivale, mais celles du milieu sont un peu difficiles. Alors regardons comment j'ai fait en niveaux de gris cette image. Vous verrez que je suis assez proche. Peut-être que le gris est un peu trop léger sur la droite, mais je suis certainement dans le ballpark que gris représentera la désaturation complète de ce cad Red Light. Et tout ce que j'ai à faire maintenant pour compléter cette échelle, c'est de mélanger un peu de ce rouge de chroma pur avec ce gris. Je voulais prendre un peu à la fois et nous faire passer l'échantillon au milieu. Alors que nous nous tournons vers la lumière rouge CAD originale et que nous comparons à la nuance et au milieu, vous verrez que cette couleur n'est plus un chroma élevé n'est plus intense. Et puisque j'ai commencé avec un gris de valeur égale, cette nuance et le milieu devraient également être une valeur similaire à celle avec laquelle j'ai commencé. Un peu cool, mais aussi un peu compliqué. J' ajoute maintenant plus de gris à ce rouge et travaille mon chemin dans une teinte complètement désaturée et elle a perdu sa chroma. Maintenant, je mets plus de rouge, cette base grise. Je veux donc créer une nuance qui a plus de rouge et moins de gris. Ainsi, vous pouvez voir que l'échelle commence à avoir du sens. L' une des choses les plus difficiles à apprendre pour un artiste est de mélanger la couleur, mais aussi de comprendre le chroma et l'intensité. Et puis comment manipuler les couleurs. Il y aura des moments où vous peignez où vous aimez la couleur, mais c'est tout simplement trop intense. La valeur semble parfaite, donc vous ne voulez pas perdre sa valeur. Vous voulez seulement réduire l'intensité de la couleur. Et la méthode que je viens de vous montrer ici le fera exactement. Et j'espère que vous comprenez combien Grand est important pour votre peinture. Votre exercice recommandé est de commencer par une nuance. Rappelez-vous, vous voulez que cette couleur soit haute, chroma directement sorti du tube, puis prémélangez un gris de valeur égale à ce point. Enlevez vos deux échantillons et bonne lumière du jour et prenez une photo de celui-ci, puis vous pouvez désaturer ou enlever toute la couleur comme je l'ai fait dans cette leçon et voir comment vous l'avez fait. Alors testez vos compétences. Et maintenant vous savez que la chroma, la saturation et l'intensité signifient la même chose que je vous ai enseignée ce qu'est le chroma, qui signifie que vous comprenez aussi la saturation et l'intensité. Je vous ai montré pourquoi ils sont tous pareils et j'ai laissé tomber quelques connaissances majeures sur vous, vous montrant comment vous pouvez réduire le chroma tout en conservant une valeur originale des couleurs. Je t'ai montré à quel point je faisais les gardiens, pas si mal. Et maintenant, vous avez un exercice recommandé. Prenez votre temps ici. Ne vous précipitez pas dans cette leçon. Relever le défi, car ce sont les principes fondamentaux qui auront un impact énorme sur votre art. J' espère que vous avez apprécié cette leçon et je vous verrai dans la prochaine. 26. Utilisez des teintes désaturées: Il y a un autre moyen. Retirez l'alternative chromatique. Un petit voyage dans la voie de la mémoire. Nous mélangerons une teinte gratuite que vous connaissez déjà. Nous allons faire correspondre le ton. Je vais vous montrer comment j'ai fait et détesté. Surveillez votre ton. Et puis l'exercice recommandé, nous reviendrons dans le temps un peu ici et revisiterons notre roue de couleur et la couleur complémentaire au rouge, que vous connaissez peut-être déjà, mais certains d'entre vous peuvent encore mettre les morceaux ensemble. Mais ce Hugh est vert. Mais avant de commencer à mélanger, je vais mettre la table ici en posant la même nuance Cad Red Light. Et j'ai dessiné la nuance blanche sur la droite, qui doit avoir la même valeur. Je vais commencer à mélanger mon vert à l'aide du bleu et de la lumière jaune cadmium. Donc, je vais travailler ce mélange d'avant en arrière avec ma brosse jusqu'à ce que je sens que j'ai un très bon vert de base. Je vais mettre cette Swatch vers le bas et maintenant il est trop sombre. Comme vous le savez, nous pouvons utiliser le blanc pour tente. Donc, je vais mélanger un peu de blanc de titane dans ce vert de base jusqu'à ce que je sens que j'ai quelque chose de valeur égale à cette lecture, l'objectif est de faire correspondre une valeur ou un ton comme vous voulez le regarder. Donc, il y a ma lecture de base. J' ai mélangé cette base verte et maintenant on va voir comment j'ai fait. Pour le savoir, je vais désaturer l'image, révélant la vraie valeur des deux couleurs. Qu' est-ce que tu crois que je fais ? Ok, je pense que j'ai bien fait. Passons à mélanger un peu de ce vert dans le rouge. Et parce qu'ils sont des couleurs complémentaires, va commencer à griser ou à le neutraliser. Ici, je vais mélanger tout beau et lisse. Nous pouvons donc voir cette transition d'un rouge chroma élevé sur la gauche au vert grisé sur la droite. Donc, j'ai complètement retiré le chroma de cette lumière rouge cad. Un autre rouage dans la roue de couleur. Votre exercice recommandé est de faire exactement ce que vous voyez dans cette vidéo. Mettez un haut niveau de chroma vers le bas, utilisez votre nuancier et choisissez cette couleur complémentaire. N' oubliez pas de locataire si vous en avez besoin, afin que vous ne perdiez pas sa valeur d'origine. Si ça change un peu, alors c'est bon, on peut laisser tomber. Il existe une autre façon d'enlever le chroma en utilisant une teinte complémentaire. Un petit voyage dans la voie de la mémoire vous a rappelé la roue de couleur, ce qui est si important. Nous utilisons la teinte gratuite, puis le blanc pour le locataire, et leur but était de faire correspondre la valeur du rouge avec ce vert. Je t'ai montré comment je faisais et tu dois regarder ces tons. Si vous ne voulez pas modifier la valeur de la couleur que vous désaturez. Si vous terminez l'exercice recommandé, vous ne devriez pas avoir de problème à maîtriser cette compétence de base de mélange de couleurs. Puisque je sais que la plupart d'entre vous ont des smartphones, oubliez pas de mettre votre échantillon de chroma élevé vers le bas, puis mélanger une teinte gratuite que vous pensez être égale et arrêtez. Prenez une photo de celui-ci et une bonne lumière, puis désaturé pour voir comment vous avez fait. Cela vous dira à quel point vous voyez la vraie valeur et une couleur. Ce n'est pas une chose facile à faire. Il faut un peu de pratique, mais je sais que vous pouvez le faire. 27. Les bases de l'harmonie des couleurs: Bienvenue dans les combinaisons de couleurs. Explorez les options de palette et de couleur. Nous allons couvrir ce que vous savez déjà. Couleurs analogues, diviser les couleurs complémentaires, et deviner le sang. Tellement plus. Commençons par ce que vous savez déjà. Et on va le lancer avec les primaires. Nous en avons six, mais consolidons à trois. Donc, vous êtes les couleurs primaires serait jaune, bleu et rouge. Et c'est une merveilleuse combinaison avec laquelle travailler. Ensuite, c'est les secondaires. Pour secondaires sont facilement m6 en utilisant les primaires et encore une fois, en utilisant les secondaires comme une option de palais. Un grand choix qui nous amène aux couleurs tertiaires, et cette combinaison ferait certainement une merveilleuse palette. Vous pouvez explorer en utilisant tous ou bien sûr, vous pouvez choisir trois ou quatre. Et puis il y a des couleurs gratuites. Comme vous le savez, ceux-ci sont énormes situés en face de l'autre sur la roue de couleur. Donc le bleu et l'orange seraient merveilleux. Rouge et vert comme vous pouvez le voir ici. Ainsi, vous pouvez choisir deux et avoir du plaisir à peindre avec des couleurs gratuites. Que diriez-vous de certaines couleurs analogues ? Ce sont des couleurs situées les unes à côté des autres sur la roue de couleur. Comme vous pouvez le voir, ces bleus et verts fonctionneront bien. Bien sûr, vous pouvez mélanger dans un peu de jaune ainsi. Et puis on a le blues avec la violence. Encore une fois, nous pouvons même jeter un peu de rouge, rouge froid, rouge chaud. Ceux-ci seraient parfaits pour des combinaisons de couleurs analogues. Ensuite, nous avons le plus chaud Hughes ici à nouveau, n'hésitez pas à mélanger et à mélanger des combinaisons de couleurs analogues. Hughes à côté de l'autre sur la roue de couleur, diviser les couleurs complémentaires. Vous savez ce que sont les couleurs complémentaires. Donc, vous prendriez l'orange, qui est le complément du bleu, puis ajoutez une couleur à côté. Ici, j'ai choisi le jaune. Donc, ce sera une combinaison de couleurs gratuite split. Ici, j'utilise le vert et le rouge dans Austin un peu de violet. J' aime vraiment travailler avec des combinaisons de couleurs complémentaires divisées, triadiques. Donc on parle d'un triangle. Donc les couleurs qui forment un triangle sur la roue de couleur. Donc, ici, nous avons le violet, le vert et l'orange, qui sont aussi les couleurs secondaires. Mais nous pouvons aussi essayer line green. On peut essayer rouge, orange. On peut essayer la violette bleue. Encore une fois, ce sont de merveilleuses combinaisons à explorer. Qu' en est-il des combinaisons tragiques ? Ce serait un rectangle sur la roue de couleur. Donc n'importe laquelle de ces quatre couleurs ici, j'ai de la lime, du vert, jaune, de l'orange, du rouge, du violet, puis du bleu violet. Un autre exemple serait le jaune, bleu, le vert, le violet, puis le rouge orange. Et vous pouvez en faire un super-simple en utilisant monochromatique. Cela signifierait choisir une couleur comme le bleu et utiliser des dixièmes de ce bleu, bien sûr, nous pouvons utiliser un bleu clair et vous des nuances de ce bleu. Nous pouvons également utiliser une couleur et utiliser des nuances en utilisant le gris de cette couleur. Donc encore une fois, monochromatique est une couleur et en utilisant des tentes et des nuances de ce Hugh, vous pouvez également simplement essayer des nuances. Cela fonctionne bien en choisissant une valeur de lumière. Ainsi, comme le bleu clair, jaune clair, rouge clair, et juste en utilisant des nuances de cette couleur primaire. Donc, vous éviteriez d'ajouter du blanc à la palette. Mais vous pouvez certainement commencer avec une couleur de valeur plus claire qui a blanc pré-mélangé dedans, puis ombre à partir de là. Le contraire serait dixièmes. Donc, vous pouvez prendre une valeur plus foncée, le, disons, le bleu foncé en haut à gauche, et utiliser le blanc dans cela. Bien sûr, vous pouvez utiliser n'importe quelle autre couleur, ou vous pouvez utiliser une combinaison de deux ou trois couleurs qui fonctionnent bien ensemble, mais l'utilisation tendue comme un moyen d'harmoniser votre palais fonctionne bien. Et une palette chaude ? Il s'agit évidemment de couleurs situées dans la zone chaude du nuancier. Donc utiliser ces rouges chauds, jaunes et oranges aurait fonctionné merveilleusement. Bien sûr, nous pouvons aller à l'opposé et faire une palette fraîche. Donc, l'utilisation de bleus et de verts ensemble pour créer une peinture à température fraîche fonctionne bien. Il y a beaucoup d'autres idées et techniques qui fonctionnent bien. Mais nous avons couvert certaines combinaisons de couleurs populaires, commençant par ce que vous savez déjà sur la roue de couleur. Donc, nous sommes allés dans une division analogue, gratuit et ainsi de suite. Je vous encourage donc à explorer certaines de ces combinaisons de palettes pour votre prochaine peinture. Rappelez-vous, quand vous regardez votre inspiration, votre image ou le sujet que vous êtes sur le point de peindre, vous n'avez pas besoin d'être collé aux couleurs qui sont là dans la vraie vie. En tant qu'artiste, vous avez la liberté de changer de couleur quand vous le souhaitez. Et ces combinaisons de couleurs sont un excellent moyen d'explorer cette idée. 28. Voir de la valeur: Avant de plonger trop profondément dans la valeur, cette discussion de voir de la valeur. Et l'idée ici est d'éliminer la couleur. Nous allons explorer les photos. Nous allons les convertir en niveaux de gris, localiser la lumière la plus claire et sombre comme sombre. Nous allons parler brièvement des changements d'avion, puis des faits de changement d'avion. Commençons par explorer quelques photos. chose la plus difficile dans la peinture en général, pour moi, était de voir la valeur d'une couleur. Donc, la meilleure façon dont j'ai appris à le faire était de convertir mon image en échelle de gris en éliminant la couleur et l'image. Je pouvais lire la valeur plus clairement, ce qui m'a aidé à faire un certain nombre de choses. L' un d'entre eux est de localiser la lumière la plus légère et je parle de la valeur la plus légère. Alors quand je regarde cette tasse à café et YouTube, où voyez-vous la valeur la plus légère ? Si vous définissez là où les faits saillants sur la tasse, alors vous avez raison. Mais c'est facile, et parfois la lumière la plus claire est plus évidente et aussi la plus sombre. Ainsi, vous pouvez regarder une image et la