Retratos de acuarela: atmósfera dinámica y tonos de piel extravagantes

1. Introducción: Hola, me llamo Alisha Yates y soy ilustradora de acuarela y artista de YouTube. Los retratos de acuarela son mi pasión, así que estoy muy emocionado de compartir esta clase contigo. Retratos de acuarela, atmósfera dinámica, y tonos de piel caprichosos. Vamos a hablar brevemente sobre los materiales que necesitarás antes de saltar directo a mezclar tonos de piel y crear paletas de colores vibrantes y únicas. Pasaremos algún tiempo hablando de construir valores efectivos con bocetos en miniatura antes de sumergirnos en nuestro proyecto de clase, donde desglosaré mi proceso de pintura de retratos en pasos y te hablaré a través de cada uno. Entonces si estás listo para experimentar con retratos de acuarela sueltos y hermosos, empecemos. 2. Materiales: Empecemos hablando de materiales, lo que recomiendo, y de algunas cosas que realmente me gustan. A partir de dos recipientes de agua. El motivo por el que recomiendo dos en lugar de solo uno, es que uno va a actuar como nuestra agua sucia para los enjuagues iniciales, y el otro va a mantenerse más limpio para permitirnos mezclar nuevos colores sin contaminarlos; y se te da un poco más de tiempo antes de tener que conseguir agua fresca. Por supuesto, vamos a querer tener un cuaderno de bocetos y unos lápices para bajar las ideas. Tengo este juego de lápices de bocetos de Staedtler o Staedtler con varios arneses. Esos te van a permitir obtener una variedad más amplia de tonos oscuros a claros. Pero si todo lo que tienes es un lápiz HB número 2 estándar, eso va a hacer el trabajo, si es todo lo que tienes a mano. También tengo un poco de papel de acuarela de bajo costo aquí, así como mi pincel favorito. Ahora bien, no es ningún secreto que los pinceles vienen en una tonelada de diferentes tamaños, formas y estilos. Si bien coleccionar diferentes tipos puede ser divertido, todo lo que realmente necesitas es un buen cepillo redondo de tamaño mediano. De verdad, te sorprenderás de lo que un cepillo redondo de buena calidad puede hacer por ti. Tengo esta pequeña lata aquí de solo colores primarios por varias marcas. También es muy útil para guardar un pequeño pincel de viaje y puedo llevármelo a donde quiera que vaya. Vamos a hablar de mezclar desde las primarias, primero. También estaré usando mi juego de estudio más grande de acuarelas Sennelier y un par de toallas de papel y estamos casi listos para empezar. Si quieres ver más sobre alguno de estos materiales, tendré enlaces a lo más posible en la sección sobre para esta clase. Muy bien, empecemos. 3. Mezclar tonos de piel: Vamos a hablar de mezclar tonos de piel. Empezaremos con rojo, amarillo y azul. Después de eso, voy a compartir con ustedes algunos de mis colores premezclados o prefabricados favoritos para la piel. La mayoría de los tonos de piel tienden a ramificarse desde un tipo de área anaranjada, así que empecemos por ahí. Es probable que tu piel varíe hacia un rosa o marrón. ¿ Cómo llegamos ahí? Empecemos con esta base naranjada. Dependiendo de cómo estés planeando estilizar tu retrato, eso podría funcionar pero si quisiéramos algo más desaturado, ¿cómo llegamos ahí? Si miras una rueda de color, notas que directamente enfrente del naranja es azul, por lo que al agregar el complemento u color opuesto a cualquier color desaturas ese color. Ahora que hemos tonificado esto un poco, eso se parece mucho más a la piel. Tiempo de experimentar. A lo mejor quieres un color base que sea un poco más cálido, un poco más marrón. Eso se ve bien. Al agregar un toque de rojo a este color específico, tendríamos un rubor que podríamos usar dentro de esta paleta en particular para aquellas áreas de mayor flujo sanguíneo como las mejillas o la nariz o las orejas y cosas así. Ten cuidado agregando rojo ya que puede dominar fácilmente tus otros colores. Agregar un poquito de azul a esta mezcla nos dará un hermoso color púrpura que podemos usar para sombras y áreas más oscuras dentro de esta misma paleta. Sigue jugando, llena una página con diferentes combinaciones de estos colores y ve qué puedes hacer. Ponte más oscuro, más ligero, más cálido, más fresco. Las posibilidades son casi infinitas. Empieza con el tono base que te gusta y agrega un poco de rojo y un poco de azul a ese color para obtener variaciones dentro de esa paleta. Este experimento, va a profundizar mucho tu comprensión de la mezcla de colores. Después de esto, podemos echar un vistazo a algunos tonos premezclados. Pero como puedes ver, sólo las primarias mismas pueden darnos una gama muy amplia de tonos de piel diferentes y no necesariamente tiene que estar dentro de un tipo específico de etnia ni nada por el estilo. Con solo rojo, amarillo y azul, discutiblemente nuestros colores primarios, podemos hacer prácticamente cualquier cosa. En lo que respecta a los tonos premezclas, sí tengo algunos favoritos. A partir de éste, éste es amarillo napolitano profundo. Es un bonito color cálido. Esa es una base amarillenta realmente bonita para la piel. También disfruto realmente de siena cruda. Es un marrón transparente realmente bonito que funciona muy bien para mezclarse con otros colores. Este es marrón transparente: un bonito valor marrón más oscuro para obtener tonos de piel más oscuros. A esta hermosa púrpura se le llama caput mortum. A pesar de que suena como algo que murió, es un hermoso morado para las sombras. De rojo, me