Repetición de sesiones en vivo: dibujar para historias | Ira Marcks | Skillshare
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Repetición de sesiones en vivo: dibujar para historias

teacher avatar Ira Marcks, Graphic Novelist

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      INTRODUCCIÓN

      1:30

    • 2.

      Desarrollar tu estilo

      5:07

    • 3.

      Los elementos de la historia

      5:48

    • 4.

      El propósito narrativo de cada viñeta

      4:48

    • 5.

      Preguntas y respuestas sobre el dibujo de tu cómic

      6:43

    • 6.

      Preguntas y respuestas sobre la carrera y el proceso de Ira

      11:49

    • 7.

      Reflexiones finales

      1:21

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

1458

Estudiantes

13

Proyectos

Acerca de esta clase

¡Dibuja cómics que se vean geniales y cuenten una historia más profunda con la ayuda del dibujante Ira Marcks! 

Ira Marcks está convencido de que la historia que hay detrás de una imagen es tan apasionante como la propia imagen. En esta clase de 35 minutos de duración, grabada con Zoom y con la participación de la comunidad de Skillshare, Ira comparte las herramientas y los trucos que lo ayudan a desarrollar cómics que le permiten a los lectores conectarse con narrativas y temas más profundos. 

Para empezar, podrás adentrarte en los elementos fundamentales de las buenas historias y verás cómo Ira los incorpora a los cómics que dibuja. A continuación, verás los pasos entre bastidores desde la idea hasta el arte final, que incluye cómo se puede utilizar cada panel para impulsar la narrativa, lo que termina en el suelo de la sala de corte, y mucho más. ¡Siéntete libre de dibujar, o sencillamente aprende nuevas habilidades de narración para incorporarlas a tu próximo proyecto!

Durante el proceso, Ira te hablará de los artistas que le inspiran, de su proceso creativo y de algunos adelantos de su próxima novela gráfica, Shark Summer

_________________________

Si bien no pudimos responder a todas las preguntas durante la sesión, nos gustaría que nos lo comunicaras; utiliza el panel de debate de la clase para compartir tus preguntas y comentarios.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning and New York Times recommended cartoonist. His love of strange fiction and scientific research has led to an unlikely list of collaborators including the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, European Research Council, and a White House Fellowship Scientist. His online courses have inspired 100,000 students. iramarcks.com

