Técnicas en acuarela para pintar tonos de piel

1. Avance: Hola, mi nombre es [inaudible], y por un lado soy diseñador gráfico e ilustrador que vive en España, y por el otro lado ayudo a gente creativa como tú. No estamos conduciendo portador porque realmente creo que usted merece ganarse la vida de su pasión. Hablando de pasiones, soy un enorme fan de los colores. Podrías estar pensando por qué está hablando de colores para pintar tonos de piel, si puedo pintarlo usando uno o dos colores. La verdad es que puedes, pero como entusiasmo de color, puedo decir que necesitas entender cómo se comportan los colores y cómo mezclarlos puede ayudarte a mejorar mucho tus pinturas y hacerlas lucir más interesantes. Es por eso que en estas habilidadesCompartir en clase, voy a compartir con ustedes los consejos y técnicas, sobre todo respecto a los colores que tomo en cuenta cuando pinto tonos de piel usando acuarela. Esta clase se divide en dos partes. En la primera parte se abordan temas como el uso de debajo de la pintura, mezcla de colores y las canciones de color de la fe. Sé que suena aburrido, pero confía en mí, esos son los conceptos que te ayudarán a obtener estos resultados. En la segunda parte, te compartiré tres ejercicios diferentes para que elijas en función de tus habilidades y del tiempo que quieras invertir, poniendo en práctica lo que aprendiste. No quiero que te sientas intimidado por este tema. Además, no te abrumes por la duración de esta clase. La mitad de la clase soy yo compartiendo cómo hice cada ejercicio, donde el primer ejercicio es sobre el experimento con colores, es actividad divertida y rápida que puede ser absolutamente punto de partida si eres principiante. El segundo ejercicio se trata de pintar dos veces una porción de la cara, una con debajo de la pintura y la otra sin ella. El último ejercicio que propuse practicar, va bien si tienes más experiencia porque se trata de pintar un retrato con al menos dos tonos de piel diferentes. También compartiré un montón de intervalos en el área de recursos para que sea fácil para ti abordar cada actividad. Me lo pasé muy bien creando esta clase y espero que la hayan disfrutado tanto como yo, ya que la completamos. 2. SUMINISTROS: Para esta clase, vamos a utilizar papel de acuarela. Yo también voy a usar estos. El que actualmente estoy usando para mi ejercicio y para la práctica es el pad de acuarela de Strathmore solo porque me encanta el formato. Una de las cosas que debes tener en cuenta al elegir un papel de acuarela es su peso. En este caso, ambos son 300 gramos. Eso significa que son papeles pesados, por lo que resisten más pintura y el agua que un papel más delgado que tiende a bloquear agujeros realmente rápido. Otra cosa a tener en cuenta es si es prensa fría o papel de prensa caliente. El papel de prensa fría tiene un poco de textura como se puede ver aquí. Si bien el papel de prensa caliente tiene una superficie lisa que funciona perfectamente para los detalles. Por eso voy a usar esta almohadilla para mi proyecto final. Ahora, hablemos de acuarelas. Voy a usar mi set de acuarelas Winsor & Newton Cotman y Sennelier, cual combino aquí porque hace poco me mudé a España y tengo que reducir el número de cosas que podrían traer conmigo. Posteriormente te diré los colores específicos que solía mezclar cada tipo de un tono de piel. Además, usaré mi juego de cacerola de Acuarelas Prima Marketing. La razón por la que lo voy a usar es para mostrar cómo mezclar unos tonos de piel si tienes una paleta de colores pequeña o no tienes los pigmentos específicos que voy a usar. En cuanto a los pinceles, estoy usando la marca Aqualon de Royal y Langnickel. Son pinceles redondos sintéticos, y como casi todo lo que voy a pintar es pequeño, probablemente usaré la talla cero y un número dos o cuatro. Elige el tamaño del pincel que se sienta más cómodo para ti. Por otro lado, una herramienta que te recomiendo tener y que voy a estar usando en esta clase para explicar cómo se comportan los colores, es la rueda de color. También usaré: un recipiente con agua, un tazón de cerámica, una toalla de papel, o una esponja, una goma de borrar, un Prismacolor Col-Erase. Este es rojo carmín, y un lápiz mecánico, éste es un HB, y una hoja en blanco de papel y papel de calco para transferir el retrato al papel de acuarela. Ten en cuenta que a pesar de que te muestro las marcas que uso comúnmente, no necesitas usar exactamente lo mismo. Simplemente creo que es interesante saber qué materiales utiliza cada artista. Si quieres compartir qué materiales vas a estar usando, me encantará saber. De acuerdo, empecemos. 3. Técnicas de acuarela: Antes de sumergirnos profundamente en acuarela de tonos de piel, quiero hacer un breve resumen de las técnicas básicas de acuarela que vamos a estar utilizando en esta clase para que cualquier persona, incluso yo principiante pueda abordar los ejercicios. Por cierto, uso mi lápiz mecánico y una regla para dibujar esta hoja de trabajo y luego uso el Prismacolor Col-Erase para dibujar las formas. Yo voy a pintar, pero no necesitas hacer esto solo soy yo siendo yo. Entonces, borro cualquier marca de lápiz y para aligerar lo que dibujé, uso borrado regla desigual. Hablemos primero de transparencias. En acuarela es importante recordar que es una técnica donde debes aplicar capas semitransparentes de pintura y para eso usamos agua. Cuanto más agua utilicemos, más transparente y más claro será el color. Para nuestro primer ejercicio, vamos a pintar una pequeña escala de valor de un color, lo que significa que vamos a crear un callejón oscuro y a mezclar valores de un solo color. Agarro un poco de agua con mi pincel y luego agarro color para ponerla en mi paleta. A pesar de que estoy mezclando el valor más oscuro aquí, lo que significa que es mi mezcla más concentrada y menos transparente, siempre necesito agregar al menos un poco de agua para poder usar la acuarela. Para crear valores más ligeros, voy a añadir más agua gradualmente a mi mezcla hasta alcanzar el valor más ligero, que también es el más transparente. Es así como obtienes cuatro valores del mismo color y como mencioné antes, esta es una pequeña escala. Se pueden crear más valores entre ellos. Yo voy a hacer lo mismo pero con otro color. Ahora hablemos de gradientes. Para pintar gradientes, tenemos que hacer lo mismo que hicimos en el ejercicio de transparencia. Lo importante aquí para conseguir una transición suave es agregar más pintura mientras que la última pintura que apliques aún está húmeda. Ahora para pintar el gradiente de un color a otro, utilizo la misma técnica solo que en vez de agregar agua, voy a agregar color poco a poco. Voy a pintar cada color aquí para tenerlo como referencia para el gradiente, solo necesito mezclarlo como hicimos con el gradiente de pintura. Por último, tenemos la técnica húmeda sobre seca y húmeda sobre húmeda. Utilizo la técnica húmeda sobre seca para pintar detalles porque con esta técnica, tengo más control sobre la pintura y los bordes están claramente definidos. Consiste en aplicar la pintura sobre papel seco o pintura seca. Ahora, en la técnica húmeda sobre húmeda, sí aplique la pintura sobre el papel mojado. Puede ser con agua o pintura. Yo lo uso para aplicar las primeras capas del retrato porque con esta técnica, la pintura fluye y obtienes bordes borrosas. Te recomiendo practicar estas técnicas como calentamiento, sobre todo si estás empezando con acuarela y subiéndola a la galería de proyectos. Eso es todo. Ahora podemos continuar con la siguiente lección. 