Apprendre comment Young Guru réalise les enregistrements de Jay-Z : Introduction à l'enregistrement audio | Young Guru | Skillshare
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Aprende el proceso de ingeniería de Young Guru para Jay Z: introducción a la grabación de sonido

teacher avatar Young Guru, Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Avance

      1:11

    • 2.

      Comprender la física del sonido

      3:25

    • 3.

      Concepto de la física del audio (continuación)

      4:50

    • 4.

      Selección de un micrófono

      7:34

    • 5.

      Configuración de tu espacio de grabación

      3:05

    • 6.

      Configuración de una sesión

      5:10

    • 7.

      Grabación de voces de rap

      5:02

    • 8.

      Grabación de un cantante

      7:44

    • 9.

      Finalización de la grabación

      6:04

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

10.649

Estudiantes

14

Proyectos

À propos de ce cours

Desde que el fonoautógrafo de Berliner introdujo al mundo el concepto de pista de audio reproducible, los seres humanos se enamoraron del sonido grabado. En los siglos siguientes, la innovación tecnológica y la magia del estudio han hecho que el proceso sea muchísimo más complejo, pero varios de principios básicos de grabación todavía se aplican. La grabación de audio, el proceso de reproducción de sonido en vivo, siempre será una práctica celebrada porque nos permite contar historias, compartir ideas y preservar nuestras voces entre naciones y a través de generaciones.

He tenido la suerte de grabar una enorme variedad de música para los artistas más importantes: desde Jay Z hasta Beyonce y Eminem. Así, aprendí cuáles son las técnicas de grabación que funcionan mejor con las distintas texturas auditivas. Con mi experiencia personal y mis clases, te daré las herramientas que necesitas para agregar un toque profesional a tus grabaciones de audio.

Qué aprenderás

Pensé esta clase de Skillshare para ayudarte a darle vida a tus grabaciones con los efectos que quieras, más allá del equipo con el que cuentes. Presentaré todo el contenido con videos exclusivos e instrucciones por escrito. Cubriremos:

  • Comprender la física del sonido. En esta unidad, aprenderás sobre la ciencia del sonido y las formas en que reacciona de acuerdo al entorno.
  • Selección de un espacio de grabación.  En esta unidad, veremos cómo seleccionar el espacio adecuado para tu grabación y cómo optimizarlo adecuadamente para el efecto que quieras lograr.
  • Ubicación de micrófonos, instrumentos y voces.  En esta unidad, cubriremos la forma en que cada toma se ve afectada según la ubicación de los micrófonos en relación con la fuente de audio y el espacio de grabación.
  • Monitoreo de niveles.  En esta unidad, aprenderás a lograr una grabación limpia (o sucia, si es el efecto que buscas) y dentro de un rango dinámico aceptable.
  • Hacer ajustes y múltiples tomas.  En esta unidad, aprenderás cómo alterar las variables de grabación para crear múltiples pistas (ubicación del micrófono, ajustes del espacio de grabación, extensiones para el micrófono y extensiones para los instrumentos). Luego colocarás estas pistas en capas para finalizar el proyecto de audio.
  • Finalización.  Cómo etiquetar adecuadamente cada toma, cómo organizar cada pista y a quién enviar todo a una vez finalizada la grabación. 

Qué harás

Tu proyecto de clase consistirá en una grabación de un archivo de audio en el que utilizarás los principios que estudiamos.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Young Guru

Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

Profesor(a)

Throughout his illustrious, decorated career, Gimel “Young Guru” Keaton has resoundingly earned his reputation as one of the most renowned recording and mixing engineers in music today , having worked with artists such as Jay-Z, Beyonce, Rick Ross, Drake, T.I., and Eminem.   Wisened after years of successful endeavors (multi-platinum albums, and multiple Grammy nods) Young Guru has recently been working tirelessly to elevate the discourse of audio engineering philosophy, science and technology, emerging onto the college lecture circuit as one of the subject’s most distinguished and dignified speakers, and further proving why he is one of audio’s most important minds and essential voices.  Traveling the country, Guru’s intellect and el... Ver perfil completo