numériser rapidement, même en couleur, et commencer à voir où est la valeur sombre. Lorsque vous le convertissez en une échelle de gris comme celle-ci, j'ai commencé à voir le modèle de cette valeur sombre et comment elle se déplace à l'intérieur du sujet. Par exemple, le côté gauche de la tige est l'endroit où cette valeur sombre commence. Il se déplace vers le haut dans les feuilles, puis dans les pédales. Sur le côté gauche, vous pouvez même voir quelques-unes des valeurs sombres au centre des lignes. Regardons un autre coup d'oeil à un bol avec des oranges. De toute évidence, l'arrière-plan est la valeur la plus sombre. Mais lorsque nous convertissons ceci à une échelle de gris, localisez certaines de ces valeurs sombres se mêlent aux oranges. Encore une fois, il s'agit de former l'œil à voir à travers la couleur et seulement la valeur de la teinte. Parlons des changements d'avion. Alors que nous regardons cette petite ruelle ici, il y a plusieurs avions à considérer. Nous avions les plans verticaux des murs, la fois le mur de gauche et le mur qui est en plein soleil. Et puis nous avons l'avion au sol. Il y a aussi des avions qui sont plus angulaires comme sur le toit. Donc, avec chaque changement de plan, il y a un changement et une valeur. Vous pouvez voir la lumière sur le plan du sol est beaucoup plus légère que ces murs éclairés par le soleil sur le côté droit. Lorsque vous choisissez une couleur pour les alli ensoleillés là-bas, alors vous ne voudriez pas que cette couleur soit plus claire et de valeur. Ensuite, la couleur que vous choisissez pour le mur vertical qui est éclairé par le soleil. Et encore une fois, ce n'est qu'un exemple. Certains forums comme cet exemple sont plus boxants et géométriques parce qu'ils sont faits par l'homme, mais d'autres formes sont plus organiques. Si vous deviez disséquer cette image dans tous les différents plans, il y en aura beaucoup. Certaines de ces formes sont fabriquées par l'homme, d'autres sont plus rondes, autres plus ovales, et ainsi de suite. Avec des objets plus carrés et moins ronds, le changement de plan semble être plus évident. Alors que les objets qui sont plus ronds et courbes, disons comme la pomme ou la paire, les changements d'avion sont plus progressifs. Il y a donc une transition en douceur d'une valeur de lumière à une valeur sombre. Maintenant, ce n'est qu'un exemple de voir de la valeur. Nous ne faisons que gratter la surface de ce que cela signifie pour votre peinture acrylique. Et le but principal de cette leçon était de vous présenter l'idée. Et c'est de voir la valeur à travers la couleur. La chose la plus facile pour moi de faire était de prendre une image et de l' échelle de gris comme je vous ai montré ici pour votre exercice recommandé. Prenez quelques images. Ça pourrait être des vacances. Il pourrait s'agir d'objets autour de votre maison et les amener dans votre éditeur de photos, que ce soit sur votre iPhone, téléphone intelligent ou ordinateur, et le convertir en niveaux de gris ou simplement désaturer l'image de toute sa couleur, alors vous allez commencer à voir la valeur, passer par la liste de vérification, localiser la lumière la plus claire, l'obscurité comme sombre, puis juste observer les changements d'avion, reconnu que ces choses existent. Et je pense que ce serait un bon point de départ pour voir de la valeur. Et bien sûr, nous en discuterons plus en détail au fur et à mesure que nous avancerons. 29. Comment mélanger des gris: C' est le moment de mélanger Gray, un ouf, tu deviendras aimer. Nous utiliserons les trois primaires. J' utiliserai le blanc 2-10, que vous connaissez déjà. Qu' est-ce qu'un biais de couleur, changement de biais de couleur, puis un exercice recommandé. Nous commencerons par utiliser les trois primaires, qui mélangeront un beau gris. Remarquez le côté droit de ma palette. C' est négligé à quel point ? Je n'ai rien à venir jusqu'ici. Nous n'avons vraiment travaillé qu'avec les couleurs sur la roue de couleur. Allons de l'avant et prenons un petit morceau de ce blanc et posons-le dans la zone de mélange. Maintenant, pour nos trois primaires, bleu, le jaune et le rouge vont prendre un peu de chacun. Ça n'a pas vraiment d'importance. Donc je vais ramasser un peu de ces deux bleus. Je vais le didot pour le jaune. Donc vous pouvez voir que j'ai un peu de chacun. Et bien sûr, les deux rouges. Une fois que j'ai eu ça, le plaisir commence. Je peux enfin mettre ce couteau à palette au travail. Cette chose s'assied autour de ramasser la poussière trop souvent. Donc vous verrez, je suis en train de étaler cette peinture sur le palais, travailler d'avant en arrière. Je vais tout ramasser, le remettre vers le bas, remettre vers le bas, et le répéter jusqu'à ce que je sens que tout est mélangé uniformément. Je vais prendre un peu de cette peinture et faire mon échantillon. Mais maintenant, je vais ajouter du blanc au locataire. Et ça va m'en dire beaucoup sur ce gris. Donc je ne sais pas si c'est au bleu, au jaune ou à lire. Donc, je vais mettre un peu d'extrémité blanche de ce gris de base, ce qui révélera la vraie température de ce mélange. qui veut dire, est-ce au bleu froid ou au rouge trop chaud ? Et honnêtement, ça a l'air assez bien. Mais ce discours sur ce qui est le biais de couleur. Je vais prendre un peu de bleu outremer et l'ajouter à ce gris. Et ce que ça va faire, c'est pousser ce gris à un gris frais. Donc on pourrait dire que le gris a un biais bleu. Donc notre base grise, vous pouvez voir ici, qui était assez mort, parce que quand j'ai ajouté un peu de blanc à ça, vous ne pouvez pas vraiment dire qu'il fait chaud ou cool autant au milieu, je l'ai cloué. Évidemment, ajouter le bleu à la troisième nuance à droite lui amène plus à un gris plus frais. Alors comment on a changé le biais des couleurs ? Je vais utiliser ce gris cool comme exemple. Si je veux réchauffer ça, je peux utiliser un jaune ou un rouge. J' utilise les deux. Mais ocre jaune ou une lumière jaune cad. Alizarin cramoisi ou la lumière rouge CAD ferait très bien. Donc j'ai ajouté au mélange et puis un peu de blanc juste pour faire ressortir ce biais dedans. Et vous verrez que le gris est maintenant plus penché vers un rouge. Donc nous comparons la dernière nuance que j'ai faite à la glacière à côté de lui, vous pouvez voir une différence. Votre exercice recommandé est de faire exactement ce que j'ai démontré dans cette vidéo. Habituez-vous à mélanger un gris de base neutre. N' oubliez pas d'utiliser ce blanc pour vous aider si vous voulez le pousser plus froid ou plus chaud, vous savez comment le faire. Récapitulation. Mixte Gray, un ouf, vous allez grandir à l'amour. Je vous ai montré comment utiliser les trois primaires pour mélanger un beau gris, comment utiliser le blanc à travers le principe. J' ai expliqué ce qu'était un biais de couleur. Et pas seulement cela, comment changer un biais de couleur qui fonctionne avec non seulement pâturage, mais n'importe quelle couleur. Et puis vous avez un exercice recommandé afin que vous puissiez grandir pour aimer le mélange, le pâturage. 30. Cinq valeurs: Je ne peux pas commencer à vous dire à quel point je suis excité de partager l'échelle de cinq valeurs. Nous allons couvrir ce qui est une échelle de cinq valeurs en utilisant le blanc pour tente, déplacement progressif et les valeurs et l'exercice recommandé. Qu' est-ce qu'une échelle de valeur phi que vous demandez est un ensemble de grades qui fonctionneront de la lumière à l'obscurité. Et nous allons commencer à mélanger ça. Mais bien sûr, nous devrons utiliser notre blanc pour le faire. Nous avons déjà notre basse grise vers le bas. Donc, je peux commencer avec une belle valeur sombre, mais je ne veux pas de pitch black, donc j'ai ajouté un peu de blanc à cela. Que devrait faire ? Très bien. Maintenant, comme vous l'avez probablement deviné, je vais ajouter un peu de blanc à ce mélange et obtenir la valeur suivante en ligne. Ça n'a pas tout à fait fait fait ça. Il n'y avait pas assez de quart là-bas. Donc, je vais utiliser un peu de blanc et ensuite ça devrait le faire très bien. Ainsi, vous pouvez voir les valeurs commencent à devenir plus légers. Un peu de poids, peut-être pas assez. Et cela nous donnera notre troisième valeur. Donc trois vers le bas, deux pour aller un peu plus blanc à ce mélange de base. Bien sûr que je n'ai pas mis assez l'élargir. Cela semble être le thème ici. Donc, je vais ajouter une touche plus. Et ça nous donne quatre. Donc une autre à aller, comme vous le savez maintenant, ajouter plus de blanc à ce mélange, travailler ce mélange un peu vers le bas pendant que je vais sur la palette. Et là, vous l'avez. Déplacement progressif de la valeur. Ainsi, lorsque vous créez votre échelle de valeur, s' assure que le passage de l'un à l'autre n'est pas trop radical. Donc, sur cette échelle de valeur phi, vous pouvez voir que nous passons de l'obscurité à la lumière et a fait juste un peu à la fois. L' exercice recommandé consiste à créer une échelle de cinq valeurs. S' habituer à mélanger les gris et à l'utiliser du blanc. Et rappelez-vous que le passage progressif d'une valeur à la prochaine échelle de valeur phi, votre meilleur ami, je vous ai montré ce qu'est une échelle de cinq valeurs, comment utiliser le blanc pour locataire. Et puis, bien sûr, un changement progressif de la valeur de l'un à l'autre. Et vos valeurs d'exercice recommandées apparaîtront un peu dans ce cours. Alors ne le négligez pas. 31. Comment utiliser des gris à l'ombre: Voici une confession. Je t'ai pris du sable. Tu te souviens quand on apprenait à ombrager Hughes ? Eh bien, devine quoi ? Tu peux le faire avec du gris. Maintenant que vous comprenez comment mélanger Gray, je peux vous montrer comment l'utiliser. Ombrage avec une méthode de mélange grise et alternative. Nous allons revisiter les nuances, utiliser des valeurs légèrement plus sombres, une option d'ombre fantastique puis l'exercice recommandé, revenons à chaque visite, nuances. Alors rappelez-vous que nous utilisons une teinte gratuite, puis nous utilisons également une famille de teintes. Et puis il y a un gris, dont je suis un grand fan. Commençons par un peu de lumière jaune cad, peu d'ocre jaune et une touche de blanc. Et ça devrait nous donner un joli jaune pour commencer notre leçon. Donc, il est là. Assurez-vous maintenant d'utiliser une valeur légèrement plus foncée. Par exemple, l'échantillon jaune que j'utilise MI est une valeur très légère. Jaune, je voudrais utiliser un gris légèrement plus foncé que ça. Donc je ne voudrais pas aller à mon gris le plus sombre sur l'échelle de valeur. Lorsque vous obtenez un droit, il ne devrait y avoir qu'un déplacement subtil d'une valeur à l'autre. Évidemment, si vous continuez à mélanger un peu de gris dans ça, finalement, vous aurez une couleur qui est tout grise. Et le jaune disparaîtra complètement, qui est exactement ce qui s'est passé. Et cette dernière nuance alors que nous descendons la ligne ici, émerveillez-vous devant ce subtil passage de l'un à l'autre. Plutôt sympa. Ceci essayer une couleur de plus. Donc un peu de bleu cilium avec un peu blanc titane parce que je vous apprends à ombrager Hughes, je veux commencer par un bon bleu clair. Donc il y a notre échantillon et on peut travailler avec ça. Comme vous le savez maintenant, je veux un gris qui est similaire mais légèrement plus sombre. Si j'ajoute que le bleu en théorie est devrait le rendre plus sombre. Et c'est parce que ce gris est une valeur plus sombre que le bleu que j'ai commencé avec. Maintenant que vous comprenez ce concept, je vais accélérer ces derniers échantillons et vous avez maintenant une autre raison d'utiliser des gris, et c'est une option d'ombre fantastique. Cela se trouve être l'une de mes façons préférées d'ombrager une teinte. Mais bien sûr, j'utilise les trois méthodes quand je peins. Donc ça nous amène à vous. ai, l'exercice recommandé, prenez votre palais, prenez du papier, et mélangez quelques Hughes de valeur plus légère, puis utilisez vos gris pour les raser. Il est préférable d'utiliser un gris légèrement plus foncé que la couleur que vous essayez d'ombrager. Ombrage avec une méthode de mélange grise et alternative. Nous avons revisité les nuances. Je t'ai montré comment utiliser une valeur légèrement plus foncée, gris. Et j'ai ravi à propos de quelle option d'ombre fantastique. C'est ça. Vous avez un exercice recommandé. Maintenant va peindre. 