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Transcripciones

1. Introducción: Cuando pienso en contar una historia, pienso en tener una conversación con un público. Cuando considero el tema que quiero expresar en mi historia, pienso en cómo comienza esto una conversación con el lector. Me llamo Ira Marcks, soy dibujante e ilustrador. La sesión de hoy se llama dibujo para historias porque para mí, la historia detrás de la imagen es igual de emocionante como la imagen misma. Vamos a estar creando un cómic y hablando del proceso que llevó al arte final. Vamos a hacer un cómic de cuatro paneles sobre animales y relaciones. Ésos son los dos temas que estamos armando aquí. Todo lo que necesitas es un lápiz, un trozo de papel, pero realmente no necesitas demasiadas herramientas aquí. Espero que esta clase les dé a los alumnos un poco de visión de todo el trabajo que sucede detrás de bambalinas cuando se trata de llegar a una historia que vale la pena leer. No sucede justo en el dibujo. Ahí hay notas y todo tipo de ideas que podrías no usar en el arte final que te llevan a esa imagen final. Esperemos que esta lección te dé algo de inspiración y te ayude a empujar a través la lucha y el proceso creativo para crear historietas e historias emocionantes y atractivas. Gracias por ver mi clase en vivo de Skillshare, grabada con participación de la comunidad de Skillshare. Empecemos. 2. Desarrollar tu estilo: Si te estás uniendo, me llamo Tiffany Chow y trabajo en el equipo comunitario de Skillshare, y voy a estar organizando la sesión de hoy con Ira. Ira, súper feliz de tenerte aquí hoy. Gracias por hacer que esto funcione. Mi placer. Impresionante. ¿Nos dirás un poco sobre quién eres, qué haces, por qué estás emocionado de unirte a este evento en vivo hoy, y qué vamos a estar aprendiendo contigo? Mi nombre es Ira Marcks. Ojalá tengamos aquí algunos espectadores más jóvenes o gente que sólo se está metiendo en el arte, y lo que eso significa para ellos, y tal vez persiguiendo una carrera en él. Voy a hablar un poco de mí mismo creciendo. Si vas a iramarcks.com ahora mismo, todo el trabajo que hay ahí arriba son los libros que he hecho, y puedes leerlos todos gratis sólo porque he conservado los derechos de la mayoría de mis cosas, y me gusta la idea de ser capaz de compartir una gran cantidad de estas cosas. Todos son ciencia ficción, fantasía, magia, construcción de mundo. Si has tomado alguna de mis clases, probablemente te metan las cosas en las que me meto. Yo sólo quiero hablar un poco de algunos de los artistas que mirar atrás ahora realmente me influyeron cuando estaba creando algunos de estos proyectos. Uno de ellos es Jamie Hewlett. Tengo unos 38 años, casi mi cumpleaños es bastante pronto. Yo era un niño de mediados de los 90. Jamie Hewlett hizo este cómic llamado Tinker, que era muy punk rock, y tenía un montón de pequeños detalles geniales. Yo sólo estaba obsesionada con su estilo de dibujo y la energía del mismo. Era un cómic realmente clandestino. No era como una cosa de Marvel o DC, Superhero, solo se trataba de lo que es la anarquía. Jamie Hewlett pasó a hacer el Gorillaz. Por lo que fue un artista multimedia desde el principio. Ahora hace videos musicales, y otras cosas así. Otra influencia mía es Mary Blair, quien probablemente reconozcas a los personajes y parte de su trabajo en el tobogán. Fue artista conceptual para Disney en el apogeo de los años 60. Ella trabajó en Peter Pan, y hay algo de arte de Cenicienta. Me encantaron sus cosas no sólo por la estética, ella trabajaba en Washington Watercolor, con la que también he hecho mucho, pero el tipo de construcción del mundo que podía caber en una sola imagen siempre me inspiró mucho y monta un Disney World. Después de todo, es un mundo pequeño. Eso es todo su estética. Supongo que a lo que me estoy metiendo, es a los artistas que amo realmente empezaron pequeños, trabajaron en lápiz y papel, pero su construcción del mundo y su imaginación explotaron en otras formas. Tim Burton, otra gran influencia mía. Empezó a dibujar pequeños garabatos raros y a escribir poemas como cosas que me encanta hacer. Pero luego finalmente se convirtió en animador en Disney, y luego pasó a tener una carrera cinematográfica. Mirando atrás ahora, creo que lo que me encantó de todas estas personas es que sus dibujos siempre contaban historias. Nunca fueron sólo una sola imagen contenida. Siempre fue algo más grande. Se puede ver que en mi trabajo, hay mucha energía cinematográfica. Estos son tres paneles de uno de mis cómics llamado el Exploit. Es una aventura de ciencia ficción. Algo de lo que quiero hablar hoy es, cuando estás mirando una serie de imágenes, como un cómic, o como marcos para una animación, o incluso como una serie de fotos, pensando en lo que está haciendo tu imaginación, y cómo te estás involucrando con esas imágenes. Estas son tres imágenes que están contando una historia, pero tu cerebro tiene que llenar los vacíos de cómo estas imágenes se conectan entre sí. Ese es el gran tema en el que nos estamos metiendo hoy. Vamos a dibujar, pero vamos a pensar en cómo nuestras mentes e imaginación se involucran con los dibujos, y qué significa poner cuadros para contar una historia. Por eso estoy llamando a la sesión, dibujando para historias. Vamos a subirnos a lo que es el proyecto. Tengo unas diapositivas que van a tener algunas notas sobre ellas y qué no. Podrías hacer esto de dos maneras. Podrías simplemente dibujar y trabajar bien conmigo, o solo podrías tomar algunas notas mientras hablo, y luego hacer el proyecto tú mismo más tarde. Porque incluso un cómic realmente simple puede tomar un poco más de los 20 minutos que tenemos. Reunir todas tus ideas, sacarlas de tu cerebro al papel, eso siempre es un primer paso gigante. Si incluso logras ese viaje en nuestra sesión, va a ser