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Transcription

1. Bande-annonce: Mon nom est Jamil, tout le monde m'appelle affectueusement Jeune Guru. Je suis ingénieur, DJ, et aussi professeur. Pour moi, j'aime toujours dire que je n'aime pas être fixé dans l'idée de mélange. Beaucoup d'entre nous sont devenus paresseux à cause de l'énorme quantité d'outils que nous avons à notre disposition pour pouvoir corriger les choses, nettoyer les choses. Les enseignants me donnaient les meilleurs conseils en mots courts. Ils disaient des ordures, des ordures. Donc, vous essayez de donner la meilleure entrée que vous pouvez. C' était génial. On va commencer par un peu de théorie. Nous allons aussi passer à la physique audio et à l'acoustique. En sélectionnant un espace d'enregistrement, non seulement vous sélectionnez un espace, mais vous déterminez également ce que vous allez faire avec cet espace. Sélection des microphones, et en particulier le placement du microphone. Multi-prises ou devrais-je dire superposition du son, comment ajouter des harmonies à certaines choses. Si nous étudions ces concepts, j'ai l'impression de le faire et d'avoir une bonne compréhension du processus d'enregistrement. 2. Comprendre les propriétés physiques du son: Bienvenue dans cette édition de la classe Skillshare. Avant de commencer, je voulais juste passer en revue quelques concepts de base sur l'audio. Je voulais m'assurer que tout le monde était au courant, et que nous parlions tous au même niveau. Donc, si nous commençons, je suppose que la question de base sera ce qui est sain ? Fondamentalement le son est un déplacement de molécules d'air. Si vous y pensez, et pour ne pas être trop scientifique, quand nous parlons, notre langue crée réellement la pression qui déplace les molécules d'air. Une fois que ces molécules ont frappé notre tympan, notre tympan agit alors comme un transducteur, et n'ayez pas peur par les grands mots. Un transducteur est juste quelque chose qui change une forme d'énergie en une autre. Un microphone est également un transducteur. Mais votre tympan est le transducteur qui vous permet d'entendre. Donc, une différence de niveau de pression acoustique ou ce que nous disons SPL, frappe votre tympan et est ensuite transféré dans un signal électrique, ce qui permet à votre cerveau d'interpréter le son. Maintenant, nous décrivons également le son en fonction de la vitesse ou de la fréquence à laquelle le son se déplace. Ainsi, plus le son est lent, plus la fréquence est basse et plus la tonalité du son est basse. L' audition humaine est de 20 hertz à 20 000 hertz. Encore une fois, n'ayez pas peur par la terminologie. Un hertz est juste la façon dont nous mesurons le son. Le son lui-même se déplace à une vitesse constante de 1 130 pieds par seconde. Alors, qu'est-ce que ça veut dire en termes profanes ? Cela signifie que plus la tonalité est basse ou plus la fréquence est basse, plus l'onde est grande et plus la fréquence est élevée, plus la tonalité et plus l'onde est petite. Donc, ça veut dire que si je fais face à une vague de 20 hertz, c'est une très grosse vague, ou si je fais face à une vague de 20 000 hertz, c'est une très petite vague. Ça vous dit que vous obtenez 20 000 ondes par seconde contre 20 ondes par seconde dans nos basses fréquences. L' oreille humaine à nouveau, ne peut entendre que de 20 hertz à 20 000 hertz. Donc, quand on regarde les fréquences de base, on parle de choses dans les années 30, 40, 50, même parfois dans les années 100, traitant de certains coups de pied et bases. Quand nous entrons dans les fréquences plus élevées, nous avons affaire à des choses qui ressemblent à des hertz élevés et à des choses de cette nature qui pourraient être beaucoup plus élevées dans la gamme 10 000 ou 11 000. L' objectif principal, ou devrais-je dire la chose la plus difficile à maintenir ou à contrôler, sont toutes nos fréquences moyennes. Ce sont les choses les plus difficiles quand on enregistre parce que tous les instruments ont ces fréquences moyennes, et nous devons décider qui va vivre où. Quand on parle de fréquence, il y a aussi un autre grand concept qui doit être compris, c'est la plage dynamique. Quand nous parlons de plage dynamique, nous parlons vraiment du son le plus doux jusqu'au son le plus fort, que tout instrument que nous enregistrons peut produire. Que ce soit une voix humaine, qu'il s'agisse d'une batterie, d'une guitare, ou de tout ce que nous enregistrons. C' est un peu comme le vieil adage où nous disons, une seule molécule, une seule chose peut remplir l'espace à la fois. Nous devons faire de la place pour tous les bruits de niveau intermédiaire, sons et les choses qui se présentent dans notre enregistrement. Donc, plus nous comprenons mieux notre gamme de fréquences, mieux nous pouvons accueillir tous ces sons. 3. Comprendre les propriétés physiques du son (suite): Maintenant, le mouvement de la vague serait moins important si on enregistrait juste dehors, mais la plupart des gens enregistrent dans un type de pièce. Donc, apprendre sur l'acoustique est l'une des choses les plus importantes lorsque nous abordons les fondamentaux du son, parce que nous devons faire face à la façon dont ce son rebondit hors du mur. Il y a principalement deux choses qui peuvent se produire lorsque le son bouge. son peut se refléter, ce qui signifie qu'il rebondit de n'importe quelle surface sur laquelle il se trouve, ou qu'il peut être absorbé par cette surface. Les surfaces dures ont tendance à se refléter et les surfaces douces ont tendance à absorber. Donc, quand nous avons affaire à une situation de studio, nous devons savoir exactement comment ces fréquences rebondissent des murs, parce que ces fréquences rebondissent du mur et elles reviennent et affectent notre écoute. Malheureusement, la plupart des gens enregistrent dans une chambre, ce qui est probablement le pire endroit pour vous d'enregistrer. Pourquoi c'est ça ? Parce que tu as affaire à des murs parallèles. La plupart des studios professionnels sont construits de manière à ne pas avoir de murs parallèles, ou qu'est-ce que je veux dire par là ? Des murs parfaitement parallèles ont tendance à vous donner ce que nous appelons des vagues debout. C' est qu'un son peut rebondir d'un mur, rebondir d'un autre