Transición a la ilustración: abrirse paso en la industria | Ohn Mar Win | Skillshare
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Transición a la ilustración: abrirse paso en la industria

teacher avatar Ohn Mar Win, Illustrator Artist Educator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:33

    • 2.

      Materiales de clase y proyecto

      4:15

    • 3.

      ¿Qué es un ilustrador?

      3:13

    • 4.

      Mi historia y línea de tiempo

      6:46

    • 5.

      Objetivos: mi historia

      5:01

    • 6.

      Objetivos: cómo encontrar los tuyos

      7:04

    • 7.

      Inspiración y reflexiones

      5:09

    • 8.

      Ingresos: cuánto necesitas para realizar la transición

      6:06

    • 9.

      Ingresos pasivos: mi historia

      6:35

    • 10.

      Ingresos pasivos: reflexiones

      5:32

    • 11.

      Actitud: que te guíe la diversión y no el miedo

      5:19

    • 12.

      Mejorar las habilidades: mi historia

      6:38

    • 13.

      Mejorar las habilidades: cosas que hubiera querido saber

      7:21

    • 14.

      Encontrar una comunidad

      6:13

    • 15.

      Mentores y cómo pedir consejos

      6:07

    • 16.

      Pros y contras de tener un solo estilo o nicho

      6:48

    • 17.

      Tener una mente empresarial: primeros pasos

      5:27

    • 18.

      Marketing y redes sociales

      7:35

    • 19.

      Flujo de ingresos y desglose de ganancias

      5:37

    • 20.

      Editoriales y publicaciones

      7:34

    • 21.

      Marcas y embalajes

      5:40

    • 22.

      Licencias de arte y diseño para superficies

      5:11

    • 23.

      Enseñanza

      5:03

    • 24.

      Clientes: cómo encontrarlos y contactarlos

      5:57

    • 25.

      Clientes: tarifas y negociación

      7:50

    • 26.

      Autocuidado

      5:26

    • 27.

      Reflexiones finales

      4:26

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

5091

Estudiantes

131

Proyectos

Acerca de esta clase

¿Tener una empresa de ilustración exitosa con la que puedas cubrir completamente tus necesidades parece un sueño hecho realidad? Si estás luchando para que esto sea una realidad o quieres saber por dónde comenzar, te doy la bienvenida a esta clase.

Hace ocho años, trabajaba de madre de dos niños pequeños a tiempo completo pero, con el tiempo, me convertí en una ilustradora muy requerida que comparte sus dones y talentos con el mundo. ¡Y esta es la primera vez que revelo mi historia completa con la ilustración!  Aunque no existe una ruta única para lograr tener una carrera de ilustración exitosa, puedo compartir mis reflexiones y experiencias personales para que tengas una idea realista de qué esperar. 

Para alcanzar tus propios objetivos con la ilustración, puedes ir paso a paso. La primera mitad de la clase está dedicada a establecer las bases, luego tomar impulso para potenciar tus habilidades y ampliar tu perspectiva. Tendrás la tarea de imaginar cómo sería la carrera de ilustración ideal para ti.

Hay un archivo PDF súper útil llamado 12 Part Transition Into Illustration Worksheets (hoja de trabajo para la transición a la ilustración en 12 partes) que puedes descargar para ayudarte a definir tus dones y talentos y cómo puedes comunicar tus pasiones únicas en tu trabajo de ilustración. Y puedes descargar mi línea de tiempo para ver los grandes hitos de mi recorrido de transición. 

Las últimas lecciones incluyen consejos que seleccioné de mi propia experiencia:

- Marketing y redes sociales

- Definir los diferentes flujos de ingresos

- Negociar tarifas

- Pros y contras de trabajar con un estilo.

Hay lecciones sobre cómo posicionar tu ilustración para los mercados en los que te gustaría trabajar y sobre cómo conectar con clientes. Y sobre mi experiencia personal con prácticas de autocuidado como ilustradora.

Si estás comenzando como freelancer, si quieres generar un ingreso y dejar tu trabajo diurno o si eres un ilustrador establecido que busca consejos y trucos adicionales, ¡esta clase es para ti!

OTRAS DE MIS CLASES QUE MENCIONO EN LOS VIDEOS

Establecer objetivos creativos: los primeros pasos para el éxito

Aprovechar Pinterest para tu negocio creativo: estrategias para atraer clientes

Llevar tus patrones a Photoshop: un kit de herramientas para digitalizar tu trabajo

Ilustración de comida: diseña tu receta con frutas favorita

ARTISTAS MENCIONADOS EN ESTA CLASE

Top Teacher Stephanie Fizer Coleman y su SITIO WEB

Top Teacher Nic Sqirrel y su SITIOWEB

Heather Dutton sobre Spoonflower y su SITIO WEB

La artista Zoe Ingram 

ENLACES ÚTILES

Association of Illustrators

Graphic Artists Guild Handbook: Pricing & Ethical Guidelines

Esto es marketing - Seth Godin 

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Ohn Mar Win

Illustrator Artist Educator

Top Teacher

Hello I'm Ohn Mar a UK based artist, illustrator author with a long and varied 20 year career. 

I am a great advocate of sketchbooks having filled over 30+, which each serving as a record of my creative journey as a self-taught watercolourist for the last 7 years. They have helped capture my explorations in texture, line and tone as I extend my knowledge with this medium.  I also share process videos and sketchbook tours on my YouTube channel - please subscribe! 

 

 

Filling my sketchbooks remains a constant in my life,  and furthermore inspiring many folks to pick up a paintbrush. Oftentimes these sketch explorations provide the basis for classes here on Skil... Ver perfil completo

Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: Ruby, tienes que salir de mi show. Oh, mi palabra. ¿ Tener un negocio de ilustración exitoso que apoye tus necesidades realmente suena como un sueño hecho realidad? Si estás luchando para que esto sea una realidad o curioso por dónde empezar, entonces bienvenido a esta clase. Soy Ohn Mar y soy artista, ilustrador, y maestro superior aquí en Skillshare. Hace ocho años, era una mamá que se quedaba en casa con dos niños pequeños, sin embargo, horas extras, he construido mi negocio de la ilustración compartiendo mis regalos y talentos con el mundo. Esta es la primera vez que revelo toda mi historia de ilustración en cualquier lugar. Empezando, no era la más talentosa ni organizada y no tenía ninguna red social, pero sí tenía potencial, por lo que tomé una acción persistente lo que ha resultado en convertirme en un ilustrador de la demanda para regalos, tarjetas, envasado de alimentos, e incluso un proyecto con UNICEF. Alcanzar tus propios objetivos de ilustración se puede tomar paso a paso. El primer semestre de esta clase se dedica a sentar las bases, luego a generar impulso para impulsar tus habilidades y ampliar tu perspectiva. Se te encargará de imaginar cómo es una carrera de ilustración ideal para ti, después poner sistemas en su lugar usando Pinterest, hojas de trabajo y gráficos que proporcionaré para que puedas aprovechar tus pasiones únicas. Si bien no hay una sola ruta hacia una carrera de ilustración exitosa, puedo compartir mis percepciones y experiencias personales para darte una comprensión realista de qué esperar. En las lecciones posteriores se incluyen consejos que recogí de mi propia experiencia, honorarios de negociación y los pros y contras de trabajar con un solo estilo. Hay lecciones sobre posicionar tu ilustración para los mercados en los que te encantaría trabajar, y te mostraré un desglose de mis diferentes flujos de ingresos. Ya sea que estés empezando como freelancer, queriendo construir tus ingresos y dejar tu trabajo diario, o eres un ilustrador establecido que busca consejos y trucos adicionales, esta es la clase para ti. Al final de esta clase, tendrás una clara comprensión de tus próximos pasos hacia una carrera significativa. Prepárate para pensar a lo grande y ponte unos sombreros diferentes en el camino ya que transformarte en un emprendedor de ilustración requiere que asumamos muchos roles. Así que agárrate tus sombreros. 2. Materiales de clase y proyecto: Trabajar como ilustrador freelance puede ser una carrera financieramente y creativamente gratificante, pero triunfar lleva tiempo. Tienes que estar preparado para trabajar duro de manera consistente a lo largo de varios años. Como te explicaré en videos posteriores, todo comienza con una visión de cómo tú personalmente quieres dar forma a tu vida y carrera. Estoy compartiendo mis aspectos destacados personales y una visión general de lo que puedes esperar al establecer tu carrera ilustrativa. Tu proyecto para esta clase es crear un tablero de Pinterest de tu vida y carrera ideales. Usa la pestaña Proyectos y Recursos para subir tu proyecto. Me encantaría ver una captura de pantalla y un enlace a tu tablero de imágenes de Pinterest que respalden tu estilo de vida ideal. También me encantaría ver un gráfico o diagrama que esboce algunos de los pasos que necesitarás seguir para completar una tarea, tal vez configurando tu sitio web o abriendo una tienda de Etsy. la derecha justo aquí están los recursos del proyecto donde encontrarás todos los PDF descargables que necesitarás para esta clase. Todos estos documentos estarán en la sección de recursos, junto con los enlaces a otras clases de Skillshare que menciono a lo largo de los videos. Los detalles completos de ambos proyectos están en los PDF, por lo que te instaría a que los descargues y llenes las secciones donde consideres tu vida ideal junto con tus talentos únicos, valores, y el tipo de ilustración que te encantaría crear antes de tratar de reunir tus imágenes en Pinterest. Para tu tablero de Pinterest incluyen experiencias específicas que te gustaría tener, donde quieres viajar, cualquier cosa relacionada con la salud y las relaciones, y por supuesto, imágenes relacionadas con la carrera de ilustración de tus sueños. No tengas miedo de pensar a lo grande aquí. Si echamos un vistazo rápido a mi tabla, empezando por la parte inferior, tenemos algunas de mis ilustraciones de comida. Es realmente interesante para mí ver estos sostenidos contra algunos de mis ilustradores favoritos como Mary Blair y Rene Gruau ya que me encanta trabajar en una línea negra bocosa primero y además la textura siempre es un gran elemento en mis ilustraciones. Otro punto clave son el tipo de colores que me parecen atraídos y me uso, y es muy similar al material retro que se encuentra en esta sección particular del tablero. Pasando a la zona de viajes, que es una parte realmente grande del tipo de estilo de vida que busco, hay muchas imágenes relacionadas con el agua, el buceo, y la exploración. Sí, creo que el tema de la exploración es realmente fuerte aquí y también manera bastante espiritual como simbolizan las campanas y las velas. Algo más que también me he dado cuenta son las imágenes repetidas de los barcos, que obviamente están asociados con el agua y también un tipo de viaje. Parece que me atraen las imágenes donde el agua está tranquila, casi meditativa, que de nuevo se vincula con un lado bastante espiritual de mí. También hay varias imágenes de lectura que me encanta hacer y de diario y escribir, lo cual hago cada vez más, y de nuevo, me parece muy calmante. También parte de la razón por la que me encanta cocinar son en realidad las conexiones que tengo cuando comparto comidas con mis hijos, pero también el resto de mi familia y amigos. Estas imágenes en la parte superior se relacionan con el tipo de espacios en los que me encantaría vivir; aireados pero llenos de un objeto ecléctico de mis viajes, y un día, un enorme muro de biblioteca, igual que éste se puede ver en esta imagen. A ver si puedes encontrar fotos realmente hermosas que resuenan contigo y apoyen esa extraordinaria calidad de vida que te mereces. Puede que te encuentres dejándote llevar en un frenesí de anclaje, pero en general, 35-45 imágenes deberían darte una sensación de dónde yacen tus intereses y pasiones. De verdad me interesa ver tu estilo de vida coreano ideal. Por favor sube tus tableros. De esa forma, te puedo dar consejos e ideas, y retroalimentación sobre cómo pueden informarte tus imágenes y el tipo de carrera de ilustración que te gustaría seguir adelante. 3. ¿Qué es un ilustrador?: Al momento de esta filmación, llevo poco más de cinco años ganando un ingreso por ilustración a tiempo completo. En primer lugar, necesitamos hacer una diferenciación ya el término general artista puede referirse a una amplia gama de carreras, incluyendo ilustradores. A pesar de que los ilustradores son considerados artistas, existe una diferencia significativa entre ambos. Tradicionalmente, los finos artistas hacen sus propias imágenes personales y tienen la última palabra sobre ella. tanto que un ilustrador creará imágenes con fines comerciales, como libros infantiles, catálogos, regalos, empaques, incluso aplicaciones telefónicas, y periódicos entre muchas otras cosas. Algunos ilustradores se especializan en un tipo particular de ilustración, como científica médica o técnica, por lo que tal vez la vida silvestre marina o diagramas mecánicos. La mayoría de los ilustradores suelen trabajar dentro varios mercados diferentes a lo largo de su carrera. Se paga a un ilustrador para retratar pictorialmente el mensaje del cliente o dar vida a su idea para que el arte se cree con el propósito de comunicarse con un público. El ilustrador debe problema-resolver porque el cliente tiene una pregunta, que es, ¿cómo consigo que los consumidores quieran mi producto o apoyen mi texto? Los ilustradores a menudo trabajarán de cerca con un editor o un director de arte y a veces con un manejador de cuentas que les dará el breve, que es una descripción de lo que les gustaría que ilustraras, pintes o dibujaras. Dentro de este breve aquí, a menudo incluirá especificaciones técnicas como CMYK a 300 DPI, junto con imágenes de referencia, inspiración, y a veces palabras. Un ilustrador tiene que convertir estas ideas o conceptos expuestos en este breve en la visión final para su cliente. La mayoría de los ilustradores trabajan freelance. Para cada nuevo cliente o un nuevo empleo, discutirán los detalles de pago y plazos. Tendrán que presentar roughs quizá en varias etapas y buscar la aprobación del editor sobre el proyecto. Posteriormente revisarán y harán las revisiones en caso necesario antes de que se apruebe la obra de arte en la etapa final. Lo que he descrito no es lo que pasa todos los días, a menos que estés constantemente trabajando en un sinfín de breves. A pesar de que me encantaría sentarme en mi oficina con un sinfín de tazas de té y un gato caliente a mis pies, la realidad a menudo es contestar correos electrónicos, configurar imágenes y textos para redes sociales, junto con otras cosas de admin como perseguir facturas, configurar llamadas de Zoom, y tal vez comprar una gran cantidad de suministros de arte en mi caso. Todo ilustrador trabaja en diferentes nichos o nichos si eres estadounidense y va tras diferentes tipos de clientes. Creo que te beneficiarás no sólo de escuchar de mi experiencia, sino también un poco de otros que han construido carreras de ilustración exitosas, pero de diferentes maneras. 4. Mi historia y línea de tiempo: Algunos de ustedes pueden haber tomado muchas de mis clases aquí en Skillshare o me han seguido en Instagram por un tiempo. Pero creo que muy pocos de ustedes pueden conocer la historia completa desde mi humilde vida como estancia en casa mamá hasta la exitosa ilustradora que ven hoy. Ya que tantos han preguntado, sentí que esta clase sería una gran oportunidad para engañarte con mucho más de los detalles detrás de escena. Sería realmente bonito si tuviéramos tiempo infinito para perseguir nuestros sueños, pero la mayoría de nosotros estamos trabajando dentro de limitaciones muy reales. Para mí, era tener hijos que alimentar y facturas que pagar. Es inteligente ser pragmático sobre el tiempo que tenemos y lo que se necesitará para hacer ese cambio hacia una nueva carrera. En primer lugar, sólo diría unas palabras sobre por qué uso el término transición en el título de la clase. Podría haber llamado con bastante facilidad a esta clase, cómo convertirme en un gran ilustrador. Pero no tomaría en consideración los factores del mundo real. Tendrás que pesar y navegar. Las transiciones aluden a la progresión o un cambio sobre un paso del tiempo más que a un cambio repentino. Convertirse en ilustrador lo más probable es que tome una parte masiva de su tiempo y energía a medida que viaja desde donde se encuentra ahora hasta una parte masiva de su tiempo y energía a medida que viaja desde donde se un punto en que se está sosteniendo cómodamente con los ingresos de su trabajo de ilustración. Dondequiera que estés en tu propia vida, ya sea que acabes de descubrir tu creatividad o meditando en tus opciones después de que tus hijos se hayan ido de casa. Sean cuales sean sus circunstancias y sus experiencias, todas son válidas. Sólo podemos empezar donde estamos ahora, y eso está absolutamente bien reconocerlo, ya que das pasos y te vas hacia convertirte ilustrador de tiempo completo o emprendedor creativo. Pensé que sería realmente valioso para ti ver mi viaje trazado así. Esto es sólo un breve resumen de mi particular viaje para demostrar los principales eventos desde el nacimiento de mis hijos, porque para mí siempre son parte de las consideraciones cuando tomo grandes decisiones. En retrospectiva, puedo dibujar esta línea central corriendo por el medio. El cronograma se ve increíblemente limpio y ordenado con estos grandes eventos durante cinco años de 2013 a 2018 dispuestos. Pero la experiencia real fue cualquier cosa menos la navegación lineal o suave. Después de graduarme en la universidad en 1996, fui artista interno en varias grandes compañías de tarjetas, que realmente disfruté. También estaba haciendo buenos ingresos con la ilustración editorial para revistas de estilo de vida, salud, y belleza. Yo sí caí en este nicho por accidente porque podía dibujar a la gente y necesitaba el dinero. Pero sí empecé a resentir tener que retratar las formas idealizadas. Lo dejé un año después de que nació mi hijo. Después tuve otro bebé en 2010. Ese fue el año en que se lanzó Pinterest. Recuerda eso, porque voy a hablar de ello más tarde. En 2012, empecé a subir arte antiguo e iconos freelance a la biblioteca de imágenes de Shutterstock, y estos se convirtieron en las semillas de mi ingreso pasivo. Nuevamente, hablaré de esto con mucho más detalle pronto. 2013 coincidió con que mi hija era elegible para sesiones de guardería gratuitas, y fue entonces cuando tomé la decisión de dar un paso atrás a la ilustración. Ese otoño, tomé mi primer curso intensivo en línea de cinco semanas llamado, Make Art That Vende, que realmente puso el balón rodando para mí. En 2014, comencé a tomar clases de Skillshare para mejorar mis habilidades y técnicas. A esto le siguió mi primer sitio web pequeño pero funcional. Entonces comenzó mi romance con el dibujo cocinero y recetas ilustradas. Fue una parte increíblemente fundamental de mi carrera, y a finales de ese año, hice pública mi diminuta cuenta de Instagram. Pasando a 2015, compré mi primer cuaderno de bocetos de esquema pequeño para la práctica de acuarela, por lo que soy conocido. Marzo de ese año, firmé con un agente de licenciamiento de arte. En mayo de ese año, esto se exhibió en la feria Surtax en Nueva York. Siguiendo de eso, sin embargo, fue el quebrantamiento de mis procedimientos matrimoniales y de divorcio. Fue un momento realmente difícil para mí personal y profesionalmente, pero también fue el inicio de cosas realmente grandes ya que pude escribir mis primeras facturas bajo mi propio nombre para varios clientes editoriales y empaquetadores hacia finales de 2015. Quiero hacer una pausa aquí y señalar, tardó poco más de dos años en tomar ese curso inicial en línea hasta obtener pagos por mis servicios de ilustración. Ese lapso de tiempo no parece mucho en este gráfico, pero les puedo decir que habían pasado muchas cosas. Después de tres años, hubo un aumento en los grandes proyectos de ilustración, en 2016 vendió más trabajos de branding de alimentos como Marlene's Market y Deli, la compañía de alimentos de Toronto. También había libros llamados el Hedonista Saludable y más de 100 ilustraciones para el azúcar me destox otro libro de cocina. En 2016, fue mi primera clase de Skillshare como profesor. Se llamaba, Crea Tus Propias Recetas Afrutadas Ilustradas. En 2017, tenemos muchos más proyectos de empaquetado de alimentos. Mi mandíbula golpeó el piso cuando llegó un proyecto para trabajar con UNICEF en Myanmar, eso fue realmente un punto culminante masivo para mí. Para 2018, había expuesto en mi primer show de licenciamiento de arte en solitario, Nueva York. Había hecho 19 videos de Skillshare. No he incluido todo como los libros que leo, las clases que tomé. De lo contrario, esta línea de tiempo sería tres veces más larga. Esto es sólo lo más destacado. En el siguiente conjunto de clases, voy a hablar más sobre la raíz y las decisiones que tomé más a fondo. Abróchate porque hay mucho que cubrir. Espero al compartir algunos de los detalles de mi viaje personal, pueda ayudarte a entender y determinar algunas de las decisiones que se sientan adecuadas para ti. 5. Objetivos: mi historia: A lo largo de los años, he recibido muchos correos electrónicos y DMs preguntando lo que considero es la parte más importante de una carrera en ilustración. La gente se ha preguntado si es tener un estilo de firma o una gran red social siguiendo o llegando a los clientes adecuados. No creo que exista realmente un elemento por sí mismo que asegure una carrera exitosa en este campo. Más bien, es toda una miríada de factores que hay que considerar. Una analogía podría estar cubriendo millas de distancia mientras llevaba muchos sombreros. Como ilustrador y dueño de negocio, tendrás que desempeñar muchos papeles diferentes. Entonces un sombrero para el marketing, otro para encontrar clientes, uno para desarrollar diferentes flujos de ingresos, y otro para el autocuidado, y muchos más. Al iniciar este viaje ilustrativo, creo firmemente que es importante tener una visión de cómo quieres que vea tu carrera ilustrativa personal para poder darle forma. A lo mejor te encantaría trabajar con el libro infantil ilustrador The New York Times, además de tener una carrera que te sustente financieramente. Para cada uno de nosotros, los resultados exitosos serán salvajemente diferentes, por lo que depende de ti definir cómo es el éxito para ti. Con esta visión inicial, podrá establecer el marco para su viaje de transición. A pesar de que estaré compartiendo mi propio camino, por favor no pienses que el tuyo tenga que seguir o lucir exactamente igual ya que no hay una sola raíz que tengas que tomar para ser ilustrador. He recibido cientos de consultas preguntando : “¿Cómo empiezo en la ilustración?” Cuando respondo, “Tener algunas metas para trabajar, tener una visión de tu vida ideal, hacer mucho trabajo, hacer que algunas porquerías funcionen también”, ocho por ciento del tiempo que me encuentro con grillos. Rara vez escucho de estas personas. No estoy seguro de por qué este es el caso porque tal vez no fue del todo la respuesta que esperaban. Preguntarse qué es lo que quiere puede sonar bastante simple, pero para muchos de nosotros, puede ser una pregunta bastante complicada de responder. Tus propios objetivos de ilustración te proporcionarán una fuerte motivación para embarcarte en ese maratón que mencioné, uno que tiene que mantenerte en marcha durante meses y años. En 2012, incluso antes de coger un pincel o un bolígrafo, vi cómo me parecía el éxito; un próspero negocio de la ilustración, ingresos pasivos para cubrir mis facturas, vacaciones con mis hijos de todo el mundo, y buena salud. Llegué a estos dándome tiempo para un ejercicio de visión de vida donde me relajé y me enfoqué en unas pocas áreas clave que parecería mi vida ideal. Dejé vagar mi mente y vi todo tipo de cosas como mi espacio de arte, con los que iba a trabajar, y a dónde iría de vacaciones, y sentiría estos divertidos revoloteadores en mi pecho cuando pensaba en que pasaban todas estas cosas en mi futuro. Fue realmente, realmente poderoso para mí porque en 2012, era mucho una mamá que se quedaba en casa con un niño pequeño y una niña de siete años muy bulliciosa, viviendo de muy pocos ingresos familiares. Estaba muy alejado del estilo de vida que tengo ahora. Se podría pensar, “Alma, esto es una charla de locos. Suena como si estuvieras soñando despierto. ¿ Cuándo vas realmente a llegar a la parte de la ilustración?” Bueno, la clave fue que tomé acción. Escribí todos estos sueños de un estilo de vida impresionante con esta carrera de ilustración esencialmente financiando y apoyando los viajes que anhelaba. Vi esta transición como parte de un enorme cambio de estilo de vida para mí y para mi familia, jalándonos hacia un futuro radiante. Aquí está mi libro de goles, donde recorté imágenes relacionadas con el tipo de carrera que quería y los lugares que estaría visitando. Es increíblemente baja tecnología, pero estoy convencido de que me ayudó a enfocarme en esos primeros años. Por favor no creas que tienes que tener todo resuelto de una vez al principio porque ciertamente no lo hice. Vuelvo a visitar y evaluar mis metas hacia el final de cada año. En estos días, no tengo un libro de metas físicas. Creo presentaciones de diapositivas, donde puedo ver estas imágenes en mi teléfono todas las mañanas para recordarme cuáles son mis metas actuales. Cuando las cosas parecían muy inciertas muchas veces durante mi divorcio, mis metas no sólo sostenían, sino que en realidad fortalecieron mi enfoque y prioridades. Por lo que sí les exhorto a mirar su propia visión personal dondequiera que estén en este momento. En la siguiente sección de videos, hablaré más de llegar a tus metas y visión personales y muy singulares. 