genial. El pequeño proyecto de hoy que estamos haciendo es que vamos a hacer un cómic de cuatro paneles sobre animales y relaciones. Esos son los dos temas que estamos armando aquí. Todo lo que necesitas es un lápiz, trozo de papel, puedes agarrar un sharpie si quieres tinta tu línea de trabajo más tarde, pero realmente no necesitas demasiadas herramientas aquí para participar. Te estoy mostrando ahora mismo el cómic final que hice con base en este proyecto. Vamos a trabajar al revés. Aquí se pueden ver algunos animales, se pueden armar estas imágenes a pesar de que no hay texto, y se podría obtener un sentido de la historia, podría tener una idea de lo que quiero decir por el tema de la relación también. Pero como cualquier cosa que hago y las cosas que respeto de los individuos creativos que amo es, su estilo parece que puedes hacerlo mucho del tiempo. Mary Blair trabaja en geometrías realmente básicas, pero hay mucho esfuerzo que va detrás de eso, y la idea de sacar lo que no necesitas. Es un aspecto tan avanzado, elevado del arte que solo pienso mucho a medida que crezca. 3. Los elementos de la historia: De acuerdo, si tuvieras que pensar en contar cuentos y simplemente dividirlo en su forma simple para que tengas personajes que tienes puesta y luego tienes el tema de cualquier proyecto. Vamos a hablar de estos elementos y cómo se relacionan con mi proceso creativo con hacer aquí un cómic tonto. Personajes, tengo el cocodrilo y un pájaro, y elegí los animales porque vienen con personalidades preestablecidas en camino, sobre todo para estudios caseros como Disney, crecimos con estas caricaturas que marcan el tono de cómo es un personaje . Si digo buitre, tienes una personalidad que ya está asociada a eso. A lo mejor un pájaro se siente, ya sabes, ligero y emplumado y peludo, y eso se convierte en parte de los rasgos de personalidad del diseño. Un caimán y un pájaro. Escojo a estos dos personajes porque la narración funciona mejor con contraste. Si hay una clara diferencia entre los personajes, eso realmente ayuda a la gente a comprometerse de inmediato al bate. Si los personajes son similares, entenderías cómo se llevan muy bien. Pero parte de esta historia que estoy contando es cómo desciframos, ¿cómo estos personajes se hicieron amigos o desarrollaron una relación positiva? El contraste puede ser una cosa narrativa, pero también puede suceder visualmente. Justo en cuanto a la escala de estos personajes, el caimán es mucho más grande que el pájaro. Tienes formas totalmente diferentes para ellos, diferentes formas a lo largo del cuerpo y de nuevo, estos son simplemente diseños de personajes realmente simples, son solo una serie de óvalos y triángulos. En realidad no se trata de tener técnica avanzada, solo se trata de saber lo que quieres decir. Hablo desde la conciencia colectiva de lo que representa un cocodrilo y ave. Esas son mis opciones de personajes para esta historia. Ahora ambientando, decidí poner el caimán y el pájaro en un pantano, porque el pantano sólo tiene cierta sensación y también se puede dibujar de cierta manera que influye en cómo la gente responde a la narrativa. Si pongo esto en una selva, la selva está realmente ocupada y piensas en una jungla como estar más llena de vida. Pero quería que esto se sintiera como un comienzo solitario para el caimán en el panel 1. Un pantano se siente así. Simplemente tiene una línea horizontal, realmente tranquila, plana con un par de ramitas gigantescas que salen del agua. Árboles que han pasado su mejor momento, ya no tienen hojas sobre ellos. El escenario se siente solo y eso influye en cómo respondes al personaje. Creo que como un director cuando estoy dibujando, si alguna vez has visto una obra o una película, obviamente todas estas cosas son asentamientos imaginarios. Hay todo tipo de pensamientos creativos que van detrás de lo que está pasando en segundo plano, así como de lo que está pasando en primer plano. ajuste de personajes y luego el tema es ese paso extra de subir de nivel, que no todo el mundo toma. Ahí es donde esto se convierte en una historia. Una historia siempre se trata de algo, por eso respondemos y nos relacionamos. Por eso tenemos películas o libros que amamos más que a otros porque hablan de un tema en el que creemos. Voy con la idea del beneficio mutuo. Si sabes un poco de animales, una relación entre un cocodrilo y un pájaro puede ser mutuamente beneficiosa porque los caimanes abrirán la boca y las aves entrarán volando y sacarán la comida de sus dientes. Eso es un beneficio mutuo. El pájaro está recibiendo un bocadillo y al cocodrilo le están cepillando los dientes. Eso es como una cosita que se me metió en la mente cuando estaba pensando en lo que son los animales y la relación que pueden tener, piense enseguida del bate cuando veas a estos dos animales, no piensas cómo podrían beneficiarse el uno al otro porque uno es tan pequeño y uno tan grande. Tengo estas ideas para las cosas porque realmente estoy pensando en cuál es el punto de vista de la historia. Si solo estás tratando de ver que algo sucede sin involucrarte como creativo, realmente no estás encontrando el punto de vista en él, solo estás observando. Me meto en el tema de mis cómics tratando de averiguar cuál es el punto de vista de los caimanes en la situación y cuál es el pájaro, ¿cómo cambia eso de panel a panel? punto de vista es una gran parte de cómo hacer una historia atractiva con tus dibujos. Ahora que he pasado por todo ese proceso y miras hacia atrás mi cómic, puedes ver todos estos puntos en los que pegué como lo que sea el millón de cosas que acabo de decir, podrían haber olvidado ahora. Pero puedes ver este trabajo y ver las elecciones que hice panel 1, el caimán solo en el pantano, mucho espacio vacío a su alrededor. Tan solo un poquito de textos porque si no necesitas palabras, no