4. Pintura de pintura: Una de las cosas que te ayudarán a mejorar tus pinturas es comenzar con un subcuadro, que es una capa inicial de pintura que sirve de base para las siguientes capas de pintura. Otras pinturas suelen ser monocromáticas y te ayuda a definir la escala de valor del retrato, ya que cuando usas un solo color, puedes ver claramente a dónde deben ir las luces y las sombras. Hagamos una revisión rápida de qué es el valor. Los valores son una gama de tonos que se expanden desde la ligereza hasta la oscuridad. En una escala de grises de uno a diez, blanco tiene un valor de uno mientras que el negro tiene un diez. En la pintura de acuarela, creamos el rango de escala de valor mezclando agua con pintura. Como vimos antes, más agua agreguemos a la pintura, más ligero será el valor. el contrario, mientras más pintura utilicemos en la mezcla, más oscuro será el valor. ¿ Por qué es tan importante esto? Porque establece la estructura de la pintura. Al definir las luces y sombras, se crea volumen, lo que le ayuda a definir las formas. Para este ejercicio, vamos a pintar tres cubos, ya que es la forma más fácil de practicar valor en un objeto porque cada valor está claramente definido. Vamos a pintar un cubo en verde, uno en azul, y el otro en morado, que son los tres colores que comúnmente uso para mis pinturas debajo. Para los tonos claros y medio-claros, tiendo a usar azul o verde, azul para una piel más fresca y verde para una más neutra o más cálida. Para tonos medios hacia tonos oscuros de piel, uso morado. Elijo qué color usar dependiendo del tono de la piel y si la persona es base fría o cálida, ya que esta capa de pintura actúa como un subtono. Estoy usando el cubo que pinté en escala de grises como referencia. Puedes usar lo mismo. Ahí, la luz viene de la izquierda, por lo que tenemos el valor de luz en la parte superior, el medio por delante, y el más oscuro a la derecha. Recuerda que tu valor más ligero será el menos concentrado y tu valor más oscuro será el más concentrado. Aquí, o bien encuentra primero el valor claro y oscuro, que son los dos extremos, para luego crear el valor medio. Utilizo una hoja de papel de acuarela para probarlo y asegurarme de que los tres colores sean diferentes entre ellos. Voy a pintar el primer y el último cubo de cada fila. Cuando estás pintando un color lado a lado para evitar mezclar, tienes que esperar a que se seque el primer color que aplicaste, o dejar un pequeño margen entre uno y otro. Eso es lo que hice. También puedes pintar en una hoja separada de papel de acuarela los tres valores que acabas de pintar para probar el color que vas a aplicar en el siguiente paso. Ten en cuenta que las pinturas que uso y tus pinturas son diferentes. Estamos usando diferentes colores, e incluso si usas los mismos colores, varían de una marca a otra. Cuando elijo qué azul, verde, o morado voy a usar, selecciono el que sea base más ligera y cálida, porque son más fáciles de neutralizar. A lo que me refiero con fácil, es que no necesito agregar muchas capas para neutralizarlo. Puedes hacer este ejercicio con todos los greens, azules, y morados. Tienes que ver cuál funciona mejor. Los que trabajan para mí son el azul sonoro, compañero verde lima, y el [inaudible] morado. Ahora que hicimos el underpainting y está completamente seco, el siguiente paso es neutralizar el color. Para eso, necesitamos saber un poco sobre teoría del color porque necesitamos trabajar con colores de cortesía. Los colores de cortesía son aquellos que están en lados opuestos de la rueda de color, y cuando lo mezclas, obtienes un marrón neutro. Para el cubo verde, sé que mi siguiente capa de pintura debe ser un color que hacia el rojo, para el azul, debería usar naranja, y para el morado, debería aplicar una capa de amarillo. También sé que el amarillo es más claro que el morado. Tengo que aplicar una mezcla bastante concentrada para poder cubrir el color base. Probar el color en el papel de acuarela que usé antes, donde pinté los tres valores para asegurarme de que la mezcla que creé funcionara, y luego pinto el segundo cubo para tener la referencia del color que utilizo y el tercer cubo para ver el resultado. Cuando aplico esta capa, también vario la concentración de la pintura porque para el valor más oscuro, necesitarás agregar más pintura para neutralizarla. No te preocupes si ves tu underpainting a través del color que estás aplicando. Si se están poniendo marrones, estás en el camino correcto. Solo necesitas aplicar más capas. Algo que recomiendo, sobre todo para el cubo verde y azul, es para crear tu propia mezcla roja y naranja. En su lugar, solo tienes que aplicar una capa de rojo y naranja directamente desde tu paleta. A pesar de que son colores de cortesía, hay una amplia gama de rojos y naranjas. Algunos pigmentos rojos tienen más amarillos en ella, algunos tienen un poco de azul. Con los pigmentos anaranjados, algunos tienen más rojo mientras que otros tienen más amarillo. En la lección de cómo crear unos tonos de piel con los colores primarios, expliqué que se puede crear un tono de piel usando amarillo, rojo y azul, donde el amarillo domina la mezcla mientras que el azul se usa en una cantidad realmente pequeña. Este concepto también se aplica aquí. Tomemos el verde como ejemplo. El verde se compone de amarillo y azul. En mi caso, uso un verde amarillento, pero si usas un verde que tenga más pigmentos azules en él, tendrás que aplicar una capa de naranja roja para obtener un color marrón al final. Otra forma de probar tu color y mezclas es haciendo un gradiente de la subpintura y haciendo otro gradiente en la parte superior con el color de cortesía. De esa manera, no sólo se ve si se neutralizan entre sí, sino también lo oscuro que puede ser el underpainting que cuando lo cubras con el color complementario, no acabe siendo demasiado oscuro. Ten cuidado con los pigmentos azules. Es común al mezclar colores que