Transcripciones
1. Introducción: Hola, mi nombre es Emily Curtis. Soy un artista de tiempo completo
radicado en el Reino Unido y especializado en pintura acrílica
y acuarela. Esta clase es un desafío
acuarela de siete días, donde estaremos pintando siete
cielos y siluetas diferentes al atardecer. He diseñado esta
clase para que cada día aumente en dificultad
desde el primero hasta el último, que
podamos
desarrollar nuestras habilidades con acuarelas a
lo largo de la semana. Comenzaremos repasando todos los suministros de arte que
usaremos a lo largo de la semana. Estaremos mezclando una
carta de colores para cada proyecto para
que podamos repasar
todos los colores que usaremos y
cómo mezclarlos. Y luego te guiaré
paso a paso sobre cómo pintar
cada proyecto a medida que
avanzamos en dificultad a
lo largo de la semana. No necesitas ningún conocimiento
previo de acuarelas para esta clase. Como voy a repasar todas
las técnicas paso a paso. Empecemos.
2. aupplies de arte: Comencemos repasando todos los suministros de arte que
usaremos a lo largo de la semana. No usaremos cada pieza de
equipo en todas las clases. Pero esto es lo que necesitarás
para todos ellos juntos. Primero, tenemos acuarelas. No es necesario que tengas
exactamente el mismo conjunto que yo. Solo usa lo que tengas. Entonces tenemos papel de acuarela. Estoy usando papel 300 GSM, que se puede comprar
en pads como este. Querrás
llevar ese papel a la mesa para evitar que se
doble cuando se moje. Recomiendo usar cinta adhesiva. Después tenemos una olla de agua y pañuelos para lavar y
secar tus pinceles. Vamos a estar usando
pinceles completos durante toda la semana. Primero tenemos un
pequeño pincel cuadrado, y este mide aproximadamente
un centímetro de ancho. Entonces tenemos un
pincel puntiagudo en talla cinco. Usaremos
otro pincel puntiagudo en talla tres para detalles
más pequeños. Y por último, tenemos
un pincel cuadrado grande. Esto es de aproximadamente una pulgada de ancho.
3. Día 1 Intro: Hola y bienvenidos al primer día, donde estaremos pintando un atardecer
azul y rosa súper divertido y fácil. A medida que vamos a ir
aumentando gradualmente la dificultad a
lo largo de la semana. El objetivo de hoy es comenzar
con los cimientos y
sentar las bases de nuestras técnicas en una pintura
muy sencilla. Así que diviértete con esta primera
pieza y tómalo con calma. Realmente intenta concentrarte en tu
técnica para que
dominemos lo básico antes de desarrollar nuestras habilidades más adelante en la semana.
4. Colores D1: Antes de comenzar el proyecto de hoy, vamos a
repasar todos los colores que usaremos y
cómo mezclarlos. Vamos a empezar con
los colores en el cielo. Primero, estamos mezclando
un bonito rosa brillante. Estoy usando
rosa permanente para esto. Intenta mantener el color agradable y saturado para que sea vibrante, pero asegúrate de
agregar suficiente agua para
que sea fácil de
pintar en el papel. Y luego vamos a
mezclar un azul brillante. Voy a estar usando Winsor
blue, que de nuevo, estoy mezclando agradable y vibrante, pero aún así muy aguada para
que sea
fácil pintar con. Recuerda, no es necesario que tengas exactamente las mismas
pinturas que yo. Puedes sustituir
estos colores cualquier rosa o cualquier
azul que tengas. Y luego vamos a
pasar a los colores. Estaremos pintando las
siluetas con. Primero, vamos a
mezclar un gris medio. Estoy usando el gris de Payne para esto. Y estoy agregando bastante agua para que sea bastante ligera y un
poco transparente. Y luego para nuestras siluetas
más oscuras, queremos volver a mezclar el gris de
Payne, pero esta vez
haciéndolo súper oscuro y saturado para que
parezca casi negro. Si no tienes el
gris de Payne en tu paleta, entonces puedes mezclar cualquier
grado que tengas. Todos usan un negro en su lugar. Usa diferentes cantidades de agua para mezclar ambos tonos
para las siluetas. Y así es
como se ve nuestra carta de colores cuando está seca. Te recomiendo mezclar
tu propia carta de colores para que tengas
algo a lo que
referirte durante la clase. Y ahora ya estamos listos
para iniciar el proyecto.
5. Día 1 p1: Vamos a
comenzar la pintura de hoy preparándola para la técnica
wet-on-wet. Para ello,
cubrimos nuestro papel con agua
limpia usando un cepillo cuadrado
grande. La
técnica de mojado sobre húmedo básicamente significa aplicar
pintura húmeda sobre papel húmedo. Esto permitirá que nuestras pinturas se difundan
hacia afuera mientras
pintamos y creen un
agradable degradado suave. Asegúrate de cubrir tu papel de manera uniforme y no dejar huecos. Queremos que el papel le tenga un bonito brillo ligero
que podamos ver que está húmedo pero sin tener grandes charcos de agua
sentados en la superficie. Porque esos
provocarán desniveles a medida que
nuestra pintura se seque. Deja tu pintura durante
unos 10 s para permitir que el agua se hunda en el papel antes de que empecemos a
aplicar cualquier color, estoy cambiando a usar el pincel cuadrado pequeño
para pintar el degradado. Vamos a empezar
mezclando nuestro color más claro, que es la rosa permanente. Vamos a empezar a pintar el rosa en la
parte inferior del papel usando largas
pinceladas horizontales a
lo largo del
ancho del papel, pintando gradualmente
hacia arriba hacia el centro. Puedes tomar el rosa un
poco por encima del centro
del papel. toalla azul tiene algo en
lo que fundirse. Y una vez que hayamos bajado
la base de nuestro rosa, estamos listos para pasar
al azul. Estamos mezclando nuestro Winsor
blue y asegurándonos de que esté lo
suficientemente regado para que sea
fácil de pintar sobre el papel. Esta vez estamos
comenzando en la parte superior
del papel y trabajando poco a poco hacia
abajo hacia el centro. Una vez más, usando pinceladas
horizontales largas
y suaves a través del
ancho del papel. No te preocupes
demasiado por
tratar de mezclar el azul
y el rosa juntos. La técnica wet on wet
hará eso por nosotros. Puedo ver que el azul está colectando en la parte superior
izquierda de mi cuadro. Así que sólo voy a arrastrar
eso de nuevo hacia el centro de mi pintura para
asegurarme de que se seque de manera uniforme. Una vez que hayas completado
la primera capa, deja secar la pintura. Si tienes uno, recomiendo usar
un secador de pelo para secar tu pintura para
acelerar el proceso. Es importante que el papel
se seque completamente entre cada capa para que
las capas no mezclen y
creen un desorden fangoso. Y ver la pintura
seca es bastante aburrido. Incluso hay un dicho al respecto. Una vez que tu pintura
esté completamente seca, estamos listos para comenzar
en la segunda capa. Estamos iniciando esta
capa de la misma manera que hicimos con la
primera cubriendo el papel con agua limpia usando un cepillo cuadrado grande para prepararlo para la técnica de
mojado sobre húmedo. Podrías estar pensando, ¿cuál es el punto de dibujar el papel para volver a mojarlo solo inmediatamente después de
dibujar el papel regularmente nos
permite trabajar en capas, lo que significa que
podemos mantener más color para aumentar la
vitalidad de nuestra pintura. No obstante, si
tratáramos de seguir poniendo más pintura y
más agua en el papel. Dentro de la misma capa, el papel terminará
sobresaturado y en realidad puede
comenzar a desintegrarse. Deje su papel durante
aproximadamente 10 s para permitir que el agua se hunda
antes de agregar cualquier color. Y entonces estamos listos para volver a
mezclar nuestro rosa. Una vez más, pinte el
rosa sobre la pintura, comenzando en la parte inferior
de la pintura y gradualmente trabajándolo
hacia el centro. Creo que ya se puede ver que a pesar de que solo
tenemos una capa debajo, la pintura se ve
mucho más vibrante en esta capa que
en la anterior. Tome el rosa un poco más alto que el centro
de la pintura y en el azul para
permitir que la
técnica wet-on-wet mezcle los dos
colores suavemente. Y una vez hecho eso, estamos listos para volver
con nuestro azul. Al igual que en la capa anterior, vamos a comenzar en la
parte superior de la pintura y trabajar el azul gradualmente
hacia abajo hacia el centro. Para rematar esta capa, vamos a volver a
entrar con nuestro rosa y
repasarlo de nuevo para aumentar un poco
la vitalidad. Asegúrate de
seguir usando
pinceladas horizontales largas y suaves para mantener el degradado lo más
suave posible. Como se puede ver. ocasiones la pintura se
recogerá a los lados de la pintura donde el papel
está pegado a la mesa. Queremos limpiarlo para
que el agua no se
meta por debajo de la cinta
y despegue la pintura. Una vez que hayas terminado esta capa, deja que la pintura
se seque completamente. Antes de continuar. Voy a usar mi secador de pelo nuevo para agilizar el proceso. Si también vas a
usar un secador de pelo para secar tu pintura que tomar
nota de lo que estoy haciendo aquí. Estoy sosteniendo mi secador de pelo a
varias pulgadas del papel, lo que nos aseguraremos de que
no estamos causando desniveles en la pintura al concentrar
el aire todo en un solo lugar. También estoy moviendo mucho el secador de pelo para que
el papel quede
cubierto uniformemente para que se seque como un todo en lugar de
un parche a la vez. Esto ayudará a que la
pintura se seque suavemente. Una vez que la pintura
esté completamente seca, estamos listos para pasar
a la siguiente capa. Una vez más, estamos comenzando
esta capa cubriendo el papel y el agua limpia
con un pincel cuadrado grande. Intenta ser lo más gentil
posible al hacer esto. Porque las acuarelas pueden
reactivarse cuando se mojan y empiezan a
moverse de nuevo al papel. Esto se vuelve más un problema, cuantas más capas pongamos porque hay más pintura en la superficie de la pintura. Así que trata de mantener un
agarre suave en tu pincel y simplemente pastar el pincel sobre
la superficie del papel. No hay necesidad de
trabajar demasiado porque el agua se hundirá en
el papel de forma natural. Simplemente limpiando los lados de mi pintura usando
un pañuelo antes ponernos a trabajar para que no estemos manchando agua
por todo el espacio de trabajo. Luego deja tu pintura
por unos 10 s para permitir que el agua se hunda en la pintura antes de
comenzar a agregar nuestros colores. Esta vez estamos
empezando por nuestro azul. El sol se pone
en esta pintura. Así que pretendemos que
la parte superior del cielo sea más oscura para mostrar que
la luz se está desvaneciendo. Entonces vamos a
construir nuestro azul en la parte superior de la pintura para oscurecer
la cima del cielo. Aquí es donde entran las
limitaciones de usar solo dos colores en un degradado
como este. El azul Windsor es
naturalmente un azul claro. Entonces, aunque agreguemos
montones de capas, realidad no va
a quedar tan oscuro. No obstante, para el primer día, quería comenzar con
un gradiente simple de sólo dos colores para
que podamos enfocarnos en la técnica antes de
desarrollarla en gradientes
más difíciles más
adelante en la semana. Ahora vamos a entrar con
nuestro rosa y vamos a construir la vitalidad de nuestro rosa comenzando en la
parte inferior de la pintura. Y poco a poco trabaja
hacia el centro usando pinceladas
largas y suaves
que van a través del
ancho del papel. Creo que se puede ver
en esta capa por qué la técnica wet-on-wet
funciona tan bien para gradientes, tenemos dos colores muy
distintos. Y sin embargo, se están sangrando
el uno al otro perfectamente sin
líneas duras entre los dos. Entonces vuelvo a entrar
con mi azul una vez más para enfatizar la cima del
cielo sólo un poquito más. Puedo ver la colección azul en la parte superior izquierda de mi papel. Entonces solo voy
a tratar de suavizar eso un poco
antes de que se seque la pintura. Puedes hacer esto usando pinceladas
rápidas y ligeras sobre el área de irregularidad para
deslizar el exceso de pintura. Si estás encontrando
que ciertas áreas de tu pintura están
recogiendo repetidamente más agua en ellas. Podría ser porque
la superficie en la que fijaste tu pintura
es un poco desigual. El agua naturalmente va
a seguir la gravedad. Entonces, si la pintura está inclinada el agua
viajará en esa dirección. También podría ser que no
hayas grabado tu papel a la
mesa lo suficientemente seguro. Por lo tanto, se pandea
y se flexiona a medida que se moja. Entonces voy a
limpiar el exceso de pintura por
los lados de mi pintura
y dejarla secar. Y claro,
siempre es el último día de la pintura donde el degradado
decide secarse de manera desigual. Como pueden ver, la pintura
se ha acumulado en las
esquinas superiores de mi pintura medida que se seca y ha dejado esas áreas un poco
irregulares y desiguales. Tienes dos opciones
si esto sucede. El número uno es simplemente dejarlo. Lo hago la mayoría de las veces que no
recomiendo a la gente solo lo deje. Al pintar, podemos tener terrible costumbre de meternos en un estado perfeccionista
y tratar de suavizar todo en un gradiente
perfecto y uniforme. Y puedo asegurarles que cuando
termine el cuadro, las pequeñas imperfecciones
en
el degradado en probablemente no se notarán las pequeñas imperfecciones
en
el degradado en el fondo. No obstante, si te está molestando, entonces hay algo que
puedes hacer para intentar arreglarlo. Voy a demostrar
cómo se podrían arreglar desniveles en un gradiente. Pero señalaría por
temas tan menores como este, en realidad no
recomendaría
molestarse en hacer nada. El problema de
retocar una pintura es que podemos terminar
causando más problemas. Voy a empezar
mezclando mi azul otra vez. Asegúrate de mantenerlo
muy acuoso para que
podamos pintarlo sobre nuestra
pintura sin problemas. Ten en cuenta que la pintura debe estar completamente seca
antes de hacer esto, porque no estamos usando la técnica
wet on wet,
esta lengua. Entonces voy a
comenzar en la parte superior de la pintura y pintar el
azul sobre las áreas de desnivel en largas
pinceladas uniformes a lo largo
del ancho de la pintura. Y luego voy a limpiar
mi pincel y pintar sobre el borde de mi última pincelada
para suavizar ese borde. Y estoy rematando tomando mi cepillo cuadrado grande
con agua limpia en él. Empiezo donde
el azul es más ligero y trabajando hacia arriba hacia
la parte superior de la pintura. Entonces estoy tomando agua limpia
en mi cepillo cuadrado grande otra vez. Y simplemente pintando sobre
las áreas más claras de azul y hacia abajo hacia
el centro un
poco para asegurarse de que el azul
tenga mucho espacio para difundirse y
evitar líneas duras. Entonces voy a
limpiar las áreas alrededor de mi pintura
y dejarla secar. Y aquí tenemos nuestro
gradiente terminado. Una vez que esté seco. Como puede ver, mediante
el uso de la técnica wet-on-wet
y solo dos colores, podemos crear un gradiente suave muy
efectivo. Si quieres
desafiarte a ti mismo, entonces puedes tomar este
gradiente como base en el futuro y pintar todo
tipo de escenas encima de él. Quizás te gustaría
pintar algunas aves volando en el cielo o en el horizonte de una ciudad. Lo que sea que elijas,
toma una foto y colócala en el
proyecto abajo, porque me encantaría ver
lo que se te ocurre. Asegúrate de que tu pintura
esté completamente seca. Antes de pasar a
la siguiente lección, donde vamos a
pintar en la silueta.
