Técnicas de etiquetas de cajas de cerillas: ilustración, diseño vintage y texturas de impresión

1. ¡Hola!: ¿ Te imaginas viajar atrás en el tiempo cuando el diseño digital, como lo conocemos hoy en día, era sólo un sueño de ciencia ficción. Vas a ser empleado por una imprenta donde tu tarea es llegar a varios diseños etiquetados de caja de fósforos. La tecnología de impresión es limitada, el área de impresión es pequeña y la paleta de colores está restringida. No obstante, algunos de los diseños más bellos e inspiradores se hacen como prueba de que con todas estas limitaciones menos es realmente más y el arte puede prosperar en todas las formas y formas. Hola, soy Nina, pesar de que todos me conocen como Di Udji. Soy ilustrador y diseñador de patrones con sede en Belgrado, Serbia y esta es una clase sobre la creación de etiquetas de caja de fósforos. En esta clase, nos sumergiremos juntos en el magnífico mundo en diseño vintage mirando de cerca las increíbles etiquetas de matchbox a lo largo de su historia. Exploraremos y descubriremos algunos de los conceptos clave que usan los diseñadores en aquel entonces y aprenderemos de ellos. Te llevaré a través de todo el proceso desde la inspiración y la lluvia de ideas hasta encontrar una manera de expresar tus ideas complejas de una manera visualmente simple, pero efectiva. último, pero no menos importante, para un poco de retroceso nostálgico, estaremos replicando los efectos de impresión clásicos en nuestra caja de fósforos y diseño. Estamos usando Procreate y un poco de Photoshop al final. Esta clase intermedia es para ilustradores, diseñadores y todos ustedes entusiastas de la vendimia. Hice este viaje viajando en el tiempo de una manera que terminas con increíbles ideas de diseño para proyectos personales y profesionales. Al final de esta clase, no sólo tendrás los conocimientos para entender y replicar estos diseños vintage, sino que además tendrás nuevas ideas y principios visuales que podrás agregar a tu repertorio profesional cuando trabajes en diseños e ilustraciones modernos. Por cierto, estoy tan contenta de que estés aquí, así que empecemos. 2. Proyecto: Tu proyecto es crear un diseño de etiqueta de caja de cerilla. Como verás a lo largo de esta clase, hay muchos estilos y temas para elegir. La mejor manera de abordar este proyecto es escoger un tema cercano a tu corazón. Para que sea más fácil para ti, creé una guía de proyectos documento PDF que puedes descargar de la sección de recursos de la clase. Ahí encontrarás ideas desde crear diferentes tipos de etiquetas de matchbox, desde iniciar y diseñar tu propio plan de matchbox, hasta llegar a las ideas de publicidad que se colocarán en una etiqueta de matchbox, hasta diseñar la etiqueta que difundirá conciencia o festejará eventos importantes. Definitivamente echa un vistazo a ese documento, te ayudará a sumergirte en la creación sin preguntarte por dónde empezar. Además, otra cosa que te dejo en la sección de recursos de clase es un enlace a mi tablero de Pinterest, donde encontrarás una colección de etiquetas de matchbox que he reunido hasta ahora. Puede ser una gran ventana en el mundo del diseño vintage de matchbox y también un buen recurso punto de partida para tu inspiración y aprendizaje. Hay muchas formas en las que puedes pensar este proyecto y muchas formas en las que puedes acercarte a él. Puedes usarlo como parte de tus proyectos de trabajo, por ejemplo, esta es una gran práctica si estás creando un diseño de paquetes y quieres introducir un giro vintage, o estás diseñando postales que necesitan un poco de retroceso nostálgico. Por otro lado, puedes usar esta práctica como un proyecto personal y crear un diseño de etiqueta de caja de cerilla que posteriormente podrás usar como una maravillosa impresión artística de estilo vintage. Con todo, una cosa es segura, aprenderás mucho siguiendo esta clase. Pero una vez que tienes todos los conocimientos e ideas, la mejor manera de usarlos es ponerlos en práctica iniciando tu propio proyecto. Queremos ver tu inspiración, dibujos, y proceso de pensamiento que llevó al diseño final de la etiqueta de matchbox. Una vez que termines, asegúrate de compartir todo en la sección de proyectos de esta clase. 3. Breve historia del arte de las cajas de cerillas: ¿ Cómo empezó todo? En 1826, un hombre llamado John Walker, farmacéutico británico, estaba trabajando en una pasta explosiva experimental para armas de fuego. Un día, limpió el utensilio de madera utilizado para mezclar esa pasta raspándola, y se incendió. Por accidente, se descubrieron partidos de fricción, y rápidamente despegaron convirtiéndose en una herramienta indispensable durante más de 100 años después de eso. A medida que los partidos ganaban en popularidad, el mercado rápidamente se saturó, y el arte y el diseño se convirtieron en clave para crear la identidad distintiva de marca. Si te metieras en el negocio de los partidos, lo necesitas para destacar entre los competidores para ser visible, memorable y definitivamente atractivo para los consumidores. Había una extraordinaria variedad de diseños, desde lo sencillo que incluía el nombre y la ubicación del fabricante, hasta lo elaborado, influenciado por las tendencias y eventos actuales. Si te sumerges en todas estas increíbles etiquetas de cerillas de esa época, verás una gama de temas, lugares exóticos, inventos tecnológicos, y los siempre populares animales y plantas. La idea era representar visualmente algo interesante y atractivo, y usarlo como identidad de marca. A principios del siglo XX, el uso generalizado de los cerillas hizo de las cajas de cerillas un lienzo perfecto para una publicidad eficiente. En lugar de identidad de marca, ahora las cajas de cerillas también estaban adornadas con anuncios de cigarrillos, restaurantes, aerolíneas, o suministros de limpieza, por ejemplo. En