las uses, deja que el lector saque estas cosas de tu arte tanto como sea posible. Te estás dando cuenta del panel 2, te estoy mostrando el pájaro. Su punto de vista en el pantano es, no están solos, como, están aterrorizados porque hay este otro ave de nariz puntiaguda media que lo sigue por ahí. Después se llega al panel 3. Estoy creando un poco de tensión para el revelador. En el panel 4, tienes el pájaro aterrizando en el caimán invisible y estoy realmente enfocado en la espiga de la cola, lo que implica como su sensación de peligro que está alejando a los malvados pájaros. Por el panel 3, puede que no estés pensando en ello, pero estás respondiendo al problema en el que podría estar el pájaro y eso te ayuda a entender su punto de vista y a involucrarte con la diferencia de escala desde el punto de vista de las aves. Después el panel 4, solo todo se ata. Es realmente divertido cuando una historia tiene un final feliz y es un final feliz que tiene sentido. No es sólo un feliz para siempre por el bien de ello, es como si estuviéramos viendo que el caimán está feliz de tener un compañero y el pájaro está feliz de estar a salvo de los males del pantano. Esa es una historia sencilla y podrías ampliar esto. Podrías agregar paneles entre estos. Podrías contar tal vez toda la historia en uno o dos paneles. Existen diferentes formas de simplificar o alargar una historia dependiendo del estilo de arte en el que te guste trabajar. Ojalá tengas algunas ideas de algunos personajes en la cabeza con los que quieres trabajar. Se puede trabajar con hasta cuatro paneles. Probablemente no iría más allá porque como dije, edición es buena así que recorta ideas que son innecesarias. Este cómic era en realidad como siete paneles más largos originalmente, pero lo acorté y funciona igual de bien. Probablemente sea aún mejor porque solo puedes entrar y entender lo que está pasando rápidamente. 4. El propósito narrativo de cada viñeta: Ahora te voy a mostrar el proceso detrás de escena, detrás de hacer este cómic. Puedes empezar en tu panel 1, y acabo de tener una pequeña descripción ahí dentro para recordarte lo que estaba pensando cuando estaba creando mi primer panel. Si quieres seguir eso, eso es genial. Estamos introduciendo el personaje aquí, estamos alejados, hemos establecido un ajuste. Le hemos insinuado un estado emocional para el personaje. Ojalá estés invertido en su viaje. Después cortamos al panel 2. Ahora estamos cambiando el punto de vista con el mío. Me acumulan muchos músculos narrativos, como pasé todo el día trabajando en un libro. Esto ha estado en mi cerebro todo el tiempo. Tu historia podría ser un único punto de vista y podría simplificarse. Eso está bien. Pero para mí, estoy saltando al punto de vista del pájaro y estamos viendo cómo se siente ese personaje en el momento y es muy diferente al caimán. Nuevamente, creando contraste con tu historia. A lo mejor estás contando una historia sobre que tú y tu gato en tu casa están encerrado durante los últimos tres meses, ¿cómo se desarrolla tu relación? Esto podría ser un panel donde introduzcas cómo el gato ve las cosas. Entonces se puede conciliar eso en los dos paneles siguientes. Estás iniciando el panel 2 o si estás tomando notas sobre cómo podría ser tu panel 2, es donde las cosas empiezan a juntarse y ahora tenemos dos paneles para ser como : “Vale, ¿cómo se va a relacionar todo esto?” Estás creando un conflicto o un reto para ti mismo que resolver a lo largo de tu historia. Toda historia es como un rompecabezas. Se te ocurre estas ideas que son realmente geniales, pero luego tienes que sentarte y averiguar cómo encaja todo y crea un todo satisfactorio. Piensa en eso con tu panel 2. ¿ Por qué no pasamos al panel 3 y vemos cómo llevas a estos dos personajes y desarrollamos la historia más allá? De acuerdo, en este punto deberías querer saber qué pasa a continuación con tu historia. Si lo has configurado bien, entonces el atractivo para seguir leyendo es que has creado como este misterio interesante aquí o alguna tensión. Ahora, en este punto estoy saltando derecho a la parte donde podría mostrar un panel donde el pájaro ve al cocodrilo luego decide aterrizar, pero ya sabemos quién es el caimán, entender cómo es un cocodrilo. Me sentí lo suficientemente confiada como para que me pudiera gustar acercar a algo, de cerca. Eso es algo en lo que tienes que pensar con los cómics y los paneles. El marco es, tú como director, le estás diciendo al espectador dónde buscar. Panel 1 nos vamos acercando mucho. Estamos viendo el sentido de las cosas luego panel 2, hacemos zoom un poco, panel 3 estamos realmente cerca. Este podría ser un panel donde te enfocas en una versión más cercana del rostro tal vez de un personaje, lo que están haciendo sus manos, nos introduce a un nuevo aspecto que quizá sea un poco más íntimo. Aquí no vemos todo el caimán, porque ya sabemos cómo se ve, sino sólo la cola. Te estoy haciendo centrarte en, el atractivo lindo de los pájaros graciosa pequeña pierna aterrizando en la pequeña espiga del caimán. Es lindo, pero también es quizá un poco peligroso, como si dibujara esto de manera diferente, podría sentirse realmente peligroso. A mí me gusta que las caricaturas puedan hacer eso. Se puede implicar peligro del mundo real con un dibujo simple y tonto. Esa es la forma en que puedes hablar con los niños con tu arte sobre conceptos profundos. Eso lo estoy haciendo un poco con este panel insinuando peligro y haciendo que realmente quieras saber cómo se va a resolver la historia. Lo estoy haciendo con más de una historia dramática. A lo mejor estás haciendo un cómic de mordaza. Podría ser sólo la configuración a una broma que vale la pena en el panel 4. No tienes que ser tan pesado como yo estoy siendo tal vez. Pero así es como me gusta trabajar. Estos son los tipos de historias