6. Día 1 p2: Ahora que hemos terminado el fondo y
la pintura está seca, ya
estamos listos para pintar
en las siluetas. En este cuadro,
vamos a pintar una silueta muy sencilla
de algunos cerros, slash montañas dependiendo de
cómo quieras mirarlo. Como ya he dicho antes, estamos empezando con
algo súper sencillo para obtener la
técnica de pintar siluetas sobre un paisaje para que
podamos
construir composiciones más complejas más
adelante en la semana. Nos quedamos con nuestro
pequeño pincel cuadrado para pintar en las colinas. Vamos a
empezar mezclando nuestro color más claro
para las siluetas, que para mí es una versión
diluida del gris de Payne. Si no tienes el gris de Payne, entonces puedes usar
cualquier gris o negro. Estoy tomando este color en mi pincel y estoy pintando
el contorno de mis cerros. Mantenga un ligero agarre en su pincel y mueva
su pincel hacia arriba y hacia abajo mientras lo guía a través del papel para crear
las formas de la colina. Si bien esto todavía está húmedo, rellena los huecos debajo de
tu contorno con tu gris para completar
la silueta, te
recomiendo seguir usando pinceladas
horizontales
para rellenar las colinas. Lo mejor es que tus
pinceladas sigan la misma forma general de tus colinas para que a
medida que se seque la pintura, si quedan pinceladas o rayas en la pintura, entonces se mezclarán con
la forma de los cerros. Después deja secar tu pintura antes de comenzar en
la siguiente capa. Asegúrate de que tu pintura
esté completamente seca o de lo contrario las colinas se mezclarán entre
sí y perderán
esa sensación de profundidad. Esta vez estamos mezclando
el gris de nuestro Payne, muy oscuro para que
parezca casi negro. Nos vamos a quedar con
nuestro pequeño cepillo cuadrado. Y tal como lo hicimos antes, estamos moviendo el pincel suavemente hacia arriba y hacia abajo para pintar el contorno de los cerros y luego
rellenar los huecos de abajo. Deja que se seque antes de
despegar la cinta. Y aquí tenemos la pintura
terminada. Asegúrese de que su pintura esté completamente seca
antes de despegar la cinta o de lo contrario el papel se rasgará a medida que
retire la cinta. La mejor manera de quitar la cinta de una pintura sin
rasgar el papel es colocar una mano sobre el
papel y mantenerlo quieto mientras despegas la cinta
con la otra mano, despega la cinta hacia afuera y lejos del papel para que cualquier
dinero que sí suceda se
desgarre de su pintura en
lugar de dentro de la pintura. Y este es el final del primer día. Espero que hayan
disfrutado de esta clase. Y para tu
proyecto de clase hoy, me gustaría que pintaras tu
propia versión de esta pintura, ya sea usando los
mismos colores
que tengo o usando tus propios colores. Después
resultados posteriores abajo. Te veré mañana
cuando empecemos a desarrollar más
estas habilidades.
Adiós por ahora.
7. Tabla de colores D2: Antes de comenzar el proyecto de hoy, vamos a hacer
una carta de colores con todos los colores que
usaremos y cómo mezclarlos. Como siempre, no es necesario
tener exactamente los mismos
colores que yo. Solo usa esta tabla
como guía general. Empezamos con los colores
que usaremos en el cielo. Primero, estamos mezclando un bonito naranja brillante para obtener el
color más claro del cielo. Estoy usando Winsor
naranja para esto. Estoy mezclando esto
agradable y brillante, pero con suficiente agua
para
que sea fácil de pintar a
través del papel. El segundo color que estoy
usando es rosa permanente, que es un bonito rosa vibrante. Por el color más oscuro de mi cielo. Estoy usando un morado profundo, que es violeta Winsor. No la
paleta de acuarela de todos tiene un morado en ella. Entonces, si no tienes uno, entonces solo mezcla un morado oscuro usando cualquier azul y rojo que tengas. Entonces vamos a
pasar al color con el que
pintaremos
nuestro paisaje urbano. En esta clase,
sólo estamos usando un color porque la ciudad va a ser pintada como silueta. Voy a usar el
gris de mi Payne para la silueta. Y estoy mezclando esto súper oscuro para que
parezca casi negro. Si no tienes el gris de Payne y el gris oscuro o el
negro, nosotros sí. Así es como se
ve nuestra carta de colores cuando está seca. Te sugiero mezclar
tu propia carta de colores para que tengas algo a referirte durante la clase.
8. Día 2 p1: Vamos a comenzar el proyecto de
hoy
preparando el papel para
la técnica wet-on-wet, cubriéndolo con agua limpia
usando un cepillo cuadrado grande. Asegúrate de haber grabado
tu papel de forma segura a la mesa para que no se
doble cuando se moja. Cubra el papel uniformemente
con agua para que no
haya huecos ni
áreas con charcos de agua. Ayer, utilizamos la técnica wet on wet para crear
un gradiente suave. Y hoy les voy a mostrar otro tipo de cielo que
se puede pintar usando este método. Deje su papel
durante aproximadamente 10 s para
permitir que el agua se hunda
antes de comenzar a pintar. Limpia el exceso de
agua alrededor de los lados de tu pintura para que no
estropeemos demasiado el espacio de trabajo. Vamos a
cambiar a usar nuestro pequeño pincel cuadrado
para pintar el cielo. Y vamos a empezar
mezclando nuestro color más claro, que en este caso
es el naranja Winsor. Si no tienes Winsor naranja que cualquier naranja, nosotros lo haremos. Satura tu pincel con
tu naranja y luego comienza a pintarlo con pinceladas largas y extensas
sobre el papel. Estoy usando el borde delgado
de mi pincel para hacer esto porque me va a dar más control sobre
mis pinceladas. También estoy dejando muchos huecos
entre mis pinceladas. Ten en cuenta que tenemos otros
dos colores
que vamos a usar. Así que no te vayas por la borda
con la naranja todavía. A continuación, vamos a
mezclar nuestro color medio, que es nuestro rosa. Voy a pintar el rosa sobre el papel en los huecos que
dejé entre la naranja. Una vez más, vamos a usar pinceladas
largas de barrido para hacer esto. Estas largas pinceladas
van a ayudar a crear la impresión
de nubes en el cielo. No te preocupes por tratar mezclar los dos colores juntos. En esta lección, realmente no
queremos que los colores se
mezclen demasiado porque estamos
tratando de crear la
impresión de nubes. Y la técnica wet on wet asegurará que
todo se difunda suavemente para que no terminemos
con líneas duras. Estamos llevando el rosa casi
hasta la parte superior del papel, pero estamos dejando la parte
superior de la pintura en blanco para que tengamos espacio
para poner el morado. Estamos pintando nuestro
morado comenzando en la parte superior del
papel y poco a poco trabajando hacia abajo en el resto de la pintura usando pinceladas largas de
barrido. Estoy dejando muchos huecos
entre mis pinceladas que estamos pintando el morado en rayas para crear la
impresión de nubes. Esta es solo la primera capa, así que solo estamos mapeando hacia dónde van a ir
nuestros colores. No te preocupes por intentar que
tus colores sean súper
vibrantes en este momento. Vamos a construir la vitalidad
en las próximas capas. Una vez que estás contento
con tus colores, se sienten pintando para secarse. Antes de continuar. Al igual que con el primer día, voy a estar usando
un secador de pelo para secar mi pintura entre cada capa para acelerar el proceso. Si también estás haciendo esto, entonces asegúrate de que
tu secador esté varias pulgadas
del papel y mueva
constantemente el secador de
pelo sobre la pintura para evitar que se asiente un
lugar por demasiado tiempo. Esto es por dos razones. En primer lugar, queremos evitar
prender fuego a nada. Para ser honesto, imagino que
en realidad es bastante difícil prender fuego
a un trozo de papel usando un secador de pelo, pero es mejor
estar seguro que arrepentirse. En segundo lugar, queremos que el
papel se seque como un todo. Si secamos el papel en parches, entonces la pintura
se secará de manera desigual. Queremos que nuestra pintura se
vea lo más suave posible. Cuando la primera capa
esté completamente seca, estamos listos para comenzar
en la segunda capa. Vamos a hacer
esto una vez más, cubriendo nuestro papel en agua
limpia usando un cepillo cuadrado
grande. Notarás que las
acuarelas se secan
mucho más ligeras que cuando se
aplican por primera vez. Es por eso que siempre recomiendo usar varias capas para
acumular la vitalidad. Si intentas hacer
todo en una capa, entonces terminarás saturando demasiado
tu papel y
lo más probable es que
crees un desastre fangoso. Ahora estamos listos
para cambiar nuevamente a nuestro pequeño cepillo cuadrado
y mezclar nuestra naranja. Una vez más. Vamos a pintar
nuestro naranja por todas partes las mismas áreas que hicimos
en la capa anterior. Una vez más, asegurándose de usar pinceladas
largas para replicar un cielo nublado y suave. Entonces vamos a
mezclar nuestro rosa. Y al igual que con la naranja, vamos a pintar esto en todas las
mismas áreas que hicimos la última vez. En esta capa. Voy a llevar mi rosa
hasta la parte superior de la pintura. Esto es para poner
un poco de
calidez debajo de mi pintura en la parte superior del cielo para asegurarse que la pintura es
equilibrada y armoniosa. Y finalmente, vamos a
volver con nuestro morado. Comenzando en la cima del cielo, estamos pintando nuestro morado a través del cielo con largas pinceladas. Trabajando hacia abajo hacia la
mitad de la pintura. Puedes crear cierta variedad en tus pinceladas usando una
mezcla del borde plano y
el borde delgado de tu pincel
cuadrado para dejar una combinación de pinceladas anchas
y delgadas. Para esta pintura. Recomiendo usar trazos de pincel
más anchos en la parte superior e inferior de la pintura y trazos de pincel
más delgados
hacia el centro. De esta manera tenemos la oscuridad
del cielo nocturno entrando por
la parte superior de la pintura. El rosa de nuestro sol poniente en la parte inferior de la pintura. Y una mezcla de los tres de nuestros colores en el medio
para mostrar las nubes. Una vez que estés satisfecho con
la segunda capa, puedes dejar que la
pintura se seque antes de comenzar en
la tercera capa. Ahora que la pintura
está completamente seca, estamos listos para comenzar en la
tercera capa cubriendo el papel en agua limpia
con un pincel cuadrado grande. Sé muy gentil con
tus pinceladas. Al hacer esto, las acuarelas pueden reactivarse cuando se
mojan y empiecen a
moverse de nuevo. Asegúrate de usar
agua limpia para cubrir tu papel. El problema de usar colores
más oscuros como el morado, es que puede manchar
el agua del pincel mucho más rápido que otros colores. Así que queremos
asegurarnos de que no estamos arrastrando agua morada
a través de la pintura. Luego vamos a
cambiar a usar nuestro pequeño pincel cuadrado
y comenzar mezclando nuestra pintura
naranja con la naranja sobre todas las mismas áreas que tenemos en las capas anteriores usando barrido
largo pinceladas. Creo que ya se puede ver por qué estratificar los colores
es tan efectivo. Ahora que estamos en
la tercera capa, el naranja se ve mucho
más vibrante
porque antes tiene la base
de las dos capas. A continuación vamos a
mezclar nuestro rosa. Una vez más, pinte eso sobre las mismas áreas que tenemos
en las capas anteriores. Y finalmente, estamos listos
para mezclar el morado. Comience en la parte superior de la
pintura y trabaje hacia abajo en largas pinceladas de barrido con el morado para
agregar en algunas áreas de oscuridad y sombras
entre las nubes. Estoy usando el borde delgado de mi pincel mucho más con
el morado esta vez. Esto tiene que ser un poco
más preciso con mis pinceladas y conseguir algo más de textura
en el cielo
usando el morado para agregar
algunas sombras y contraste. Una vez que estés contento con tu cielo, limpia hasta los bordes del
papel con un pañuelo de papel y luego deja
que tu pintura se seque antes comenzar la siguiente lección.
9. Día 2 p2: Una vez que tu pintura
esté completamente seca, estamos listos para comenzar a
pintar en las siluetas. Asegúrate de que tu pintura
esté completamente seca. O de lo contrario la silueta se
desangrará al fondo. Y no queremos
que eso suceda. Vamos a empezar tomando
nuestro pequeño pincel cuadrado, mezclando el color
para las siluetas. En esta pintura,
vamos a estar pintando una silueta de una ciudad
destrozada skyline suburbano. En el primer día, utilizamos dos capas de siluetas
para agregar profundidad. No obstante, hoy tenemos
mucha profundidad con este tipo ya. Entonces solo vamos a usar una capa de siluetas y
luego
desafiarnos a nosotros mismos agregando con más detalle en el horizonte. Esta vez, empiezo
por poner una línea de pintura justo a lo largo de la parte inferior de la pintura como línea de base. Y vamos a estar construyendo nuestro
suburbano visto desde ahí. Estoy manteniendo mi horizonte bastante bajo porque esta es una pintura dominada por
el cielo. Queremos presumir de la puesta de sol. Estamos creando nuestro
horizonte suburbano de la ciudad bloqueando algunas formas básicas de techo y bloques de
construcción usando
nuestro pequeño cepillo cuadrado. Aprovecha
los bordes afilados de tu
pincel cuadrado. Para ello. Considera en qué ángulo debe
estar
tu pincel para pintar
la forma que deseas. Luego usa
pinceladas afiladas y afiladas para pintar la forma. Puedes seguir girando y reposicionando tu
pincel para
construir formas de construcción más complejas usando varias pinceladas. Una vez que hayamos pintado la forma
general del horizonte, es posible que desee repasar
todo lo que hemos pintado nuevo para que sea lo más
oscuro posible. Ahora que
se ha bloqueado
la forma básica del Skyline, queremos cambiar a usar nuestro pincel puntiagudo en la talla
tres para poner algunos detalles. Asegúrate de mezclar tu
gris o negro lo más oscuro
posible para que
los detalles se
mezclen en la silueta principal. Los detalles más comunes que vas
a ver en el horizonte suburbano, o los cables eléctricos
y postes telefónicos. Entonces eso es lo que primero
vamos a pintar. Intenté mantener un agarre
muy ligero en tu pincel para que estés pintando solo con la
punta de tu pincel. Esto va a permitir que su trabajo de línea sea lo más
delicado posible. Si quieres un reto, puedes pintar en cualquier
detalle que quieras. Quizás quieras
ir aún más lejos y poner algunas aves
volando en el cielo. Puedes ponerte creativo y
mirar algunas imágenes de horizontes
suburbanos y luego
pintar lo que quieras. Entonces también vamos a poner algunas farolas también. Estoy pintando algunos
detalles más pequeños que otros porque entonces
obtenemos un rango de profundidades para que las cosas
que nuestras más pequeñas o más alejadas y las cosas que son más grandes o un poco
más cercanas a nosotros. En esta pintura, hemos pintado
los postes telefónicos para que sean más pequeños que los farolas para mostrar que
están más lejos. Una vez que estés satisfecho
con tu horizonte, deja que tu pintura se seque
antes de despegar la cinta. Es absolutamente
esencial que te
asegures de que tu pintura esté seca
antes de despegar la cinta. Si no lo es, vas a terminar manchando el negro de tu silueta por todo el cuadro y
arruinarlo justo al final. Al igual que antes, puedes
despegar la cinta muy
fácilmente sujetando el papel sobre la
mesa con una mano
mientras despegas la cinta hacia arriba y alejándola de la
pintura con la otra. Y aquí tenemos nuestra pintura
terminada que muestra un tipo diferente
de cielo que se puede pintar con la técnica wet
on wet. También desarrollamos nuestro
aprendizaje desde el primer
día pintando un skyline
más complejo. Hoy presentamos la pintura en detalles usando un pincel puntiagudo
más pequeño. Y en el día tres, vamos
a seguir desarrollándolo. Nos vemos la próxima vez.
