Retratos en acuarela: técnicas para iluminación dramática

1. Introducción: Hola, Mi nombre es Alicia, y bienvenido a mi nueva clase sobre retrato de acuarela. Es esta vez nos vamos a centrar en crear hermosos efectos de iluminación dramáticos para tu retrato. Es que empezaremos cubriendo algunos materiales y técnicas básicas para luego comenzar a aplicar esos directamente a rostros de práctica más pequeños. Usaremos varios enfoques húmedos sobre húmedos y húmedos sobre secos para crear una diversa gama de efectos . También iban a pasar algún tiempo repasando las llanuras de la cabeza para que te sientas más cómodo creando tus propios escenarios de iluminación así como entender mejor lo que ves en referencias y desde la vida. Antes de saltar a nuestra clase, Project experimentará con una variedad de miniaturas de color para obtener la paleta que los mejores trajes están sujetos en nuestros objetivos. Para que termine la paz, les voy a mostrar mi proyecto de clase, aplicando todas las técnicas que hemos aprendido durante la clase. ¿ Estás listo para crear alguna iluminación dramática emocionante y acuarelas y empecemos empecemos 2. Materiales y términos: Empecemos por hablar de los materiales y términos que estarán utilizando a lo largo de esta clase, empezando por, por supuesto, un conjunto de colores de agua. Tengo un conjunto bastante grande aquí, pero cualquier conjunto estándar de 12 colores más o menos funcionará bien. También quiero tener un cuaderno de bocetos de medios mixtos y un poco de papel de acuarela. No necesitamos nada demasiado elegante para empezar aquí. Tan solo un lugar para esbozar ideas y luego un lugar para, ya sabes, por supuesto, pintar nuestros proyectos de clase final. Aparte de eso, también vas a querer agarrar tus pinceles favoritos. Tengo tres diferentes en diferentes tamaños, yendo de dedo más pequeño más grande, y también vamos a querer un par de contenedores para agua. A mí me gusta tener dos para que uno conserve como agua más limpia, y uno se quede un poco sucio para el enjuague inicial de nuestros pinceles, sobre todo cuando estás transitando entre colores y en un par de toallas de papel. Y estamos prácticamente listos para ir por unos materiales básicos y, por supuesto, un lápiz para algunos bocetos. También quiero tomarme un poco de tiempo para hablar de algunas técnicas básicas de acuarela que vamos a estar utilizando a lo largo de este curso, empezando por técnicas mojadas sobre mojadas. Por lo que usualmente uso este tipo de técnicas cuando estoy colocando en mis primeras capas iniciales en un retrato o cuando estoy trabajando en el fondo y quiero que ese fondo sea más borroso. El básico de las técnicas húmedas sobre húmedas básicamente implica hacer que tu papel se moje antes de aplicarle pintura, por lo que la pintura húmeda sobre papel mojado. Entonces, como pueden ver aquí, he mojado mi papel antes de tiempo, y sólo voy a seguir adelante y caer en algunos colores. El beneficio de esta técnica es que permite obtener bordes más suaves, y es una gran manera de mezclar colores. Lo uso mucho cuando estoy tendido en esas capas iniciales de retrato, y no necesito necesariamente que mis colores estén súper separados o para encontrar todavía. Pero si se mezclan, ayuda a crear una especie de esa transición sin fisuras de un color a otro. La pintura húmeda sobre húmeda se puede usar para referirse a usted no solo agregando pintura húmeda al papel húmedo, claro, limpio, mojado, sino que también se puede usar para agregar pintura húmeda a la pintura húmeda. Entonces cuando tengo áreas donde mi pintura sigue mojada y caí más color en esas áreas , sobre todo cuando es un color más saturado o denso que se conoce como carga. Entonces si tan sólo tomara esta zona azul y dejara caer mi amarillo directamente en ese azul, estaría cargando esa zona con otro color. Y al tomar mi pincel mojado y tipo de mezcla de las áreas intermedias, estamos creando un tipo similar de efecto y suavizando esos bordes. Otra técnica súper común que utilizo en la categoría húmeda en seca. Entonces esto ahora es aplicar pintura húmeda al papel seco donde no nos hemos casado un adelanto de tiempo es simplemente desvanecerse o mezclar tus bordes. Entonces una vez