gusta mucho alizarin carmesí. Es un bonito color ligero, rápido, transparente que ya le tiene un poco de desaturación y funciona muy bien agregando a otras paletas. Aquí se puede ver que al agregar una segunda capa del mismo color en esta marca en particular, realmente podemos aumentar la vitalidad, pero cualquier buena acuarela transparente se va a comportar de la misma manera. Estos son algunos tonos que mezclé de mis tonos premezclas como amarillo nápoles, siena cruda, caput mortum. Todos estos diferentes colores fueron mezclados a partir de colores igual que estos. A continuación vamos a hablar de tomar estos colores y crear armoniosas paletas de colores basadas en la atmósfera y el tema. 4. Crear paletas de color: Ahora que sabemos hacer tonos de piel, tomemos ese conocimiento y aplíquelo a crear paletas de colores únicas para nuestros retratos. Personalmente me gusta trabajar con estas formas de círculo aquí al probar colores. Eres bienvenido a dibujar tus propios círculos sobre algún papel de acuarela y seguir adelante. Estas muchas paletas se van a descomponer en tres colores diferentes. Un tono base, un rubor, y un tono de sombra. En este específico, empiezo con el tono de rubor. El concepto general aquí es tener tus tres colores dispuestos uno al lado del otro para ver cómo se ven realmente juntos los colores. Recuerda aplicar todas las cosas que aprendimos en el último segmento. Base tus colores el uno sobre el otro. Para crear mi tono base, mezclé en parte de mi tono de rubor, y para crear mi tono de sombra, hice lo mismo. Esto ayuda a mantener nuestros colores más cohesivos cuando tienen pedacitos unos de otros en ellos. También me gusta tener pequeñas muestras al lado de mi círculo. Si los colores lo mezclan todo dentro del círculo, tengo los individuales juntos, por separado, así que sé lo que pongo ahí. Este segundo es una paleta basada en enfriador. Me gustó mucho este tono morado y decidí en lugar de usarlo como sombra, lo iba a usar como mi tono de rubor. Aquí hay otra técnica, si mojas todo el círculo, tus colores se mezclarán un poco mejor, y tendrás un poco más de una idea de cómo se verán los colores cuando se toquen, cuando se mezclan y cuando empiezan a mezclarse en el papel. Yo recomendaría altamente experimentar con muchas combinaciones de colores diferentes. En ocasiones como este, tus colores podrían estar basados en la temperatura. A lo mejor quiero algo realmente cool con muchos azules y morados. No te preocupes demasiado por el realismo aquí. Todo esto se trata de experimentar. O si quiero algo mucho más cálido, podría elegir un color base como Quinacridona, Oro o siena cruda. No sientas como si tuvieras que seguir un diseño específico a la hora de juntar tus colores. Lo importante es tener un espacio pequeño donde los colores puedan interactuar entre sí, y se puede echar un vistazo antes de tiempo sobre cómo van a ser esos. Además no sientas como si fueras sombras siempre tienes que ser la misma temperatura. En las anteriores mis sombras han sido tonos morados más fríos. Aquí calenté esa sombra con algún umber quemado y me gusta mucho la forma en que se ve cuando interactúa con ese color rojizo. Llena tantos de estos círculos como quieras. Ahora es el momento de ver cómo se ven realmente tus colores por completo. Puedes elegir colores en función del estado de ánimo, la temperatura, o simplemente comenzar con un color que realmente te guste y construya a partir de ahí. Tu color base a menudo será un poco más cálido o más animado, algo que representa el color natural de la piel. Si bien tus sombras pueden ser más cálidas como un rojo o rosa, o más frías como un azul o morado. No hay reglas cuando se trata de estos experimentos. Basta con armar colores y ver cómo te gusta la forma en que interactúan entre sí. Yo sólo estoy haciendo seis ejemplos diferentes aquí, pero cuanto más hagas, mejor. Si haces tus círculos un poco más pequeños, puedes caber más de seis en una sola página. Disfruta del proceso. Conoce más sobre tus pinturas de acuarela y aprende más sobre cómo interactúan los colores entre sí. Siéntase libre de tomarse su tiempo con este paso ya que este es realmente un buen proceso de lluvia de ideas para hacer una paleta de colores que sea cohesiva, armoniosa y realmente agradable sílice. 5. Valorar los bocetos de miniaturas: Estamos a punto de saltar a nuestros retratos. Pero antes de hacerlo, dejemos a un lado nuestras pinturas y trabajemos en algunos bocetos de miniatura de valor. Aquí es donde esos lápices de bocetos definitivamente serán muy prácticos. Voy a estar referenciando mis tableros de Pinterest para estos pequeños estudios. Puedes encontrar un enlace a los de la sección Acerca. Para efectos de este ejercicio, voy a estar enfocándome en imágenes en blanco y negro. Esto hará que descomponer las zonas claras y oscuras de nuestro tema sea mucho más fácil. Usar referencias como esta es genial para estudios. Pero recuerda que estas fotos pertenecen a la gente que las tomó. Entonces es solo para la práctica. Como puedes ver, otra parte clave de este ejercicio es mantener pequeños tus bocetos. Este cuaderno de bocetos mide alrededor de 7 por 10 pulgadas. Entonces este es realmente sólo un par de pulgadas de alto. Por eso se llaman miniaturas. Vamos a estar haciendo un par de estos y todos van a ser bastante pequeños. lo que realmente quiero enfocarme aquí son los bloques más grandes de áreas claras y oscuras. En