32. The de la valeur: Le pouvoir incroyable de la valeur, il n'y a pas de meilleur professeur. Nous allons utiliser l'échelle de valeur et transformer un objet 2D en un objet 3D en ajoutant la source lumineuse puis en plaçant les valeurs en conséquence. Et puis l'exercice recommandé, nous allons commencer par l'échelle de valeur. Comme vous vous en souvenez, nous avons créé cette échelle de valeur phi de l'obscurité à la lumière. Et maintenant, nous allons l'utiliser pour transformer un simple carré en cube. Donc un carré n'est qu'une forme, donc il n'a pas d'autres côtés que les quatre autour du périmètre. Nous voulons transformer cela en quelque chose qui a la forme d'un 2D à un 3D. Quand on regarde la place, elle n'a qu'un front. Nous voulons mettre un côté et un haut là-dessus, en faisant une file d'attente. Et nous devons ajouter une source de lumière pour le faire efficacement. Pour cet exemple, la lumière viendra du côté supérieur gauche. Maintenant, nous allons placer les valeurs en conséquence. Et cela signifie que j'aurai besoin d'une valeur plus légère pour le haut de ce cube. Et c'est parce qu'il reçoit cette source de lumière plus que l'avant et le côté droit du cube, que je n'ai pas peint, obtenir ma première passe sur le dessus de ce cube. Un peu sombre. J' ai donc mélangé un peu plus léger, et maintenant je peux sentir la lumière frapper le haut de ce cube. Maintenant, l'avant de ce cube doit être un peu plus léger aussi. Donc, je vais mélanger une valeur, peut-être quelque part dans cette gamme de trois. Ça laisse le côté droit. Le côté droit, bien sûr, sera le côté le plus sombre. Et c'est parce qu'il est complètement détourné de la source de lumière venant du côté supérieur gauche. Et c'est ainsi que vous transformez un carré 2D en un cube tridimensionnel en utilisant des valeurs. Mais nous avons encore une ombre coulée. Vous voulez que l'ombre moulée soit un peu plus légère que le côté droit du cube. Et c'est juste une bonne hiérarchie de valeur, dont nous parlerons plus tard dans ce cours d'acrylique incroyable. Et c'est ainsi que vous transformez une forme en une forme. Une forme est plate et les formes ont du volume. Pour votre exercice recommandé, je veux que vous peigniez un cube. N' hésitez pas à utiliser la même source de lumière que je l'ai fait dans cette vidéo. Et puis essayez un peu plus avec la source de lumière venant de différentes directions. Voilà donc le pouvoir de la valeur. Et il n'y a pas de meilleur professeur que la valeur. Nous utilisons l'échelle de valeur phi pour transformer une forme 2D, qui était un carré, et l'avons transformée en un cube 3D. Pour ce faire, nous devons disposer d'une source lumineuse qui ajoutera une valeur particulière à un certain côté de cette forme. Et puis vous placez simplement des valeurs en conséquence. Vous avez également un exercice recommandé. Alors arrêtez de regarder l'écran de votre ordinateur et allez sentir la puissance de la valeur. 33. Formes et formes: Les formes et les formulaires ont une valeur en action. Je vais vous donner un bref résumé de ce que nous avons appris des valeurs. Nous allons parler des quatre formes de base. Nous utiliserons la valeur pour créer des formulaires. Nous discuterons de la hiérarchie des valeurs, puis d'un exercice recommandé. Allons de l'avant et faisons un bref résumé de ce que nous avons appris jusqu'à présent. Nous avons commencé par mélanger notre pâturage en utilisant les trois primaires pour obtenir une base neutre. Et puis nous utilisons des bleus et des rouges pour rendre plus frais et plus chaud. Hughes. Et nous avons regardé le biais des couleurs. Je vous ai montré l'astuce d'utiliser un peu de blanc mélangé dans une couleur pour voir si c'est plus chaud ou plus frais. Puis ajusté en conséquence, nous avons créé l'échelle de cinq valeurs. Et puis nous avons regardé comment ombrager Hughes en utilisant notre pâturage. Rappelez-vous, j'ai recommandé de prémélanger un gris légèrement plus foncé que la couleur que vous voulez ombrager. Et puis nous avons appris le pouvoir de la valeur, transformant ce carré ennuyeux en une forme 3D. Et cela nous amène aux quatre formes de base. Maintenant, il y en a plus, mais ces quatre formes devraient nous aider un peu à mesure que nous avançons. Ainsi, les formes seront un cercle, un carré, un triangle, puis un rectangle. Maintenant, je vais dessiner les mêmes formes en utilisant mon crayon à droite de ça. C' est le moment où nous utilisons de la valeur pour créer des formulaires. Je vais commencer par mettre une valeur de base sur le cercle. Cette valeur pourrait être claire ou sombre. Je vais commencer par quelque chose à peu près au milieu. Donc c'était un peu trop léger. Alors j'ai mis un peu de gris plus foncé là-dedans. Et maintenant, nous avons quelque chose qui est approximativement, je dirais dans cette plage de trois valeurs. Donc tableau là-dedans quelque part. Je vais maintenant ajouter une valeur plus foncée. Donc notre source de lumière vient toujours du côté supérieur gauche. Donc, en utilisant un peu de blanc dans mon gris foncé, ce qui devrait fonctionner très bien. Donc déjà ce cercle vient à la vie, commence à ressembler à une boule de bowling. Nous pouvons maintenant passer à notre troisième valeur, qui sera notre valeur plus légère. Donc, puisque la source de lumière vient du haut à gauche, nous savons que la zone de la sphère devrait être un peu plus tard. Et ça commence à avoir l'air très bien. Je vais le mélanger un peu. Donc, fondamentalement, en mélangeant les valeurs plus légères en haut à gauche avec les valeurs en bas à droite. Un petit point culminant, et voilà. Il y a notre belle balle Bolden, toutes créées avec le pouvoir des valeurs. Et maintenant, je vais peindre le carré et ensuite le transformer en un cube, ce que je sais que je l'ai déjà fait dans la leçon précédente. Et c'est pourquoi j'accélère cette partie de la vidéo parce que vous comprenez déjà comment fonctionne ce cube. Valeur donc plus légère sur le dessus, moyenne à l'avant, sombre à droite, qui nous amène au triangle. Je vais donc peindre la couleur de base pour le côté qui frappe la lumière, puis une valeur légèrement plus foncée pour le côté qui est loin de la lumière. Je transforme juste un triangle en pyramide juste devant tes yeux. Parlons de la hiérarchie des valeurs. Et c'est-à-dire que nous voulons placer la valeur correcte dans la zone correcte de notre formulaire ou de notre sujet. Par exemple, lorsque je transforme ce rectangle en tube, je dois prendre des décisions sur l'endroit où placer mes valeurs. Ici, je place une valeur de lumière sur le côté de ce tube qui est proche de la source de lumière. Et ça veut dire que le haut de ce tube devrait recevoir plus de lumière. Par conséquent, la hiérarchie des valeurs serait, le haut du tube, plus léger et de valeur que le côté gauche, laissant le côté droit du tube, la valeur la plus sombre. Et c'est l'essentiel de la hiérarchie des valeurs. Et nous en parlerons beaucoup plus tard. Pour l'instant, vous êtes recommandé exercice est de peindre pour les formes de base, puis de les transformer en formulaires en plaçant la bonne valeur et la zone correcte, qui se trouve également être la hiérarchie des valeurs. Donc, là, vous avez la valeur des formes et des formes en action. Je vous ai donné un bref résumé de la valeur que nous avons parcourue. Nous avons discuté des quatre formes de base et nous utilisons de la valeur pour créer des formulaires. J' ai parlé de la hiérarchie des valeurs, qui encore une fois, nous allons discuter beaucoup plus tard dans un exercice recommandé. Alors va le faire. 34. Démo de grève à grève à grève à facons en grève: Et juste au moment où vous pensiez avoir fini avec la couleur, nous allons faire quelques exercices pour renforcer vos compétences, et celui-ci, nous allons faire un q gris cool. Donc, les exercices de mélange de valeur et de couleur sont ce dont nous parlons ici. Je vais vous donner un rappel gris cool. Je vais prémélanger ma base gris frais. Nous parlerons encore une fois de la hiérarchie des valeurs. Et puis l'exercice recommandé, cette section devrait se déplacer rapidement. Tant que vous avez fait vos devoirs, je vais diviser le papier verticalement et ensuite horizontalement me donner quatre sections pour travailler. Et ils dessinent rapidement mon premier cube. Et maintenant je vais te donner un gris frais. Rappelle-lui, en regardant le tableau où nous apprenons à mélanger notre pâturage, j'ai fait une Swatch gris cool où je l'ai poussé à un biaisé bleu. Et c'est ce que je ferai quand je prémélangerai ma base, gris frais. J' ai encore beaucoup de gris sur la palette. Je vais poser une nuance et vous montrer. Ce n'est pas très cool. Il y a donc mon Céruléen et ultra marin. Je vais mélanger ça dans le gris. Et maintenant, nous avons quelque chose avec lequel je peux travailler. Et comme il est assez sombre et de valeur, je vais le mettre sur le côté droit du cube. Je garde ma source lumineuse en haut à gauche. Donc, cela mettra la valeur sombre sur la droite. Et puis, bien sûr, la valeur de la lumière sur le dessus, laissant une valeur au milieu pour le côté qui nous fait face. Et je dois m'excuser. J' ai fait un mauvais travail de coupe de ce côté du Q. C'était une technique moche, une AMI honteuse. Passons à la hiérarchie des valeurs. Comme vous le savez, les valeurs doivent être placées dans la bonne zone de votre sujet. Donc, pour cet exemple, je veux un deux sur le dessus, un trois sur le devant, puis un quatre sur la droite. Et ces chiffres sont probablement très aléatoires pour vous parce que je ne l'ai vraiment pas expliqué. Je mettrai la démo ici pour vous expliquer ce qui se passe. Donc, un serait une valeur très légère, un à un peu plus sombre. Et puis, bien sûr, un cinq serait ma valeur la plus sombre sur l'échelle des cinq valeurs. Et maintenant je suppose que nous peignons par chiffres, ce qui veut dire que je mélange un trois pour le devant de la file d'attente. Et bien sûr, ce mélange est un beau gris frais. J' ajoute mes échantillons de valeur en haut pour que vous puissiez avoir une référence pour vos études. Et maintenant, je n'ai qu'à nettoyer ce côté ici. Et cette partie du cube sera faite, et cela laisse la valeur R2 et qui sera placé sur le dessus. Je sais que ces cubes semblent parfois très simples, mais il est si important en tant que débutant et même un artiste avancé de simplifier le processus. Donc, si vous essayez de maîtriser la couleur, vous n'avez pas vraiment besoin d'un sujet complexe. Quand nous rendons les choses trop difficiles, alors il est si facile de devenir submergé. Alors gardez les choses simples. À ce stade, la seule chose qui reste est mon ombre. Et je veux que cette ombre soit entre 34. Il ne devrait pas être aussi sombre que le côté droit de ce cube, qui est orienté loin de la hiérarchie de valeurs de source lumineuse 101. Votre exercice recommandé est d'attraper vos lunettes de soleil et votre veste en cuir préférée et de peindre un bijou cool. Utilisez les idées que je vous ai partagées dans cette vidéo et celles que vous connaissez déjà lors des exercices précédents pour le faire. Ainsi, la première perceuse de mélange de valeur et de couleur est faite. On a fait un rappel gris cool. Je vous ai montré à nouveau comment prémélanger ce gris frais de base. Nous avons parlé de la hiérarchie des valeurs et bien sûr, l'exercice recommandé, c'est une enveloppe. 35. Démo de Cube en grève chaude: Voici une perceuse de mélange de valeur et de couleur où nous allons peindre une teinte gris chaud et nous allons rincer et répéter les mêmes étapes que nous utilisons pour créer le gris frais substituant une teinte chaude, bien sûr, pour un petit-lait frais. Et à la fin, vous aurez votre exercice recommandé. Donc, les loyers et répéter, je vais commencer par le même q tiré à droite de mon original. Et je mettrai les taches. Vous pouvez voir est une nuance neutre afin qu'elle ne se penche pas au chaud ou au frais. Mais en ajoutant que la lumière rouge cad va certainement réchauffer la température de ce gris. Bien sûr, je peux utiliser jaune, ocre, jaune et même Alizarine pourpre si je le voulais, parce que tous ces tons sont relativement chauds, surtout si vous le comparez au bleu. Donc, il y a mon gris chaud, qui sera placé sur le côté droit de ce cube parce que ce sera la valeur la plus sombre. Donc, dans toutes ces démos, je vais garder la source de lumière venant du haut à gauche. Donc, il est là. Et maintenant, je suis prêt à ajouter un peu de blanc. J' y ajoute de l'ocre jaune ou jaune pour l'alléger. Oui, mais je veux m'assurer que ce cube est plus un gris chaud. Si je commence à ajouter d'autres couleurs en plus de lire, alors il est facile de transformer ce cube plus en une étude de couleur. Et je voulais être plus une étude à échelle grise. J' utilise la même hiérarchie de valeurs exacte que je l'ai fait et le cube bleu. J' ai donc une valeur de quatre à droite, un trois sur la face avant de ce cube. Et maintenant, je mélange une valeur de deux pour le haut. Et même si je pensais avoir la bonne valeur pour le haut de ce cube, ce n'était pas correct. Et souvent cela arrive. Il aura l'air bien sur la palette. Mais une fois que vous l'avez placé sur l'art, il semble juste un peu éteint. Donc, ne soyez pas frustré si vous avez deux choses remixées plusieurs fois pour le faire correctement. dernier sera l'ombre coulée, qui, comme vous le savez, devrait être plus claire que les quatre sur le côté droit du cube, mais légèrement plus sombre que peut-être l'avant de ce cube. Donc, un 3.5. Je le compléterai en ajoutant mes nuances en haut. Et cela nous amène à l'exercice recommandé. Peinture, un cube de valeur chaude. J' ai donc mélangé la lumière rouge CAD pour créer mon gris chaud. Mais n'hésitez pas à utiliser l'une des teintes chaudes que vous avez sur votre palais. C' était donc la deuxième partie des exercices de mélange de valeur et de couleur. Nous utilisons le même processus que nous avons créé le cube cool. Ensuite, vous avez un exercice recommandé afin que vous puissiez vous habituer à peindre M, mélangeant des teintes et des valeurs de gris chaud. 