que has puesto un color y luego empezando desde un poco más lejos, boda tu papel y poco a poco viniendo a conocer tu pintura húmeda para suavizar esos bordes. Esta es una técnica muy vital. Cuando estás hablando de pintar retrato, es sobre todo cuando quieres conseguir algo que se vea un poco más realista. Esos bordes tienden a mezclarse y suavizarse, sobre todo a medida que se producen sombras y transiciones de color y luz, y el rostro se está curvando lejos de la luz o transitando lentamente hacia un color diferente . Lo que tengo que mostrarles aquí son los tres pinceles que principalmente voy a estar usando a lo largo de este curso Ahora, Como pueden ver, estos son todos juncos redondos. Ahí también todos los pinceles de caligrafía. Me gusta mucho usar pinceles de caligrafía chinos para acuarelas ya que los pelos naturales sostienen mucha agua. Y esta variedad de tamaños me da una muy buena variedad a la hora de usar los más grandes para los lavados iniciales y fondos más grandes, todo el camino hasta algo más pequeño para detalles y áreas diminutas antes de empezar, también quieren explicar brevemente el concepto de acristalamiento. Por lo que el acristalamiento es básicamente colocar una capa de pintura encima de una pintura de capa ya seca. Entonces he mentido este tipo inicial de color anaranjado, y voy a secar por completo eso o dejarlo secar por completo, dependiendo de si tienes o no algo con lo que secar tus acuarelas. Y luego a cada lado de esta naranja, voy a poner dos colectas diferentes. El primero está en el lado más cálido. Entonces tenemos este amarillo aquí, y como pongo este amarillo encima, el efecto final es que este color se va a calientar y se volverá más amarillento. Y del otro lado, voy a poner algo un poco más fresco. Entonces una especie de color rosa más fresco, rojizo, y luego vamos a ver la diferencia que eso hace en las diferentes capas que hemos creado. Y mientras miramos a estos dos uno al lado del otro, realmente se puede decir la diferencia de que el acristalamiento hace Nos queda con el color final siendo diferente, dependiendo de qué colores estén vidriados encima de cuál. Y esto, por supuesto, es una técnica súper útil para acumular vitalidad y luminosidad en tus capas de acuarela . 3. Mini-Faces: ejemplos de mojado: Entonces para empezar con nuestras demostraciones, puedes ver que he dibujado una página de ocho formas básicas de cabeza aquí en este video, nos vamos a centrar en las dos de aquí arriba en la esquina. Voy a estar usando estos dos para demostrar algunas técnicas mojadas sobre mojadas para ti y cómo utilizo esas cuando se aplican al retrato de acuarela. Es lo primero que hago es que quiero poner en algunas formas básicas que viste al principio para las cuencas de los ojos, la nariz, la boca de los años, cosas así por poner en las cuencas de los ojos. En primer lugar, encontré que es extremadamente útil para mí recordar que los propios globos oculares se sentarán más pequeños y se empotrarán dentro de los enchufes. Realmente me ayuda a seguir pensando en la forma de la cara en general y a recordar lo que es en realidad estoy tratando de lograr cuando estoy secando las características en lugar de solo garabatear lo que creo que sé que los ojos se ven porque esto es un mojado sobre mojado técnica. Yo por supuesto, voy a empezar por boda toda la zona. Ahora, dependiendo de dónde comiences en tu retrato, podrías elegir el dedo del pie mojado, solo el área alrededor de las mejillas o la nariz para agregar un itoen de rubor o simplemente la parte superior de la cabeza. Si te entrenaron para hacer un ángulo de iluminación específico y porque el propósito de esta clase es demostrar algunas técnicas de iluminación dramáticas y dinámicas, me voy a centrar en aquellas en cuanto a estos ejemplos. Y ahora que toda nuestra zona facial es lo que voy a seguir adelante y empezar a caer de color , puedes elegir si quieres diseminar primer color en áreas específicas. Esta también es una técnica realmente genial para simplemente colocar un lavado consistente en la cara . Debido a que toda la zona está húmeda, nuestro color va a fluir más fácilmente, y va a ser súper fácil conseguir un color consistente en toda la zona. Ahora podemos