que me gusta contar. Pero si quieres contar el chiste, eso es sólo una broma simple, eso está totalmente bien. Pero lo que estás haciendo en el panel 3 es prepararte para el revelador ahora mismo. Como usted vio, tenemos la buena resolución. Acabo de enmarcar a los personajes para que veas cómo se están respondiendo unos a otros. El caimán tiene un poco de desgarro. Está contento, pero está al final de la tristeza. Creo que esa pequeña lágrima extra, esa idea me vino más tarde. Creo que te recuerda cuál era la situación antes para tener eso. Si saqué la lágrima es casi justo si el resto de la historia no sucedió de alguna manera porque todo está perfecto pero es mejor cuando hay un poco de evidencia del viaje. Los personajes han estado continuando con la historia como en Harry Potter. Harry Potter tiene una cicatriz en la cara que significa mucho. Para no tener esa cicatriz el personaje es mucho menos impactante como eso es un recordatorio de quién es y cómo su viaje y la lucha de ello, ¿verdad? Pequeños detalles como este, agregando en estos apenas pequeños elementos visuales. Piensa en cómo puedes llevar eso al final de tu historia aquí. Sí, ese es el cómic de cuatro paneles. Ojalá, todo eso inspiró algún cómic contigo o tal vez ideas para un proyecto más grande. 5. Preguntas y respuestas sobre el dibujo de tu cómic: Ahora lo vamos a abrir a algunas preguntas de los alumnos. Señor, nos ha hablado un poco de los diferentes artistas que le han inspirado mientras desarrollaban su propio estilo. ¿ Dónde encuentras la inspiración para los temas detrás de tus historias? Sobre todo porque dijiste que uno de los elementos que realmente es la fuente especial de las historias es el tema. Entonces, ¿dónde encuentras la inspiración para esos? Creo que eso se hizo realmente prominente para mí como un aspecto de contar historias fue hace siete u ocho años, estaba tratando de vender libros a editores. Estaba haciendo mucho autoedición y no estaba haciendo mucho dinero con mi arte. Por lo que estaba trabajando mucho en las escuelas porque aún quería estar en un campo relacionado con el libro artístico creativo. Entonces yo digo: “Oh, bueno puedo enseñar dibujos animados y cómics en las aulas hasta que me ponga en marcha mi carrera”. Hablaría con un montón de niños. En el pasado, he conocido a miles de niños año y les platicé sobre los libros y las cosas que les encantan. Siempre hablan de los temas o de las cosas a las que realmente saltaron, lo sepan o no. Podrían hablar de, “Oh, amo Harry Potter o amo a Bone”, que es un cómic de Jeff Smith que me encantó crecer. Amas a los personajes en ellos, pero cuando los estás leyendo, es el viaje de los personajes al que realmente estás respondiendo. Hablando con niños empecé a darme cuenta de que no se trataba tanto la trama o de si estaba contando una historia ambientada en el espacio, o en el desierto o lo que sea, pero ¿cuál era el viaje de los personajes? De qué estaba representando con aspectos de sus vidas, cosas que cambiaron y conflictos que se encontraron y así tema acaba de convertirse en la base. Lo cual es sólo cierto en la narración de cuentos, sólo me estaba tomando mucho tiempo tal vez darme cuenta de eso. Porque te atrapas en la diversión de los detalles del dibujo y la coloración y el software y todas las cosas geniales que nos hacen querer dibujar. Pero sin un tema fuerte, una forma de relacionarse con los personajes, tu historia simplemente no va a conectar realmente con la gente. Una de las preguntas del público es que a veces otros no entienden el mensaje que esta persona está tratando de cruzar cuando están ilustrando. ¿ Has aprendido algunos consejos y trucos para mejorar comunicando eso claramente, sobre todo en una cantidad realmente truncada de dibujo como en un cómic de cuatro paneles? Sí. Bueno, ya sabes experiencia, solo hacer esto todo el tiempo. Como dije hasta haciendo este cómic, he estado haciendo cómics desde siempre, sigo editando cosas que no necesitaba porque siempre estoy pensando, y estoy pensando esto no porque sea un reto divertido pensar en cómo tu trabajo es comunicarte con alguien. Entonces si puedes ponerte en un lugar donde estás como, mi objetivo con este cómic es conectarte con la gente, conocerlos en su extremo y no tener que te conozcan porque hay tanto arte en el mundo. Tienes que darle realmente a la gente una apertura que sea atractiva. Si tu historia es tan específica para ti que eres la única que la va a conseguir, esa es solo la verdad, y tendrás que lidiar con eso. Si la gente no se está conectando, es porque simplemente no las estás dejando entrar de la manera correcta. Así que haz pequeños cambios, acorta tus historias. En lugar de tener una larga construcción si estás tratando de hacer algún edificio del mundo de fantasía, salta justo al punto de vista del personaje. ¿Cuál es su lucha? No nos pongas con como, “Los dragones nacieron en el volcán y hay que saber que hace cinco millones de años esto sucedió”. Eso es divertido, pero ese es el glaseado en el pastel. Entonces creo que mucha gente, al menos gente como yo, queda atrapada en la construcción del mundo y el atractivo de la estética y como queremos que se vean nuestras cosas, pero no estamos pensando, ¿cómo se mete la gente a nuestro mundo? Por lo que la simplificación en todos los niveles, historia, visuales, longitud, intenta refinar estas cosas y desafíate a conectarte de esa manera. Simplemente vas a estar más feliz porque estás cambiando tu punto de vista sobre tu trabajo y su propósito. me encanta. De hecho, mencionaste que esto comenzó como siete paneles, lo que somos los que terminaste cortando para sea un poco más llegando al grano. Ah, buena pregunta. Tenía un panel que acercaba al cocodrilo y le mostraba realmente triste de inmediato. Después tuve un panel extra donde el pájaro y el