36. Démo à faible touche: Encore une démo de valeur, une démo de faible clé à cela. Donc, manipulant la valeur, je vous dirais ce qu'est une clé basse. Localiser la lumière la plus sombre, la plus sombre, localiser la lumière la plus légère. Nous appliquerons les valeurs en conséquence à notre échelle de clé basse, puis un exercice recommandé. Alors, qu'est-ce qu'une peinture basse clé ? Pour expliquer cela, j'ai une échelle de valeur en bas de ma démo. Et quand nous faisons une démo de touches basses, nous allons travailler à l'intérieur de la plage vers le côté gauche de cette échelle. La lumière la plus claire ici, puis le noir pour l'obscurité comme sombre, une peinture à touches basses, alors nous n'utiliserons que des valeurs dans cette plage. Nous n'appliquerons donc pas les valeurs situées vers le tiers droit de l'échelle, mais nous devons toujours appliquer les valeurs en conséquence. J' en utiliserai un pour représenter l'arrière-plan, qui sera aussi la valeur la plus légère de ce tableau. Mais notez qu'il ne sera pas blanc, ce ne sera que la valeur la plus légère. Vous pouvez voir que j'ai mon à mes trois et ensuite ma valeur la plus sombre, ma valeur la plus sombre sera cette petite ombre sombre juste là. J' ai mon pâturage mélangé. Je vais utiliser les mêmes techniques que celles dont on a déjà parlé lors du mélange de pâturage Pour faire ce tableau, mon échelle m'aidera à guider. Donc, comme je crée une valeur que je pense est correcte pour un domaine particulier. Donc, dans ce cas, celui, je vais juste mettre une nuance au-dessous de cette échelle juste pour voir où je suis, mélanger sur la palette va vous tromper. Vous allez souvent penser que la valeur ou la couleur est correcte, mais ce n'est que jusqu'à ce que vous la comparez à autre chose. Donc, dans ce cas, l'échelle que je réalise est de voir il y a deux lumière à sombre au bleu, à réchauffer, à refroidir, et ainsi de suite. Maintenant, je sens que cette valeur est un peu trop sombre. Je vais ajouter un peu de blanc à cela, ce qui devrait me donner la valeur dont j'ai besoin. Aussi, rappelez-vous que la peinture acrylique sèche légèrement plus sombre que lorsque vous l'avez appliquée. J' essaie donc de compenser aussi cette caractéristique du médium. Je vais mélanger par valeurs et l'appliquer en utilisant les mêmes techniques dont nous avons parlé tout au long de ce cours. Je vais accélérer les choses. Je vais éliminer une partie du mélange parce que vous savez déjà comment cela fonctionne. Une fois que j'ai toutes les valeurs correctes, c'est seulement alors que je vais juger la dernière pièce. Souviens-toi quand j'ai dit tout à l'heure, ne juge pas les valeurs. Et donc tout est peint dans. Une échelle de touche basse pourrait être utile pour une peinture nocturne pour projeter une certaine humeur, une condition d'éclairage, etc. Votre exercice recommandé, comme vous peignez une forme géométrique simple à l'aide d'une échelle de touches basses, hésitez pas à utiliser un bloc vertical comme je l'ai fait ici. Et c'est une démo de touche basse, manipulant la valeur pour créer une peinture essentiellement sombre. Et cela peut être fait avec n'importe quelle couleur, bleu-vert, lire un n'a pas d'importance. Je définit quand une peinture à faible touche est la raison pour laquelle vous devez toujours localiser la lumière la plus sombre et la plus claire. Appliquez des valeurs en conséquence à l'échelle des loci. Et vous avez un exercice recommandé pour explorer la peinture à faible valeur clé. 37. Démo à haute touche: Démo à clé élevée, manipulation de la valeur. Qu' est-ce que la clé haute ? Encore une fois, nous allons localiser les valeurs les plus sombres et les plus claires, appliquer les valeurs en conséquence. Et puis un exercice recommandé. Commençons par ce qu'est une peinture de Heikki ? Donc, si une peinture à faible clé comme valeurs très sombres qu'une peinture Heikki sont des valeurs très légères. Donc, vous voudriez travailler vers le côté droit de l'échelle. Donc votre obscurité la plus sombre serait cette valeur moyenne. Et puis votre vie est comme pourrait même être blanc pur. Maintenant, nous allons numéroter chaque zone de la peinture. Nous allons donc appliquer des valeurs en fonction du nombre, pas du graphique. Donc, on serait la valeur la plus légère. Nous savons où les deux sont basés sur la démo précédente. Donc, notre source d'éclairage viendra du haut à gauche sont 3s et r quatre. J' ai donc déjà localisé la lumière la plus légère, ce qui est là que je vais commencer. Mais si vous décidez de commencer par votre obscurité la plus sombre ou quelque part au milieu, c'est bien aussi. C' est juste que ça arrive. Je commence avec la lumière la plus claire, mais je peux facilement commencer par l'obscurité la plus sombre. Vous savez déjà comment fonctionne le reste. Couper en utilisant de l'eau pour adoucir ma peinture, pour la préparer. Pré-mélanger mes valeurs Dawn l'ancien test spot pour vous assurer que la valeur est correcte. Toutes ces choses dont nous avons discuté plusieurs fois. Je vais donc commencer à accélérer certaines de ces choses qui sont répétitives et peuvent devenir un peu monotones. Mon plus gros conseil est de me rappeler que les choses sèchent un peu plus sombres avec de l'acrylique. Et pour toujours commencer avec une échelle comme j'ai en bas. Lorsque vous commencez à apprendre ces différentes techniques de peinture de valeur, aussi bon d'avoir cela là afin que vous puissiez tester vos valeurs. Je peins depuis plus de 20 ans et j'ai toujours une échelle de valeur proche maintenant que cette peinture est terminée et nous pouvons comparer les démos de basse et haute clé. Chacun a sa propre humeur et son propre effet, mais les deux sont très bons pour capturer la lumière et l'ombre. Vous êtes recommandé exercice est de peindre un bloc Heikki. Encore une fois, n'hésitez pas à utiliser un bloc vertical comme je l'ai fait dans cette démo. Mais assurez-vous de suivre. Tous ces outils sont merveilleux à avoir à votre disposition en faisant physiquement l'exercice, vous êtes en mesure de puiser dans cette ressource quand vous en avez besoin. C' est votre valeur de manipulation de démo clé. Je t'ai dit ce qu'est Heikki. Nous avons dû localiser la lumière la plus sombre et la plus claire et appliquer ces valeurs selon l'échelle de Heikki, vous avez un exercice recommandé pour ceux d'entre vous qui sont ici pour vraiment apprendre à maîtriser la peinture acrylique. Je te verrai dans la prochaine. 38. Démo de Chroma à haute Chroma: Pour cette perceuse de mélange de valeur et de couleur, je me concentrerai seulement cube chromo élevé. Donc, en utilisant un bleu chroma élevé puis un peu de blanc pour tente les teintes. Et puis bien sûr, l'exercice recommandé. Commençons par utiliser un bleu chroma élevé. Maintenant, nous allons plier les règles juste un peu. Donc, juste parce que c'est une peinture haute chroma, cela ne signifie pas qu'il peut y avoir un peu de gris ou un peu de blanc et ces couleurs. Donc, dans cet exemple, je commence par la spiruline en bleu et y ajoute un peu de blanc. Et ça va me donner la valeur dont j'ai besoin pour le devant de cette file d'attente. Et en passant, le prochain exemple que je vous donne sera un bleu chroma bas. Et c'est là que vous allez voir que même si j' utilise du blanc dans cette démo haute chroma, quand vous le comparez au chroma bas que je vais faire, vous verrez certainement une grande différence. Donc, si pour une raison quelconque vous voulez vraiment peindre une peinture haute chroma, il est bon d'utiliser un peu de blanc et bien sûr un peu de gris. C' est juste que la majorité de la peinture doit être faite avec une haute chroma Hughes, alors que peut-être certaines des autres zones peuvent être un peu moins saturées. Je dois supposer à ce stade que vous commencez à prendre le coup de tout ça. Donc je vais augmenter la vitesse un peu plus sur le reste de cette démo. Pour ma valeur sombre, mon numéro quatre, je vais utiliser Cerulean Blue et Ultra Marine. Cela va me donner un côté sombre chroma très élevé pour le Q. Et en ajoutant un peu de blanc et à ce bleu foncé, j'ai mon ombre. Et maintenant, vous avez votre exercice recommandé. N' hésitez pas à utiliser le bleu, le jaune, le rouge, le violet. Ça n'a pas d'importance. Étoile avec un beau mélange chromatique élevé à un peu de blanc en conséquence, puis utiliser une teinte chromatique élevée pour ce côté ombre. Donc, une valeur de cube de chroma élevée et des forets de mélange de couleurs, nous avons créé un bleu de chroma élevé. Nous utilisons aussi des blancs. Et maintenant, vous avez un exercice recommandé pour pratiquer ces théories de mélange de couleurs. 39. Démo à faible Chroma Cube: Et maintenant, nous avons le contraire de notre cube de chroma élevé. Avec le cube de chroma bas, j'utiliserai le gris par opposition à la couleur complémentaire à D saturate. Et puis vous aurez un exercice recommandé. Parce que je veux quelque chose de bon à comparer à ce bleu de chroma élevé. Je vais utiliser exactement le même, barbarie et bleu. Donc, je vais prémélanger ma couleur de base, puis commencer à utiliser le gris 2D saturer. Pour ceux d'entre vous qui se souviennent de la leçon de saturation et d'intensité de chroma, je pourrais aussi choisir d'utiliser une couleur complémentaire, et il se trouve que je veux utiliser le gris sur celui-ci comme j'ai discuté avec vous ici, je 'ai été pré-mélanger un gris et j'ai mélangé ce gris avec la base sourly et bleu teinte que j'ai dans le coin inférieur gauche de la palette. Je pense que cela lit un peu de gris et peut-être un peu trop sombre et de valeur. Ma pensée ici est que je vais utiliser un peu de blanc puis un peu plus de bleu dans ce mélange. Et ça me donne une couleur avec laquelle je suis un peu plus heureux. Nous pouvons appeler cette valeur r trois et placer que sur le devant du cube en utilisant une bonne technique ici, je vais faire le tour des bords, couper dans. Et comme vous pouvez le voir deux, j'ai ma prise standard. Alors que nous avançons dans cette démo, je dois supposer à nouveau que vous comprenez ces idées de mélange de couleurs. Donc je vais passer cette vidéo à une vitesse de deux fois réelle. Donc prendre un peu plus bleu puis un peu plus gris à ce mélange de base devrait me donner un bleu chroma bas pour ce côté ombre. Encore une fois, je peux ajouter le remplissage. Donc tout cela fonctionne bien, je vais ajuster cette couleur juste un peu et je pense que ça marche très bien. Cela ne laisse que le haut du cube. Je vais donc prémélanger un gris sur le côté droit de cette palette, puis l'amener dans le bleu dans le coin inférieur gauche. Et nous allons travailler en avant et en arrière jusqu'à ce que j'aie la bonne valeur pour le sommet. Je vous rappellerai que souvent, quand vous mélangez Hughes en bouche, ils ont l'air sur place, ils ont l'air sur place, mais c'est vraiment difficile à dire jusqu'à ce que vous l'ajoutiez à votre œuvre. Donc, encore une fois, ne soyez pas frustré. C' est le même pour le cours. Votre exercice recommandé est de peindre un cube bleu chroma bas. Et quand vous avez terminé, assurez-vous de le comparer au bleu chroma élevé. Q : Juste pour commencer à avoir une idée de la façon dont les couleurs fonctionnent et comment certaines de ces techniques de mélange de couleurs ont un impact sur l'illustration. Dans cette leçon, vous avez appris à peindre un cube bleu de chrome faible en utilisant une bonne valeur et des compétences de mélange de couleurs. J' utilise le gris pour désaturer le bleu. Et maintenant, vous avez un exercice recommandé pour lui donner un coup de pouce par vous-même. Bonne chance et amusez-vous à peindre un cube de chroma bas. 40. Cercle à la sphère: Il est temps de tourner notre attention sur les sphères de peinture. Pour cette démo, j'utiliserai un vert chroma élevé. Je vais vous rappeler comment peindre une forme incurvée. Nous travaillerons avec N, la famille Hue. Et puis vous aurez un exercice recommandé pour écraser cette sphère. Rappel de forme incurvé. Alors rappelez-vous cette leçon, ce cercle bleu que nous avons peint il y a longtemps, longtemps, longtemps. Et dans cette leçon, je vous ai donné quelques indications sur l'utilisation de ces traits incurvés. Nous allons faire exactement la même chose lors de la peinture de cette sphère, mais nous devons aussi discuter de la valeur. Et rappelez-vous cette petite démo rapide que j'ai faite quand je transforme formes en formulaires en utilisant la hiérarchie de valeurs alors, eh bien, nous avons notre travail