realidad no estoy pensando en dibujar a una chica frente a una pared. Me estoy centrando en formas geométricas de sombra y luz, esculpiendo los tonos medios y los reflejos de mi sombra. Se puede ver que la primera capa de sombra se mezcla con el cabello, la camisa, y el lado de la cara que está en sombra. Esto nos ayuda a recordar nuestra fuente de luz y nuestros valores. Así que trata de no pensar en dibujar un ojo y un cabello y etc. Piénsalo más como tallar luz y sombra en trozos grandes y luego tallar más profundamente para las áreas que son aún más oscuras. No te preocupes demasiado por las proporciones y hacer que todo se vea perfecto. Esto realmente se trata de entender cómo el equilibrio de valores puede ayudar a afectar el tono de la pieza en general. En la segunda, quería bastante temprano cubrir toda la zona en un medio tono claro y luego borrar algunos puntos más claros con mi borrador amasado. El foco aquí obviamente no está tratando de obtener proporciones súper precisas. Simplemente queremos entender mejor cómo el valor y la composición funcionan juntos para crear estado de ánimo y atmósfera. Como se puede ver en la segunda, hay una gran porción de la parte superior de la cabeza y la cara que está prácticamente todo en sombra, así como la sección inferior de la ropa. Al cambiar entre diferentes dureza de los lápices de bocetos, soy capaz de obtener una mayor variedad de tonos para estas pequeñas miniaturas. El tercero al que estoy referenciando aquí es en realidad un poco más de cerca y hay mucha sombra en este. Lo que vas a poder ver de inmediato es cómo la cantidad de oscuridad da un efecto muy dramático. oscuridad cubre todo el fondo así como alrededor de la mitad de la cara. El lado sombrío de la cara realmente sólo se funde justo en el fondo. Lo que vas a ver en general es, hacer estos pequeños ejercicios te va a ayudar a establecer mejor el estado de ánimo y ambiente y realmente conseguir un mejor manejo de los valores antes de saltar a cosas como esta con el color. Así que haz tantos de estos pequeños bocetos como quieras. Al igual que con todos los demás ejercicios que hemos estado practicando durante esta clase, definitivamente es una gran idea empezar a unir las cosas y hacer un proyecto de clase. Estoy seguro de que a mí mismo, igual que a otros alumnos de la clase les encantaría ver cómo se están juntando todas estas cosas. Entonces no tengas miedo de compartir tu progreso y déjanos ver en qué estabas trabajando, además de compartir cualquier pregunta que pudieras tener. 6. EJEMPLO 1: bocetaje e inspiración: Ahora estamos listos para comenzar con nuestro proyecto de clase y hablar de bosquejar y crear ánimo para nuestro retrato de acuarela. Lo primero que voy a hacer aquí es prepararme para empezar a pintar. Tengo aquí mi papel de acuarela y mi cinta de enmascaramiento, y voy a seguir adelante y cinta eso hasta un portapapeles. Clipboards son bastante útiles porque puedes usarlos una y otra vez y moverlos a medida que pintas. Lo que les estoy mostrando aquí son un par de páginas de mi cuaderno de bocetos que acabo de garabar en preparación para este cuadro. Hice muchos bocetos de miniaturas diferentes, cosas por valor y diferentes elementos que pensé que quería incluir en la pieza, además de probar un par de colores diferentes. Para nuestro bosquejo aquí puedes ver que estoy usando otra de mis referencias en blanco y negro de Pinterest. Nuevamente, mi enfoque mientras estoy dibujando aquí no es necesariamente simplemente dibujar lo que veo, una chica de pie, inclinada hacia un lado con una sombra en la cara. Por supuesto, sí, ese es mi objetivo. Esas son las cosas que estoy teniendo en cuenta. Pero mientras estoy dibujando, estoy pensando en las formas. Estoy pensando en la forma de su ojo, la forma de las sombras, la forma de la luz, y asegurarme de que esas cosas estén representadas con precisión también, además de tratar de mantener las proporciones de la cara como lo más preciso posible. No estoy necesariamente tratando de crear una pieza final terminada en mi boceto. Eso sería redundante porque quiero afinar muchos de mis valores y las formas y el humor compositivo y cosas así mientras estoy pintando. dibujo y la pintura pueden ser cosas muy diferentes. Si estás creando y dibujando, probablemente te vas a centrar más tiempo en renderizar con tu lápiz, haciendo todo bien, de inmediato, y cuando estoy pintando, el propósito del lápiz es crear un marco para mí. Tiene por objeto establecer lineamientos porque la obra va a suceder cuando empecemos a pintar. Para empezar a trabajar con nuestra pintura, voy a seguir adelante y empezar con nuestros antecedentes. Esto en realidad va a ayudar a establecer un poco más el estado de ánimo así como a darme un mejor juez para que nuestros valores avancen. Al tener algo que no sea solo el blanco de la página cuando empiezo a trabajar, sobre todo en la piel, va a ser realmente útil para que mis tonos de piel no terminen demasiado livianos porque lo único con lo que tengo que compararlos, es el blanco de la página. Estoy usando un cepillo de caligrafía más grande aquí porque sostiene más agua y en realidad es realmente útil ayudarme a cubrir áreas más grandes. Lo que voy a estar haciendo es ponerme en este fondo color verde, y luego fumando esos bordes con agua para crear un efecto de luz suave. Estoy usando un par de tonos diferentes de verde también. Lo que esto me va a permitir hacer