lo que respecta al estilo, algunos países mantuvieron el enfoque más tradicional basado en la estética victoriana. tanto que otros, especialmente los países de Europa del Este, adoptaron un enfoque más moderno para los diseños de cajas de cerillas. En estas etiquetas de estilo de mediados de siglo, encontrarás muchos ejemplos de diseños publicitarios, así como mensajes de salud y seguridad pública, celebraciones de logros nacionales, y eventos o avances tecnológicos. Algo que une estos diseños, independientemente de su país de origen o periodo exacto de producción, es que se definen por los límites de la tecnología de impresión de la época y del pequeño lienzo. Se hicieron simples y con pocos colores, pero fueron muy efectivos en su lenguaje visual y conceptos de diseño. Antes de pasar al siguiente video, quiero que vayas a la sección de recursos de clase, y encuentres el enlace para el tablero de Pinterest, donde he reunido muchos diseños diferentes de etiquetas de matchbox. En primer lugar, echa un vistazo a todos estos diseños brevemente para familiarizarte con los periodos de tiempo, estilos, y diseños, temas de los que hablamos. Una vez que hagas eso, escoge 5-10 etiquetas de caja de cerillas que te llamaron la atención de inmediato. Puedes imprimirlos, o reunirlos en un tablero digital de humor que tengas frente a ti. Porque en el siguiente video, echaremos un vistazo más de cerca a las etiquetas de matchbox que elegimos, y veremos qué podemos observar y descubrir a la hora de diseñar ideas y conceptos, y cómo podemos aplicar ese conocimiento más adelante en nuestro propio trabajo. 4. Estudia lo antiguo, crea lo nuevo: Empecemos a trabajar en los primeros pasos prácticos para crear nuestro diseño. Como puedes ver, imprimí muchas etiquetas de caja de cerillas diferentes. Todos son del tablero de Pinterest del que te hablé. Ahora quiero mostrarles cómo estoy haciendo este trabajo de detective visual donde estoy observando diferentes tipos de etiquetas de matchbox para determinar qué las hace interesantes. Desde colocaciones y conceptos de diseño en general hasta estilos y texturas de impresión. El motivo por el que estoy haciendo esto es para descifrar mi inspiración y aprender de ella para poder aplicar algunos de estos conceptos y principios de diseño en mi trabajo, así como para poder replicar con precisión estas texturas de impresión vintage. Lo que sugiero es que sigas junto con mis ejemplos porque trataré de cubrir muchas variaciones diferentes. Pero al mismo tiempo coloca las etiquetas de caja de cerillas que has elegido en algún lugar donde las puedas ver. medida que pasamos por cada paso, intenta aplicar ese conocimiento a tus ejemplos y toma notas. En primer lugar, observemos la colocación general del diseño en estas etiquetas. Echa un vistazo al fondo para ver lo que puedes distinguir. Aquí hay algunas cosas que estoy notando cuando se trata de fondo. Los diseños están en un simple rectángulo que siempre tiene un borde de papel o cartón. Pero la frontera puede ser sólo un fondo llano como en estos ejemplos o puede llenarse con un eslogan que va alrededor los bordes o en estos diseños más tradicionales indios, los bordes están adornados con líneas que enmarcan el diseño. Ahora observa las etiquetas de caja de fósforos que tienes y toma notas sobre la ubicación general del diseño o haz algunos bocetos rápidos. Lo siguiente que podemos observar es la tipografía y cómo se coloca en estas etiquetas de caja de cerillas. Los diseños de Matchbox combinan esencialmente ilustraciones y tipografía, en algunas de ellas las ilustraciones son más prominentes mientras que en las otras, es tipografía. En esta clase, me centraré más en los aspectos ilustrativos de las etiquetas de matchbox mientras que en la siguiente clase, cubriré todo el tema de la tipografía de matchbox en profundidad desde la historia hasta las fuentes que puedes usar y adaptar. Por supuesto, mientras trabajas en tu proyecto ahora, siéntete libre de incluir también la tipografía. Todos estos ejemplos aquí tienen ilustraciones prominentes combinadas con tipografía que tiene importancia secundaria pero que todavía sirve para un propósito. En algunos casos, es sólo una palabra, mientras que en otros, tienes texto o consignas. Es interesante saber que algunos de los diseños usan rectángulos más pequeños en la parte inferior para la colocación del texto como estos tres, por ejemplo. Otros pueden ser más experimentales como estos dos. En éste, el texto se coloca en el borde y sigue el borde alrededor. Aquí el texto se coloca de manera similar, pero dentro del fondo. Ambos ejemplos están usando la idea de una caja de fósforos sea algo que tienes en tus manos, y mientras lo sujetas, puedes rotarlo para leer el texto. El texto básicamente no tiene que ser posicionado y estructurado de una manera habitual, y puedes jugar con esta idea mientras diseñas tu etiqueta. Estos dos últimos ejemplos son un poco diferentes cuando se trata de colocación de texto. A diferencia de las anteriores que están relacionadas con la caja de fósforos como cosa física, estas colocaciones de texto están relacionadas con el propio diseño. Se incorporan en ella y se sienten unificados con las ilustraciones. Es por eso que podrían parecer más arte de póster en miniatura que una etiqueta regular de caja de cerillas. Podrías tener ejemplos similares frente a ti o algo diferente. Observa cómo se coloca la tipografía y qué te gusta de ella. Cuando se trata de ilustraciones, es difícil hablar de ellas sólo en términos de colocación porque esta área es muy amplia y depende del tema que estés representando y cómo lo estés representando. Por eso podemos observarlos brevemente en cuanto a estilos e ideas visuales interesantes. No quiero enfocarme en un estricto periodo de arte de matchbox porque quiero que encuentres un periodo y