utilizar esta zona húmeda para dos propósitos diferentes. En cuanto a esta clase, lo primero que voy a estar demostrando es levantar áreas. Entonces para mí, me estoy enfocando en áreas que van a estar a la luz en este escenario de iluminación específico . Por lo que voy a estar iluminando áreas en la parte superior derecha de la cara. Y para ello, solo voy a tomar una unidad, toalla de papel y levantar color de esas áreas como vas a ver en más de nuestros ejemplos, la forma más efectiva de ejemplos, crear una iluminación dinámica dramática es a través de contraste. Entonces cuanto más oscuras sean nuestras sombras y los reflejos más claros sean, más efectivo será nuestro escenario de iluminación. En general, va a haber mucha varianza dentro de eso. Pero mientras este dolor está mojado, es una oportunidad perfecta para entrar y levantar áreas que sabemos que vamos a querer ser más ligeras. Esta zona húmeda también nos permite aprovechar la oportunidad de caer en algunos colores. Entonces aquí tengo una especie de término más cálido que estoy usando una especie de rubor para poder seguir adelante y dejar caer eso en zonas de mayor flujo sanguíneo, es decir alrededor de las mejillas, la nariz, las orejas y también me gusta agregar más rojo afina alrededor del cuello también. Para el segundo enfrentado, vamos a empezar casi igual. He dibujado en mis características, pero esta vez me voy a poner en algunos planos básicos de la cabeza sólo para poder reflejar mejor el escenario de iluminación que quiero ir para esta vez. Vamos a hablar más de las llanuras de la cabeza y derribar esos un poco para ti en el futuro. Video que viene muy pronto en un par de minutos. Pero para este, solo voy a romperlo en algunas formas básicas para que pueda obtener el tipo de iluminación que quiero, que para éste me voy a centrar como escenario de iluminación donde está la luz directamente detrás del sujeto, lo que haría que la mayor parte de la cara estuviera en la sombra. Y la luz estaría justo alrededor de los bordes exteriores de la forma, usando mis líneas más claras como referencia asaltada, colocando en un valor de sombra básico para el rostro. Y se puede ver que estaba usando algunas de esas líneas donde el cuello se curva hacia el frente, así como donde la frente y los pómulos y la mandíbula comienzan a curvarse como un lugar para acabar con mis sombras. Hablaremos más de todos esos aviones un poco más tarde. Por supuesto, también empecé a poner en un valores más oscuros en los huecos más oscuros de la Sombra. Y en el caso de este escenario específico, eso significó que las zonas más alejadas de la luz vamos a ser las más oscuras. Y eso significó el nueve central de la cara. Después había puesto en los algunos conceptos básicos para mis sombras. Estoy usando colores muy duros aquí solo para especie de mostrar mi punto y sacar el ejemplo a través. Coloqué en una especie de valor amarillo para la luz alrededor de los bordes, especie de iluminación de habitación. Y lo que me gusta hacer cuando estoy haciendo iluminación es agregar ese valor y luego, como hablamos, desvanecer los bordes. Entonces la luz más brillante es donde hay donde eso es primero conmovedor. Y entonces esa especie de se desvanece a medida que nos acercamos a unas zonas sombreadas y aquí se puede ver, sólo estoy tendido en algunos orbes generales con indicaciones para que pueda saber de dónde vienemi luz viene 4. Mini-Faces: ejemplos de mojado: Ahora estamos listos para pasar a algunas aplicaciones mojadas en seco, Al igual que la última vez. Vamos a empezar dibujando en nuestros rasgos faciales. Y yo recomendaría, mientras estás trabajando en este paso para recordar que el bosquejo que estás haciendo es realmente solo para lineamientos y puntos de referencia. No te enfoques demasiado en un renderizado durante el paso. Si tu enfoque es dedo del pie, ten una pintura de acuarela terminada. Realmente quieres permitir que el renderizado ocurra durante tu pintura. Pero claro, estilísticamente, depende totalmente de ti. Puedes hacer tanto o tan poco de eso, vaciando completamente la figura como quieras durante este paso. De todas formas tiendo a caer en algún lugar en el medio. Entonces aquí voy a empezar por poner pintura