contienen más pigmentos azules con su color complementario, se convierten en una mezcla [inaudible]. Eso es algo que, en este caso, queremos evitar. Si tu subpintura tiene pigmentos azules, usa un color de cortesía con más amarillo y rojo. Eso es todo. Esos son el primer paso que doy cuando pinto tonos de piel. Después de eso, continúo en los colores de piel que vamos a ver en el próximo par de lecciones. Yo voy a hacer el mismo ejercicio en el ámbito. Aquí la diferencia, es que los valores se mezclan como sucede en retratos. Estaré usando la técnica de mojado sobre mojado. El resto de los pasos son los mismos que hicimos con los cubos. Ahora, voy a usar como referencia, la esfera que pinté a la izquierda. Observe que la luz parece blanca. Ten en cuenta que hay que dejar ahí un espacio en blanco, no sólo sin pintura, sino también sin agua, ya que en acuarela, nuestro blanco es el papel. Poco a poco, pinto donde están las sombras y lo mezcla usando mi pincel un poco húmedo. Empiezo a utilizar este método cuando descubro que en el Renacimiento, solían aplicar una técnica similar para hacer pinturas de frescos, y lo llaman Verdaccio. La diferencia es que usan un verde parduzco, el producto de mezclar negro, amarillo, blanco, y a veces un poco de azul. Lo utilizan para reducir la intensidad de los rojos ya que el verde y el rojo son complementarios por lo que neutralizan. Cuando el underpainting se seque, empiezo a aplicar el color de cortesía y aplico varias capas para neutralizarlo por completo. Es importante que siempre intentes aprender y experimentar con nuevas técnicas para luego aplicar las que mejor te funcionen a tu manera. Te animo a que pruebes este ejercicio. A lo mejor si eres nuevo en la pintura, empieza con los cubos, y después prueba la esfera. Si ya tienes experiencia mezclando colores, puedes empezar a pintar directamente las esferas, o ¿por qué no? Tómate un tiempo y haz ambas cosas. Siempre encuentro este tipo de terapia de ejercicios. Espero ver lo que logras en la galería de proyectos. 5. Crear tonos de la piel claros: Ahora vamos a hablar de cómo mezclar tonos de piel en acuarela. Otra cosa que hará que tu pintura destaque, más interesante, y realista es aplicando diferentes colores en lugar de solo uno. Esto se debe a que la piel, así como todas las demás cosas del mundo real, son una mezcla de diversos tintes y tonos. El color en la piel cambia porque tiene diferentes capas y elementos que lo componen. También cambia por la influencia de los colores circundantes, las condiciones de iluminación, y la luz reflectante. En lugar de usar un pigmento puro, creé mezcladores para pintar el tono de la piel. Una poderosa herramienta para eso es la tabla de mezcla de colores. Porque te darás cuenta de que con unos pocos colores puedes crear una paleta más grande y además tener una guía visual organizada de los colores que tu paleta es capaz de producir. También podemos crear unos gráficos específicos como este que creé para cada tipo de tono de piel. Dibujar este tipo de gráficos puede llevar mucho tiempo. Es por eso que en esta clase vamos a hacer una mini tabla de mezclas. Para eso, dibujé siete círculos. El del centro es para nuestro color base. Lo que significa que será el color que estaremos mezclando con los otros colores. El color base también se asemeja a un color de piel real. En teoría, podríamos usar ese solo color para pintar la piel. Pero como mencioné antes, no se recomienda. Para tonos de piel claros, la base será quemada siena. Lo vamos a mezclar con umber crudo, rojo cadmio, alizarina carmesí, cadmio, amarillo limón, y ultramarino. En cada círculo vamos a pintar el resultado de mezclar nuestro color base con cada uno de los colores que mencioné en partes iguales ya que estamos pintando y mini-tabla de mezclas. Si estuviéramos pintando el gráfico completo, haríamos dos mezclas más. Uno usando más del color base, y otro usando menos. Otra cosa es que voy a hacer una mezcla concentrada para eso. A partir de esa mezcla, vamos a crear dos valores. El medio y el ligero. vamos a pintar en las casitas. Si es posible, intenta utilizar todos los espacios de tu palet porque vamos a utilizar las mezclas restantes más adelante. Ten especial cuidado con el ultramarino. En general, el blues tiende a dominar la mezcla. Por lo tanto, usa menos cantidad de la que normalmente usarás al mezclar con otros colores. Ahora que completamos nuestra mini tabla de mezclas para tonos de piel claros, podemos pasar al gráfico de tonos medios. 6. Crear tonos de la piel de: Aquí vamos a hacer lo mismo que hicimos en la tabla de mezclas anterior. Sólo que en este caso el color base es quemado umber. En lugar de umber crudo, usaremos siena quemada. En lugar de amarillo limón, usaremos siena cruda. Actualmente, no tengo siena cruda, así que dejaré el espacio para hacer la mezcla en el futuro. Ahora pasemos al gráfico de tonos oscuros. 7. Crear tonos oscuros claros: Nuevamente, vamos a hacer lo mismo que hemos venido haciendo. En este caso, el color base es umber crudo. En lugar de siena cruda, usaremos azul prusiano. En lugar de siena cruda, usaremos amarillo Nápoles. Dejaré el espacio en blanco para el azul prusiano porque como con la siena cruda, no lo tengo en este momento. Lo pintaré en el futuro. Nos vemos en la siguiente lección para mostrarte cómo crear un tono de piel usando los colores primarios. 8. Crear tonos de la piel con colores primarios: Ahora bien, si no tienes los colores que utilicé en las lecciones anteriores, no te preocupes, puedes crear unos tonos de piel con los colores primarios. Para eso, voy a agarrar mi set de marketing premium, porque sus colores no tienen los nombres comerciales comunes. El punto que quiero hacer en esta lección es que, no hay que esperar para tener la paleta de acuarelas perfecta para empezar a pintar unos tonos de piel. Puedes empezar a pintar unos tonos de piel usando tres colores. Para eso, permítanme volver a la teoría del color. En primer lugar, el color que más se asemeja al color de la piel es el naranja, así que tengo que mezclar amarillo y rojo. Como mencioné antes, la teoría también me dice que cuando mezcle un color con su cortesía, en este caso, azul es el color complementario del naranja porque están opuestos en la rueda de color, me ayudará a reducir su saturación y crear tonos neutros como los marrones. El color que siempre debe predominar en la mezcla es amarillo. En general, mientras agregas más rojo, obtendrás una mezcla de tono medio a piel, y mientras añades más azul, tu mezcla se convertirá en un tono de piel oscuro. Esto aplica a nuestra mezcla concentrada porque si aligero la mezcla, podré usarla para un tono de piel más claro. Para aclarar el color uso agua. No uso