10. Colores D3: Vamos a comenzar la clase de
hoy repasando todos los colores que usaremos en este proyecto y
cómo mezclarlos. Como siempre,
no es necesario tener exactamente
los mismos colores que yo. Solo puedes usar el
más cercano que tengas. O puedes experimentar
usando colores completamente
diferentes. Vamos a comenzar con los colores que
usaremos en el cielo. El cielo de hoy será un gradiente. Entonces queremos un color claro,
un color medio, y un
color oscuro para mostrar la puesta de sol. Para el color más claro, voy a estar usando
un bonito naranja brillante. Esto es Winsor naranja. Estoy usando el rosa para
mi color medio. Y estoy mezclando esto
agradable y vibrante. Estoy usando
rosa permanente para mi rosa. Para nuestro color más oscuro. Estamos usando un morado profundo. Estoy usando Winsor
violet para esto. Te habrás dado cuenta
que no estamos haciendo mucha mezcla de colores a lo largo de
estos proyectos hasta el momento. Nos centramos principalmente en la
pincelada y las técnicas. Estoy tratando de que sea
sencillo en los colores para que no estemos
trabajando demasiado a la vez. Pero definitivamente puedes probar alguna mezcla de color
propia para desafiarte a ti mismo, o mezclar tu propia versión de estos colores si no los
tienes en tu paladar. Y ahora estamos listos para
pasar a los colores. Estaremos pintando
nuestras palmeras con. Vamos a estar
pintando nuestras palmeras como siluetas. Solo estamos usando un color. Voy a usar el
gris de Payne para mis siluetas. Y estoy mezclando esto
para que quede lo
más oscuro posible para que
parezca casi negro. Si no tienes el gris de
Payne que cualquier gris oscuro o negro servirá. El gris de Payne tiene un ligero tinte
azulado. Entonces personalmente prefiero
esto sobre el negro. Podrías mezclar un
poco de azul con tu negro para lograr el mismo efecto si no tienes el gris de Payne. Y así es como se
ve nuestra carta de colores cuando está seca. Te recomiendo mezclar
tu propia carta de colores para que tengas algo a lo que
referirte durante la clase.
11. D3 p1: Estamos iniciando el proyecto de
hoy pintando el fondo. Vamos a cubrir el
papel con agua limpia usando nuestro cepillo cuadrado grande para prepararlo para la técnica
wet-on-wet. Asegúrate de haber
escrito tu papel firmemente en la mesa
antes de hacer esto, para que no se
doble cuando se moje. He diseñado
las clases de esta
semana para aumentar gradualmente la dificultad y desarrollarme sobre las habilidades que hemos aprendido
en la clase anterior. Entonces, si solo te unes a
nosotros hoy
te recomiendo volver al primer
día y poco a poco
abrirte camino. Asegúrate de cubrir
tu papel uniformemente con agua para que
no queden huecos. Ocasionalmente, pequeñas partes borrosas pueden desprenderse de tu cepillo
cuando estás haciendo esto. Así que solo
quítelos con el dedo y luego vuelve
a suavizar el papel con tu pincel. Luego deja tu pintura por unos 10 s para permitir que el agua
se hunda en el papel. Antes de entrar con
cualquiera de nuestros colores, estoy cambiando a usar el pequeño pincel cuadrado
para pintar el fondo. Y estoy empezando mezclando
nuestro color más claro, que es el naranja Winsor. Empezando por la parte inferior
de la pintura. Vamos a
pintar el naranja en largas
pinceladas horizontales
a lo largo del ancho del papel, moviéndonos
gradualmente hacia arriba hasta que hayamos cubierto el
tercio inferior del papel. Hoy, nuestro rosa va
a ser nuestro tono medio. Entonces lo vamos a colocar en el tercio medio
del cuadro. Vamos a empezar pintando el rosa en la mitad
del tercio medio, y poco a poco trabajarlo hacia arriba, hacia arriba y luego
hacia abajo en el naranja. Queremos que el rosa esté más saturado en la mitad
del tercio medio, y se difunda más claro a
medida que sube y baja hacia los otros
dos tercios de la pintura. No te preocupes demasiado por tratar de mezclar el
rosa y el naranja porque la
técnica wet-on-wet lo hará por nosotros. Y finalmente, estamos listos para
entrar con nuestro color más oscuro, que es nuestro morado. Para el morado, vamos a comenzar en la parte superior de
la pintura y poco a poco trabajarla
hacia abajo hacia el rosa usando pinceladas horizontales
largas y
suaves a lo largo del
ancho del papel. Asegúrate de comenzar siempre la parte superior del papel
y trabajar hacia abajo con el morado para que quede
más concentrado en la parte superior y se vuelva más claro a
medida que hacemos la transición hacia el rosa. Y aquí tenemos la
primera capa de nuestro cielo. Como puedes ver, la
técnica wet-on-wet ya está
trabajando para mezclar todo sin
problemas sin que
hagamos demasiado trabajo. Limpia los lados de la pintura y luego
déjala secar. Una vez que tu pintura
esté completamente seca, estamos listos para comenzar
en la segunda capa. Vamos a cubrir
el papel con agua
limpia usando nuestro cepillo cuadrado
grande. Asegúrate de que tu
papel esté completamente seco antes de comenzar
sobre esta capa. O bien todas las capas se
mezclarán y los colores
se volverán fangosos. Limpia cualquier exceso de agua
del costado de tu pintura. Como puede despegar la cinta sujetando el papel a la mesa. Deje su papel durante aproximadamente 10 s para permitir que el agua
se hunda en el papel. Antes de empezar a pintar. Vamos a
comenzar esta capa
volviendo a entrar con
nuestro color más claro. Una vez más, vamos
a empezar a pintar naranja en la parte inferior
del papel en
pinceladas horizontales largas y
suaves y poco a poco trabajar
hacia arriba hacia el rosa. A continuación, vamos a volver
con nuestro rosa. Comienza a mediados del tercio
medio con el rosa. Y pintarlo en largas
pinceladas
horizontales a lo
ancho del papel. Poco a poco toma el
rosa hacia abajo hacia el naranja y luego
vuelve a trabajar hacia arriba hacia el morado. Creo que el rosa es probablemente el color más difícil de
trabajar en este degradado, porque estamos teniendo
que mezclarlo en dos direcciones en
lugar de solo una. Trate de no obsesionarse con
que se vea perfecto. Porque la
técnica de húmedo sobre húmedo
suavizará cualquier imperfección. Y luego vamos a
entrar con nuestro morado. Al igual que la última vez, vamos a empezar a
pintar nuestro morado en la parte superior de la
pintura y poco a poco trabajarlo hacia abajo hacia el rosa en largas y suaves
pinceladas horizontales. Siempre ten cuidado con
tu color más oscuro. Es muy fácil ponerse
demasiado
accidentalmente y luego de repente encontrar que tu
color más oscuro se ha
apoderado y dominado toda
tu pintura. Voy a volver con
mi rosa una vez más en esta capa para aumentar
la vitalidad. Empiezo en el centro
del rosa y trabajando hacia arriba hacia el morado y luego bajando ligeramente
hacia el naranja. Un poco de cuidado aquí y asegúrate de
no
arrastrar accidentalmente rayas moradas a la sección
naranja del cielo. Estoy asegurándome de que mis pinceladas sean muy suaves esta vez, así que no perturbo demasiado la
pintura debajo. Solo estamos
terminando esta capa volviendo a entrar
con nuestra naranja, comenzando en la parte inferior
del papel y
trabajándola hasta convertirla en rosa para
aumentar la vitalidad. Entonces vamos a
limpiar los lados de la pintura y
dejarla secar. Ahora que la pintura
está completamente seca, estamos listos para comenzar
en la última capa. Vamos a comenzar esta
Nia igual que tenemos con las demás
cubriendo el papel en agua
limpia con un cepillo cuadrado
grande para prepararlo para la técnica de
mojado sobre húmedo. Sé muy gentil con tus
pinceladas cuando hagas esto. Porque las acuarelas pueden
reactivarse cuando se mojan y empiezan a
moverse hacia el papel. Es posible que tengas que cambiar el agua de
tu pintura
antes de comenzar a trabajar
esta capa con colores
más oscuros como
nuestro contenido morado, el agua más de lo normal. Lo que significa que si no
tenemos cuidado, podemos terminar
cubriendo nuestro papel en agua
morada en lugar
de agua limpia. Deje su papel durante
aproximadamente 10 s para permitir que el agua se hunda en el papel antes
de comenzar a pintar. Ahora estamos listos para
entrar con nuestra naranja. Como siempre. Vamos
a comenzar pintando el naranja en la parte inferior
del papel en
pinceladas horizontales largas y
suaves y poco a poco trabajarlo
hasta convertirlo en rosa. Y luego vamos
a mezclar nuestro rosa y comenzar en medio
de nuestra sección media. Y trabajar eso
poco a poco hacia abajo en la naranja y luego hacia arriba
hacia el morado. Tenga en cuenta que estoy siendo muy gentil con mis
trazos de pincel en esta capa. Queremos asegurarnos de que no estamos molestando
demasiado la pintura en
las capas de abajo porque eso puede provocar
desniveles en el degradado. Así que mantén un ligero agarre sobre tu pincel y pinta
en una dirección través de la pintura para mantener las pinceladas lo más
suaves posible. Y finalmente, vamos a
volver a entrar con nuestro morado. Comenzando en la parte superior
de la pintura, vamos a
pintar nuestro morado en largas
pinceladas horizontales a lo largo del ancho del papel y trabajarlo
gradualmente
hacia abajo hasta convertirlo en rosa. Como puede ver, una combinación
de capas sobre la técnica húmeda sobre húmeda ha producido un gradiente realmente vibrante y
suave. Limpia los bordes del papel, y luego deja que tu
pintura se seque antes de comenzar
la siguiente lección.