mur, et se frapper, et s'annuler mutuellement. C' est dans le pire des cas, mais la plupart du temps dans des situations réelles, il fait quelque chose au son qui vous donnera autre chose qu'une réponse en fréquence parfaitement plate. Qu' entend-on par réponse en fréquence ? C' est ainsi que la pièce ou l' équipement que vous utilisez affecte le son. Vous aurez soit des aperçus ou des fermes à l'intérieur du son qui n'était pas déjà là avant d'enregistrer dans cette pièce particulière. Plus vous faites de l'espace mort, plus vous avez de contrôle sur l'enregistrement réel du son. Vous permettez que moins de la pièce soit affectée au son. Vous pouvez également être dans une position où vous voulez que la pièce soit enregistrée sur le son. Souvent, nous voyons cela comme des exemples du monde réel lorsque nous enregistrons des chœurs dans des églises particulières, parce que ces salles ont été construites pour l'acoustique d'un chœur. Donc, nous voulons rassembler toutes ces informations ensemble, même temps que nous enregistrons cette chorale, nous voulons aussi la salle. Connaître votre pièce et connaître votre espace est la raison pour laquelle vous choisissez un espace d'enregistrement particulier. La plupart des lieux de temps avec de hauts plafonds, larges salles ouvertes, vont vous donner de bons moments de réverbération. Beaucoup d'autres espaces qui sont plus fermés vous donneront la possibilité d'avoir un son serré plus contrôlé. Alors, qu'est-ce que la réverbération ? réverbération est en fait un temps. C' est le temps qu'il faut pour que le son parte où qu'il aille, frappe quelque chose et revienne vers vous. C' est en fait le moment qui permet à nos sens de savoir à quel point l'espace est grand dans lequel nous sommes. Plus la pièce est grande, plus il faudra de temps pour que ce son rebondisse quelque part et revienne. Cela nous donnera la détermination de la raison pour laquelle nous disons : « Ok, j'ai besoin d'une réverbération d'une seconde, ou de deux secondes, ou de trois secondes de réverbération. » Plus le temps, en substance, c'est dire que nous sommes dans une plus grande pièce. Un autre concept important quand on parle vagues et de la façon dont le son se déplace est la phase. C' est probablement l'un des concepts les plus sous-estimés ou mal compris dans l'enregistrement audio de base. Tout d'abord, la phase est une relation. Vous ne pouvez pas avoir de phase avec une seule forme d'onde. Phase est la relation entre deux formes d'onde. Selon l'endroit où ces formes d'onde sont dans leur voyage et la façon dont elles s' additionnent peuvent déterminer la force de cette forme d'onde. Ajouter des vagues ensemble est comme ajouter des nombres. C' est cumulatif. Selon que l'onde monte ou que l'onde descend peut affecter le son. Si j'ai deux vagues où elles sont parfaitement la même vague et une monte et une descend en même temps, elles peuvent s'annuler. C' est ce qu'on appelle être à 180 degrés hors phase. Qu' est-ce que cela signifie ? Cela signifie que dans certaines situations où vous avez plus d'un microphone, votre signal peut sembler plus faible si vous n'êtes pas correctement en phase. C' est quelque chose qui doit être vérifié par tous les ingénieurs lorsque vous enregistrez avec plus d'un microphone. La phase est extrêmement importante. Un autre concept que je veux que vous compreniez pleinement est le décibel. Quand nous parlons du décibel, c'est ainsi que nous mesurons le bruit d'un son, mais beaucoup de gens confondent à nouveau ce nombre pour penser que c'est un nombre fini. Quand en réalité il est à nouveau, exprime un rapport. Est le rapport entre le seuil de l' ouïe et le niveau de pression acoustique de ce moment donné. Donc, c'est très important de comprendre quand vous obtenez ces concepts. Le nombre réel du décibel n'est pas un nombre fini, c'est un rapport entre le seuil de l'ouïe et votre niveau de pression sonore. 4. Choisir un microphone: Évidemment, notre première étape dans notre chaîne d'enregistrement sera le microphone. Maintenant, il y a tout un monde en soi quand on parle de microphones, mais ce que je veux vous donner, c'est quelques-unes des bases, que vous puissiez comprendre exactement pourquoi les microphones sont fabriqués comme ils sont fabriqués. En ce qui concerne le microphone, il existe généralement deux types de microphones. Il y a un microphone dynamique et il y a ce qu'on appelle des microphones à condensateur. Vous pouvez vous demander, quelle est la différence ou vous avez peut-être entendu ces termes et ne pas vraiment comprendre ce qu'ils signifient ou ce qui se passe. La différence entre les microphones dynamiques et à condensateur est juste ceci : un microphone dynamique peut faire face à un niveau SPL beaucoup plus élevé. Quand on parle de ça, on parle du niveau de pression acoustique. Qu' est-ce que ça veut dire dans la vraie vie ? Cela signifie qu'un microphone comme ce Shure SM58 peut traiter un signal beaucoup plus fort qu'un microphone à condensateur comparable. Une grande partie de notre compréhension peut venir de la façon dont ces microphones fonctionnent. Si nous regardons un microphone dynamique, ce qui se passe ici, c'est que nous créons un champ magnétique. En appliquant une pression avec notre voix, nous perturbons ce champ magnétique, qui crée alors un courant électrique. Contrairement à la façon dont fonctionne un condenseur où nous avons deux plaques qui sont à l'intérieur d'ici et en appliquant à nouveau, notre pression de notre voix, notre niveau de SPL est augmenté, notre niveau de pression acoustique et nous créons un signal électrique de cette façon. Qu' est-ce que ça veut dire ? Cela signifie que si vous êtes debout sur scène, il est probablement préférable pour vous d'avoir ce Shure SM58 parce qu'il peut prendre la pression, il peut prendre l'usure du voyage, il peut prendre le niveau de pression élevé qui va provenir de être sur scène. Ce microphone peut ne pas être votre meilleure sélection car il est trop sensible pour ce type d'environnement. Donc encore une fois, vous n'essayez pas de déménager votre maison dans une Ferrari même si c'est une super voiture, il y a une raison pour laquelle vous achetez un camion. C' est la raison pour laquelle tu achèterais ce microphone. Ce microphone