el blanco para esto porque hace que el color se vea opaco. Lo que quiero que hagas es ir al área de Recursos, y descargar la tabla de mezclas que hice, y empezar a mezclar amarillo, rojo y azul como mencioné. prueba tu mezcla en una hoja de papel de acuarela para ver qué color de la tabla de mezclas coincide para clasificarla en un tono claro, medio u otro tono de piel. Escribe qué colores usas en caso de que tengas diferentes amarillos, rojos o azules, y recuerda que los que tienden a funcionar mejor son los que tienen una base más cálida. También anota en qué proporción lo mezclaste, para que puedas lograrlos hace más fácilmente en el futuro. Algo importante a tener en cuenta al mezclar acuarela, es que suelen secarse más claro que cuando están mojadas. Haz que tu mezcla sea un poco más oscura que el color que quieres conseguir al final. Con esto, terminamos nuestra mini tabla de mezclas. Usa los gráficos como referencia y no como regla que no puedes romper. Por ejemplo, puedo usar cualquiera de estos dos colores para pintar un tono medio de piel, o puedo usar este color agregando más agua para pintar un tono de piel más claro. Nuevamente, te recomiendo que hagas todo el mini gráfico con los colores que posees, para que tengas una idea de los colores que tu paladar es capaz de producir. En la siguiente lección, voy a hablar de los salmos de color de la fase. 9. Zones de color del rostro: Por último, el último punto que quiero resaltar son las zonas de color de la cara, ya que todo el ejercicio tiene que ver con pintar la cara. Como mencioné antes, la piel está compuesta por diferentes capas y elementos que hacen que su color varíe. En el rostro, podemos identificar tres áreas de colores. Empezando por la frente que tiende a tener más tonos amarillos porque tiene algunas venas o músculos superficiales. Desde los ojos hasta la nariz, tiende a tener un tono rojizo porque es un área con venas superficiales que también llevan sangre oxigenada. Si bien desde el extremo de la nariz hasta la barbilla, tiende a ser un tono ligeramente azulado, sobre todo en los hombres, debido a folículos superficiales y venas que transportan sangre desoxigenada. Por zonas, no quiere decir que tengamos que aplicar una raya amarillenta en la frente y así sucesivamente. Es solo que cada área tiene un cuarto que predomina en la mezcla. Esto es algo que tiene que aplicarse de una manera muy sutil. Personalmente lo uso solo si quiero agregar más realismo a mi pintura, pero en general, lo que tiendo a hacer es acentuar el área roja, sobre todo en las mejillas. Acabamos de terminar la parte más técnica. Encontrarás una plantilla de hoja de trabajo principal en el área de recursos, y te recomiendo encarecidamente que te tomes algún tiempo para llenarla. En la siguiente lección, voy a hacer una recapitulación rápida de los temas que he cubierto junto con las instrucciones para el primero de los tres ejercicios que propuse, que selecciones al menos uno para practicar las técnicas que viste en esta clase. 10. Calentación: Hagamos una recapitulación rápida. Esta clase fue todo sobre todas las cosas que tomo en cuenta cuando pinto un tono de piel. En primer lugar, superamos las técnicas básicas de la acuarela, creando transparencias, gradientes, y aplicando la pintura sobre papel húmedo y seco. Aprendimos sobre otras pinturas para ayudarnos a definir el valor del objeto y establecer el subtono. Después pasamos a los colores que usé para crear cada tipo de tono de piel. También te explico cómo puedes crear un tono de piel a partir de los colores primarios. Por último, como en todo el ejercicio, aplico este color de piel a un rostro. Detallé que la cara tiene tres zonas de color y por qué tiene esos colores. En este punto tienes toda la información que necesitas para abordar o mejorar tu pintura de tono de piel. Voy a compartir tres ejercicios desde el más fácil hasta el más complejo, para darte un marco de cómo puedes acercarte o aplicar toda la información que acabo de compartir contigo. Puedes hacer los tres ejercicios o elegir el que más resuene contigo y tus necesidades en este momento. El primer ejercicio, es más como una actividad de calentamiento ya que el objetivo aquí es experimentar para que puedas aprender cómo se comportan tus pinturas y cómo interactúan entre sí. Por ejemplo, cuánto azul puedes aplicar en tu subpintura para lograr un tono de piel claro. Si tienes diferentes greens claros, pruébalos para ver cuál funciona mejor y también, puedes descubrir con qué mezcla te gusta pintar más. Para este calentamiento vamos a pintar muchas caras. Dejé una plantilla en el área de recursos. De esa manera, no necesitas preocuparte por pasar tiempo dibujando todas las caras. Nuevamente, la idea es experimentar y obviamente divertirse. Para la primera columna de caras, no vamos a aplicar ningún subcuadro. Para el segundo, vamos a aplicar un subcuadro azul, para el tercero verde y para el último morado. Para sacar el máximo provecho de este ejercicio, intenta pintar cada cara lo más diferente posible y toma nota de lo que hiciste. Eres capaz de replicar a los que más te gustan en el futuro. Practicar más los que fueron un reto o simplemente descartar aquellos que no funcionan en absoluto. Aplico el underpainting de una manera muy sutil, pero se puede variar la intensidad para obtener resultado más diverso. Aplico el underpainting usando la técnica húmeda sobre seca. En caso de que lo necesites, aquí es como aplico el underpainting como si la luz viniera de un lado. Cuando el underpainting se haya secado, empiezo a aplicar los tonos de piel. Utilizo los restos de las mezclas que hice para nuestra mini tabla de mezclas, que también tengo a mano en caso de que lo necesite como referencia. La idea es pintar casi cada cara con una mezcla diferente. Normalmente uso un trozo de papel de acuarela para probarlas mezclas antes de aplicarlo. Lo que debes recordar en este punto es lo que aprendes en la lección de subpintura. Eso es trabajar con colores de cortesía. No necesitas neutralizar por completo el underpainting con la siguiente capa de pintura que aplicas, como hicimos en el ejercicio de cubos. Ahí estábamos entendiendo cómo se comportan los colores complementarios pero cuando pintas o al pintar tonos de piel, normalmente tendrás que aplicar más capas para lograr un tono de piel agradable. Recuerda trabajar en capas. Deja que se seque y aplica otra capa en la parte superior en las zonas que quieras ser más oscuro. Para oscurecer el color poco a poco. En algunos puntos me verán usando mi pincel como borrador en el centro de la cara. Esa técnica se llama elevación. Básicamente es una forma de quitar la pintura. Lo uso cuando pienso que pinté sobre el área y se ve más oscuro de lo que quería que fuera. Todo lo que necesitas hacer en este caso cuando la pintura aún está húmeda, es usar tu pincel, simplemente seco para absorber la pintura. De verdad espero ver tu ejercicio de calentamiento en la galería de proyectos y también conocer tus conclusiones de lo que te gusta y no te gusta pintar. De qué fue fácil y cuál fue el reto para que te pueda dar una asesoría personalizada. Como foco principal, aquí están los tonos de piel. No pinté el cabello, solo uso un marcador negro para dibujarlo y para los ojos uso una acuarela y un marcador blanco para las luces. Para los labios, uso diferentes tonos de rojo. Siéntete libre de pintar los detalles como quieras. 