12. D3 p2: Ahora que voy a pintar
está completamente seco. Estamos listos para pintar en las siluetas de
las palmeras. Asegúrate de que tu pintura esté completamente seca
antes de que hagamos esto, o de lo contrario las palmeras se
desangrarán al fondo. Vamos a
cambiar a usar nuestro pincel puntiagudo en la talla tres
para pintar nuestras siluetas. Y empiezo mezclando el color
para
las siluetas, que es el gris de Payne. Mezcla tu color tan oscuro
como puedas para que quede súper saturado y
parezca casi negro. quieres asegurarte de que Sin embargo, quieres asegurarte de que
tenga suficiente agua en
el color, para que sea fácil
pintar a través del papel. Empezamos pintando el tronco de la
primera palmera. Estoy pintando este primer árbol ligeramente a la
izquierda del centro de la pintura para dejar
espacio para poner en otros árboles de diferentes
tamaños para agregar profundidad más adelante, usando una sujeción ligera
en tu pincel. Comienza en la parte superior del
tronco y poco a poco
arrastra tu pincel hacia abajo hacia
la parte inferior de la pintura. Puedes aumentar la presión sobre tu pincel a medida que
bajes por la pintura para que las cerdas se extiendan y el tronco del árbol se haga más grande
hacia el fondo. Y luego vamos a empezar a pintar en las hojas de palma. Vamos a pintar la
forma de las hojas
de palma comenzando con una sola línea
para el tallo de la hoja. Y luego pintar las secciones
de la hoja comenzando desde la parte superior del tallo y
pintar hacia afuera en pinceladas cortas y
puntiformes que inclinaban hacia
abajo hacia la
punta de la hoja. Asegúrate de mantener una
sujeción muy ligera sobre tu pincel
mientras haces esto, para que estemos pintando
en lindas líneas finas. Pon alrededor de cuatro
hojas de palma en cada árbol. Vamos a dejar que eso se seque por un momento antes de comenzar en el segundo árbol que no
lo manche mientras estamos pintando. La siguiente palmera va
a ser un poco
más pequeña que la primera para
que aparezca más lejos. Esto nos va a ayudar a
añadir profundidad a la pintura. Comienza en la parte superior
del baúl y arrastra tu pincel hacia abajo hasta
la parte inferior de la pintura. Poco a poco añadiendo un poco de
presión sobre el cepillo, si se puede, para que la parte inferior del tronco sea
más ancha que la parte superior. Tenga en cuenta que no estoy pintando el tronco de las
palmeras completamente recto porque las palmeras crecen
naturalmente en ángulos
ligeramente doblados. Entonces vamos a
agregar en las hojas. Como esta palmera es
más pequeña que la primera. También vamos a pintar las hojas
más pequeñas que la primera. Comience pintando
el tallo de la hoja y luego rellene la hoja comenzando en la
base del tallo. Y pinta
pinceladas cortas y puntiagudas hacia afuera hacia la punta de la hoja. A continuación, vamos a pintar un árbol más grande a la
derecha de la pintura. Como el árbol es más grande, queremos usar más presión sobre nuestro pincel al
pintar el tronco. El tronco es más ancho que las otras palmeras
que hemos pintado hasta ahora. Todavía comienza en la parte superior
del tronco y arrastra el pincel hacia abajo hasta la parte inferior
de la pintura en una pincelada suave. Como este árbol es más grande, eso también significa
que está más cerca de nosotros. Entonces vamos a poder
ver un poco más de detalle. Estoy poniendo este detalle
variando los tamaños de las
hojas de esta palmera. Como pueden ver, he empezado
con una hoja bastante pequeña, y luego estoy poniendo varias más grandes para que tengamos alguna variedad
en el árbol. También podrías notar que estamos variando los
ángulos de las hojas. Las hojas de palmera son muy flexibles y pueden soplar
mucho con el viento. Por lo que a menudo se paran en muchos ángulos
diferentes y también pueden
doblarse hacia arriba y hacia abajo. Sea cual sea el ángulo en el que vayan las hojas de
palmera, quiere
asegurarse de que
todavía está pintando las partes
puntiformes de las hojas hacia abajo hacia
la punta de la hoja. A través de todo esto, sigue
recordando usar un ligero agarre en tu pincel para que estemos
pintando en lindas líneas finas. Quieres estar usando
la punta misma de tu pincel para pintar
en las hojas de palma. Ahora vamos a pintar en el árbol más grande a la
derecha de la pintura. Lo que significa que este árbol
va a ser más alto y el tronco va a ser aún más ancho que el árbol anterior. Pinta el tronco comenzando por la parte superior y guía tu pincel hacia
abajo hacia la parte inferior de la pintura en una pincelada
suave. Necesitas
asegurarte de que tu pincel tenga mucha pintura
para hacer esto, de manera que puedas pintar
el tronco del árbol sin problemas. Sin embargo. Puedes repasar cualquier sección si
quieres oscurecerlos. Pero lo ideal es que
lo queremos hacer de una sola pincelada. Como esta es nuestra palmera
más grande, va a tener
las hojas más grandes. Comienza pintando el tallo de
la hoja y luego rellena la hoja usando pinceladas cortas y
puntiagudas
inclinadas hacia la
punta de la hoja. Asegúrate de que estás usando una
sujeción ligera en tu cepillo para hacer esto. E incluso puedes dejar
algunos huecos entre tus pinceladas para
exagerar realmente la
forma de la silueta de la hoja. Para agregar variedad, puedes pintar en las hojas en diferentes
ángulos y tamaños. Si realmente quieres
hacer todo lo posible, entonces puedes pintar las espigas
en la punta de la hoja, un poco más cortas que
las de la base de la hoja para mostrar cómo la forma se estrecha
en un punto. Entonces voy a dejar que
estos árboles se
sequen
antes de pintar el último árbol a antes de pintar el último árbol la izquierda de la pintura, para que no manche mi trabajo como pinto en el último árbol. El árbol final de la
izquierda va a tener aproximadamente el mismo tamaño que el árbol
más grande de la derecha. Así que vamos a
usar bastante presión sobre nuestro pincel
ya que estamos pintando en el tronco del árbol para asegurarnos de que sea tan ancho como
el árbol de la derecha. Como puedes ver,
esta formación arbórea puso profundidad a la
pintura porque
parece que los árboles en el
borde de la pintura están más cerca de nosotros porque
son más grandes. Y los árboles en el centro de la pintura están más lejos. Igual que antes con la
pintura en las hojas, comience con una sola
línea para el tallo de la hoja para trazar la dirección y el
ángulo en el que se encuentra la hoja. Entonces podemos
rellenar la hoja usando pinceladas
cortas y puntiagudas que están inclinadas hacia
la punta de la hoja. Como este árbol está
bastante cerca de nosotros, queremos asegurarnos de que estamos pintando en las
hojas bastante grandes, al
menos tan grandes como el
árbol de la derecha. Asegúrate de
mantener una sujeción ligera en tu pincel para que
estés pintando en las hojas usando la punta misma de tu pincel para mantener las
líneas bonitas y finas. Queremos que nuestras palmeras tengan una
sensación ligera y flexible para ellas. Ahora, en algún lugar a lo largo de
pintar esto, una pequeña mancha de negro se
ha asentado junto a mi árbol en la parte inferior
derecha de la pintura. Este no es el fin del mundo. Y si esto fuera en algún
otro lugar de la pintura,
simplemente lo dejaría. Pero en situaciones como estas, como está tan cerca del árbol, un truco astuto es simplemente ensanchar
un poco el
tronco del árbol en la parte inferior para tapar esa
mancha perdida de negro. Después deja que tus árboles se sequen
antes de retirar la cinta adhesiva. Asegúrate de que tus palmeras estén completamente secas
antes de quitar la cinta para que
no mancharemos la pintura a través de la pintura y la
arruinemos en esta etapa. Eso sería muy triste. Ponga una mano sobre la
pintura para sujetarla en su lugar. Luego usa los otros dos, despega la cinta y hacia afuera
alejándola de la pintura. De esta manera, si el papel se rasga mientras estamos quitando la cinta, debería hacia afuera
hacia el borde de la pintura en lugar
de dentro de la pintura. Es por eso que recomiendo usar cinta
adhesiva sobre la
toma habitual del vendedor porque la cinta adhesiva
tiende a no rasgar el papel. En esta clase,
desarrollamos nuestras habilidades con gradientes al avanzar hacia uso de tres colores
en un degradado. Y también comenzamos a
desarrollar nuestras habilidades usando un pincel puntiagudo para pintar en un
tipo de silueta más detallada. En el cuarto día, vamos a
desarrollar aún más este trabajo
refinando nuestras habilidades para pintar detalles
más complejos
sin pincel puntiagudo. Y también vamos a
probar un nuevo tipo de cielo. Nos vemos la próxima vez.
13. Colores D4: Antes de comenzar el proyecto, vamos a repasar
todos los colores que
usaremos y cómo mezclarlos. Empezamos con
los colores más claros que estamos usando en nuestro cielo. Para el
color más claro del cielo, estamos usando un naranja claro. Estoy usando Winsor
naranja para esto. Esto es para el
color más claro en nuestras nubes. Como siempre, recuerda
que no
tienes que usar exactamente los
mismos colores que yo. Esta carta de colores es solo una guía para el
color más oscuro en nuestras nubes. Vamos a mezclar
un púrpura azulado de azul cerúleo
y filas permanentes. Estamos apuntando a un tipo
de púrpura silenciado con este color. Aquí no queremos nada
demasiado oscuro porque no
queremos que el fondo domine la pintura. Y por el color de nuestro cielo, vamos a estar
usando azul cerúleo. Estamos mezclando esto bastante
acuoso porque de nuevo, no
queremos
nada demasiado brillante porque vamos por un cielo
suave de fondo. Por lo que la silueta del sebo realmente
destacará. Entonces estamos pasando al color con
el que estaremos
pintando nuestro árbol. Al igual que con todas las
lecciones de esta clase, vamos a estar pintando
nuestro árbol como una silueta. Así que sólo estamos usando un color. Estoy usando el gris de Payne
y lo estoy mezclando súper oscuro para que
parezca casi negro. A mí me gusta el gris de Payne porque tiene un poco de tinte
azulado. Entonces creo que es un poco más armonioso contra mis cuadros. Sin embargo, puedes usar cualquier gris o cualquier negro como
reemplazo si lo prefieres. Y así es como se
ve nuestra carta de colores cuando está seca. Te recomiendo mezclar
tu propia carta de colores para que tengas algo a referirte durante la clase.
14. Día 4 p1: Vamos a iniciar el proyecto de
hoy pintando el cielo
de fondo. Primero, estamos preparando el papel para la técnica wet-on-wet cubriéndolo en agua limpia
con un cepillo cuadrado grande. Asegúrate de cubrir tu papel de manera uniforme para que
no queden huecos. Los proyectos de esta semana se establecen para que
gradualmente aumentemos en dificultad medida que avanzamos a lo largo de la semana. Entonces, si hoy solo te
unes a nosotros, te
recomiendo volver al primer
día y trabajar
en ellos en orden. Deja tu pintura durante aproximadamente 10 s para permitir que el agua
se hunda en el papel. Antes de empezar a pintar,
estamos empezando, como siempre, con
nuestro color más claro y estamos mezclando nuestro naranja. Asegúrate de que tus naranjas sean
bastante acuosas para
que se difundan hacia afuera con la técnica wet-on-wet. Estoy cambiando a usar mi pincel puntiagudo en talla
cinco para pintar el cielo. Esto es un poco de un
cambio hoy porque
hasta ahora solo hemos usado
pinceles cuadrados para pintar los cielos. Encuentro que los
pinceles redondos puntiagudos son los mejores para pintar cielos con nubes porque naturalmente
son
mejores para formar formas de nubes suaves y
esponjosas donde pinceles cuadrados pueden comenzar
a verse un poco afilados. Estamos empezando por
usar nuestro naranja para bloquear algunas
formas básicas de nubes hacia el cielo. Como pueden ver, estoy usando una especie de movimiento de garabatos
con mi pincel, casi como
lo haces con un crayón. Crear las formas vagas y
abstractas en las que se forman
las nubes. Estas nubes van
a estar fuera de foco. Y también cúmulos de nubes, que son las que
son grandes y esponjosas. Así que queremos mantener una sensación muy
libre y relajada con nuestras pinceladas. Recuerda, solo estamos
tratando de crear la impresión de nubes
en esta pintura. No tiene que
ser súper preciso. No te preocupes por hacer que tu
naranja sea súper vibrante aquí. Como solo estamos bloqueando la forma general de las nubes. Una vez que estés contento
con tus nubes, vamos a mezclar
nuestro azul para el cielo. Mantenga este color realmente
ligero y acuoso para que la técnica wet-on-wet
pueda suavizar todo. Entonces vamos a
pintar el azul por todo el cielo en los huecos
entre las nubes. Tenga en cuenta que no estoy
intentando mezclar el azul en las nubes
para fusionarlos juntos. Sólo vamos a colocar
el azul al lado del niño dijo que la técnica de mojado sobre mojado puede hacer el trabajo. Si intentáramos mezclar un cielo azul en nubes anaranjadas, los dos colores se
mezclarían y crearían a Brown. Mantén tus pinceladas
muy ligeras y relajadas a lo largo de
este proceso. Por último, vamos
a mezclar nuestro morado. Vamos a
pintar esto justo en las cimas de las nubes
para poner algunas sombras. En esta pintura,
el sol se pone. Entonces el sol viene
de debajo de las nubes e iluminando
el fondo de las nubes. Mientras que la parte superior de las
nubes está en la sombra. Una vez más, no intentes mezclar el morado y el
naranja juntos. La
técnica wet on wet fusionará los dos colores juntos
sin modificar los colores. Entonces vamos a
limpiar los lados de nuestra pintura y
dejarla secar. Una vez que la pintura
esté completamente seca, estamos listos para comenzar
en la segunda capa. Vamos a comenzar
la segunda capa cubriendo nuestro papel en agua
limpia con un cepillo cuadrado
grande para prepararlo para la técnica
wet-on-wet. Asegúrate de que tu pintura esté completamente seca
antes de hacer esto. Porque si no lo es, las capas sangrarán juntas y
sobresaturarán el papel. Es posible que encuentres que
el
agua se acumula a los lados de tus pinturas cuando la estás cubriendo
con agua. Te recomiendo dibujar esto
rápidamente para que no despegue la cinta que sujeta
tu papel a la mesa. Ahora estamos listos para volver
con nuestro primer color, que es nuestro naranja. Estamos volviendo
a nuestro pincel puntiagudo en talla cinco para pintar el cielo. Vamos a pintar
el naranja sobre todas las mismas secciones que
hicimos en la primera capa. Para alegrar los colores. Recuerda que debes tener una buena noche. Sostenga su pincel y use movimientos
rápidos y libres
para pintar sus nubes. Que conseguimos una mirada
suave y encantadora a las nubes. Entonces vamos a mezclar
el morado para nuestras nubes. Y al igual que con la naranja, vamos a pintar
el morado sobre todas las mismas áreas que
hicimos en la primera capa. Solo estamos colocando el morado
junto al naranja y permitiendo que la técnica
de mojado
sobre húmedo fusione los dos
colores juntos. No intentes mezclar
los dos colores tú mismo
porque simplemente se
mezclarán y crearán marrón. Y por último, vamos a volver con nuestro
azul para el cielo. Vamos a pintar el azul en los huecos entre las nubes. Asegúrate de mantener el
color muy regado para que el cielo sea agradable y
ligero y no agobiante. Seguimos manteniendo un agarre
muy suave en el cepillo para que este
tipo tenga un aspecto agradable y suave. Una vez que estés contento con tu cielo, deja que la pintura se seque antes de
pasar a la siguiente lección.