es crear albercas de color más oscuras en las zonas más oscuras de las sombras para que no todas tengan el mismo valor. Agrega un poco más de contraste y solo un poco más de interés a la pieza en general. Con acuarelas en general, sobre todo en estas primeras capas, puedes ir un poco más pesado, sobre todo cuando estás trabajando con una pintura húmeda porque el color se dispersará y también se secará, solo un poco más ligero. A medida que nos movemos hacia nuestra piel, he mojado la mayor parte de la zona con agua antes de empezar a aplicar mi pintura. También, de nuevo, misma cosa, algunos de estos colores cuando se acostan por primera vez, podrían verse demasiado brillantes y demasiado fuera de lugar, pero una vez que los arrasamos a sus lugares y dejamos que la pintura se seque, te vas para notar que realmente se extienden muy bien, y de repente se ven súper ligeros y se puede decir que vamos a necesitar más capas para acumular nuestro contraste. Este color que estoy usando es un naranja agradable, cálido. Creo que el color específico se llama naranja china, y es realmente bonito para poner en algunos bonitos colores de rubor cálido. Entré con un tono ligeramente más frío, casi morado para empezar a trabajar en mis sombras. Lo mismo que haríamos con nuestro lápiz de bocetos. Podría usar un lápiz más claro y sombrear un área entera que estaba en sombra, estoy usando este valor más ligero y lo colocó sobre todas las áreas que quiero estar más en sombra. Entraremos y definiremos tonos más específicos y leves cambios de valor un poco más adelante, pero por ahora, realmente quiero enfocarme en solo establecer el estado de ánimo de nuestra pieza. Con esta gran sombra de fundición y esta área de sombra debajo de su pelo, realmente quería establecer esas cosas primero y seguir adelante con ellas en el futuro. Tengo un poco de varianza en mis colores cálidos y fríos en este punto, pero realmente no una tonelada. 7. EJEMPLO 1: creación de contraste: Muy bien, tenemos nuestras capas iniciales dentro. Sigamos adelante y trabajemos en construir contraste. Esta es la parte de la pintura donde realmente quieres empezar a pensar como un escultor. A lo que quiero decir con eso es que quieres empezar a tallar los planos de la cara. Entonces ahora quiero empezar a pensar con más detalle en lugares que van a estar en sombras más profundas, como las fosas nasales, debajo de los ojos, la misma parte superior del cuello donde la barbilla arroja aún más sombra, y quiero empezar a realmente empiezan a pensar en las diferencias en mis áreas generales de sombra y luz porque no todas van a ser exactamente iguales. Algo que sí quiero tratar de tener en cuenta mientras estoy trabajando en esta zona de sombra, y me verán luchando un poco a través de ella, es que las áreas que están en sombra tienden a estar apenas menos enfocadas en general. Si bien estoy poniendo en muchos valores de sombra, no quiero que haya una tonelada de líneas duras dentro de mi sombra general. Por ejemplo, ahora mismo, y me verás trabajar en esto un par de veces a lo largo de la pieza, hay una dura sombra donde termina su rostro y comienza su cabello. Realmente no quiero que esa dura sombra esté ahí, en última instancia. El avión que está en sombra, todo se desdibuja juntos. Es toda esa idea de cuando está oscuro, no se puede ver también. No quiero que esas áreas sean como definidas a pesar de que estén todas ahí. Por supuesto, su cara sí, y su pelo sí comienza, y esa es una diferencia muy definida. Pero quiero mantenerlo suave, mantenerlo sutil porque estamos pintando. No solo estamos creando algo que sea realista, estamos tratando de dar la atmósfera de luz y sombra. También quiero tener en cuenta mis metas para el estado de ánimo general de esta pieza. He puesto muchos colores cálidos hasta este punto y realmente me gustaría mantenerlo de esta manera. Me gustaría mantener esto como algo cálido y veraniego, tal vez sea porque ya es mitad del invierno. Hay toneladas de nieve afuera y solo estoy soñando con días más cálidos. Pero de cualquier manera, realmente quiero tener en mente mis objetivos generales para esta pieza mientras trabajo. Una de las mejores formas de mantener suave tu sombra es mantener toda la zona húmeda mientras trabajas. Esto puede ser realmente útil para ayudar a que sus colores se mezclen un poco mientras se mantienen los diferentes valores separados unos de otros. Me verás sacar mi herramienta de calor de vez en cuando. Esto es algo que realmente me gusta usar para acelerar mi tiempo de secado, así que no tengo que esperar tanto tiempo para que se sequen las capas individuales. Se trata de una herramienta de repujado y por supuesto, va a estar así como todos los demás materiales que uso, listados en la sección sobre para la clase. A medida que construyo capa tras capa, quiero tener en cuenta qué colores estoy estratiendo encima de cuáles. Si cambio demasiado y los colores se separan demasiado el uno del otro en la rueda de color, así que cuanto más cerca llego a los colores complementarios. Recuerda que mezclar un color con su complemento desaturará el color, en última instancia haciendo marrón. Si pongo dos colores que son demasiado diferentes uno encima del otro, va a realmente enloquecerse mis valores y no va a quedar tan bonito en general. Perderé esa calidez y terminaré con algo que simplemente se ve fangoso y sucio y demasiado sobrecargado. En esta etapa de la pintura, esta