estilo que te guste y te sientas inspirado. Podría sentirse más atraído por los estilos tradicionales del siglo XIX o los estilos modernos del siglo XX. En estos dos ejemplos, realmente se puede ver la diferencia de estilo. Por un lado, hay elementos decorativos, adornos, y mucho trabajo de línea. En el otro lado, están las formas geométricas simplificadas, ilustración en negrita, y no hay líneas. Al observar ilustraciones de matchbox que seleccionaste, también puedes entrar en detalles para ver qué tipo de enfoque de ilustración te gusta. ¿ Es el uso de colores vibrantes, detalles, y contornos como en este diseño indio? ¿ O iría por un estilo de ilustración audaz como en el sello soviético? ¿ O te gusta la simplicidad de este diseño japonés? Ve lo que has elegido y toma notas sobre ideas, estilos y técnicas que te gustan. Es posible que encuentres inspiración en uno o que naturalmente vayas por una variedad de ideas de ilustración que se mezclarán en algo único tuyo. Lo siguiente que quiero echar un vistazo son los colores y el uso creativo del espacio de diseño positivo y negativo en algunas de estas ilustraciones. Como sabemos por las técnicas de impresión a la vez, los colores en estas cajas de cerillas son limitados. En su mayoría se pueden ver paletas de colores que varían desde cinco colores máximo hasta solo dos colores. Si utilizas más colores, la producción de tus cajas de cerillas costará más. Si ya tienes una paleta de colores limitada, definitivamente debes usar el papel o cartón de caja de cerillas como uno de los colores. Estos papeles de cartón son en su mayoría blancos o de color marrón claro cremoso, por lo que también son un gran color neutro para cualquier paleta que elijas. Ya que estás usando el papel como color y no imprimiéndolo, necesitas dejar las partes blancas como recortes en tu diseño. Existen diversas formas creativas de hacer eso. Tenemos estos tres ejemplos, el pájaro, la etiqueta de la ciudad, y otra etiqueta de ciudad similar que es de la misma colección, supongo. Si miras al último, puedes ver que una torre y un puente, son recortes blancos y los otros colores están impresos en la parte superior. Este es un ejemplo típico de recortes blancos. En los otros dos, tenemos ejemplos de uso más creativo de recortes, así como un juego con espacio de diseño positivo y negativo. En este ejemplo, se corta el borde inferior y ahí es donde comienza el edificio blanco. El artista conecta visualmente el edificio con el resto de la caja de cerillas, y esto hace que todo el diseño sea más legible. Al usar papel, no sólo para el edificio sino también para el barco, el cielo azul se convierte también en agua. Este es un gran ejemplo de diseño simplificado que cuenta una historia compleja. Este también es un buen ejemplo de cómo jugar con el espacio positivo y negativo. Tiene la silueta de un pájaro, que creo que es un pavo real. El ave no está contenido dentro de la frontera. Las plumas de su cabeza cruzan el borde superior donde se conectan con el resto del papel y los bordes, y lo mismo sucede en la parte inferior derecha. Ahora, echa un vistazo a las etiquetas de caja de cerillas que tienes frente a ti. ¿ Puedes percibir algunos conceptos de diseño interesantes que quieras explorar? En mi diseño, quiero experimentar con espacio de diseño positivo y negativo así como recortes. Pero podría estar más interesado en las composiciones geométricas audaces, por ejemplo. Algo que une todos estos diseños, independientemente de su periodo o estilo, es que están limitados por la tecnología de impresión de la época. Se puede ver que ninguna de estas impresiones es perfecta. En mi opinión, eso es lo que los hace absolutamente únicos y perfectos. En esta parte, quiero echar un vistazo más de cerca a cómo se imprimieron estas etiquetas con el fin comprender todos los errores que ocurrieron para que podamos observarlos y replicarlos más adelante. Si miras de cerca estas etiquetas de caja de cerillas, verás que cada color se imprimió por separado. Esto significa que debes poner el cartón en la impresora e imprimir un color, quitarlo, luego ponerlo de nuevo e imprimir otro color en la parte superior, y así sucesivamente. Puedes hacer este tipo de impresión tallando madera, y creando tallos, y luego haciendo todo manualmente o podrías usar un método de impresión offset rápido. Cuando estás imprimiendo colores por separado, hay una fuerte posibilidad de que algo se mueva, especialmente si el proceso de impresión es rápido. Entonces, al final, los colores no se alinearán perfectamente entre sí. Muy a menudo verás estas capas empuñadas y solapamientos de color. A pesar de que eso es un error, se convierte en algo único e inseparable de este estilo vintage. Si quieres recrear este viejo look vintage en tu moderno diseño digital, debes hacerlo imperfecto replicando estas erratas. Algo más interesante en la tecnología de impresión es el uso de medios tonos. semitonos son series de puntos diminutos que se pueden utilizar para sombrear en un solo color, como en estos dos ejemplos, o bien se puede utilizar de manera uniforme para llenar toda el área como en este tercer ejemplo. último, pero no menos importante, vamos a echar un vistazo a cómo reaccionan los colores con una superficie de cartón. Si comparas todas las etiquetas de caja de fósforos que hemos visto hasta ahora, notarás que algunas de ellas tienen mejor calidad de impresión que otras. En algunos, como en estos tres, por ejemplo, hay muchas imperfecciones. probable que la impresora haya usado más tinta de la necesaria, y se empapó en el cartón e hizo todas estas líneas tambaleantes y manchas de tinta. También se puede notar incluso en los de mejor calidad, que no es posible conseguir bordes nítidos y afilados, y se puede ver eso aquí, por ejemplo, o en estas letras. Otra cosa es que los colores sólidos a menudo no son sólidos en absoluto. La mayoría de las veces habrá puntos blancos mirando a través porque el color está empapado en el cartón. Tendremos todo esto en mente mientras recreamos nuestras propias texturas impresas. Analicé estas etiquetas de caja de fósforos bajo tres categorías: colocación general, conceptos clave de diseño, y texturas de impresión. Ahora es tu turno. Si aún no lo has hecho, revisa las etiquetas de caja de cerillas que has elegido y toma notas sobre lo que estás observando. Podrían tener ejemplos diferentes a los que yo. Si encuentras algunas características adicionales en tu trabajo de detective visual, compártalas en tus proyectos para que todos podamos aprender más el uno del otro. En el siguiente video, comenzaremos a intercambiar ideas para un diseño de etiqueta y empezaremos a bosquejar. 