découpé pour nous, mais je sais que nous pouvons le faire. J' ai divisé mon espace verticalement vers le milieu, puis j'ai ajouté deux lignes horizontalement. Donc pour ceux d'entre vous qui gardent le score, ça va nous donner six places pour travailler. Et maintenant, je suis derrière la démo, alors laissez-moi vous rattraper à la vitesse. Je peins une sphère verte. Donc, je prémélange mon vert en utilisant la lumière jaune CAD et ma spiruline en bleu. Et le vert que j'ai mélangé est quelque part au milieu. Donc, il ne représente pas la lumière la plus sombre ou la plus claire. Pensez à ces trois valeurs que nous avons utilisées dans les démos précédentes. J' ajoute la source de lumière maintenant, qui est en haut à gauche, signifie que cette partie de la sphère devrait attirer la lumière. Nous allons travailler au sein de la famille hue. Donc, pour créer une valeur plus légère, j'utilise du jaune cadmium dans cette base, verte. Encore une fois, je veux garder cela aussi saturé que possible puisque nous faisons une version haute chroma de cette sphère. Alors rappelez-vous la roue de couleur, il y a du vert et puis il y a ce petit bleu juste en dessous. Je vais utiliser ce bleu pour ombrager ma teinte. Donc je vais, nous allons aller ici à ces Cerulean et l'ultra marin et mélanger un peu de ça dans ma teinte verte de base. Cela devrait me donner une valeur plus sombre, que je peux utiliser pour l'ombre dans la sphère. Une fois ces valeurs plus sombres appliquées, je vais y revenir avec un pinceau propre et lisser certains de ces coups de pinceau. Et ça va rendre ça agréable et joli. Pour finir, nous avons juste besoin d'un peu d'ombre, ce qui aidera à vendre la source de lumière provenant du côté supérieur gauche. Et il y a notre haute chromosphère utilisant des repères dans la famille de couleurs. Ok, on l'a compris. Il est recommandé que l'exercice soit de peindre une sphère de haute chroma. ne s'agit pas seulement de mélanger les couleurs, mais il s'agit de tourner les formes, formes N2 utilisant la hiérarchie de valeurs pour votre re-cap amical, nous avons peint une sphère en utilisant des verts de chroma élevés. Je t'ai donné un rappel de forme incurvée. Nous avons travaillé dans la famille des teintes et vous avez un exercice recommandé pour aller peindre des sphères vertes. 41. Sphère avec du vert à Chroma: Maintenant, il est temps de peindre une sphère. Mais en utilisant un 2D gris saturé, je vais également mélanger dans la famille des teintes et ensuite vous donner un exercice recommandé. Nous allons le lancer avec l'utilisation de saturé 2D gris. Si vous vous souvenez de nos leçons de valeur, je me suis glissé d'une manière facultative pour ombrager vos Hughes, et c'est en utilisant le gris. Et c'est ce qui va se passer juste ici sous vos yeux. Encore une fois, un chroma bas, sphère verte. Pour que nous puissions comparer cela à la version haute chroma sur la gauche. Mélanger mon vert de base me donnera un bon point de départ. Et parce que ce vert est un peu du côté obscur, je vais prélever un gris clair. Maintenant, je vais créer une seconde nuance qui a un peu plus verte et peut-être un peu plus foncée. Maintenant, cela me donne un très bon point de départ pour mes verts. Je vais remplir la sphère avec une teinte ou une valeur au milieu. Donc, il ne représentera pas l'obscurité la plus sombre, et il ne représentera pas la lumière la plus claire. Et sur l'affichage complet ici, vous pouvez voir ces coupures dans les compétences. Et aussi je fais tourner ce papier pour que je puisse naviguer autour de ces bords pour éviter ces angles morts. Donc il y a notre beau cercle vert, qui n'est vraiment pas ce que nous peignons. Maintenant, nous avons besoin de quelques valeurs pour transformer cela en une forme. Donc, en utilisant un gris plus foncé ici, je peux prémélanger un gris vert qui devrait faire bien pour le côté ombre. Je vais rendre ça un peu plus léger et peut-être un peu plus vert. Et notez comment j'utilise ces courbes, essayant vraiment de sentir la forme de cette sphère. À ce stade, les coups de pinceau ont l'air assez épais et c'est normal. J' utilise un mélange de gris clair dans ce vert de base pour ajouter la zone en haut à gauche de cette sphère. C' est obtenir la majorité de la lumière. J' ai toujours l'air d'oublier ça. Donc, je vais revenir maintenant et ajouter mes échantillons. Donc, nous avons notre base foncée vert. Et il y avait le vert au milieu. Et maintenant, voici le vert gris clair. Sachez aussi que j'essaie de mélanger au sein de la famille. Ou vous pouvez dire, j'évite d'utiliser des couleurs complémentaires. Je vais accélérer les choses juste un peu ici. Comme j'ajoute une couche de plus à la sphère, mon objectif est de renforcer les sombres un peu plus, puis certains de ces tons moyens. Au deuxième tour, je mélange aussi les coups de pinceau un peu plus pour lui donner une finition lisse. Et la dernière étape est l'ombre coulée. Votre exercice recommandé est de peindre une sphère verte basse chroma et essayer de le faire en plus la version haute chroma afin que vous ayez quelque chose à comparer. Et maintenant vous en savez un peu plus sur la peinture des sphères. Dans cette version, j'utilise le gris pour la désaturer. Je mélange aussi au sein de la famille, donc pas de couleurs complémentaires. Et maintenant, vous avez un exercice recommandé pour le faire vous-même. 42. Pyramid de Chroma à haute et basse: La forme suivante est la pyramide. Encore une fois, nous nous concentrons sur les exercices de mélange de valeur et de couleur et apprenons à transformer des formes et deux formes. J' ai inclus les deux versions de la pyramide et cette vidéo. La première version sera une violette haute chroma, et je vais mélanger au sein de la famille des teintes. La deuxième version sera un violet chroma bas. Et encore une fois, je me mêlerai au sein de la famille. Et puis l'exercice recommandé, je vais commencer par dessiner mes pyramides, qui est fondamentalement un triangle avec un côté sur la droite. Et c'est une forme assez facile à dessiner, donc je suis presque sûr que vous pouvez gérer ça. Et maintenant, nous pouvons commencer la violette haute chroma. Chroma si élevé, semblable à la sphère verte sur la gauche. Mais cette fois, je vais utiliser le bleu outremer et ensuite mon Alizarin pourpre. Si vous vous souvenez de l'exercice de roue de couleur que nous avons fait, ces deux couleurs créeront le violet optimal. Et il se trouve aussi être une valeur assez sombre. J' ajouterai donc un peu de blanc à cela, ce qui fera ressortir son vrai parti pris. Je pense que les couleurs devraient fonctionner très bien pour notre valeur plus sombre, que je placerai sur le côté droit de cette pyramide. Contrairement au cube, nous avons seulement affaire à deux côtés et cette forme n'aura pas un côté qui est en pleine lumière. Je vais me mélanger au sein de la famille Hue. Donc, je pense que j'essayerais ce bleu Cerulean, qui est un peu plus léger dans cette violette. La petite nuance de test a dit que ça ne l'avait pas vraiment fait. Donc je vais mélanger un peu de bleu clair dans cette violette pour voir si ça nous mène là-bas. Peut-être juste un peu plus blanc a fini cette violente et ça devrait marcher assez bien. Maintenant, je peux utiliser ma coupe dans les techniques et contourner les bords de notre pyramide. Et une fois tout ce qui est fait, je peux ajouter le remplissage. Et maintenant, je dirais que cette pyramide a plus d'une violette tertiaire, penchée plus vers un bleu. Il y a notre ombre et maintenant nous pouvons commencer la prochaine version, qui sera la pyramide de chroma basse. Pour créer le violet de base, j'ajoute juste un peu de gris foncé à cette base, violet après avoir testé cette couleur sur la pyramide et quelques zones, j'ai senti que certains perdaient un peu de ce violet. Donc j'ai mélangé un peu plus violet fin à ce mélange de base et maintenant j'ajoute un peu de blanc. Qu' est-ce qui devrait apporter une valeur plus légère ? Et bien sûr, se penchant plus vers un bleu pour l'avant de cette pyramide. Et comme vous pouvez le voir, c'est lire un peu plus vers la famille bleu violet, encore une fois comme une version basse chroma, donc il n'a pas besoin d'être saturé comme celui de gauche. Je vais finir de couper dans mes bords. Et puis je peux commencer à me concentrer sur le côté sombre de ce cube en utilisant un peu de l'ultra marin et sur cette base Gray. Je peux maintenant pousser ça un peu plus sombre. Il a encore un peu de gris dedans cependant. Donc, si vous le comparez au côté sombre de la pyramide sur la gauche, il a un chroma beaucoup plus bas. Et maintenant je vais peindre une couche de plus sur le devant de cette pyramide. Et je pense que nous sommes bien d'aller pour l'exercice recommandé. Je veux que tu t'entraînes à peindre des pyramides et que tu essaies de travailler avec Violet. Alors peut-être que vous pouvez faire un violet plus rouge ou un violet plus bleu, ou peut-être même un vrai violet. Et puis faites une version basse en chroma, où vous mélangez des gris et à cette teinte de base. Dans cette leçon, nous avons peint des pyramides. Et bien sûr, nous nous sommes concentrés sur les exercices de mélange de valeur et de couleur. Nous avons fait une pyramide violette chromatique haute et basse. Les deux sont mélangés au sein de la famille Hue. Nous avons donc évité les teintes complémentaires. Et vous savez, vous avez un exercice recommandé. Va peindre de jolies pyramides violettes. 43. Démo de Chroma à haut et à basse: Pour la dernière forme, nous allons peindre des tubes. Encore une fois, ce sont des exercices de mélange de valeur et de couleur, où nous convertissons des formes et deux formes, comme avec les pyramides et la leçon précédente, je mets les deux versions dans cette vidéo. Bien sûr, je vais commencer par le chroma élevé et je vais mélanger au sein de la famille. Et pour la grande finale, je vais faire un tube de chroma bas et utiliser à peu près toutes les compétences dont nous avons parlé. Donc, la cuisine voit venir à Yahoo et puis l'exercice recommandé. Mais d'abord, dessinons les deux. Je vais commencer par un rectangle vertical, puis ajouter une ellipse en haut et un visage souriant en bas. Je vais Ode ne pas le savoir sur le côté droit. Donc nous sommes prêts à rouler quand nous arriverons à celle-là. Mais d'abord, une haute chroma 2p, que je vais peindre en utilisant la lumière rouge CAD et une partie de l'ocre jaune dans la lumière jaune cad. Alors pensez à cela comme un rouge, orange parce que vous avez déjà vu vivant ces techniques de mélange. Je vais accélérer ça à deux fois la vitesse réelle. J' ajouterai cette valeur de base au milieu du tube, puis au côté gauche. On va mélanger mes teintes au sein de la famille Hue. Donc, pour mon côté sombre du tube, je vais juste ajouter un peu d'Alizarin cramoisi à mon mélange de base. Et ça devrait marcher très bien pour mon côté ombre. Tout de suite, vous pouvez commencer à sentir que le volume de ce tube n'est plus un rectangle plat. Et maintenant, il est temps d'ajouter une valeur plus légère au sommet du tube. Et j'utiliserai la même valeur que celle que j'utilise sur le dessus du tube. Pour le côté gauche, encore une fois, la source lumineuse vient du haut à gauche. La seule chose qui reste maintenant est que je vais mélanger ces valeurs bien et lisses afin que vous ne voyez pas beaucoup de la brosse épaisse. J' ai une ombre et voilà, le premier est fait. Maintenant, il est temps de lire le chroma bas. Et j'utiliserai plusieurs techniques de mélange. Donc, je mélange mon gris de base, en ajoutant un peu de bleu puis un peu de jaune et de rouge à cela. Et je veux quelque chose d'égale valeur. Donc, un gris chaud avec une touche de rouge devrait faire très bien. J' ajoute un peu de rouge à cela, et je pense que nous serons prêts à ajouter cette valeur de base au tube. Ça marche très bien. Donc je vais couper le long de tous les bords du tube. Et puis je reviendrai ajouter les valeurs plus sombres et plus claires, l'évier de cuisine. Donc, même si j'utilise un gris chaud pour obtenir la couleur de base, je vais maintenant passer à ma couleur de complément, qui est vert. Et je vais utiliser ce vert, les mélanger avec le rouge pour obtenir ma couleur d'ombre. Je vous rappellerai que vous n'avez besoin que d'un peu de la couleur de complément pour ombrager une teinte. Une petite quantité va beaucoup. Je pense que cet énorme devrait fonctionner bien pour l'ombre parce que c'est la bonne valeur, pas trop clair et pas trop sombre. Et maintenant, je vais utiliser un gris clair, les mélanger avec ce rouge de base. Et ça devrait me donner la valeur plus légère. Pour le côté gauche de ce tube. Un petit test spot ici m'aidera à déterminer si c'est la bonne valeur. Je pourrais probablement aller un peu plus léger. Donc, pré-mélanger un gris clair, revenir à ce rouge de base, puis ajouter cela à R2. Et ça donne vraiment ça à la vie, en lui donnant cette sensation tridimensionnelle. Je pourrais utiliser cette même valeur sur le côté gauche du tube pour le haut aussi. Et ça ferait très bien. Mais juste pour des raisons de variété, je vais utiliser un peu de blanc et une touche de la lumière jaune cad et Q cette valeur de lumière de base, et ajouter cela au sommet. Donc, l'ajout du jaune lui donne un biais chaud pour l'ombre. Je vais utiliser un peu de bleu céruléen et une touche de la lumière jaune CAD. Un, un beau vert frais à Mixin à cette base lire. Je vais utiliser ça pour l'ombre. Et vous serez probablement d'accord que j'utilise beaucoup de techniques de mélange pour faire ce tube, tant que les valeurs sont placées correctement comme cela devrait fonctionner très bien. Pour votre exercice recommandé, je veux que vous convertiez des rectangles verticaux en tubes. Nous allons donc commencer par un chroma élevé qui a un rouge de base, puis mélangé dans la famille des teintes. Et puis essayez la version basse chroma et n'hésitez pas à mélanger et à mélanger toutes ces merveilleuses méthodes de mélange, tubes de peinture, valeur et perceuses de mélange de couleurs. J' ai fait la version haute chroma où nous mélangeons dans la famille des teintes. Et puis une version basse chroma où j'ai jeté l'évier de la cuisine à Xia. Vous avez un exercice recommandé. Donc passé du temps de qualité à explorer, peindre des tubes et rappelez-vous, tout se passe sur cette dernière version, tant que vous obtenez les valeurs placer correctement. 