15. Día 4 p2: Una vez que el fondo esté seco, estamos listos para
pintar en el árbol. Como puede ver, la
técnica wet-on-wet nos ha
permitido crear un agradable cielo mezclado suave con la impresión de
nubes esponjosas en el fondo. Esto va a
permitir que nuestro árbol se destaque muy bien
contra este tipo. Asegúrate de que tu pintura esté completamente seca antes de comenzar
con esta lección. O de lo contrario el árbol
se mezclará con el fondo. Estamos comenzando esta
lección mezclando el color que estamos
usando para nuestro árbol. En mi caso, es el gris de
Payne mezclado súper oscuro para que
aparezca casi negro. Puedes usar negro regular, gris o marrón oscuro
si lo prefieres. Estamos cambiando a usar nuestro cepillo puntiagudo en
tamaño tres para el árbol. En esta lección,
vamos a estar pintando el bronquio principal y la
forma del árbol. Estamos empezando por la punta
de la rama más baja. Y vamos a
pintarlo arrastrando la punta
del pincel hacia la esquina inferior derecha
del cuadro. Mover el pincel ligeramente para crear algunas curvas
en la rama. Tenga en cuenta que estamos empezando con muy poca presión en
la punta de la rama. Y poco a poco una
prima más presión al pincel a medida que llegamos a la esquina inferior para
que la rama se vuelva más gruesa a medida que se acerca
a la base del árbol. A continuación vamos a
pintar la rama superior. Esta rama va a
comenzar en la parte superior media de la pintura y bajar hacia la mitad del lado
derecho de la pintura. Esta ramas más gruesas. Así que vamos a aplicar
bastante presión a
nuestro cepillo a lo largo de toda la rama para que sea
más ancho que el primero. Una vez más, vamos a mover el pincel ligeramente mientras estamos pintando para darle a la rama
algunas curvas naturales. A continuación vamos a
pintar en nuestro tronco de árbol, bueno, a todas las ramas
se van a conectar. En esta pintura, solo
podemos ver parte del tronco
del árbol a lo largo del lado
derecho de la pintura. Vamos a pintar
el tronco desde la parte superior de la pintura
hasta abajo, moviendo
ligeramente nuestro pincel para darle algunas áreas naturales
de imperfecciones. Entonces voy a suavizar y redondear donde las ramas encuentran con el tronco del árbol para que las conexiones se vean
un poco más naturales. Solo estoy oscureciendo
la rama superior para
asegurarme de que es del mismo color que
el resto de la silueta. A continuación, voy a pintar
las ramas más pequeñas. Y estas son las ramas
que conectan con
las dos ramas principales
que ya pintamos. Estas ramas van a ser más delgadas que las primeras. Queremos usar una sujeción más ligera en el pincel cuando los
estamos pintando. Para que estemos pintando
en líneas más delgadas. Poco a poco aumenta
la presión sobre tu cepillo a medida que
conectamos esta rama a la más grande para que se vuelva más gruesa más cerca de
la base del árbol. Vamos a redondear
donde las ramas
se conectan entre sí para darle
un aspecto más natural. Entonces vamos a pintar
algunas ramitas pequeñas y delgadas
mirando ramas sobre la
rama que acabamos de pintar. Estos son los tipos
de ramas más delgadas que estaban pintando. Entonces vamos a
usar la punta misma de nuestro cepillo puntiagudo
para ponérselos. Entonces vamos a
pintar en una rama que
va a conectar con
la rama inferior. Esto va a
comenzar cruzando la rama
que acabamos de pintar. Y vamos a
bajar un poco
con nuestra línea y luego detenernos. Entonces vamos a volver a recoger
esa línea, comenzando en un ángulo ligeramente
diferente y conectarla
hacia abajo en la rama inferior. Si puedes agregar más presión a tu cepillo a
medida que lleguemos al fondo de la rama para que
quede más delgado en la parte superior y más ancho
hacia la base. Entonces vamos a pintar una rama más pequeña usando
el mismo método nuevamente. Y ahora vamos a pintar
en algunas de esas pequeñas ramas tipo
tweak
sobre la rama inferior. Asegúrate de usar un agarre muy ligero en
tu cepillo para hacer esto. Para que estemos pintando
con la punta misma
del pincel para crear
unas lindas líneas finas. La parte superior de la pintura
se ve un poco escasa. Entonces vamos a estar agregando algunas sucursales más
allá arriba para equilibrarlo. Vamos a comenzar
poniendo dos de nuestro estilo más grueso de ramas para llenar esa
sección del árbol. Entonces vamos a
rematar poniendo algunas ramas más pequeñas y
delgadas para
agregar alguna variedad. Aquí tenemos la
forma principal del árbol. Una vez que estés contento
con tu árbol, deja
que tu pintura se seque antes de
pasar a la siguiente lección.
16. Día 4 p3: Ahora ya estamos listos para
pintar en las hojas. Asegúrate de que tu pintura esté
completamente seca antes de hacer esto. Así que no difuminamos
las ramas de los árboles a través del papel mientras
pintamos en las hojas, quedamos con
nuestro pequeño pincel en tamaño tres para hacer esto, para darnos el mayor control posible
sobre los detalles. Sin embargo, el control no significa
ponerse tenso. Es mucho más fácil pintar en
detalles si estás manteniendo un
agarre bastante relajado en tu pincel para que tu mano pueda moverse fácilmente. Estamos pintando las hojas este árbol en forma de lágrima. Recomiendo variar
ligeramente los
tamaños de las hojas y
pintarlas con ligeras imperfecciones
en la lágrima. Para darles una sensación
más natural. Es posible que descubras que tienes que
seguir mezclando más del color de tu silueta para que se mantenga agradable y opaco a
medida que estás pintando. Asegúrate de no agregar
demasiada agua a tu pintura aquí porque eso
dificultará
pintar en las
formas detalladas de las hojas. Vamos a agregar las hojas
a nuestras ramas más delgadas. Y en las puntas de cada sucursal. Esto nos permitirá pintar la extensión
desigual de las hojas a través la pintura sin
tener que pintar cientos de hojas para
rellenar todo el árbol. Pinta las hojas
usando la punta misma de tu pincel para que estemos
pintando en lindas líneas finas. Estoy pintando las hojas
pintando el contorno de la forma de lágrima y luego rellenando el
centro de la forma. Ten en cuenta la gravedad mientras
pintas en las hojas. Queremos que la mayoría de las hojas estén orientadas hacia abajo o
al menos dobladas hacia abajo hacia el suelo como lo
harían en la vida real. Los detalles de pintura pueden ser un poco complicados porque es
difícil mantener las manos firmes. Mi consejo para esto es usar tu dedo meñique como punto
de anclaje en el papel para afianzar tu mano dejar de permitirte
movimiento libre con tu pincel. Solo ten cuidado al hacer esto, ¿
que no manches pintura en tu papel con
el dedo meñique? De hecho, mancharé pintura
en el papel más adelante. Te voy a mostrar como arreglar
eso cuando lleguemos a ello. Tal vez encuentres a medida que
estás pintando, que quieras agregar
algunas ramas más pequeñas para ponerle hojas a medida que avanzas. Así que siéntete libre de hacer
eso a donde quieras llenar el árbol. Mientras vamos a estar pintando en las hojas en
pequeños racimos. Aún así, asegúrate de que estás dejando ligeras brechas entre cada hoja para permitirnos
ver la silueta con claridad. Si tenemos demasiadas
hojas superpuestas,
entonces corremos el riesgo de que se conviertan en
una mancha negra sobre el papel. Y estamos tratando de
mantener una agradable sensación ligera y delicada a esta silueta de
árbol. Aquí es donde mancharé
pintura sobre el papel. Como pueden ver, descansé mi mano sobre donde acabo de
pintar en una rama. Entonces la pintura seguía mojada y
terminé manchándola
más arriba del cielo. Este no es el fin del mundo. Podemos arreglarlo fácilmente tomando agua
limpia en un pincel y
pintando sobre esto. Luego toma un pañuelo limpio
y quita la pintura. Esto resalta otra
cosa que debes tener en
cuenta a la hora de pintar
en tus hojas. Y eso es tratar trabajar de una manera que
signifique que no vas a estar descansando la mano sobre donde acabas de
poner pintura. Si eres diestro. Esto generalmente
significa trabajar de izquierda a derecha en la página. Y si eres zurdo, entonces trabaja de derecha a izquierda. De veras, si estuviera siendo sensato, habría trabajado de arriba
a abajo en esta pintura, en
lugar de comenzar por las ramas inferiores
y trabajar hacia arriba. Pero oye, vivimos y aprendemos. Si yo fuera Bob Ross, tiraría una línea sobre pequeños accidentes
felices aquí. Asegúrate de que estás variando
ligeramente
los tamaños de tus hojas para que obtengamos alguna variedad natural
en el árbol. También te recomiendo
asegurarte de que tus hojas estén orientadas en direcciones
ligeramente diferentes porque las hojas de los árboles no
van todas en la misma dirección. Probablemente sea una
buena idea
buscar algunas fotos de
árboles antes de empezar a pintar para que
tengas una idea en tu cabeza de algunas formaciones
naturales de hojas. Dicho esto, no te
preocupes demasiado por hacer que
este sea súper preciso. Estamos pintando en la impresión de un árbol en una silueta. No estamos tratando de crear una réplica perfecta de ningún tipo
específico de árbol. Puedes desafiarte a ti mismo en esta pintura buscando
diferentes tipos de árboles y quizás pintando uno con hojas de diferentes
formas. Pensé que la clásica hoja en forma de
lágrima sería una excelente manera de
practicar nuestras habilidades con un pincel puntiagudo sin dejar de
mantener las cosas muy simples. Sin embargo, siéntete libre de
ramificar en otras
formas de hojas si quieres. No pido disculpas
por las palmas y ya te dejaré en paz. Te reto a que dejes tus mejores pons de hojas y árboles abajo en las discusiones. Este proceso puede llevar un tiempo, así que tómate un descanso
si quieres. Es importante
mantener tu enfoque mientras
pintas en las
hojas para que
recordemos mantener una
agradable sujeción ligera sobre el pincel para mantener nuestra
pincelada delicada. La belleza de pintar en
siluetas es que
fácilmente puedes tomarte un descanso en cualquier momento
y volver a él más tarde, porque solo estamos
usando un color. Entonces es muy fácil mezclar
ese color otra vez más tarde. Ahora estamos agregando
algunas hojas más grandes en la parte superior de la pintura. Estas son un poco más grandes que las otras hojas porque
están más cerca de nosotros. La idea aquí es que están bajando de una rama
que está justo encima de nosotros, razón por la
cual están siendo
cortados por la parte superior de la pintura. Una vez que estés contento
con tu árbol, deja que tu pintura se seque
antes de despegar la cinta. Pon una mano sobre la
pintura para sujetarla mientras arranca la cinta y aléjala de la pintura
con la otra. Asegúrate de que tu pintura esté completamente seca
antes de hacer esto. O de lo contrario vas
a manchar pintura oscura por
toda la pintura
al final. En esta clase, hemos
desarrollado nuestras habilidades pintar cielos pasando a pintar nubes en el cielo
usando un pincel puntiagudo. Y también hemos practicado nuestras habilidades con nuestro
pequeño pincel puntiagudo. He aprendido a usar diferentes presiones
en el pincel para pintar diferentes tipos de líneas y agregar algunos detalles muy pequeños y
delicados. En el próximo proyecto, vamos a desarrollar nuestras
habilidades con la mezcla de colores y aprender a sacar el máximo
provecho de nuestro pincel cuadrado.
17. Colores D5: Antes de comenzar el proyecto de hoy, vamos a
repasar todos los colores que usaremos y
cómo mezclarlos. Como siempre, no es necesario
tener exactamente los mismos
colores que yo. Solo usa lo que tengas
y usa esto como guía. Empezamos mezclando
los colores en nuestro cielo. El color más claro que estamos
usando en nuestro cielo es un amarillo anaranjado claro mezclado con naranja Winsor
y amarillo Winsor. Estoy mezclando esto bastante acuoso. Que va a ser fácil de
usar con la técnica wet
on wet. A continuación estamos mezclando
una naranja profunda de naranja Winsor y un
poquito de rojo Windsor. Algunos pigmentos rojos pueden
ser muy potentes. Así que ten cuidado cuando
estés mezclando esto. Lo mejor es comenzar con una cantidad muy pequeña y
acumularla lentamente. Una vez más, estoy mezclando
este color bastante acuoso para que se vaya a difuminar fácilmente con la técnica wet
on wet. A continuación, estamos mezclando nuestro azul
principal para el cielo. Para esto, estamos usando
mayormente azul cerúleo. Y luego estoy mezclando
un poquito de Winsor amarillo para darle a este tipo
un ligero tinte turquesa. Ten mucho cuidado aquí y solo usa una pequeña
cantidad de amarillo. O de lo contrario pondremos verde
el cielo. Entonces vamos a mezclar
el color para nuestra silueta. Seguro que no te sorprende
en este punto que voy a estar usando el
gris de Payne para la
silueta de mi ciudad. Estoy mezclando esto súper oscuro para que parezca casi negro. Como siempre, puedes
sustituir este color cualquier gris oscuro o
negro si lo prefieres. Y aquí está nuestra carta de colores. Cuando esté seco,
te recomiendo mezclar tu propia carta de colores
para que tengas
algo a lo que referirte
durante la clase.
18. Día 5 p1: Estamos iniciando el proyecto de hoy
pintando en el cielo. Vamos a comenzar preparando nuestro papel
para la técnica de
mojado sobre húmedo cubriéndolo en agua
limpia con un cepillo cuadrado
grande. Asegúrese de que el papel esté cubierto manera uniforme y que
no haya huecos. El papel de combustible durante aproximadamente 10 s para permitir que
el agua se hunda. Antes de empezar a pintar. Hoy vamos a estar practicando con nuestro
pequeño pincel cuadrado. Voy a estar usando
esto para pintar en nuestro cielo. Comienza mezclando
nuestro color más claro, que es un naranja amarillento. Entonces comenzando en el
centro de la pintura, vamos a pintar
este color a través la pintura en largas pinceladas de
barrido. Estamos manteniendo este color mayormente hasta la
mitad inferior de la pintura. Asegúrate de dejar espacios
entre tus pinceladas. Para que pintemos en otros colores. Principalmente estoy usando
el borde delgado de mi pincel al
principio aquí para mantener los trazos del pincel
bastante delgados para que
podamos dejar mucho espacio
para los otros colores. A continuación, vamos a
mezclar nuestra naranja más profunda. Vamos a empezar
pintando esto en la
parte inferior de la pintura. pinceladas largas de barrido trabajan hacia
arriba hacia la
parte superior de la pintura. Coloca nuestro naranja profundo en los huecos que dejamos
entre el primer color, deja espacio en la parte superior
para el azul del cielo. A continuación vamos a
mezclar nuestro azul para el cielo. Vamos a pintar esto
empezando por la parte superior
del cielo y rellenar los huecos que
hemos dejado entre
los otros colores. Tenga en cuenta que solo estamos colocando los colores uno al
lado del otro. No estamos tratando de
mezclarlos juntos. La técnica wet-on-wet
fusionará todo
para nosotros. Si tratamos de mezclar
los colores juntos, ellos se mezclarán
y crearán Brown. Intenta asegurarte de haber
cubierto toda
la pintura y que no
queden huecos de blanco. Entonces vamos a
limpiar los lados de nuestra pintura y
dejarla secar. Aquí me di cuenta de
que había olvidado derribar un
lado de mi cuadro. Afortunadamente, con solo
la primera capa pintada, no
va a hacer
una gran diferencia el resultado final. Pero pensé
en mantener esto solo para resaltar
que quieres asegurarte de
que estás escribiendo tu papel en la
mesa de forma segura. Especialmente cuando se utilizan técnicas como la técnica húmeda sobre húmeda. Se
aplica mucha agua al papel. Porque esta agua puede hacer que se doble y deformar a medida que se moja. Y necesitamos la cinta para
evitar que eso suceda. Asegúrese de presionar la cinta firmemente en el papel para
que no
haya burbujas de aire para que
el agua entre debajo y potencialmente
despegue la cinta. Ahora que la pintura
está completamente seca, estamos listos para comenzar
en la segunda capa. Estamos comenzando esta capa
igual que la primera, cubriendo nuestro papel
con agua limpia usando un cepillo cuadrado grande prepararlo para la técnica de
mojado sobre húmedo. Entonces voy a entrar y limpiar los lados
de la pintura. Asegúrate de que no estoy arrastrando el exceso de agua a través de la
pintura mientras trabajo. Estamos volviendo a usar
nuestro pequeño cepillo cuadrado. Y vamos a mezclar de nuevo
nuestro primer color, que es nuestro amarillo anaranjado. Vamos a
pintar esto por todas partes las mismas áreas que
hicimos en la primera capa. Asegúrate de seguir usando pinceladas de barrido
ancho con tu pincel para que tengamos la impresión de
nubes suaves en el cielo. Entonces vamos a
mezclar de nuevo nuestra naranja profunda. Y al igual que con
nuestro primer color, vamos a pintar esto en todas las mismas áreas que
hicimos en la primera capa. En esta capa,
puedes intentar alternar usando el borde delgado de tu
pincel y el borde plano
del pincel con tus trazos de
pincel para obtener una combinación de pinceladas finas
y anchas. Esto ayudará a agregar un poco
de variedad al cielo. Y por último, vamos
a volver a mezclar nuestro azul. Comienza en la cima
del cielo y para pintar el azul por la pintura en
largas pinceladas de barrido. Rellena todos los huecos que quedan
entre nuestros otros colores. Asegúrate de que solo estás colocando el azul
junto a las naranjas. Que no se mezclan
demasiado y crean marrón. Solo estoy terminando
poniendo un poco más
de mi naranja intenso en la parte inferior de la pintura para asegurarme de que no he
dejado ningún hueco. Después deja secar tu pintura antes de comenzar en
la siguiente capa. Una vez que tu pintura
esté completamente seca, podemos comenzar la tercera
capa cubriendo nuestro papel en agua limpia
con un pincel cuadrado grande. Sé muy gentil con tu
pincel mientras haces esto. Porque las acuarelas pueden
reactivarse cuando se mojan y empiezan a
moverse hacia el papel. Como el azul y el naranja están en lados
opuestos de
la rueda de colores, corre el riesgo de mezclarse
y volverse fangoso. Si molestamos demasiado las capas
debajo, entonces vamos a limpiar los lados de
la
pintura y permitir que el agua se hunda durante unos 10 s antes
de comenzar a pintar. Esta es la última
capa del cielo. Así que esta vez vamos un poco
diferente. Vamos a empezar mezclando
el azul de nuestro cielo. Y vamos a pintar
el azul a lo largo de la cima del cielo con un
borde plano de nuestra brocha. Para que estemos usando pinceladas
anchas en
la parte superior del cielo. Entonces a medida que nos
acercamos a los colores anaranjados, vamos a darle la vuelta al
pincel hacia su costado. Entonces estamos pintando con el
fino borde del pincel. Esto nos permitirá trabajar en pinceladas
más refinadas a
medida que bajemos por la pintura. Estoy colocando el azul
entre las naranjas para poner unos huecos entre las nubes donde podamos ver el
azul del cielo. Esto va a
romper un
poco a este tipo y darle algo de textura. A continuación vamos a
mezclar nuestra naranja profunda. Estoy pintando esto
comenzando en el fondo
del cielo y trabajando hacia arriba
hacia el medio. Esta vez estoy trabajando con
el fino borde de mi cepillo. Y estoy pintando en pinceladas
un poco más cortas para agregar algunas pequeñas rayas de
nubes a través del cielo. Ahora voy a
mezclar nuestro amarillo anaranjado. Voy a pintar esto a
través del papel en rayas
cortas usando el borde
delgado de mi pincel. Algunas secciones de mi cielo en
este momento se ven un poco rayadas en lugar de la mirada de
nube más suave que voy a buscar. Entonces para arreglar esto, voy a tomar agua limpia
en mi cepillo y deslizarme los bordes de algunas
de las rayas de color para
suavizarlas ligeramente. Entonces voy a
limpiar los bordes de mi pintura con un pañuelo y dejar que la pintura se seque antes pasar a la siguiente lección.