5. Diseño de etiquetas: A veces como artistas, ilustradores, o diseñadores, necesitamos un reto. Necesitamos que nos impongan algunas limitaciones para que podamos salir de nuestra zona de confort y rascarnos un poco la cabeza para ver cómo podemos sacar el máximo provecho de la situación o del proyecto de diseño. Ahí es cuando nuestra creatividad puede florecer y podemos empezar a dar vida a algunas ideas increíbles. Empezaremos nuestro proyecto de diseño teniendo en cuenta que el diseño que estamos haciendo es para un producto que tiene diversas restricciones de producción. Es pequeño en tamaño y tiene una paleta de colores restringida. Estamos trabajando con una tecnología de impresión limitada. Estaremos haciendo esto, por supuesto, usando herramientas del siglo XXI. Pero es bueno simplemente imaginar el escenario como una cierta limitación que tienes mientras trabajas en este proyecto, sobre todo si quieres recrear un auténtico look vintage al final. Para escoger fácilmente un tema para tu proyecto, consulta mi guía de proyectos PDF, cual puedes descargar en la sección de recursos de la clase. Distinguí tres categorías de ejemplo entre las que puedes elegir, así como algunos posibles nombres de etiquetas o ideas de eslogan. Creo que esto te ayudará a sumergirte directamente en la creación. La opción 1 es diseñar una etiqueta de marca matchbox. Se puede llegar a un nombre interesante para su marca y crear una ilustración que vaya con él. También puedes usar algunos de los nombres que he enumerado en la guía de proyectos. La segunda opción es crear un diseño publicitario que se coloque como etiqueta de caja de cerillas. Este campo de diseño también es muy interesante y lleno de grandes ejemplos. Escoge una empresa para la que quieras diseñar un anuncio o utiliza algunas de las empresas de mi lista. La tercera opción es algo que llamo un mensaje de caja de fósforos. Incluye etiquetas que fueron utilizadas como una forma de difundir información o conciencia. modo de ejemplos, verás mensajes de salud y seguridad pública o celebraciones de logros o eventos tecnológicos. Hice una lista de posibles consignas y mensajes que puedes usar, pero claro, crea algo cercano a tu corazón. Para este proyecto, voy a crear una marca de matchbox etiquetada con el nombre Horizon. Me tomó bastante tiempo conformarme con el nombre y por eso decidí crear una guía de proyectos para ti con listas de nombres para que no te atasques en estos pequeños y no tan importantes detalles. Además, elegí cinco etiquetas de matchbox como mis favoritas y las usaré inspiración y como referencia a todas las cosas que observé y hablé en el video anterior. Ahora que nos asentamos en el tema y en el tema, podemos empezar a intercambiar ideas. Lo que sugiero es tomar un trozo de papel y empezar a enumerar cosas que están relacionadas con tu proyecto de diseño. No importa si es algo muy obvio o no. Lo que importaba en mi caso fue que acabo de dejar salir toda la información que tenía en mi mente relacionada con la palabra horizonte. Esto es lo que hice. En primer lugar, hice una lista de cosas visuales que en mi mente están relacionadas con la palabra horizonte. Enumeré puesta de sol, océano, montañas, puente, río. Como puedes ver, mi cerebro no sólo está creando una conexión para el horizonte, sino que también está creando una conexión entre esas palabras. El siguiente listado está relacionado con sentimientos que tengo cuando pienso en el horizonte. Esos son los sentimientos que quiero explorar y expresar en mi diseño. Escribí hermosa vista, sentimientos tranquilos, mindfulness, descanso, respiración más profunda. Puedes hacer estas listas lo más simples o lo largo que quieras. Podrás desarrollar estos conceptos más adelante o puedes tenerlos en cuenta mientras haces bocetos. A lo que quiero decir con eso es que si la calma es un sentimiento que define este diseño, eso significa que quiero explorar cómo visualizar algo que es tranquilo y quieto. Podría usar líneas horizontales rectas, por ejemplo. Si comparamos esto con algo opuesto, que sería, por ejemplo, un anuncio para viajes espaciales comerciales, tal vez quieras usar líneas diagonales, como lo hicieron con estos aviones aquí. Se quiere crear un sentido del movimiento y el sentido del logro. En ese caso, definitivamente no quieres quietud y calma. Se quiere hacer algo llamativo, audaz, y rápido. Estas listas te darán un punto de partida fácil. Usa tus sentimientos sobre un tema como guía de cómo visualizarás las cosas que notabas en la primera lista de ideas físicas. Como siguiente paso, empieza a bosquejar siguiendo tus ideas. No tienes que enfocarte de inmediato en el diseño final. En cambio, intenta ver a dónde te llevan tus bocetos y concéntrate en la lista. Por mis ejemplos, se puede ver que quería jugar con formas, con geometría, con líneas. También exploré la idea de un medio círculo que podría usarse como barco. Aquí tuve una idea de jugar con formas y espacio de diseño negativo y positivo. Hablamos antes. La idea era