n'est pas seulement idéal pour la voix, il est idéal pour enregistrer de la batterie, tout ce qui a un niveau de pression sonore élevé, nous aurions tendance à aller plus avec un microphone dynamique. Maintenant, un microphone à condensateur, fonctionne de nouveau d'une manière différente. Nous avons deux plaques. Une plaque est stationnaire, une plaque est en mouvement. Ce que cela nous permet de faire, c'est d'avoir tous les types de configurations pour ce type de microphone. Qu' est-ce que je veux dire par configurations ? Eh bien, nous avons quelque chose sur chacun de ces microphones qui s'appellent des motifs polaires. Ce que ça fait, c'est que ça vous explique où le pick-up va venir pour le microphone. Le microphone peut être réglé sur ce que nous appelons un super huit, où nous capturons le son qui est à l'avant et à l'arrière, ou nous pouvons l'avoir dans un modèle cardioïde, où nous essayons d'enlever les fréquences qui sont à l'arrière et se concentrer uniquement sur les choses qui sont à l'avant. Nous pouvons également aller à un motif circulaire qui nous dit que nous captons le signal de tous les 360 degrés autour du microphone. Vous pouvez vous demander : « Eh bien, dans quelle situation ou pourquoi je changerais le schéma polaire ? » Il peut y avoir une situation où vous enregistrez deux chanteurs qui veulent chanter en même temps, et parfois des gens qui aiment se vibrer les uns des autres. Donc, s'il y a un chanteur à l'avant et le chanteur à l'arrière, on peut les enregistrer sur le même microphone en utilisant ce qu'on appelle un super huit. Pour nos enregistrements d'aujourd'hui, je vais probablement utiliser ce modèle cardioïde parce que je vais avoir quelqu'un à l'avant et personne à l'arrière. Ce microphone est ce que nous appelons un microphone à état solide, ce qui signifie que ce microphone a en fait un tube qui lui permet de fonctionner. Quelle est la différence ? Eh bien, en général, et encore une fois je parle dans des généralisations, vous devriez toujours écouter le microphone vous-même pour déterminer comment cela sonne pour vous. Mais deux microphones ont tendance à être beaucoup plus chauds que les microphones à semi-conducteurs. En ajoutant les deux, nous ajoutons une sorte de chaleur à l'enregistrement. Alors, tu me verras utiliser ce micro pour Don et tu me verras utiliser ce micro pour notre chanteur. Pourquoi ? Parce que je veux réchauffer son chant un peu. Maintenant, l'une des principales différences entre ces deux types de microphones est la façon dont ils sont alimentés. Encore une fois, comme je l'ai dit, la dynamique a un champ magnétique et c'est la façon dont elle reçoit ou la façon dont elle se conduit avec puissance, en cassant ce champ magnétique, nous envoyons un signal électrique. Dans ce microphone à condensateur, nous avons deux plaques. Donc, en substance, le pouvoir doit venir de quelque part, ce qui nous amène à un grand concept à l'intérieur des microphones que nous appelons puissance fantôme, ce qui signifie que le pouvoir doit être puisé ailleurs. Maintenant, il y a deux façons de le faire ; nous pouvons individuellement donner à ce microphone sa propre boîte individuelle. Si nous regardons ces deux microphones, la boîte qui est assis ici est la source d'alimentation, mais vous pouvez regarder et voir que ce microphone n'a pas de boîte directe ou de source d'alimentation dans cette pièce. Ce qu'il fait, c'est utiliser l'énergie fantôme. Si vous remarquez sur votre planche ou sur un préampli que vous avez, il y a un bouton qui s'appelle l'alimentation fantôme. Ce que cela fait est juste que, il envoie de l'énergie à ce microphone, afin que nous puissions ensuite induire un signal. Maintenant, selon les artistes avec lesquels vous travaillez, déterminera également le type de microphone que vous voulez choisir. La plupart du temps, quand je fais affaire dans le monde du rap, j'ai tendance à utiliser un 67, et Neumann 67. Pourquoi ? Parce que c'est un cheval de bataille dans notre industrie et c'est quelque chose dont j'ai à peu près appris le son et je peux dire s'il y a des problèmes. Il y a aussi un excellent microphone appelé le Sony C-800 que beaucoup de gens ont tendance à aimer. Cela vous donnera un son plus lumineux que notre classique Neumann, mais vous pouvez choisir et faire la différence pour vous-même. Encore une fois, deux microphones vont réchauffer un peu les choses et si nous avons des niveaux de pression super élevés, nous pouvons toujours choisir une dynamique. Aujourd'hui, nous vous donnons beaucoup d'exemples d'enregistrement de voix mais vous êtes peut-être dans une situation où vous avez besoin d'enregistrer des instruments, et comment allez-vous y arriver ? Il y a tellement de façons différentes et tellement de choses différentes que vous pouvez faire pour capturer le son de votre instrument préféré. Mais la première chose que vous pouvez faire, que les gens oublient, c'est d'écouter l'instrument. La façon dont ça sonne dans cette pièce devrait être la façon dont ça sonne dans cette pièce. C' est vraiment aussi simple que ça. Donc, dans votre sélection de microphones, vous essayez d'imiter ce son. Vous voulez obtenir quelque chose qui capture l'essence pure de tout ce que vous enregistrez. Si c'est de la batterie, vous voulez vous assurer qu'ils sonnent exactement la même chose là-dedans. Si c'est une guitare, vous voulez vous assurer de savoir où vient l'essence du son. Est-ce que ça vient de l'ensemble ou est-ce que ça vient des cordes ou voulez-vous une combinaison des deux ? Toutes ces choses sont des choses auxquelles vous pouvez penser lorsque vous enregistrez vos instruments préférés. En outre, l'une des choses que vous voulez garder à l'esprit lors de l'enregistrement de vos instruments qu'ils vont avoir une portée dynamique beaucoup plus élevée que les voix. Donc, vous voulez faire attention lors de l'enregistrement vos instruments que vous ne définissez pas votre préampli trop haut. Vous voulez vous assurer que le signal le plus fort n'est toujours pas écrêté dans votre porte ou sur la bande si vous enregistrez de cette façon. Donc, rappelez-vous qu'en règle générale, la plupart des instruments ont une portée dynamique beaucoup plus élevée qu'une seule voix humaine. Après votre préampli, votre microphone est probablement la chose la plus importante dans votre chaîne, donc vous voulez vous assurer de prendre soin de ce microphone. Beaucoup de fois, je vois des gens payer tout cet argent pour des choses coûteuses et ensuite ne s'en occuper pas. Ces microphones sont sensibles à la température, vous ne pouvez pas renverser de l'eau sur eux, il n'est pas bon d'avoir beaucoup de fumée, et de la nourriture et des choses comme ça autour de votre microphone, car cela affectera le diaphragme du microphone. Vous voulez vous assurer que vous prenez soin de ce micro compréhension que c'est la clé pour vous avoir un excellent enregistrement. 