19. Día 5 p2: Ahora que la pintura
está completamente seca, estamos listos para
pintar en nuestra ciudad. Como puedes ver, al
usar la
técnica wet-on-wet y diferentes tipos de pinceladas con
nuestro pincel cuadrado, hemos podido pintar un cielo dinámico
realmente hermoso. Asegúrate de que tu pintura esté completamente seca antes de
comenzar con esta lección. O de lo contrario la silueta de la ciudad
se desangrará al fondo. Empiezo mezclando el color que vamos
a pintar en la ciudad, que para mí es el gris de Payne. Y estoy mezclando
esto súper oscuro para que parezca casi negro. Asegúrate de no agregar
demasiada agua a tu pintura porque eso
dificultará
pintar los detalles
del skyline. Sigo usando mi pequeño pincel cuadrado para
pintar en el horizonte de la ciudad. Voy a empezar pintando una línea sólida de color justo en la
parte inferior de mi papel. Intenté pintar esta línea
lo más recta posible. Es posible que tengas que
repasarlo algunas veces para asegurarte de
que esté súper oscuro. Esta línea va
a ser la base de
nuestro horizonte de la ciudad y todo lo demás se
conectará hacia abajo en él. Entonces vamos a comenzar
con el edificio justo en el centro de nuestro Skyline para marcar hacia el punto
central. Gira tu pincel hacia los lados y
pinta un edificio alto y delgado, comenzando en la parte superior
del edificio usando pinceladas cortas
con tu pincel cuadrado, uno debajo del otro, hasta que cumpla con nuestra línea base. Este va a ser el
edificio más alto de nuestro Skyline. Asegúrate de no
manchar tu mano a través de tu línea de base
mientras estamos pintando. Se puede dejar secar la
línea de base antes de pintar en el resto
del skyline de la ciudad. Si eso va a ser más fácil, entonces vamos a pintar en otro edificio un poco a
la derecha de nuestro primero. Estoy pintando una pincelada corta para marcar la altura
del edificio. Entonces estoy girando mi pincel verticalmente y pintando
el edificio con el borde plano de
mi pincel porque este edificio va a ser
más ancho que el primero. El siguiente edificio que estoy pintando
va a estar a medio camino entre el segundo edificio y el borde derecho
de la pintura. Este edificio es más corto que
el segundo y delgado. Entonces vamos a pintarlo usando pinceladas
cortas con el borde
delgado de nuestro pincel. Entonces voy a pintar
un pequeño racimo de edificios
más cortos entre
el último edificio y al
borde derecho del papel. Como pueden ver, ahora tenemos una línea general en el
lado derecho de la pintura. Mapea los edificios que
descienden en altura medida que avanzamos desde el centro de
la pintura hasta el borde. Es posible que desee
volver a
repasar estos edificios para asegurarse de que
haya oscuridad lo más posible. No te preocupes por llenar
los huecos en este momento. Eso lo haremos más tarde. Entonces vamos a dejar que
la pintura se seque antes de comenzar por el lado
izquierdo de la pintura. He dejado que la silueta se seque un poco antes de trabajar
en el lado izquierdo de la pintura para que
no la manche con la mano ya que trabajo del
lado izquierdo, admito que probablemente
hubiera sido más sensato
comenzar trabajando primero por el
lado izquierdo
y luego progresando hacia el lado derecho para que no me apoyara en la obra que
acabo de pintar. Pero nunca he dicho
tener mucho sentido. En fin, vamos a empezar mezclando de nuevo nuestro color de
silueta. Y solo estoy enderezando mi línea de base antes de comenzar. Vamos a comenzar con el edificio más corto del lado
izquierdo de la pintura. Estoy haciendo este
edificio bastante amplio. Entonces lo estoy pintando usando
el borde plano ancho de mi pincel en pinceladas
verticales. Entonces estoy dejando un pequeño
hueco y pintando en un edificio delgado usando pinceladas
cortas con
el borde delgado de mi pincel, estoy haciendo este edificio
un poco más alto. El siguiente edificio va a
estar en medio de la brecha entre el edificio que acabo pintar y el edificio
central. Una vez más, estoy pintando
un edificio más amplio. Entonces voy a usar pinceladas
verticales con
el borde plano de mi pincel. Empiezo con
una línea que va desde la parte superior del edificio
hasta mi línea de base. Y luego estoy superponiendo otra pincelada junto
a esa primera línea, ligeramente arriba y un
poquito a la derecha. Pintar recto
hacia abajo hacia la línea base. Como puede ver, esto crea una
forma de edificio ligeramente diferente. Quizás el tipo
de bloque de departamentos que tiene un
departamento penthouse en la parte superior. Y ahora tenemos una forma
general a la ciudad que muestra los
edificios disminuyendo en altura, comenzando por el centro y bajando hacia los
bordes de la pintura. A partir de aquí, vamos a
empezar a llenar los vacíos. Empiezo poniendo
un pequeño grupo de edificios
delgados a la izquierda
de mi edificio central. Puedes pintarlas
casi punteando el borde delgado de tu pincel sobre el papel para poner algunas líneas súper delgadas. Se puede variar la altura
de los edificios en pequeños racimos para que el
horizonte se vea más interesante. Solo asegúrate de que en
general el horizonte siga la
forma general del edificio central siendo el más alto y disminuyendo
gradualmente tamaño a medida que avanzamos hacia
los bordes de la pintura. A continuación, voy a
poner algunos edificios justo a la derecha de
nuestro edificio central. Por variedad, estoy
pintando estos edificios más anchos que el pequeño
racimo que puse a la izquierda. Puedes usar una combinación
del borde delgado y el borde plano de tu pincel
cuadrado para hacer esto. Entonces estoy poniendo en dos pequeños edificios para llenar el vacío final a la derecha. Ahora tenemos todos los
edificios en nuestro Skyline. Sin embargo, nuestro horizonte
se ve un poco extraño en este momento porque
todos los edificios están bajando
a la línea de base. Y con las
brechas entre los edificios, podemos ver muy claramente la línea base corriendo por
la parte inferior de la pintura. Vamos a subir
la línea de base más alta entre algunos
de los edificios. Esto agregará variedad
a la parte inferior de nuestra silueta y ayudará
a disfrazar la línea base. Si quieres más de un
reto en este cuadro, podrías practicar un
poco más con tu pequeño pincel puntiagudo y poner algunas
siluetas de pájaros en el cielo. Entonces sólo vamos
a repasar cualquiera de los edificios que
parecen estar dibujando demasiado ligeros. Una vez más para asegurarse de que la silueta sea
toda del mismo color. Luego deja que tu pintura se seque antes de despegar la cinta. En esta pintura, hemos desarrollado la técnica de
pintura del cielo. Probamos en el segundo día
mezclando nuestros propios
colores para el cielo, en lugar de simplemente trabajar a partir de
los pigmentos de nuestra paleta. También hemos avanzado
nuestro trabajo con el pequeño pincel cuadrado
aprendiendo a usar tanto
el borde delgado el borde plano del pincel
para crear diferentes tipos de líneas y pintar un
paisaje urbano complejo silueta. Mañana vamos a
seguir desarrollando nuestro trabajo aprendiendo a
poner profundidad en un paisaje urbano. Y vamos a continuar
nuestro trabajo con la mezcla de colores.
20. Colores D6: Estamos comenzando el
proyecto de hoy repasando todos los colores que
usaremos y cómo mezclarlos. Como siempre, recuerda
que no
tienes que tener exactamente los
mismos colores que yo. Solo usa lo que tengas
y usa esto como guía. Si quieres experimentar, podrías usar colores completamente
diferentes. Primero, vamos a repasar los colores que
usaremos en el cielo. El color más claro
que estamos usando en el cielo es un
amarillo anaranjado brillante mezclado con
naranja Winsor y amarillo Winsor. Para el color medio en nuestro cielo, vamos a estar usando
un bonito rosa brillante. Estoy usando
rosa permanente para esto. Asegúrate de mezclar
estos colores para este chico bonito y acuoso. Así que funcionarán bien con
la técnica wet on wet. Y finalmente, para el color
más oscuro de nuestro cielo, vamos a mezclar un
morado profundo a partir de rosa permanente, un poco de azul Windsor. No uses demasiado azul porque estamos apuntando a
un morado meñique bastante cálido. Entonces vamos a
mezclar los colores. Estaremos pintando nuestras siluetas de
ciudad a lo ancho. Vamos a estar usando tres capas de siluetas
en este proyecto. Y cada capa usará el mismo color a
diferentes fortalezas. Estoy usando el gris de Payne
para mis siluetas, pero puedes usar cualquier gris
o negro que tengas. Estoy mezclando mi gris para la
primera capa de siluetas con mucha agua para que sea muy ligera y transparente. La segunda capa va a ser un punto medio entre la más
ligera y la más oscura. Estoy mezclando el
gris de mi Payne con menos agua que la primera vez para que
quede más claro que antes, pero aún
dejándome espacio para hacerlo más oscuro en
la capa final. En la última capa
de siluetas, estoy mezclando el gris de mi Payne, súper oscuro y saturado para
que parezca casi negro. Sin embargo, considere que
necesita mezclar el color con suficiente agua para que sea
fácil de pintar sobre el papel. Así es como se
ve la carta de colores cuando está seca. Te recomiendo mezclar
tu propia carta de colores para que tengas
algo a lo que
referirte durante el proyecto.