fusionar un río y una puesta de sol. Aquí traté de ver cómo se verían las montañas y el sol en una composición. Una vez que exploré eso, me pasé a crear bocetos con el diseño final en mente. Como se puede ver, se trata de diseños más desarrollados que se basan esencialmente en los bocetos anteriores de la lista. Al principio, tuve un problema con mi marca porque cuando pensé en el horizonte, tuve esta idea de cliché visual de un medio círculo en una línea horizontal que se había utilizado tantas veces antes. Yo quería hacer algo diferente. En cambio, yo constantemente volvía a ello. Mi consejo es aunque tengas ideas malas o cliché, solo déjalas a todos para que puedas pasar a hacer algo mejor o más desarrollado y eso es lo que hice. Empecé de la idea básica y luego seguí explorándola. Estos dos son muy similares y básicos, pesar de que el segundo tiene posibilidad de solapamientos de color. Aquí, exploré la idea de que un barco sea una puesta de sol en reversa, pero no estaba seguro de cómo el consumidor potencial podría relacionarse con eso como ser una representación de un horizonte. Después me fui un poco abstracta con geometría y líneas como rayos del sol. Ahora en estos dos puedes ver que mi idea final cobra vida. Me gustó mucho la silueta de montaña y la idea de voltear el diseño horizontalmente, lo que encaja muy bien con la representación del horizonte. No obstante, aún no quedé satisfecha con esta idea. Fue agradable, pero aun así un poco básico. Quería contar una historia a través de este diseño. Mientras miraba la montaña y pensaba lo que escribí, mindfulness, calma, respiraciones profundas, me llevó a pensar un rostro humano que está descansando y respirando profundamente. En pocas palabras, ese es el proceso en el que terminé con esta idea donde tengo un rostro humano en el primer plano y una silueta de montaña que se asemeja a su rostro de fondo. Con este diseño, ahora puedo contar visualmente una historia de una conexión humana con la naturaleza que resulta en armonía y tranquilidad. En este boceto, la cara es un poco caricaturizada y sigo explorando la idea de los medios círculos, que son demasiado para este diseño, sobre todo si quiero mantenerla audaz y simple. En el boceto final, creé un rostro humano definido. Pensaba en las capas de color y en cómo podría superponerlas. Saqué todos esos medios círculos. En lugar de colocar la fuente dentro de un rectángulo, como lo hice aquí, fui con esta idea, como en esta caja de cerillas. Coloqué la fuente en el borde exterior de la frontera. Ahora tengo un boceto de diseño sencillo que está bien estructurado con una buena idea y una historia que contar. Para este paso, comienza a desarrollar y construir tus bocetos de diseño primero en relación a tu lista base. Entonces deja que todas esas ideas se fusionen y se junten hasta que encuentres la que has estado buscando. Ten en cuenta todas las cosas de las que hablamos y las cosas que has notado. Ten en cuenta esas ideas y principios de diseño que quieres seguir o probar. Si no estás seguro de cómo hacer algo, vuelve a estas etiquetas de cerillas y echa un vistazo a cómo lo hicieron. Ahora lo estás haciendo con el fin de recrear lo que hizo alguien, pero con el fin de utilizar toda la información visual disponible como referencia y una herramienta de aprendizaje para que puedas resolver tus obstáculos de diseño en el camino. Ahora fotografiaré esto y lo añadiré en Procreate. En los próximos videos, hablaremos de capas, colores, y cómo recrear los efectos de impresión vintage mientras terminamos nuestro diseño. 6. Colores de impresión: Estamos oficialmente en Procreate ahora y podemos empezar a trabajar en el diseño final, hasta ahora hemos aprendido tanto y podemos incorporar ese conocimiento en la elaboración de nuestro diseño de etiquetas de matchbox. En esta parte, hablaremos mayormente de colores y cómo usaremos las capas para imitar la tecnología de impresión que se utilizó en estas etiquetas vintage matchbox. Como mencioné antes, en estas etiquetas, cada color se imprime por separado. Agregas la pila de papeles a la impresora y se imprime un color en cada hoja. Después vuelves a alimentar los papeles e imprimes otro color en la parte superior. Lo que pasa con esta impresión es que puedes usar dos colores, solaparlos, y crear un tercer color y esto es algo que hace que este método de impresión sea muy divertido de explorar y jugar con. Algo muy similar que es ampliamente utilizado hoy en día, sobre todo en el mundo del arte y probablemente hayas oído hablar de ello es la impresión risográfica. Ahora, como estamos trabajando digitalmente y no imprimiendo esto en una máquina de risografía, por ejemplo, sólo vamos a imitar el proceso y recrear en Procreate. El primero que necesitamos saber es que si queremos que los colores se superpongan, necesitamos colocar cada color en una capa separada tal como lo haríamos si lo estuviéramos imprimiendo. Ahora abriré una nueva capa, seleccionaré un color y crearé solo una forma simple. Ahora, en el modo de fusión aquí cambiaré lo normal para multiplicar. Queremos que todas las capas tengan un modo de fusión de multiplicación. De esa manera, los colores pueden superponerse y mezclarse entre sí para producir nuevos colores. Ahora crearé una nueva capa, seleccionaré otro color, y de nuevo cambiaré el modo de fusión para que se multiplique y ahora crearé una nueva forma. Si estamos trabajando sólo con dos colores, podemos usar la superposición entre estos dos para crear un tercer color y eso es algo muy divertido de explorar en nuestro diseño final, ahora crearé una tercera forma e introduciré otro color. De nuevo, lo pondré para multiplicar y aquí está. Si quieres probar colores para ver cómo se ven juntos en una superposición, también puedes seleccionar una capa que quieras cambiar. Por ejemplo, este y que puedes