húmeda sobre papel seco, que es lo básico de una técnica húmeda sobre seca. Una vez que tengo en valor específico en este caso, empiezo con mi rubor rojo. Tonifica. Voy a seguir adelante y mezclar eso, así que voy a mojar mi pincel, ponerlo bonito y limpio, y solo voy a empezar a tocar los bordes y especie de sacar ese color para crear agradable, suave resplandor. Una vez que esa capa esté completamente seca, puedo envolver otra capa encima de ella, en este caso, algo un poco más cálido, y el amarillo encima de ese rojo va a ayudar a establecer una especie de tono base de piel y las áreas donde la capa se sienta por sí misma que amarilla. Nos va a ayudar a establecer una gama más amplia de tonos de piel ya, porque ahora acabamos de leer solo amarillo y los lugares donde esos dos colores se superponen. Una vez que esa capa esté seca, vamos a seguir con nuestro acristalamiento ahora, empezando a pensar más en la luz y la sombra. En esta instancia específica, voy a ir un poco dramática y usar este tipo de color turquesa para mis sombras solo para poder mostrarte claramente dónde está la luz y dónde está la sombra. En este ejemplo específico, voy a seguir adelante y colocar en sombra el lado izquierdo de la cara. Cuando estás trabajando en esto, es importante pensar en dónde empezarán a terminar las sombras. No te preocupes. Entrará más en referencia más clara y cómo usar referencias para ayudarte un poco en el futuro. Pero para este ejemplo específico, quieres tener en mente cosas como la curva del rostro, por lo que notarás en la parte superior que mi sombra no es necesariamente una línea recta porque la cabeza es redonda y especie de esférica. Tus sombras estaban curvadas a medida que la luz golpea más o menos a ciertos planos de la cara, y eso va a aplicarse a todas las áreas diferentes. Normalmente encontrarás que la parte superior de la cuenca del ojo tiende a caer un poco más en la sombra . Y lo que voy a hacer una vez que haya puesto todas mis sombras en las cuencas de los ojos siendo un poco más profundo debajo de la nariz, debajo del labio superior y debajo del cuello, voy a seguir adelante y profundizar esas áreas específicas un poco más, con un poco más de pigmento, un poco más de saturación, solo para enfatizar que algunas áreas son un poco más oscuras que otras. Quiero mezclar las cosas para este siguiente ejemplo y probar una expresión facial diferente mostrarte cómo el rayo combinado con las expresiones faciales puede crear algún ambiente realmente interesante y efectivo. Vamos a estar combinando un tipo de iluminación muy diferente y un tipo de expresión facial muy diferente . Entonces para este, quiero ir con ah escenario de iluminación en el que se iluminan las caras desde abajo o como una cara bajo iluminada. Voy a empezar también por poner en un tipo diferente de contraste también. En el pasado, colocamos un color base y luego colocamos un color diferente para las sombras. Quiero enfatizar lo importante que podría ser el contraste en este ejemplo. Entonces lo que voy a hacer es sólo voy a colocar mis tonos de piel en zonas de sombra y permitir que las áreas que se dejan blancas denoten áreas que están siendo golpeadas por la luz. Este tipo de técnica puede ser súper efectiva, especialmente en bocetos rápidos como este, para que tus ideas de iluminación pasen de una manera muy dramática. No estoy necesariamente enfatizando que estas áreas son particularmente oscuras en esta primera capa base inicial, pero al dejar el resto de la figura, White realmente pudo enfatizar ese escenario de iluminación. Y luego iré a mis nuevas áreas que son más oscuras las áreas donde la forma se aleja, la más y donde tenemos esas curvas más duras en la forma para oscurecerlas y realmente vender la idea de este dramático bajo la cara iluminada. Ahora que hemos cubierto algunos ejemplos, sigamos adelante y hablemos de los aviones de la cabeza. 