6. Objetivos: cómo encontrar los tuyos: Veo metas como declaraciones de nuestros auténticos deseos y deseos. Tienes que decir, es como me parece el éxito. Podría no ser sociedades medida del éxito o la idea de éxito de tu madre, así que defines cómo se ve. Esta carrera de ilustración que estás cultivando estará en tus términos de acuerdo a tus valores. No lo compares con la carrera de otra persona ya que tiene que sentirte bien para poder sostener esa transición. Todos tenemos el potencial de ser artistas e ilustradores increíbles, exitosos. Pero sin enfoque, estas habilidades serán infrautilizadas. Al establecer metas para ti, habrá menos tiros de energía desperdiciada sin rumbo. En cambio, tendrás una mejor oportunidad de golpear a tu objetivo y alcanzar esos resultados exitosos y tus prioridades personales. La clave para establecer metas es ser realista, pero flexible. No vas a hacer todo en un día, un mes, o incluso un año. Planear no tiene que ser abrumador. Empieza poco y trabaja hasta las cosas grandes. Realmente puede ser tan fácil como eso, organízate primero y las cosas caerán en su lugar más fácilmente. Tengo una clase de Skillshare llamada Set Creative Goals, que definitivamente vale la pena ver o volver a visitarla, definió información más profunda sobre el ejercicio de visión que realmente empezó a rodar el balón para mí. Aquí está mi consejo superior en resumen. En primer lugar, anote todo. Es realmente importante que anotes o definas a qué resultados de éxito estás apuntando. Poner tus pensamientos por escrito, te obliga a aclarar exactamente lo que quieres lograr. Guiará sus acciones diarias hacia ese logro de metas. Vale la pena considerar estas cosas cuando estás tomando una lluvia de ideas. He proporcionado una lista completa en la sección PDF de los recursos de clase. Empieza con, qué desearías si estuvieras absolutamente seguro de que podrías lograrlo. Entonces, ¿cuáles son tus talentos? ¿ Qué cosas puedes hacer mejor que nadie? ¿ Por qué tipo de trabajo quieres crear o hacerte conocido como ilustrador? ¿ Qué aspecto tiene tu estudio o lugar de trabajo? qué clientes o fabricantes estás trabajando? ¿ Cuántos ingresos traes cada mes o cada año? En un nivel más amplio, ¿cómo es tu estilo de vida ideal? Escríbelo todo como un volcado cerebral masivo. No dejes nada fuera. Considera cuáles son tus valores, qué temas te importan y cómo te sentirás por ti mismo cuando hayas alcanzado un hito importante, como tu primera ilustración editorial ya que se ha ido a imprimir? Entonces sí creo que vale la pena crear tablero de Pinterest. Esto es parte del proyecto de clase que me gustaría que completaran. Somos personas altamente visuales y ver representaciones reales de cómo es el éxito, realmente nos ayudará a enfocarnos. Piensa en esto como un recordatorio visual de tu carrera ilustrativa ideal, así que incluye imágenes, palabras que desencadenen esa emoción. Entonces con toda esta información, puedes llevarla a la etapa de planeación. Piensa en lo que te gustaría lograr en el próximo mes, seis meses, próximos uno a dos años, e incluso cinco años. Puede sonar realmente extraño, pero es una buena táctica planear hacia atrás en lugar de hacia adelante. Piensa en la línea de lo que habría necesitado aprender en el camino? ¿ Qué acciones importantes habrías tenido que tomar? Piensa en tu primer paso y los pasos después de eso. Eso llenará la brecha entre dónde estás ahora y dónde quieres estar en el futuro. Puede parecer imposible, pero esto es exactamente lo que hice y sigo haciendo cuando quiero lograr algo. No te sorprenda si tus planes cambian con el tiempo. Esto es absolutamente normal y en realidad puede ser algo bueno. Como te darás cuenta de que ciertos aspectos pueden ya no ser compatibles a medida que cambia tu estilo de vida, entonces necesitas mirar pasos pequeños y manejables. Empieza por hacer cambios incrementales positivos. Con el tiempo, esos cambios producirán enormes resultados. Para mí, es mucho más fácil lograr mis metas si las descompongo en pasos manejables muy pequeños, lo que también disminuye la abrumadora. Esto es probablemente lo que la configuración de mi sitio web se ve para mí. Habría investigado sitios web gratuitos, retocado los posibles nombres de dominio si estuvieran disponibles, y luego investigaría cualquier plataforma de alojamiento web. Entonces cuando haya hecho eso, tendría que mirar un formato que me resultara fácil de manejar. Entonces tendría que crear el arte que se subirá a la página web. Considera mi logotipo, luego sube el arte y mira los enlaces a los sitios de redes sociales. También es realmente importante tener un plazo realista para lograr tus objetivos ya que aumentará tu enfoque y te dará algo específico para trabajar. También encontré que me ayudó a manejar mi tiempo de manera más efectiva e incrementar mi productividad y me estiró y poco más allá de lo que pensaba que era posible. Al trabajar hacia tus metas, es fundamental medir y celebrar tus éxitos en el camino. A menudo tendemos a ser increíblemente duros con nosotros mismos y tenemos dificultades para ver algún crecimiento o avance. Es importante revisar tu progreso semanal o mensual. En realidad escribo tres cosas buenas que me sucedieron al final de cada día como reconocimiento de mi progreso o simplemente mucha gratitud. Recuerda que el éxito es un maratón. Cuando miras a otros diseñadores o artistas que tienen éxito, recuerda que han trabajado durante años y años para llegar a donde están ahora. Han puesto una increíble cantidad de tiempo y esfuerzo detrás de bambalinas y solo estás viendo los resultados en las redes sociales. Por favor, no te sientas desanimado si no estás del todo donde quieres estar. Con el tiempo tú también lograrás resultados sorprendentes. Del 20 por ciento que sí escucho al preguntar por una carrera en ilustración. La mayoría dice: “Y si mis sueños no se hacen realidad. ¿ Cómo voy a sobrellevar? Voy a estar tan molesto”. Pero entonces digo: “Imagina lo feliz que estarías si tu cliente ideal te pidiera una colaboración o si vieras tu trabajo en la portada de un libro”. Confía en ti mismo y en tu propia visión personal de una emocionante carrera de ilustración. Seguro que contribuirá a tu felicidad y bienestar a largo plazo como creativo. Te ayudará a superar los días difíciles y los parches ásperos. 7. Inspiración y reflexiones: Vivo en un pequeño pueblo de mercado en East Hertfordshire en el Reino Unido, que tiene pocas oportunidades de inspiración cultural o de diseño. A pesar de que Londres está a sólo un corto trayecto en tren, en 2012, no había trabajado en Londres por siete años. Pasaba la mayor parte de mis días con mi pequeño hijo yendo a grupos de niños pequeños, comprando comestibles, cocinando y tomando siestas ocasionales. Había cancelado mi carrera de ilustración editorial con el fin de pasar tiempo siendo madre dentro de una escena doméstica. Como viste en mi línea de tiempo, mi hija nació en 2010, y esto coincidió con el lanzamiento de Pinterest. Sé que Instagram lanzó el mismo año, pero es significativo que me agarrara primero a la plataforma de Pinterest. Mi hija era un bebé realmente codicioso y se tomaba su propio tiempo dulce para alimentarse así que a menudo la sostenía en su lugar y aún así poder mover un ratón por ahí. Significaba que podía anclar imágenes en Pinterest porque no tenía un smartphone en esos días. Si puedes intentar imaginar que yo estaba haciendo todo esto en casi un vacío en Hertfordshire semirural. Pinterest para mí fue como una ventana, una mirada furtiva de lo que el arte se había creado en mi ausencia de la escena creativa. Había perdido contacto con lo que había estado sucediendo en la industria a lo largo de los años. Yo sólo me emocioné cada vez más y el pinning en realidad se convirtió en parte de mi rutina diaria. Debido a la forma en que funciona el feed de Pinterest, a medida que se desplaza, se puede ver una carga de imágenes dispuestas a través de la pantalla. Después de un tiempo, me di cuenta de que surgieron ciertos patrones. Me atraían ciertos tipos de imágenes, ciertos colores, y mucho trabajo de línea era muy similar a lo que yo mismo estaba produciendo. Incluso el tema que clavé reflejaba mis intereses y gustos personales. Los ordené en sus propios tableros como imágenes de comida, patrones de repetición, letras de mano, viajes, inspiración, y simplemente seguí agregando a ellos. medida que avanzaban los meses y años, mi insaciable apetito por imágenes maravillosas acaba de convertirse en lo que sólo puedo describir como una ventaja que tal vez podría empezar a crear arte de nuevo. Sigo quedándose con Pinterest, se estaba haciendo evidente, después de un tiempo, que ciertos artistas venían en mi feed y otra vez así que echaba un vistazo a sus sitios web y blogs. No era todo un acosador en línea, pero casi devoré todo lo que estarían publicando. Muchos de ellos comenzaron a hablar de un curso llamado Make Art That Sells dirigido por Lillian Rogers a principios de 2013. Uno de esos artistas fue Zoe Ingram, su trabajo fue tan colorido y audaz, y la forma en que describió su experiencia en su blog, ya que también tuvo hijos pequeños, hizo que pareciera realmente alcanzable para mí. Este fue un curso en línea de cinco semanas que abarcó cinco mercados, desde telas hasta productos de papel dentro del campo de las licencias de arte. Cuanto más leyera, más estaba seguro de que este curso era lo que necesitaba, iba a ser mi boleto de regreso a una carrera creativa. A pesar de que eventualmente me inscribí para este curso en el Otoño de 2013, había una serie de trabas que tenía que tener en cuenta. Estas fueron mis consideraciones personales antes dar el salto e iniciar esa transición. Tenía que hacer el tiempo y asegurarme de que encajara con mis arreglos actuales de guardería para mi niño de tres años y mi de ocho años. También tenía suministros de arte limitados y un Mac y escáner muy viejo y también había la cuota del curso de 380 libras. Creo que sería realmente útil que escribieras algunas de tus consideraciones en cualquier etapa en la que estés. Te he proporcionado un PDF para que hagas esto. Aspectos de tu estilo de vida actual o circunstancias que tienes que tener en cuenta como el tiempo, los compromisos familiares o los recursos financieros. No tienen que ser párrafos enormes, sólo una frase cada uno. Al estar al tanto de estos, estás en un lugar mucho mejor para resolver problemas. No quiero que confundas consideraciones con excusas. De momento, sería realmente fácil ser derrotado y decir, no puedo hacer esto porque tengo hijos o no tengo el equipo adecuado o no tengo el dinero. Pero las circunstancias nunca son perfectas y con un poco de ingenio, podemos hacer lo debido. En la siguiente clase, voy a hablar más de encontrar esas 380 libras para poder dar ese gran paso. 8. Ingresos: cuánto necesitas para realizar la transición: En este apartado, quiero enfocarme en el lado práctico de los gastos del hogar. Si bien estás construyendo tu carrera de ilustración, he mencionado antes podría tomar una cantidad significativa de tiempo antes de que seamos capaces de vivir plenamente de nuestros ingresos artísticos, por lo que debemos seguir siendo prácticos. Creo que sería realmente útil poner en contexto mi situación financiera alrededor de 2012. Recuerda, tenemos que empezar donde estamos ahora. Fui directora de una empresa conjunta con mi entonces esposo que dirigía una agencia de mini-diseño y fotografía. En los primeros tiempos, esto fue realmente lucrativo debido a sus colocaciones freelance en Londres, pero con los años hubo menos trabajo en Londres, y los dividendos que sacamos de la empresa se volvieron muy erráticos. En el Reino Unido, los directores de empresas reciben un sueldo básico de 440 libras esterlinas de dividendos. 2012, algunos meses sólo tendría 440 libras esterlinas y sin dividendos para cubrir todos los gastos del hogar mientras él pagaría la hipoteca con su parte. Definitivamente fueron meses delgados y malos. Siempre fue un gran mes si pudiéramos estirar a 400 libras o 500 libras esterlinas en dividendos. Estaría comprando en tiendas de segunda mano, compraba y vendía artículos en eBay y siempre cocinaba de cero a comidas estiradas. Proporcionar lo esencial para una familia de cuatro con £450 a £900 al mes no es imposible, pero sí me pareció muy difícil. Estábamos en deuda a mediados de cada mes. Al conocer mis outgoings, sabía cuánto estábamos gastando en alimentos, facturas de servicios públicos, seguros, pañales o pañales en América, gasolina, etcétera. Me preguntaba si sabes cuánto cuesta para ti cubrir lo esencial en tu vida ahora mismo. Si no conoces tu gasto mensual promedio, entonces te insto a que lo revisen. He proporcionado una hoja de presupuestación descargable si quieres imprimir por ti mismo, lo que sabrás la cantidad básica sobre la que puedes vivir o al menos contribuir cuando intentes configurar este negocio de la ilustración. Entonces necesitas averiguar cómo vas a cubrir tu gasto mientras se produce esta transición. Cuando estás empezando como ilustrador freelance, generalmente no tendrás el lujo de un ingreso regular sustancial. Puede parecer increíblemente aburrido pasar por todo este proceso, y me resistí a hacer esto hasta que me di cuenta de que tenía que ser realista. Es posible que estés en una situación similar tú mismo, o tal vez estés en una posición cómoda financieramente, o tienes un trabajo de tiempo completo o medio tiempo y la mayor dificultad podría ser encontrar el tiempo para apartarte para crear tus ilustraciones. Esto es lo que la maestra superior, Nic Squirrell, tenía que decir sobre su cambio del trabajo de medio tiempo a artista de tiempo completo. Esto es lo que dice ella. “ Empecé mi negocio como ajetreo lateral junto a mi trabajo como óptico. No hay vergüenza en tener un trabajo de día en un campo no relacionado. Para mí, además de proporcionar seguridad financiera también significaba que cuando estaba en el trabajo y no haciendo arte, mi cerebro se estaba recargando. Yo era más receptivo a las nuevas ideas cuando volví a crear. Inicialmente, trabajé de tres a cuatro días a la semana en mi trabajo diurno y luego trabajé en mi negocio en mi hora de almuerzo y en mis días libres. Mi hija era joven, y como la mayoría de nosotros sabemos, no siempre es fácil hacer malabares trabajo y paternidad. Me concentré en flujos de ingresos pasivos, particularmente en sitios web de impresión bajo demanda como Redbubble y Society6, entre otros. Eventualmente, empecé a ganar un ingreso regular de estos. Una vez ganaba consistentemente lo suficiente para cubrir los salarios de un día, disminuí mis horas en mi trabajo diurno y pasé más tiempo haciendo arte. Llegué al punto en que tenía sentido para mí decir adiós a mi trabajo diurno e ir a tiempo completo como artista e ilustrador. Hacerlo de esta manera me dio confianza en que funcionaría y que podría cubrir mis salidas sin tener que preocuparme demasiado. No es divertido crear desde un lugar de miedo o desesperación”. Ahora, volviendo a mi historia, el 2012 había visto el potencial de vender trabajo que había hecho hace muchos años y subirlos a sitios de imagen de stock lo que empecé a hacer el año anterior. Esos primeros envíos no fueron populares y vi muy pocas ventas. No obstante, sí empecé a notar que conjuntos de imágenes e iconos sobre un tema, su mayoría Navidad, se vendieron excepcionalmente bien. Al hacer referencia cruzada a algunos de los artículos más buscados y solo ofreciendo line art, que llamo garabatos, pude construir un cuerpo de obra de venta. Con el poco tiempo y recursos que tenía, bolígrafos negros y un viejo escáner, y una versión muy antigua de Illustrator, empecé a añadir a mi portafolio de imágenes de stock. principios de 2013, había golpeado 400 libras al mes en ventas y había alcanzado mi objetivo. Lograr este pequeño objetivo fue bastante significativo para mí en varios niveles. Para mí, me di cuenta de que si me puse una meta con una recompensa, dinero para ropa y comida bonita, era un gran incentivo y el señuelo del ingreso pasivo apenas comenzaba a dar forma a mi futuro. Voy a discutir largamente los ingresos pasivos en mis próximas dos lecciones en video. 9. Ingresos pasivos: mi historia: En la última lección en video esbozé cómo empecé a subir garabatos a Shutterstock. Ese fue mi primer pincel con ingresos pasivos. Lo que no sabía en ese momento era lo importante que sería esta decisión ya que buscaba pasar de mamá quedarse en casa a ilustradora de alimentos, y también en esos 12 meses después de mi separación y divorcio hasta tener un ingreso mucho más estable. El ingreso pasivo es donde haces mucho trabajo por adelantado para crear un producto o curso digital o contenido del que ganas dinero una y otra vez. Son muchas las razones por las que el ingreso pasivo es indispensable para los negocios y emprendedores creativos solos. La dura realidad es que este tipo de carrera casi siempre implica un grado de incertidumbre e ingresos inestables, como yo estaba demasiado consciente. Habiendo visto lo que pude lograr con las bibliotecas de imágenes, terminé subiendo las mismas imágenes a al menos otras tres plataformas. Me sentí atraída por adquirir más flujos de ingresos pasivos. No obstante, sí tardó varios años de prueba y error incorporar corrientes decentes de ingresos pasivos. La siguiente plataforma que probé fue Spoonflower en el verano de 2014. Spoonflower es una empresa de impresión digital a petición que imprime telas personalizadas, papel tapiz y decoración para el hogar. Simplemente subes tu diseño o patrón y Spoonflower maneja la impresión y el envío cuando un cliente realiza un pedido. Han tenido concursos semanales desde hace años y esto es lo que creé para un tema de pesca. Estaba realmente sorprendido de que llegara tercero ya que era la primera vez que entraba a uno de sus concursos. A pesar de que mi portafolio sobre Spoonflower tiene más de 70 diseños, este diseño en particular, ido de pesca, en varios tamaños y direcciones, es de manos abajo mi best seller. Considerando que no hago mucho con mis patrones después de subirlos, realmente estoy contento con los ingresos que se reciben cada quincena. Decidí preguntarle a la superestrella de Spoonflower Heather Dutton sus pensamientos e ideas sobre los ingresos pasivos de las ventas. Esto es lo que Heather Dutton tenía que decir: “Cuando comencé por primera vez mi negocio de diseño de superficies, mi principal fuente de ingresos era el trabajo de diseño freelance, y esencialmente, tenía todos mis huevos en una canasta por ganar dinero. Después de que uno de mis mayores clientes decidió traer su trabajo de diseño en casa, entré en pánico y rápidamente me di cuenta de que necesitaba tener muchos más huevos en mi canasta para mantener vivo mi negocio. Tener múltiples corrientes de ingresos pasivos cambió por completo mi negocio, y ahora no sé cómo sobreviví sin ellos. Algunas tiendas sólo traen un goteo de ventas y dinero, y algunas tiendas constituyen un enorme porcentaje de mis ingresos generales. Cada uno juega un papel vital en mi negocio, y como dijo Ohn, sí hace falta algún juicio y error para ver cuáles valen su tiempo. Pero una vez que encuentras tu groove, las múltiples corrientes de ingresos te permiten enfocarte en lo que más amas. Diseñando”. Posteriormente, subí un puñado de diseños a Redbubble, otro sitio de impresión bajo demanda donde tu arte se puede aplicar a todo tipo de productos desde cuadernos, colchas, hasta relojes, y sudaderas. Sitios similares que puede gustar probar son Zazzle, Society6, y Hoguera. Estos son mis grandes tomas para ingresos pasivos siendo parte de mi negocio del arte. ingreso pasivo puede liberar su tiempo. Como siempre fui consciente de tener suficientes ingresos pasivos para cubrir mis gastos mensuales, fui libre de pasar tiempo para construir mi cartera y tomar más cursos, y por supuesto, creando muchos proyectos personales. Reduce tu estrés y ansiedad por el dinero. Desde que nacieron mis hijos, sentí la presión que viene con la incapacidad de pagar las facturas a tiempo o incluso calentar la casa en ocasiones. Causó mucha ansiedad y una sensación general de tener una mentalidad basada en la escasez y la falta. Entonces saber que tenía suficiente para cubrir lo esencial vino como todo un alivio. Sabiendo que si yo o mis hijos tuviéramos un periodo de mala salud, lo cual sí sucedió cuando tuve varios episodios de neumonía, las facturas siempre estarían cubiertas. También brinda una plataforma para el crecimiento artístico. Siento que el ingreso pasivo me ha permitido tomar riesgos. Si estás experimentando con algo nuevo en tu carrera o estás pasando por un periodo lento, el ingreso pasivo es el impulso extra que puedes tener para mantenerte en marcha. Estoy en libertad de mantenerme curioso y explorar nuevas formas de fortalecer aún más mi marca, mirar más proyectos de 100 días, y un montón de otros proyectos personales. En 2013, mi entonces esposo no sintió que la cuota de 380 libras para el fabricante en línea, ese curso de ventas, valdría la pena mi tiempo o la inversión de dinero. Además, era dinero que no teníamos, así que en realidad trató de disuadirme de apuntarme. Se me ocurrió que un camino a seguir sería subir aún más imágenes a Shutterstock. Con ese curso en línea como mi premio, sistemáticamente dibujé mi portafolio de alrededor de 500 imágenes ganando 350 libras al mes a 1,500 imágenes en el espacio de nueve meses. Con este ingreso extra, finalmente pude pagar el curso, y además resuelve el problema de cubrir el gasto de los hogares por valor de cinco semanas mientras realizaba el curso. Este ingreso por imágenes bursátiles fue genial cuando intentaba acumular mis habilidades y mi portafolio durante los próximos dos años. ingreso pasivo siempre comienza como un goteo y lleva mucho trabajo por adelantado. Es así como mueves lentamente la aguja para que puedas hacer la transición. Se convierte en un bucle positivo de autorefuerzo. Incluso ahora, la veo como una de las mejores inversiones en mi tiempo y esfuerzos. 