5. Mise en place de votre espace d'enregistrement: Maintenant, comme vous pouvez le dire, nous sommes dans un bon studio où il y a de la place a été réglée. Tout dans cette pièce est conçu pour avoir une chambre morte afin que nous puissions enregistrer en voix. Ce n'est peut-être pas la situation à l'intérieur de votre chambre. Si nous sommes dans nos chambres, alors nous pouvons prendre certains matériaux qui permettent à notre chambre de devenir un meilleur espace d'enregistrement, l' une des grandes choses qui ont été inventées avec Goebbels. Ces choses ont été construites pour que vous puissiez concevoir et faire votre propre espace dans votre propre chambre, en bloquant les réflexions qui viendraient naturellement d'être dans un grand espace ouvert. Nous avons tendance à penser aux murs et nous comprenons que le son rebondit sur les murs, mais il faut comprendre que le son se déplace dans une sphère, pas seulement dans une ligne directe. Ma voix allait dans toutes les directions, ce qui signifie qu'il y a un signal allant au plafond, au sol, dans chaque mur dans toutes les directions possibles. Donc, en alignant sur notre règle selon laquelle nous ne pouvons pas avoir de murs parallèles dans le studio, c'est la raison pour laquelle vous allez voir toutes ces formes amusantes au plafond. Ce que nous essayons de faire, c'est de rebondir le signal, sorte que nous ne créons pas d'ondes debout. Donc, si vous êtes dans une situation où vous ne pouvez pas changer votre mur physique, vous pouvez créer quelque chose qui va déséquilibrer votre pièce. Encore une fois, tout le but est de sortir des vagues debout. Donc, les entreprises ont trouvé des solutions pour cela. Il y a beaucoup d'exemples de ce que nous appelons filtres de réflexion qui sont disponibles sur le marché aujourd'hui. Vous n'avez pas besoin d'en acheter un, ils fonctionnent tous plutôt bien. Ce que ça fait, c'est essayer d'imiter l'idée de cette pièce. Vous trouverez de nombreux filtres de réflexion qui vont autour du microphone et essayer de couper toute réflexion qui viendra de la pièce que vous utilisez. Je vous recommande fortement de dépenser un peu d'argent qu'il faut pour acheter l'un d'eux. Cela fera une énorme différence si vous enregistrez dans votre chambre ou dans toute autre pièce qui n'a pas été traitée. Une autre chose que nous n'avons pas abordée et dont je pense qu'il est tout à fait important pour l'ingénieur de se souvenir est le niveau du casque. Ce que vous essayez d'éliminer, c'est le saignement du casque sur le microphone. Ces micros sont très sensibles. Ils sont là pour capturer la voix ou l'instrument que vous enregistrez, et si les écouteurs sont trop bruyants, vous allez obtenir ce qu'on appelle saigner dans ce signal qui est très difficile à retirer. Donc, vous voulez toujours vous assurer que vous donnez assez à votre interprète pour qu'il puisse s'entendre, mais vous ne voulez pas que ce soit si fort qu'il saigne sur le microphone. Enfin, l'un des petits détails qu'il est toujours négligé dans un studio est la façon dont vous utilisez le câblage. Cela peut sembler une petite chose et cela peut sembler la dernière chose à laquelle vous allez penser, mais croyez-moi, la façon dont vous accrochez le câble vous dira à quel point ce câble sera durable pendant longtemps. Vous ne voulez pas raccrocher le câble, vous ne voulez pas rapper le câble, et vous ne voulez certainement pas le câble partout sur le sol. Les gens ont tendance à tomber dessus, et ça a tendance à devenir désordonné et encombrant dans un studio. Plus vous êtes soigné avec votre câblage, plus le câble durera et mieux vous enregistrez sera. 6. Mettre en place une séance: Il y a des choses que nous devons faire avant de mettre l'artiste sur le stand. J' aime mettre en place la session pour que le flux de la session soit aussi rapide que possible pour l'artiste. Vous ne voulez pas être ici pour créer de nouvelles pistes, mettre en place des réverbérations et des choses de cette nature pendant que l'artiste essaie de créer, cela ralentit le processus. Donc, j'aime faire toutes ces choses avant de les envoyer dans le stand. Beaucoup de fois, j'aime aussi vérifier les niveaux juste pour assurer que nous avons la marge de manœuvre appropriée pour notre session. Donc, comme vous pouvez le voir, j'ai importé cette piste et quand je joue la piste, nous avons remarqué qu'elle était coupée. C' est un peu dans le rouge. Donc, ce que je vais faire est de venir ici et peut-être mettre un de mes plugins préférés dessus juste pour tirer le volume vers le bas. ce moment, j'utilise le REQ6. Peu importe que je travaille dans Pro Tools, tous ces concepts peuvent être appliqués à n'importe quelle DAW que vous utilisez. Maintenant, ce que je vais faire, c'est faire descendre ça jusqu'à ce qu'on un excellent niveau où on ne grimpe pas et on n'entre pas dans le rouge. Cela nous donne aussi beaucoup de marge de manœuvre pour que notre artiste puisse travailler. Trop de fois si vous avez la piste crue, il n'y aura pas de place pour l'artiste pour mettre son chant sur le dessus et vous allez finir par avoir un mauvais mix. Donc, vous voulez vous assurer que vous avez assez d'espace pour l'artiste puisse mettre tout ce qu'il va mettre sur la piste. Donc, après avoir un bon niveau, la prochaine chose que je veux faire est de mettre un auxiliaire pour que je puisse mettre des réverbères. Maintenant, que sont les pistes auxiliaires ? Les pistes auxiliaires sont des pistes auxquelles vous pouvez envoyer un bus. A l'intérieur de tous vos DAW, il y a un système de bus. Vous pouvez l'appeler bus 1, bus 2, ce que vous voulez. Cela vous