siempre es la etapa preocupada para mí donde se empieza a agregar contraste, pero no está del todo uniéndose. Pero no te preocupes, la mayoría de las pinturas tienen escenarios como este. Simplemente sigue trabajando, sigue construyendo, sigue esculpiendo, y llegarás ahí. Una vez llegué al punto en que empezaba a agregar un poco más de mis valores rojos para reforzar las zonas ruborosas y realmente me estaba metiendo en mis oscuros más oscuros por las sombras, empecé a sentirme mucho mejor con el cuadro en general. En esta etapa, recuerden, el enfoque es construir contraste. Esculpe sus rasgos, piense en la forma en que se enfrentan las diferentes partes de la cara. Por ejemplo, a pesar de que el lado de su cara no es sombra, podemos ver que hay un poco de luz captando en su ojo porque esa redondez del ojo en realidad está mirando hacia la luz y se eleva un poco. Yo sí traté de mantener en un poco más de un punto culminante. Cuando trabajo con acuarelas, me gusta trabajar suavemente al principio. Por lo que tener mucha humedad y tener los colores se mezclan. Cuanto más capa, más me gusta dejar un poco más esos bordes duros, para definir un poco más los planos, y sí le da un aspecto más abstracto. Depende totalmente de ti. Obtendrás algo más realista si mezclas más tus bordes y mantienes todo realmente suave porque obviamente no hay líneas realmente duras entre las diferentes coloraciones en un retrato realista. Pero me gusta mucho incluir líneas más duras porque me permite apreciar un poco más la textura de la acuarela y crea algunos efectos realmente interesantes que son agradables de ver. Pero todavía obtenemos esas diferencias en los planos y las diferencias de color, y todavía se puede ver todas esas cosas realmente claramente. Después de haber entrado y construido nuestro contraste, vamos a trabajar en algunos toques finales y hacer las últimas cosas en las que necesitamos trabajar para juntar toda la pieza. 8. EJEMPLO 1: toques finales: Ya llegaste a la última etapa, el empuje final. Es hora de nuestros retoques finales. Estas son las últimas cosas que vamos a estar haciendo para juntar nuestra pieza y asegurarnos de que todo esté mirando de la manera que queremos. Para mí, eso significaba comenzar con agregar algo de este follaje que tenía en mente que recuerdas haber visto desde mi cuaderno de bocetos. Ahora bien, no los incluí en mi boceto inicial para este cuadro porque quería que fueran espontáneos. Yo quería que fueran pinceladas orgánicas que realmente no necesariamente tuvieran que representar follaje específico, tipos específicos de plantas o flores o algo por el estilo. Yo quería poder estar suelto con ellos sin sentirme demasiado constreñida. Yo realmente había tratado de esculpir y construir cuando se trataba de las llanuras de la cara. Yo quería que esto fuera un poco una parte más floja del cuadro en general. Estoy muy contenta de que trabajé de esa manera. Yo también quería incorporar más verde alrededor de su rostro. Lo teníamos de fondo, pero en realidad no tenía ningún verde en primer plano ni alrededor del propio personaje. Al incluir este color con el personaje, ayuda a que la paleta sea más cohesiva. Al agregar colores a diferentes partes de la pintura, realmente puedes ayudar a juntar todo y reforzar el hecho de que estas diferentes piezas pertenecen juntas. Todo lo que tenía que hacer era entrar y agregar un poco más de contraste y un poco más de definición a estas áreas también. Podemos usar esa misma herramienta de mezcla de color a nuestra ventaja agregando un poco de amarillo a su piel también y a su rostro. Esto va a ayudar a los antecedentes y todo el tema se vuelva más cohesivo. Al igual que pertenecen juntos, como los diferentes colores en esta pintura estaban destinados a suceder en realidad juntos. Mantener sus colores demasiado separados a veces puede hacer que parezca que no pertenece a este entorno. O como las cosas no se mezclan realmente. Con eso, tenemos un retrato de acuarela terminado. Espero que hayan disfrutado viendo esta clase. El paso final, por supuesto siempre es quitar nuestra cinta y firmar nuestra pintura. Espero que hayan disfrutado pasando por este proceso conmigo también. Ha sido muy divertido compartir esto contigo. No puedo esperar a echar un vistazo a tus proyectos también, a ver qué pinturas harás. Por favor, compártelos con nosotros. Nos encantaría ver qué cuadros haréis juntos. Porque lo que sea que vayas a hacer será único y será realmente interesante ver cómo los proyectos de todos varían unos de otros. Muchas gracias por tomarse el tiempo para revisar esta clase, y nos vemos en la siguiente. Pintura feliz. 