44. Peinture d'espace positif et négatif: A l'intérieur et à l'extérieur des espaces positifs et négatifs. Qu' est-ce qu'un espace positif ? Qu' est-ce qu'un espace négatif ? Différentes façons de définir les arêtes. Et puis l'exercice recommandé, quel est l'espace positif ? Et l'art ? Nous désignons cela comme l'espace dans les bords ou le contour de votre sujet. Je viens de peindre une bouteille et tout l'espace que j'ai peint n'était que l'espace dans les bords de cette bouteille. Et cela s'appliquerait à n'importe quel sujet, peu importe si vous peignez une bouteille, une voiture, un bâtiment ou une pomme. Et c'est un espace positif. Encore une fois, la zone dans le contour de votre sujet. Maintenant, tournons notre attention vers l'espace négatif. Vous savez peut-être qu'il s'agit de l'espace à l'extérieur des bords de votre sujet. Et utiliser de l'espace négatif est un moyen facile de suggérer ou de peindre un objet. Sans peindre l'espace positif, vous devriez être en mesure de voir ce qui se passe ici et cette démo. Donc je suggère une bouteille de vin sans vraiment peindre l'espace positif de la bouteille de vin elle-même. Vous avez donc différentes façons de définir les arêtes. Et les bords aident souvent à communiquer le symbole ou le sujet que vous peignez. Et cela peut être très utile si vous comprenez comment manipuler les deux en même temps, dont nous parlerons dans la prochaine leçon. Mais pour l'instant, vous êtes recommandé exercice est de peindre des formes positives et négatives. Gardez vos sujets assez simples à ce stade. Peut-être une bouteille comme je l'ai fait ici, une pomme ou une banane. Tu as l'idée. C' est votre introduction aux espaces positifs et négatifs. Nous avons discuté de ce que l'espace positif est aussi l'espace négatif. C' est essentiellement une façon différente de définir les bords qui a aidé à transmettre ce que vous peignez à votre public. Et un exercice recommandé. Alors allez peindre des espaces positifs et négatifs. 45. Les bases de la calques: Parce que l'acrylique sèche si rapidement, vous pouvez utiliser la superposition et c'est un outil puissant. Donc, je vais vous dire ce qui est la meilleure superposition pour peindre sur sec, retrouvé, contrôle des bords, sèche-cheveux, accélérer les choses. Et puis l'exercice recommandé. Je vais commencer par vous dire que je vais utiliser une combinaison de peinture spatiale positive et négative pour vous présenter cette idée de superposition, vous pouvez utiliser la superposition de plusieurs façons différentes pour atteindre un grand nombre d'objectifs, tous les effets dans votre de la peinture ? Qu' est-ce que la superposition ? Je définit cela comme l'ajout d'une couche au-dessus d'une autre couche sèche. Rappelez-vous que je vous l' ai dit, je vais utiliser cette idée de peinture spatiale positive et négative pour vous présenter les couches. Remarquez comment les bords de ma pomme et de ma bouteille de vin se font très lâchement. Et je fais ça exprès comme une sorte de stratégie. Donc, fondamentalement, je sais que je peux devenir sauvage et chaotique à ce stade parce que je reviendrai quand il sèche pour ajouter une autre couche sur le dessus. Et cette couche sera appliquée pour faire une chose pour ramener une partie de la qualité des bords. Et mon sujet, comme je l'ai mentionné, vous pouvez utiliser la superposition si vous faites un grand nombre d'effets. Et ce cas, je veux redéfinir mon sujet et nous l'utiliserons pour d'autres situations au fur et à mesure que nous avançons. Donc, ma douleur est humide et maintenant il est préférable de la laisser sécher. En le laissant sécher, j'ai maintenant un contrôle total sur mes couleurs afin que je puisse peindre au-dessus de cette couche sèche et savoir que la première couche n'entrera pas dans la peur ou ne se mélangera pas. La couche que je suis sur le point de peindre. Maintenant, je peux commencer à utiliser la peinture spatiale négative pour définir les bords de mon sujet. Et vous pouvez voir que le blanc est dans le mélange du tout avec la couche sombre originale. La superposition m'aide à retrouver la qualité et le contrôle des bords. Un peu cool. Ha, c'est un outil très puissant à avoir dans ta poche arrière. Au début, je dois vous le présenter. Et finalement, vous commencerez à exploiter la puissance de la superposition. L' un des nombreux avantages de la peinture à l'acrylique avait sèche rapidement, ce qui signifie que nous pouvons ajouter des couches rapidement, une sur l'autre. Et si vous avez un vieux sèche-cheveux, cela peut accélérer encore plus les choses. J' en utilise un tout le temps parce que je suis assez impatient. Je voulais que la couche sèche pour que je puisse passer à la suivante. Vous avez été recommandé exercice est d'utiliser peinture spatiale positive et négative et de combiner cela avec la superposition. Commencez comme je l'ai fait vraiment chaotique, juste un gros blob et des coups sur le papier permettent de sécher. Et puis revenez avec un bon ol, peinture spatiale négative et redéfinir votre objet. C' était votre introduction à la superposition. Un autre outil puissant que nous explorerons plus au fur et à mesure que nous avançons. Je vous ai dit ce que la superposition est la meilleure que vous peignez sur sec et cette situation qui m'a aidé à reprendre le contrôle des bords, si vous avez un vieux sèche-cheveux couché autour et utiliser pour sécher la couche afin que vous puissiez passer à la suivante. Et vous avez un exercice recommandé. Maintenant, allez explorer la superposition et revenez quand vous êtes prêt pour en savoir plus. 46. Leftovers: Hé, ne jette pas ça. Que faire avec les restes ? Vidéo bonus virgule pour vous ici. Recyclez toujours la peinture inutilisée. Il fait un pâturage parfait, obtenir un grand Tupperware et l'utiliser pour des études de valeur, recycler la peinture inutilisée. À la fin d'une session. J' ai toujours des restes et ce sera dommage de jeter ces trucs dans la poubelle. Une bien meilleure solution est de l'utiliser. Ces couleurs font des gris parfaits, que vous pouvez utiliser pour des études de valeur, que je sais que vous ferez beaucoup de. Aussi. Vous pouvez l'utiliser pour tonifier votre toile et votre papier. Donc, si vous avez aimé l'idée d'ajouter un ton à votre surface blanche, vous pouvez l'utiliser comme base. Ajouté peu de bleu, un peu de rouge, un peu de blanc, quelle que soit la sorte de gris dont vous avez besoin et tandis que ah, comme par conséquent, oui. Alors offrez-vous un très grand Tupperware. Saignant moi, ne deviens pas petit parce que tu vas toujours avoir restes de peinture et la ramasser dans le Tupperware et la garder à côté de toute ta peinture. Croyez-moi, vous allez vouloir accéder à ces pâturages. J' utilise le mien tout temps. Alors ne jetez pas ça. Utilisez toujours vos restes. Rappelez-vous que vous pouvez recycler ces choses et l'utiliser pour créer de l'art incroyable. 47. Introduction à l'éclairage sur des formes: Voici votre introduction à la lumière sur la forme. Nous discuterons de ce qui est léger sur la forme, des avantages, puis de ce que nous allons couvrir et de toute cette section, un élément majeur et majeur pour votre succès de peinture acrylique. Qu' est-ce que la lumière sur la forme ? Et la réponse est, c'est le comportement d'un objet et certaines conditions d'éclairage. C' est un sujet énorme et il pourrait être étudié par lui-même pendant très longtemps. Cependant, dans ce cours, je vais vous présenter quelques-unes des idées et des principes que vous aurez besoin de connaître en tant que débutant maintenant que vous comprenez ce que c'est, parlons des avantages. Et c'est-à-dire que vous pouvez peindre des objets plus réalistes. Et pour vous guider sur ce chemin, nous allons travailler avec ces blocs colorés. La lumière qui frappe un solide géométrique, comme une sphère ou un cube, crée une série de tons ordonnée et prévisible. Apprendre à identifier ces tons et à les placer dans leur relation appropriée comme l' une des clés d'une peinture plus lisible et plus réussie. Donc, ce que nous allons couvrir dans cette section, comme vous le savez, nous allons utiliser des blocs géométriques colorés pour commencer nos études. Et puis j'introduirai d'autres formes plus organiques, comme une lime, un peu d'ail, une pomme, et ainsi de suite. Lorsque vous avez terminé avec cette section, vous devriez avoir quelques bons modèles de base pour créer de la lumière sur la forme, rendant ainsi vos peintures plus lisibles et intéressantes à regarder. 48. Séparer la lumière et l'ombre: Une autre pépite, lumière sur forme, séparant la lumière et l'ombre. Nous allons parler de ce qui est la lumière sur la forme. Ombres, projeter des ombres, voir plus clairement, puis l'exercice recommandé. Alors, quelle est la lumière sur la forme. Et la réponse est, comment la lumière frappe votre objet et révèle sa vraie forme. Et c'est parce que la lumière ne touchera que certaines zones ou plans de votre objet, et le reste sera dans l'ombre et il y aura une ombre coulée. Pour comprendre que dans sa forme la plus simple, nous allons faire un simple exercice de deux valeurs. Regardons les ombres. Alors que la lumière frappe ces formes, certaines zones d'entre elles seront dans l'ombre. Donc tout ce qui n'est pas en lumière directe sera ombragé. Comme vous pouvez le voir, je travaille du côté droit du triangle. Et je vais faire le tour de chaque bloc, chaque forme, et faire la même chose. Même si le côté du bloc a un peu de lumière est encore ombragé, le tube se trouve être un objet rond, il est donc plus difficile de comprendre ou de décider ce qui est illuminé et ce qui est dans l'ombre. Mais j'ai placé une valeur au point où je suis tombé, lumière a commencé à frapper l'objet. Les objets plus carrés sont plus faciles à voir. Parlons maintenant des moulages, des ombres. Je veux les inclure dans mon étude. Je vais donc regarder dans mon image, puis décider comment ces ombres projetées affectent le plan d'arrière-plan, le plan de sol, puis aussi les objets eux-mêmes. C' est un excellent moyen de commencer à voir vos sujets de manière plus abstraite, essentiellement en s'éloignant de seulement voir ce que l'objet littéral est. Donc, en me concentrant sur les ombres et les ombres projetées, je commence à voir un motif très abstrait se développer lorsque je combine les ombres et les ombres projetées, une grande partie de devenir artiste est de localiser et d' identifier ces modèles abstraits dans vos sujets. Beaucoup d'artistes expérimentés, certainement y compris moi-même. Souvent, nous allons regarder ce genre de modèle avant de décider si c'est un bon sujet ou si je parais à peindre, si je sens que je peux réorganiser les choses pour obtenir un motif d'ombre plus intéressant que je le ferai certainement. Cela nous amène à voir plus clairement. Et par là je veux dire, c'est une façon simplifiée de voir vos sujets. Si vous remarquez ici dans ce modèle, vous verrez qu'ils se connectent presque les uns aux autres. Donc, quand nous regardons l'ombre sur l'objet, puis nous combinons cela avec les ombres lancées. Ils commencent à se joindre presque au point où vous avez un objet par rapport à plusieurs objets. Encore une fois, une façon intéressante de commencer à regarder vos sujets. Alors éloignez-vous de ce que vous peignez vraiment, qui est un concept très, très difficile à faire pour les débutants. Et seulement se concentrer sur certaines des formes abstraites qui sont là. Et ils le sont, tu devais juste les trouver. Mais la première étape est d'écrire ici, comprenant qu'il existe pour l'instant quand vous commencez à regarder vos sujets, commencez à rompre avec ce qu'il est vraiment et regardez ce motif d'ombre. Faites également attention au motif de lumière. Ce que vous devriez commencer à voir plus clairement maintenant que j'ai effacé certains de ces bords de contour sur les blocs, je vais passer sur les deux ombres Une fois de plus juste pour lisser les choses et vraiment prendre note de tous les angles et bords sur cette étude particulière. Nous allons l'explorer davantage dans les leçons à venir. Vous êtes recommandé exercice est d'utiliser la même image que je l'ai fait dans la vidéo, avec un crayon et du papier. Et créez une étude rapide qui capture les formes de lumière et d'ombre. Et juste pour le compte rendu, je fais ce genre d'exercice tout le temps. J' adore prendre des images, des photos, etc., et les décomposer. Vraiment bon de savoir comment la lumière a un impact sur la forme. Et bien sûr, dans l'ensemble, je suis à la recherche de ce beau motif abstrait de lumière et d'ombre. Nous avons donc rayé la surface avec de la lumière sur la forme, séparant la lumière et l'ombre. Je décris ce qu'est la lumière sur la forme. Nous chaque fois que les ombres et les ombres projetées, je vous ai dit comment il vous aide à voir plus clairement et un exercice recommandé et ne négligez pas cette partie de votre programme. Alors allez vous amuser à découvrir des motifs abstraits de lumière et d'ombre. 