10. Ingresos pasivos: reflexiones: Como parte de mi objetivo de ser súper transparente y mostrarte cómo realmente funciona esto en mi caso particular, quiero señalar que mi estrategia de ingresos pasivos es un poco fortuita. A pesar de que no he hecho las cosas de la manera más eficiente, todavía me ha funcionado muy bien. A modo de ejemplo, mis ingresos de Redbubble no son geniales. No obstante, conozco a muchos artistas que lo hacen excepcionalmente bien al subir su arte e ilustraciones demasiados sitios de impresión bajo demanda. A pesar de hablar con todos estos artistas y saber que hay toda una carga de posibilidades con impresión bajo demanda, no me he tomado el tiempo de explotar plenamente estas plataformas. Crear una corriente de ingresos pasiva puede ser mucho trabajo adelantado con muchas horas o incluso años de inversión de tiempo. Las cosas pueden cambiar a medida que avanzas hacia tus metas y luego necesitarás adaptarte en consecuencia para que sepas lo que te está funcionando y lo que se ajusta a tus necesidades. Podría duplicar mis ingresos de Spoonflower y hacer mucho más dinero con Redbubble a lo largo del tiempo pero no lo he hecho porque no he apartado el tiempo para planear y llevar a cabo los pasos necesarios para crecer más. Este es un tema recurrente a lo largo de esta clase, no he hecho las cosas perfectamente pero las he hecho más que adecuadamente y todavía ha funcionado. Entonces no sientas que tienes que hacer todo perfecto. Estas son algunas de las formas que no he maximizado en mis ingresos de impresión bajo demanda. Falta de subidas, ya que no me estoy tomando el tiempo agregar nuevo arte o ilustraciones a mis portafolios, son muy diminutas y muchas veces, la frecuencia que subes afecta el algoritmo de búsqueda con cargadores frecuentes que se muestran en la parte superior de la búsqueda resultados. Compara mis 22 diseños en Redbubble y 70 en Spoonflower con mis 2,800 garabatos en Shutterstock. Justo como comparación, Heather Dutton, quien tiene más de 2,500 patrones en Spoonflower. Mercadotecnia. En el caso de Spoonflower y Redbubble, prácticamente no hago mercadotecnia. A pesar de que hay enlaces a estos sitios en mi red social y sitio web, estoy haciendo nada extra para dirigir a la gente hacia ellos incluso cuando hay promociones especiales. Sé que esto suena loco, pero no me siento tan cómodo el marketing en diferentes plataformas y eso es todo el tablero, incluyendo mis clases de Skillshare. Con Shutterstock, comparo e investigué qué vendería y luego planeé estratégicamente. Bueno, no lo he hecho con ninguna de estas plataformas. Sólo puedo describirlo como un intento vago o a medias que no ha funcionado tan bien. Nuevamente, intelectualmente, sé que debo hacer esto para poder crecer estas plataformas pero sí tengo muchas prioridades en competencia en estos días. En cambio, he decidido dirigir mis energías en otros aspectos de mi negocio y esto es algo que tú también tendrás que considerar y sopesar si estás considerando agregar ingresos pasivos a tu negocio. Recuerda, tiene que funcionar para tu versión de un negocio de ilustración. Lo mejor es investigar a fondo qué opciones son las mejores para tus necesidades, ya que lo más probable es que tengas que apegarte a cualquier plataforma o plan que elijas durante bastante tiempo antes de ver un retorno decente cada mes. Habrá prueba y error, que tendrás que tener en cuenta, pero se producirá un punto de inclinación si te mantienes consistente y luego verás retornos en tu tiempo. Estas son algunas otras ideas para que consideren tus flujos de ingresos pasivos: vender arte o fuentes como descargas digitales, licenciamiento de arte, crear tutoriales o clases de video instruccionales, vender libros electrónicos instruccionales, imprimir colorear bajo demanda en libros o revistas. Los he agregado en el PDF descargable al que se puede acceder en la pestaña Recursos de clase. Cuando empecé por primera vez, pensé que era poco probable que pudiera lograr un ingreso pasivo que superara mis gastos. No obstante, sea cual sea la mente que crea, la mente puede lograr. Al igual que cualquier otra cosa, necesitas establecer una meta, enfocarte, y avanzar hacia ella con una acción persistente a diario. Depende mucho de lo importante que sea para ti. Cuando empezaba con Shutterstock, no tenía nada que perder y mucho que ganar. Para poner las cosas en el contexto del mundo real, he recibido más de 70 mil libras en ganancias de mis garabatos Shutterstock, eso es de una cartera de 2 mil 800 imágenes en los últimos ocho años. Los últimos cinco años de eso han sido totalmente pasivos, no he creado ni añadido garabatos extra durante ese tiempo. Es interesante señalar, sí recibo cantidades más pequeñas de otros sitios de acciones a los que subí los mismos garabatos. Estoy compartiendo estos números contigo porque el ingreso pasivo libera tu tiempo. Para que puedas enfocarte en cosas que no ganan dinero directamente, como tomar clases y mejorar tus habilidades. 11. Actitud: que te guíe la diversión y no el miedo: Una característica recurrente en mi trabajo y un enorme factor contribuyente a mi éxito en muchos niveles son los proyectos de pasión personal que creé para mí mismo. A lo que me refiero con esto son las piezas de ilustración o creaciones de cuaderno de bocetos basadas en mis intereses personales más que en lo que pensé que debería estar haciendo. Mi regla de oro es que el proceso de creación debería sentirse como un juego para ser útil, nunca debería sentirse como una tarea laboriosa. Para poder llegar a ese lugar donde has logrado una mirada en particular, la forma en que creas tus ilustraciones necesita ser lo suficientemente práctica y fácil para que puedas replicar el proceso una y otra vez. ¿ Cómo llegamos a esta etapa? Déjate llevar por tus pasiones. Voy a martillar a casa este punto. Sólo hay una versión tuya, que es un activo masivo. No eres defectuoso, sean cuales sean las experiencias que hayas tenido en el pasado, realidad pueden hacerte un muy notable y único con tu propio conjunto de regalos y talentos. Todo desde tus colores favoritos, pasatiempos, libros que te gusta leer, y las cosas que te gusta coleccionar son una parte enorme de lo que te diferenciará de otros ilustradores. Por eso te he pedido que incluyas cosas como esta en tu tablero de Pinterest. ¿ Por qué tipo de imágenes te atraen más? ¿ Qué temas parecen estar surgiendo de nuevo? Quizás sea la moda de los años 60 o el arte popular escandinavo. Deja que estos te guíen por ayudarte a decidir intuitivamente sobre el tipo de imágenes que te divertirías ilustrando. Escribe tus propios escritos para el tipo de ilustración que te encantaría atraer por pagar a los clientes. El motivo por el que perseguí la ilustración alimentaria con tanta energía fue porque me encanta cocinar. Me encanta el olor de la comida, comer la comida, y viajar por comida. Realmente disfruto mucho cocinar y tengo un montón de libros de cocina sobre cocina asiática y de Oriente Medio. En la primavera de 2014, medité en qué trabajo encontraría el más gratificante. Lo que escuché de mi intuición fueron ilustraciones de comida y viajes. A pesar de que sé que las flores, las mariposas, y las aves son realmente populares , simplemente no me interesan tanto, pero dame una remolacha, unos higos, o un frasco de pepinillos, y no puedo esperar a empezar a pintar o ilustrarlos. Todavía estoy tan emocionada por las zanahorias y las peras como lo estaba hace seis años. Ese hormigueo en mi panza sigue ahí cuando inicio un nuevo proyecto de comida, tanto pagada como personal hacen mucho trabajo personal. Esto continúa de alimentar tus pasiones. Para demostrar tus capacidades, tendrás que hacer mucho arte para llegar a ser competente, así que usa tu tiempo sabiamente y crea trabajo que te apasione personalmente. Podría ser cualquier cosa desde la mitología griega, La remolacha o donuts. Cuando trabajas en proyectos tienes un interés personal en, no en lo que crees que atraerá a clientes, entonces se mostrará una chispa especial de energía a través, tus ilustraciones llevan cierta frescura. A menudo estás en la zona y los resultados simplemente se ven y se sienten diferentes. En mi caso, como quería ser ilustradora de alimentos, agité masas de recetas ilustradas y las subí a This Draw and Cook, y pronto llenaron mi incipiente sitio web y mi cuadrícula de Instagram. En el transcurso de crear 30 piezas, estaba aprendiendo inmensas habilidades, poniéndome cómodo con el mundo de la ilustración alimentaria y ganando experiencia, lo que me ayudaría en años posteriores. No eran piezas perfectas, pero ciertamente me divertí creándolas todas. Al igual que con cualquier otra cosa, desglose este proceso. Por ejemplo, si querías atraer el trabajo de ilustración de mapas, quizá pretendas crear un mapa al mes para tu cartera. Digamos que necesitabas 14 iconos o edificios, podrías crear uno al día durante dos semanas y luego pasar las siguientes dos semanas armando todo el mapa. En general, hazlo un proceso realmente divertido para ti mismo y no una penuria. Yo personalmente puedo dar fe de la efectividad de los proyectos de pasión personal. Sigo atrayendo grandes proyectos pagados por la parte posterior de proyectos personales que creé hace 4-5 años. Incluso las piezas de cuaderno de bocetos se han convertido en artículos de regalo. Hay una frase, “Donde va el foco, energía fluye”, y tener una apertura para experimentar y aprender sustenta una gran parte del proceso creativo. Cuando estás construyendo un negocio, posible que no obtengas ganancias financieras de inmediato de cada tarea, pero es probable que estos proyectos de pasión paguen dividendos más adelante. Enfócate en lo que te viene de forma natural y en lo disfrutas en lugar de tratar de jalarte en demasiadas direcciones diferentes. Hay una buena posibilidad de que si amas lo que estás haciendo, entonces a los que te encarguen te encantará también. 12. Mejorar las habilidades: mi historia: Voy a empezar diciendo que yo también era principiante. Puede ser difícil de comprender cuando ves mis otras clases o ves mi arte en redes sociales que no era muy hábil ni productiva en 2013. Quiero enfatizar esto ya que sí parece haber una ilusión de que llegué a la escena como ilustrador preempaquetado con un estilo distintivo, que está lejos del caso. He fastidiado todo un montón de dibujos y cuestionado mi talento, igual que muchos de ustedes lo están haciendo, probablemente. El ilustrador que hoy ves tuvo que enfrentar una enorme curva de aprendizaje con muchos fracasos pero no me disuadió de mi misión. Volviendo al 2013, leí casi todas las publicaciones de blog de artistas que habían tomado el primer curso Make Art That Vende. Todavía no estaba preparado para las intensas emociones que sentí cuando comenzó. Mi mayor frustración fue la clara falta de habilidades técnicas. Me di cuenta de que había una brecha masiva entre donde estaba actualmente con mis habilidades y donde idealmente quería estar y ver lo que otros artistas podían hacer también. Las herramientas básicas que tenía eran bolígrafo y tinta, bolígrafos negros y un escáner con programas muy antiguos. No sabía llevar estos médiums al siguiente nivel aplicándolos dentro de una ilustración o un patrón. Estos son algunos ejemplos de lo que produje en ese curso. En su momento, fue un gran salto fuera de mi zona de confort, pero estaba muy decidido a aprender más. Entendí que mis habilidades me van a detener, así que utilicé mi frustración para buscar otros medios de mejorar mi competencia con Photoshop y técnica con otros medios. Aquí es donde entró Skillshare. Mi primer proyecto en Skillshare fue para la clase de letras de mano de Mary Kate McDevitt. A pesar de que es sólo a lápiz, creo conceptualmente que fue bastante buena idea. No obstante, no fue hasta que la volví a tomar la siguiente clase sobre letras de mano, pero esta vez en color que ciertas piezas empezaron a caer en su lugar. Pude tomar lo poco que entendía de manipular una imagen después de escanear y aplicar la herramienta Image Trace para hacer una efectiva pieza de arte e ilustración. Esta técnica desató otras ideas útiles y formas en las que pude manipular líneas. Otra práctica clase de Skillshare para mí fue de Matt Kaufenberg. A pesar de que se trataba de dibujo de personajes, pude utilizar algunos de los conceptos clave de configurarlo en Illustrator que importarlos a Photoshop para transformar mis dibujos en ilustraciones. hecho de conocer algunos procesos más dentro Illustrator y Photoshop fue un gran avance para mí. Después de Matt, volví a visitar mis goles, preguntando ¿qué quiero? Fue entonces cuando se concibió la idea de ser ilustrador de alimentos, junto con ilustrar mapas y diseño de superficies. Para esta etapa, me di cuenta de que podía desmontar estos dibujos de pluma y tinta o pincel que realmente favorecía y aún conservaba la espontaneidad para después aplicarles texturas. Estas piezas reflejan esta técnica recién encontrada. Ambas son recetas ilustradas las cuales subí a la página web They Draw & Cook. Este otoño las fritas de verduras se basaban en bocetos que había hecho a partir de sacar las verduras de mi caja de verduras que llegó esa semana. Encontré pinceles gratis de Photoshop, que realmente me recordaban estar en la sala de impresión de la universidad. De alguna manera fue como configurar capas similares a la serigrafía. Esta pieza de sidra caliente fue sobre jugar con las diferentes capas y entender más sobre la composición y el contraste. Habiendo decidido que quería perseguir la ilustración alimentaria, surgió una oportunidad seria. El equipo de hermanos y hermanas, Salli y Nate, quienes corrieron They Draw y Cook, anunciaron que los artistas que presentaron 30 recetas tendrían su trabajo publicado en un libro. Bueno eso ciertamente me llamó la atención. Creo que en su momento había presentado alrededor de siete u ocho recetas, por lo que de inmediato hice mi objetivo ilustrar 30. En su momento, sentí que tenía que inventar conceptos y diseños asesinos cada vez, lo que en realidad me ralentizó. Pedí consejo a Salli y este fue el comienzo de una amistad de la que hablaré más tarde. Producir estas 30 ilustraciones fue fundamental para sentirse cómodo con trabajar rápido, metódicamente, y por supuesto, expandir mi portafolio dramáticamente. Esto me puso en una posición favorable cuando empecé a atraer trabajo remunerado, elaboración de patrones. Como quería hacer el diseño de superficies como parte de mi negocio, supe que eventualmente tendría que aprender a crear un patrón técnicamente repetido. Mis primeros intentos fueron bastante básicos, pero lo suficiente para que me notara y eventualmente para encontrarme trabajo remunerado. Por supuesto, con el tiempo, aprendí muchas técnicas diferentes en Photoshop e Illustrator y creando todo tipo de patrones diferentes, incluyendo los que presentaban mis acuarelas. Yo sí tengo una clase de Skillshare en esto. Si quieres conocer más sobre esta técnica, hazlo un vistazo. Cuadernos de bocetos. Esta parte es probablemente para lo que la mayoría de ustedes me conocerán, mis cuadernos de bocetos de acuarela. Empecé como principiante total. No sabía lo que estaba haciendo. Fue la práctica consistente de usar proyectos de 365 días lo que me ayudó a sentirme realmente cómodo y hábil con este medio. Creo que estos cuadernos de bocetos, más que nada, apoyan mi firme creencia de que no cada pieza de trabajo tiene que ser exitosa para ser de valor ya que todavía se pueden aprender muchas lecciones. La disciplina de repetir y practicar una y otra vez, cualquiera que sea el resultado siempre pagará dividendos masivos más abajo de la línea. 13. Mejorar las habilidades: cosas que hubiera querido saber: Conseguir las diversas habilidades necesarias para convertirse en ilustrador es muy parecido a un árbol joven que emerge de una semilla. La raíz siempre emerge primero antes de que brote el resto. Este bit sucede en privado, bajo tierra, invisible por el mundo, pero luego la exposición al mundo a través de las hojas alimenta la raíz y de una y otra vez en un ciclo de crecimiento. Entonces como un ardiente, extrae más nutrientes, se vuelve más fuerte, y crece más robusto y sustancial. Su crecimiento se ve afectado por el clima y las estaciones, igual que lo será el tuyo. Estas adaptaciones hacen que cada árbol sea único, igual que toda tu vida y experiencias creativas forman parte de tu personalidad única. Como ilustrador, junto con tus pasiones e interés. Sigo golpeando sobre esto porque ser único es lo que te diferenciará de otros ilustradores. Para llegar a ese lugar donde se están produciendo ilustraciones listas de portafolio, no podemos circunnavegar el hacer, la parte de trabajo. Se trata de un segmento enorme en sí mismo. Entonces voy a tocar los puntos que más me siento. A pesar de que soy un artista bastante experimentado, entiendo las tremendas frustraciones involucradas en estas primeras etapas. Por favor, vete fácil contigo mismo. Date permiso para hacer un trabajo asqueroso. Por supuesto, queremos que cada pieza de trabajo que concebimos en nuestras mentes aparezca exactamente como se esperaba. Pero hay una buena posibilidad en la parte anterior de tu viaje no podremos cerrar esa brecha entre esa visión y nuestro actual conjunto de habilidades y eso es normal. En realidad está en los diferentes aspectos de hacer un montón de trabajo, no sólo dos o tres bocetos, más como 20 o 30, incluyendo las cosas desordenadas, las cosas ligeramente sucias que estarás construyendo los cimientos. Empezarás a apreciar el color, la composición, dibujo, y la investigación para generar esas ideas. Tenga en cuenta que esta fase es mucho antes de que incluso empieces a pensar en piezas consideradas de cartera. Tienes que probar las cosas y a veces no van a tener éxito. Puede que te sientas descorazonado. Pero mira esta etapa como una arena importante para el aprendizaje, un lugar donde te estás entrenando, estudiando, apareciendo y preparándote para las siguientes etapas. Después de unos meses cuando esparzas esa pila de trabajo, estoy seguro de que verás enormes desarrollos y avances. Puedes utilizar este montón de trabajo para considerar también lo que disfrutas más o menos. Prueba todo para ganar confianza. En los muy primeros días, te sentirás incierto sobre qué tipo de trabajo debes producir y en qué medios. Yo diría que inténtalo todo, no solo lo que crees te va a conseguir el trabajo remunerado. Trata de no tomar decisiones basadas en lo que crees que podría ser tendencia o lo que ves hacer otros artistas. No hay formas correctas o incorrectas de crear. Es buscar las formas que se sientan bien para ti, encontrar los médiums que disfrutas que resuenan contigo y emocionarte que descubrirás cosas como dibujar con un pincel real no te viene forma natural y te gusta usar toda la pinceles en Procreate. Todo esto es realmente importante y valioso