9. EJEMPLO 2: bocetaje y atmósfera: Con todas nuestras herramientas fundamentales en su lugar, estamos listos para comenzar con nuestro proyecto de clase. Tengo mi imagen de referencia de elección aquí. Lo estás viendo en color, pero en un momento nos iremos a rojo y negro y blanco igual que lo hemos estado al crear nuestros bocetos en miniatura. También hice un pequeño boceto en miniatura propio. Este es un poco más de detalle de lo que suelo ir con mis bocetos en miniatura. Sé si solo habla de eso, pero también fue un poco de ejercicio de calentamiento para mí. Hice algunas notas a un lado sobre lo que quería cambiar de esta miniatura a la pieza final. Cuando esté trabajando en mis bocetos, notarás un par de cosas. Tengo un bloque de acuarela aquí así que está engomada a un costado, así que no tengo que preocuparme por que mi papel se deforme y se doble. Lo estoy sosteniendo un poco de ángulo para que no lo esté viendo en ángulo sesgado como lo haría si fuera plano sobre la mesa y estuviera dibujando. También notarás que empecé con la forma general de la cabeza primero, antes de entrar en su lugar cualquiera de mis características. Se quiere pensar en ello un poco como esculpir. Si tuvieras un trozo gigante de arcilla y quisieras esculpir una cabeza, no comenzarías por sumergirte en un punto específico y esculpir un ojo, entonces tendrías que simplemente trabajar hacia atrás para conseguir la forma general de la cabeza, así que ahí es donde empiezo . Empiezo con la forma más grande del cabello y la cabeza, y una vez que estoy contento con eso, empiezo a tallar en esa pieza más grande para crear las características, empezando por las características que tienden a sobresalir y sobresalir más, a saber, las orejas, y la nariz. Una vez colocadas, tengo algunos buenos hitos para conseguir las otras características en los lugares a los que pertenecen. Hago la boca siguiente y generalmente tiendo a dejar los ojos para el último. En los retratos, los ojos generalmente tienden a ser los puntos focales. Quiero asegurarme de tener una buena base fuerte para colocarlas, asegurándome de que todas mis demás características estén colocadas correctamente, y entonces estoy contento con el ángulo de la cabeza, es realmente importante. No quiero dibujar un par de ojos que me encantan sobre una base pobre o una cabeza mal dibujada. Notarás con este boceto en particular que en realidad borré y redibujé los ojos varias veces. Estaba teniendo algunos problemas consiguiendo colocarlos en el lugar correcto, con mi pequeño boceto de miniaturas. En realidad los había puesto demasiado bajo y eran un poco demasiado grandes, así que mi personaje parecía un niño. Eso es muy divertido, pero no era lo que iba por esta pieza en particular. Al trabajar en este boceto final, los ojos eran un poco demasiado pequeños, y un poco demasiado altos al principio, por lo que el personaje parecía un poco demasiado viejo. Estaba tratando de encontrar un equilibrio de algún lugar justo en el medio. llegué a un punto en el que tuve que dejar de esforzarme tanto para que mi retrato se viera exactamente como mi referencia. Una vez me di cuenta de que, eso era lo que me estaba estresando, era mucho más fácil hacer copias de seguridad, y permitir que fuera su propio retrato único, y explorar lo que estaba sucediendo orgánicamente en la página. Una vez que esté contento con mi boceto, lo aligeraré con una goma de borrar amasada. No quiero frotar con un borrador regular en mi papel de acuarela, ya que eso dañaría el papel. Normalmente uso un lápiz de color en lugar de grafito para esto, pero quería que fuera más visible para ustedes, chicos, con el propósito de esta clase. Con nuestro boceto aquí abajo, voy a pasar a establecer el tono general de la pieza. Eso va a tener mucho que ver con la distribución de nuestros valores. Voy a estar exagerando lo que veo en nuestra foto de referencia aquí. Obviamente tenemos cabello muy oscuro, camisa de tono medio, y luego una gran cantidad de valores variables dentro de la cara lo cual, esa combinación de diferentes niveles de contraste es lo que hace de la cara el punto focal, y está enmarcada por estos valores más oscuros del cabello, y el suéter. Lo que voy a estar haciendo es, voy a tener el mayor rango de valores, aquí dentro, y también lo voy a hacer tonificando el fondo, así que podría poner un ligero lavado de color, para que no haya blanco puro en el fondo, que va a permitir que la estructura de nuestro rostro, destaque más. Yo sólo quería tomarme un segundo para hablar de eso antes de empezar a pintar, así que tendrías una idea de dónde vengo y qué estoy haciendo. Queremos que todo lo demás se desvanezca, y que estructure, y construya alrededor, y llame la atención sobre esta zona central, sobre todo los ojos. En los ojos puedes ver tenemos nuestros valores más oscuros más profundos, mucha oscuridad en los ojos, pero también tenemos valores muy ligeros en los blancos de los ojos. De verdad quiero enfatizar los ojos como el punto focal del retrato. Saltemos a usar nuestras acuarelas y seguiremos adelante y trabajaremos en establecer el estado de ánimo general y el ambiente de nuestra pintura. Algo importante que quiero que anoten es que, si miras por encima de mi bandeja de mezcla ahí, puedes ver que todos los colores que estaré mezclando, para esta porción de la pintura todos van a venir del mismo lugar exacto. Voy a estar haciendo en su mayor parte sólo sutiles variaciones de color, para crear algo que esté suelto, ligero. Todos los colores están bastante húmedos y fluirán mucho entre sí, pero todos estos colores son más o menos van a tener pequeños pedacitos el uno del otro en ellos. Usemos un círculo como ejemplo. Simplemente imagínate una forma de círculo en tu cabeza. Adelante. Imagina que toda la forma del círculo es toda la pintura. Como puedes ver aquí ya hemos cubierto la mayor parte del blanco de nuestro cuadro en tan solo un par de minutos cortos. Esto se acelera cerca de cinco veces la velocidad normal y todo el cuadro me llevó alrededor de una hora. Pero cubrir la mayor parte de mi pintura en el primer lavado inicial sólo tomó uno o dos minutos. Quieres empezar con todo el círculo, llénalo tanto como puedas. A medida que trabajas en más pequeños y más pequeños hacia eso ambos lados hacia el centro de tu círculo, si pensamos en ello más en ser como un blanco, nos acercamos al centro, más vamos a despacio, concéntrese en los detalles y tómese nuestro tiempo. Algunas de estas áreas, como el fondo en particular, pueden quedarse más o menos exactamente como se ven ahora. El primer lavado inicial es solo conseguir un poco de humor con el color, lo que tendido en algunos trozos básicos de color, por lo que tendido en algunos trozos básicos de color, y al comenzar suelto y luego apretar lentamente los detalles en áreas focales específicas, vamos a tener un mucho más pintura dramática y atmosférica al final. 