ir a ajustes, brillo de saturación de matiz, capa y luego puedes jugar con matiz por ejemplo, o saturación y brillo y tener una vista previa en vivo de cómo interactúan estos colores entre sí mientras estás cambiando estos ajustes. Ahora, quiero mostrarte una carta de colores que creé para ti. Puedes descargarlo en la sección de recursos de clase. Se trata de un archivo PNG que puedes agregar a tu Procreate Canvas. Eso es lo que voy a hacer ahora. Voy a añadir, “Insertar una foto” y aquí está esta tabla de colores. Para hacer esta carta de colores, he elegido siete colores diferentes. Los coloqué horizontalmente y luego otra vez verticalmente y usé el modo de mezcla multiplicar para que se puedan solapar. Esto me da una buena visión general de cómo estos colores interactúan entre sí y puedo ver con qué color se superponen potencialmente quiero trabajar. Además sirve como un límite de color imaginario que necesito seguir como si estuviera preparando mi diseño para la impresión. Puedes usar mi tabla de colores y escoger estos colores o puedes crear los tuyos propios. Dejaré un enlace en la sección de recursos de clase para un sitio web que tenga una lista de colores de impresión risograph disponibles con sus números hexagonales. Se trata de una selección de colores muy bonita que puedes usar como inspiración o punto de partida para tu carta de colores. Ahora voy a escoger estos siete colores principales y guardarlos en una nueva paleta de colores y luego puedo empezar a trabajar en mi etiqueta para mostrarles algunas formas en las que puedo implementar estos colores en mi diseño. Lo que puedes ver aquí es mi boceto refinado y terminado. El formato que estoy usando es un tamaño de papel A3 porque quiero poder imprimir este diseño de etiqueta de caja de cerillas como póster. Además, siempre es más seguro trabajar a mayor escala y reducir la escala más tarde si es necesario. También agregué tipografía. Usé una fuente, Rousseau 1. Es audaz y fuerte, y se asemeja a esas fuentes vintage que observamos. Se trata de una fuente de Google y tiene una licencia de código abierto. Ahora bien, si voy a la Fuente y voy a Editar, puedes ver en la configuración que ajusté el tamaño de la fuente. Ajusté kerning y seguimiento y también encajo todo en este rectángulo que hice. Lo siguiente que hice con esta fuente es que la duplicé. Yo lo toqué, y simplemente lo rasterizé. De esa manera pude usarlo como objeto como forma regular. Por cierto en los recursos de clase encontrarás enlaces para todas las cosas que estoy usando en este diseño desde esta fuente hasta diferentes conjuntos de pinceles y texturas. En mi siguiente paso, trazé líneas de boceto con pincel de tinta y creé bloques de color, cada uno en una capa separada y con un modo de mezcla de multiplicación. Voy dejando esta parte de la cara como un recorte y la estoy dejando respirar y conectarme a las fronteras pero quiero tener estas tres superficies como tres colores diferentes. Para mostrarte cómo puedes lograr esos resultados de unas cuantas maneras diferentes, creé tres posibles variaciones para mi diseño. El primero está usando tres capas de color y no tiene solapamientos. Como puedes ver, cada forma de color tiene su propio lugar separado y en este ejemplo, no estamos explorando la posibilidad de mezclar colores pero si dibujas cada forma imperfectamente, puedes crear interesantes errores de superposición en estos conectando caminos. El segundo ejemplo es también de tres colores, pero tiene una superposición. Como puedes ver, está hecha de tres capas de color y si saco esta, estas son dos capas base y esta va en la parte superior y crea una superposición para esta silueta de montaña. Si estamos pensando en términos de eficiencia de impresión, hay otra forma de hacerlo con solo dos colores y eso es algo que he creado para mi último ejemplo donde utilicé solo dos capas de color. Permítanme mostrarles el tercer ejemplo. Aquí tenemos solo dos capas y solo dos colores. Tenemos esta principal y luego en la parte superior tenemos esta rosa claro. Eso también está creando una superposición para la silueta de montaña. Si miras eso, verás que cuando se superpone con este color azulado, obtenemos montañas y un color azulado más oscuro y estamos manteniendo el color original en el lugar sin solapamientos. Ahora queremos mantenernos en toda esta idea de imitar el proceso de impresión, en lugar de escoger el color que queramos, podemos limitarnos a la carta de colores y usar algunos de estos siete colores que hemos guardado. Esta limitación también tendrías si estás preparando esto para que se imprima en una máquina de risografía, por ejemplo. Ahora si quiero hacer este color azulado un poco diferente. Puedo colocar otro color encima para cambiarlo y si traigo de vuelta mi carta de colores y la miro, puedo ver que agregando el color rosa encima de un color azulado, obtendré un color azul más índigo. Qué voy a hacer ahora para cambiar el color mi capa en lugar de escoger cualquier color que quiera, como dije, solo voy a duplicar esta capa azulada y la colorearé en este color rosa que escogí de mi tabla de colores. Como puedes ver, hicimos azul índigo. El capa que duplicé también está en el modo de mezcla multiplicar y ahora puedo jugar con la opacidad para hacerla menos oscura, así que la pondré tal vez al 50 por ciento. Aquí vamos, ahora tenemos un color azul más sutil. Esa es una forma de hacerlo y otra forma divertida de hacerlo es usar medios tonos. Como vimos en las etiquetas de caja de cerillas. Puedes usar semitonos para agregar sombreado y detalles, para cubrir toda la superficie y para cambiar el color que hay debajo, así que la forma en que voy a hacer esto es en primer lugar, eliminaré la capa duplicada y seleccionaré esta base capa. Tocaré en él y pincharé en “Seleccionar”. Ahora, mientras todo esto está seleccionado, abriré una nueva capa, configuraré el modo de mezcla para multiplicarse y agarraré un pincel que es un pincel de semitono. Usaré un conjunto de pinceles de texturas de cuadrícula verdadera y se llama tonos beat y puedo usar este shader dot 2. Ahora solo lo repasaré con este pincel de semitono. Una vez hecho eso, puedo presionar “Seleccionar” para desseleccionarlo y también esta vez puedo jugar con la opacidad y puedo llevarla al 50 por ciento como lo hice en el último ejemplo. Si me alejo, se puede ver el cambio de color y por ejemplo, si me acerco, se puede ver la bonita textura de semitono que he creado. El diseño se ve muy bien incluso en esta etapa, pero aún no hemos terminado. En el siguiente video, añadiremos algunas imperfecciones de impresión para que luzca vintage y auténtico. 