49. Démo de lumière et d'ombres: La forme de lumière ONE à la démo de couleur. Nous allons lire, envoyer, répéter seulement cette fois en utilisant une couleur claire et foncée. Et puis l'exercice recommandé, vous l'avez entendu avant, loue et répète. Donc, dans la leçon précédente, j'ai fait la même chose que je vais faire dans celle-ci. Mais je l'ai fait avec du crayon et du papier. Parce qu'on le fait avec la couleur, ça ne veut pas dire que rien change. La seule différence ici est que j'utilise une couleur de valeur claire et sombre. J' ai donc tout mon palais, du bleu céruléen, ocre jaune et du rouge cadmium, et enfin du titane. Attendez, parce que je ne fais ça que pour la démo de couleur. Je n'ai pas mes trois autres Hughes dehors parce que vous comprenez comment mélanger et appliquer de la peinture. Je vais accélérer beaucoup de parties de cette vidéo. Je vais commencer à peindre mes sombres en utilisant la lumière rouge CAD et un peu de titane. Attendez, je vais également noter que je vais d'abord peindre les ombres sur l'objet. Donc encore une fois, le même processus de peinture exact ou les étapes que j'ai utilisées la dernière fois, essayant de bien sûr, utiliser une bonne coupe dans la technique , en retournant le papier si nécessaire, juste pour que je puisse obtenir ces bords et coins beaux et nets. Dans ma routine quotidienne, je dirais que j'utilise un crayon et du papier pour faire ce genre d'études. Je ne peins pas souvent des motifs de lumière et d'ombre. Je préfère le faire avec du crayon et du papier parce que c'est rentable et le faire beaucoup plus rapidement. Et puis une fois que je comprends ce que sont mes motifs de lumière et d'ombre et je sens que c'est intéressant. Ensuite, je pourrai passer à une dernière peinture. Mais peindre avec deux valeurs comme celle-ci peut être beaucoup amusant et éducatif aussi. Les ombres sont complètes. Maintenant, je vais prémélanger une couleur de base pour mes zones lumineuses , puis accélérer cette partie lorsque je l'applique à tout ce qui est en lumière. Lorsque vous faites ces études de deux couleurs, n'essayez pas d'être mignon sur avoir plus d'une valeur par couleur. Rappelez-vous, vous n'essayez pas de rendre une peinture finie. Vous essayez seulement de capturer le motif de lumière et d'ombre. Utilisez également de la peinture de qualité étudiante. n'y a pas besoin et gaspiller vos fournitures vraiment coûteuses pour des études comme celle-ci. C' est une leçon importante à apprendre. Je ne peux pas simplement l'apprendre avec une image particulière. Vous devez l'appliquer à tous vos sujets et à toutes vos œuvres d'art. Vous n'avez pas besoin d'utiliser votre peinture premium pour le faire. C' est donc de prendre l'ombre allégée au niveau suivant en utilisant deux couleurs au lieu du crayon et du papier. Et cela nous amène à votre exercice recommandé en utilisant la même image que je l'ai fait dans la vidéo, que vous avez dans vos ressources. Créez une lumière bicolore, une forme, étude et une excellente façon de voir votre sujet de manière plus abstraite. Lumière sur forme, démo bicolore. Nous utilisons les mêmes idées que celles que j'ai partagées avec vous dans la leçon précédente. Seulement cette fois, nous utilisons une couleur de valeur claire et sombre. Et puis l'exercice recommandé afin que la campagne YouTube, lumière colorée sur les études Form. 50. Éclairer en forme avec des formes de gris: Maintenant, nous allons prendre la lumière sur la forme au niveau suivant en faisant une étude de valeur complexe, je vais discuter du but de cette étude, hiérarchie des valeurs qui ne devrait pas vous être étrangère, en simplifiant les valeurs. Et puis l'exercice recommandé, le but de cette étude était de nous préparer à la peinture. Comme je l'ai mentionné précédemment, voir la valeur est la première étape. Et puis, si vous pouvez faire correspondre la couleur à la valeur, vous êtes en bonne voie pour trouver la liberté mettre vos idées sur papier ou sur toile. J' ai donc mon échelle de valeur vers le bas. Comme je l'ai fait dans le passé, je vais me référer à cette échelle et tester certaines valeurs si j'en ai besoin. Comme pour les échelles précédentes, nous appliquerons un cinq à la valeur la plus sombre , puis désignerons les valeurs plus légères ou la valeur la plus légère comme un. Maintenant, organisons la hiérarchie des valeurs, commençant par la valeur la plus légère, qui sera la seule. Et puis passer notre chemin à travers l'obscurité, ses valeurs avec mes valeurs les plus légères en place, les deux seuls seront le haut du cube et le dos. Trois seront appliqués à l'avant du triangle, aussi au plan de masse et au côté gauche de la face du cube le plus proche de nous. Nous avons un quatre sur le dessus de ce cube pour la plupart des ombres. Et puis trois avec l'ombre à droite, nous laissant avec notre valeur la plus sombre, qui est le cinq sur le côté du cube. Donc, ce que je viens de faire était probablement de simplifier plus de 1000 valeurs et à cinq, ce qui rend mon travail beaucoup plus facile. Je peux maintenant faire le tour en commençant par la valeur la plus légère et bloquer tout comme nous l'avons déjà parlé. Je ne vais pas m'ennuyer avec les détails ici. En fait, je vais faire le contraire. Le but ici est de mélanger la valeur qui est appropriée pour le nombre et de l'appliquer à tout ce qui a le numéro dessus. Des trucs faciles que je t'ai dit étaient des numéros de BOD peints. Donc, à ce stade, je ne suis pas préoccupé par les bords ou essayer de faire des divisions sur ce qui est l'arrière-plan ou ce qui est un objet réel. Je mets simplement cette valeur partout où un appartient. Maintenant que ce n'est pas le cas, je peux mettre les deux, ce qui était assez facile. J' ai une valeur légèrement plus foncée, qui ira sur tout ce qui est un trois. Donc, en faisant le tour de tous les bords, en coupant dans les coins en utilisant une bonne technique. Toutes ces choses dont nous avons discuté au début de ce cours, toutes ces compétences commencent à porter leurs fruits. Si vous avez fait votre diligence raisonnable. Comme vous pouvez le voir, nos trois sont terminés. Maintenant, je peux passer à droite dans les 4s, encore une fois, ne pas prêter attention ou m'inquiéter des détails de ce point, en faisant seulement confiance au modèle de valeur que j'ai exposé au tout début. J' espère que vous voyez maintenant à quel point la lumière sur la forme est une compréhension du modèle qu'elle crée. Une fois que vous avez cela, vous pouvez le disséquer, le décomposer en peut-être quatre ou cinq valeurs, puis appliquer cette valeur en conséquence. Donc, construire ces bons principes fondamentaux qui commencent à payer d'énormes dividendes. Comme vous pouvez le voir, je travaille à travers les 4s. J' ai les deux, ce qui est peut-être un peu délicat. Et enfin, cette belle valeur sombre sur le coin droit de ce cube. Je vais mettre un peu de cette valeur sombre sur le côté droit de ça aussi. Et maintenant, je vais mélanger cela dans un petit peu donc je vais nettoyer ma brosse et ensuite plume que autour d'essayer de lui donner un look rond par opposition à un look carré que les autres formes géométriques ont un peu de retouche ici ou correction. Et puis je peux commencer à passer aux faits saillants. Donc, je vais entrer avec une certaine valeur presque blanche ici et ajouter cela aux zones qui obtiennent le plus de lumière, qui seront le cube et l'arrière-plan qui est d'une valeur plus légère. Et puis la bande verticale de la valeur lumineuse sur le devant de cela aussi. Je vais continuer à faire le tour de la peinture et juste faire un peu de retouche. Je pense que le bon côté de cela aussi, a besoin d'un peu plus d'ombre pour le vendre et ensuite pour le lisser pour lui donner ce sentiment rond. Et c'est à peu près tout. Quelques ombres sous ces formes. On finira très bien. Cela nous amène à votre exercice recommandé. Et au fait, c'est là que vous allez être testé sur votre engagement. Parce qu'à mesure que nous allons plus loin, les choses deviendront de plus en plus difficiles. J' ai fourni l'image pour cette démo particulière. Vous avez donc accès à ça. Donc, mon conseil serait de l'esquisser comme je l'ai fait et de planifier vos valeurs. Aussi, n'hésitez pas à explorer une touche basse ou une version Heikki. Ça n'a pas besoin d'être exactement comme le mien. C' était une étude de valeur complexe, une forme légère avancée. Je partage le but de cette étude. Nous avons également discuté de la hiérarchie des valeurs et comment il simplifie les valeurs, puis l'exercice recommandé, amusez-vous. Peinture. 51. Construction de petite boîte à lumière: Vous pourriez être intéressé à faire une boîte lumineuse. Voici votre guide pratique rapide. Je vais couvrir ce qui est une boîte à lumière, les avantages et la peinture de la vie. Qu' est-ce qu'une boîte lumineuse ? La boîte à lumière que je vais utiliser dans ce cours m'aidera à placer mes objets simples, puis à utiliser un éclairage contrôlé pour prendre des photos. Et il y a de nombreux avantages à avoir une boîte lumineuse. Avoir la liberté de déplacer la source de lumière et différentes directions me donnera énormes avantages dans la mise en place d'un paysage particulier ou d'une condition d'éclairage sur laquelle je veux me concentrer. Revenons à la façon dont cette chose est faite. J' ai coupé ce carton 15 par 12 pouces. Puis je l'ai augmenté au milieu ou près de lui. Maintenant, je peux contrôler les couleurs sur lesquelles je peins. Son, Par exemple, J'ai un gris, puis un blanc coquille d'oeuf. Je peux facilement attacher le gris en utilisant du ruban adhésif de masquage. Je vais m'allonger là-dessus avec le pli au milieu et appuyer fermement, le retourner et ensuite je prendrai les revers. Donc je peux l'utiliser comme plan au sol ou comme plan de fond. Je vais maintenant attacher le blanc cassé à l'autre côté en utilisant exactement la même méthode. Je pourrais l'utiliser en le tenant verticalement. Mais pour ce cours, j'ai décidé de l'utiliser comme si c'était un ordinateur portable. Et si c'est le cas, je placerais mes objets sur le clavier et l'écran serait mon arrière-plan. Et puis je vais jouer quelque chose de grand et lourd derrière elle, ce qui me permet maintenant de peindre de la vie, je peux attraper tous les objets que je vois en forme et les arranger quelque façon que ce soit pour créer un sujet fantastique. Bien sûr, le ciel est la limite. Prenez tous les objets que vous avez assis autour de la maison. Vous pouvez peindre de la vie et ensuite vous pouvez également saisir votre téléphone, prendre des images. De cette façon, vous aurez un bon matériel de référence lorsque la boîte lumineuse est stockée loin. Oh, et j'ai failli oublier. Obtenez une petite lampe de bureau pour contrôler l'éclairage. Éteignez les lumières de la pièce. Installez votre petite lampe, puis pointez cette lumière dans n'importe quelle direction. Et voila, vous avez vous-même une belle nature morte mise en place où vous pouvez peindre de la vraie vie ou des photos pour votre prochain projet de bricolage, faire une boîte lumineuse. C' était votre guide pratique rapide. Donc je vous ai dit ce qu'est une Lightbox et les avantages et vous allez adorer la peinture de la vie. Quel excellent outil d'apprentissage qui est d'avoir à portée de main. 52. Introduction locale: Bienvenue dans la couleur locale. Trouve cette base, Hugh. Mélanger la couleur et vraiment peindre dans son ensemble implique mettre la couleur vers le bas et votre sujet aura tellement de couleurs, il peut être écrasant lorsque vous commencez à mettre une couleur vers le bas. L' objectif