10. EJEMPLO 2: contraste y estructura: Ahora que tenemos nuestro sólido boceto fundacional en su lugar, así como los primeros lavados atmosféricos más sueltos, ahora vamos a empezar a enfocarnos en ese objetivo de círculo metafórico para empezar a enfocarnos en un poco más de la estructura. En este punto, todavía no vamos a entrar con detalles finales específicos, pero vamos a estar tallando más de la cara. Como se dijo anteriormente, construir contraste y establecer valores fuertes va a ser la clave número uno más importante para tener un retrato que funcione. Tengo verde en el fondo de la barbilla, morado en los labios, azul y negro y marrón y rojo, toneladas de diferentes colores por todo el lugar. Pero realmente no importa, o mejor dicho debería decir que puedo divertirme mucho más con los colores cuando sé que mis valores son sólidos, cuando todos trabajan juntos. Otra cosa que realmente va a ayudar a nuestros colores a trabajar juntos es manteniendo una paleta de colores relativamente limitada. Al igual que cuando trabajamos en nuestras paletas circulares de color sears antes. Para esta pieza, en su mayoría empecé con una paleta limitada de azul cerúleo, luz roja cadmio, y ocre amarillo. Esos colores crean una variedad realmente interesante de combinaciones que pude usar para mis lavados más ligeros. Porque el azul ceruleo no es un color muy oscuro en tono de masa, también quería agregar un azul que pudiera usar para mezclar colores más oscuros. Por lo que he añadido este índigo o el color gris de Payne también. Cuando llegue a la sección del cabello, incluiré un marrón también. Creo que usé algo más cálido pero aún relativamente profundo en tono como un rojo indio. Te darás cuenta a medida que nos movemos más en detalles que estoy agarrando mi pincel un poco más cerca de la virola cerca de la punta del pincel, a diferencia de los trazos de barrido más sueltos donde sostendría el extremo de mi pincel para el inicio de la pieza. Tengo un poco más de un agarre más apretado ahora y eso es porque estamos trabajando en más detalles. Podrás ver muy claramente que estoy pasando más tiempo en cada área porque en lugar de esculpir los trozos más grandes, estoy realizando esos mismos ejercicios de escultura en áreas más pequeñas. En lugar de esculpir toda la cabeza, ahora solo estoy considerando un solo ojo y trabajando esas partes más profundas, los valores de tono medio y dejando algunas áreas más claras para los reflejos. Haré eso por cada ojo y luego me mudaré a otras áreas como la nariz, la boca, y tratando cada sección del rostro como su propia escultura. Hay algunos bordes que dejaré un poco más duro. La forma del iris y esos profundos pliegues en los ojos, me gusta tener bordes más afilados ahí. Por el contrario, donde el hueso de la ceja se curva hacia abajo en los bordes exteriores de la cara, esas transiciones pueden ser un poco más suaves, ya que se trata más de una curvatura del cráneo que de una sombra profunda real. Tener una combinación de bordes duros y bordes suaves va a crear mucho más interés en tu pieza, y estarás estableciendo muchas más áreas para ojo de los espectadores se asiente y dándoles más cosas que mirar. Si tu pieza está compuesta de bordes casi totalmente suaves, que significa que estás mezclando todo y todo es súper, súper suave, casi puede parecer que todo fue aerografiado. Si solo tienes bordes duros, entonces la pieza casi puede sentirse demasiado abrasiva. Si nunca ablandas nada ni dejas que tu pintura esté muy mojada y se mezcle con otras áreas, puede ser demasiado duro y un poco demasiado difícil discernir lo que realmente está sucediendo en la pieza. Una combinación de curvas suaves donde la estructura facial apenas está transicionando dentro y fuera de los bordes claros y más duros, proyectar sombras o formas definidas como las cejas y los ojos, esa combinación va a ser realmente útil. Hemos hablado de esta idea general de esculpir ya que se aplica a hacer arte, pero quería ponerme un poco más específico también y hablar de nuestras acuarelas. Porque sí, estoy construyendo y esculpiendo y pintando pero también estoy trabajando con un medio húmedo transparente. Me encanta el estratificación y las acuarelas. Es un proceso tan fascinante crear estas suaves floraciones de color y luego colocarlas encima de los bordes más duros o viceversa. Recuerda tu medio, trabajar en capas expresivas lentas puede ser tan satisfactorio cuando se trata de acuarelas. Se puede agregar tanto carácter a un color cuando el color que alguien ve en un área en particular es en realidad una combinación de múltiples capas. El cabello va a estar en contraste con esa idea. Queremos tener mucha variedad, mucho valor, y mucho interés en la cara ya que este va a ser el punto