y te informamos de tus fortalezas y debilidades. No me considero la persona más organizada aún. Muchos miran mi salida y se preguntan cómo lo manejo con dos niños. Yo era terrible en la gestión del tiempo en 2013 cuando tenía un niño pequeño y estaba tratando de transformarme en ilustrador. La organización no vino naturalmente a mí y me resistí por mucho tiempo. Pero eventualmente encontré algunos sistemas que funcionaron para mí. Yo estaba y todavía consciente de las horas escolares de mi hijo y de sus clubes extraescolares. Sabía que tenía un tiempo limitado en el que producir físicamente el arte, así que me organizaría la noche anterior escribiendo una breve lista de cosas por hacer, luego revisar lo que había podido manejar la noche siguiente, y luego continuar durante toda la semana, hacer el tiempo para crear bocetos, experimentar con patrones o incluso si solo tienes una hora algunos días sigue siendo valioso. Así que haz pequeños pasos en tu progreso. Hacer arte e ilustraciones, producir imágenes de nada más que una visión que tienes en la cabeza y sacarlas al mundo es un proceso muy aterrador. Decidir que quieres ser ilustrador es un salto masivo hacia lo desconocido. No puedo decir que estos miedos disminuirán con el tiempo, porque a medida que crezcamos y transitamos, surgirán otros nuevos, quizá en base a cómo pensamos que nuestras ilustraciones miden a otros o cuántos proyectos deberíamos haber producido y a esta mezcla se suma nuestras propias altas expectativas de cómo debe verse un negocio de ilustración exitoso. En ocasiones es el miedo al fracaso o a sacar ilustraciones donde podrían ser juzgadas o criticadas lo que se manifiesta como dilación y otras excusas. Sí tengo una clase llamada abordando el perfeccionismo creativo que habla del miedo juicio y del crítico interno con mucho más detalle por lo que vale la pena verlo. Yo quiero decir que estos sentimientos negativos son totalmente normales. Todo ilustrador exitoso tenía y probablemente todavía experimenta dudas de sí mismo, confusión y abruma. Yo sé que sí. Ve estos sentimientos incómodos como un indicador de que estás creciendo a medida que potencialmente tomas movimientos arriesgados fuera de tu zona de confort. He aprendido a lidiar mejor con sentimientos de desaliento entendiendo estas ansiedades son probablemente miedos irracionales tratando de mantenerme a salvo. No olvides esa maravillosa cita de Henri Matisse, la creatividad requiere coraje, lo cual sin duda es cierto si estás tratando de armar cualquier carrera creativa con un elemento de incertidumbre, progreso nunca es lineal. Este aspecto no puede subestimarse. Queremos llegar a donde soñamos en el menor tiempo y esperamos progresar constantemente. Para muchos de nosotros conscientemente o no, podemos ver el progreso como un camino recto que va directa y sin problemas a nuestro destino elegido. Pero solo piensa, ni siquiera los árboles crecen rectos, se doblan y giran, y así podrías ver tu transición como un proceso orgánico. Es posible que hagas un progreso impresionante por un par de semanas, pero luego hay un paso o dos hacia atrás, un par de pasos hacia los lados, e incluso dando vueltas en círculo con el fin de finalmente moverte hacia adelante. Lo que ayudará es ver cada paso, incluso esos pasos hacia atrás, como parte de nuestra transición. Trata de apreciar los avances que has hecho, como hablamos en la sección de objetivos, recordando de dónde partiste y celebrando ese progreso. 14. Encontrar una comunidad: Debido al carácter autónomo de ser ilustrador, a menudo estaremos trabajando de forma aislada menos que compartas un espacio de estudio con otros diseñadores o artistas. En mi anterior carrera como artista interno en un estudio de tarjetas de felicitación, tuve la suerte de trabajar junto a otros diseñadores varias veces a la semana. No obstante, para 2013, la mayoría de mis interacciones estaban en grupos de niños pequeños y en el patio de recreo escolar cuando recogí a mi hijo. No tenía una red de amigos que fueran ilustradores o manejaran negocios creativos como lo hago ahora. Puede que te resulte difícil creer mientras me escuchas en este video que soy bastante introvertido y en un principio me pareció muy desalentador ser parte del fabricante que vende grupo de estudiantes de Facebook. Me di cuenta rápidamente una de las ventajas de tomar el curso junto a cientos de otros era la comunidad de individuos de ideas afines que viajaban por el mismo camino que yo. Como mencioné, fue un curso muy intenso, casi como un bautismo de fuego para muchos de nosotros que no estábamos acostumbrados a crear arte para diferentes mercados en tan poco tiempo. No obstante, a medida que avanzaban las semanas, muchos de nosotros sentimos un parentesco forjado a partir de esta experiencia compartida. Una parte de mí siente que estaba destinada a conocer a este maravilloso grupo de damas ya que teníamos muchas cosas en común, entre ellas empezar por un camino creativo, de nuevo, después de tener hijos. Al inscribirme en otros cursos, descubrí a otras personas maravillosas y dinámicas todas tratando de mejorar sus habilidades y crear negocios basados en el arte. Se sentía como una mañana virtual de café iniciando sesión y discutiendo temas desde la duda de sí mismo hasta los colores Pantone del año. Cuando eventualmente me uní a Instagram en el verano de 2014, fue a estas personas a las que he conocido en todos estos cursos en línea que hice inicialmente seguí en Instagram. En realidad tenía mi cuenta de Instagram puesta en privada durante los primeros seis meses ya que estaba feliz de compartir esos primeros bocetos tentativos e ilustraciones en una pequeña burbuja de artistas. A pesar de que mi audiencia de Instagram ha crecido desde entonces, muchos de esos artistas que conocí en esos primeros días siguen siendo algunos de mis amigos más confiables y valorados. Prácticamente converso con ellos casi todos los días y he tenido mucha suerte de unirme a ellos para ferias comerciales en Nueva York, Londres y Alemania. No se debe subestimar invertir su tiempo en construir una comunidad. Es posible que escuches muchos consejos enfocados en las ilustraciones reales como estilo, medio, y conceptos donde a menudo se pasa por alto la importancia de una buena red. Si bien un portafolio fuerte es importante, las conexiones que hagas te apoyarán tremendamente a través de la transición, y mucho después si tienes alguna pregunta sobre Photoshop o necesitas asesoría, habrá alguien que preste su tiempo y te ayude una solución en cualquier parte del mundo que estés. Hay tantas maneras diferentes en las que puedes intentar construir una comunidad que te entenderá y te animará. Las siguientes son formas en las que pude encontrar esa valiosa comunidad. Únete a los muchos cursos en línea de las áreas que te interesan, de todo, desde elaboración de patrones hasta ilustraciones de libros infantiles, y no solo aquí en Skillshare. Muchas son dirigidas por artistas increíbles que son muy solidarios y alentadores de quienes quieren ser mejores ilustradores. También hay muchos grupos de Facebook algunos hospedados por artistas y profesores de Skillshare donde estoy seguro de que conocerías gente de ideas afines. A menudo dentro de estos grupos, hay mucha empatía y comprensión. Además, sigue a artistas cuyo trabajo admiras en las redes sociales. Trata de interactuar con ellos, y con tus propios seguidores. Considera participar en retos prontos. Por ejemplo, en octubre en Instagram, a menudo hay indicaciones de arte e ilustración que se ejecutan casi todo el año con su propio conjunto especial de hashtags, por lo que puedes encontrar otros ilustradores que están tomando parte, lo que te permite comentar y como en su trabajo y para acumular relación. La maestra superior, Steph Coleman, me habló de cómo su grupo de ilustración fomenta una comunidad autista. Steph dice: “Al principio de mi carrera, yo [inaudible] por mi cuenta, sintiéndome inseguro de mí mismo. Al entrar más en mi carrera y empezar a tomar clases en línea e interactuar más en las redes sociales, conocí a muchos amigos ilustradores que compartieron mis luchas y éxitos. Ha hecho una diferencia tan enorme en mi vida y carrera teniendo un grupo de personas que realmente entienden esta trayectoria profesional”. Hace aproximadamente un año, empecé un grupo comunitario para artistas que querían ilustrar libros infantiles. Ha sido una alegría ver cómo se forman los bonos dentro de la comunidad. Los miembros se ayudan unos a otros con preguntas tecnológicas o problemas de material de arte y se dan retroalimentación y se animan unos a otros. Ser capaz de facilitar el sentido de comunidad para los artistas que no tenía cuando empecé es sólo la mejor sensación. Sé que los amigos que he conocido en clases y comunidades en línea serán amigos de toda la vida y que conocerlos ha ayudado a impulsar mi carrera. Incluso si eres introvertido, participar en comunidades en línea es una hermosa manera construir amistades y hacer crecer tu carrera de ilustración. A lo largo de los años, tener una increíble red de apoyo de compañeros aspirantes a artistas e ilustradores que entienden las emociones, sostienen sueños similares, y muchas veces haciendo malabares niños ha creado lazos profundos y significativos para mí. En el siguiente video, hablaré un poco más sobre pedir consejos a artistas experimentados dentro de tu comunidad. 15. Mentores y cómo pedir consejos: A pesar de que sí me describo como introvertido, hay una parte de mí que ama el networking. A lo largo de los años me he dado cuenta de que me encanta conocer gente, escuchar sus historias, y me encanta fomentar la creatividad. medida que avanza mi carrera, he recibido cientos de mensajes y correos electrónicos pidiendo consejos e información sobre la industria. Siendo ilustrador y maestro aquí en Skillshare, me tomo muy en serio el papel de inspirar y ayudar a los demás. He tenido mucha suerte a lo largo de los años de recibir consejos maravillosos de otros artistas más establecidos que consideraría mis mentores. A menudo se describe a Mentor como alguien que está unos pasos por delante de ti en su carrera, que puede guiar, asesorar y apoyar a alguien menos experimentado para lograr sus metas y progresar en su vida profesional y personal. Sally, la cofundadora de This Draw & Cook, nunca se consideraría como una mentora profesional. No obstante, cumplió un papel muy importante en mi crecimiento como ilustradora de alimentos. Creé algunas recetas ilustradas en 2014, pero al año siguiente, creé 26 nuevas recetas ilustradas. Ella llegó a conocer bien mi cuerpo de trabajo ya que Sally siempre deja encantadores comentarios en cada receta que se somete a esa página web. Después de un tiempo, empezamos a enviar por correo electrónico intercambios generales de ideas y pensamientos sobre lo que yo produje. Aquí estaba una señora que se estaba tomando tiempo fuera de su ajetreado horario para charlar conmigo. Estaba tan agradecida de que ella hiciera esto por mí ya que era una ilustradora completamente desconocida. Sally haría sugerencias como usar algún trabajo de línea simple para ahorrar tiempo, o probar algunas letras más a mano como pareces disfrutar de eso. Yo con gusto la escucharía ya que tenía experiencia relevante y era muy bien considerada en la industria. Incluso ahora me dejó caer una nota de aliento si algo realmente le llamó la atención. Estas son algunas de las razones por las que podrías beneficiarte de tener un mentor. Los mentores tienen una riqueza de experiencia y conocimientos que es invaluable. Lo más probable es que aprendas que hay más de una forma de llegar a donde quieres estar ya que lo más probable es que se hayan encontrado con los mismos bloqueos de carretera que tú. A veces todos necesitamos un pequeño empujón para salir de nuestras zonas de confort. Un mentor puede estimular tu crecimiento haciéndote preguntas que quizá no hayas considerado o quizá identifiques tus fortalezas. También pueden desafiarte a construir sobre otras habilidades clave que quizás necesites para convertirte en un ilustrador exitoso. Tener un mentor que entienda quién eres y a dónde planeas ir te ayudará a crear metas y metas. Cuando intentaba crear 30 recetas ilustradas en un tiempo limitado, Sally me dio consejos sobre áreas en las que podía acelerar el proceso, como usar diseños simples y menos detalles, que puedan ayudarte a identificar en qué necesitas trabajar. Es fácil desanimarse cuando las cosas no se mueven tan rápido como te gustaría, por lo que es genial tener a alguien que pueda mantenerte motivado. Tener un par de ojos frescos puede ayudar a poner las cosas en perspectiva ya que tienen un mejor conocimiento de la industria. Un mentor podrá brindarle valiosos comentarios u ofrecer formas de mejorar o enfocar su trabajo de ilustración. Si te gustaría que alguien con más experiencia que tú te ayude a menudo de forma gratuita, esa solicitud se va a recibir mucho más favorablemente si esa persona ya te conoce a ti y a tu arte. Si eres súper serio sobre querer ser ilustrador, aquí te dejamos algunos consejos que espero te ayuden: antes de llegar a ilustradores más establecidos, empieza a involucrarte con ellos y su trabajo en redes sociales o comenta en su blog. Es más probable que te ayuden si demostras que has hecho tu tarea y participado en lo que ya ofrecen. Participar en cualquier evento que estén hospedando, ya sea en línea o presencial, inscríbase en cualquier clase o curso que estén impartiendo. Si estás contactando directamente con ellos, recuerda que esa persona es muy probable que esté ocupada, así que haz algunas investigaciones y sé muy específico con preguntas cuando las envíes por correo electrónico. Sí, sí dije correo electrónico, es realmente complicado dar respuestas consideradas y concisas al escribir en Instagram Messenger, y por correo electrónico, también demuestra que eres súper serio con tu carrera. Sé cuidadoso y cuéntales un poco sobre ti. No seas demasiado exigente, breve y cortés con tu pregunta. Demuestra que estás muy agradecido y cuando eres educado, puede ser una gran manera de construir relación. Posibles correos electrónicos podrían verse así : “Conozco tus florales, comida, trabajo de arquitectura, lo que sea, y he estado siguiendo tu carrera por cualquier cantidad de tiempo”. O bien, “sé que probablemente estás muy ocupado y si tienes tiempo, me encantaría tus puntos de vista con respecto a lo que sea. Me encantaría saber más sobre cómo hiciste x, y, y z Estoy dispuesto a tomar y estar sumamente agradecido por tu consejo sobre materiales quizá de arte”. Sigue siempre diciendo gracias, quizá muéstrales la mejora a tu trabajo, manda tus resultados y aprecio. Siempre hace que la gente se sienta bien escuchar un agradecimiento. Al llegar a un ilustrador con mucha más experiencia, a menudo obtendrás una perspectiva diferente de tu trabajo. Es probable que sean alguien que sepa por experiencia personal lo que estás tratando de lograr, por lo que Sus consejos prácticos podrían ahorrarte meses de esfuerzo. 16. Pros y contras de tener un solo estilo o nicho: Una de las preguntas principales que recibo de aquellos que tal vez apenas estén empezando la ilustración, es lo importante que es tener un estilo reconocible? Sé que esto es una gran preocupación ya que todos queremos que nuestras ilustraciones sean notadas y destaquen. A finales de los 90, me enseñaron en la universidad que para tener éxito, necesitábamos dominar una forma de trabajar muy bien y aplicarla a todo, desde retratos hasta portadas de libros. La gente viene a reconocer tu trabajo, aunque no tenga tu nombre en él. Puede que incluso te conozcas por algo así como un especialista que trabaja en un nicho como animales o kidlit o ilustración de alimentos para mí. Estoy seguro, otros ilustradores tendrán diferentes puntos de vista y puntos de vista sobre el estilo. Lo que estoy presentando, se basa en mi experiencia durante los últimos seis años de dirigir un negocio de ilustración. No estoy seguro si esto aliviará algunos de tus miedos, pero en realidad tengo varios estilos los cuales se utilizan para diferentes nichos de ilustración. Déjame explicarte. Soy principalmente ilustrador para proyectos de alimentos, pero también trabajo con clientes de diseño de superficies. Tengo numerosos estilos que cubren varios medios que se han aplicado a empaques, diseño, libros, regalos, y tela. Tener un puñado de estilos no era algo que yo decidiera conscientemente, evolucionó como mis propias habilidades e intereses, y los negocios crecieron con los años. Podría ayudar encontrar este tema ya que ¿qué tan competente puedo llegar a ser en ciertos estilos para atraer a los clientes que quiero? Esto puede parecer y sonar polémico, pero ha funcionado bien en el marco de mi negocio de la ilustración. Déjame mostrarte un surtido de tarjetas de felicitación que he diseñado para clientes. Este es en acuarela y tinta. Esto es acuarela y procreate, acuarela y photoshop, este es todo vector, esto es todo photoshop, esto es todo vector otra vez, y esto es todo procreate. Sí, es una bolsa bastante mixta, incluyendo todas las letras de mano que saqué. Pero a los clientes les gustó lo que vieron y llenó los vacíos en sus rangos de tarjetas. Ahora, pasando a una pequeña selección de ilustraciones de alimentos para empaques. A pesar de que he hecho cargas, estas son muestras gratuitas que he recibido de Olive Branch y English Provender. Todos estos fueron creados en photoshop, que comenzó como bocetos de lápiz de pincel. Como puedes ver, hay un look muy distintivo y consistente para toda esta fruta y verdura. Este es también el estilo que un cliente japonés eligió para su gama de papel de fiesta y otros artículos de regalo, que es más licencias de arte. Para mezclar las cosas aún más, esto fue Evolution Fresh para envases Costco, que es principalmente fruta acuarela para representar sus jugos frescos. A pesar de que intercambio mis estilos y médiums, soy muy bueno y prolífico con herramientas analógicas y digitales y aplicándolas todas dentro del diseño de superficies o la ilustración de alimentos. Con esta mezcla de estilos, puedo atraer a más clientes pagadores a través de muchos mercados diferentes. Si puedes demostrar que puedes ilustrar en varios estilos diferentes al mismo alto nivel, personalmente no creo que eso sea un problema para muchos editores o directores de arte. Hacer un éxito de múltiples estilos se reduce a dónde estás en tu carrera, y si tienes suficiente trabajo en cada estilo, para asegurar el que te está poniendo en marcha. Un cliente potencial de ilustración no se pondrá en contacto contigo a menos que piense que eres capaz de cumplir con su visión a cambio de una cuota, y entregar la obra a tiempo. Aquí están los pros y los contras, creo, de tener un especialismo o un estilo distinto. Pros. Es más probable que te vuelvas bien conocido por una mirada en particular. A medida que desarrollaste una mirada definida, las posibilidades son que seas altamente eficiente en producir las ilustraciones hasta un plazo. Esto a su vez significa que los directores de arte tienen una buena idea del resultado de un proyecto antes de que te comisionen. También puedes brindar un servicio más personalizado para tus clientes, ya que entiendes las necesidades de su mercado. Por último, es más probable que consigas un agente si quieres uno. Algunos puntos que me gustaría hacer como ilustrador de alimentos nicho basado en mis experiencias, si un cliente se pone en contacto por mi estilo de comida, es más probable que esperen hasta tener espacio en mi programado para completar su proyecto. Además, es probable que paguen lo que he citado porque valoran el servicio que puedo brindar. Ahora puedo cobrar mucho más alto que hace unos años y atraer clientes que respeten mi trabajo en lugar de clientes que solo quieren algo rápido y barato. Estos son algunos de los contras por tener un especialismo o estilo. Es posible que a los directores de arte les resulte difícil saber qué van a obtener de ti si no puedes demostrar consistencia. Si se te pide que trabajes del mismo estilo una y otra vez, puedes arriesgarte al aburrimiento. Podrás trabajar con un número bastante limitado de negocios o mercados. Podría ser difícil ganar suficiente dinero con un estilo de trabajo. En una reciente encuesta a más de 1000 ilustradores, más de 65 por ciento dijo que no están ganando lo suficiente para vivir solo de la ilustración lo cual es realmente triste de escuchar. Mi sentimiento personal es para muchos ilustradores, hay una necesidad de ser versátil para poder sobrevivir. Siendo padre soltero, me comprometo a apoyar financieramente a mis hijos. Si tener una mezcla de estilos que ofrezca cosas diferentes a diferentes mercados es lo que me da suficiente trabajo para hacer eso, entonces claro, voy a diversificar. Yo quiero terminar diciendo, la única persona que puede decidir cuál es tu estilo, deberías ser tú. Déjate llevar por tus pasiones, como te expliqué, y úsalas como parte de tu brújula interior, que siempre está apuntando a tu voz única. 