11. Polaroid: piel la luz y la pintura azul: Cuando creé esta clase, pensé en tener dos opciones de ejercicio para aplicar las técnicas que conocemos en este curso, pero en algún momento me di cuenta de que había una gran brecha entre la experiencia que necesitas para abordar la primera ejercicio y el último. Aunque sí tengas la experiencia, pintar dos retratos lleva tiempo. Con este ejercicio que lo llamo Mini Polaroid, encontré un punto medio donde voy a pintar una porción de la cara para un tono de piel claro, un medio, y un tono de piel oscuro. También pensé que sería genial si pudiera compartir más consejos sobre cómo aplico las técnicas que acabamos de aprender. Pintar una porción de la cara me permitirá hacer eso. Como ven, tengo tres piezas de papel de acuarela, en cada pieza, dibujé una porción de la cara dos veces para pintar la primera con otra pintura y la segunda sin ella. Se puede ver la diferencia entre aplicar la técnica de pintura bajo con la técnica de mezcla de color o simplemente la técnica de mezcla de color. Para el tono de piel claro, usaré un azul en la pintura, para el tono medio de piel usaré verde, y para el tono de piel oscuro usaré morado. Déjame explicarte un par de cosas antes de empezar a pintar. En primer lugar, puedes ir a mi tablero de Pinterest Te dejo el link en la pre descripción que tengo diferentes fotos que puedes usar para este ejercicio. Si haces tu propia investigación, solo recuerda elegir una foto de buena calidad. Es decir una foto donde se pueden ver los detalles y que no está demasiado oscuro. Después lo recorto usando mi teléfono y lo dupliqué, para ponerlo en blanco y negro. Al ajustar su saturación a mínima y duplicarla nuevamente para aumentar el contraste. Siempre me refiero a la primera foto en blanco y negro para aplicar la pintura bajo. El segundo lo uso cuando quieren lograr un look más realista porque me permite ver más claramente donde se concentran la mayoría de los tonos claros y oscuros y en mi papel de calco, además de trazar la forma del rostro, También trazo las formas de algunas de esas áreas y al pintar puedo colocar mi papel de calco encima y ver si mis sombras coinciden. Después transfiero el dibujo al papel de acuarela. Para eso, utilizo una hoja de papel separada que tengo con grafito en ella. Siguiente con mi color prisma rojo llamado lápiz borrar redibujo todo de nuevo. Por eso se ven las marcas en rojo. Hago esto porque ese color de lápiz se mezcla bien con la acuarela y con los tonos que estoy usando mientras que con un lápiz de grafito, terminas con un gran borde. Por último, utilizo un borrador la mayoría de las veces que necesito gobernar o borrar para aclarar las marcas del lápiz de color. Ahora pasemos a cómo aplico el bajo pintura. En primer lugar, voy a empezar con los tonos claros medio a peor para que donde pueda agregar más color en la parte superior de las áreas que más tarde son más oscuras y para las áreas claras, solo dejo un espacio en blanco. Pongo a prueba el color en una hoja de papel de color agua para asegurarme de que no esté demasiado oscuro, otra razón por la que empiezo con una capa de color tan ligera o diluida es porque tengo que tener cuidado de no pintar en exceso mi debajo de pintura. Si aplico una pintura de color oscuro, terminaré necesitando aplicar más tonos de piel en la parte superior y como resultado, obtendré un tono de piel mucho más oscuro que el que iba a pintar en primer lugar. Ya que esta es una piel realmente pálida, aplico la pintura usando la técnica húmeda y seca para tener más control sobre mi pintura. Tengo que esperar para pintar el cuello porque la barbilla está mojada y no quiero que ambas zonas se mezclen. Sigo pintando las zonas medias y oscuras de la cara. Después de aplicar la sombra a la barbilla, limpio mi pincel y remuevo el exceso de agua y el uso lo húmedo para ayudarme a mezclar el color, en las zonas donde quiero oscurecer primero el color, me aseguro de que estén secas a aplicar otra capa de pintura. Si un área realmente oscura aplico pintura más concentrada. Lo último que hice fue aplicar el debajo de la pintura a los labios. Con el otro cuadro prefiero si es posible pesar de camino a otro antes de aplicar los tonos de piel para asegurarme de que esté completamente seco. Empiezo a agregar capas de pintura cuando la pintura debajo parece verse entre 50 por ciento y 75 por ciento, más ligera que la foto en blanco y negro. Si quieres que esos signos de debajo de la pintura se queden en 50 por ciento. Si no te importa, o te gusta poder ver el bajo imprenta en algunas áreas subir hasta 75 por ciento. Ahora con respecto a los tonos de piel, usaré mi mini tabla de mezclas y mi gráfico más grande para seleccionar los colores que voy a usar para mi primera capa de tonos de piel. Es así como solía trabajar, verás que cuando te acostumbras a tus pintas y a los colores, ellos producen, poco a poco empezarás a usarla menos porque sabrás qué colores usar para lograr los tonos que quieres. Al mirar mi foto de referencia en mi gráfico, parece que la piel es una mezcla realmente acuosa de siena quemada con más de umber crudo, pero aplico una pintura rubias. Como ya sabemos, necesito usar algo con naranja para obtener una especie de marrón. Usaré una mezcla de riego de siena quemada y rojo cadmio. Yo subí esos gráficos en el área de recursos para que puedas usarlo como referencia, pero te recomiendo que hagas los tuyos y si no tienes que colores que estoy usando, usa mis gráficos como referencia para mezclar tus colores como vimos en la lección de cómo para crear unos tonos de piel utilizando los colores primarios. Nuevamente, pruebo la mezcla en un papel diferente y empiezo a aplicar capas claras de color. Aplico más capas o mezcla más concentrada en las zonas más oscuras de mi pintura bajo pintura. Cuando pintas los labios, Siguiendo la dirección de las arrugas que tienen, y como hice con la otra pintura, construyo el color capa por capa. Para áreas pequeñas o para pintar con más precisión, utilizo un pincel número 2, y para