permettra d'acheminer plusieurs canaux vers un seul bus, ce qui vous permet d'économiser beaucoup de puissance DSP par rapport à la mise de réverbérations sur chaque piste. C' est une erreur courante que je vois dans beaucoup de séances de personnes. Vous n'avez pas besoin de mettre une réverbération sur chaque piste, ce que vous pouvez faire est d'utiliser une réverbération et bus la piste que vous voulez sur cette piste auxiliaire. Donc, ce que je fais, c'est que je crée, disons trois pistes auxiliaires stéréo. J' attribuerai ensuite les entrées de bus pour chaque piste auxiliaire. Le premier étant les bus un et deux, le second étant les bus trois et quatre, et le troisième les bus cinq et six. Je peux alors configurer ma session de sorte que toutes mes pistes vocales vont à ces bus. Enfin, je peux ajouter divers effets à ces canaux auxiliaires. Je vais sélectionner deux réverbérations et un délai. Alors, pourquoi choisirons-nous une réverbération ou un délai ? Parce que certains chanteurs aiment chanter avec la réverbération et retarder pendant qu'ils s'entendent. Il les aide à prononcer des notes, il les aide à entrer dans le figgle de la piste. Certaines personnes l'aiment sec, autres l'aiment avec la réverbération. En tant qu'ingénieur, il est préférable pour vous de l'avoir déjà configuré au cas où ils le souhaiteraient plutôt que pour vous d'essayer de l'ajouter au milieu de la session. Enfin, après avoir configuré ma réverbération, j'aimerais passer par tous les canaux et avant quelqu'un commence à enregistrer, nommez chaque canal. Peu importe si vous dites un, deux, trois, si vous dites le verset un deux, quel que soit votre système, c'est génial que vous nommez ces canaux avant de commencer à enregistrer. De cette façon, votre fichier audio aura le nom de la piste incorporé dans le fichier audio. J' aime aussi nommer la réverbération afin de connaître la différence entre mes canaux de réverbération et mes canaux audio. La prochaine étape de notre chaîne d'enregistrement sera de sélectionner un préampli. préamplis sont presque plus importants que les microphones car la qualité du préampli détermine directement la qualité du signal. Maintenant que nous sélectionnons notre préampli, ce que nous allons faire est de définir notre niveau ici. Nous l'ajusterons en fonction de la puissance ou de la douceur de notre chanteur. Mais nous voulons à peu près commencer à un niveau général où nous savons que le signal est assez fort pour entrer dans la DAW sans distorsion. distorsion est la seule chose que vous voulez vous assurer de ne pas faire. La dernière chose que nous allons mettre dans notre chaîne vocale est un compresseur. La raison pour laquelle nous mettons le compresseur il est juste pour attraper tous les signaux étrangers qui peuvent devenir trop fort. On veut aussi s'assurer qu'il n'est pas trop mou quand on enregistre. Ainsi, le compresseur nous permettra d'avoir un niveau uniforme agréable. Pour cet enregistrement aujourd'hui, j'ai sélectionné le LA-2A, un des chevaux de travail de l'équipement de studio. Toutes ces choses ont été répliquées sous une forme de plugin. Donc, le plugin vous donne une référence au même type de son que le composant réel ferait dans le monde réel. Je pense que c'est une belle chose pour toi à la maison qui n'a pas la capacité de venir dans un studio comme celui-ci. 7. Enregistrer des rappeurs: Nous avons eu la chance d'avoir mon bon ami Don Will du groupe Tanya Morgan ici, et nous allons l'utiliser comme exemple pour vous montrer comment placer le microphone. La meilleure façon de le faire est de penser que vous voulez placer le diaphragme du microphone devant votre source sonore. C' est sa bouche aujourd'hui parce qu'il rappe. Donc, nous allons prendre le microphone, lui demander de s'y mettre et de s'assurer qu'ils sont à un niveau égal. On va régler l'écran. Nous voulons que l'écran soit à environ trois à cinq pouces du diaphragme du micro. Cela prendra soin de tous les bruits de popping que nous obtiendrons pendant que nous sommes dans notre enregistrement. Chaque fois que vous prononcez certains mots qui ont des P en eux, vous commencez à obtenir certains éclats. Nous voulons nous assurer que cela ne pénètre pas dans notre enregistrement, ce qui explique pourquoi nous lui donnons suffisamment d'espace. L' écran peut être fait de n'importe quoi. Vous pouvez en faire un vous-même juste en prenant des collants et un fil d'un cintre et en fabriquant le vôtre. Ce n'est pas nécessairement un professionnel, mais ça marche très bien. Donc, après avoir fait cet ajustement, nous allons aussi regarder notre microphone et nous allons faire un roll off qui va s'occuper de tout le bruit du sol. Ce microphone a cette capacité dessus. Certains microphones ne le font pas, mais c'est une autre raison pour laquelle nous avons choisi celui-ci est parce qu'il a un plancher enroulé dessus. Donc, nous allons nous débarrasser du bruit de sol que nous obtiendrons de la barre en mouvement, du déplacement de la main, de tout autre bruit étranger, nous allons nous assurer de sortir ça de là. Ouais, je pense que c'était une prise juste là. D' accord. Cool. Tu veux doubler et mettre des publicités dessus ? Oui, je veux le doubler. Pouvez-vous baisser un peu le chant et le battre un peu ? Oui. Je t'ai eu. L'une des choses les plus importantes à retenir pendant que vous enregistrez est de rendre le chanteur confortable. Peu importe ce qu'ils demandent, vous devriez essayer de le faire aussi vite que possible. Certaines personnes aiment la musique fort, d'autres aiment la musique douce. Les enregistrements vous feront savoir et vous diront exactement comment ils le veulent ou après quelques prises, vous commencerez à tomber dans un certain champ. Donc, comme il l'a demandé, je vais remonter le rythme et baisser le chant. Comme vous pouvez le voir, Don a pris la décision d'enregistrer des publicités. C' est l'une des principales questions que je reçois beaucoup est, Guru, combien de publicités devrais-je enregistrer, combien de fois devrais-je doubler quelque chose, et ma réponse est toujours cela dépend de l'artiste. J' ai des artistes qui ne font pas de pub. J' ai un artiste que les bibliothèques publicitaires sont extrêmement importantes parce qu'elles ajoutent à la