17. Tener una mente empresarial: primeros pasos: Es vital que trates tu profesión como un negocio, no como un pasatiempo. Es realmente útil acercarse a la creación de ilustraciones para su portafolio con una mentalidad empresarial. Es importante a medida que te embarcas en tu carrera como ilustrador freelance para entender las áreas en las que se encarga la ilustración y ser realista sobre dónde te puedes posicionar. Cuando comienzas o incluso si llevas un tiempo en la industria y estás luchando con qué proyectos te gustaría atraer. Deberías tomarte un tiempo para sentarte y hacer ejercicio donde puedes ver tus ilustraciones siendo utilizadas. Esto puede deberse a varios factores. Tu estilo de arte, para qué es apropiado, y los temas que más te gusta ilustrar. Por ejemplo, si te estás inclinando hacia un estilo adecuado para libros infantiles, entonces no será apropiado para la portada del álbum de una banda de heavy metal. Tómese su tiempo para determinar quién estará buscando su trabajo y eventualmente podrá adaptar su enfoque de marketing a esa base de clientes en particular. Es importante como ilustrador que conozcas a tu público objetivo, en este caso, a tus clientes. Esto evitará que te confundas en el futuro en cuanto a por qué algunos clientes potenciales simplemente no te contratarán para ciertos tipos de trabajo. Debido a que la ilustración es accesible, puedes encontrar en revistas, en librerías, en empaques, y en línea en estos días. Simplemente mantén un ojo abierto para todo lo que cuenta con ilustración y toma nota de ello. Ser consciente de la amplitud del mercado de la ilustración es muy útil para maximizar tu alcance. Explorando el campo que deseas ilustrar desde los cómics, para juegos las apps pueden ampliar tus posibilidades de éxito. Por ejemplo, la ilustración decorativa se puede ampliar más allá de las tarjetas de felicitación a regalos, tela o papel. Las ilustraciones de moda se pueden aplicar al trabajo editorial de estilo de vida, incluso la publicación de libros y el branding. Estos son sólo algunos ejemplos de dónde se puede encargar la ilustración. Libros, editoriales como revistas, publicidad, educación o en ilustraciones de libros de texto para niños. Ilustración médica, diseños de superficies para textiles, prendas de vestir y artículos para el hogar, tarjetas de felicitación, visualización arquitectónica, ilustración de empaques, caligrafía y letras manuales, incluso ilustraciones religiosas, y mazos de tarot y New Age art. Si alguno de los trabajos de la lista te suena extraño, entonces por favor adelante e investigarlos. Google es tu amigo. Busca una carrera en ilustración X, Y y Z. Investigar áreas clave con las que te gustaría involucrarte, te ayudará a medir la viabilidad de tu propio trabajo. Esto forma parte de construir tu base de conocimientos sobre el mercado y cómo opera actualmente. Mira las ilustraciones que se están utilizando en ese campo y compáralas con tus propias ilustraciones actuales y piensa de qué manera puedes hacer que tu portafolio parezca que pertenece a ese campo. Antes de ponerte súper serio sobre aspectos como los sitios web y contactar a los clientes, debes evaluar lo que ofreces realizando una evaluación honesta. Necesitas tener confianza en lo que estás entregando, quién lo comprará, y por cuánto. Este entendimiento es una buena base para cualquier negocio. A continuación te presentamos algunas preguntas sencillas que quizá quieras considerar. Preguntas sobre tu ilustración como producto. ¿ De qué tipo de ilustraciones disfruto produciendo, y tengo mucho? ¿ Qué puntos de venta únicos tengo? ¿ Quiénes son mis competidores? ¿ Quiénes son los otros artistas e ilustradores haciendo un trabajo similar a mí? ¿ Cómo es tu estilo o nicho de beneficio para los clientes? Todas estas preguntas y algunos extras están disponibles como hoja de trabajo PDF descargable. Esto es lo que la mía probablemente se habría visto a principios 2015 antes de que estuviera trabajando en proyectos de clientes. Identificar mercados o clientes apropiados con el fin de entender cómo podrían entrar sus propias ilustraciones, es invaluable para ayudarle a posicionarse comercialmente. Al encontrar ilustradores que admiras, realmente trata de entender por qué tienen éxito en lo que hacen. Otros sitios web y blogs de artistas pueden ser realmente reveladores sobre cómo se acercan a los clientes y el marketing. Puede ser trabajo contratando directamente vía correo electrónico para asesoría, como mencioné en mi video anterior. También quiero mencionar las ventas directas, que es vender arte directamente al público. No he hecho mucho de esto ya que ya tengo muchos mercados con los que estoy contento. No obstante, es posible que encuentres que crear un producto de principio a fin y venderlo directamente a los consumidores, ya sea de una tienda física o de una tienda en línea como Etsy es tu mermelada. Estarías trabajando puramente para ti mismo, no para los clientes y produciendo cualquier cosa, desde retratos personalizados hasta libros autopublicados. 18. Marketing y redes sociales: Este año por fin leí el libro de Seth Godin, This is Marketing. Honestamente, lo he estado posponiendo ya que tenía ideas preconcebidas de lo que debería ser el marketing, quizá con lanzamientos de ventas sórdidos y spammy, teniendo que hablar de tu producto. Bueno, este libro fue un cambio de juego y voy a compartir algunos puntos que realmente me ayudaron a entender lo que puede ser el marketing. Ojalá hubiera sabido la mayor parte de esto cuando estaba empezando a tener claro lo que estaba ofreciendo. En pocas palabras, dice Seth Godin: “El marketing es el acto generoso de ayudar a alguien a resolver un problema, su problema”. Aquí es donde entran las notas que hiciste para convertirte en negocios. El campo de la ilustración ya está abarrotado y todos luchan por la atención, por eso hay que ofrecer un servicio único. Es necesario entender a sus clientes, sus clientes, o a los usuarios finales de las ilustraciones que produce. Por lo que los directores de arte dentro de los campos de la edición o editorial, si están necesitando mapas, necesitarían ilustraciones claras para realzar el texto y explicar visualmente los famosos hitos de Escocia, por ejemplo. También ustedes, como estudiantes, son mis clientes. Siempre estoy pensando en formas de inspirar tu creatividad y llevarla al siguiente nivel, pero de formas divertidas sin abrumarte. Empieza por preguntar, ¿para quién es? Entonces pregúntate, ¿qué necesitan? Entonces, ¿qué puedo contribuir para satisfacer sus necesidades y beneficiarlas? Dice Seth, el marketing efectivo ahora depende de la empatía y el servicio. Al ofrecer soluciones, le das a los demás la oportunidad de resolver sus problemas y avanzar. Ahora veo el marketing como una oportunidad de servir, por eso comparto tanto como profesor en mi blog y en redes sociales. Seth piensa que a menudo hay una confusión al respecto. Tu marca no es lo que piensas, no es tu logo, ni los colores que usas, ni el diseño de tu sitio web. Según él, tu marca es tu promesa a los clientes, tus clientes, a los usuarios finales. Al prometerte algo y después mantenerte al día con tu promesa continuamente a lo largo del tiempo, ganarás a una leal base de fans. Si piensas en los fans como clientes, regresan a tus servicios de ilustración porque has demostrado que estás cumpliendo con tu promesa con ilustraciones que cumplen con su visión. El último paso a menudo se pasa por alto, y es el aparecer de manera regular, consistente y generosa durante años y años, que, de nuevo, alimenta en el bucle de compartir esos regalos y talentos únicos que tienes con el mundo. Si bien las redes sociales son vitales para hacer crecer a tu público, para los ilustradores, parece que Instagram es el método más popular para compartir tu trabajo de ilustración. Entiendo totalmente por qué ese es el caso. Es fácil de configurar y puedes empezar a publicar tus imágenes de inmediato. Para mí, Instagram es una gran manera de mantenerse en contacto con otros de la comunidad del arte e ilustración. Obtener elogios positivos en forma de comentarios o likes en una pieza que has publicado te hace sentir genial. La pregunta principal que la mayoría de la gente está interesada en conocer, es cómo crecí mis seguidores de Instagram a más de 130 mil. Honestamente, sí creció lentamente en los últimos cinco años y medio, eso es media década. Yo monté una cuenta en el verano de 2014, y estaba en privado hasta finales de ese año y tenía cerca de 500 seguidores. Para finales de 2015 había 10 mil seguidores, agosto de 2016, tenía 50 mil. No lo sabía en ese momento, pero en realidad estaba siguiendo el consejo de Seth. Estaba instintivamente apareciendo y compartiendo casi todo lo que estaba creando a diario. Yo había comprometido con varios proyectos de 365 días en mi cuaderno de bocetos. Mostraría mi proceso y insights así como las piezas terminadas. Para obtener más información sobre cómo incorporar Instagram como parte de tu negocio creativo, por favor echa un vistazo a mi clase de Skillshare, Instagram Success for Artists: 2 semanas reto para hacer crecer tu siguiente. Yo sí siento que el dominio de Instagram para muchos ilustradores puede distraer de otras formas de atraer clientes potenciales, así que me gustaría que mantuvieras una mente abierta. Las otras dos formas efectivas de conducir el tráfico a mi sitio web, es escribiendo blogs y a través de Pinterest. En realidad empecé un blog a mediados de 2013, lo llamé con entusiasmo, The Illustration Soul Journey, ya que quería documentar mi regreso a la ilustración, y no estoy seguro si alguien realmente lo estaba leyendo. Mi blog llenó esa brecha en el periodo intermedio cuando no tenía suficiente arte decente para poner en un sitio web. El clave aquí es, me acostumbré a compartir mis imágenes y procesar mucho antes de Instagram. Tan solo en el último año, mi blog trajo 10 mil visitantes a mi página web. Esto en realidad es más que los que están haciendo clic en el enlace del perfil en Instagram. Llevando esto de vuelta al punto de marketing que hice antes, escribo mi blog para ayudar a otros con publicaciones sobre ingresos pasivos, mantener cuadernos de bocetos, o practicar perseverancia. También escribí una entrada de blog sobre Pinterest a finales de 2015, ya que ya estaba teniendo un enorme impacto para mí en encontrar clientes de ilustración. Para mí, el 75-80 por ciento de mis clientes de ilustración me encuentran vía Pinterest. Se trata de un buscador visual, por lo que cuando escribes ilustración de alimentos, verduras, obtienes una gran selección de imágenes, que incluye mis puerros y tomates muy alto en las búsquedas. Imagínese a un director de arte emprendiendo este tipo de búsquedas de libros para niños o letras a mano. Otro ejemplo es, si escribes flores de acuarela, este es mi video de time-lapse que sube en lo alto. Estoy echando un vistazo a mis estadísticas. Se puede ver que ha sido visto más de 1.5 millones de veces y ahorrado 40.000 veces, y enlaza de nuevo a mi clase de florales orgánicos y expresivos en Skillshare. Este link click dice, 1,400 veces enlaza de nuevo a mi clase. Llegar con un marketing efectivo no sucede la noche a la mañana y tomará un tiempo considerable para afinar. Se trata del éxito a largo plazo sobre el zumbido a corto plazo que la gente puede olvidar rápidamente. En opinión de Seth Godin, uno de los defectos fundamentales en las estrategias de marketing es el supuesto de que hay que llegar a mucha gente. Piensa que lo que realmente necesitas hacer es ganarte su confianza. Dice: “Ser conocido por mucha gente no es realmente el objetivo, lo que realmente estás buscando es ser confiado, ser escuchado, hablar, e importar”. 19. Flujo de ingresos y desglose de ganancias: Desde el primer día, quería vivir cómodamente usando sólo los ingresos de mi arte e ilustración. Tu definición de cómodo y mi definición puede ser diferente, pero creo que es probablemente a lo que muchos de nosotros aspiramos. Cada uno tenemos diferentes estilos de vida y usos por el dinero que atraemos. En esta sección, empiezo por qué diversificar los ingresos como ilustrador es ventajoso y por qué ha sido esencial para mi éxito. También estaré cubriendo el aspecto de ingresos de la industria ya que rara vez parece ser abordado, o al menos hay muy poca información disponible públicamente. Como ilustrador autónomo, tengo muy poco control sobre cuándo un director de arte puede llegar a mí con un buen proyecto. En los primeros días, pueden pasar meses sin un proyecto comisionado. Por suerte tuve mis ingresos por las imágenes de stock y he acumulado constantemente más formas de ganar ingresos por mi arte e ilustraciones. Cuando el trabajo del cliente es lento, te llena de dudas paralizantes y te pone en una mentalidad de escasez, y así es como terminas diciendo sí a proyectos menos que ideales con presupuestos diminutos. Cuando se tiene un ingreso de 3, 4, o 5 más fuentes creativas, se reduce el riesgo de quedar sin ningún ingreso. Si una fuente de ingresos es baja, tienes otras fuentes para ayudarte a salir adelante. También te ayuda a evitar el aburrimiento en el trabajo dándote diferentes cosas que hacer todos los días. Apenas algunos ejemplos de ingresos diversos podrían ser vender arte personalizado en Etsy. Crear y vender plantillas de diseño en mercado creativo. Vende tarjetas de felicitación en sitios de impresión bajo demanda. Venda productos digitales como guías, descargue salvapantallamas en su sitio web, o desarrolle cursos electrónicos y venda en su sitio web. Elegir y configurar un flujo de ingresos a la vez. El planeamiento y lanzamiento de un nuevo arroyo es el que consume más tiempo. Evita la tentación de saltar en varias ideas a la vez ya poner tu foco en muchas áreas a la vez diluirá tus esfuerzos y te ralentizará. Muy importante, el proceso debe ser agradable. Si no es divertido, nunca te vas a quedar con ello. Construir flujos de ingresos exitosos requiere paciencia y tiempo. Por lo que el disfrute es clave. Este es el promedio de mis flujos de ingresos en los últimos tres años. Descomponerlo en estos porcentajes. Recibí 39 por ciento de la docencia. Esto incluye talleres en línea, presenciales, e incluye mis clases de Skillshare y algunas otras plataformas de enseñanza. Esos talleres presenciales de acuarela fueron en Londres y Nueva York. Recibí 36 por ciento de mis ingresos por trabajo de cliente comisionado. Se trata principalmente de ilustración alimentaria para empaques de marca, algunos editoriales y editoriales. catorce por ciento proviene de licencias de arte y diseño de superficies. El grueso de esto fue de tarjetas de felicitación, pero también incluyó otros productos de papel y regalo donde el 10 por ciento es de las imágenes en stock. Sigo recibiendo un ingreso maravilloso de esas imágenes de garabatos bursátiles, incluso después de todos estos años. uno por ciento era de Etsy. Fue entonces cuando estaría vendiendo paños de cocina y fue sólo por un tiempo muy limitado. Cuando solo tienes una fuente de ingresos, si se basa en el trabajo del cliente dependiente de la aprobación de otra persona, es difícil ser flexible, ya que la mayoría de nosotros es probable que seamos autónomos. Recuerda que somos nuestro propio jefe y podemos tomar el control de lo que funciona para nosotros. Existen muchos aspectos del ingreso que podemos controlar. Un ingreso diverso es tan importante para los artistas freelance ya que te da tranquilidad. Cuando extiendes las formas en que puedes ganar dinero, puedes amortiguarte contra esos tiempos lentos. Esto a su vez te da la capacidad de asumir proyectos que realmente te exciten, o crear proyectos más personales e ilustraciones significativas. Por último quiero darles cifras específicas por lo mucho que hice cuando apenas empezaba. Es raro obtener ese tipo de información, pero creo que puede ser muy valiosa al inicio de tu carrera de ilustración, y te puede ayudar a ser realista. Recuerda que estoy en el Reino Unido y el sistema tributario de tu país probablemente sea completamente diferente. En el primer año de operar bajo mi propio nombre, gané 18,000 libras esterlinas antes de impuestos y los gastos fueron deducidos. Al año siguiente en 2017, yo más que duplicé el año anterior, alcanzando mi cómodo nivel de ganancias. Sentí una sensación de alivio tan increíble. Fui a Grecia con mis hijos ese verano, y era una manera tan hermosa de celebrar con mucha buena comida y nadar en el mar Jónico. Para llegar a esta etapa, habían tardado casi cuatro años desde que tomé ese curso de maquillajes en 2013. El sector de la ilustración puede ser increíblemente duro, pero puede ser sostenible tanto financieramente como increíblemente gratificante. Sé que el dinero siempre es un tema difícil, pero quería abrir esta discusión y darles toda la información que pueda. Hablaré más de esto en los honorarios y video de negociación. 