el resto, un número 4. Entonces, utilizo umber crudo con siena quemada para agregar un poco de marrón. El cuadro se veía demasiado pálido, así que decidí añadir una capa de amarillo cadmio con rojo cadmio para estar con los colores y hacer que se parecieran más a un tono de piel. Cuando pinto las pieles, siempre uso mi pincel después de secarlo como una esponja. De esa manera evito las marcas que dejó el flujo de agua cuando se seca. Añadí alizarin carmesí para agregar un poco de rubor a la piel. Para los labios uso rojo cadmio con un poco de alizarina carmesí. Utilizo la misma mezcla para oscurecer algunas áreas. Ahora sigo con ámbar crudo para darle una mirada marrón a algunas sombras que se ven rojas. Aplico un rubor rojo en la mejilla usando la técnica húmeda sobre húmeda con Alizarin carmesí. Por último, agrego un libro mayor final que me ayudará a unificar todos los colores que aplicé. Para eso, uso amarillo Cajun con mucha agua. Recuerda cuando creas una mezcla realmente diluida, seca primero tu pincel y luego envuelve la mezcla para empezar a pintar. De esa manera te aseguras de que tu pincel no esté reteniendo un exceso de agua y pintura. Ya que este es un tono de piel claro con un azul bajo pintura donde ya usé muchas naranjas y rojos, usar gelatina-O es mi mejor opción porque iluminará mis colores sin oscurecer demasiado toda la pintura. A pesar de que es un libro mayor que aplico sobre todo, lo aplico un área a la vez porque algunos colores se pueden reactivar y puedo terminar extendiendo colores oscuros por todas partes. Por último, agrego más capas para oscurecer algunas áreas con ámbar quemado y carmesí Alizarin. Este fue el resultado. Ahora, voy a empezar a pintar el otro lado. En este caso, no aplicé una pintura debajo, puedo usar directamente la mezcla de siena quemada y ámbar crudo. Eso que mencioné antes es el que se parece más al color de la foto. Como siempre, aplico capas de pintura muy claras donde están la carne y los tonos oscuros. Para los labios, estoy usando una mezcla de Alizarin carmesí y rojo cadmio. Ahora estoy aplicando una mezcla más concentrada de ámbar crudo en las zonas más oscuras de la cara. Añadí siena quemada a la mezcla que utilizo para que los labios pinten la zona más oscura. Cuando se seca la pintura que aplico a las sombras, noto que necesito oscurecerla más. Por lo que estoy aplicando otra capa de ámbar crudo. Ahora agrego a la mezcla de siena quemada para vívido el color de las sombras. Aplico usando la técnica húmeda sobre húmeda algún rubor con Alizarin carmesí. A medida que el cuello está seco, puedo aplicar la mezcla con siena quemada en la barbilla. Sigo agregando capas de pintura en la sombra con siena quemada y ámbar crudo. Para profundizar la sombra de la nariz, agrego Ultramarine a mi mezcla marrón. Utilizo una mezcla muy acuosa de siena quemada con ámbar crudo para oscurecer los labios. Vuelvo a repetir los mismos pasos. Así es como se ve. Cuando termine de pintar los tres minutos de Polaroid, voy a sacar algunas conclusiones, pero por ahora, pasemos al cuadro de tono medio. 12. Polaroid: pintura media y de la pintura verde: Para el tono de piel medio, di los mismos pasos que tomé antes de pintar el tono de piel más claro. Para esta foto, creo que estar de acuerdo en su pintura funcionará ya que tiene un tono cálido. Nuevamente, defino un tono medio y empecé a aplicar son realmente ligera capa de pintura. Cambié a un pincel más pequeño para pintar los detalles de la nariz usando una mezcla más concentrada. Si necesito revisar la forma de las sombras, miro la foto en blanco y negro a la que incremento el contraste. Recuerda, si quieres obtener un look similar que podría funcionar con capas como de pintura, poco a poco, agrega más color en las áreas de sombras, absorbe el acceso del agua o pinta con tu pincel, y también usa tu pincel para mezclar la pintura. En este punto, pinto las pecas más relevantes, que son las que son más grandes o ubicadas en un lugar específico que las hace destacar. Prefiero usar mi cepillo más grande para mezclar en lugar del más pequeño. Recuerda añadir más capas de pintura hasta el punto que seas 75 por ciento más ligero que tu foto en blanco y negro. Está bien. Ahora para aplicar el tono de piel, reviso mi tabla de mezclas y el esquema parece una mezcla de umber quemado con rojo cadmio. Yo me voy a quedar con esos colores porque tienen su tono rojo necesito convertir el cuadro en marrón. También podría agregar un poco de carmesí alizarina en las zonas más atestiguadas. Voy a empezar a jugar los quemados umber rojo cadmio. Pero primero, probé en un trozo de papel de acuarela. Aquí accidentalmente salí del margen, así que uso mi nariz pincel para borrar la pintura. Después lo seco con mi toalla de papel para evitar que el pigmento se extienda en esa zona. No te desesperes, este es un proceso en el que necesitas construir capa tras capa. Por lo que vas a ver los colores azul y verde de tu pintura de limosna durante mucho tiempo antes de que comience a transformarse en un tono de piel más realista. Normalmente mezco una pequeña porción de pintura pero puedes mezclar más si no quieres pasar tiempo mezclando una y otra vez los mismos colores. Para los labios, estoy agregando más Alizarin carmesí y rojo cadmio porque se ven más rojizos que la piel. Aplico el pincel con Alizarin carmesí usando la técnica húmeda sobre húmeda. Si creo que aplicé más pintura de la que quería, uso mi toalla de papel para absorberla todo a la vez. Aplico una capa de amarillo cadmio en la parte superior porque el esquema se veía demasiado rojo. Ahora estoy aplicando una mezcla de umber crudo y siena cruda para agregar más marrón a las sombras. Aplico más Alizarin carmesí a los labios y otra capa de amarillo cadmio a la piel. Repito los pasos de aplicar siena marrón y umber marrón sobre las sombras y una capa de amarillo cadmio encima una y otra vez hasta que no pueda ver las áreas verdes. Pinto las pecas usando un pincel número 0/20, con diferentes mezclas y diferentes concentraciones. Utilizo mi toalla de papel para aligerar las pecas que pinté. Este paso es totalmente opcional, justo que mi foto de referencia parece tener maquillaje con un destello nacarado. Estoy aplicando una toallita de color Goldwater encima de esas zonas. Aquí está la pintura terminada. En este caso, voy a empezar a pintar con una mezcla de umber marrón con rojo cadmio, ya que como mencioné antes, es la que se parece más a la piel de mi foto de referencia. Para los labios, uso siena quemada con una mezcla de rojo cadmio con Alizarin carmesí. Para las sombras más oscuras, usé umber quemado con un menor en carmesí. Nuevamente, poco a poco estoy agregando una capa por capa. Mezclé un umber quemado con ultramarino para oscurecer las sombras, y usé esa mezcla junto con la que tenía preparada para que los labios pintaran sus sombras. Apliqué una capa de amarillo cadmio porque la piel se veía demasiado roja. Ahora, usé umber quemado para oscurecer las sombras. Esperé a que se seque para aplicar una capa de rojo cadmio, y umber quemado. Cambié a un pincel más pequeño para pintar los detalles. Pinto las pecas como lo hacía antes justo que esta vez quería pintar menos. Mezclé siena quemada, umber quemado, y rojo cadmio para pintar las sombras de los labios. Pinté el rubor usando Alizarin carmesí y aplicé una capa final de amarillo cadmio para unificar todos los colores. Por último, como lo hacía antes, aplicé el oro blanco en los aspectos más destacados, y así se ve. Ahora, pasemos a la pintura en tono oscuro. 