texture d'une chanson. Donc, c'est vraiment à l'artiste le nombre de bibliothèques publicitaires que vous avez. La seule chose que je dirais, c'est de vous regarder et de ne pas encombrer la piste. Beaucoup de fois, vous pouvez trop faire des choses ou s'il y a choses qui ont besoin d'un peu plus d'importance ou d'importance, vous pouvez utiliser des effets. Mais ajouter huit autres de la même chose ne va pas forcément rendre quelque chose de plus fort. C' est là que vous mélangez ce truc. Donc, vous pouvez faire cette détermination à l'intérieur du mélange. Une des choses que j'aime faire est de donner différentes saveurs publicitaires. La personne peut utiliser une voix plus haute, ils peuvent chuchoter la piste parfois, juste n'importe quel type de chose créative qui ne fera pas le son exactement comme l'autre piste. Ça dépend de ce que tu essaies de faire. Parfois, vous renforcez la voix principale, un certain temps vous répondez à la voix principale. Utilisez votre créativité et utilisez votre détermination pour déterminer où le meilleur endroit est pour s'il vous plaît ad lib. Maintenant que nous avons quelques bonnes prises, il est très important pour vous de comprendre mon processus final. La plupart du temps, les gens enregistrent simplement de la musique et ne passent jamais sur la musique et c'est là qu'une des plus grosses erreurs se produit. Donc, quand j'ai fini d'enregistrer, je veux toujours amener l'artiste et leur faire écouter une fois qu'ils ont fait la prise juste au cas où ils veulent changer quelque chose ou juste pour s'assurer que la sensation de ce qu'ils sont ce qu'ils veulent vraiment du dossier. Alors, je rejouerai ça pour Don. S' il y a autre chose qu'il veut changer alors on devrait le faire maintenant. Alors écoutons. C' est plutôt bon. Et cette partie ici ? Pensez-vous qu'on devrait ajouter des bibliothèques publicitaires pour le rattraper ? Je l'aime sans pub juste parce que c'est tellement de mots, tant de mots qui se passent là-bas. J' apprécie, mec. 8. Enregistrer un chanteur: Nous sommes honorés aujourd'hui d'avoir Mlle MeLa Machinko. Elle a un nouvel EP appelé 9am Blues. Nous l'apprécions de s'être arrêtée, et nous allons enregistrer quelques voix juste pour montrer comment gérer les harmonies et enregistrer des chanteurs. Elle aura aussi la gentillesse de nous montrer quelques techniques, pour que vous puissiez voir la meilleure façon d'enregistrer vos voix. Tu es prêt ? Oui. Tu veux une réverbération ou quelque chose comme ça ? Non. Cloison sèche sur enregistrement. Ok, super. Très bien, c'était un excellent niveau, faisons-le encore une fois. Donc ça pourrait être égal. Super. Tu veux empiler ça ou tu veux continuer ? Je veux voir le crochet. D' accord. Super. Alors j'essaie de donner un peu de pré-rouleaux, afin qu'ils puissent tomber là où ils se sont arrêtés. Parfois, si vous claquez droit dans cette section ils n'attrapent pas d'ambiance. Donc, cette partie était bonne. D' accord. Piste suivante. On va doubler ? Ouais, tu me dirais combien de doubles ou d'harmonies tu veux faire et on va continuer ? La communication est donc essentielle. Maintenant, je sais exactement combien d'harmonies et combien de pistes je vais avoir besoin. Maintenant, pendant que nous enregistrons, j'écoute pour vérifier et m' assurer que toutes les notes sont sur la même chose, qu'elle n'a pas frappé de mauvaises notes, et aussi le moment où elles frappent pour s'assurer que tout sonne bien. Ce que vous avez entendu plus tôt, c'est qu'elle demande à faire des triples, et pour elle, elle m'a demandé de les faire passer. Donc, ce que nous allons faire, c'est un pan à gauche, un à droite, et garder un au milieu. qu'elle puisse maintenant ajouter plus d'harmonies à ce que nous faisons, et qu'elle puisse s'entendre et entendre ce que nous venons de faire. Ensuite, vous pouvez vous demander, pourquoi avez-vous besoin de pan de voix ? Eh bien, quand vous pensez au spectre de l'audio, nous pouvons déplacer tout le chemin de dur gauche à dur droite. Ce que cela signifie, c'est que vous obtenez certains indices acoustiques du cycle, et que vous n'ayez pas peur par ces mots. Tout ce qui veut dire, c'est que vous pouvez dire la direction par où vient le son. Si vous êtes dans la rue, vous pouvez savoir si le vient de la gauche ou de la droite. La même chose est avec la musique. Vous avez tout ce spectre d'où vous pouvez placer différents instruments et différentes voix. Donc, c'est la même chose que si vous pouvez vous imaginer enregistrer un chœur. Tous ces gens ne sont pas au même endroit. Ils sont répartis sur tout le spectre. C' est ce que vous imitez lorsque vous faites un panoramique à gauche ou à droite ou n'importe où entre les deux. Vous faites une propagation pour que ça semble être plus d'une personne, est-à-dire que nous prenons ses harmonies, et les étalons, les mettant dans des positions différentes pour que tout le choeur sonne très plein. Alors, essayons la première harmonie. Ça sonnait bien. Essayons une seconde. Comme vous le voyez aussi, pendant qu'elle enregistrait cette prise, j'ai pris le temps de regrouper le premier groupe de voix. La raison pour laquelle vous pouvez vouloir le faire est que nous ajoutons plus d'harmonies elle peut me demander de tirer quelque chose vers le haut ou de le pousser vers le bas, selon l'harmonie ou la note principale dont nous parlons. Si vous regroupez ces trois, c'est beaucoup plus facile et beaucoup plus rapide pour vous d'ajuster cela pendant que le chanteur chante. Encore une fois, à ce stade de notre enregistrement, nous essayons de la rendre aussi confortable que possible et de faciliter l'enregistrement le plus rapidement possible. Alors, essayons la prochaine harmonie. 