caimán pasaban más tiempo juntos. Yo corté el cocodrilo, hice zoom en panel, yo sólo lo tenía diciendo sollozo porque creo que se tiene el punto de que está triste a pesar de que estoy haciendo mucho en el panel 1. Es como si aquí fuera un personaje, aquí hay un escenario. Está realmente triste. Aquí vamos. Muchos directores dicen este tipo de cosas. No le hables a tu público. La gente es más inteligente de lo que tú les estás dando crédito. Especialmente cuando se involucran con los visuales porque somos tan conocedores de cómo leemos las imágenes. Entonces, solo métete directo en ello con la gente. Donde tengo que convencerme de que lo van a conseguir. Así que sólo acortarlo. Por lo que tenía muchos paneles que eran los que acabo reforzar una idea que ya estaba insinuada y simplemente se volvió innecesaria. Ese es el enfoque que tomo con cualquier proyecto de cualquier longitud. El proceso de edición puede ser el más difícil, creo. Sí. Entonces en este cómic que nos estás mostrando, obviamente es solo trabajo de línea negra. ¿ Cuándo tomas la decisión de colorear tus cómics y cuánto usas el color para jugar en la historia? Yo quería hacer color con este tan malo que hasta empecé a colorearlo. Pero sólo por simplicidad, acabo de dejarlo con el line art. Pero para mí, el color es lo emocionalmente de la historia. Entonces todo lo que hago está en color. Si vuelves atrás y miras mis libros, claramente el color está haciendo mucho del trabajo de piernas, lo cual creo que es cierto. arte de línea revela la información que te ayuda a entender lo que está pasando. Pero si coloreara esto, así impulsaría las emociones hacia adelante. Eso lo entiendo viendo viejas películas de Disney cosas como Fantasia, que no son guiadas por historias. Todo se trata de formas y formas y color, en realidad. Entonces sí, el color es súper importante para mí. Al igual que por ejemplo, el panel 1, usaría grises claros oscuros y luego esa mancha de verde donde está el caimán solo para que te atraigan y todo a su alrededor es realmente aburrido. El Panel 2 podría ser rojo porque hay tanta energía y peligro. El rojo es un color realmente ansioso. Entonces cuando lo resolvamos en el último panel, tal vez enfríe el rojo y tal vez guardo este bonito color rosa. Incluso cuando ves mis clases, todas mis diapositivas son muy coloridas. Ese es mi truco de cómo conseguir que sigas mirando la pantalla. Entonces sí, colorear es la mano mágica que está guiando tus emociones y tus ojos a las cosas. Podríamos haber hecho una lección de colorear para historias en su lugar. Pero sí, colorear es súper importante. Tengo clase de color. Se puede ver. 6. Preguntas y respuestas sobre la carrera y el proceso de Ira: En el punto de los viajes, puedes contarnos un poco más sobre tu viaje. Definitivamente nos diste algunas pistas y a dónde encuentras tu inspiración artística. Pero, ¿cuáles fueron los otros pasos para que encuentres tu propio estilo personal y el viaje para llegar allí? Hice cómics, empezando cuando era niño. De verdad me encantó trabajar con la gente. Al igual que me senté en una habitación y dibujo mucho por mí mismo, pero normalmente no estoy haciendo eso solo por mi propio proyecto personal. mí me gusta una colaboración, así que los cómics eran algo que podía dibujar con los niños. Como tal vez algunos de ustedes doblarían algún papel con sus amigos e hicieron un pequeño libro y luego empezaron a dibujar personajes y dibujaban panel y alguien más dibujó un panel o te gusta, agrega páginas. Alguien hace la portada que me encantó, sólo el artefacto de un libro y hacerlos con amigos era realmente importante. Siempre me inclino hacia ese aspecto narrativo del dibujo incluso cuando era realmente joven, cuando fui a la universidad, terminé entrando en artes gráficas porque me sentía como un campo comercial en ese momento era como más seguro como carrera. Simplemente no pensé que mi propio estilo de arte me iba a llevar realmente a ninguna parte, pero soy como si aprendo diseño gráfico y puedo hacer logotipos para empresas y folletos, para menús, para restaurantes, Al menos siempre puedo tener trabajo. Aprendí mucho sobre la suite de Adobe. Soy realmente bueno con Illustrator y Photoshop y en diseño así que todo lo que significa a estas alturas ahora es que puedo armar mis propios libros. Con todas esas habilidades fueron geniales pero para cuando era mayor, volví a dibujar y decidí que voy atratar de sacar mi arte por volví a dibujar y decidí que voy a ahí y solo tomaré cualquier trabajo que pueda conseguir, cual hice por como un año después estoy como, espera un minuto. Mi mamá era maestra, así que soy como puedo enseñar, puedo trabajar después de los programas escolares. Tuve mucha suerte de tener esa captura y luego empecé a hacer clases en línea. Bueno, esta vez fui como auto-publicando mis propias cosas y trabajando en algunos cómics cortos con editoriales más pequeñas como antologías, lo que significa que solo haces un cómic corto para un libro y tal vez te pagan como una tarifa plana, pero estás en una colección con un montón de otros artistas. Todo ese tiempo estuve como buscar un agente que me represente. Entonces hace un par de años, como cuota de habilidad me contactó y están como,” tus clases aquí, cool, como Deberías hacer algo más y las vamos a comercializar”. Así que lo hice, y esos realmente me ayudaron a apoyarme durante el último par de años mientras estaba decidido a gustarme hacer un giro duro a encontrar como un gran editor. Encontré un agente y estaba como, ya no quiero trabajar con un pequeño editor, me va a gustar usar skill comparte una base de ingresos y simplemente realmente tratar de conseguir uno de mis como un pingüino o un poco marrón o uno de estos como grande editores que me reconozcan. Entonces siento que de por vida cuatro o cinco años y