21. Día 6 p1: Estamos iniciando este curso
pintando de fondo. Y al igual que en el día
uno y el tercer día, vamos a estar pintando un
degradado de fondo. Sin embargo, esta vez estamos
desarrollando nuestro trabajo mezclando nuestros propios
colores para el degradado. Para preparar nuestro papel
para pintar el degradado, vamos a cubrirlo
en agua limpia usando un pincel cuadrado grande para que esté listo para la técnica
wet-on-wet. Asegúrate de cubrir
el papel de manera uniforme con agua y que
no haya huecos. Estamos buscando un brillo brillante
nocturno sobre nuestro papel y evitar cualquier charco de agua que se
asiente en la superficie del papel. Ya que estos pueden hacer que la
pintura se seque de manera desigual. Deje su papel durante
aproximadamente 10 s para permitir que el agua se hunda en el papel antes
de comenzar a pintar. El ojo de águila entre
ustedes podría notar que he cambiado mi
esmalte de uñas desde el último proyecto y ese es el tiempo que me tomó planear y
grabar esta semana de lecciones. Estamos cambiando a usar nuestro pequeño pincel cuadrado
para pintar el cielo. Empiezo mezclando
nuestro color más claro, que es nuestro amarillo
anaranjado claro. Asegúrate de
mezclarlo con suficiente agua que sea fácil
pintar sobre el papel sin problemas. Vamos a comenzar
pintando este color
en la parte inferior
del papel con pinceladas largas
y suaves a lo largo del
ancho del papel. Estamos trabajando nuestro amarillo anaranjado hacia arriba hacia el
tercio medio de nuestro papel. Esta vez, nuestra silueta
va a llegar mucho más arriba del papel que
en los proyectos anteriores. Así que he llevado
el color más claro más arriba la pintura para que
todavía podamos verla. Una vez que hayamos pintado
en las siluetas, entonces vamos a mezclar nuestro color medio
para el degradado, que es una rosa permanente. Estamos pintando el
rosa comenzando en el centro del
tercio medio del papel. Y pintarlo pinceladas
largas a lo ancho
del papel. Después trabaja tu rosa hacia abajo en el naranja y luego hacia
arriba hacia el tercio
superior del cielo. Asegúrate de limpiar tu
cepillo cuando hagas esto. Y asegúrate de no arrastrar ninguna naranja hacia arriba en
la cima del cielo. Y luego finalmente,
vamos a mezclar nuestro morado profundo para la
parte superior del degradado. Como pueden ver, esta vez sólo he dejado una pequeña cantidad de espacio para
el color más oscuro, con la silueta
subiendo más arriba de lo normal. Vamos a tener
muchos más colores oscuros la
parte inferior de la pintura. Entonces, si pongo demasiado de mi morado
oscuro en el cielo, entonces en general, mi pintura
va a terminar
luciendo muy oscura. Para mantener la pintura
luciendo brillante, solo
vamos a pintar una pequeña área de púrpura en
la parte superior de la pintura. Voy a pintar
mi morado comenzando en la parte superior de la
pintura y trabajarlo
hacia abajo hacia el rosa en pinceladas horizontales
largas y lisas justo a través del
ancho del papel. En este punto, me di cuenta de que mi rosa y morado
básicamente se veían igual. Entonces agregué otra capa de cada color para exagerar
esa parte del degradado. Es sólo la primera capa. Entonces no queremos obsesionarnos con hacer que los colores sean súper vibrantes, pero sí queremos que se vean notablemente diferentes
entre sí. Así que estamos construyendo
los cimientos de nuestra
mezcla de degradado y color en esta capa. Entonces solo estoy tomando agua
limpia en mi cepillo y
alisando hacia donde el rosa
se encuentra con la naranja. Después vamos a limpiar los bordes de
la pintura y dejarla secar antes de
comenzar en la siguiente capa. Ahora que la pintura
está completamente seca, estoy comenzando esta capa cubriendo una vez más el papel en agua
limpia con un pincel cuadrado
grande para prepararlo para la técnica de
mojado sobre húmedo. Entonces voy a limpiar los bordes de
la pintura
para asegurarme de que
no estoy manchando exceso de agua
sobre mi pintura mientras trabajo. Sienten papel durante aproximadamente 10 s para permitir que el agua
se hunda en el papel. Antes de empezar a pintar. En esta capa,
estamos empezando una
vez más mezclando
nuestro color más claro, que es nuestro amarillo anaranjado. Estoy volviendo a usar mi pequeño pincel cuadrado
para pintar esta capa. Estamos pintando la naranja, comenzando por la parte inferior
de la pintura y trabajándola gradualmente
hacia arriba hacia el rosa. Asegúrate de trabajar en pinceladas
largas y suaves que
van a través del ancho del papel para que el degradado
sea agradable y suave. A continuación vamos a volver
con nuestro rosa. Estamos tomando esto comenzando
en el centro de nuestro tercio
medio y
mezclándolo en la naranja. Y luego hacia arriba
hacia el morado. Hay una línea un poco dura entre mi rosa y naranja. Así que voy a volver
con mi rosa y naranja un poco
para suavizar eso. Y luego volvemos a mezclar
nuestro morado oscuro. Estamos pintando el morado
comenzando en la parte superior de la pintura y bajándolo
gradualmente hacia el rosa. Recuerda pagar solo el morado un poco
hacia el gradiente. Así que el cielo de la toalla
no se oscurece demasiado. Comenzamos en la parte superior del
papel y trabajamos hacia abajo con el morado para que el color quede más concentrado en la
parte superior de la pintura. Y para naturalmente se
difunde y se vuelve más ligero a medida que
bajamos al rosa. Después limpia los lados de
tu pintura y
déjala secar antes de comenzar
en la siguiente capa. Ahora que la pintura
está completamente seca, estamos listos para cubrirla con agua
limpia usando una brocha cuadrada
grande. Una vez más para prepararlo para
la técnica de mojado sobre húmedo. Es posible que necesites
cambiar tu agua para hacer esto porque trabajar con colores
oscuros como el morado contenta el agua
más rápido que otros colores. Y no queremos
cubrir nuestra pintura con agua
morada ya que esta es la
última capa de nuestro gradiente. Sé muy gentil con tu pincel cuadrado
grande para que no
molestemos demasiado las capas
debajo. Entonces vamos a limpiar los lados de
la
pintura para asegurarnos de que
no mancharemos el exceso de agua
sobre la pintura mientras trabajamos. Deja tu pintura
durante aproximadamente 10 s permitir que el agua se
hunda en el papel. Antes de empezar a pintar. Entonces
volvemos a cambiar a nuestro pequeño cepillo cuadrado y mezclar de nuevo nuestro
amarillo anaranjado. Al igual que antes, estamos pintando esto comenzando
en la parte inferior de la pintura y
trabajándolo a través del papel en pinceladas
horizontales no lisas. Graduar la pintura a la naranja
hacia arriba en la rosa. Como puede ver, el beneficio de nuestras capas realmente está
dando sus frutos aquí. Y nuestro naranja se ve mucho
más vibrante en esta capa. Entonces vamos a volver a
mezclar nuestro rosa. Estamos pintando nuestro rosa comenzando en el centro
del tercio medio, y pintándolo
hacia abajo en naranja usando pinceladas largas, suaves y
horizontales. Y luego estamos tomando el
rosa hacia arriba en el morado. Por último, estamos mezclando
nuestro morado profundo. Una vez más. Estamos empezando por la
parte superior de la pintura. Y pintando esto en largas
pinceladas horizontales a lo largo del ancho
de la pintura. Y luego lo estamos bajando
un poco hacia el rosa. Puedes volver un
poco con tu rosa para asegurarte la transición entre morado y rosa sea agradable y suave. Una vez que estés satisfecho
con tu degradado, limpia los lados de tu
pintura y déjala secar. Antes de comenzar en
la siguiente lección.
22. Día 6 p2: Asegúrate de que tu
pintura esté completamente seca antes de comenzar
con esta lección. O bien las siluetas se
desangrarán al fondo. Ahora ya estamos listos para comenzar
a pintar en nuestras siluetas de ciudad. Empezamos por
la silueta que está en nuestro gris más claro. Entonces estamos mezclando el gris de Payne, bonito y acuoso para que sea
ligero y transparente. Nos quedamos con nuestro
pequeño pincel cuadrado para pintar la ciudad. Vamos a pintar
esta silueta justo debajo donde
el rosa se funde el naranja en nuestro
degradado para que aún
podamos ver las
transiciones en nuestro degradado. Esto es aproximadamente un tercio
del camino hasta el papel. Recuerda nuestro trabajo
de la última lección y pinta la silueta de la ciudad
con un pequeño pincel cuadrado. Gira tu pincel en
diferentes ángulos para pintar en diferentes alturas y
anchuras de edificios. Como estamos haciendo tres
capas de paisajes urbanos, vamos a llevar nuestro color de silueta
hasta la parte inferior de la pintura para que cada silueta quede en capas
una encima de la otra. Mediante el uso de tres capas
de siluetas. Vamos a poder profundizar
mucho más en la escena de nuestra
ciudad en este proyecto. Esta primera capa, que
es nuestra capa más ligera, será el fondo. A medida que el gris claro se
desvanecerá en la distancia. Yo lo haré. El gris medio
será el medio suelo. Bajo el gris más oscuro
estará el primer plano. Es posible que necesites
volver a mezclar tu color para asegurarte de que
tienes suficiente pintura. Se producirán desniveles naturales al pintar la ciudad
así de un color más claro. Así que no te preocupes
demasiado por eso. Pero intenta volver a mezclar tus
colores con la mayor precisión
posible para que no haya demasiada discrepancia
entre las formas. Solo asegúrate de que cada
capa sea identificable, sé parte de la misma silueta. Una vez que hayamos estratificado todas
las siluetas juntas, todos modos no
notaremos demasiadas
desigualdades. Entonces voy a
suavizar la parte inferior de la silueta para asegurarme de que esté mezclada hasta la
parte inferior de la pintura. Después deja secar tu pintura antes de comenzar en
la siguiente capa. Asegúrate de que tu pintura esté completamente seca antes de
comenzar sobre esta capa. O bien las capas de
siluetas se
fusionarán y simplemente
crearán una gota de negro. Estamos iniciando esta
capa mezclando nuestro gris medio para la
segunda capa de siluetas. Para esto, estoy mezclando
el gris de mi Payne, un poco más oscuro que
la capa anterior, pero aún lo suficientemente claro como para
permitirme ir aún más oscuro. En la siguiente capa. Estamos pintando esta capa de siluetas debajo
de la primera. Entonces quieres dejar suficiente
espacio para poder ver
el primer horizonte de la ciudad claramente
por encima del segundo horizonte. Una vez más, sigue
cambiando el ángulo de tu pincel cuadrado para
que puedas pintar en una combinación de edificios delgados
y anchos para obtener algo de variedad
en tu Skyline. Si bien queremos que el horizonte
general de la segunda capa
esté por debajo de la primera. Se puede variar la altura
de los edificios en el skyline para que obtengamos algo de contraste en la silueta. Asegúrate de llevar tu gris hasta la parte inferior de la pintura para
que estemos superponiendo las siluetas completamente
una encima de la otra. Y estamos construyendo
las bases para una silueta súper oscura
en la última capa. Creo que se puede ver
el beneficio de tener dos capas de siluetas que
son ligeramente transparentes. Como esto nos permite ver
parte del gradiente
en el fondo detrás de los horizontes de
la ciudad. Una vez que estés satisfecho con la
segunda capa de siluetas, deja que tu pintura
se seque antes comenzar en las dos últimas capas. Una vez más, asegúrate de que tu
pintura esté completamente seca. Antes de comenzar en esta capa, despertar las siluetas se
desangrarán entre sí. Es importante con
pinturas como estas que no nos
impacientes al final. Estoy iniciando esta
capa mezclando el color más oscuro
para las siluetas, que para mí es el gris de
Payne mezclado supersaturado para que
parezca casi negro. Estamos pintando esta
silueta debajo la segunda capa para que
podamos ver el horizonte de la capa de arriba claramente variar las alturas y anchuras de los edificios para que obtengamos diferentes formas en nuestro Skyline. Lleva tu gris
hasta el fondo de la pintura para que no
queden huecos. Es posible que deba volver a mezclar
su color varias veces para asegurarse de que se mantenga lo oscuro y saturado posible. Asegúrate de no
agregar demasiada agua a tu pintura porque
eso
dificultará pintar
con ella y
perderemos los bordes nítidos
en nuestra pincelada. Como aprendimos en la última clase, puedes colocar diferentes tipos de pinceladas
entre sí con tu pincel cuadrado para crear diferentes formas
con tus edificios. Creo que se puede ver que la
profundidad en nuestra pintura está empezando a emerger ya que
ahora tenemos un fondo, terreno
medio y un primer plano
en nuestro paisaje urbano. Bueno. Una vez que estés contento
con tu ciudad, deja que tu pintura se seque
antes de despegar la cinta. Asegúrate de que tu pintura esté
completamente seca antes de que despeguemos la cinta para que no
se manche mientras retiramos la cinta. Además, es más
probable que el papel húmedo se rasgue sobre papel seco. Entonces, si encuentras que tus pinturas a menudo se rasgan a medida que
quitas la cinta, podría ser que el papel aún
esté ligeramente húmedo. En esta lección, desarrollamos
nuestro trabajo sobre gradientes desde el tercer día pintando un
degradado con tres colores. Pero esta vez mezclando nuestros propios colores para ponerlos
en el degradado. Practicamos nuestra pincelada
desde el quinto día usando nuestro pequeño pincel cuadrado para
pintar en tres horizontes de la ciudad. Y finalmente, desarrollamos
nuestras habilidades de pintura
introduciendo múltiples capas
de siluetas para agregar profundidad. Mañana es el
proyecto final de la semana, y estaremos pintando
una escena que
reúna todas las
habilidades que hemos aprendido largo de la semana para combinar las técnicas
en una sola pintura.
23. Colores D7: Antes de comenzar la clase, vamos a
repasar todos los colores que usaremos y
cómo mezclarlos. Como siempre, recuerda
que no
tienes que tener exactamente los
mismos colores que yo. Solo usa lo más cercano que
tengas y usa esto como guía. Estamos comenzando esta
lección
repasando todos los colores que
usaremos en el cielo. El color más claro que estamos
usando en el cielo es un naranja brillante y amarillo mezclado con naranja Winsor
y amarillo Winsor. Asegúrate de
mezclarlo con suficiente agua que sea fácil de
usar con la técnica
wet-on-wet. A continuación, estamos mezclando nuestro color
medio en el cielo. Estoy mezclando un
rosa brillante usando rosa permanente. Esto también
nos va a ayudar a la transición entre el naranja del atardecer y el azul en la cima del cielo. Y finalmente, para el
último color en nuestro cielo, estamos mezclando un
bonito azul brillante. Estoy usando Winsor blue para esto. Notarás que aquí no estamos mezclando
demasiado color. Porque hacer un degradado
de naranja, rosa y azul es un poco más desafiante que lo que
hemos estado haciendo hasta ahora. Entonces quiero que los
colores sean bastante simples. A continuación, vamos a pasar a los colores que usaremos
para las siluetas. Al igual que en el día seis, vamos a estar usando
varias capas de siluetas para agregar
profundidad a la pintura. Para la primera capa, estoy mezclando un
gris claro mezclando mucha agua con el gris de Payne. En la segunda capa, estamos mezclando el gris de nuestro
Payne con un poco menos de agua para
que quede más oscuro que
la primera capa, pero aún así dejar espacio para ir
aún más oscuro en la última capa. Para la capa final
de siluetas, vamos a estar
mezclando el gris,
súper oscuro y saturado de Payne para
que parezca casi negro. No tienes que
usar el gris de Payne. Si no quieres, puedes usar cualquier gris oscuro
o negro que tengas. Así es como se
ve nuestra carta de colores cuando está seca. Te recomiendo mezclar
tu propia carta de colores para que tengas algo a lo que
referirte durante la clase.