9. Finaliser l'enregistrement: C' était génial. Tu veux faire la troisième ? Pas de problème. Je vais aller chercher celui juste avant ça. Comment est-ce que tu aimes celle-là ? C'était génial. C' est une autre chose importante, c'est de s'assurer que chaque fois que quelqu'un sait où il arrive, très petite communication comme celle-ci peut vous faire gagner beaucoup de temps. Parfois, des artistes se produisent, et il y a des choses répétitives tout au long de la chanson. C' est toujours bon en tant qu'ingénieur de laisser le chanteur savoir exactement où il se trouve dans la chanson. Encore une fois, ce petit morceau de communication va beaucoup de chemin. Ça avait l'air génial. Maintenant, je vais probablement en parler un peu plus, et c'est un autre point. Vous pouvez regarder mon bus stéréo en ce moment, et voir que parfois ça touche le rouge, mais c'est en fait notre sortie parce que ces voix sont un peu plus bruyantes que ce qu'elles vont être quand on les mélange dans la piste, mais notre principale préoccupation en ce moment, c'est que notre chanteuse puisse entendre exactement ce qu'elle fait sur chaque note. Donc, une fois que nous aurons fini, nous allons faire un mélange, mais le but principal est de s'assurer qu'elle peut entendre chaque note. Donc, ce que je ferais normalement, c'est d'avoir la note principale à un niveau, puis d'avoir les arrière-plans un peu en dessous de ça, et quand elle commence à ajouter des couches, je commencerai à parler et à mélanger ça pendant qu'elle enregistre une nouvelle bande. Une autre chose que vous remarquerez, et nous sommes bénis aujourd'hui parce que nous avons un si grand chanteur est si vous regardez le mouvement du chanteur, vraies personnes qui sont des professionnels qui savent ce qu'ils font savent comment contrôlent leur corps ainsi que leur voix. Il y a beaucoup de fois où les chanteurs vont aller à des notes élevées. Je pense que Patti LaBelle était l'un des meilleurs à ce sujet. Tu la verrais vraiment reculer du microphone parce qu'elle sait qu'elle frappe une note élevée. Ce sont des techniques que vous apprenez au fil du temps. Il est parfois difficile de traiter avec des chanteurs qui ne le savent pas, mais en tant qu'ingénieur, plus vous connaissez les techniques vocales, plus vous pouvez enseigner à votre chanteur. Pas tout le monde aussi chevronné que celui que nous avons ici aujourd'hui, mais vous pouvez apprendre à qui vous avez besoin d' enseigner toutes les techniques vocales que vous pouvez obtenir le meilleur enregistrement. Juste parce que nous avons affaire à chanter ne pense pas qu'il y a aussi des techniques pour rapping. L' un de mes plus grands animaux de compagnie est que la plupart des rappeurs écrivent leurs rimes et ensuite veulent immédiatement dire la rime avant qu'ils mémorisent la rime, mais mémoriser la rime vous permet de faire face au microphone plutôt que de tenir un morceau de papier et en regardant vers la droite. Cela sort naturellement votre bouche de la zone d'être directement dans le microphone. C' est quelque chose que vous voulez corriger. Donc, il est toujours préférable que vous puissiez mémoriser votre tour d'abord. Il vous aide avec votre flux, il vous aide avec tant de choses différentes, mais d'un point de vue technique, il est toujours préférable d'aller directement dans le microphone. Encore une fois, vous pourriez rencontrer une situation où vous avez un grand chanteur qui est juste nerveux ou qui n'est pas si aguerri à l'idée d'être en studio. Il y a une chose merveilleuse qui arrive quand on va voir quelqu'un chanter dans son église et qu'ils sonnent bien, mais ils deviennent un peu nerveux quand ils sont derrière un microphone. Il y a un tas de techniques que vous pouvez utiliser. Ce que vous voulez faire, c'est calmer votre artiste. Vous voulez qu'ils se sentent aussi à l'aise que possible. Tu ne veux pas forcément leur dire tout le temps, c'était une horrible prise. Vous voulez encourager et arriver au point de ce que vous essayez d'atteindre sans décourager le chanteur. Donc, la meilleure chose à faire est de rendre le chanteur confortable. Peut-être que parfois c'est une tasse de thé, peut-être que vous avez besoin de cinq minutes pour aller manger ou peut-être que vous devriez faire une pause et venir, et avoir cette personne parfaite ce qu'ils essaient de faire dans la partie studio avant qu'ils ne le fassent sur le microphone. Tout ce que vous pouvez faire qui peut calmer l'artiste pour donner la meilleure performance est ce que vous voulez faire lorsque vous obtenez les meilleures prises vocales. La plupart des chanteurs, quand ils chantent, vont faire une note principale et une série d'harmonies. Qu' est-ce que ça veut dire vraiment ? Eh bien, il y a une note principale qu'ils choisissent qui sera le cœur du chœur ou des vers ou quoi qu'il soit qu'ils chantent, mais ils veulent aussi choisir d'autres notes qui accompagnent cette note principale qu'ils vont ensuite ajouter sur pour que nous puissions épaissir le chœur. Encore une fois, c'est quelque chose qui donnera l'impression qu'il y a beaucoup de voix qui chantent et si je solo cette note principale, on l'entendra. Si je joue cette même section avec le prochain groupe d'harmonies, on peut entendre qu'elle est allé un peu plus bas, et si je joue avec le prochain groupe d'harmonies, on peut évidemment entendre qu'elle est allée plus haut. Toute cette combinaison rend le chœur plein. La dernière chose que j'aime faire est de passer et de nettoyer la session. Encore une fois, ce n'est pas une chose obligatoire. C' est juste une recommandation que je vous donne que plus votre séance de nettoyage ou plus il est facile regarder visuellement ce qui se passe permet à votre auto ou à tout autre ingénieur qui va utiliser la session de savoir où sont les choses. Donc, je vais passer à travers et juste sortir beaucoup de l'audio étranger. S' il y a un long écart de silence, j'aimerais l'enlever. De cette façon, vous n'avez pas besoin de porter les choses, vous n'avez pas besoin de faire autre chose que de laisser l'audio lire où qu'il soit. Nettoyer la session est l'une des choses les plus négligées. J' espère que vous avez apprécié ce cours de Skillshare. Nous avons essayé de vous donner quelques-unes des bases, et un peu des avancées dans la façon de faire un excellent enregistrement. Mais encore une fois, dans l'ensemble, gardez une chose à l'esprit : vos oreilles et ce que vous entendez sont la meilleure détermination de votre enregistrement. Assurez-vous que les choses ne sont pas trop bruyantes, assurez-vous qu'elles ne sont pas déformées dans votre DAW, et assurez-vous que vous obtenez le signal le plus propre possible. Encore une fois, des ordures, des ordures. Voici Young Guru. J' espère que vous apprécierez ce Skillshare. Restez à l'écoute pour la prochaine.