fracaso, sólo quiero decir que me dieron como un montón de cartas de rechazo que no me desalentaron. Pero ahora tengo un trato de libro y mucho de eso fue porque pude enseñar, porque como la moral de esa historia son tus habilidades incluso cuando quieras ponerlas hacia tu propia carrera pueden beneficiar a otras personas. Hay tantas maneras en que puedes hacer eso ahora. Se puede trabajar después de los programas escolares o se puede escribir becas, yo hice eso. Para que puedas enseñar más. Hay lugares como cuota de habilidad. Hay oportunidades para difundir tus conocimientos aunque seas como no un profesional de algún alto nivel. Esos son los dos lados de la misma. Como si yo no renunciara a ninguno de los dos lados. A mí me gusta que se pueda equilibrar. Supongo que esa es mi historia, encontrar ese equilibrio de like, cómo puedo involucrarme con un público y también como perseguir mis metas egoístas y ambos se benefician entre sí. Nuestras historias son más fuertes porque enseño. ¿ Pruebas en carretera tus diseños o cómics y si es así, con quién? ¿ Quién es la persona afortunada que llega a verlo primero? Ahora mismo estoy haciendo un libro con Little Brown Publishing, que es un gran editor, así que este fue mi primer gran negocio real del libro. En el pasado, tenía editores involucrándose con mi trabajo, pero mucho de ese contenido era para cosas académicas o escolares, proyectos que se entregaban de forma gratuita y hay mucho menos edición y a la gente igual que a mi estilo y fuimos con él, porque no había un mercado al que necesitara ser vendido. Por ahora, eso es un poco diferente, como el libro en el que estoy trabajando ahora mismo, Se llama Shark Summer. Se trata de unos niños en Martha's Vineyard. Se está filmando The Summer Jaws y le envié a mi editor mi diseño de personajes, ella le encantó la historia, y le envié los diseños como los dibujaría. Al igual que si vas a mi página web y miras la hazaña, ese libro se dibuja realmente caricatura y un estilo de tiempo de aventura, realmente audaz, líneas gruesas, formas simples, los personajes son planos. Por el tipo de historia que estoy haciendo con Sharks Summer a mis editores les gusta, este estilo en esta narrativa no se complementan del todo. Los personajes no pueden parecer muy jóvenes. Qué personajes se ven jóvenes cuando los dibujas simplemente porque tienen como tal vez un poco simples ojos de punto. Cuanto más detalle pongas en la cara a menudo como edades arriba, un diseño de personajes. Tenía un verdadero reto a mí mismo para encontrar un diseño que aún estuviera en mi estilo, pero tenía un nivel de detalle que hacía que estos personajes parecieran un poco más maduros y fundamentados en una realidad. Porque las historias se ambientan en un periodo en tiempo real, los años 70 en Martha's Vineyard. Ese fue un verdadero reto al llegar a un mercado más grande con mi trabajo y pensar realmente en cómo mi arte y narración se complementan entre sí. Que es algo que realmente no me habían empujado a hacer antes y es realmente duro, pero es divertido porque te puedes cansar de cómo haces las cosas, si haces las cosas a tu manera mucho en un reto divertido como si alguien fuera como, me gusta tus cosas pero tratemos de elaborarlo un poco diferente para este proyecto, me encanta trabajar con equipos de edición porque solo trae tu trabajo a un público más grande, creo, visualmente con el estilo de arte y la narración. Ahí está la gran pregunta de seguimiento del público. ¿ Y qué pasa con los tiempos en los que no te gusta el estilo de tu obra o la dirección que va encabezando, así que digamos cuando un editor está tocando. ¿ Cómo pivotes o cómo es ese proceso para ti? Ha pasado mucho tiempo desde que estaba como, infeliz con el dibujo realmente de una manera negativa. Conozco a un montón de jóvenes. Es decir, el arte puede ser tan expresivo, sobre todo cuando se trata de contar una historia con él. Como si estuvieras ilustrando para un libro o como si estuvieras inventando tus propios personajes. Es difícil mostrarle a otras personas cuando no sientes que es perfecto. Pero de nuevo, tienes que tratar al público con respeto como si nunca supieras cómo alguien se va a involucrar con algo, así que siempre va a haber una persona que piense cómo dibujas es genial. Al igual que siempre vas a poder ser un modelo a seguir para alguien allá afuera, sobre todo con las redes sociales, siempre puedes encontrar un público sin importar cuánto de principiante seas realmente porque es el viaje que la gente es interesado e impresionado por, así que acabo de formar mi cerebro alrededor de eso porque puedo ponerme realmente negativo con mis cosas. El otro día intentaba dibujar una pose, era un personaje era como apoyarse en su mano, quería que parecieran cansados pero como emocionalmente cansados, no como físicamente cansados y era tan específico, solo pude no lo hagas, y me tenía que gustar, levantarme y ir a pasear a mi perro. Simplemente maduras y desarrollas un poco de distancia de tu propio trabajo para que puedas irte y volver y ser como reavivado para enfrentarlo de nuevo, y si eres demasiado invertido en tu trabajo te puede perjudicar en el trabajo en tu contra como el arte puede ser emocional, pero justo abajo. No puede ser el fin de algo. Separarte un poco de tu trabajo realmente te ayuda a desarrollar una mejor relación con él, va para que la gente lo haga. Sí, absolutamente. Pensar descansos siempre son buenos pequeños respiradores, en realidad a punto de meterse en la publicación y hacer otras cosas que también se puede perseguir eso. Llegan muchas preguntas del público en torno a eso. Cuando te acercas al editor, para Shark Summer, ¿cuánto de la historia dirías que ya estaba terminada? Volveré a saltar a lo del agente porque a menudo necesitas, vas a necesitar un agente si quieres hablar con