20. Editoriales y publicaciones: Sé que el campo de la ilustración es enorme, así que en lugar de repasar todos y cada uno de los nichos, me voy a concentrar en los que he vivido personalmente. No he hecho ilustraciones médicas ni visualizaciones arquitectónicas. En este video y los siguientes videos, les daré una visión general de la editorial, la publicación, el branding, el packaging, las licencias de arte, y la docencia. Cada uno de estos mercados podría en realidad ser clases por derecho propio. Si bien se hacen ilustraciones editoriales para describir una idea en particular, siempre acompañan un texto. El objetivo principal de este tipo de ilustración es realzar y expresar mejor la idea y el vibra general de una pieza escrita. El tipo de ilustraciones editoriales dependen de los textos para los que se dibujan. Hay ilustraciones para recursos web como blogs, revistas web, o noticias. Libros para adultos, ficción y no ficción, libros infantiles, libros infantiles de no ficción, enciclopedias, y también libros interactivos para tabletas. Después hay periódicos y revistas. La ilustración editorial se puede utilizar donde el texto sea importante ya que es un compañero esencial. Ilustración editorial fue lo que empecé a hacer desde hace mucho tiempo a finales de los 90. La mayor parte de mi trabajo fue utilizado para revistas de salud, belleza, y estilo de vida, todo desde horóscopos hasta poses de yoga, como en realidad podría ilustrar bien a la gente. Para demostrar que tenía confianza con mi estilo de trabajo de figura, tomaría algunos artículos que me gustaron e ilustrarlos yo mismo, para que un editor de arte pudiera ver mi acercamiento. A ellos les gusta ver que se puede presentar visualmente el punto clave de los artículos con ilustraciones que lo complementan. Cuando se te asigne un breve, habrá detalles como tamaños, diseño, algunas ideas que podría tener el editor, y también señalando consideraciones como dónde se sentará el tipo en una portada, el estado de ánimo general. El trabajo del ilustrador editorial es crear una imagen atractiva que tanto apoye y explique el texto que lo acompaña. Ya sea que se te pida trabajar en una portada, una media página, una página completa, o una serie de ilustraciones puntuales, es bueno mostrar que puedes trabajar en varias escalas diferentes y adaptar tus composiciones en consecuencia. La mecánica del rango de ilustración editorial no solo es de publicación a publicación, sino que también en estos días, revistas impresas necesitan tomar en cuenta cómo funcionan los diseños en plataformas digitales, para dispositivos móviles, así como publicados artículos en sitios web. Las comisiones de ilustración editorial tienden a ser más bien de último minuto con plazos muy ajustados, generalmente cuestión de días. Dependiendo del tiempo dado para el trabajo, debes mostrarles que puedes trabajar más rápido con bocetos, que eres conciso en tus ideas, y rápido en la ejecución. Este giro muy rápido fue una de las razones por las que no pude continuar con la editorial después del nacimiento de mi primer hijo. No creo que las tarifas realmente hayan cambiado tanto en los últimos 20 años tampoco, en mi opinión. Ahora, voy a mostrarles rápidamente algunos de los ejemplos en los que he trabajado dentro del campo editorial. Esto fue para la revista Sunday Times. Fue una serie de cuatro ilustraciones y el artículo se llamó Destinos Top para 2016. El director de arte ya había escogido qué texto quería ilustrar. Fue para Kenia, Sri Lanka, Costa Rica, y San Francisco. No obstante, tuve que decidir qué aspectos quería ilustrar. Para San Francisco, por ejemplo, el icónico Golden Gate Bridge, y como el texto mencionaba un nuevo restaurante mexicano, incluí un plato de tacos. Este ejemplo es para Waitrose Food Magazine. Fue para una característica especial sobre los woks, y necesitaban una serie de ilustraciones puntuales basadas en un liner muy simple con un poco de color. Esta es una sección que explica diferentes vapores que podrías usar, y también esto muestra cómo sazonar tu wok. Estos son en realidad los trabajos de línea originales que creé para ellos, y luego los escaneé y trabajé en ellos. En Photoshop se crearon las ilustraciones a todo color. El director de arte había visto en realidad mis cosas de cuaderno de bocetos en Instagram. La publicación de libros puede ser una rica fuente de ilustraciones por encargo. Las cuatro áreas principales en plataformas tanto impresas como digitales son la ficción, no ficción, la educación, los libros infantiles y las novelas gráficas. Las obras de arte se pueden encargar para las portadas, así como las ilustraciones interiores. Simplemente puede ser line art o a todo color. A menudo hay un gran equipo involucrado, que incluiría al editor, director de arte, tal vez el diseñador de diseño de páginas, autor, y tú, el ilustrador. tiempo de entrega para la publicación de libros, en mi experiencia, son mucho más largos, a menudo semanas o meses, ya que muchos factores tienen que ser tomados en consideración. Hay mucha comunicación entre todos los miembros del equipo antes de que la obra final pueda ser firmada. Aquí hay dos ejemplos para los que creé ilustraciones. Esto es para la portada del libro Hedonista Saludable. El autor, Nicole, me encontró en Instagram. El cuento fue que no estaba contenta con la versión anterior de esta portada de libro, y buscó la ilustración #food, en un tren que iba a Londres y encontró mi trabajo. Su libro trata de usar ingredientes naturales como el mango y la papaya, junto con cosas como la col rizada y el pepino, e incluso guisantes agregados a los cócteles para hacerlos saludables. Fue idea suya poner un cóctel de enfriador de guisantes en la portada porque sabía que hice muchas ilustraciones de frutas y verduras. Mis ilustraciones también cubren la columna vertebral, y hay frutas y verduras que aparecen en la contraportada. El breve que recibí del editor dijo dejara espacio para el texto del título en la parte superior derecha, y que dejara un espacio en la contraportada para más texto. Pero me dieron más o menos reinado libre con color y composición. El libro de SugarDetoxme fue un cuerpo fenomenal de trabajo, y se armó increíblemente rápidamente. Esta vez fue el autor el que me contactó y dijo, necesito 100 ilustraciones para este libro de cocina. Mis ilustraciones aparecen al principio de cada capítulo, así que es como un plan de comidas con mis ilustraciones. Pequeños ingredientes como espinacas, leche de coco, salmón, así como artículos como bandejas para hornear, platos, ralladores, y coladores. Debido a que fue un trabajo tan apresurado, realmente me hizo enfocar en agilizar mi proceso, lo que realmente ayudó para proyectos posteriores. 21. Marcas y embalajes: Uno de los usos más poderosos de la ilustración cuando se trata de branding es visualizar ideas complejas, abstractas como frescura, comunidad o seguridad. Esto es muy valioso para las empresas porque facilita a los clientes potenciales entender cuáles son sus valores. Algunas de las marcas más admiradas usan la ilustración para hacer que sus productos parezcan amigables, accesibles y mucho menos intimidantes que si solo se describiera en un bloque de texto. Las marcas pueden utilizar la ilustración para parecer únicas, y auténticas, y para distinguirse de los competidores y para crear una fuerte conexión con su público. La mayoría de las marcas con las que he trabajado han requerido ilustración de alimentos para sostener el mensaje de su negocio, ya sea un evento de comida pop-up en Toronto, o un supermercado orgánico en la Costa Oeste de América. Cuando se trata de empaques, imagen de marca suele construirse con varios elementos visuales diferentes, el logotipo, la paleta de colores y una fuente en particular. Además, las imágenes junto con el diseño del pack tienen que destacarse en un estante, y ser visualmente atractivas. Los clientes de alimentos con los que he tenido el placer de trabajar siempre quieren crear una imagen de marca fuerte para asegurar que los clientes asocien su producto con ingredientes de alta calidad y máximo sabor. En casi todos estos casos, trabajé con una agencia de diseño elegida por el cliente para manejar este proyecto. A menudo es el manejador de cuentas quien me contactará preguntando sobre disponibilidad, pasar los detalles básicos de un breve, para poder ofrecer una cotización. A menudo con marcas más grandes, tengo que firmar un NDA. Si consigo la luz verde, habrá un tablero de humor detallado basado en mucha investigación de mercado que muestra sus ideas y los resultados previstos. Desafortunadamente, no puedo mostrarles ninguno de ellos por esos NDA. A menudo tengo que cc por correo a tres o cuatro personas al enviar por correo electrónico bocetos o roughs de color. Eso ni siquiera incluye a su cliente, el fabricante de alimentos, quien tomará la decisión final sobre cómo se vería su pack, que podría ser después de dos o tres rondas de presentaciones. Hay mucho de ida y vuelta decidiendo sobre el tono o la textura de cada ícono de comida, o donde necesita haber más contraste, por ejemplo. En general, incluyo dos rondas de retroalimentación o modificaciones en mi contrato, que a menudo es suficiente antes de que se firmen las obras de arte. El empaque para Rama de Olivo fue uno de los primeros trabajos que me hice para una pequeña empresa que importó todos estos productos de su granja de olivos familiar en Creta. Han ampliado su gama a lo largo los años y he podido trabajar con ellos en todos sus embalajes. El logotipo de la marca fue diseñado por un diseñador gráfico, y también se le ocurrió el concepto y disposición para todos los alimentos de esta etiqueta. Hay un concepto erróneo cuando me contactan por fabricantes de alimentos muy pequeños que me ocupo de todo en una etiqueta desde el logotipo hasta ilustraciones listas para imprimir, pero el caso es que solo proporciono ilustraciones que un diseñador colocará y compondrá dentro de un diseño. Te estoy mostrando esta etiqueta para English Provender manzana, pera, y chutney de higo, ya que es interesante ver cómo los higos en la etiqueta Olive Branch son ligeramente diferentes y cómo se han utilizado de manera diferente dentro de estos diseños. En este caso, trabajé con un equipo de diseño bastante grande y dijo el manejador de cuentas, primero vieron mi trabajo en Pinterest. El breve para New Covent Garden Soup fue realmente genial porque pasé por una fase cuando estaba embarazada de ansiar la sopa de pescado, así que tengo buenos recuerdos de eso. Esto fue lo que se llama una re-marca, donde están actualizando el look y la sensación del envase anterior. Lo que muchas de estas marcas hacen es darme un concepto de cómo quieren que se vea el producto final usando el trabajo que han agarrado de mi página web, lo cual es genial porque ya tenía muchos tomates y hierbas. A pesar de que sí tienes que recordar, estás tratando de cumplir con su visión, por lo que tienes que asumir sus sugerencias. En este caso, sólo querían montones de salpicaduras extra en la obra de arte. Yo quiero agregar, a menudo hay una tarifa avanzada antes de empezar a bosquejar. el tiempo, si se trata de una pequeña selección de productos, puede tardar varias semanas. Si bien en algunos casos puede tardar varios meses si hay muchos productos diferentes en los que se colocarán mis ilustraciones. No me importa trabajar así ya que es un poco de ilustración o retoques cada día, y encaja en mi estilo de vida. Siempre trabajo en muchas capas en Photoshop porque muchas veces quieren hacer esos pequeños cambios, y significa que puedo hacerlo fácilmente sin destruir la obra de arte. Trabajaría en el branding de alimentos todo el tiempo si pudiera. A menudo me preguntan si me aburro de la ilustración alimentaria, y con toda sinceridad, no lo hago. La comida me hace feliz en tantos niveles, y también ver los productos en el estante es tan emocionante, y me hace realmente, muy orgulloso. Ojalá pudiera ir a Singapur o Australia para ver algunos de los productos que he ilustrado. 22. Licencias de arte y diseño para superficies: El primer curso en línea que tomé, [inaudible] House, estaba muy orientado hacia la concesión de licencias de arte dentro del campo del diseño de superficies como productos de papel, tela, y artículos de regalo por nombrar algunos. diseño de superficies es el desarrollo de estampados y patrones que pueden ser aplicados por las empresas en sus productos como artículos para el hogar, ropa, decoración, o utensilios de cocina. No siempre se vende el arte original, sino que simplemente se licencian las imágenes para su uso en productos comerciales. Para mí, requería una forma diferente de abordar mi negocio a lo que estaba acostumbrado, ya que tenías que crear arte temático e ilustraciones de antemano en lugar de ser comisionados. Fue una enorme curva de aprendizaje para mí descubriendo cómo investigar tendencias, paletas de colores estacionales, aprender a crear colecciones. En un principio, me pareció muy complicado meter mi cabeza en torno a esta forma de trabajar, sobre todo la comprensión de las tendencias junto con cómo los diferentes diseños necesitaban ser adecuados para muchos productos diferentes. Pude asistir a mi primera feria comercial de licencias de arte, Surtex en 2015, originalmente, al aceptar ayudar a un artista que tenía una cabina ahí, pero para el momento del espectáculo, había firmado con un agente de arte y mi trabajo también estaba expuesto en su caseta. Fue un momento muy emocionante para mí y me encantó conocer todos los diferentes artistas que estaban exhibiendo allí y caminando por el espectáculo. En su momento, las ferias comerciales de licencias eran la principal forma de atraer a clientes casi todos los principales fabricantes y compradores [inaudibles], y también fabricantes más pequeños visitaron este espectáculo en Nueva York. Fue ahí donde conocí por primera vez a algunos de mis clientes de largo plazo con los que aún trabajo, junto con Nate y Salli de They Drawing y Cook. Hay muchas clases sobre Skillshare sobre diseño de superficies y patrón de superficies, cuales te insto a que compruebes si estás interesado en crear obras de arte para este mercado. A pesar de que sí tengo muchos productos como resultado de las licencias de arte, quería mostrarles estos ejemplos particulares porque venían de mi trabajo de cuaderno de bocetos. Esta bolsa de regalo de flor rosa y tarjeta de Design Design es realmente bonita. No fue mi intención cuando creé el boceto real de que iba a ir a bolsa de regalo, y lo mismo otra vez con esta servilleta de pescado. El director de arte me había estado siguiendo por un tiempo en Facebook, y en realidad pudo reunirse conmigo en una feria de Londres, y dijo: “Por favor, traigan sus cuadernos de bocetos”. Debe tener una memoria fotográfica, porque diría: “Oh, recuerdo ese pez en tu cuaderno de bocetos y lo necesito para una ranura en particular”. En realidad solía molestarse un poco conmigo porque siempre fui muy lento enviando mi arte y me quedaría un poco atrás con las tendencias. Aun así, fue una gran relación. Se ha retirado, pero sigue al día con mi trabajo en Instagram. Se trata de tela que llamó Make Lemonade por Northcott. De nuevo, fue a partir de una pieza de cuaderno de bocetos de donde creé este patrón. Quiero volver a señalar, este boceto nunca fue concebido como parte de un patrón o una colección, y no fue hasta que estuve en el show de blueprint que me acercaron y pidió el cliente que lo ampliara a una colección de telas. No sabía cómo armar una colección, así que tuve que pedirle a su compañera maestra, [inaudible] que me ayudara, y ella me ayudó a pensar a través de algunas ideas. Eventualmente me asenté en el tema de la receta de limonada con jarras, letras de mano, y otros artículos de limón para esta colección de tela de 12 piezas. Estos productos: los tazones, servilletas, y los corredores de mesa, son mis piezas favoritas hasta la fecha. Estoy tan contenta de tener una colección de artículos para el hogar como esta. El director de arte había visto originalmente trabajos similares en mi página web y ella revisó mi Instagram y vio estos. Este fue uno de los pocos proyectos donde me pidieron específicamente crear ilustraciones vectoriales a partir de mis acuarelas por el proceso de impresión en estos cuencos. A menudo recibo preguntas de aquellos que no están familiarizados con la industria de licencias de arte que tienen ideas preconcebidas de cómo debe abordarse, y tengo que decirles que quizá no sea la mejor fuente de asesoramiento para sus necesidades particulares. En primer lugar, ya no creo colecciones, e incluso cuando lo hice, no serían más de cinco o seis diseños como máximo. ni siquiera agrego a mi cartera de licencias ya que tiendo a trabajar con un pequeño número de clientes repetidos que me siguen en Instagram. En estos días, la mayoría de mis regalías de licencias de arte son de tarjetas de felicitación, que probablemente disfruto creando más. 23. Enseñanza: Enseñar no era algo que considerara para nada al iniciar mi viaje. No obstante, desde entonces he descubierto que realmente, realmente lo disfruto, y que enseñar arte e ilustración en línea y también en persona es una manera fantástica de agregar otro flujo de ingresos. También me da la oportunidad de conocer a otros artistas en diferentes etapas del viaje y en todo el mundo. En realidad fue Skillshare la que primero me contactó porque había creado varios proyectos estudiantiles para las clases que he tomado yo mismo. Ignoré totalmente el primer correo electrónico de Skillshare para mí porque no sentí que hubiera nada que pueda enseñar. Eventualmente me engañaron a su programa de formación de maestros de un mes de duración, pero estos primer intento se pararon porque tenía un Mac tan viejo que no podía cargar iMovie. No fue hasta el verano de 2016 que finalmente lanzé mi primera clase llamada ilustrar tu receta afrutada favorita, un tutorial sobre la creación de una receta ilustrada a partir de bocetos de línea. En cuanto se puso en marcha, la clase atrajo a más estudiantes de los que esperaba y el increíble proyecto pronto comenzó a rodar. Estaba tan drogado como no tenía ni idea de que esta clase iba a crear tal zumbido. Me pareció que esto era realmente alentador. Finalmente creé 12 clases a lo largo de 12 meses, lo que suena increíble, pero fueron principalmente tutoriales cortos. Uno de los mayores beneficios para mí fue el aspecto comunitario que se construyó en torno a la enseñanza, y las relaciones significativas que formé con otros profesores de Skillshare y también con los propios alumnos. Me encanta ver sus interpretaciones de ciertos conceptos y demostraciones y cómo lo habían hecho realmente único para ellos. Muchos de estos estudiantes nunca habrían podido estudiar conmigo en persona si no impartiera clases en línea. En 2018, pude albergar el primero de mis talleres de acuarela presencial en una pequeña galería de mi pueblo natal. Fue un evento tan alegre y estaba totalmente emocionado con este enfoque. Poco después, hubo más talleres presenciales de acuarela en Londres cuales tenían una energía grupal tan grande que adoraba. El último taller presencial fue en Nueva York en la sede de Skillshare, y me sentí como si estuviera en un alto todo el tiempo ya que me encantaba conocer a todos y solo deseaba que tuviéramos más tiempo esa noche. Si quieres considerar la enseñanza, estas son algunas de las consideraciones que podrías necesitar ver. Decida qué enseñar. Puede sentirse abrumador, por lo que lo mejor es identificar las cosas más fáciles que haces. Lo mejor es empezar con bolígrafo y papel, anotar cada técnica que utilices en tu arte e ilustraciones, y luego dividirla en los pasos más pequeños posibles para tener una buena idea de qué enseñar. Entonces tienes que decidir si quieres hacerlo en persona, en tiempo real o pregrabado. En realidad estoy filmando esto en una época de COVID, pero no durará para siempre. Todavía vale la pena preguntarte si estás emocionado por la idea de dar una clase en vivo e interactuar con los alumnos o si te gustaría que te grabaras creando una pieza y luego editando el video en posproducción. Enseñar un curso en vivo te permitiría interactuar y proporcionar comentarios a tus alumnos en tiempo real, podrías vender tus clases online en tu propia página web. Esto le permitiría retener la información de los clientes así como un 100 por ciento de las ganancias. También podrías incorporar chats en vivo y demos vía Zoom, lo que te permitiría interactuar en tiempo real con tus alumnos. Una de las ventajas de las plataformas de enseñanza en línea establecidas como Skillshare y Teachable es que puedes ponerte en marcha rápidamente con un curso estructurado. También es mucho más fácil obtener visibilidad en un mercado que promocionar en tu propio sitio web y ser profesor en solitario. Te prometí que no soy la persona más técnicamente mente, y producir la primera clase realmente se estira mi habilidad en esta área. Empecé muy básico, usando mi iPhone y un pequeño micrófono. También tenía una abrazadera para iPhone colocada en mi mesa de centro frente a la puerta de mi patio por lo que solo podía usar luz del día. La edición del video también fue una curva de aprendizaje. En general, hay una gran inversión inicial de tiempo. Enseñar en persona y en línea cumple mi objetivo de vida de inspirar a los demás con sus creatividades. Ver su energía, entusiasmo, y talento de los estudiantes es realmente inspirador y en realidad me ayudó a ser un mejor maestro, un artista. Crear un espacio para que los estudiantes crezcan y exploren cuando comparto conocimientos útiles es una sensación realmente maravillosa. 