7. Estilo de impresión: Te voy a mostrar algunas formas diferentes en las que puedes recrear el estilo de impresión clásico. Vamos a tomar este diseño digital y hacer que se vea más propenso a errores, como lo sería si realmente lo estuviéramos imprimiendo hace 70 años. Si recuerdas, mientras observábamos etiquetas de caja de cerillas, tomamos notas sobre erratas que ocurrían desde bordes tambaleantes, manchas de tinta, hasta capas de color que se movían accidentalmente. Ahora veamos cómo podemos recrear eso. Como puedes ver aquí, eliminé la capa de semitono que hice antes, y solo me quedan dos capas principales que necesito cambiar un poco, y una vez que hago eso, puedo reintroducir la capa de semitono. Lo primero que noto son estas cartas. Son muy crujientes, y afilados, y tienen estos bordes afilados. Mientras observaba etiquetas de caja de cerillas, también noté que al usar la vieja tecnología de impresión y la impresión en el cartón, nunca podrías tener esas líneas y esquinas agudas. Para cambiar eso, voy a agarrar el mismo pincel que uso para hacer formas de color, y voy a desbaratar estas letras y hacer redondeadas las esquinas. Como puedes ver, eso es algo que hice mientras dibujaba los principales bloques de color. El pincel que voy a usar es un cepillo RetroSupply, y es solo un pincel de tinta, produce bonitas texturas de tinta. Sólo voy a seleccionar la capa y seleccionar el color, y sólo voy a desbaratar estas letras. Las letras se ven mucho mejor y más auténticas ahora. Lo siguiente que voy a hacer es agarrar otro pincel de tinta. Este es del conjunto Risógraph, y se llama tinta de calamar. Con este pincel, quiero imitar una sangría de tinta que ocurre cuando se agrega demasiado color a la impresora, lo que hace que el color se empape en el cartón y se extienda sobre los bordes de diseño, y crear esas líneas de purga de pared. Nuevamente, entraré en esta capa que ya está seleccionada, y sólo voy a añadir un latido de estas sangras de tinta en los bordes. Se selecciona la capa, y tengo mi pincel, y solo puedo ir un poco por aquí, y solo puedo crear un poco de sangría de tinta que básicamente está escapando de los bordes de diseño. Mi consejo más grande aquí es tratar de encontrar un equilibrio y no exageres. Simplemente lo voy a agregar en unos pocos lugares, y eso será justo. Ahora que terminé de cambiar las capas, puedo traer de vuelta la capa de semitono. De nuevo, iré a Capas, tocaré en este, y daré click, Seleccionar. Ahora, mientras tengo esto seleccionado, puedo crear una nueva capa en la parte superior, y establecer el modo de fusión para multiplicar. Al igual que lo hicimos antes, seleccionaré el color rosa, e iré a pinceles, y usaré este pincel de semitono de punto sombreador. De nuevo, sólo voy a repasar esto, y añadir la textura de semitono. Para terminar esto, solo puedo presionar, Seleccionar para deseleccionarlo, y de nuevo, simplemente bajaré la opacidad al 50 por ciento. Por ahora, tan bueno. En este punto, realmente se puede ver que este diseño se está uniendo. Ahora, quiero agregar el último error de impresión empujando un poco las capas como si accidentalmente movemos el papel mientras imprimimos diferentes colores. Ya puedes seleccionar la capa que quieras mover, por ejemplo, yo puedo hacer esta. Lo seleccionaré, y lo empuñaré sólo un poco. Ahora puedo hacer lo mismo con la capa de semitono. Básicamente, lo que quieres hacer aquí es mover estas capas solo un poco para crear bonitos solapamientos. Además, se pueden ver los maravillosos efectos que tiene. Por ejemplo, este error de impresión de medio tono rosa está creando un sombreado en las letras. Ahora que tenemos todo listo, único que queda por hacer es agregar la textura de superposición de papel en la parte superior. Te voy a mostrar dos formas en las que puedes hacerlo. Una forma es usando Procreate, y otra forma es usando Adobe Photoshop. En primer lugar, veamos cómo podemos hacerlo en Procreate. Para crear una superposición de papel en Procreate, utilizaré pinceles de textura y filtros. En primer lugar, iré a este conjunto Risograph que tengo, y ahí, seleccionaré esta superposición de papel favorita, es un pincel de textura. Para usarlo, tengo que establecer los colores, uno para ser negro y otro para ser blanco. De esta forma, una vez que empiece a agregar la textura en la parte superior, será en un gris medio, y podré usarlo con un modo de fusión establecido en superposición, o con algunos otros modos de fusión. Ahora, solo crearé otra capa que está encima de todo, y con este pincel seleccionado, solo puedo ir en la parte superior y crear esta textura de papel. Ahora que se crea esto, sólo iré a los modos de fusión, y como pueden ver, puedo configurarlo para superponerse, puede ver cómo se ve, u otra opción es configurarlo en luz lineal. Con luz lineal, lo que puedo hacer, puedo bajar la opacidad al 50 por ciento. Puedo tener una textura de papel que sea visible no sólo en colores más oscuros, sino también en colores claros y sobre todo el fondo claro, crema. todo, puedes jugar con