focal de la pieza. Lo que significa que queremos en todas partes poder sentarnos al lado del camino y no importar tanto. Cuando lleguemos a nuestro cabello, te darás cuenta de que sólo voy a estar usando trazos muy sueltos. Voy a estar levantando mi mano sobre ese pincel, aguantando un poco más cerca del final porque no quiero apretar mi pincel y enfocarme demasiado en los detalles. Me estoy centrando más en el cabello, solo estoy creando formas interesantes y manteniéndolo relativamente suelto. En nuestra siguiente sección, cuando entremos a los detalles finales, voy a hacer un poco de sombreado en el cabello solo para darle un poco más de profundidad para que no sea tanto de forma plana, pero no va a ser casi tan detallada y no voy a casi tanto tiempo ahí como lo haré en la cara real. Lo mismo vale para el área de playeras de este personaje. Yo en su mayoría sólo pongo en un gran lavado sólido de rojo, que quiero actuar como un color de acento. Pero de nuevo, no va a ser casi tan detallado. Quiero pensar en cómo mis colores están trabajando juntos general para crear una atmósfera específica. Al elegir el rojo como color de acento, agrega esta sensación de tensión y urgencia a la pieza en general. rojo puede ser un color que hace que el espectador piense ira o el dolor o algún tipo de incomodidad. Para mí, esta pieza y la combinación de colores me hace pensar en la calma antes de la tormenta. Momento de calma muy intensa, casi estancamiento antes de que las cosas exploten en rabia o ira o incluso tristeza. Es una pieza un poco sombría, pero pensar en ese tipo de decisiones atmosféricas mientras estás pintando, realmente te va a ayudar a afinar en lo que quieres que sea la pieza, en lugar de simplemente tirarle todo y tener algo que realmente no funciona. A medida que otra pequeña nota al margen sobre el tema del papel, estoy usando aquí un papel de acuarela de prensa fría. Se puede notar, sobre todo en este punto del cabello, que el cabello se ve mucho más ligero de lo que era cuando originalmente lo pintamos. Eso ha venido sucediendo a lo largo del proceso de esta pintura con todas nuestras capas. Cuando estás usando papel de prensa fría, la pintura tiende a asentarse en esos surcos y crestas y depresiones del papel un poco más, y el color puede secarse un poco menos vívido mientras que es más indulgente cuando estás hablando de bordes duros versus bordes blandos. papel de prensa fría puede ser realmente agradable por tener bordes que fluyen entre sí. Sí aclara nuestro color ya que se seca un poco más que algún papel de prensa caliente también. Pero por eso capas, eso construimos nuestros valores a lo largo del tiempo. 11. EJEMPLO 2: detalles finales: Ahora es el momento de los detalles finales y los toques finales. En este punto, es realmente importante que tú, como artista, decidas cuando termines. Estos detalles finales pueden sentirse un poco complicados y es muy fácil trabajar en exceso tu pintura y dejarte demasiado llevar en esta etapa. Si bien no siempre se puede tener una idea clara de exactamente lo que se quiere de una pintura terminada, es importante tener en cuenta un par de goles para que en esta etapa, estás pintando no se arruine o como dije, completamente sobrecargada. Por ejemplo, en esta pieza, mis objetivos finales eran asegurarme de que mi punto focal fuera claro y nítido e intenso, y que todo lo demás fuera una especie de complemento a ese punto focal. Entonces, como dije, entré y agregué un poco más de contraste al cabello, no demasiado, solo un poquito más y también entré y agregué unas capas más al área alrededor de los ojos ya que quiero que esa sea la zona que más dibuja atención. Por lo que va a tener el mayor contraste, el rango más amplio de valor y el más detalle y todo lo demás sólo va a contrastar y anclar esa zona central. A medida que nuestros colores se secan en un papel de prensa fría, como se mencionó anteriormente, esos colores pueden suavizarse y aligerarse y volverse un poco más aburridos. Por lo que puedo añadir otra capa o dos para traer de vuelta pequeñas cantidades de saturación. Cuando estoy relativamente contento con el rango de valores me gusta entrar a veces con gouache blanco para limpiar cualquier área. Entonces específicamente para este, entré alrededor del ojo por un lado donde el iris se había vuelto un poco demasiado grande y lo hice un poco más pequeño con mi gouache blanco y también agregué mis reflejos blancos a los alumnos. Es un poco de un acto de equilibrio en este punto y a medida que añades valores realmente oscuros, posible que encuentres que necesitas unos tonos medios más y las áreas alrededor, solo para asegurarte de que todo esté equilibrado. Está bien ponerse un poco complicada, pero toma pausas regulares para preguntarte si los cambios que estás haciendo son completamente necesarios o si solo estás jugueteando. Ten en cuenta los objetivos claros y conoce cuando tu pieza está terminada. Espero que hayan disfrutado de este proyecto adicional de segunda clase. Disfruté mucho juntándolo para ti, y no puedo esperar a ver tu proyecto de clase, así que por favor sí comparte en qué estás trabajando. Gracias de nuevo por unirse a mí en esta clase y nos vemos la próxima vez. Mira hacia adelante, se acerca el mar. Sé que hemos pasado por mucho pero sólo espera. Esperen a que vengan mejores días y nos lleven como viento en nuestras velas. Agárrate fuerte, puedo oler la orilla justo enfrente de mí.