5. Planos de la cabeza: para poder entender mejor los planos de la cara, quiero empezar con un par de ejemplos aquí. Tenemos como bastante estándar frente hacia adelante cara con luz ambiental. ¿ Se pueden ver los aviones? ¿ Qué tal ahora? Planos básicamente sólo se refiere a la ruptura de la cara en los diferentes ángulos los que la cara enfrenta las diferentes direcciones en las que caen los ángulos de la cara. Entonces a medida que los pómulos se doblan hacia abajo en la barbilla, ese es un plano diferente. Las áreas como las yemas de los ojos, la frente, el cuello. Todos se pueden descomponer en varios planos como enviaron los ángulos de la cara. Ahora hablemos de cómo eso se aplica a la iluminación real. El ejemplo que tenemos aquí es una situación de iluminación ambiental bastante estándar. Déjame mostrarte a lo que me refiero. Ahora que tenemos nuestras sombras al final, se puede ver que la luz es muy suave y simplemente oscurece los bordes de la cara, los bordes exteriores y los recesos más profundos. Echemos un vistazo a un ejemplo más dramático. Nuestro escenario de iluminación aquí es muy diferente. Tenemos una fuerte fuente de luz proveniente del lado izquierdo de la cara y, como puedes ver, ahora está causando que la nariz proyecte una sombra, y todo el lado derecho de la cara está un poco más frío porque nuestra luz es bastante cálido. Pongámonos en las llanuras y hablemos un poquito de esas. Como puedes ver, nuestras formas básicas son las mismas que nuestra última foto. El específico. Las menciones de esos aviones pueden cambiar porque cada cara tiene forma un poco diferente, y no todos van a ser iguales. Por lo que las lunas mejillas podrían ser un poco más blancas y la cara podría ser un poco más cuadrada. Pero las formas básicas son siempre las mismas. Pongamos en nuestras formas de sombra. Como puedes ver, esa sombra fundida de la nariz crea una forma muy específica ya que deja ese plano y parte del pómulo en sombra también. Todo nuestro lado derecho de la cara está en sombra, donde el rostro se curva lejos de la fuente de luz, y si pudiéramos ver el área del cuello, veríamos algo muy similar también. Encontrar aplicaciones o programas como este puede ser súper útil y explorar luz y referencia por su cuenta. Este es realmente bonito, porque me permite mover la luz alrededor y cambiar la cabeza de dos ángulos diferentes para ver cómo la luz golpea esos planos de diferentes maneras. Pongámoslos en contexto con algún dibujo real cuando estás rompiendo los aviones y tratando de averiguar cómo dibujarlos ahí tú mismo. Hay un par de maneras diferentes en las que puedes hacer esto. Puedes buscar referencias para modelos de cabeza más simples, o simplemente puedes mirar una imagen de referencia. Y si tienes acceso a herramientas digitales, puedes dibujar los planos justo sobre la cara. Incluso puedes simplemente poner las manos sobre tu propia cara y sentir las curvas de donde las cosas empiezan a cambiar de dirección. O sea, incluso puedes poner las manos en toda la cara de alguien más si quieres. Depende totalmente de ti. Yo recomendaría mirar la referencia, aunque hay un poco de estigma en contra del uso de la referencia en el arte. Pero si piensas en los maestros que estudian fotos de referencia, ya sea de la vida o incluso mirar cómo otros artistas usan la luz es crucial, esencial e invaluable a la hora de aprender por ti mismo. Voy a hacer un ejemplo aquí como si la luz viniera de arriba a la izquierda. Y sólo voy a usar mi lápiz esta vez. Y como puedes ver, con nuestros aviones ya en su lugar, básicamente solo estás llenando la caja es mirar la fuente de luz y luego elegir dónde rellenar las áreas que están a la sombra. 6. Experimentar con el color y más: Entonces con tus conocimientos más claros recién encontrados en su lugar, así como alguna información sobre diferentes técnicas de acuarela como Wet on Wet y qué en seco, es hora de experimentar. Lo que voy a estar haciendo con estas tres últimas caras es solo experimentar con diferentes ángulos de iluminación que puedo generar a partir de referencias. Ya sea que sean fotos que tomo de mí mismo votantes, pienso en otras personas o usando aplicaciones como la que te mostré antes. Yo solo quiero jugar con diferentes ángulos de iluminación y diferentes temperaturas de color también. Por lo que he planeado usar esto, obligado a uno a enfatizar sombras más cálidas. Y una regla de oro que a menudo puedes seguir en escenarios de iluminación es que si la luz es cálida, las sombras estarán frescas. Y si la luz es fría, entonces