esto y ver qué funciona mejor para tu diseño. Para terminar esto, quiero agregar un poco de verde encima de todo. Voy a hacer eso usando el filtro Procreate. En primer lugar, necesito crear una nueva capa encima de todo. Coloraré esta capa con un gris medio. Para obtener un gris medio perfecto, iré al valor Paleta de colores y luego R, G y B, tengo que escribir 128. Simplemente iré aquí y cambiaré esto a 128. Tenemos un gris medio y solo tengo que dejarlo caer en esta nueva capa que está encima de todo. El motivo por el que estoy usando un gris medio es muy sencillo. Una vez que establezca el modo de fusión aquí para superponer, solo lo configuraré en superposición, verás que no hay diferencia. Si lo enciendo y apagando, no hay diferencia. Pero una vez que empecemos a añadir la textura y un filtro, el cambio será visible. Vamos a configurar esto en modo de fusión de superposición y vamos a Ajustes, vamos a capa de ruido, y ahora todo lo que necesito hacer es deslizarme para ajustar. puede ver si lo deslizo así, el ruido es muy visible y eso no es lo que queremos. Por supuesto, sólo lo bajaré un poco a tal vez 15 por ciento, y eso es todo. Esto se ve bien y es sutil. Ahora si acerco zoom y apago esto y lo enciendo, se puede ver la diferencia. Los resultados finales son realmente agradables y realistas, tanto desde risograph textura brush, este filtro de ruido en la parte superior. Cuando se trata de Procreate, nuestro trabajo está hecho. En el siguiente paso, quiero mostrarte cómo voy a utilizar Adobe Photoshop para crear resultados similares. Como verás, no vamos a usar pinceles ni filtros, en realidad vamos a usar algún papel viejo. En primer lugar, apagaré las capas de textura Procreate que he creado, y guardaré este diseño como un JPEG. También puedes guardarlo como archivo PSD en caso de que quieras editarlo más en Photoshop. Para este paso, lo que necesitamos son algunos papeles o libros viejos que realmente han estado expuestos al paso del tiempo. Al igual que estas, por ejemplo, puedes usar las cubiertas, sobre todo si tienen decoloración y texturas visibles. O bien puedes usar las primeras páginas en blanco en su interior. Simplemente escaneo estas páginas a 1,200 DPI, que es suficiente, pero puedes ir aún más alto si quieres. En caso de que no tengas un escáner o libros viejos por ahí, solo tienes que ir a los recursos de la clase y descargar el mío para probar todo el proceso. Ahora una vez que estés en Photoshop, abre tu diseño como un PSD o un archivo JPEG como lo hice yo. Encima de ella, agrega el papel escaneado. Lo que quieres hacer en primer lugar, es seleccionar esta capa de papel y cambiar el modo de fusión a Linear Burn. Vayamos a Modos de fusión y seleccionamos Grabación lineal. Todo está demasiado oscuro e indefinido ahora mismo, y para hacerlo mejor, necesitamos ajustar los niveles. Ve a Ajuste, selecciona Niveles, y haré el clic derecho y seleccionaré la máscara de recorte. En los niveles puedes empezar a jugar con estos ajustes para hacer que la superposición sea más correcta y visible, así que solo arrastraré un poco esto y lo haré más ligero, y tal vez ésta solo un poco por aquí. Trata de hacer que el papel luzca sutil y realista, pero aún así ten en cuenta que tu diseño es el más importante, y la textura está aquí para darle un solo toque final. Esto se ve muy bien. Pero lo último, quiero ajustar son los colores, puede ver que este papel le dio a todo un tono amarillo, verde diferente , así que quiero arreglar eso también. Volveré a Ajustes y seleccionaré Hue y Saturación. Ahora una vez más haré para hacer clic derecho y crear una máscara de recorte. De esa manera, mediante el uso de máscaras de recorte, lo que estoy haciendo es agregar todos estos efectos solo en la capa de papel. Cuando se trata de matiz y saturación, solo jugaré un poco con estos ajustes para que tal vez pueda bajar a matiz a menos ocho o algo así. Esto se ve mejor, y yo también puedo bajar la saturación, un poco más, tal vez a menos 20, y vamos a subir un poco la ligereza. Eso es todo. Estoy muy contento con este resultado. La textura del papel se ve absolutamente increíble y le da un acabado tan perfecto a todo este diseño. Si comparas este con el que hice en Procreate, puedes notar que éste tiene un aspecto de papel manchado más realista, mientras que el otro es más sutil. Una buena razón para agregar este acabado final en Photoshop es que estás en control de las texturas que quieres usar. Además, siempre es divertido encontrar diferentes tipos de texturas y papeles viejos, escanearlos y probarlos para ver qué obtendrás. Ahora si te preguntas, si podrías hacer algo como esto en Procreate, la respuesta es sí y no, porque es posible agregar un escaneo en papel en tu archivo Procreate y usar diferentes modos de mezcla, pero tú no sería capaz de ajustar los niveles y afinar tu escaneo para un look final perfecto. 8. Gracias: Oye, solo quería darte las gracias por pasar tiempo conmigo y ver esta clase. Espero que hayas disfrutado todo este proceso de aprendizaje y hayas descubierto algo nuevo, algo emocionante, y algo en lo que quieras sumergirte. Una vez que inicies tu proyecto, documentalo y comparte con nosotros tus observaciones de arte de matchbox, proceso de pensamiento, bocetos, y en última instancia tu diseño terminado. Por cierto, me encantaría escuchar lo que piensas de esta clase. Asegúrate de calificar y revisarlo. Como siempre, si tienes alguna pregunta o algo que estaba mostrando no estaba claro, siéntete libre de preguntar cualquier cosa en la sección de discusión de esta clase y me pondré en contacto contigo en cuanto pueda. Para recibir notificaciones sobre mis próximas clases, sígueme aquí en Skillshare. También puedes mantenerte en contacto conmigo en Instagram @diujdi. Te estoy enviando mucho amor y buenas vibraciones. Te veré en el próximo.