24. Clientes: cómo encontrarlos y contactarlos: ¿ Cómo se obtiene el trabajo de ilustración real? Nuevamente, este es un proceso que se volverá más fácil con el tiempo a medida que ganes confianza. Antes de empezar, quiero decir que esto se basa puramente en cómo solía encontrar clientes. Hay un montón de diferentes técnicas que funcionan para diferentes personas. En los muy primeros días, empecé haciendo una horrible cantidad de investigación en las áreas en las que me interesaba específicamente. Yo investigaría revistas que llevaban ilustraciones o iría a una librería con pluma y papel y apuntaría a todas las editoriales que usaban ilustración, a veces tendrá el nombre del diseñador en la portada interior. También leería los blogs de otros artistas que tienen trabajo similar al mío y averiguaría quién los comisionaría. A menudo, volteaba la parte inferior de la tarjeta de felicitación y calendarios y veía otros productos ilustrados que me gustaban y echaba un vistazo al nombre de la empresa, que a menudo se escribe en algún lugar del producto, luego volver e investigar el sitio web más tarde. Sí necesitas ser realista sobre los lugares que comisionarían trabajo con un estilo similar al tuyo. Esto es realmente importante ya que no quieres perder el tiempo sometiéndote a lugares donde definitivamente no encajarías porque es poco probable que obtengas una respuesta. Existen diferentes formas en que puedes acercarte a la investigación, la más fácil es literalmente para Google, puedes escribir en comisiones de ilustración de libros en la barra de búsqueda y al instante tienes una lista de lugares que actualmente están aceptando envíos. También encontré que LinkedIn era un buen lugar para averiguar quiénes serían las personas importantes que encargan una ilustraciones. Básicamente escribo, director de arte y empresa XYZ o la publicación, y conseguirías que surgieran toda una serie de nombres y tendrías que investigarlos individualmente. Registraría toda esta información en una hoja de cálculo realmente simple que tendría el nombre de la empresa, el nombre del director de arte, y su información de contacto. Muchos sitios web de la empresa tendrán una página de envíos o un enlace que diga contacto o carreras y, a menudo, el sitio web declarará sus requisitos de envío. En ocasiones podrías enviar un correo electrónico o tener que completar un formulario, y también tendrías que enviar alguna información sobre ti con muestras de tu trabajo. Algunos pedirán un número específico de imágenes y solo aceptarán archivos lo-res. Cada página de envíos es diferente, así que asegúrate de seguir sus reglas. Ya que probablemente estarías enviando decenas de correos electrónicos a directores de arte y editores, a menudo guardaría un email de plantilla general para presentaciones y luego copiaría y pegaría varias secciones diferentes dependiendo de quién sería el cliente potencial, y luego también tratar de hacer los correos lo más personales que pude. directamente por correo electrónico a un director de arte en una editorial o revista puede parecer muy desalentador de lo que realmente es. En un momento dado los llamaría realmente pero en estos días sé que la gente prefiere el correo electrónico. Aquí hay algunos consejos de correo electrónico que realmente han funcionado para mí, sé que estos pueden no funcionar para todos. Elige una línea de asunto relevante, algo sencillo como, me interesa trabajar contigo o arte a consideración, generalmente funciona bien. Mantenlo corto. La gente que lee estos correos electrónicos está muy ocupada, así que hágales saber tu nombre y qué haces lo que fácilmente se puede cubrir en una frase. También escribe otra frase mencionando algo más personal sobre por qué quieres trabajar con ellos. A pesar de que puede ser desalentador cuando no obtienes respuesta, es muy frecuente porque aún no tienen el proyecto adecuado para ti. El editor de la revista Artists e Illustrators tuvo mi info durante varios años antes que me contactara sobre un proyecto el año pasado sobre ilustrar comida en tu cocina. A menudo si les gusta tu trabajo, mantendrán tus datos en registro y te contactarán si tienen un proyecto que requiera de tus habilidades o estilo. Vale la pena ponerse en contacto con ellos de nuevo, tal vez en seis meses si has trabajado en un nuevo proyecto y quieres mostrarles un portafolio actualizado, de esta manera puedes recordarles quién eres y qué haces. Como dije, esto es lo que solía hacer en los primeros días y sí recibí algunas respuestas positivas diciendo: “Sí, nos encantaría trabajar contigo en el futuro” para después volver a escuchar nada. No obstante, desde 2015, no he tenido que acercarme a los directores de arte porque muchas veces me han buscado, esto se debe a que tengo muy claro el nicho en el que quería trabajar y configurar mi marketing. Toda mi mercadotecnia se basó en torno a aquellos que comisionarían proyectos de alimentos. Fue mucho un caso de trabajar más inteligente, no más duro. Una cosa más, si recibes correos electrónicos de rechazo, en realidad sí significa que has sido visto por alguien y se han tomado el tiempo para responderte, tómate un momento para estar orgulloso de ti mismo por tener la confianza de poner tu ilustraciones por ahí, y reconocer que el rechazo a menudo significa que estás empujando tus propios límites fuera de tu zona de confort. En realidad es posible aprender más sobre tus clientes, construir tu confianza y convertirte en un mejor ilustrador aprendiendo cómo abordar el rechazo de manera diferente, así que no dejes que el rechazo te haga dudar de ti mismo o de tus habilidades. 25. Clientes: tarifas y negociación: Al principio, cuando te acercas un cliente que te ofrece un proyecto, puede ser realmente emocionante, pero también un poco desalentador. En realidad podría estar pensando en este momento, esta lección es tan corta porque es un tema tan importante. En realidad, los aspectos de los contratos y los precios pueden ser toda otra clase en sí misma, ya que hay tantas variables a considerar dependiendo de qué mercado se utilizará la ilustración, si es blanco y negro, o color, el uso derechos, y también en qué países. Entonces, en lugar de hablar de detalles, quiero esbozar los aspectos más importantes de honorarios, contratos, y negociación, ya que cada proyecto de pago único tendrá diferentes consideraciones y niveles de complejidad. Lo que digo son sólo lineamientos generales basados en mis propias experiencias. Por favor, no te abrumes si eres nuevo en esto ya que hay mucho que aceptar. En primer lugar, recomiendo encarecidamente comprar una copia del Manual del Gremio de Artistas Gráficos. El precio original de mi versión era de 40 dólares, pero en realidad lo encontré de segunda mano. Cuando empecé, era un recurso invaluable ya que tenía de todo, desde derechos y cuestiones legales, contratos estándar, formas de acuerdo de artistas, y una guía de precios muy útil para ilustraciones. Esto cubre honorarios comparativos para todo, desde portadas de libros, ilustraciones de moda y estilo , ilustraciones técnicas, etc. También hay un capítulo sobre tarifas para el diseño de superficies y textiles para cosas como manteles tejidos hasta envoltura de regalo. Incluso hoy, uso este libro para referirme a cada proyecto que entra. Justo cuando entraron mis primeras comisiones pagadas, me uní a la asociación de ilustradores en el Reino Unido. Yo había sido miembro después de salir de la universidad, así que sabía que ellos también podrían proporcionarme una gran cantidad de información por la cuota de afiliación. Una de las ventajas fue ese departamento que te ayudaría con cotizar cuotas para nuevos proyectos para asegurar que mis honorarios estuvieran en línea con los niveles actuales de la industria para una comisión específica. Como la membresía fue por un año, hice pleno uso de ella, y me puse más seguro de qué citar, qué buscar en un contrato, y también pedir anticipos y honorarios de cancelación. Por favor, no sostengan una mentalidad de escasez y piensen, no puedo permitirme ese libro o no puedo unirme a ese cuerpo profesional. Piensa en cosas como esta como una inversión en ti mismo y en tu futuro negocio, poniendo valor a tu trabajo. Es una sensación maravillosa que llego a hacer lo que amo como carrera. También vale la pena recordar que he invertido una increíble cantidad de tiempo, esfuerzo, aprendizaje y dinero en esta carrera. Para reflejar esto, espero que me paguen en consecuencia. Por mi ilustración de comida, por branding, cobro por ícono, aunque sea una simple rebanada de limón. Ese limón tiene muchos años de experiencia y refinamiento detrás de él. A menudo, hay horas de investigación, esbozando diferentes conceptos y rutas para asegurar que un cliente reciba la mejor solución de video posible para sus necesidades. Incluso si estás empezando, aún debes esperar la tarifa en marcha. Trata de recordar que es una transacción comercial y a veces los clientes potenciales necesitan ser educados sobre el verdadero valor de lo que hacemos como ilustradores. La primera etapa de formar un contrato ocurrirá cuando un cliente potencial se acerque a un ilustrador , a menudo vía correo electrónico. En estos días eso es más común que una llamada telefónica. Algunos clientes serán muy minuciosos y te darán un esbozo claro de lo que necesitan, mientras que otros pueden ser un poco más lanosos. Debes asegurarte de entender completamente lo que se requiere y bajo qué términos. En esta etapa, hay que ser diligente sobre cuántas imágenes se adquieren, en qué tamaño se reproducirán, y dónde se publicará la obra. Siempre vale la pena preguntar si es por un pitch, donde han estado contactando a otros ilustradores sobre el mismo proyecto y están a la espera de escuchar de nuevo sobre todas las diferentes tarifas que se han cotizado. Una de las cosas más complicadas de ser ilustrador freelance es establecer tu precio. No existe tal cosa como una tarifa estándar, por lo que hay que poner en esfuerzo para investigar tasas que sean aceptables para usted y su cliente. Las tarifas por diferentes comisiones se basarán en el uso, la duración, y el territorio. Generalmente, cuanto más largas sean utilizadas sus ilustraciones, mayor será el tamaño y el territorio, mayor será la tarifa. Juzgar honorarios por proyectos mejorará con la experiencia, lo que puede incluir cometer algunos errores. Si bien es desafortunado, es parte de la curva general de aprendizaje de ser ilustrador. Antes de aceptar cualquier comisión, asegúrate de estar satisfecho con todo. Es mucho mejor pedir más tiempo si crees que necesitas pensar las cosas en lugar de tomar decisiones precipitadas. Es bastante normal consultar tu manual o la asociación de ilustradores para obtener una visión más clara de cómo proceder. Ser profesional con tu respuesta, delinear áreas que deseas negociar es común. Por favor, haga saber al cliente si tiene alguna inquietud. Aquí te dejamos algunos consejos que me funcionan. Si se trata de un proyecto realmente grande, pide una llamada de Zoom para aclarar o entender mejor lo que se espera. Una vez, no me di cuenta que un cliente quería que arreglara los iconos dentro de un diseño agradable, y al final, tuve que contratar a un diseñador gráfico para que me ayudara. Pregunte siempre cuál es el presupuesto del cliente. Muchas veces, es más de lo que podrías pedir. Nunca hay daño en preguntar. Entra con una cotización un poco más alta para que haya espacio para que bajes un poco la cuota durante las negociaciones donde te has asentado en algo que es aceptable para ambos. Pregunta si hay un avance porque la mayoría de las veces estarán abiertos a esto si se trata de un proyecto más grande. Siempre pide más tiempo si el plazo es muy apretado y hay que trabajar en torno a los proyectos existentes. No debes trabajar demasiado para encajar en cualquier plazo corto que te den, ya que probablemente no des los mejores resultados. Si el uso propuesto no es razonable, ofrezca una alternativa o sus términos preferidos. Sea asertivo sobre sus requerimientos, y renegocie si es necesario. Todo contrato debe tener detalles de lo siguiente, uso, cómo va a ser utilizada por el cliente la imagen. Puede tener múltiples usos a través de diferentes medios, como impresos y digitales. Duración, el tiempo para el que el cliente puede utilizar la imagen. Territorio, donde se utilizará o venderá el producto, y en qué países. Averiguar exactamente para qué necesitan los clientes utilizar el trabajo habilita retornos justos y te ayuda a negociar las tarifas de manera adecuada. No sucede a menudo, pero me ha pasado cuando se cancela un trabajo a mitad de camino o si el cliente decide que la obra final no cumple con sus expectativas. Te recomiendo hacer que sea un hábito incluir una cuota de rechazo en tu contrato. Esto puede ser en cualquier lugar entre 50 a 100 por ciento del precio completo. 26. Autocuidado: autocuidado fue algo con lo que realmente luché. De hecho, no creo que le prestara mucha atención cuando empezaba esa transición, que en retrospectiva fue un enorme error. Ser ilustrador tiene muchos retos ya que somos emprendedores y tenemos que llevar una tonelada de sombreros diferentes. Muchas veces llevaba demasiados sombreros y las consecuencias fueron mala salud física y mental. Porque cuando estás tratando de hacer malabares en redes sociales, trabajo personal, trabajo clientes, lidiar con el divorcio y convertirte en padre soltero, algo tiene que dar. En realidad tuve dos brotes de neumonía en tres años porque estaba tan agotada y casi corriendo en vacío. Había ido a los extremos en la búsqueda de crear consistentemente trabajo de calidad para los clientes y empujarme fuera de las zonas de confort a la hora de producir trabajo personal. Estaba persiguiendo mi propia cola, trabajando demasiadas horas, no dándole a mi cuerpo el descanso y la nutrición que necesitaba. Esto llevó al burnout en 2018. No encontré alegría en crear algunos aspectos de la ilustración. No fue un momento productivo para mí. Hay momentos incluso ahora en los que lucho por encontrar un equilibrio entre ser creativo, ser madre, ser mujer de negocios, y encontrar el tiempo para mí mismo. Soy mucho mejor de lo que solía ser. De lo que me di cuenta en 2018 es que tengo que mantenerme saludable ya que mis hijos merecen una mamá feliz y también para sostener un largo negocio de ilustración, me interesa mantenerme saludable, tanto mental como físicamente. Ahora tengo algunas prácticas diarias de autocuidado que realmente me han ayudado a estar atento, estar presente, y mantenerme fuerte para poder seguir ganándome la vida de mis pasiones. Desde que empecé a hacer estas cosas consistentemente hace unos años, he podido disfrutar mucho de lo que hago, mucho más y he podido mejorar mi confianza como madre e ilustradora. A menudo me tambaleaba de abrumar, envuelto en todo tipo de ansiedades. A pesar de que todavía tengo que lidiar con los retos, mi mentalidad y perspectiva cuando me enfrento a ellos ha cambiado drásticamente. Tuve que echar un vistazo largo y duro a dónde estaba mi negocio a mediados de 2018. Tenía que ponerme mi sombrero realista y pragmático. Me di cuenta de que he estado diciendo sí a proyectos por miedo a perderme. El maquillaje, ese curso de ventas era muy pesado en las licencias de arte y lo perseguí implacablemente con un agente de arte y más tarde con un show en solitario. Por supuesto, las licencias de arte se adaptan a muchos artistas e ilustradores. Pero me di cuenta de que realmente no se ajustaba a mi estilo de vida particular, mis circunstancias familiares, o a la forma en que me gusta trabajar. Dije no a los caminos que no disfruté y sí al camino que hice, que era básicamente tarjetas de felicitación. Además, empecé a decir no a proyectos de ilustración con presupuestos más pequeños. Me di cuenta de que mi tiempo era precioso y sólo podía decir que sí a mis máximas prioridades. Traté de mantenerme lo más equilibrado y atento posible mentalmente. Hago esto escribiendo mis sentimientos y pensamientos cada mañana. Básicamente un volcado cerebral masivo de lo que he planeado para el día, ideas, y todas las ansiedades. Al trabajar a través de ellos así, a menudo encuentro que aparecen soluciones simples. Encuentro que es una gran manera de desordenar todos los diferentes pensamientos que están girando por mi mente y de organizar los que podrían ser útiles y dejar salir los que realmente me están molestando. También trato de tener otro momento tranquilo para mí antes de irme a la cama apuntando algunas cosas por las que estoy agradecido y cosas que hice bien ese día, aunque simplemente fuera encontrar al gato y llevarla a los veterinarios. Caminar era algo que no hice mucho. A menudo pasar días enteros encerrados en el interior durante el invierno. En realidad comenzó con un reto de conteo a 10K trotar con mi amigo y descubrimos nueva ruta en el campo alrededor de donde vivimos. Pero en los días que no corrimos, me encontraría ansiando esos carriles campestres o caminatas frondosas. I post IG historia llamada paseo y pensamientos donde compartiría pequeños fragmentos de cómo me sentía ese día. No tenía distracciones de e-mails ni de niños, así que me dio la oportunidad de encontrar bolsillos de quietud y tranquilidad. Similar al diario, caminar me ayudó a resolver ese revoltijo y desorden de mi cabeza. En general, esas salidas casi diarias han mejorado mi autopercepción y autoestima así como mi estado de ánimo general. Dirigir un negocio creativo es duro, sobre todo cuando estás corriendo en vacío. Ahora trato de estar presente, tomar una acción auténtica, y siempre me presento con una actitud cariñosa. Ahora he podido crear más espacio para respirar para lo que es importante y las cosas que amo y las personas que amo. 27. Reflexiones finales: Espero que esta clase haya ayudado a los aspirantes a ilustradores a tratar de perseguir sus pasiones. Al solo mirar hasta el final de esta clase, has mostrado cierta determinación para saber un poco más sobre la industria de la ilustración y cómo puedes tallar un lugar realmente único dentro de ella. La ilustración es una profesión competitiva y exigente que requiere una diversidad de habilidades y pericia. El mito de un artista hambriento es exactamente eso. Es un mito y bastante dañino ya que soy prueba de que es posible. Honestamente sí empecé con nada. No soy más inteligente que tú. No tengo las mejores habilidades de dibujo ni siquiera las mejores tácticas de marketing, pero de alguna manera he logrado labrar la carrera de mis sueños incluso después de un doloroso divorcio. Espero que esto ilustre con algo de coraje y determinación. Si yo puedo hacer esto, tú también tienes el potencial. La carrera de ilustración que tuve antes de tener hijos fue bastante agradable para empezar. Revisé totalmente mi portafolio después de la graduación porque no pude encontrar a ningún tomador para los estampados de Moody Mono que produje como estudiante. Las revistas en su momento tenían ilustraciones de mujeres bastante bellas. Por lo que decidí saltar a este carro y llené mi portafolio de trabajo de figuras de gente de moda. Si bien financieramente fue una gran jugada. Siete años por debajo de la línea y fuertemente embarazada, poco me iba desvaneciendo cada vez que recibía un breve con otra belleza bronceada. Sé por experiencia de primera mano que maniobrar una cartera puramente por recompensas financieras en lugar de alegría no es sustentable. Es por eso que a partir de 2013, me incliné hacia atrás para tallar un camino a través ilustración que valdría la pena y atrayera para mí. Esta carrera de ilustración que tengo ahora es todo lo que soñé ya que me da el estilo de vida que quiero. El 2020 fue el año del COVID, así que no pude visitar el norte de Tailandia o Dubai con mis hijos, pero seguirán ahí cuando podamos viajar y aún tengo sueños masivos de viajar por el mundo. El talento por sí solo no te llevará donde quieres estar. Establezca sus prioridades en función de lo que se sienta bien para usted y obtenga conocimiento de su mercado o nicho, junto con la capacidad de establecer redes, decirle a los demás lo que puede hacer y tener un portafolio de trabajo para respaldar sus reclamos es un gran objetivo. Crea tu propio impulso con el trabajo personal como imán para dibujar en los clientes y en los proyectos que quieras. No te sientas demasiado presionado para inclinarte hacia las tendencias. Simplemente sé tú mismo y crea que a otros les gustaría y aprecian tu arte y eventualmente a algunos les gustaría que tus ilustraciones lo suficiente como para cambiarlo por un buen dinero. Tu portafolio solo debe contener trabajos del que te sientas orgulloso. Incluye ilustraciones que reflejen lo que realmente disfrutas creando en lugar de basarte en cualquier estilo o tendencia. Si todavía estás al comienzo de tu transición como ilustrador, no debes desanimarte si eres portafolio no es del todo el paquete completo todavía, y por favor no te preocupes por tomarte unos años para poner en forma esa cartera. Como vieron y escucharon, me ha llevado bastante tiempo ganar un ingreso cómodo para mis ilustraciones. El resultado final es tener muchos pacientes, si aún estás tratando de averiguar cómo ser notado y hacer una carrera sustentable en esta industria. Si te sientes indeciso sobre si dar el salto, toma un pedazo de papel, y pregúntate, ¿qué gano al no hacer nada sobre perseguir una carrera en ilustración o cualquier negocio creativo? Anote todo lo que venga a la mente, y luego anote qué podría ganar de seguir una carrera en ilustración y luego compare los dos, y esto podría ayudarte a decidir. Por favor, utiliza esos PDF para escribir tu futuro ideal donde la ilustración juega un papel en tu felicidad. Realmente espero ver tus tableros de Pinterest que reflejarán lo único y sorprendente que eres. Te exhorto a que vayas a crear ese futuro convincente donde estés usando tus habilidades y habilidades en áreas de crecimiento constante para una extraordinaria vida creativa como ilustrador.