13. Polaroid: piel oscura y pintura de Purple: Antes de empezar a pintar, el único paso que necesitamos cambiar es que en lugar de agregar más contraste, aumentaré los reflejos para ver más claramente las formas de los reflejos y sombras. Empiezo a pintar el debajo de la pintura como vimos temprano. El púrpura es una buena opción aquí porque es un tono de piel más oscuro. En algunas áreas de la foto original se ve, al final de las sombras algunos tonos amarillos debajo, que es el color que voy a usar encima de mi debajo de pintura. Para la ceja, uso mi pincel más pequeño y aplico la pintura siguiendo la forma del cabello. Entonces, aplico la capa amarilla. Aquí no reviso la tabla de mezclas, siempre aplico el amarillo cadmio porque ya que es una piel más oscura, puedo agregar más capas en la parte superior para transformar el color para que se parezca más a mi referencia. Recuerda aplicar la mezcla más concentrada en la parte superior de las sombras, y más acuosa en las áreas claras. Entonces aplico Alizarin carmesí con umber crudo porque para mí parece el color de piel de la referencia. Entonces, agrego más carmesí Alizarin a la mezcla para oscurecerla aún más. Aplico una capa acuosa de amarillo cadmio para mezclar todos los tonos y hacerlos lucir más vívidos. Para la ceja, uso umber crudo. Estoy usando ultramarina para oscurecer algunas sombras. Ahora agrego una capa de rojo cadmio para oscurecerlo más pero también para evitar un look opaco. Eso tiende a suceder cuando se usa ultramarino. Mi foto de referencia tiene un delineador de ojos negro. Tiendo a evitar usar negro puro, así que voy a añadir un poco de gris rosa a mi umber crudo y usarlo en las zonas que se ven negras. Yo uso la misma mezcla pero con más agua para profundizar algunas sombras. Por último, pinto las pestañas con un pincel número cero como últimos 20. Al igual que lo hice en la pintura de mediano plazo, agrego un poco del gol de oro blanco en el punto culminante para darle un aspecto nacarado. Aquí está el cuadro final. Para este cuadro, voy a empezar a pintar con un umber crudo ya que es el color base para tonos de piel más oscuros. Después de aplicar la segunda capa de umber crudo, agrego rojo cadmio para oscurecer las sombras. Añado Alizarin carmesí demasiado oscurecer el color aún más. Repito estos pasos varias veces. Ahora estoy aplicando una capa acuosa de Alizarin carmesí para unificar y darle un rubor a la piel. Utilizo umber crudo con ultramarino para profundizar las sombras. Lo aplico varias veces. Ahora, estoy aplicando una capa de amarillo cadmio porque los colores se ven opacos. También aplico Alizarin carmesí y rojo cadmio para ayudar a dar vida a los colores. Nuevamente, aplico una mezcla con ultramarina para oscurecer las sombras, y añadí el oro blanco en los reflejos. Esta es la pieza final. Ahora, vamos a compararlos. Aquí tengo las tres mini polaroides. Para el tono de piel clara, me encanta tanto resultado. En esta pieza, En particular, es donde se puede ver más claramente la diferencia entre aplicar ambas técnicas en lugar de solo una. A pesar de que me encantan los subcuadros, elegiré si aplico ambas técnicas no se basan en el resultado que quiero conseguir al final. Aplico un underpainting si quiero un look realista, y no lo aplico si quiero un look más delicado. Me imagino esta cara rodeada de flores sueltas, y creo que se verá increíble. Me imagino el otro estilo de pintura usando un contexto más realista o dramático. Además, si miras de cerca a la cara que tiene el underpainting, notarás que en algunas áreas puedes ver algunos rastros de azul, y eso es algo que personalmente amo. Al igual que cuando ves una pintura desde lejos y ves solo un color, pero cuando miras de cerca, puedes notar que los artistas aplicaron diferentes colores que normalmente no usarías, en este caso para pintar los tonos de piel. Por supuesto, puedes girar la pintura sin subpintar en una pintura más realista agregando el azul, el verde o el morado. Pero para ello, prefiero empezar con un subcuadro desde el principio. Para el tono medio de la piel, me gusta cómo se ven los reflejos con el underpainting. Pero en general, me encantan ambos resultados. Nuevamente, voy a aplicar un underpainting si necesito un look realista porque da más profundo a la pintura. Por último, con el tono de piel más oscuro, prefiero usar otro cuadro porque las sombras se ven mejor, en mi opinión, y en general, todos los colores se ven más vivos. primer lugar, ten en cuenta el resultado que quieres lograr para ver si necesitas aplicar un subcuadro o no. A continuación, hay que ser muy observante. Mira tu pintura y mira qué color está dominando. Para empezar a entender qué color necesitas agregar para equilibrar tu pintura y hacer que se parezca más a tu referencia o para lograr el resultado que buscas? Digamos que en general, si necesito intensificar los colores sin oscurecer la pintura, aplico una capa o varias capas de amarillos. Si necesito intensificar los colores y también oscurecer un poco la pintura, aplico rojo. Para un look sonrojado, uso un tono como Alizarin carmesí. Si mi pintura se ve demasiado roja, usaré un poco de color marrón. Si quiero un tono realmente oscuro, voy a aplicar azul. Algo que me ayude a lograr un tono de piel más preciso es aplicando capas mentirosas de pintura. Eso me da la oportunidad de construir un color poco a poco, y también ajustarlo o corregirlo cambiando a otro color si es necesario. En la siguiente lección verás como escupir pintura como una demo de cómo pinto todo un retrato usando las técnicas que mencioné en esta clase. 