las sombras serán una. Entonces voy a estar jugando con ideas así para estos últimos. En este 1er 1 tengo sombras más cálidas y en un poco entraré y añadiré algo de luz más fría en el 2do 1 Tengo sombras más frías y añadiré algo de luz más cálida. Otra diferencia en la segunda cara es que en realidad tengo dos fuentes de luz, una de cada lado. Una cosa que podrías hacer para diferenciar dos fuentes de luz diferentes es realmente variar ligeramente el tono de la luz misma. Creo que en este caso los hice a ambos del mismo color. Pero fácilmente podría haber hecho un enfriador y otro más ligero para darme un aspecto más dinámico y un ambiente e iluminación. En última instancia, te recomiendo encarecidamente que hagas tantas de estas prácticas faciales como quieras. Practica alrededor con diferentes escenarios de iluminación, diferentes ángulos faciales hasta que realmente empiezas a sentir que tienes un mango en las llanuras de la cabeza así como todo es una gran práctica de acuarela también. Para la última, quiero volver a mi idea de mawr contraste extremo. Voy a estar usando iluminación desde arriba por lo que la parte inferior de la cara va a estar en sombra. Y para éste, realmente quería pensar más en las formas que proyectan las sombras. Quería crear más ángulos y líneas y curvas más dinámicas en las propias sombras para darle un poco más de interés al boceto y nuevamente agregar algunas áreas más oscuras a los huecos más profundos de tus sombras es una gran manera de tomar un boceto como esto y hacerlo un poco más dinámico, un poco más colorido y un poco más expresivo y efectivo con luz y color. 7. Thumbnails de color: Durante este siguiente paso, nos vamos de pie, aflojamos y nos divertimos un poco. He creado cuatro bocetos apenas rápidos para poder preparar miniaturas de color para nuestro proyecto de clase final similar a las miniaturas de valor que hemos hecho en mi clase anterior. Esta vez nos vamos a centrar en el color para que podamos sentar el tipo de cool pidiendo que aquí queremos. Se puede ver la imagen de referencia que voy a estar usando. Esta es sólo una imagen que he guardado en Pinterest desde hace mucho tiempo y finalmente decidí usarla para este cuadro de nuevo. Estas fotos sí pertenecen a quien se las llevó. Por lo que están mientras son geniales para usar para la práctica. No planearía usar estas pinturas para vender o reclamar como propias más allá de los medios de practicar. Entonces lo que voy a estar haciendo, es solo usar estos como una oportunidad para probar algunos esquemas de color diferentes. El 1er 1 aquí se queda relativamente cerca de nuestra foto de referencia con sombras azules y moradas frescas y una iluminación naranja en el costado de la cara. Pero después de eso, realmente quiero experimentar. Yo quiero jugar con diferentes esquemas de color. Me gusta mucho el tema complementario azul y naranja del 1er 1 Así que juguemos un poco más con colores complementarios. En el 2do 1 fui con las luces amarillas, un rosa ya que especie de transición hacia la sombra y luego una sombra morada para mantener un tema de cortesía en marcha. En última instancia, terminé tirando un poco de cada una de mis diferentes miniaturas para nuestra pieza final, y tuve muchos problemas para decidir cuál me gustaba más. Como puedes ver, los tonos de piel con los que voy aquí no son exactamente naturales, y eres más que bienvenido a silenciar estos tonos, diluirlos y acercarlos a los tonos de piel naturales. Pero sobre todo en las miniaturas. Me gusta trabajar con colores brillantes para poder tener una mejor idea de la pieza en su conjunto antes de afinar en cualquier tipo de detalles. En realidad trato de evitar detalles cuando se trata de estos pequeños bocetos en miniatura, ya que tienden a simplemente sostenerme y ralentizar el proceso más de lo que realmente ayudan. Por eso puedes decir que mis miniaturas también son bastante pequeñas y muy escasas. realidad no puse en la cara ningún detalle elaborado importante, y quería mantenerlos pequeños para evitar que me centrara en los detalles. Otro beneficio de mantener pequeñas estas algunas uñas es que me permite ver siempre el panorama grande . Siempre puedo ver todo de una vez y tener una mejor idea