24. Día 7 p1: Estamos iniciando este proyecto
pintando el cielo. Empezamos por
cubrir el papel en agua
limpia con un cepillo cuadrado
grande. Asegúrate de cubrir el papel de manera uniforme y no dejar huecos. Buscamos un brillo brillante
claro en el papel para demostrar que ha sido cubierto uniformemente con agua. Pero asegúrate de que
no
queden charcos de agua en la superficie
del papel porque esto puede hacer que la pintura se seque de manera desigual. Estamos cambiando a usar nuestro pequeño pincel cuadrado para
pintar el degradado en el cielo. Empezamos mezclando
nuestro color más claro, que es nuestra pintura
amarilla anaranjada . Este color, comenzando en la
parte inferior de la pintura en pinceladas
largas y suaves justo a través del ancho del papel. Poco a poco pinte
hacia el tercio medio del papel e ir
ligeramente más alto. Porque nuestras siluetas
llegarán bastante
arriba de esta pintura. Y queremos asegurarnos de que aún se pueda ver
la naranja. A continuación, vamos
a mezclar nuestro rosa. Estaremos pintando
el rosa empezando
justo por encima de la naranja. Y entonces vamos a pintarlo un poco
hacia abajo en la
naranja. Y luego hacia arriba ligeramente
hacia la parte superior del papel. Deja un hueco en la parte superior
del papel para
que podamos pintar el azul. A continuación vamos a
mezclar el azul. Pinta, el azul comenzando
en la parte superior del papel, y gradualmente pinta
hacia abajo hacia el rosa usando pinceladas
largas y suaves a lo largo del ancho del papel. Sólo estamos tomando el
azul un poco hacia abajo la pintura porque no
queremos que domine demasiado el cielo. Entonces podemos volver a entrar con el rosa nuevamente para
iluminarlo, comenzar en medio de la sección
rosa y pintar hacia
arriba hacia el azul para mezclar los dos colores juntos. Y luego estoy limpiando mi cepillo y alisando
donde se encuentran el rosa y el
naranja para
que
no tengamos líneas duras en nuestro gradiente. Después limpia los bordes de
tu pintura y déjala secar antes de pasar
a la siguiente capa. Ahora que la pintura
está completamente seca, estamos listos para comenzar
en la segunda capa. Como siempre, hazlo, asegúrate de que tu pintura esté completamente
seca antes de comenzar sobre esta capa o de lo contrario todas
se
fusionan y terminamos con
un lío fangoso en nuestras manos. Estamos comenzando esta capa
cubriendo el papel en agua
limpia usando nuestro cepillo cuadrado
grande. Deja tu pintura durante
aproximadamente 10 s para permitir que el agua se hunda en el papel antes
de comenzar a pintar. Limpia los bordes
de tu pintura. Así que no estamos manchando el exceso de agua sobre nuestro
trabajo mientras pintamos. Entonces vamos a volver a
cambiar a usar nuestro pequeño cepillo cuadrado. Estamos comenzando
esta capa mezclando una
vez más nuestro color
más claro, que es nuestra
pintura
amarillo anaranjado brillante amarillo . El naranja comienza en la
parte inferior de la pintura en largas
pinceladas horizontales a lo largo del ancho
de la pintura. Poco a poco trabaja la
naranja hasta convertirla en rosa. Entonces vamos a mezclar nuestra pintura rosa esta comenzando en el centro del área rosa, y luego pintarla hacia arriba hacia el azul y luego
hacia abajo en la naranja. Ayuda pintar esto con tus pinceladas
yendo en una dirección través
del papel para hacer que
el degradado sea súper suave. Y finalmente, estamos listos
para volver a mezclar nuestro azul. Vamos a volver con nuestro azul de la
misma manera que antes. Comienza en la parte superior de la pintura y pinta
el azul gradualmente hacia abajo en el rosa usando pinceladas
largas y suaves. Intenta mantener tu azul
hasta lo más alto
del papel para que
no domine el cielo. Deja secar tu pintura
antes de comenzar en la siguiente capa. Ahora que tenemos nuestro
gradiente terminado, vamos a estar
sumando en algunas nubes. Empezamos de la misma manera antes cubriendo nuestro papel en agua
limpia con un cepillo cuadrado
grande para prepararlo para la técnica de
mojado sobre húmedo. Sé bastante gentil con tu
pincel aquí para que
no molestemos demasiado la pintura
debajo. Limpie los bordes de su papel
y deje su pintura durante aproximadamente 10 s para permitir que el agua
se hunda en el papel. Estoy cambiando a
usar mi cepillo puntiagudo. En talla cinco. Empezamos
poniendo algunas nubes rosadas, una vez más, mezclando
nuestra Rosa Permanente. Piensa en la técnica que
usamos para las nubes en el cuarto día. Vamos a tomar el rosa
en nuestro pincel y pintar algunas formas básicas abstractas de nubes
esponjosas a través del cielo usando la punta
misma del pincel. Se puede pintar una mezcla de nubes
más grandes y muy pequeñas para obtener cierta variedad
en el cielo. Intenta mantener tus nubes mayormente hasta la
mitad superior de la pintura. Y luego voy
a mezclar el azul. Nosotros usando nuestro azul para agregar algunas sombras en las
cimas de las nubes. Simplemente puntea el azul
ligeramente sobre la parte superior de las nubes con la punta de tu pincel para agregar
algunas sombras. Entonces vamos a oscurecer las nubes más grandes en la
parte superior de la pintura. Vuelve con el
rosa y puntea esto por encima de la Nube para
aumentar la saturación. Luego agrega un
poco de azul en la parte superior de la nube
para agregar algunas sombras. Entonces vamos a
hacer lo mismo con la segunda nube. Comience por repasar
la Nube con el rosa salpicando las áreas donde queremos
aumentar la saturación. Y rematar
añadiendo algo de azul a la parte superior de la nube
para las sombras. Notarás que olvidé limpiar mi pincel entre
pintar el rosa y el azul. Así que accidentalmente
lo mezclé en un morado. Eso no importa aquí ya que
la técnica wet on wet habría fusionado los dos
colores en un morado de todos modos. Una vez que hayas terminado
con tu cielo, deja que la pintura se seque antes de
pasar a la siguiente lección.
25. Día 7 p2: Ahora que el cuadro
está completamente seco, estamos listos para pintar
las siluetas, tal como lo hicimos en el día seis. Vamos a usar
múltiples capas de siluetas para crear
profundidad en nuestra pintura. Empezamos
mezclando el color para nuestra primera capa
de siluetas. Estoy usando el gris de Payne y
estoy mezclando esto con mucha agua para que sea
muy ligero y transparente. Vamos a estar usando nuestro pequeño pincel cuadrado para pintar esta capa de siluetas. Vamos a pintar
la silueta de algunas montañas
al fondo. Si recuerdas todo el camino hasta el primer día
de estas lecciones, entonces notarás que
nos estamos expandiendo en esas montañas que
pintamos en el primer día. Pero ahora podemos crear una
pintura mucho más avanzada con las técnicas que hemos aprendido a
lo largo de la semana. Gira tu pincel de
lado para que estemos pintando horizontalmente con
el borde plano de nuestro pincel. Para pinceladas más amplias. Comienza justo debajo donde
el rosa se encuentra con el amarillo, dejando suficiente espacio
para que aún podamos ver la transición entre
los dos colores en el cielo. Pinte a través del
ancho del papel en una pincelada suave. Poco a poco mueve tu
pincel hacia arriba y hacia abajo mientras
pintas para crear el
contorno de las montañas. Entonces vamos
a rellenar el hueco debajo del contorno y
asegurarnos de llevar nuestro gris
claro hasta el
fondo de la pintura. Rellene la silueta usando
pinceladas horizontales largas. Mover el pincel hacia arriba y
hacia abajo para seguir la forma
del contorno. Esto
evitará que en nuestra silueta se
formen líneas duras en los
viejos trazos de pincel. Una vez que estés contento con
tu primera silueta, deja que tu pintura
se seque antes comenzar en la siguiente capa. Ahora que las montañas están secas, estamos listos para pintar
la siguiente capa. Empezamos mezclando
nuestro color de silueta mediana. Porque en esta capa, estamos pintando el suelo medio. Vamos a pintar
una silueta de una línea de árboles forestales
en el medio suelo. Si alguna vez has visitado las
montañas o las fotos de la escena, entonces sabrás que es muy común encontrar estos árboles forestales gruesos y
densamente poblados
en la base de las montañas. Una vez más, gira tu pincel
hacia un lado para que pintes horizontalmente con el borde plano de tu pincel. Estamos iniciando la línea de árboles debajo de la línea de
las montañas, dejando suficiente hueco para que aún
podamos ver la forma
de las montañas. Claramente. Pinta en la
línea de tu árbol moviendo tu pincel hacia arriba y hacia abajo con movimientos
rápidos mientras pintas través del papel para capturar la forma de las copas de los árboles puntiagudos
muy empaquetados. Puedes mover tu línea de árboles hacia
arriba y hacia abajo un poco mientras
pintas a través del papel
para darle algo de variedad. Entonces vamos a
rellenar la parte inferior de
la silueta y tomar el gris justo hacia abajo hasta el
fondo de la pintura. Una vez que estés contento
con tu línea arbórea, deja
que la pintura se seque antes comenzar en la siguiente capa. Ahora que la pintura
está completamente seca, estamos listos para comenzar en nuestra capa más oscura
de siluetas. Para ello, estamos mezclando el gris de
nuestro Payne lo más oscuro y saturado posible para que
parezca casi negro. Estoy cambiando a usar mi pincel puntiagudo en talla
tres para pintar esta capa, porque vamos a estar
pintando en algunos detalles. Comenzamos pintando algunas pequeñas colinas
debajo de nuestra línea
arbórea para replicar los
planos más planos que
a menudo encontramos las montañas circundantes. Intenta pintar las colinas usando pinceladas
largas y suaves
con tu pincel puntiagudo con bastante presión
para que las cerdas
del pincel se extiendan para
hacer trazos de pincel más anchos. Esto nos ayudará a mantener la
silueta agradable y lisa. Asegúrese de
dejar suficiente espacio entre las colinas y
la línea de árboles para que
aún podamos ver claramente la línea arbórea. Recuerda llevar tu
pintura hasta el fondo de la pintura y
no dejar huecos. Puedes mover tu
pincel hacia arriba y hacia abajo un poco mientras
estás pintando para poner algunas ligeras imperfecciones en
las colinas para crear una apariencia
más natural. Una vez que estés contento
con tus colinas, vamos a dejar que esta capa
se seque antes de continuar. Estamos dejando que los cerros se sequen
para que no
mancharemos la pintura mientras
ponemos en los detalles. Pero las siguientes siluetas
siguen siendo técnicamente parte de la misma capa y las estaremos pintando usando
el mismo color. Ahora que la pintura
está completamente seca, vamos a recurrir
a nuestro conocimiento a partir de los días 3.4 porque vamos a estar usando nuestro pequeño pincel en tamaño tres para pintar
en algunos detalles. Vamos a comenzar pintando un árbol en el
lado derecho de la pintura usando la punta misma de tu pincel para que estemos pintando
unas lindas líneas finas. Vamos a comenzar en una de las ramas superiores del árbol. Y toma esto a la derecha
un poco y luego pinta hacia abajo en el suelo para pintar en el
tronco del árbol. Entonces vamos a agregar la rama
superior del árbol en,
comenzando en la punta
de la rama y simplemente pintarlo
hacia abajo en el tronco del árbol. Entonces vamos a agregar dos ramas muy pequeñas que salen de la rama
que acabamos de pintar. Y luego vamos a agregar una rama más grande que sale
de la derecha del árbol. Voy a ensanchar
el tronco del árbol ahora que hemos pintado
en algunas ramas para obtener la forma porque el tronco
del árbol debe ser
más ancho que las ramas. Y luego vamos a agregar unas ramas más pequeñas
al árbol para agregarle hojas. En un minuto. Vamos a agregar
hojas al árbol
salpicando la punta misma de
nuestro pincel puntiagudo sobre los extremos de las
ramas del árbol para rellenar la forma del árbol con la
silueta de algunas hojas. Asegúrate de usar una
sujeción muy ligera en tu pincel
mientras haces esto, para que estemos pintando hojas
delicadas con la punta misma del pincel. No hay que poner
demasiadas hojas en el árbol, solo lo suficiente para pintar la
impresión de una silueta de árbol. Si ponemos demasiadas
hojas en el árbol, accidentalmente
podemos
convertir el árbol en una mancha negra y no
queremos que eso suceda. Y luego para el equilibrio, vamos a pintar
otro pequeño árbol en el lado izquierdo
de la pintura. Comience en la punta de la rama
superior y pinte a la izquierda un poco de camino y luego
hacia abajo en el suelo para
pintar el tronco del árbol. Intenta agregar más presión
a tu pincel mientras pintas el árbol hacia el suelo
para que se ensanche. Cuanto más abajo bajemos el árbol vamos. Entonces vamos a agregar
una rama a la derecha
del árbol y una pequeña
rama a eso también. Y luego vamos a agregar
ramas a la
izquierda del árbol, comienza en las puntas de
las ramas y pintaremos
hacia el tronco del árbol. Trate de agregar un poco más de presión su cepillo ya que
las ramas se encuentran con el tronco del árbol para que sean más anchas a medida que se unen
al tronco del árbol. Y luego estamos listos para
pintar en algunas hojas. En las hojas punteando tu pincel ligeramente
sobre las puntas de las ramas en pequeños racimos con la punta misma de tu pincel. También puedes traer algunas de
las hojas hacia adentro hacia el centro del árbol para llenar el árbol
un poco más. Luego vamos a ayudar a
mezclar nuestros árboles en el suelo usando movimientos cortos y
puntiagudos con nuestro pincel alrededor de la base del árbol para pintar en alguna hierba
en la base de los árboles y sobre algunos
secciones de los cerros también. Recuerda usar una sujeción ligera
en tu pincel para que estemos pintando con la punta misma de nuestro pincel para líneas finas bonitas. Una vez que estés contento
con tu pintura, déjala secar antes de
pintar de la cinta. Encendido. Aquí tenemos el
proyecto final de la semana. Asegúrate de que tu pintura esté completamente seca
antes de despegar la cinta para que no rasgue el papel ni manche la pintura
a través de la pintura. Hoy hemos combinado todas
las técnicas que hemos aprendido a lo largo de la semana
en una sola pintura. Hemos desarrollado nuestras colinas
simplistas desde el primer
día pintando una
escena de montaña encantadora. Hemos usado tres capas de
siluetas para agregar profundidad a la pintura y poner algunos detalles encantadores usando
un pequeño pincel puntiagudo. También hemos desarrollado
nuestros cielos desde el primer día. Como ahora tenemos un gradiente de
tres colores en el cielo usando un
poco de mezcla de colores. Y también hemos combinado esto con algunas nubes esponjosas
para agregar textura al cielo. Tu proyecto de clase para esta clase es elegir al
menos una pintura de los proyectos de la semana
y seguir mis instrucciones para
pintar tu propia versión. Entonces si puedes tomarte una
foto y dejarla abajo para que pueda
ver todo tu precioso trabajo. También te agradecería que
pudieras dejar una
reseña o una nota en las discusiones haciéndome saber si te gusta este estilo de clase. Esta es la primera vez
que armo una clase mucho más grande con varias pinturas que se desarrollan
de una a otra. Y me encantaría saber
qué opinas de ello si disfrutaste de este estilo de aprendizaje o si prefieres mis habituales proyectos
singulares más cortos, puedes encontrar más de mi
trabajo en Instagram en art de Emily Curtis
están en mi sitio web, W, W punto md guión curtis.com. También tengo un
Etsy ahora donde se
puede comprar una gama
de diferentes tipos de
pinturas de cuadros de
postales pequeñas, lienzos
demasiado grandes. Espero que hayas disfrutado de esta clase
y te veré la próxima vez.
Emily Curtis, Artist/Painter