14. Ejercicio de retrato: Si tienes más experiencia, o tienes tiempo para invertir en la pintura, te animo a aplicar las técnicas que acabas de aprender a pintar un retrato con al menos dos tonos de piel diferentes. Eso no quiere decir que si eres principiante, debes evitar este ejercicio. Creo que será impresionante si lo haces porque eso significa que estás 100 por ciento comprometido a aprender y mejorar, y la única manera de hacerlo es practicando. Pero te recomiendo encarecidamente empezar primero con el ejercicio de calentamiento primero, luego el ejercicio Polaroid para ganar más práctica y experiencia sobre cómo usar las acuarelas antes de abordar el retrato. De acuerdo, de nuevo, ya que quiero que te enfoques solo en la otra pintura y en la mezcla de tonos de piel, que son el punto central de esta clase, si también la fase de dibujo es algo que te abruma, o tal vez quieras ahorrar tiempo como lo hice con el otro ejercicio, te sugiero trazar la imagen. Recuerda, eso es solo para practicar el tema principal de esta clase, y así no quiero que sientas que esto es un obstáculo para probar los ejercicios. Pero como ilustrador, te recomiendo, incluso como te gusta nuestro dibujo realista, tomes un tiempo para aprender y practicar los conceptos básicos de los dibujos. Para eso, puedes ver la clase de mi mamá. Dejaré el enlace en la descripción del proyecto. En la clase, se trata de cómo dibujar la cara femenina, y es un buen punto de partida si se quiere entender la proporción del rostro. En mi caso, para ahorrar tiempo, trazé las formas generales en mi papel de calco, y ajuste algunas características ahí porque mi estilo de pintura no es de hecho tan realista. Al igual que en el ejercicio Polaroid, transfiero el dibujo al papel de acuarela utilizando una hoja de papel diferente con grafito en él. Después lo retrazo con mi Prismacolor rojo Col-Erase para evitar bordes grises. Por último, utiliza un borrador para aligerar las marcas. Podrás encontrar esta imagen junto con muchas otras en mi tablero de Pinterest. Dejaré el enlace en la descripción del proyecto. Observe que aquí, no rastreé las formas de las sombras y los reflejos como lo hice en el ejercicio Polaroid. Como mencioné, no quería un look súper realista, así que volví la foto a blanco y negro con mi teléfono, y la estoy usando como referencia para ver mejor los valores mientras aplico el underpainting. Estoy usando morado para el tono de piel oscuro y azul para el tono de piel claro porque quiero que tengan un subtono de carbón. Como siempre, empiezo con una capa de pintura realmente ligera. Antes de que se seque, aplico más pintura en algunas áreas de las sombras que permite que el color se desvanezca fácilmente, una de las ventajas de la técnica húmeda sobre húmeda. Hago lo mismo con el subcuadro azul. Sigo oscureciendo las sombras, y uso un pincel más pequeño con una mezcla más concentrada en las zonas más oscuras y agudas. Cuando tengas listo tu underpainting, déjalo secar si puedes 'hasta el día siguiente, o al menos por un par de horas. Ahora, pasando a los colores de la piel, aplico una capa diluida de alizarin carmesí con siena quemada sobre el subcolor azul, y una capa amarilla sobre el subcuadro morado para neutralizar tanto como pueda el subpintura. Ahora, estoy mirando la foto original, y decidí usar Alizarin carmesí con umber quemado como color principal para el tono oscuro de piel, ya que de mí, su piel tiene un tono rojizo. Para el tono claro de piel, estoy aplicando siena quemada en las sombras, pero aun así se ve azul. Sigo aplicando la mezcla de Alizarin carmesí con siena quemada para oscurecer la piel poco a poco. Añado Alizarin carmesí como rubor usando la técnica húmeda sobre húmeda. En este punto, me doy cuenta de que me gusta el look pastel que estaba consiguiendo, y decidí quedarme con esos tonos ya que se verán grises con la composición de estrellas y la luna que he pensado. Añado más Alizarin carmesí al tono de piel claro para que se vea más rosado. Para oscurecer algunas sombras del tono oscuro de piel, utilizo umber crudo con Alizarin carmesí. Cuando estoy a punto de terminar el cuadro, agrego una capa semitransparente final de color para unificar el tono de piel de cada uno. Para el tono de piel claro, uso siena quemada, y para el tono de piel oscuro, uso amarillo cadmio. Entonces como mencioné antes, hay que ser realmente observador para ver qué color está dominando tu pintura y qué color está dominando en la foto de referencia o en la pintura que imaginaste. Para luego aplicar la teoría, revisamos. Para ir paso a paso, agrega los colores que te ayudarán a lograr el resultado que estás buscando. Ahora, continúo con los detalles para pintar la base de la luna y las estrellas. Yo uso acuarelas, agrego una capa de acuarelas doradas en cada una de ellas porque pensé que le va a dar un look como polvo de estrellas que va a funcionar con mi concepto. Si haces esto, solo ten en cuenta que si el color nacarado que estás aplicando tiene un color, como el oro amarillo que estoy aplicando, cambiará un poco el tono de la piel. Entonces planifica con anticipación si vas a usarlo al final. Porque imaginemos si en este caso, he aplicado una capa más gruesa de amarillo cadmio. Cuando aplique el oro, el tono final se volverá demasiado amarillo para lo que buscaba. Yo uso oro y plata en para pintar los detalles de las estrellas y la luna. Por último, utilizo un lápiz de color negro para dibujar el cabello y las pestañas. [ MÚSICA] 15. Reflexiones finales: Gracias por ver, espero que hubieras disfrutado de la clase. Me encantará ver tus ejercicios en la galería de proyectos porque toda esta información que acabas adquirir solo tiene el potencial de convertirse en algo realmente poderoso y sorprendente si solo lo pones en práctica. Comparto con ustedes este enfoque porque es lo que funciona para mí y la forma en que me gusta pintar. Pero no podría haber descubierto sin práctica y experimentación. Eso es lo que enriquecerá tu arte. Te animo a tratar de publicar dos actividades, las hojas de trabajo y uno de los tres ejercicios que propuse y que sea sencillo. Por ejemplo, para el siguiente ejercicio, no es necesario pintar los tres tonos de piel diferentes ni pintar cada piel dos veces. Yo sólo lo hice porque quería mostrarles la diferencia entre cada caso. Ajusta el ejercicio como quieras poder realizarlos, porque creo que sacas el máximo provecho de estas clases cuando obtienes feedback personalizado. Recuerda revisar el área de recursos y siéntete libre de hacerme cualquier pregunta en la sección de comunidad, me encantará ayudarte Esta es mi primera clase de Skillshare, así que deja una reseña si puedes, que con tus preguntas y proyectos, es lo que me ayuda a mejorar mi contenido y crear mejores clases. Por último, si te gusta esta clase, puedes seguirme en el Skillshare para ser alertado sobre mis próximas clases. Además, puedes seguirme en Instagram donde voy a compartir información sobre cómo construir una próspera carrera, y eso es todo. Espero verte en mi próxima clase.