ici est donc de simplifier ce processus. Et nous le ferons en définissant et en décidant d'une couleur locale. A partir de cette couleur, nous pouvons facilement mélanger nos nuances et tendues. n'y a pas de meilleure façon d'apprendre ça que de simplement sauter dedans. Prenons ces oranges. Quand on regarde ces oranges, il y a des milliers de subtiles variations de couleur dans ces formes. Donc, ce que nous allons faire est de trouver une couleur locale de base, et cette couleur devrait représenter la teinte moyenne de l'orange est ne devrait pas être la lumière la plus claire, ne devrait pas être la plus sombre. Encore une fois, nous voulons une teinte de base moyenne à partir de laquelle nous pouvons mélanger les lumières et les sombres. Ajoutons la couleur de base pour cet orange. Donc ça peut ressembler à ça. Comme vous pouvez le voir. Il n'est pas trop sombre et il n'est pas trop clair de cette base, Hugh, nous pouvons arriver à une couleur qui fonctionnerait pour le côté des oranges qui frappent la lumière. Et nous pouvons ajouter un peu d'Alizarine pourpre, peut-être un peu de bleu, et arriver à une teinte qui fonctionnerait bien pour la plupart des ombres. Alors, qu'en est-il du bol ? Nous allons faire le même processus. Nous retrouverons notre couleur de base, pas trop sombre, pas trop claire, puis commencerons à mélanger à partir de là. Donc, ajouter un peu de blanc dans cette teinte, mais facilement nous donner le côté qui capte la lumière, en ajoutant un peu de bleu, peut-être un peu de vert, voire de gris. Vous pourriez facilement trouver les ombres. L' arrière-plan fera la même chose. Nous trouverons cette couleur de base, qui se trouve être très sombre et de valeur à un peu de blanc à cela. Et nous avons la zone au premier plan, et nous pouvons ombrager cette couleur et trouver facilement ces teintes super sombres. À l'arrière, je vais maintenant mettre un rectangle autour des trois Hughes alignés au milieu. Ces couleurs représenteraient les Hughes locales pour les objets principaux de ce sujet. Nous avons donc notre base, orange, bleu, puis la couleur de fond, un gris foncé. Et c'est l'essentiel de la compréhension de la couleur locale. Et le but de ceci, encore une fois, est de simplifier les choix de couleurs. Comprenez seulement que vous avez besoin de créer une peinture qui est un symbole de votre sujet. Tu ne pourras jamais correspondre à la nature. Donc, si vous essayez d'obtenir la couleur parfaite dans votre sujet, alors vous êtes dans un monde de mal. Tu ne gagneras jamais cette bataille. Un meilleur plan est de trouver une couleur locale qui fonctionne, puis mélanger vous êtes tendu et les nuances autour de cette teinte. Avec cette approche, vous aurez beaucoup de succès sans tout le stress. 53. Projet de blocs colorés avec des couches: Blocs colorés comme le temps de se mettre au travail, vous discuterez de tonifier votre surface ou de la préparer. Et puis je couvrirai le laïc et le dessin. Nous commencerons par tonifier la surface. J' utilise un morceau de papier neuf sur 12. Ce même papier que j'ai utilisé une démo pour ce cours. Maintenant, au lieu de peindre directement sur la surface blanche, je vais la tonifier. Et j'utiliserai ma grande brosse avec quelques neutres. J' ai du blanc et du gris pré-mélangé. Et je vais mélanger un peu de couleur chaude à ça, et cette couleur sera ocre jaune. L' avantage de commencer avec une surface tonique est qu'il est beaucoup plus facile de voir des nuances plus foncées et plus claires lorsque vous commencez avec une surface blanche brillante comme du papier ou de la toile, qui est difficile de voir les valeurs plus claires. Donc, le but ici est de mettre une valeur qui est au milieu afin que vous ne vouliez pas qu'elle soit trop claire ou trop sombre. Cependant, de nombreux artistes préfèrent commencer par le blanc, et beaucoup d'autres artistes préfèrent commencer par quelque chose de très sombre. C' est totalement à toi de décider. Je vous donne juste quelques techniques, quelques options à réfléchir, à explorer quand vous en aurez le temps. En commençant par ce gris moyen légèrement sur le côté chaud devrait fonctionner bien. Comme je l'ai mentionné, une fois que j'ai eu ce n, cela me donnera une bonne indication de la façon dont mes valeurs sont sombres ou claires. Il est très important de laisser cette surface sécher. Donc, une fois que j'ai fini de le peindre, il va sécher complètement. Et c'est seulement alors que je commencerai à peindre sur cette surface. Maintenant, je vais obtenir une nouvelle palette et mettre mes peintures vers le bas. J' utilise un ordre similaire, si ce n'est pas le même que j'ai utilisé auparavant. Mettre les Hughes vers le haut et ensuite utiliser mes lignes verticales pour mélanger. Et maintenant, il est temps d'ajouter la laque dans le dessin. C' est donc une esquisse de contour rapide de tous les bords et formes principaux de mon sujet. Je vais mettre ce sujet dans un instant. Mais je voulais couvrir la peinture qu'ils utilisaient pour mon couchage. Encore une fois, tu sais, c'est un corps lourd, mais je veux commencer par une teinte qui ressemble à un gris plus foncé, rien de noir. Mais certainement je devais apparaître sur la valeur moyenne avec laquelle je tonifie la surface. Aussi, j'ai dilué cette peinture un peu avec de l'eau. Vous n'avez pas besoin de la peinture pour être très épaisse. Donc, des lignes très légères et transparentes sont tout ce dont nous avons besoin pour le dessin. Je commencerai habituellement mon laïc en ajoutant la ligne la plus longue que je puisse voir à mon image. Ce cas est la ligne où le sol ou le plan plat rencontrera le plan vertical en arrière-plan. C' est une sorte de ligne inclinée. Et une fois que j'ai ça, je peux commencer à localiser mes autres grandes formes. Je vais commencer par le cylindre parce que je sens que c'est la ligne la plus longue. Donc j'ai cette verticale là-dedans et puis je peux me déplacer tout de suite dans le bloc rouge, juste besoin. Avoir ce cylindre en place me donne un point de référence pour ajouter mon bloc rouge. Et si j'ai besoin d'ajouter un peu de premier plan là-bas, c'est assez facile à faire. Donc, je peux juste faire tomber cette ligne juste un peu si je manque de place, c'est un autre grand avantage du papier. Vous n'êtes pas limité à la largeur et à la taille de la toile, qui dans la plupart des cas est déjà pré-étirée. Je suis maintenant allongé dans le cube et le dos, encore une fois, seulement l'ébauche dans. Ça n'a pas besoin d'être parfait. Une fois que j'ai toutes ces formes sur la surface, je peux commencer à peaufiner les choses un peu plus. Ici vous pouvez voir, j'essaie de trouver le côté droit du coin de ce triangle. Je sais qu'il est légèrement à gauche du côté droit de ce bloc jaune. Donc, je compare un peu les formes, regarde d'avant en arrière pour comprendre leur relation les unes avec les autres. Encore une fois, ce n'est pas une classe de dessin. Je l'ai mentionné plusieurs fois dans ce cours. Donc, si vous voulez un bon cours de dessin, je vais laisser un lien dans la description parce que j' ai beaucoup de ceux que vous pouvez explorer aussi. Et je sais que mon lion a l'air un peu rugueux sur les bords, mais pour moi, cela fonctionne très bien selon votre approche que vous voudrez peut-être affiner un peu plus, mais je sais que je peux prendre cela et travailler avec. Dans cette vidéo, nous avons commencé à peindre des blocs colorés. Je tonifie la surface et j'ai ensuite fait la pose en dessin. Maintenant, il est temps de passer dans la première couche. 54. Projet de blocs colorés avec Colorful: Et nous allons commencer les prochaines étapes en bloquant dans lequel vous savez déjà que j'utiliserai une couleur locale. Encore une fois, vous le savez déjà aussi. Et je ne vais pas essayer de faire correspondre la couleur à nouveau, vous savez déjà ce truc, mais je vais le corriger plus tard quand je réaliserai que les choses ne sont pas parfaites la première fois. Alors commençons par la fin du bloc. Et avant de faire ça, je dois penser à la couleur. Et pour mes blocs, je vais rester avec les primaires. C' est déjà là pour moi. Donc, je sais que mes couleurs principales vont être bleu, rouge, et jaune par fond sera un blanc cassé. Et puis j'ai un premier plan gris. Je vais donc mélanger une couleur locale qui n'est pas parfaite. Ça ne sera jamais parfait, mais ça va être dans le ballpark. Encore une fois, une couleur locale qui représente une teinte de base pour mon arrière-plan. Donc j'utilise un peu de titane blanc. Je vais mélanger un peu d'ocre jaune juste pour le réchauffer un peu. Et parfois, il est bon d'avoir un état d'esprit que vous ne voulez pas le peindre parfait. Parce que si nous allons faire des couches, donc la première fois, vous pouvez presque obtenir quelque chose qui est un peu plus sombre pour que nous venions la deuxième fois, vous savez, vous allez ajouter une valeur qui va être un un peu plus léger. Pour l'instant, je suis juste en train de couper autour des bords principaux en utilisant une bonne technique là-bas. Mais encore une fois, je sais que j'ai des couches et ma poche arrière. Si je passe un peu sur les bords, je peux toujours revenir un peu plus tard quand la peinture est sèche et les choses correctes. Donc oui, je suis en train de couper. J' essaie de faire du bon travail. J' essaie d'être soigné comme je peux, mais je ne vais pas paniquer s'il se trouve que je dépasse une ligne ou un bord. Donc, vous avez l'idée de l'endroit où je suis avec le stade de fin de bloc. Encore une fois, c'est comme un brouillon, donc je vais accélérer les choses un peu. Et une fois que nous aurons quelque chose qui est vraiment important, je reviendrai. Alors asseyez-vous et détendez-vous pendant que je commence ma phase de fin de bloc. Le bloc d'arrière-plan est terminé, et maintenant je vais commencer à faire le pré-plan, mélangeant une couleur locale de base, qui est grise. Pour les blocs bleus, je vais utiliser Cerulean et tente avec un peu de blanc et aussi un peu de bleu outremer. Parce que le premier plan et l'arrière-plan sont encore un peu mouillés si vous arrivez à obtenir que mélangé sur votre pinceau avec le bleu ou toute autre couleur ? Prenez juste un moment, utilisez votre serviette et essuyez-la et continuez à peindre. C' est donc la première partie de l'étape de fin de bloc. Dans la leçon suivante, je vais continuer la fin du bloc. 55. Projet de blocs colorés avec le Block-in continué: Dans cette leçon, je vais continuer à faire des blocs colorés et commencer par reprendre là où je me suis arrêté dans la leçon précédente avec l'étape de fin de bloc. À ce stade, il est temps de mélanger un peu de rouge. Donc, en utilisant la lumière rouge CAD. Et nous utiliserons aussi un peu d'ocre jaune et une touche de lumière juste pour localiser un smidge. Une fois que j'ai eu cette couleur locale de base, je peux commencer à peindre le bloc rouge. Encore une fois. Je vais accélérer les choses ici parce que vous savez déjà comment ça marche. Vous m'avez vu mélanger de la peinture et si quelque chose d'important arrive, à noter que vous avez besoin de comprendre, je vais me taper. Le rouge est fini pour l'instant, je peux commencer à mélanger mon jaune en utilisant la lumière jaune cad. Une touche d'ocre jaune avec un peu de poids de titane devrait me donner une bonne base. Couleur locale. Encore une fois, je n'essaie pas de correspondre. Je ne fais que la première passe. Ça n'a pas besoin d'être parfait. Et bien sûr, ce ne sera jamais le cas. À ce bloc dans l'étape. Notez que je ne me suis pas concentré sur les ombres, sur le blocage de la forme entière avec la couleur locale, mais il est temps de commencer à ajouter des ombres. Je commence par utiliser du blanc de titane mélangé avec un peu de mon gris. Et je vais refroidir ça juste un peu avec ces Céruléens et un peu d'Alizarine pourpre lui donnant un peu de cette sensation de violette. Par conséquent, l'ajout des ombres projetées sur l'arrière-plan sera la première étape pour les ombres. Et une fois que j'aurai fini avec les ombres de fond, je vais mélanger une teinte plus foncée pour les ombres de premier plan. Donc, ce sont encore, ils jettent des ombres provenant des blocs qui sont sur le sol ou de la plaine plate sur laquelle les blocs sont assis. Ce Q devrait être un peu plus sombre car la valeur de base du plan plat est plus foncée que celle de l'arrière-plan. Et maintenant ça couvre les ombres lancées. Eh bien, pour la plupart, je vais utiliser un peu de ce jaune de base mélangé avec du gris. Donc, j'ombrage mon bloc en utilisant la méthode grise et pas nécessairement une méthode complémentaire. Je compare les tons d'ombre les uns aux autres. J' ai remarqué que le haut du bloc semble un peu plus léger en valeur que le côté gauche. Donc, je voulais essayer d'en faire une bonne partie. Obtenir les valeurs correctes est plus important que d'obtenir la couleur est correcte. Maintenant, j'ai une ombre coulée sur ce bloc. J' utiliserai le même mélange que j'ai déjà utilisé po