alguien como Little Brown, claro, hay otras editoriales a las que podrías llegar por tu cuenta. Pero al igual que tus probabilidades están en tu contra si no tienes un agente. Por suerte, encontré un agente a través Kick-starter que hice para uno de mis libros que están en mi página web, me contactaron porque había demostrado que podía hacer algo por mi cuenta y fue un arranque de patadas exitoso. No loco, pero como sólo lo suficientemente bueno un par de mil $. Tengo esa representación, estaba enviando por ahí toda ficción y como las historias simplemente no estaban captando. Como dije, tenía como tantas cartas de rechazo. Mi agente estaba listo para abandonarme porque hemos fallado tantas veces y yo estaba como, entiendo que han pasado como cuatro años y no te estoy consiguiendo dinero, así que tienes que seguir adelante, debería seguir adelante tal vez. Pero miré todas las cartas de rechazo y encontré momentos en los que la gente estaba como,” Oh, realmente me encanta lo [inaudible] quisiera ver más”. Pero este proyecto es como pulgares abajo, así que como había un toque de luz ahí dentro y encontré esta editora que ahora visita Little Brown y ella estaba como” Nos encantaría ver más”. En realidad no se captó la historia así que acabo de empezar a escribirle directamente porque mi agente me había hecho pasar por ese primer paso, y luego lo estaba haciendo por mi cuenta por un rato, como justo al borde donde era como si esto nunca estuviera yendo que suceda. Yo le envié un montón de cosas que se iban a desarrollar, así que eso es algo en lo que vas a pensar. No dejes de hacer algo porque un editor quiere tener una mano en ello porque el objetivo no es crear alguna increíble pieza de arte. Quieren hacer un libro que la gente quiera leer y comprometerse con un nivel aún más superficial de la historia. Se va a gustar función de esa manera para un editor, tienen que ganar dinero con ello. Eso son sólo los hechos de la misma. Yo le envié todas estas cosas que estaban demasiado desarrolladas donde sintió que no podía entrar ahí como revisarlas y entonces yo estaba como, esto está fallando tanto, como ¿qué pasa con esta idea? Al igual que yo tenía estos pensamientos divertidos, como ¿Qué pasaría si los niños estuvieran haciendo una película de los trabajos de verano venía? Ella es como, eso es solo una gran idea de una frase y luego fuimos de ahí, así que he pasado tantos años haciendo páginas de muestra y todas estas cosas, y eso me devengo una conexión con esta persona, prueba de que podía hacer algo, pero no es el gancho lo que la consiguió. Esto es algo que quiero que sea clase de Skillshare al respecto porque he tenido tanta lucha y realmente no hay muchas cosas ahí fuera en este viaje para publicar novelas gráficas. Pero hay una fina línea de cuánto les das y qué les permites decir. Después de ese pequeño tono, escribí una sinopsis y ella estaba conmigo cada paso en el camino que escribimos la sinopsis, creé personajes, empecé a guionar la historia. Hicimos páginas de muestra y construimos un pitch para su equipo de marketing a los cuatro o cinco meses de ir y venir, y ahora está realmente comprometida con ello porque estaba ahí en el pasillo. No sabía que era como una forma de hacerlo, pero sólo comparto esa idea sencilla con ella. No digo que vaya a venir tan fácil donde solo necesitas el pitch del elevador. Pero si estás haciendo conexiones con agentes y editores, no les des demasiado, solo dale un gusto y deja que te conozcan. Eso es súper fascinante escuchar todo el proceso, a veces sí vemos el producto terminado y parece que fue fácil como suena. Sí, lo sé, porque el producto terminado no hace en absoluto la verdad de ello, Ese es el truco de magia que ves, esos no son los años de practicar el truco de cartas y como toda la gente detrás del escenario, como si hubiera tanto. Bueno, por eso quiero hacer una clase de escultura al respecto, porque creo que es realmente difícil revertir ese proceso simplemente mirando un libro y hasta llegar a un artista o a un autor en Twitter donde sea como tú con gente como si hubiera tanto en la historia que la gente, creo que mucha gente arriba y viniendo gente como quisiéramos saber. Como si necesitara saberlo. 7. Reflexiones finales: Espero que la clase de hoy te haya ayudado a hacer un pequeño cómic corto inspirado en los animales, y las relaciones, e ideas que podrían haber estado flotando en tu cabeza, solo esperando salir al papel. Si no me sigues en Skillshare, tengo 12 clases ahí ahora mismo. Estas son todas clases basadas en narrativas. Tengo una pareja que son más solo de dibujar. Si quieres aprender a dibujar caras, y expresiones, y poses para caricaturas, hay algunas que verás en la pantalla. La mayoría de estos realmente se trata de cómo lo hacemos con esa construcción del mundo? ¿ Cómo conseguimos contestar estas preguntas? Más específicamente, llegar a las preguntas a hacernos: “Oh, nunca pensé pensar en el punto de vista del personaje secundario”. Estas son las cosas que te hacen un mejor cuentacuentos, cavando y conociendo las preguntas que te publicas a ti mismo que luego respondes a través de tu arte. De eso se trata todas estas clases. Compartir proyectos. Trato de hacer mi mejor esfuerzo para comentar. Hay algunos proyectos asombrosos hechos para algunas de estas clases que yo estoy como: “Oh Dios mío, no puedo creer que te haya gustado tanto mi clase para hacer algo así”. De verdad trato de tomarme el tiempo, y dar retroalimentación, y apoyo positivo a las personas que son lo suficientemente valientes como para poner su trabajo aquí arriba. Eso lleva agallas, a la acción trabajar en una clase. Salud a esas personas. Gracias, a todos, por afinarse hoy. Para obtener más información sobre Ira Marcks y sus clases de Skillshare, consulte la página de perfil de Ira Skillshare. Adiós.