para el flujo y el gesto de la paz. En general, es realmente útil ver estos lado a lado porque podría escoger y elegir cosas que me gustan de una u otras cosas que funcionan mejor de una o de formas que podría querer mezclar y combinar con las características. Una vez que tengo todas mis miniaturas de diferentes colores dispuestas, me gusta entrar y tipo de resaltar cosas que más me gustan. Entonces me gustó mucho la luz amarilla del 2do 1 Me gusta el color de fondo desde el primero, pero también me gusta la suavidad de la luz azul en tercero. Por lo que al hacer poco prácticas como estas, puedo mirar todo juntos en una sola página y escoger mis características favoritas esto puede ser extremadamente útil. Y eres bienvenido a hacer más que solo por al final, pensé que iría con algo más cercano a este 3er 1 aquí. Pero eso terminó cambiando para cuando llegamos a nuestro proyecto de clase final, que se acerca ahora mismo. 8. Proyecto de clase: Saltemos directo a nuestro proyecto de clase. Ahora que hemos pasado, hemos planeado nuestros colores. Hemos aprendido que algunas nuevas técnicas estaban listas para empezar con nuestro bosquejo aquí, quiero recordarles que podría ser realmente importante, sobre todo a la hora de definir los contornos de tu rostro para pensar en el espacio negativo. Entonces a la izquierda, ahí se puede ver la curva que hace la forma de la cabeza, y se puede pensar en esa forma de cuña contra la frontera en lugar de ir bien, ¿cómo es esta cabeza? Y eso podría ser realmente útil, sobre todo en el hecho de que mientras estoy dibujando toda esta figura, estoy pensando más en términos de formas geométricas tridimensionales que voy Ok. Ahora estoy dibujando una oreja, y ahora estoy dibujando un I. Eso me ayuda a especie de mantener el parecido un poco mejor en lugar de dibujar lo que creo que sé. Los ojos parecen o lo que creo que sé. Orejas parecen que estoy mirando mi referencia y yendo, ¿Qué aspecto tiene esta forma? Y eso realmente ayuda a mantener las cosas un poco más precisas. Pero claro, tener un conocimiento de cómo se ven los años y los ojos es invaluable cuando estás colocando todo en tu fase de bocetos. Cuando llegó el momento del color, quería empezar audaz con esta pieza. Entonces tomé un bonito azul granulado y solo lo llevé por toda mi zona de sombra. Esto puede parecer muy dramático y un poco preocupante, pero no te preocupes, porque en realidad, apenas estamos empezando. Y el valor Onley por el que tenemos que juzgar nuestra pieza en este punto es el blanco del papel. Por lo que incluso este valor de sombra es mucho más ligero de lo que parece, y se puede ver eso en cuanto empiezo a poner en el amarillo para las áreas de luz. De repente, ese azul ya no se ve tan oscuro. Y lo que voy a estar haciendo es usar una combinación de todas las técnicas que hemos aprendido hasta ahora. En ocasiones estaré cargando un color con otro color así que podría empezar a poner un rojo encima de mi amarillo mojado, usando nuestra técnica húmeda sobre húmeda o cuando esta capas se seque, podría empezar a vidriar y poner colores encima de otros colores a crear áreas nuevas, más profundas y más vibrantes. Voy a estar usando todas estas cosas, moviendo cosas alrededor, usando mis técnicas de desvanecimiento para crear bordes más suaves. Es una muy buena idea tener combinación de suaves y bordes que tipo de desvanecimiento así como algunos ángulos, curvas y líneas más duras . Esto va a hacer que tu paz sea más dinámica en general y dará a tus espectadores una mayor variedad de cosas a las que mirar cuando estén observando tu tema. Espero que hayan disfrutado de esta clase y no les puedo agradecer lo suficiente por unirse a mí en el proceso. Voy a seguir adelante, deja que disfrutes el resto de este video de proyecto de clase, y no puedo esperar a ver qué creáis ustedes chicos. Si haces algún paso de esta clase, ya sea dibujando poses o haciendo composiciones de color o dibujando tus propias mini caras y practicando diferente iluminación, me encantaría verlo en la sección de proyecto de clase. Así que adelante, inicia tu proyecto hoy y me emociona saber de ti. Disfruta el resto de este video de proyecto de clase y te veremos en la siguiente clase. - Quién